Вы находитесь на странице: 1из 66

Эстонская академия Театра и Музыки

Музыкальный Романтизм 19 века


Ответы на вопросы к экзамену
По предмету “Музыкальная литература 19 века”, MTX320

Составитель
Дина Курапова

Преподаватель
Тия Ярг

Таллинн 2008
Музыкальный Романтизм 19 века.............................................................1
Романтизм...................................................................................................4
Причины возникновения........................................................................4
Новые музыкальные жанры...................................................................5
Отражение национальных чёрт в музыке............................................5
Отношение романтиков к современности и прошлому.......................6
Программность в музыке 19 века.............................................................7
Значение тональности h-moll. Произведения в си-миноре...................10
Роль бытовой музыки в искусстве 19 века............................................10
Итальянская опера в Европе. 19 век......................................................10
Опера в Германии. 19 век .....................................................................14
Французская опера в 19 веке..................................................................16
Русская опера в 19 веке..........................................................................17
Найти общие черты в операх Вебера «Волшебный стрелок» и Россини
«Вильгельм Телль»..................................................................................19
Увертюра и интродукция в опере 19 века.............................................20
Оперная реформа Вагнера. Суть музыкальной драмы Вагнера..........21
Тетралогия Вагнера «Кольцо Нибелунга» - основные идеи, формы и
новшество в оркестре..............................................................................22
Фортепианные циклы 19 века................................................................23
Роль Шумана в первой половине 19 века в немецкой музыке.............26
Музыкально-литературная деятельность Шумана...............................28
Камерные ансамбли в творчестве: Шумана, Шуберта, Брамса..........28
Влияние песни на другие жанры...........................................................30
Песенные циклы в творчестве композиторов 19 века.........................30
Вокально-симфонические крупные формы............................................32
Развитие оркестровой музыки. Новые регистры, новые приёмы
использования инструментов, новые приёмы игры..............................33
Развитие Симфонии. Бетховен – Шуберт – Берлиоз - Мендельсон –
Лист – Брукнер – Брамс – Чайковский....................................................35
В каких симфониях 19 века использован вокал?.................................43
Этюды в творчестве Шопена и Листа....................................................43
Развитие инструментального концерта в музыке 19 века. Трактовка
циклов, сольная каденция. (Бетховен - Мендельсон - Лист - Брамс).. 44
Соната (соло и дуо)..................................................................................45
Вариации: Бетховен – ор. 34; Шуман – ор. 13; Брамс – ор. 24, 35, 56,
98; Чайковский – ор. 33............................................................................46

2
Музыкальное образование в Европе в 19 веке. (муз. учреждения).....48
Музыкальные издательства................................................................49
Каких композиторов были издатели Симрок и Юргенсон.................50
Выдающиеся интерпреты 19 века.........................................................51
Эдуард Ханслик (1825-1904)..................................................................51
Баллада, скерцо, рапсодия в творчестве композиторов 19 века........52
Музыкальные события и написанные произведения в 1876 году.......53
Фауст в музыке 19 века...........................................................................54
Дополненительные вопросы...................................................................55
Балеты Чайковского ..............................................................................55
1- ый концерт Чайковского. ...................................................................55
Э. Гофман (опера Ундина).......................................................................56
Перечислить композиторов Франции 19 века.......................................56
Симфонии Брамса, что нового в форме?................................................57
Шуберт, симфония си-минор...................................................................57
Музыкальный язык Листа. Новые жанры...............................................58
Монотематизм в творчестве Листа.........................................................58
Фортепианные циклы Шумана................................................................59
Шуберт. ....................................................................................................59
Масштаб и значение. .......................................................................59
Темы....................................................................................................59
Тексты. ...............................................................................................59
Композиционная техника. ................................................................60
Дальнейшее развитие песни в творчестве Шуберта. ....................60
Инструментальное сопровождение песен......................................62
Новая трактовка сонатно-симфонического цикла................................62
Оперы Мусоргского..................................................................................64
Симфонизм Брукнера...............................................................................65
Вопросы, которые попались мне на экзамене (билет № 4)..................66

3
Романтизм
Причины возникновения

Романтизм (франц. romantisme) - художественное направление, сложившиеся в конце


XVIII - начале XIX века, выступающее против классицизма. Романтизм стремился к
изображению идеальных героев и чувств.

Причиной возникновения романтизма - Великая французская буржуазная революция


(1789), которая завершила эпоху Просвещения. Писатели, художники, музыканты
оказались свидетелями грандиозных исторических событий, революционных
потрясений, преобразивших жизнь. Многие из них восторженно приветствовали
изменения, восхищались провозглашением идей Свободы, Равенства и Братства.

Но время шло, и они замечали, что новый общественный порядок далёк от того
общества, наступление которого предвещали философы XVIII века. Наступила пора
разочарования.

В философии и искусстве начала века зазвучали трагические ноты сомнения на


принципах Разума. Попытки уйти от действительности и в то же время осмыслить её
вызвали появление новой мировоззренческой системы - РОМАНТИЗМА.

Заслуга романтиков заключалась в том, что они почувствовали противоречия и


дисгармонию общества. Однако при всём неприятии нового социального порядка
романтики не могли ни понять его сущности, ни постигнуть его законов.
Романтическая критика носила отвлечённый характер.

Романтики идеализировали общество, в котором видели царство добра, искренности,


порядочности. Романтизм получил в каждой культуре своё собственное лицо: у немцев
- в мистике; у англичан - в личности, которая будет противопоставлять себя разумному
поведению; у французов - в необычных историях.

Основной задачей романтизма было изображение внутреннего мира, душевной жизни,


а это можно было делать и на материале историй, мистики и т.д. Нужно было показать
парадокс этой внутренней жизни, её иррациональность.

И если классицизм всё делит по прямой, на плохое и хорошее, на чёрное и белое, то


романтизм по прямой ничего не делит. Классицизм - это система, а романтизм - нет.
Романтизм продвинул продвижение нового времени от классицизма до
сентиментализма, который показывает внутреннюю жизнь человека в гармонии с
огромным миром. Именно с романтизма начинает появляться настоящий психологизм.

В своём воображении романтики преображали неприглядную действительность или же


уходили в мир своих переживаний. Разрыв между мечтой и действительностью,
противопоставление прекрасного вымысла реальности лежали в основе всего
романтического движения.

4
Новые музыкальные жанры
Доменируют маленькие формы (песни, фортепианные пьесы,
пьесы для скрипок)
Программность произведений - картинная программность
(музыкальной картины природы, народных празднеств, битв и т.п.). В
сюжетно-программных произведениях развитие музыкальных
образов отвечает контурам сюжета, заимствованного из
художественной литературы. Порой в них даётся музыкальная
характеристика основных образов, общего направления развития
сюжета, первоначального и итогового соотношения действующих сил
(обобщённо-сюжетная программность), иногда отображается вся
последовательность событий (последовательно-сюжетная
программность).
Главной темой в произведении является чувство (любовь,
ненависть, презрение)
Доменирует в произведениях и природная тематика (шторм,
ветер, гроза,бушующее море)
Использовалась и мистика (Тролли, призраки,существа из
потустороннего мира)
Из танцев ведущую роль берёт на себя вальс. (Раннее - менуэт)
Самое важное средство выражения - мелодия. Мелодия как правило
текущая,чувственная, длинная.
Важным жанром также стала – соло-песня.
Красивая певучая мелодия переносится также в инструментальную
музыку.

Отражение национальных чёрт в музыке

Фридерик Шопен
Он основатель польской национаольной школы. Первый известный
польский композитор,который опирался на интонации своей
народной музыки. Мазурки, полонезы, краковьяк, польки.

В музыке Брамса в 18 веке властвуют сформировавшиеся формы и


жанры. Источником его творчества была народная песня.
«Венгерские танцы», «Немецкие танцы». Певучая народная мелодия
в 3 симфонии.

Лист «Ввенгерские рапсодии». Венгерские рапсодии Ференца


Листа (1811-1886). Лист разрабатывал фольклорные источники,
лёгшие в основу Венгерских рапсодий, на протяжении нескольких
десятилетий. Большинство содержащихся здесь напевов вошли в
позже написанные девятнадцать рапсодий. Лист черпал богатство
сначала в собственных детских воспоминаниях, которые восходят к
Бихари и другим цыганским знаменитостям, а затем в полях
цыганских оркестров Эденбурга, Пресбурга, Пешта.

5
В этих мелодиях ярко запечатлелись особенности стиля вербупкош.
Сам жанр инструментальной рапсодии является изобретением Листа.
Правда, он не был первым, кто ввёл это обозначение в фортепианную
музыку: с 1815 года рапсодии писал чешский композитор В. Я.
Томашек. Но Лист придал им иное толкование: под рапсодией он
разумеет виртуозное произведение в духе парафраза, где вместо
оперных мелодий используются народно-песенные и танцевальные
мотивы. Своеобразием отмечена и форма листовских рапсодий,
основанная на контрастном сопоставлении двух разделов -
медленного и быстрого: первый более импровизационного склада,
второй - вариационный.

Время создания Листом рапсодий: № 1 - около 1851 года, № 2 -1847


год, № 3-15 -около 1853-го, № 16 - 1882 год, № 17-19 - 1885 год.
Фольклорных источников не используют рапсодии № 16, 17 и 18.

Многие из Венгерских рапсодий Листа заняли место в ряду наиболее


популярных у публики и часто исполняемых пианистами
произведений мировой фортепианной классики. Шесть из
девятнадцати рапсодий ( № 2, 5, 6, 9, 12, 14) переложены для
оркестра самим автором и Францем Допплером.

Отношение романтиков к современности и прошлому.

Разочарование в современности порождало у романтиков особый


интерес к прошлому, к старине. Многим романтикам было
свойственно представление, что живописная экзотика Италии,
Испании, Греции, Турции - является контрастом скучной
обыденности. В этих странах, тогда ещё мало затронутых
цивилизацией, романтики искали яркие, сильные характеры,
самобытный, красочный жизненный уклад.

Романтизм не был однородным течением: его идейное развитие шло


в различных направлениях. Среди романтиков были приверженцы
старого режима, которые воспевали феодальную монархию и
христианство. С другой стороны, романтики выражали
демократический протест против феодального и всяческого гнета,
воплощали революционный порыв народа к лучшему будущему.

Особое место среди романтиков писателей принадлежит


французским писателям. В своём развитии французский романтизм
был связан с политической борьбой своей эпохи, чем романтическое
движение других стран. Крупнейшими представителями его явились
Шатобриан и Жермена де Сталь на первом этапе, Ламартин, Виньи и
ранний Гюго - на втором этапе, совпавшем с эпохой Реставрации,
более поздний Гюго и Жорж Санд - на третьем этапе французского
романтизма.

6
Шатобриан и Виньи проклинали революцию и оплакивали
утраченный блеск и величие дворянства. Виктор Гюго,
вдохновленный борьбой французской демократии за политический
прогресс, считал французскую революцию величайшим завоеванием
человечества. Обращаясь к прошлому, Гюго находил живое
проявление творческих сил народа, его мятежного духа, его
неугасимого стремления к свободе.

Ареной борьбы между романтиками и сторонниками классицизма


стал театр, так как наиболее прочными были позиции классицизма
именно в области драмы. Александр Дюма-отец, Мюссе, Гюго, Мериме
выступают с драмами, направленными против требований
классической трагедии. Французские романтические драмы,
свободные по композиции, рисующие бурные страсти и яркие
чувства, отражали прогрессивные веяния эпохи.

Во Франции полное торжество романтизма пришлось на 20-е - начало


30-х годов 19 века. В это время получает развитие жанр
исторического романа. Несмотря на все достоинства французского
исторического романа, романтики не могли достигнуть глубины,
правдивости Вальтера Скотта, служившего им образцом.

Программность в музыке 19 века

Среди программных произведений композиторов-романтиков –


«Фантастическая симфония» и симфония «Гарольд в Италии»
Берлиоза, симфонии «Фауст», «К Божественной комедии
Данте»,симфонические поэмы «Тассо», «Прелюды» и др. Листа.
Cимфоническая картина «Иванова ночь на Лысой горе» и
фортепианный цикл «Картинки с выставки» Мусоргского,
симфоническая сюита «Антар» Римского-Корсакова, симфония
«Манфред», увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта», фантазия для
оркестра «Франческа да Римини» Чайковского и др.

Берлиоз - создатель программного симфонизма


«Фантастическая симфония»- автобиографическая работа
Впервые в основе литературный сюжет.
Впервые дурно описывается жизнь.
Новые звуковые краски и большой оркестр (130 музыкантов).
Необычное количество частей (5).
Произведение монотематическое. Главная тема (любви) проходит
через все части
Произведение оказывает большое влияние на дальнейшее развитие
симф. музыки, а также на разработку частей в оркестре.
I часть: Мечтания страсти
II часть: Бал
III часть: Сцена в полях

7
IV часть: Шествие на казнь
V часть: Сон в ночь шабаша – тема Dies irae
Тема Dies irae используется только как символ смерти.

Стиль Берлиоза определился уже в «Фантастической симфонии»


(1830, подзаголовок - «Эпизод из жизни художника»). Это известное
произведение Берлиоза - первая романтическая программная
симфония. В ней нашли отражение типичные для того времени
настроения (разлад с действительностью, преувеличенная
эмоциональность и чувствительность). Субъективные переживания
художника поднимаются в симфонии к социальным обобщениям:
тема «несчастной любви» приобретает значение трагедии.
Берлиоз "Гарольд в Италии" (1834) - программная симфония (по
Байрону) состоит из 4-х частей. В ней героический характер. Она
написана памяти жертв революции 30-го года.

I часть – “Траурное шествие”.


II часть – “Надгробное слово” (соло тромбона).
III часть – “Апофеоз”.
Эта симфония написана для 2-х оркестров (симфонический и
военный) и хора.

Лист - В 1837 году прибыл в Италию. «Годы странствий» – это


фортепианный цикл из программных пьес. В нём 3 части: «год
первый» – Швейцария, «Год второй» – Италия, «Год третий» - Рим.
История создания этого цикла сложная. Сначала пьесы 1-го тома
вошли в сборник «Альбом путешественника» и отразили впечатление
о Швейцарии. Потом он их переработал (50-е гг.) и сделал из них
«Годы странствий» – «Год первый». Путешествуя по Италии, Лист
написал несколько пьес под впечатлением искусства итальянского
возрождения. Потом они вошли во 2-й том. Это: «Обручение»,
«Мыслитель», «Сонеты Петрарки», соната-фантазия «После
прочтения Данте». К ним Лист прибавил 3 пьесы под общим
названием – «Венеция и Неаполь» – «Гондольера», «Канцона»,
«Тарантелла». «Год третий» создавался 10 лет – 1867-1877гг. Там
отразились римские впечатления: «Кипарисы виллы д’Эсте»,
«Фонтаны виллы д’Эсте». Отразились религиозные впечатления:
«Ангелюс», «Ввысь сердца». В пьесах 3-го тома настроение скорбное;
эпиграфы из Библии. Музыка близка к импрессионизму, зыбкие
гармонии, более камерные пьесы.

В этом цикле Лист выразил свои размышления, создал картины


природы, выразил впечатление от творений мастеров. Все пьесы
очень живописны, с яркими темами. В 1-м томе – это разные картины
природы, например: «На Валленштадтском озере» или «Женевские
колокола», «У родника»; есть образы бурной природы – «Гроза». Есть
пьесы, рисующие безмятежную картину – «Эклога», «Тоска по
Родине»; есть и героические, бурно романтические пьесы – «Часовня
Вильгельма Телля». Основной принцип развития – вариационный.

8
Лист написал 13 симфонических поэм. Почти все они написаны в
центральный Веймарский период. В этом жанре он обращается к
шедеврам мировой литературы. У Листа есть симфонические поэмы –
«Орфей», «Гамлет», «Тассо», «Что слышно на горе?», «Мазепа»,
«Прелюды».
Лист – создатель жанра симфоническая поэма. Это – одночастное
произведение для симфонического оркестра, в котором сочетаются
черты разных форм, например, сонатной и циклической формы. Это –
программное произведение. Программность эта более обобщенная, а
не сюжетно-описательная, как у Берлиоза. В центре всегда один
герой - героическая личность. Заканчиваются симфонические поэмы
обычно апофеозом. Наличие одного главного героя рождает принцип
монотематизма. Все темы симфонической поэмы происходят из
первой начальной темы.
«Прелюды» – симфоническая поэма. Программой служит
стихотворение Ламартина с одноименным названием – «Прелюды».
Смысл в том, что земная жизнь человека является лишь прелюдией к
основной – небесной жизни. Человек проходит через жизнь, встречая
радости и невзгоды, и уходит на небо. Лист выразил в поэме этапы
земной жизни человека. В основе симфонической поэмы лежит
сонатная форма со вступлением и зеркальной репризой, но в ней
явно проступают черты симфонического цикла сжатого в
одночастность.

Чайковский – 6 симфония. Симфония си-минор, соч. 74 (1893 г.)


Драматическая напряжённость, новаторская трактовка цикла,
высокий накал мысли и чувства, трепетная взволнованность музыки.

Шестая симфония - одно из наиболее популярных и часто


исполняемых произведений мировой симфонической литературы.

Четырёхчастный цикл Чайковский трактует по-своему. Эту симфонию


можно назвать симфонией-трагедией. Конфликт человека с
действительностью заканчивается фатально. Композитор сочинил к
этому произведению программу, но её текст не опубликовал, считая,
что содержание музыки будет понятно и так.

I часть - сонатное аллегро с медленным вступлением. Темы


развиваются от драматического накала к спаду, светлый образ не
достигнут, силы человека на исходе. В середине части звучит
церковный напев «Со святыми упокой».

II часть - светлый лирический вальс, написанный в размере пять


четвертей (5/4). Вальс - лишь временная разрядка, в конце его у
тромбонов вновь звучит грозная тема из первой части.

III часть - скерцо – марш, энергичный, волевой, враждебный.

IV часть - финал - adagio lamentoso, траурно-погребальная музыка. В


ней нет ни одной темы восходящего движения и даже светлые

9
лирические фрагменты состоят сплошь из «плачущих» интонаций.
Музыка замирает.

Значение тональности h-moll. Произведения в


си-миноре
Лист – Фортепианная соната h-moll, посвящена Шуману, готова в
1853 году. Исполнена вон Бюлловым в 1857 году на первом металло-
сконструкциированном ф-но.

Шуберт - симфония №8 h-moll, неоконченная (1822 г. – только 2


части), Первая романтическая симфония.

Чайковский 6 симфония си-минор – см. стр. 9

Роль бытовой музыки в искусстве 19 века


С жанрами народно-бытовой музыки тесно связаны многие
произведения Шопена и в первую очередь его танцевальные пьесы:
мазурки, полонезы, польки, кадрилли, вальсы.

Творчество Шуберта связано с австрийским народным искусством, с


бытовой музыкой Вены. К бытовой музыке следует отнести 250
вальсов.

Творчество Брамса также можно отнести к немецко-австрийской


народно-бытовой музыке, в которой органически сочетаются
венгерские и славянские (чешскими, словацкими, сербскими)
народнопесенные и танцевальные элементами. Влияние венгерского
и славянского музыкального фольклора характерно для творчества
величайших мастеров венской школы (Гайдна, Моцарта, Бетховена,
Шуберта). Все это можно наблюдать в различных жанрах творчества
Брамса, начиная от произведений, связанных с бытовой музыкой
(вальсы, венгерские танцы, многие песни), и заканчивая камерными
ансамблями и симфониями. («немецкие танцы»).

Итальянская опера в Европе. 19 век.


Россини: „Севильский цирюльник“ (1816) - опера Дж. Россини,
сочиненная в 1816 г. На сюжет одноимённой комедии Бомарше.

10
«Севильский цирюльник» Дж. Паизиелло пользовался в то время
большой популярностью. Однако шедевр Россини (созданный за 13
дней!) оказался столь совершенен, что вскоре вытеснил оперу
Паизиелло и даже перенял её название (первоначальное название
россиниевской оперы «Альмавива, или Тщетная предосторожность»).
В «Севильском цирюльнике» Россини - жанр оперы-буффа -
господствует сольное пение. Чисто вокальными средствами
композитор создал образную характеристику своих героев: Фигаро,
например, характеризуется скороговоркой; в партии дона Базилио
преобладают гротескно-угловатые интонации (достаточно вспомнить
знаменитую арию о клевете); виртуозным вокальным блеском
отмечена партия Розины. Премьера в Риме – полный провал.

"Сорока-воровка"- опера-семисерия (1817). Служанка Нанетта


хочет спасти жизнь отца, дезертировавшего из армии и
разыскиваемого полицией. Неожиданно на неё обрушивается новое
несчастье. Она обвинена в краже хозяйского серебра, и ей угрожает
смертная казнь. Подлый подеста (судья), чьи любовные
домогательства отвергнуты Нанеттой, утверждает приговор. В
последнюю минуту невиновность Нанетты доказана: мальчик Пиппо
находит серебро, похищенное ручной сорокой, и девушка спасена.
Увертюра связана с оперой (В Италии это не было традицией). 1815-
1816 пишет Россини каденции для вокалистов.

«Золушка» - лирико-бытовая музыкальная комедия. Комическая


опера в двух действиях; либретто Я. Ферретти. Первая постановка:
Рим, театр «Валле», 25 января 1817 года. Для исполнения оперы
«Золушка» требуются много хороших вокалистов, поэтому её больше
невозможно увидеть на сцене театров. Тоже самое с Беллини.
Краткое содержание: У барона Дона Маньифико две дочери Клоринда
и Тисба и падчерица Анджелина, по прозвищу Золушка. Отчим отнял
у Золушки её наследство, в доме с ней обращаются как с прислугой.
Действие первое. Утро в доме Дона Маньифико. В то время как
Клоринда и Тисба вертятся перед зеркалом, Золушка, как всегда,
хлопочет по хозяйству, напевая грустную песенку. Слышен стук в
дверь. Это явился Алидоро, наставник принца Дона Рамиро.
Переодевшись нищим, он занимается поисками достойной невесты
для своего воспитанника. На просьбы нищего о милостыне Клотильда
и Тисба отвечают грубостью. Золушка же предлагает пришельцу
хлеб и кофе. Алидоро искренне тронут добротой девушки.
Неожиданно появляются глашатаи, сообщающие, что принц Дон
Рамиро собирается жениться и скоро прибудет сюда, чтобы
пригласить Дона Маньифико с дочерьми на бал, где выберет себе
будущую супругу. Клоринда и Тисба взволнованы и обрадованы
каждая рассчитывает завоевать сердце принца. Необычайно рад и
сам Дон Маньифико если Дон Рамиро выберет одну из его дочерей,
он сможет поправить свои пошатнувшиеся дела и станет к тому же
знатным вельможей. В доме начинается невообразимая суета сборов
на бал. Между тем Дон Рамиро, узнав от верного Алидоро, что
падчерица Дона Маньифико милая и добрая девушка, приходит в дом

11
барона, предварительно переодевшись в платье своего камердинера
Дандини. Он решает сам во всём убедиться и заодно испытать
чувства Золушки....

«Вильгельм Телль» (1829), - 21 номер, из которых 12 хоров. Нет


арий и номера незаконченные. Опера в четырех действиях; либретто
де Жуи и Би по драме Ф. Шиллера «Вильгельм Телль». Первая
постановка: Париж, Королевская академия музыки, 3 августа 1829
года. Героико-патриотическая опера, проникнутая пафосом
освободительной борьбы. Основа оперы - одноимённая драма
великого немецкого поэта Ф. Шиллера. Героическое начало
выявляется в чистоте и благородстве отношений героев, людей из
народа, в суровой простоте их быта. Центральное место в опере
занимают массовые хоровые сцены, раскрывающие образ народа,
вносящие важные штрихи в характеристики большинства
действующих лиц. Сценическое действие включает живописные
картины природы и помпезные шествия, любовные эпизоды и
эффектные балетные номера. Своеобразен музыкальный язык оперы,
широко использующий швейцарский и тирольский национальный
фольклор.

Беллини: "Сомнамбула" 1831, "Норма" 1831, "Пуритане" 1835


«Сомнамбула» - мелодрама в двух действиях; либретто Ф. Романи
по пантомиме «Сомнамбула, или прибытие нового хозяина» Э. Скриба
и Ж. П. Омера с музыкой Ф. Герольда. Первая постановка: Милан
театр «Каркан», 6 марта 1831 года.
«Норма» - Лирическая трагедия в двух действиях; либретто Ф.
Романи по одноимённой драме А. Суме. Первая постановка: Милан,
театр «Ла Скала», 26 декабря 1831 года.

«Пуритане» - Опера в трёх действиях; либретто К. Пеполи по драме


Ж. Ансело и К. Сентэна, созданной по мотивам романа В. Скотта.
Первая постановка: Милан, 1835 год. Действие развёртывается в
середине XVII в., в пору борьбы между войсками Кромвеля и
сторонниками Стюартов, то есть между пуританами и роялистами. В
дочь пуританина лорда Уолтона влюблены роялист лорд Артур
Талбот и пуританин Ричард Форт. Лорд Уолтон предпочитает выдать
дочь замуж за Форта, но Эльвира любит Артура. Отец даёт согласие
на их брак: в день свадьбы Артур покидает невесту, спасая жизнь
Генриетты, вдовы казненного Карла I Стюарта. Эльвира не знает
истинных причин отъезда жениха; поверив слухам о его измене, она
сходит с ума. По доносу Ричарда Форта Артур обвинен в измене и
осужден на казнь за спасение королевы. Безумная Эльвира всюду
разыскивает жениха, но Ричард отказывает ей в свидании с ним, хотя
только это и может вернуть ей рассудок. Артуру удается бежать, и
он, рискуя жизнью, хочет проститься с Эльвирой. Встреча
влюбленных прерывается появлением стражи, которая схватывает
беглеца. В последнюю минуту прибывает гонец, сообщающий о
поражении Стюартов, победе Кромвеля и амнистии политическим
преступникам. Рассудок возвращается к Эльвире. В либретто мало

12
что осталось от романа В. Скотта. Действие перенесено в другую
эпоху, характеры обеднены, но музыка поднимается до подлинного
драматизма. Патриотическая тема ярко воплощена в опере.
Основные партии, в особенности Артура, написаны в расчете на
певцов, обладающих исключительными вокальными данными и
техникой. Хотя либретто грешит недостатками, привычными для
старой итальянской оперы, «Пуритане» имели большой успех.
В музыке Беллини узнаваемы народные настроения, Его премьеры в
Италии часто связаны с народными демонстрациями. В операх
«Норма» и «Пуритане» присутствует актуальная политика. Беллини -
мастер bel canto, оказал влияние на развитие вокального искусства.
В музыке Беллини вокальная мелодичность черпается из
итальянских интонаций и народных ритмов. Гармония и
инструментовка просты. Б. добивался согласованность текста и
музыки. Реформатор итальянских оперных речетативов.

Доницетти: 1818 году дебютировал успешно с оперой «Энрико, граф


Бургундский». Первая опера исполненная в Европе «Анна Болейн»
(Лирическая трагедия в двух действиях; либретто Ф. Романи по
драмам М.-Ж. Шенье, А. Пеполи и И. Пиндемонти. Первая постановка:
Милан, театр «Каркано», 26 декабря 1830 года.), "Лукреция Боргия"
(1833). 1835 году написана одна из лучших опер Доницетти «Личия
ди Ламмермур». К 36 годам Доницетти завоевал все оперные сцены
в Европе. Его оперы мелодичные, разноликие и театральные. Оперы
«Любовный напиток» (Комическая опера в трёх действиях;
либретто Ф. Романи. Первая постановка: Милан, «Театро делла
Каноббиана», 12 мая 1832 года.) и «Дон Паскуале» (Комическая
опера в трех действиях; либретто М. Аккурси (Джованни Руфини).
Первая постановка: Париж, «Театр итальен», 3 января 1843 года) с
народными образами, блестящими мелодиями, с жизненной
радостью.

Верди: "Оберто" (Опера в двух действиях, либретто А. Пьяцца и Т.


Солера. Первая постановка: Милан, театр «Ла Скала», 17 ноября 1839
года.), «Король на час» (опера в двух действиях, либретто Ф.
Романи, основанное на комедии Александра Винсента Пиню-Дюваля.
Первая постановка: Милан, театр «Ла Скала», 5 сентября 1840 года),
«Набуко», «Ломбарды» (1843), «Эрнани» (Опера в четырёх
действиях, либретто Ф. М. Пиаве, основанное на драме В. Гюго
«Эрнани». Первая постановка: Венеция, театр «Ла Фениче», 9 марта
1844 года.), «Риголетто» (Музыкальная драма в трёх действиях;
либретто Ф. М. Пиаве по драме В. Гюго «Король забавляется». Первая
постановка: Венеция, театр «Ла Фениче», 11 марта 1851 года.),
«Травиата» (мелодрама в трёх действиях; либретто Ф. М. Пиаве по
драме А. Дюма-сына «Дама с камелиями». Первая постановка:
Венеция, театр «Ла Фениче», 6 марта 1853 года.), «Трубадур»
(Драма в четырёх частях, либретто С. Каммарано, с дополнениями Л.
Э. Бардаре, по трагедии А. Г. Гутьерреса «Трубадур». Первая
постановка: Рим, театр «Аполло», 19 января 1853 года.), "Отелло" -
реалистичная муз. драма (Музыкальная драма в четырёх актах;

13
либретто А. Бойто по одноимённой трагедии Шекспира. Первая
постановка: Милан, театр «Ла Скала», 5 февраля 1887 года.)
Верди нашёл, что музыка связана со сценическим искусством, певица
для него - это актриса. В операх Верди 2 конфликта: конфликт между
действующими лицами и конфликт в самих действующих лицах.

Опера в Германии. 19 век


Вебер: "Немая лесная девушка" (1789 в Фрайнбурге премьера
первой юношеской оперы), "Волшебный стрелок" (Премьера
состоялась 18 июня 1821 года в Berliner Schauspielhaus.) Оперу часто
называют «первой немецкой национальной оперой», что не
подтверждено музыкально-историческим анализом), "Эврианта"
(1823), "Оберон" (1826). Эврианта явилась попыткой создать
музыкальную драму, и это произведение оказало значительное
влияние на вагнеровского Лоэнгрина. Но тяжело больной к этому
времени композитор не вполне справился с трудностями
поставленной им задачи, и Эврианта имела лишь
непродолжительный успех (популярной стала лишь увертюра к
опере). То же самое относится к Оберону, созданному по мотивам
комедий Шекспира «Буря и Сон в летнюю ночь». Хотя в этой опере
есть восхитительная музыка эльфов, прелестные картины природы и
увлекательная песня русалок во втором акте, в наше время
исполняется лишь вдохновенная увертюра к Оберону. Среди
сочинений Вебера в других жанрах можно отметить два
фортепианных концерта и часто исполняемый концертштюк для
фортепиано с оркестром; четыре сонаты; несколько циклов вариаций
и знаменитое Приглашение к танцу для фортепиано соло (позже
инструментованное Гектором Берлиозом).

Абсолютной вершины немецкая опера достигла в творчестве


Р.Вагнера (1813–1883), в ранних произведениях которого заметно
влияние Вебера и Маршнера, а также Спонтини и Керубини. Первая
опера композитора – «Риенци» (1842) – была вполне традиционным
произведением во французском героическом вкусе. Значительный
шаг к воплощению новой идеи «музыкальной драмы» Вагнер сделал
в «Летучем голландце» (1843). Хотя эта опера «номерная», что
типично для итальянского стиля, «номера» здесь тяготеют скорее к
слиянию, чем к разделению, и внутри актов действие развивается
непрерывно. В Летучем голландце появляется и главная

14
философская тема Вагнера – искупление через женскую любовь.
Текст либретто композитор написал сам. В «Тангейзере» (1845) и
«Лоэнгрине» (1850) слушатель погружается в мир древних
германских легенд. В этих операх вокальное письмо сочетается с
развитием музыкального тематизма в оркестре, и уже широко
используются лейтмотивы («ведущие мотивы»), главные
мелодические идеи: краткие, постоянно возвращающиеся фразы,
связанные с конкретными героями, предметами или понятиями.
Следующим шагом было сплетение подобных лейтмотивов в единую
ткань, в результате чего центр музыкального действия сместился в
симфоническую сферу. Наконец, новый метод был поставлен на
скандинавский эпос, восходившем, как полагал Вагнер, ко времени
зарождения германского этноса.
Вагнер: «Нимфа», «Запрет любви» (на примере) «Риенци» (Опера в
пяти действиях; либретто автора по роману Э. Булвер-Литтона
«Риенци, последний из римских трибунов». Премьера: Дрезден, 20
октября 1842 года; на русской сцене - Петербург, Мариинский театр,
22 октября 1879 года, под управлением Э. Направника), «Летучий
голландец» (Опера в трёх действиях. Либретто композитора по
народной легенде и новелле Г. Гейне «Из мемуаров господина фон
Шнабелевопского». Первое представление: Дрезден, 2 января 1843
года.), «Taнгейзер», «Лоэнгрин» (Романтическая опера в трёх
действиях; либретто автора. Первая постановка: Веймар,
Придворный театр, 28 августа 1850 года.), «Тристан и
Изольда»(Опера в трёх действиях; либретто автора. Первая
постановка: Мюнхен, Придворный театр, 10 июня 1865 года),
тетралогия «Кольцо Нибелунга» (Торжественное сценическое
представление с прологом ("предвечерьем") для трёх дней; либретто
автора. Пролог: «Золото Рейна». Первый день: «Валькирия». Второй
день: «Зигфрид». Третий день: «Гибель богов».), «Нюрнбергские
мейстерзингеры» (Опера в трёх действиях; либретто автора. Первая
постановка: Мюнхен, Придворный театр, 21 июня 1868 года),
«Парсифаль» (Драматическая мистерия в трёх действиях; либретто
автора. Первое представление: Байрёйт, "Фестшпильхаус", 26 июля
1882 года.).

«Тристан и Изольда». Легенда о Тристане и Изольде имеет


кельтское происхождение, но получила широкое распространение в
обработке как средневековых, так и позднейших авторов. Вагнер был
знаком с романом Готфрида Страсбургского «Тристан» (XIII век), а
также с произведениями Августа фон Платена, Карла Риттера и
Юлиуса Мозена, использовавшими этот сюжет. Настроения,
господствующие в вагнеровской драме, близки «Гимнам к ночи»
Новалиса.

Замысел произведения сформировался у Вагнера к середине 1850-х


годов, в сентябре 1857 г. был готов текст, в августе 1859 г. –
партитура. Но постановка «Тристана» постоянно откладывалась, в
том числе и потому, что это новое и непривычное произведение было

15
объявлено неисполнимым (так, Венская опера отказалась от него в
1863 г. после многочисленных репетиций).

В конце концов, премьера «Тристана и Изольды» состоялась 10 июня


1865 г. В Национальном театре в Мюнхене, заглавные партии
исполняли Людвиг и Мальвина Шнорр фон Карольсфельд. Первая
постановка в рамках Байройтского фестиваля состоялась в 1886 г.
под управлением Феликса Моттля. Краткое содержание: С давних
пор король Корнуолла Марк платил дань Ирландии. Но однажды
вместо дани ирландцы получили голову своего лучшего воина
Морольда, убитого в поединке племянником короля Марка,
Тристаном. Невеста убитого, Изольда, поклялась в вечной ненависти
к Тристану. Но случилось так, что белокурую Изольду решил взять в
жёны король Марк, и привезти её для своего дяди из Ирландии
должен был Тристан. В пути молодые люди полюбили друг друга. Но,
поскольку их любовь была запретной, Изольда приказала своей
верной служанке и подруге Брангене приготовить смертельный
напиток, чтобы умереть вместе с Тристаном. Верная Брангена, чтобы
спасти свою госпожу, наливает вместо напитка смерти любовный
напиток. Тристан и Изольда пьют из одного кубка, и непобедимая
страсть охватывает их. Король Марк женится на Изольде, но чувства
влюблённых друг к другу не гаснут. Влияние Шопенгауера замечено
в концепции «Тристана и Изольды». Не писал о любви, писал только о
её страданиях: не воспевает жизнь. Также личные переживания
автора: Вагнер жил какое-то время у своего друга и влюбился в его
жену. Матильда тоже полюбила его, но не предала мужа. Вагнер
уходит в музыку с головой. 1857-1858 г. В. Написал 5 лирических
романсов на тексты Матильды. К этому времени завершён текст
«Тристана и Изольды», а в следующем году партитура.

Французская опера в 19 веке.


Оперное представление, возникшее ещё во времена Люлли, в 19 в.
нашла продолжение, получившем название opéra grande – «большая
опера». Французская «большая опера» была создана Э.Скрибом
(1791–1861) и Дж.Мейербером (1791–1864), ставшими на три
десятилетия кумирами всей Европы. Скриб производил на свет
либретто с быстротой (но не качеством). Уроженец Берлина,
Мейербер сочинял в безликом стиле, полном пафоса. Скриб и
Мейербер сочинили целый ряд произведений для постановки в
Парижской опере: «Роберт-дьявол» (1831), «Гугеноты» (1836),
«Пророк» (1849) и поставленная посмертно «Африканка» (1865);
оригинальные оркестровые эффекты сочетаются с бравурными
вокальными партиями в духе Россини, балетом, зрелищными
сценами. Сквозная литературная тема этих опер - преследование
меньшинств, национальных и религиозных; та же мысль
присутствует и в опере Ж.Галеви (1799–1862) «Еврейка» (1835) на

16
либретто Скриба. Возможно, лучшей «большой оперой»
являются написанные в 1856–1858 «Троянцы» Г.Берлиоза
(1803–1869). Вернувшись к античной теме, Берлиоз сумел передать
подлинный эпический дух благодаря исключительно интересной
гармонии и инструментовке, строго выдержанному стилю. После
долгого забвения в наши дни упомянутые французские оперы снова
звучат в великолепном исполнении, доказывая свою
жизнеспособность.

Французским автором, достигшим замечательного результата в


области «комической оперы» (opéra comique), стал ученик и
зять Галеви – Ж.Бизе (1838–1875). Бизе пришел в музыкальный
театр в тот период, когда соединение национальной традиции
комической оперы с романтическими тенденциями вызвало к жизни
такие красивые и оригинальные оперы, как «Фауст» (1859) Ш.Гуно
(1818–1893) и «Миньон» (1866) А.Тома (1811–1896). В «Кармен» (1875)
Бизе достиг поразительной остроты музыкальной характеристики.
Либреттисты Бизе сохранили мощный реализм новеллы П.Мериме,
насколько это допускал жанр комической оперы. По
драматургической цельности с Кармен можно сопоставить лишь
«Сказки Гофмана» (1881) Ж.Оффенбаха (1819–1880). К. Сен-Санс
(1835–1921) в «Самсоне и Далиле» (1877) тоже даёт яркие
музыкальные характеристики, но как целое эта опера статична.
Прелестное сочинение – «Лакме» (1883) Л. Делиба (1836–1891); то же
самое можно сказать и о ряде опер Ж.Массне (1842–1912). Среди них
такие достижения, как «Манон» (1884) и «Вертер» (1892), камерные
оперы, отмеченные естественностью мелодики.

Еще дальше по этому пути пошел К.Дебюсси (1862–1918), чью


вокальную мелодику можно назвать нотированной речью. Его опера
«Пеллеас и Мелисанда» (1902) по одноименной пьесе
М.Метерлинка явилась опытом слияния музыки и драмы,
напоминающим о Тристане Вагнера, при том, что Дебюсси
сознательно делал это совсем иными методами. Музыка Вагнера –
героическая и насквозь хроматическая; музыка Дебюсси –
утонченная, аскетичная, а в области гармонии – весьма своеобразная
и часто опирающаяся на модальный принцип. Оркестр воспроизводит
средневековую атмосферу и рисует эмоциональные состояния
персонажей, но, в отличие от вагнеровских опер, нигде не подавляет
пение.

Русская опера в 19 веке.


Популярность в России оперного жанра возрастает. Опера была
вершиной устремлений русских композиторов 19 в., и даже те из них,
кто не оставил ни одного сочинения в этом жанре (например,
М.А.Балакирев, А.К.Лядов), в течение долгих лет обдумывали
оперные проекты. Причины этого ясны: во-первых, опера была
жанром, который давал возможность «говорить языком масс»; во-

17
вторых, опера позволяла освещать крупные исторические,
психологические и прочие проблемы, занимавшие умы русских людей
в 19 в.; наконец, в молодой профессиональной культуре имелось
сильное тяготение к жанрам, включавшим вместе с музыкой слово,
сценическое движение, живопись. Кроме того, уже сложилась
определенная традиция – наследие, оставленное в музыкально-
театральном жанре 18 в.

Первая четверть 19 века – эпоха расцвета русского балета; в 1800-х


годах в Петербурге существовало четыре театральные труппы –
русская, французская, немецкая и итальянская, из которых первые
три ставили и драму и оперу, последняя – только оперу; по несколько
трупп работало и в Москве. Самой устойчивой оказалась итальянская
антреприза – даже в начале 1870-х годах молодой Чайковский,
вынужден был бороться за приличное положение московской русской
оперы в сравнении с итальянской; «Раек» Мусоргского, в одном из
эпизодов которого высмеивается страсть петербургской публики и
критики к знаменитым итальянским певцам, тоже написан на рубеже
1870-х годов.

Глинка: «Жизнь за царя» (Опера в четырёх действиях с эпилогом


(семи картинах); либретто Г. Розена (современный текст С. М.
Городецкого). Первая постановка: Петербург, 9 декабря 1836 года,
Мариинский театр.), «Руслан и Людмила» (Опера в пяти действиях;
либретто композитора и В. Ширкова по одноимённой поэме А. С.
Пушкина.Первая постановка: Петербург, 27 ноября 1842 года.)

Бородин «Князь Игорь» (Опера в четырех действиях с прологом;


либретто композитора по русской эпической поэме "Слово о полку
Игореве". Первая постановка: Петербург, Мариинский театр, 23
октября 1890 года под управлением К. Кучеры).

Даргомыжский «Русалка» (Опера в четырёх действиях; либретто


композитора по драматической поэме А. С. Пушкина. Первая
постановка: Петербург, 4 мая 1856 года.), «Гость из камня»
(незаконченная).

Муссоргский «Борис Годунов» (Опера в четырёх актах с прологом;


либретто Мусоргского по одноимённой трагедии А. С. Пушкина и
«Истории государства Российского» Н. М. Карамзина. Первая
постановка: Петербург, Мариинский театр, 27 января 1874 года).

«Хованщина» - опера (народная музыкальная драма) в 5 действиях,


6 картинах. Либретто композитора. Первая постановка: В Петербурге:
силами любителей (в зале Кононова), 9 февраля 1886 г. в Москве:
Частная опера (Шаляпин - Досифей), 12 ноября 1897 г. Мусоргский
работал над оперой с 1872 по 1880 г., но умер, не завершив финала и
не сделав инструментовки - за исключением двух фрагментов:
вступления к опере ("Рассвет на Москва-реке") и песни Марфы из 3-го
действия ("Исходила младёшенька..."). Труд этот после его смерти

18
осуществил Н.Римский-Корсаков - но при этом с сильными
переделками музыкального языка Мусоргского. Заслуга Римского-
Корсакова, завершившего оперу велика. Не будь его, «Хованщина» не
утвердилась бы на сцене.

Чайковский «Евгений Онегин» (Лирические сцены в трёх


действиях; либретто П. И. Чайковского и К. С. Шиловского по
одноимённому роману в стихах А. С. Пушкина.), «Пиковая дама»
(Опера в трёх действиях, семи картинах; либретто М. И. Чайковского
при участии композитора по одноименной повести А. С. Пушкина.
Первая постановка: Петербург, Мариинский театр, 7 декабря 1890
года, под управлением Э. Направника), «Иоланта» (Лирическая
опера в одном действии; либретто М. Чайковского по драме Г. Герца
«Дочь короля Рене». Первая постановка: Петербург, Мариинский
театр, 6 декабря 1892 года, под управлением Э. Направника.)

Найти общие черты в операх Вебера


«Волшебный стрелок» и Россини «Вильгельм
Телль».

Общее в операх:
1. Оба композитора - новаторы
2. Обе оперы - шедевры
3. романтические черты
4. В увертюрах - основная идея оперы
5. Массовые сцены
6. Большая роль отведена хору
7. Влияние народного творчества (фольклора)
*Вильгельм Тель - тиральский фольклор
* Вольный стрелок - немецкий и чешский фольклор.

«Волшебный стрелок»

Опера прошла в Берлине с успехом. Это - первая немецкая


романтическая опера. Жанр - романтический зингшпиль. Либретто -
Кинда. По народному сказанию о чёрном охотнике (из книги Апеля
«Книга страшных историй»).

Строение оперы: 3 действия: 1-е действие – завязка драмы; 2-е


действие – развитие; 3-е действие – кульминация и развязка. В 1-ом и
3-ем действиях есть массовые сцены. Во 2-м действии – фантастика.
2-е действие контрастирует с 1 и 3 действиями. В драматургии видны
3 плана:

19
1 план – народно-бытовые массовые сцены. Для них Вебер
использует бытовые жанры, танцы, марши, подменные Богемские
темы.

1 действие – хоры и лендлер, марш крестьян, песнь народа. 3


действие – хор подружек, хор охотников.

2 план – связан с фантастикой – финал 2-го действия. Музыка резко


контрастирует с 1-м и 3-м действиями. Это – фантастика ужасов.
Огромную роль играет оркестр. Вебер

В строении музыки нужно отметить следующие моменты:


1. На важном месте повторяющиеся темы
2. Будучи романтиком Вебер уделял большое значение колориту.
3. Огромное значение частей в массовках, муз. материал близок к
нар. музыке (крестьянский марш и вальс в первом действии, женский
хор - третье действие, и хор охотников – третье действие.
4. Муз. характеристика действующих лиц даётся в ариях.
5. В фантастических сценах господствует оркестровый колорит.

Вильгельм Телль
Премьера состоялась в Париже в 1829 году. Героическая опера, где
главным действующим лицом является швецкий герой. В опере нет
законченных арий и увертюра написана в форме попурри. Во
французской опере господствовало в то время увертюра в форме
попурри (ряд следующих друг за другом музыкальных номеров,
зачастую объединённых по принципу контраста или возрастания
темпа).

Состоит из 21 номеров 12 хоровых сцен. Очевидно Россини


создал по примеру оперы Вебера «Волшебный стрелок»

Увертюра и интродукция в опере 19 века.


Увертюра (франц. ouverture, от лат. apertura - открытие, начало) -
инструментальное вступление к крупному произведению (опере,
балету, оратории, театральному спектаклю), а также
самостоятельное сочинение. Первой оперной увертюрой считается
фанфарная «Токката», открывающая оперу Монтеверди «Орфей»
(1607).
В середине 17 века в творчестве Ж. Б. Люлли установился тип
французской увертюры, состоявшей из вступительной медленной и
быстрой фигурированной частей.

Во 2-й половине 17 века в неаполитанской оперной школе сложился


тип 3-частной итальянской увертюры (sinfonia), в которой крайние
части быстрые, средняя - медленная, певучая.

20
В немецкой музыке 1-й половины 18 века франц. увертюра
применялась, помимо опер и кантат, в сюитах, причём увертюрой
могло называться и всё сочинение.

Во 2-й половине 18 - начале 19 века увертюра приобрела новые


черты: использование материала из сцен оперы; сонатная форма,
обобщение основного характера драм. конфликта. Многие из
увертюр нового типа стали фактически концертными пьесами.

Во 2-й половине 19 века получило распространение более или менее


краткое несонатное вступление к опере. Характеру оперетты
соответствует увертюра-попурри. В 20 веке увертюры часто
создаются как самостоятельные произведения.

Интродукция (от лат. introductio - введение) - род короткой оперной


или балетной увертюры, а также оркестровое вступление к
отдельному акту оперы. 2) Вокальный ансамбль или хоровая сцена в
опере, непосредственно следующая за увертюрой и открывающая
собой первое действие оперы (например, в операх «Иван Сусанин» и
«Руслан и Людмила» М. И. Глинки)

Оперная реформа Вагнера. Суть музыкальной


драмы Вагнера
Оперные реформы Вагнера:
Рихард Вагнер вошел в историю как оперный реформатор. Благодаря
этому композитору мы видим оперу такой, какая она есть. Всю свою
сознательную жизнь Вагнер выступал против французской и
итальянской опер. В связи с этим Вагнер утверждал, что сюжет для
будущей оперы должен выбираться из жизненных ситуаций,
складываться от незыблемых общечеловеческих ценностей. Рихард
Вагнер выступал против бытовых сюжетов, которые со временем
будут неактуальны.

Вторая реформа Вагнера – изменение роли оркестра в опере.


Композитор считал, что литературный текст не способен передать
всю глубину чувств и эмоций, поэтому Вагнер возвысил значение
оркестра. До этого момента оркестр выполнял роль
аккомпанирующую, лишь помогал солистам и хору, теперь же он
(оркестр) был равен по значению солистам.

21
Третья реформа – лейтмотив. Вся опера стала строиться на одной
теме, идее, которая присутствовала как в начале первой части, так и
во всех остальных.

Таким образом, оперная реформа Вагнера - это кризис музыкального


театра. Но музыка Вагнера по художественной силе и
выразительности имеет поистине непреходящее значение. Искусство
Вагнера глубоко национально и органически связано с
национальными традициями немецкой художественной культуры,
особенно с традициями Бетховена, Вебера и немецкого народно-
поэтического и народно-музыкального творчества.

Музыкальная драма наиболее полно осуществил Р. Вагнер в


литературных работах 1849-1852. Он выдвинул основной принцип:
драма - цель, музыка - средство для её воплощения; выступал против
развлекательности, украшательства, за выражение драматического
начала в музыке, за цельность оперы как произведения,
объединяющего несколько видов искусства. Музыкальная драма
противопоставлялась им традиционной опере 1-й половины 19 в.,
достижения которой он порой недооценивал. Начиная с «Лоэнгрина»
(1848) Вагнер в своём оперном творчестве стремился преобразовать
старые оперные формы на основе принципов музыкальной драмы.
Сам он протестовал против термина «музыкальная драма»,
предпочитая давать каждому своему оперному произведению
индивидуальное определение. Вагнеровская концепция музыкальная
драма оказала большое влияние на дальнейшее развитие оперного
искусства.

Тетралогия Вагнера «Кольцо Нибелунга» -


основные идеи, формы и новшество в
оркестре.

Вокальная партия в тетралогии «Кольцо Нибелунга» равна


оркестровой, становится одним из инструментов симфонического
оркестра. Она речитативна, очень трудна, отсутствует песенность,
ариозность. Внешнее действие сведено к минимуму, оно перенесено
в психологическую сторону, которую олицетворяет оркестр с
помощью огромной системы лейтмотивов (в «Кольце Нибелунга»
более 100 лейтмотивов). Вагнер необыкновенно возвысил роль
оркестра. Он был необыкновенным мастером оркестрового колорита.
Оркестр необыкновенно красочен, пышен, грандиозен. В “Кольце
Нибелунга” использует четверной состав оркестра (8 валторн!!!).
Создал собственный конструкции квартет туб. Есть басовая туба,

22
контрабасовый тромбон, расширил струнную группу, 6 арф. Его
гармония поражает напряженным, изысканным звучанием. Она
способствует непрерывному нарастанию эмоций, так как нет
тонической опоры, а сплошные прерванные обороты. Это
способствует созданию бесконечной мелодии. Вагнер написал 13
опер.

История создания: Оперы начали создаваться в 1848 году, когда


Вагнер написал Миф нибелунгов в роли наброска для драмы,
объединяющий различные легенды и мифы в единый текст (похожий
по содержанию на Кольцо Нибелунга, но с существенными
отличиями). Год спустя он начал писать либретто, названное «Смерть
Зигфрида» (Siegfrieds Tod).

В 1850 закончилось создание наброска для «Смерти Зигфрида», и


была создана опера «Молодость Зигфрида» (Der junge Siegfried), в
дальнейшем переименованная в «Зигфрида», и обретшая форму к
1851.

В октябре 1851 года Вагнер принял решение создать цикл из четырёх


опер, которые бы игрались четыре вечера подряд: «Золото Рейна»,
«Валькирия», «Юность Зигфрида», «Смерть Зигфрида» (Das
Rheingold, Die Walküre, Der Junge Siegfried and Siegfrieds Tod).

Либретто всех четырёх опер были завершены в декабре 1852 и


опубликованы (для узкого круга лиц) в 1853. В ноябре Вагнер начал
писать музыку для первой оперы «Золото Рейна». В 1857 была
завершена третья опера «Зигфрид», после чего работа была
приостановлена на 12 лет ради опер «Тристан и Изольда» и
«Нюрнбергские мейстерзингеры».

C 1869 Вагнер жил на средства короля Баварии Людвига II. Он


возвратился к Зигфриду и существенно доработал её. В октябре 1869
Вагнер завершил создание последней оперы («Гибель богов»,
переименованная «Смерть Зигфрида»).

Фортепианные циклы 19 века.


Шуман «Карнавал» (1835) - цикл из 21 пьесы, где перед
слушателем то стремительно проносятся, то проплывают в
медленном танце самые разные маски. Здесь есть и образы вполне
реальных Шопена и Паганини, так и выдуманные Шуманом
персонажи Эвсебий и Флорестан.

Идею цикла подсказало Шуману название города Аш (Asch), где жила


Эрнестина фон Фрикен, тогдашняя возлюбленная Шумана. Ноты ля
(A), ми-бемоль (S), до (C) и си (H) легли в основу главной темы
произведения.

23
Близки к «Карнавалу» циклы «Бабочки» (1831, навеян
произведения Жан Поля) и «Давидсбюндлеры» (1837). Цикл пьес
«Крейслериана» (1838, названный по имени литературного героя Э.
Т. А. Гофмана - музыканта-фантазёра Иоганнеса Крейслера)
принадлежит к числу высших достижений Шумана. Мир
романтических образов, страстная тоска, героический порыв
отражены в таких произведениях Шумана для фортепьяно, как
«Симфонические этюды» («Этюды в форме вариаций», 1834),
сонаты (1835, 1835-38, 1836), Фантазия (1836-38), концерт для
фортепьяно с оркестром (1841—45). Наряду с произведениями
вариационного и сонатного типов у Шумана имеются фортепьянные
циклы, построенные по принципу сюиты или альбома пьес:
«Фантастические отрывки» (1837), «Детские сцены» (1838),
«Альбом для юношества» (1848) и др.

Шуман «Альбом для юношества» сборник фортепианных пьес


(1848 г.) - миниатюры, составившие сборник, пополнили детский
репертуар серией образных программных зарисовок, относительно
простых по содержанию и доступных начинающему пианисту.
Высокие художественные достоинства многих пьес «Альбома»
(«Смелый наездник», «Веселый крестьянин», «Первая утрата» и др.)
обеспечили им прочный успех у юных исполнителей.

Шуман «Годы странствий»- 2 брата (один мечтатель, другой


горячий) влюбляются в одну девушку. Дело проихсодит во время
костюмированного бала. Коротенькие пьесы, рисуют разные сцены.

Шуман «Крейслериана» (1838) - 8 фантазий, в которых


«рассказываается» о высшей романтике интенсивной трудной жизни
Иоганна Крейслера, капельместера. Он страдал от обывательской
жизни и боролся за искусство. Цикл навеян новеллами Гофмана.

Шуман 12 симфонических этюдов (1837 год)- название


подразумевает придать ф-но элементы оркестрового звучания.
Этюды в форме вариаций.

Чайковский «Детский альбом» - 24 лёгкие пьесы для ф-но, ор. 39.


Посвящён любимому племяннику композитора В.Л.Давыдову.

Чайковский «Времена года» - это дневник композитора, где он


запечатлил дорогие сердцу эпизоды жизни, встречи и картины
природы. Любовью к жизни и восхищением ею наполнена музыка
фортепианного цикла "Времена года". Этот цикл из двенадцати
картин для фортепиано является энциклопедией русской жизни XIX
века. В цикле можно встретить и бескрайние русские просторы, и
деревенский быт, и картины петербургских городских пейзажей, и
сценки из домашнего музыкального быта русских людей того
времени. Двенадцать пьес - двенадцать картинок из жизни
Чайковского получили при издании эпиграфы из стихов русских

24
поэтов: Пушкина, Майкова, Фета, Плещеева, Кольцова, Толстого,
Некрасого и Жуковского.

Мусоргский «Картинки с выставки» - сюита из 10 пьес с


интермедиями, созданная в 1874 году в память о друге Мусоргского
художнике и архитекторе В. А. Гартмане. Изначально написанная для
фортепиано, она неоднократно аранжировалась различными
композиторами для оркестра и обрабатывалась в самых разных
музыкальных стилях. Яркий образец программной музыки со своими
особенностями. В ней оригинальным образом сочетаются картинки из
реальной жизни со сказочной фантастикой и образами прошлого.
Пьесы-«картины» связываются между собой темой-интермедией
«Прогулка», изображающей проход по галерее и переход от картины
к картине. Такие тематика и построение сюиты являются
уникальными в классической музыкальной литературе.

Мусоргский был прекрасным пианистом, буквально завораживал


слушателей, садясь за инструмент, и мог изобразить что угодно.
Однако инструментальной музыки он сочинял сравнительно мало,
более всего его привлекала опера. Оперное мышление проникло и в
«Картинки», и они воспринимаются как музыкальный «театр одного
актёра». С помощью одного лишь фортепиано автор применяет
наработанные им приёмы интонационной драматургии,
динамизирует образное развитие музыки смелыми
противопоставлениями, внезапными контрастами, неожиданными
тематическими трансформациями. Мусоргский ставит задачу
создания психологического портрета, проникновения в глубину своих
персонажей, что принципиально отличает его работу от простых
зарисовок Гартмана.

Прогулка 1.Гном 2.Старый замок 3.Тюильрийский сад. Ссора детей


после игры 4.Быдло 5.Балет невылупившихся птенцов 6.«Самуэль»
Гольденберг и «Шмуйле» 7.«Два еврея, богатый и бедный» 8.Лимож.
Рынок. (Большая новость) 9.Избушка на курьих ножках (Баба-Яга)
10.Богатырские ворота (В стольном городе во Киеве)

Лист «Годы странствий» - это фортепианный цикл из программных


пьес. В нём 3 части: «Год первый» – Швейцария, «Год второй» –
Италия, «Год третий» - Рим. История создания этого цикла сложная.
Сначала пьесы 1-го тома вошли в сборник «Альбом путешественника»
и отразили впечатление о Швейцарии. Потом он их переработал (50-е
гг.) и сделал из них «Годы странствий» – «Год первый». Путешествуя
по Италии, Лист написал несколько пьес под впечатлением искусства
итальянского возрождения. Потом они вошли во 2-й том. Это:
«Обручение», «Мыслитель», «Сонеты Петрарки», соната-фантазия
«После прочтения Данте». К ним Лист прибавил 3 пьесы под общим
названием – «Венеция и Неаполь» – «Гондольера», «Канцона»,
«Тарантелла». «Год третий» создавался 10 лет – 1867-1877гг. Там
отразились римские впечатления: «Кипарисы виллы д’Эсте»,
«Фонтаны виллы д’Эсте». Отразились религиозные впечатления:

25
«Ангелюс», «Ввысь сердца». В пьесах 3-го тома настроение скорбное;
эпиграфы из Библии. Музыка близка к импрессионизму, зыбкие
гармонии, более камерные пьесы.

В этом цикле Лист выразил свои размышления, создал картины


природы, выразил впечатление от творений великих мастеров. Все
пьесы очень живописны, с яркими темами. В 1-м томе – это разные
картины природы, например: «На Валленштадтском озере» или
«Женевские колокола», «У родника»; есть образы бурной природы –
«Гроза». Есть пьесы, рисующие безмятежную картину – «Эклога»,
«Тоска по Родине»; есть и героические, бурно романтические пьесы –
«Часовня Вильгельма Телля». Основной принцип развития –
вариационный.

Фредерик Шопен написал цикл из 24 прелюдий без фуг (Op. 28),


освободив, таким образом, прелюдию от её изначального
предназначения всупительной пьесы. С тех пор многие композиторы
писали прелюдии как самостоятельные произведения: особенно
большое влияние на последующих композиторов оказали два тома
импрессионистских прелюдий Клода Дебюсси.

Мендельсон «Песни без слов» - форт. цикл, состоящий из 8


тетрадей.
Их значение в творчестве Мендельсона сопоставимо со значением
романса в музыке Шуберта. Мендельсон обращался к этому жанру на
протяжении почти всей своей творческой жизни. Законченный
музыкальный стиль, сложившийся уже в первых «Песнях без слов»
(конец 20-х годов), не исчерпывает собой все стороны искусства
Мендельсона. Но он стал выразителем наиболее типичных черт
творчества композитора. На создание лиричных «домашних»
миниатюр Мендельсона натолкнули фортепианные пьесы ряда
современных композиторов, в частности Филда и Тальберга. В этом
смысле Мендельсон не был оригинален, он лишь отвечал на
художественные запросы современности. Ни одному из
композиторов, вдохновивших Мендельсона, не удалось создать
камерную фортепианную литературу, равную «Песням без слов» по
свежести образов, совершенству формы, громадной широте
воздействия. Массовое распространение этих фортепианных пьес
говорит о том, что им присущи качества народного искусства.

Роль Шумана в первой половине 19 века в


немецкой музыке.
Шуман - один из ярких представителей романтического искусства 19
в. Во многом родственное поэзии Г. Гейне, творчество Шумана
бросало вызов духовной нищете Германии 1820-х - 40-х гг., звало в
мир высокой человечности. Наследник Ф. Шуберта и К. М. Вебера,

26
Шуман развивал демократические и реалистические
тенденции немецкого и австрийского музыкального
романтизма. Его произведения тесно связаны с традициями
немецкой музыкальной классики. При этом Шуман вошёл в историю
музыки как один из самых смелых новаторов. Расширяя границы и
средства музыкального языка, он стремился передать процессы
духовной жизни, с другой -жизнь «вовне» - связи и контрасты
явлений, образующие «драматургию» жизни. Он стремился тесно
сблизить музыку с литературой, поэзией.
Творчество Шумана велико и разнообразно.
1.Множество произведений для 2-х и 4-х рук, из них самые важные:
a)для двух рук:
«Бабочки» (op.2,1831), «Симфонические этюды» (op.13, 1834),
«Карнавал» (op.9 1834-36), соната fis-moll (op.11, 1835), Фантазия C-
duur (op.17, 1835), «Давидсбундские» (op.6, 1837), «Фантастические
пьесы» 8 op. 12,137), «Детские сценки» (op.15, 1838), «Крейслериана»
(op.16, 1836), «Венский карнавал» (op.26, 1839), «Альбом для
юношества" op.68, 1848), «Лесные сценки» (op.82, 1849);

b) для 4-х рук:


«сцены балла» (op.109, 1851), «Детский бал» (op.130, 1853) и т.д.

2. Симфоническая музыка и концерты: 4симфонии, 7 увертюр, 3


концерта с оркестром (для ф-но, скрипки и виолончели).

3. Камерные произведения: 3 струнных квартета, квинтет и 3 трио.

4. Песни около 400 (В их числе также песни для хора ансамбля. Из


них важные циклы: «Песенный круг» на текст Гейне (op.24, 1840 – 9),
«Мирды» (на разные тексты поэтов op.25, 1840 - 26), «Любовь поэта»
(op.48, 1840 - 16 на текст Гейне, ), «Жизнь и любовь женщины»
(op.42,1840 на текст Chamisso), «Песенный круг» (op.30, 1840 - 12) и
т.д.

5. Музыкально-драматический произведения:
Опера «Геновева» (1848)
Оратория «Рай и Пери» (1843)
Музыка к поэме Байрона «Майнфред» (1849)
Музыка к «Фаусту» Гёте (1844-1853) и т.д.

Творчество Шумана имеет определённые черты такие как:


a) Новизна. Шуман нашёл способ своебразного музыкального
выражения
b) Самоуглублённость композитора даёт основу психологического
момента в его творчестве. Отсюда выходит главная тема твор-ва
Шумана: человек и его внутренний мир
c) Фантастика. Этот жанр практически захватил всех романтиков, не
исключение и Шуман. Фантастика Шумана прежде всего его личное
видение и чувство этого жанра.

27
d) Природа в творчестве Шумана всегда связана с чувствами
человека, с его личными переживаниями.
e) Лиричным Шумана можно назвать в миниатюрах и миниатюрных
циклах (как в форт. так и в вокальной музыке). В миниатюре больше
чувст и настроений.
g) Музыкальный язык Шумана очень разносторонний. Здесь мы видим
романтические певучие и танцевальные интонации. Шуман внёс в
своё твор-во разнообразные ритмы танцев. Особенно нужно
отметить своеобразную трактовку шумановского ритма (вальс,
полонез).

Музыкально-литературная деятельность
Шумана
Шуман, вместе с Фридрихом Виком, Людвигом Шунке и Юлием
Кнорром, основал журнал «Новая музыкальная газета», который имел
огромное влияние на развитие музыкального искусства в Германии. В
течение многих лет он сам писал в журнал под различными
псевдонимами статьи и боролся с теми кто своей ограниченностью и
отсталостью тормозил развитие музыки. Как музыкальный критик он
оценил значение Ф. Шопена, Г. Берлиоза, И. Брамса, которые были
его современниками, признавая и огромную ценность своих
предшественников - И.С. Баха, Бетховена, Моцарта и Шуберта.
Шуман был исключительным знатоком немецкой литературы.

Шуман внёс большой вклад в музыкальную критику. Пропагандируя


на страницах своего журнала творчество музыкантов-классиков,
борясь против антихудожественных явлений современности, он
поддерживал новую европейскую романтическую школу. Шуман был
против равнодушия к искусству, которое прячется под маской
благонамеренности и фальшивой учёности. Главные из выдуманных
персонажей, от лица которых выступал Шуман на страницах печати, -
пылкий, дерзкий и иронический Флорестан и нежный мечтатель
Эвзебей. Оба воплощали черты характера одного композитора.

Камерные ансамбли в творчестве: Шумана,


Шуберта, Брамса
Шуберт
Камерные произведения раскрывают внутренний мир композитора;
кроме того, в них ярко отражается дух его любимой Вены. Нежность
и поэтичность натуры Шуберта запечатлены в шедеврах, которые
принято называть «семью звёздами» его камерного наследия.

28
Квинтет Форель – очаровательные мелодии и жизнерадостные
ритмы принесли сочинению большую популярность. Пятью годами
позже появились 2 струнных квартета: квартет ля-минор (ор. 29),
воспринимающийся многими как исповедь композитора, и квартет
«Девушка и смерть», где мелодичность и поэтичность соединяются
с глубоким трагизмом. Последний шубертовский квартет соль-
мажор квартет, как и симфония до-мажор, – абсолютные вершины
творчества Шуберта. Лирико-драматический характер ранних
квартетов свойствен и квинтету до-мажор (1828), но он не может
сравниться по совершенству с квартетом соль-мажор.

Октет - романтическое истолкование жанра классической сюиты.


Употребление дополнительных деревянных духовых даёт
композитору повод для сочинения трогательных мелодий, создания
красочных модуляций, в которых воплощается добродушно-уютный
шарм старой Вены. Оба шубертовских трио – ор. 99, си-бемоль мажор
и ор. 100, ми-бемоль мажор – имеют как сильные, так и слабые
стороны: структурная организация и красота музыки первых двух
частей покоряют слушателя, в то время как финалы обоих циклов
кажутся чересчур легковесными.

Шуман
Три струнных квартета
Фортепианный квинтет ми-бемоль мажор, соч. 4
Фортепианный квартет ми-бемоль мажор, соч. 47

В 1842 году Шуман обратился к камерной музыке: в один месяц он


написал 3 квартета, посвященные Мендельсону, затем квинтет для
фортепиано и струнных, посвященный Кларе, квартет для
фортепиано и струнных и трио.

Брамс
Камерные ансамбли. Весьма важное значение имеют в творчестве
Брамса камерные инструментальные ансамбли. Этому роду музыки
Брамс уделял большое внимание во все периоды своего творчества и
писал крупные циклические произведения для различных ансамблей:
3 струнных квартета, фортепианные квартеты, струнный секстет,
фортепианный квинтет, фортепианные трио, трио с валторной,
квинтет с кларнетом, сонаты для скрипки и фортепиано. Эти
произведения Брамса восходят к бетховенской традиции в области
камерной (особенно квартетной) музыки. Но, конечно, при всей
мелодической яркости и полифоническом мастерстве мир идей здесь
уже, чем у Бетховена. Однако такие произведения Брамса, как ля-
минорный струнный квартет, или соль-минорный фортепианный
квартет (с венгерско-цыганским финалом), или фа-минорный
фортепианный квинтет, принадлежат к лучшим произведениям
такого рода.

29
Влияние песни на другие жанры.
Песня в 19 веке существенно меняется. Также оказывает влияние на
другие жанры. Например: «Песни без слов» Мендельсона –
фортепианный цикл из 8 тетрадей. На инстр. музыку оказывает
влияние песенность.

Влияние песни слышно в инструментальной музыке Шуберта. В его


камерных ансамблях, симфониях, темы носят ясный «песенный»
характер. Шуберт мастер богатой гармонии и тонкой полифонии, его
музыка яркая, выразительная с «песенными» мелодиями.

Некоторые инструментальные произведения Шуберта построены по


его песенным темам, и вырастают из его вокального творчества:
форт. квинтет «Форель» (4 части), струн. квартет «Смерть и
девушка» (2 части), форт. фантазия «Скиталец», вариации на тему
флейты и фортепиано «Завядшие цветы».

Брамс признаётся, что создавал свои мелодии для инстр. пьес, сам
при этом напевая текст песен.

Песенные циклы в творчестве композиторов 19


века.
Шуберт
1. Большое значение в вокальной литературе имеют сборники песен
Шуберта на стихи Вильгельма Мюллера - «Прекрасная
мельничиха» и «Зимний путь», являющиеся продолжением идеи
Бетховена. Во всех этих произведениях Шуберт показал
замечательный мелодический талант и большое разнообразие
настроений; он дал аккомпанементу большее значение, больший
художественный смысл. Замечателен также сборник «Лебединая
песня» , из которого многие песни приобрели всемирную
известность (например, «Серенада» , «Приют» , «Рыбачка» , «У
моря».) Шуберт не старался подражать народному характеру, но в
его песнях невольно отразилась национальная струя, и они стали
достоянием страны. Шуберт написал почти 600 песен. Его песнями
наслаждался Бетховен в последние дни жизни.

2. В 1816 году Бетховен первым пишет цикл из 6 песен на слава


венского журналиста. И вообще в эти годы он особенно много
внимания уделяет песням, особенно народным. Им написано и
обработано множество песен в том числе и русских, украинских и
т.д. Но серьёзным основателем классической песни был всё же
Шуберт.

30
3. Оба цикла «Прекрасная мельничиха» и «Зимний путь»
написаны на стихи Мюллера. Здесь было всё в чём он нуждался –
романтическая, сентиментальная история любви, гуманность,
красивые картины природы. Шуберт из-за своей несчастной любви
находит в стихах Мюллера отголосок своей жизни и в его двух
циклах встречается его автобиография.
Шуберт случайно нашёл стихи «Прекрасная мельничиха» у друга в
комнате. Его так задели стихи, что он не стесняясь сунул себе книгу
в карман и пошёл домой сочинять. Только спустя несколько дней
друг пришёл в гости к Шуберту и только тогда заметил пропажу.
Стихотворения Мюллера подобны песням. Мюллер сам каялся, чо не
мог свои стихи связать с музыкой, но в душе надеялся, что кто-
нибудь когда-нибудь их напишет.
Вильгельм Мюллер (1794 Дессау-1827 там же) немецкий
писатель. Родился в семье владельца сапожной мастерской. Изучал
филологию, философию и историю в Берлинском университете.
Участвовал в рядах прусской армии в антинаполеоновской кампании.
В 1816 издал «Антологию миннезингеров» сборник подражаний
древненемецким любовным песням. Впечатления от путешествия по
Италии составили книгу в эпистолярном жанре «Рим, римляне и
римлянки». М. опубликовал знаменитые циклы стихов о Греции,
страдающей под турецким игом. Автор более 300 эпиграмм в духе
«Ксений» И. В. Гёте и Ф. Шиллера.

«Прекрасная мельничиха»(24 песни) написана в 1827 г. также, как и


«Зимний путь», на слова В. Мюллера. Несмотря на 4 года разницы
они поразительно

отличаются друг от друга. 1-й цикл светлый по музыке, а этот


трагичный, отражает отчаяние, охватившее Шуберта.

Тема похожа с 1-м циклом (тоже тема любви). Действие в 1-й песне
гораздо меньше. Герой уходит из города, где живёт его девушка.
Родители бросают его и он зимой уходит из города. Остальные песни
- лирическая исповедь. Преобладание минора. Песни трагические.
Стиль совсем другой. Если сравнить вокальные партии, то мелодии 1-
го цикла более обобщённые, раскрывают общее содержание стихов,
широкие, близки народным австрийским песням, а в “Зимнем пути”
вокальная партия более декламационная, нет песенности, гораздо
менее близка народным песням, становится более
индивидуализированная.

Фортепианная партия усложнена резкими диссонансами, переходами


в далёкие тональности, энгармонические модуляции.

Мажорных песен мало, и даже в них проникает минор. Эти светлые


островки: «Липа», «Весенний Сон» (кульминация цикла, № 11) - здесь
сосредоточено романтическое содержание и суровая
действительность. 3-й раздел - смех над самим собой и над своими
чувствами.

31
4. Маленькие циклы – 7 песен на слова Вальтера (1825) и 4 песни по
произведению Гёте «Мастер Вильгельм» (1826)
5. Замечателен также сборник «Лебединая песня» (1828), из которого
многие песни приобрели всемирную известность (например,
«Серенада» , «Приют» , «Рыбачка» , «У моря»). Друзья Шуберта
обнаружили этот цикл после его смерти. Написан на текст Гейне и
Релльштаба.
Шуман – песни около 400 (В их числе также песни для хора
ансамбля. Из них важные циклы: «Песенный круг» на текст Гейне
(op.24, 1840 – 9), «Мирды» (на разные тексты поэтов op.25, 1840 - 26),
«Любовь поэта» (op.48, 1840 - 16 на текст Гейне, ), «Жизнь и любовь
женщины» (op.42,1840 на текст Chamisso), «Песенный круг» (op.30,
1840 - 12) и т.д.

Мусоргский
вокальный цикл «Детская» (1872),
вокальный цикл «Без солнца» (1874),
цикл «Песни и пляски смерти» (1877)

Вокальный цикл «Детская»


Вокальные сценки – эпизоды из детской жизни. Это не детская
музыка. Это песни для взрослых, но написанные от лица ребенка. В
цикле восемь песен, их образы очень разные – и грустные, и веселые,
но все они пронизаны искренней любовью к детям. В этих вокальных
миниатюрах воплотились далекие воспоминания деревенского
детства Мусоргского, а так же чуткие наблюдения жизни маленьких
друзей композитора. Мусоргский не просто любил детей «со
стороны». Он умел с ними общаться на их языке и понимать их,
мыслить детскими образами.

Вокальные циклы «Без солнца» и «Песни и пляски смерти» на


слова А. Голенищева-Кутузова созданы Мусоргским в середине 70-х
годов. «Песни и пляски смерти» -обращение художника к вечным
общечеловеческим проблемам. Цикл насыщен глубоким трагизмом.
Все его четыре части («Колыбельная, «Серенада», «Трепак»,
«Полководец» - первые три песни написаны в 1875 году, последняя -
в мае 1877 года) связаны между собой одной идеей: безжалостная,
неумолимая смерть неизбежно настигает человека в разные моменты
его жизни. В образе рыцаря она поет под окном умирающей девушки,
с коварной мягкостью навевает вечный сон умирающему ребенку,
снежной вьюгой кружит и пляшет с подвыпившим крестьянином,
подобно полководцу подсчитывает страшную добычу на поле.

Вокально-симфонические крупные формы.


Брамс «Немецкий реквием» - крупнейшая хоровая композиция для
солистов, хора и оркестра. В этом грандиозном произведении
композитор отказался от традиционного для мессы латинского языка

32
и скомпоновал текст из библейских строк на родном немецком. Более
чем десять лет занимал Брамса этот проект. На его создание
повлияли смерть Шумана и матери композитора. Первое исполнение
ещё незавершённого сочинения состоялось в 1868 году в Бремене и
потрясло слушателей. Своим эпическим размахом и проникновенной
лирикой «Реквием» продолжает волновать слушателей и сейчас.
Недаром его считают культовым сочинением и святыней немецкой
музыки.

Верди (1813-1901) «Реквием» - монументальный 7-частный цикл


для 4-х солистов, смешанного хора и оркестра - был написан в 1871
г. на смерть писателя А.Мандзони. Наряду с психологической
глубиной и эмоциональным музыкальным языком, произведению
присущи декоративный блеск, театральная образность и красочность
письма, сближающие это произведение с лучшими поздними операми
композитора. Единственное произведение Верди, пользующееся
такой же широкой популярностью, как и лучшие из его 26 опер.
Законченный весной 1874 года, через несколько лет после «Аиды»,
«Реквием» имел длительную историю создания. Запечатлев
патриотические настроения Верди, «Реквием» увековечил память о
его великих соотечественниках. Премьера «Реквиема» состоялась в
Милане, в соборе Сан Марко 22 мая 1874 года под управлением
Верди, а три дня спустя - в театре Ла Скала и прошла с огромным
успехом.

Берлиоз, Малер.

Развитие оркестровой музыки. Новые


регистры, новые приёмы использования
инструментов, новые приёмы игры.

Духовые инструменты менялись и приобретали свой нынешний вид


до конца 19 века (заслуга Бема). Уходит basso continuo. Ко времени
появления Моцартовских симфоний оркестр приобрел состав
называемый парным. Достаточно мягкое звучание, медные духовые
(тогда: валторны и трубы) вступают только в tutti (игра всего
оркестра), ведущая роль опять же - скрипки. Деревянные духовые
(флейты, гобои, фаготы) проводят темы значительно реже (это
называется solo, солирующий инструмент), часто обеспечивают
гармоническую поддержку.

Бетховена делает оркестр мощнее, добавляет новые инструменты,


появляется знак ff (оччень громко). Появляются тромбоны (в
количестве трех - зловещие и тоже громкие) и флейта-пикколо
(высокая). Приходит черёд романтизма (буря страстей, эмоции на

33
пределе, страстные чувства т.д.). И снова увеличивается состав -
труба-пикколо (т.е. высокая), колокола, там-там - это только
примеры. Естественно, чтобы струнная группа «выжила» ее тоже
приходится увеличивать (почти в 2 раза). Т.е. оркестр вырастает до
90 человек.

Часто у меня возникает ощущение, что композиторам и не нужны


были такие громадные составы для выражения своих музыкальных
мыслей, это просто что-то типа игры кто больше? Берлиоз написал 6
труб? а мы 8, да ещё ударных, ударных побольше!!!! А я ко всему
этому еще и ХОР. Громче, громче!!!! Начинают расти требования от
музыкантов - если раньше композитору достаточно было написать
всем ff (очень громко), то теперь они пишут fff (очень очень громко),
ffff (очень-очень-очень громко), con tutta forza (со всей силы). У
Шнитке я собственными глазами видела fffffffff (9 "очень").

Использование фагота: в 19 веке у Бетховена и Вебера фагот


сделался индивидуальным голосом оркестра, а каждый из
последующих мастеров находил в нем новые свойства. Мейербер в
«Роберте-Дьяволе» заставил фаготы изображать «гробовой хохот, от
которого мороз подирает по коже» (слова Берлиоза). Римский-
Корсаков в «Шахеразаде» (рассказ Календера-царевича) обнаружил в
фаготе поэтичного рассказчика. В этом последнем амплуа фагот
выступает особенно часто - поэтому, наверное, Томас Манн назвал
фагот «пересмешником». Примеры можно найти в «Юмористическом
скерцо» для четырех фаготов и в «Пете и волке» Прокофьева, где
фаготу поручена «роль» Дедушки, или в начале финала Девятой
симфонии Шостаковича.

Контрфагот: Композиторы 19 столетия - Римский-Корсаков, Брамс -


обращались к контрфаготу обычно для усиления баса. Но порой для
него пишут интересные соло. Равель, например, в «Беседе красавицы
и чудовища» (балет «Моя мать гусыня») поручил ему голос чудовища.

Со второй половины 19 века группа тромбонов дополняется басовым


инструментом - тубой. Вместе три тромбона и туба образуют квартет
«тяжелой меди». Туба была построена во второй четверти 19 века в
Германии. Во время игры исполнитель держит инструмент перед
собой раструбом вверх.

Труба возвещала начало шествий, маршей, торжественных


празднеств и охот. Больше других и по-новому пользовался трубами
Вагнер. Их тембр почти всегда связан в его операх с рыцарской
романтикой и героикой.

Бубен, появился в симфоническом оркестре в 19 веке.

34
Развитие Симфонии. Бетховен – Шуберт –
Берлиоз - Мендельсон – Лист – Брукнер –
Брамс – Чайковский.
Вершиной в историческом развитии симфонии по праву считается
творчество Бетховена. Каждая его симфония - новый,
индивидуальный вариант жанра, каждая из них заключает целый
мир философских идей, является итогом напряженной работы мысли
композитора. 9-я симфония Бетховена, венчающая его творческий
путь, открывает новую страницу в истории жанра. В её финальной
части звучит ода «К радости» Ф. Шиллера, утверждающая идею
всемирного братства человечества. Эта центральная для творчества
Бетховена идея провозглашается в мощном звучании хора и
оркестра. Так симфония становится вокальной. Её унаследовали
композиторы последующих поколений: вокальные симфонии
писали Г. Берлиоз, Малер, А. Н. Скрябин, И. Ф. Стравинский,
Шостакович. Поэтический текст делает содержание симфонии
более конкретным, и такие сочинения относятся к программной
музыке. Программной симфония может стать и в том случае, если
композитор просто предпосылает ей название. В 6-й
(«Пасторальной») симфонии Бетховена озаглавлены все пять частей.
Мы видим, что программный замысел заставил Бетховена увеличить
количество частей в симфонии и отойти от классического построения
цикла. Позднее композиторы еще свободнее обращаются с формой
симфонии, увеличивая количество частей или, напротив, сжимая
цикл до одночастности. Каждый раз это связано с идеей сочинения, с
индивидуальным замыслом.

Крупнейшие симфонисты после Бетховена - Ф. Шуберт, Брамс, А.


Брукнер, А. Дворжак, Малер.

Франц Петер Шуберт (1797 - 1828)


Девять симфоний Шуберта различны по кругу образов и настроений:
от веселья до могучего героического утверждения жизни, от светлой
лирики и пасторальных пейзажей до трагизма и драматизма. Но всё
их объединяет одно общее свойство - национальные истоки.

В нумерации симфоний до сих пор существует разнобой и путаница.


В Германии и Австрии утвердилась традиция считать последнюю -
«Большую» симфонию (1825-28) до мажор - седьмой, а симфонию си-
минор - «Неоконченную»(1822), написанную до нее, - восьмой,
вследствие того, что она была обнаружена и исполнена значительно
позже. При этом совсем упускается из виду еще одна симфония ми-
мажор (1821), которая, собственно и могла бы быть седьмой, если бы
была полностью завершена. Хотя она и не была инструментована
самим композитором, но эскизно дописана до конца. Эта симфония
была окончена другими музыкантами (Джоном Барнеттом и
Феликсом Вейнгартнером) и дважды звучала с концертной эстрады.
Но в канонический список симфоний она не входит.

35
5-ая симфония - жемчужина раннего, «классического» этапа
шубертовского симфонизма. Она сильно отличается от своей
предшественницы – трагической Четвертой симфонии. Её музыка
полна света и душевной чистоты, и эти жизнерадостные настроения
слегка оттенены менуэтом, окрашенным в драматические тона.

В сентябре 1816 года сочинена 5-ая симфония. Той же осенью отец


Шуберта передал симфонию для первого исполнения любительским
оркестром в дом музыканта венского городского музыкального
театра Отто Хатвига, где она вскоре прозвучала. Но в последствие
она разделила участь других симфоний Шуберта, пролежав забытой
до 1973 года. 1 февраля 1873 года состоялось ее первое публичное
исполнение в Лондоне. Из всех симфоний эта наиболее камерная и по
масштабу и по составу оркестра: здесь отсутствуют кларнеты, трубы,
тромбоны и ударные, которые обычно входили в классический состав
оркестра. По композиции Пятая симфония стройна, её форма
лаконична, а детали отточены. Все части близки по стилю Моцарту,
музыку которого Шуберт глубоко любил и ценил. Эта привязанность
отразилась на многих симфонических произведениях Шуберта. Но
вместе с тем, в гармоническом языке и тональных планах 5-ой
симфонии уже ярко проявляются индивидуальные черты Шуберта-
романтика.

Всего лишь год отделяет Шестую симфонию до-мажор от Пятой. Но


это время стало для композитора годом поиска нового стиля в
инструментальной музыке. Две предыдущие симфонии явились
вершиной «классического» этапа развития, а Шестая говорит о
поиске новых путей, которые продолжают следующие его симфонии.
Это сказывается в некоторой неровности стиля этой партитуры, где
сплелись различные влияния: гайдновское неожиданно проявляется
здесь в новой романтической окраске, черты итальянской оперной
музыки сочетаются с яркими шубертовскими находками: некоторые
страницы скерцо и финала прямо предвосхищают последнюю его
симфонию.

Есть данные, что Шуберт слышал Шестую симфонию в исполнении


любительского оркестра. Позже композитор передал партитуру
венскому Обществу любителей музыки, собиравшемуся исполнить её
в открытом концерте. Но этот концерт состоялся уже после смерти
композитора – 14 декабря 1828 года.
На рукописи партитуры рукой Шуберта сделана надпись: «Большая
симфония до-мажор». Однако масштабы шестой симфонии померкли
и оказались незначительными перед монументальной Девятой
симфонией до-мажор, и эпитет «большая» утвердился за последней;
шестую же иногда называют «малой». И по составу оркестра, (в
котором еще отсутствуют тромбоны), и по характеру музыкальных
образов шестая симфония в целом, проникнута светлым,
жизнерадостным настроением.

36
Первое место в наследии Берлиоза принадлежит его программным
симфониям. Созданные в пределах одного десятилетия (1830-1840),
они в яркой и смелой форме воплотили типичные стороны
новаторства Берлиоза. Не достигая философских масштабов
Бетховена, Шекспира или Гёте, симфонизм Берлиоза тем не менее
близок им по вдохновенности мысли, по широте идей.

Берлиоз представляется преемником бетховенского симфонизма. Но


главная тема его творчества далека от Бетховена. Берлиоз -
чистейший романтик. Берлиоз по праву считается создателем
программного романтического симфонизма. Правда, и до него
программность в инструментальной музыке была достаточно
распространенным явлением. Новое, внесённое Берлиозом,
определяется двумя чертами. Это, во-первых, отождествление
музыкального замысла с какой-нибудь современной идеей, уже
успевшей получить типическое выражение в образах новейшей
литературы (у Гёте, Байрона, Мюссе, Гюго, Мура, у «открытого»
романтиками Шекспира). И, во-вторых, момент театрализации, что
соответствовало национальным художественным традициям. Две из
трех программных симфоний Берлиоза допускают сценическое
воплощение. Во всех трёх есть определенное сюжетное развитие,
драматические ситуации, живописность.

Первая симфония, «фантастическая» (1830-1831), явилась таким


же манифестом французского романтизма, как роман «Исповедь
сына века» Мюссе или драма «Эрнани» Гюго. В партитуре была
подробная программа, изложенная самим автором в виде сценария
под заглавием «Эпизод из жизни артиста». Берлиоз допускал
возможность сценического исполнения симфонии, но не считал это
необходимым. Несмотря на то, что ряд частей этого произведения
носит название «сцен» и весьма театрален, музыка симфонии
настолько обобщена, образно-конкретна и самостоятельна,
настолько выразительно и ясно передает основную мысль, что
излишне дополнение в виде сценического действия или подробного
сценария. Содержание сценария следующее:
«Молодой музыкант, безнадежно влюбленный, в припадке отчаяния
отравляется опиумом. Доза, принятая им, недостаточна, чтобы
вызвать смерть, и погружает его в тяжелый сон. В его больном мозгу
возникают самые странные видения, воспоминания претворяются в
музыкальные мысли и образы. Сама любимая женщина стала
мелодией, как бы навязчивой идеей, которую он встречает и слышит
всюду.

I. Мечтания, страсти. Он вспоминает сначала тот душевный недуг, те


внезапные радости, которые он испытал, прежде чем увидел ту,
которую он любит, потом любовь, нахлынувшую на него внезапно,
лихорадочные тревоги, припадки бурной ревности, возвращение
нежности, утешение в религии...

37
II. Бал. Он встречает любимую на балу, в шуме блестящего
празднества.

III. Сцена в полях. Однажды летним вечером он слышит наигрыш двух


пастухов. Эти звуки - проблески надежды, недавно осенившей его, -
все вселяет в его сердце непривычный покой, а его мысли принимают
светлый оттенок... Но она вновь появилась; его сердце сжимается,
его волнуют мрачные предчувствия - верна ли она... Один из пастухов
возобновляет свою наивную мелодию, другой не отвечает более.
Солнце садится... отдаленный раскат грома... одиночество...
молчание...

IV. Шествие на казнь. Ему снится, что он убил ту, которую любил, что
он осужден на смерть и его ведут на казнь под звуки марша. Глухой
шум тяжелых шагов внезапно сменяется резкими ударами. Наконец,
навязчивая идея вновь появляется как последняя мысль о Любви,
прерванная роковым ударом.

V. Сон в ночь шабаша. Он видит себя на шабаше, посреди страшной


толпы теней, колдунов и чудовищ, собравшихся на его похороны.
Странные шумы, стоны, взрывы смеха, отдаленные крики, которым
как будто отвечают другие... Мелодия-любимая возникает еще раз,
но она потеряла свой благородный и скромный характер; теперь это
отвратительный плясовой напев, пошлый и крикливый. Это она идет
на шабаш... радостный рев ее встречает; она присоединяется к
дьявольской оргии... похоронный звон, шутовская пародия на «Dies
irae», хоровод шабаша «Dies irae» и хоровод шабаша вместе».

В предисловии к «Фантастической симфонии» сам Берлиоз указывал,


что если симфония пополняется в концерте, то подробную программу
можно слушателям и не раздавать. Достаточно сохранить только
заглавия пяти частей. Сценарий композитора во многом
автобиографичен. В нём рассказана история любви Берлиоза к
Генриетте Смитсон. На первый взгляд, текст поражает своим
интимным содержанием. Создаётся ощущение, будто сокровенные
страницы дневника предаются огласке с ораторской трибуны.
Типично романтическая тема любовного томления, которая
неоднократно получала убедительное выражение в камерной
романсной лирике («К далекой возлюбленной» Бетховена,
«Прекрасная мельничиха», «Зимний путь» Шуберта и несколько
позднее - «Любовь поэта» Шумана), кажется мало соответствующей
симфоническому жанру. Однако «лирическая исповедь» Берлиоза
отображала типичную тему времени. Воплощенные в ней настроения
«молодого человека XIX века», атмосфера разлада с
действительностью, преувеличенная эмоциональность и
чувствительность уже получили яркое и широкое отражение в
романтической литературе. Психологическая тема симфонии,
неизвестная ни оперному, ни инструментальному искусству
предшественников Берлиоза, привела к смелому преобразованию
выразительных элементов сонатной формы. Оригинальность образов,

38
музыкального языка, приёмов развития создаёт впечатление новизны
сонатной формы. Однако существенных отклонений от
классицистской схемы у Берлиоза нет.

Вторая симфония Берлиоза - «Гарольд в Италии» (1834) -


отразила итальянские впечатления автора. Наряду с картинами
природы и быта к ним относится увлечение композитора Байроном.
Хотя название симфонии и связано с самой знаменитой поэмой
английского романтика, но в её музыкальных образах меньше
«байронизма», чем в «Фантастической». Жанровость, близость к
итальянскому фольклору, звукоизобразительность характеризуют
это произведение, и в особенности его наиболее яркие и
оригинальные средние части.

Первая часть - «Гарольд в горах. Сцены меланхолии, счастья и


радости» - тесно связана с итальянской народной музыкой.

Во второй части - «Шествие пилигримов, поющих вечернюю Молитву»


- приёмами тончайшей звуковой записи создаётся картина
приближающейся и удаляющейся процессии. Звучание хоровой
литании смешивается с гулом колоколов. Вариационное развитие
этой темы отличается исключительным богатством колорита.

Третья часть - «Любовная серенада горца в Абруццах» - близка по


музыке наигрышам итальянских пастухов (pifferari) и народным
напевам.

Финал - «Оргия бандитов», - рисующий смерть героя в разбойничьей


пещере, напоминает вакханалию в финале «Фантастической
симфонии».

Сильная и оригинальная сторона музыки «Гарольда в Италии» -


тончайшая красочно-изобразительная инструментовка. Берлиоз
широко применил здесь также новый прием конкретизации образа
посредством «лейттембра». Тембр альта сопутствует теме,
проходящей через все произведение и олицетворяющей собой
байроновского героя.

«Ромео и Джульетту» можно назвать «инструментальной драмой».


В этой симфонии есть выраженная сюжетная линия. От первых до
последних звуков музыка скреплена целостной театрально-
драматургической идеей. Наличие хоровых сцен дополнительно
сближает «Ромео и Джульетту» с оперой. Наконец, само построение
симфонии таково, что в ней в равной мере ощутимы черты и сонатной
формы и театральной пьесы. Так, преобладающие инструментальные
части образуют как бы каркас симфонического цикла. Вместе с тем
расположение всех семи частей (причём некоторые из них дробятся,
дополнительно на более мелкие картины-эпизоды) напоминает
театральную композицию.

39
Из пяти симфоний Мендельсона две - «Итальянская» и
«Шотландская» - удержались в мировом симфоническом
репертуаре. Обе тесно связаны с классицистскими традициями.

«Итальянская симфония» A-dur (1833) была создана под


впечатлением поездки композитора по Италии. Для Мендельсона
характерно, что в Италии он прежде всего увидел её народное
творчество. Симфония проникнута светлыми, теплыми тонами
итальянского фольклора.

В первой части - образ веселого танца. Соединение итальянских


народных интонаций с приёмами венской классической симфонии
образует характерную черту Allegro vivace. Заметим, что сходные
итальянские темы у Берлиоза и Листа трактованы свободнее. В
сонатной схеме Allegro также нет отступлений от установившейся
формы. Ясный тематизм, целеустремленная разработка выдержаны в
духе венской танцевальной симфонии.

Вторая часть - элегическая, с оттенками меланхолии - близка


немецким песенным и хоровым традициям. Напевный менуэт
лучезарностью и идилличностью напоминает музыку Моцарта.

Среди симфоний послебетховенского периода «Итальянская»


выделяется своей гармоничностью, мелодической свежестью,
пластикой формы. Нежная, «акварельная» инструментовка, богатая
множеством тонких нюансов, придает ей особенное обаяние.

«Шотландская симфония» a-moll (1830-1842), начатая


одновременно с «Итальянской», была закончена лишь двенадцать
лет спустя. Она представляет интерес к лирической музыке. В
отличие от солнечной «Итальянской», на «Шотландской симфонии»
лежит печать суровости и меланхолии. Так Мендельсон воспринял
северную природу страны, её мрачные исторические предания и
своеобразный бытовой колорит. Симфония отличается от
«Итальянской» лирическим настроением и контрастным кругом
образов. В её музыке ощутимы следы воздействия новейшего
симфонизма (сюда относятся последняя симфония Шуберта, первые
симфонические произведения Шумана), романтической камерной
музыки (прежде всего «Песен без слов» самого Мендельсона) и
бытового городского романса. Это отразилось и в новаторских
тенденциях трактовки формы, и в особенностях мелодического
стиля.

Развёрнутое вступление построенно на лирической теме. Господство


песенных и танцевальных тем указывает на преемственность с
венской классической музыкой. Но интонационная выразительность,
связанная с современным городским романсом, придает
«Шотландской симфонии» новый задушевно-элегический оттенок,
характерный для немецкого романтического симфонизма в целом.
Самая оригинальная часть симфонии - скерцо - окрашена народным

40
колоритом. Её главная тема построена на пентатонике и содержит
синкопу, которая часто встречается в шотландских песнях.

Лист симфония «Фауст» - Первые три части симфонии раскрывают


художественные образы Фауста, Гретхен и Мефистофеля. Первая
часть посвященная Фаусту - буйна, неспокойна и противоречива - но
одной из главных её тем является настоящий гимн величию
человечекого разума, резко контрастирующий со спокойной
мелодичностью второй части. Третью часть Мефистофель Allegro
vivace ironico можно назвать вариациями на темы Фауста, но
вариациями слабыми и безжизненными - словно искаженными в
кривом зеркале. Вариациями пытающиеся подражать величию,
которого они никогда не способны достичь.Завершает симфонию
апофеоз - Andante mistico, в котором темы Фауста и Гретхен
сливаются воедино.

Значение творчества Антона Брукнера состоит в том, что именно


он защитил право на существование классической четырехчастной
симфонии. Его симфонии отличаются широтой высказывания,
благородной красотой свободных построений, в скерцо нередко
используются темы в народном духе. Блестящее мастерство
полифонии автор демонстрирует в заключительных частях, например
форму тройной фуги встречаем в 5-й симфонии. Финальные коды его
симфоний выделяются пафосом звучания. Влияние кумира Брукнера -
Вагнера проявляется в инструментовке симфоний. Автор с
удовольствием использовал усиленные группы медных духовых
инструментов (расширенные до 8 валторн) и 4-8 так называемых
вагнеровских туб) и другие достижения вагнеровской оркестровки.
Не без оснований некоторые знатоки характеризуют его музыку как
проявление черт идеально продуманной барочной музыкальной
архитектуры.

Каждая из девяти симфоний Брукнера непохожа на другие и имеет


свою неповторимую судьбу: 1-я симфония писалась под влиянием
изучения «Тангейзера» Вагнера и гармонии «Тристана и Изольды, 2-я
симфония была объявлена музыкантами Венской филармонии
неисполнимой, 3-ю симфонию обычно называют «героической» по
характеру тем, но тогдашние музыканты только насмехались над
ней, публика покинула зал во время премьеры прежде, чем
закончилось исполнение (кроме молодого Г. Малера), 4-я симфония
имеет авторское название - «Романтическая», в ней выражено
преклонение автора перед природой. Свою 6-ю симфонию, которую
ему не удалось услышать, он называл «фантастической». Симфонии
3-6 составляют центральный этап, в течение которого Брукнер
достигает зрелости, которому не чужды ни эмоциональный накал, ни
волевые устремления. Антон Брукнер, разочарованный неприятием
своего творчества и отсутствием интереса к нему, всё же продолжал
усердно трудиться. Светлая Седьмая, драматичная Восьмая и
трагически просветлённая Девятая - последний этап, они вбирают в

41
себя многие черты предшествующих партитур, хотя и отличаются от
них значительно большей протяженностью и неспешностью
титанического развертывания.
Только после создания 7-й симфонии, написанной под впечатлением
от «Парсифаля» Вагнера, судьба начала поворачиваться к
композитору лицом. Произведение имело невероятный успех в
исполнении оркестра под руководством Артура Никиша в Лейпциге.
Восьмая симфония называли «венцом музыки XIX века», Девятая
симфония осталась незавершённой. Для воплощения её
монументальной концепции у автора просто не хватило сил.

Брамс. 4 симфонии Брамса, из которых особенно выделяется


последняя, - одно из высших достижений симфонизма 2-й половины
19 в. Вслед за Л. Бетховеном и Ф. Шубертом Брамс понимал
композицию симфонии как инструментальную драму, части которой
объединены определённой поэтической идеей. По художественной
значимости к симфониям Брамса примыкают его инструментальные
концерты, трактованные как симфонии с солирующими
инструментами.

Первая симфония- монументально-эпическая, Вторая -жанрово-


танцевальная, Третья - лирико-драматическая и Четвертая -
трагическая. Но при всём различии их объединяет сохранение основ
классического симфонизма в противовес начинающемуся в
последние десятилетия XIX века кризису монументальных жанров.

Чайковский написал 6 симфоний (не считая программной


симфонии «Манфред»), в которых глубина замысла и эмоциональное
богатство соединяются с доступностью музыкального языка. Он
вводил в свои симфонии народно-песенные темы, интонации и ритмы
бытовой танцевальной музыки. Историческое значение имеет
симфоническое творчество. Этот жанр автор считал «исповедью
души». Его симфонии, насыщены бурной страстью и яркими
драматургическими образами, а также глубокой философией.

Симфония № 1 соль-минор, соч. 13 «Зимние грёзы» - 4 части.


Написана в 1866 г. Премьера состоялась 15 февраля 1868 г. в Москве.
Симфония № 2 до минор, соч. 17 - 4 части. Написана в 1872 г.
Премьера состоялась 7 февраля 1873 г. в Москве под управлением
Николая Рубинштейна. Симфония № 3 ре- мажор, соч. 29 - 5
частей. Написана в 1875 г. Четвёртая симфония (f-moll) (1877) -
первая в истории русской музыки симфония - психологическая драма,
сопоставимая по силе с симфониями Бетховена. От Первой симфонии
её отделяют 10 лет; уже написаны «Ромео и Джульетта», «Франческа
да Римини», ранние оперы, параллельно сочинялась опера «Евгений
Онегин». Ближайшие предшественники - «Лебединое озеро» и
«Времена года». Создание Четвёртой симфонии связано со временем
глубокого общественного кризиса: Русско-турецкая война. Для
Чайковского война - это рок, фатум. Помимо этого, в период работы

42
над Четвёртой симфонией Чайковский переживал душевный кризис,
и сочинения этого периода - поистине крик души. Симфония № 5
ми-минор, соч. 64 - 4 части. Написана в 1888 г. Премьера состоялась
6 ноября 1888 г. в Петербурге. Симфония № 6 си минор, соч. 74
«Патетическая» - 4 части. Написана в 1893 г. Премьера состоялась
16 октября (29 октября) 1893 г. в Петербурге, за 9 дней до смерти
композитора. Состав оркестра: Деревянные духовые: Флейта
пикколо, 2 флейты, 2 гобоя, 2 кларнета (A), 2 фагота Медные
духовые: 4 валторны (F), 2 трубы (A, B), 3 тромбона, туба Ударные:
Литавры, Тарелки, Большой барабан, Там-там Струнные: I и II
скрипки, альты, виолончели, контрабасы.

В каких симфониях 19 века использован


вокал?
1. Бетховен 9-ая смифония, в последней части «Ода радости»
Шиллера.
2. Малер. В 4-ой симфонии присутствует эпическая «Песнь о Земле»,
симфония с вокалом на слова средневековых китайских поэтов.
3. Берлиоз «Ромео Джульетта» использует хоровые сцены.

Этюды в творчестве Шопена и Листа.


Фортепианные этюды - вместе с Листом Шопен явился создателем
нового вида фортепианной музыки - концертного этюда.

Этюд - пьеса, основанная только на одном-двух строго определённых


технических приёмах (это могут быть гаммообразные пассажи, ходы
по трезвучиям, изложение октавами, двойными терциями и др.).
Множество этюдов, написанных в XIX веке в целях развития техники
игры на всевозможных инструментах (например, пианистами Муцио
Клементи, Карлом Черни, скрипачом Крейцером), являют собой не
более чем упражнения, лишь немногим из них присуща музыкальная
содержательность.

Этюды Шопена и Листа - высокохудожественные концертные пьесы.


Большие технические трудности, свойственные каждому из этюдов
этих композиторов, всегда обусловлены и подчинены раскрытию
яркого художественного замысла.

Многие из этюдов Шопена были созданы еще в Варшаве. Свою работу


над двумя сериями этюдов, по двенадцати пьес в каждой тетради,
Шопен завершил уже в Париже (опусы 10 и 25). По художественному
замыслу они удивительно разнообразны. В основе каждого обычно
лежит только один образ (контрастные сопоставления присущи лишь

43
отдельным этюдам). Некоторые из них отличаются блестящим,
светлым колоритом, есть среди них и капризно-шутливые
(скерцозные). Другим, напротив, присущ грустный, меланхолический
или драматический характер.

Лист: Трансцендентные этюды: «Мазепа» ,»Блуждающие огни»,


«Героика», «Дикая охота» , «Метель».
Этюды Листа имеют явную или скрытую программу и образное
содержание, на что сам композитор указывал в названиях и
подробных обозначениях, касающихся характера исполнения. Три
концертных этюда, сочинённых около 1848 года, в оригинале имеют
заголовки: 1. «Жалоба», 2. «Легкость», 3. «Вздох». Этюд «Хоровод
гномов» из цикла «Два концертных этюда» сочинён в 1862-м или
1863 году. Этюд «Кампанелла» ("Колокольчик") на тему финала си-
минорного Скрипичного концерта Паганини вошёл в цикл «Большие
этюды по Паганини», сочинённый в 1851 году и посвящённый Кларе
Шуман.

Развитие инструментального концерта в


музыке 19 века. Трактовка циклов, сольная
каденция. (Бетховен - Мендельсон - Лист -
Брамс).
Концерт - (от итал. concertare - состязаться) - крупное музыкальное
произведение виртуозного характера для 1 или нескольких
исполнителей-солистов в сопровождении оркестра. Он представляет
собой 3-частный цикл, в котором, в отличие от обычного сонатно-
симфонического цикла, отсутствует скерцо (менуэт). В 1-й части
применяется т. н. двойная экспозиция - сначала темы проводятся в
оркестре, затем у солиста с участием оркестра. После репризы 1-й
части (иногда и 3-й части) имеется сольная каденция. Это
виртуозный сольный эпизод в инструментальном концерте; как бы
свободная фантазия на темы концерта. В эпоху венских классиков
сочинение или импровизация каденций предоставлялись
исполнителю. Впоследствии (начиная с Бетховена) композиторы,
стремясь к структурно-стилистическому единству сочинения, сами
стали создавать и записывать каденции для своих концертов.
Бетховен утвердил практику сочинения каденций самим
композитором. Развивая классический тип инструментального
концерта, Бетховен симфонизировал жанр, создав новый тип
концерта: скрипичный (Ре-мажор, 1806) и фортепианный (№ 1, До-
мажор, 1796; № 2, Си-бемоль мажор, , 1795-1798; № 3, до-минор,
1800; № 4, Соль-мажор,; № 5, Ми-бемоль мажор, 1809). Симфонизация
концерта полностью изменила его структуру и резко усилила роль
оркестра, который стал равноправным партнером солиста.

Характерные для творчества Листа поиски формы коснулись и


концерта: многочастную циклическую форму он заменил в нём 1-

44
частной. К лучшим концертам композиторов-романтиков относятся
также скрипичный концерт Паганини, Мендельсона и Брамса,
фортепианные концерты Шопена, Шумана, Грига. К жанру концерта
приближаются и такие произведения, как симфония для альта и
оркестра «Гарольд в Италии» (1834) Берлиоза, Симфонические
вариации для фортепиано с оркестром (1885) Франка, Испанская
симфония для скрипки с оркестром (1873) Лало.

Мендельсон первым отказался от начального tutti при


сочинении инструментальных концертов; в этом жанре у него можно
найти произведения разного качества. Менее интересны два
фортепианных концерта (Первый, соль-минор, 1831 и Второй, ре-
минор, 1837), зато скрипичный концерт ми-минор (1844), последнее
большое оркестровое сочинение композитора, до сих пор сохраняет
свежесть и очарование.

Брамс. По художественной значимости к симфониям Брамса


примыкают его инструментальные концерты, трактованные как
симфонии с солирующими инструментами. Скрипичный концерт
Брамса (1878) принадлежит к числу наиболее популярных
произведений этого жанра. Большой известностью пользуется также
2-й фортепианный концерт (1881).

Соната (соло и дуо).


Соната в творчестве Бетховена достигает такой неумолимой логики
развития и драматургической напряженности, которые не были
превзойдены авторами последующих поколений. Особенно это
относится к 32 фортепианным сонатам, среди которых наиболее
популярны такие шедевры, как Патетическая, Вальдштейновская и
Аппассионата. Бетховен открыл и столь всесторонне использовал
многообразные возможности сонатной формы, что его творчество
знаменует кульминацию классической идеи сонаты, и начало ее
распада. Несмотря на необычайную красоту гармонического и
мелодического языка и обилие драматургически выразительных
эпизодов, сонаты последователя Бетховена – Ф.Шуберта (для
солирующих инструментов и фортепианных дуэтов) исполняются не
столь часто, как они того заслуживают.

Современная соната. До 1845 были созданы четыре фортепианные


сонаты Вебером и по три фортепианные сонаты – Ф.Мендельсоном,
Р.Шуманом и Ф.Шопеном; хотя упомянутые композиторы сознательно
стремились к продолжению классических традиций, эти сочинения
обозначили начало романтической эпохи, когда богатство
гармонического и мелодического письма взяли верх над логикой
развития в классической форме. Превосходный образец чисто

45
романтической сонаты являет собой фортепианная Соната си-минор
(1854) Ф. Листа, где все части обычного сонатного цикла объединены
в сквозной одночастной композиции. С другой стороны, 10
виртуозных сонат И.Брамса (1833–1897) для фортепиано, скрипки
и фортепиано, виолончели и фортепиано, кларнета и фортепиано
демонстрируют новаторское претворение классических принципов
художником романтической эпохи.

Doppel-Sonate - двойная соната, написанная для двух самостоятельно


третированных инструментов

Вариации: Бетховен – ор. 34; Шуман – ор. 13;


Брамс – ор. 24, 35, 56, 98; Чайковский – ор.
33.
Л. В. Бетховен, 6 Вариаций фа-мажор соч. 34
01. Тема
02. Вариация I
03. Вариация II
04. Вариация III
05. Вариация IV
06. Вариация V
07. Вариация VI
08. Кода
Манера из песенной мелодии (швейцарская песня, 1790 года), из неё
вытекают эти 6 вариаций.Чередование мажорных тональностей по
нисходящих терциям заканчивается минором в далекой тональности,
далее возврат в первоначальную тональность. Это является
новаторством, т.к. терцового родства раньше не применяли.
Жанр вариации Бетховен широко применял (Почти все квартеты в
форме вариаций.)
В вариациях оп.34 есть части схожие со скерцо, похоронным маршем,
менуэтом. Встречаются различные жанровые изменения.

Шуман Симфонические этюды для фортепиано, соч. 13 (1843)


Шуман был блестящим пианистом, и фортепиано для него - средство
воплощения огромного числа образов и эмоций. В его фортепианных
сочинениях - вся сущность Шумана.

Музыка Шумана всегда предполагает литературную программу.


«Симфонические этюды» навеяны личностью и музыкой Н. Паганини,
хотя никаких прямых цитат здесь нет. «Симфонические этюды» -
одно из самых ярких и героических произведений Шумана. Это -
романтические вариации, хотя по своей серьёзности они выходят за
рамки просто вариаций и приближаются к симфонической музыке.
Пианистическое звучание сочинения оркестрально. Главная тема -
траурный марш - постоянно преобразуясь, превращается в финале в
обедное шествие. В первом этюде (с элементами фуги) -

46
таинственность, мрачность настроения. Второй этюд - романс,
взволнованный и страстный. Третий этюд - чёткий марш. В четвёртом
этюде - погружение в мир танцевальности и скерцозности. Каждый
образ характеризуется новым виртуозным исполнительским приёмом
(отсюда название - «этюды»).

«Симфонические этюды» можно назвать энциклопедией образов,


жанров и приемов романтической фортепианной музыки XIX века,
при этом они - сочинение необычайно цельное, с единым движением.
«Симфонические этюды» - одно из наиболее часто исполняемых
произведений Шумана.

Брамс. Вариации и Фуга на тему Генделя ор. 24, как и Вариации


на тему Шумана ор. 9, создавались Брамсом с мыслью о Кларе Шуман
и для неё, хотя посвящение стоит лишь на цикле ор. 9. Однако,
вариации на тему Генделя он закончил точно ко дню её рождения, 13
сентября 1861 года, что можно было рассмативать как своебразное
посвящение. Клара исполнила их 7 декабря того же года в Гамбурге.

Брамс. Вариации на тему Паганини ля-минор ор. 35 – 2 тетради.

Брамс. Вариации на тему Генделя ор. 56 - существуют 2 варианта


- один для
оркестра, второй - для двух ф-но 4 руки

Брамс. Симфония № 4 ор.98 . Четвертая - трагическая. Создавал на


протяжении 84-85 гг. Опирался на бетховенскую традицию. Большая
симф. концепция. Сочетание широты масштабов с камерным
содержанием муз. образов. Черты немецкой, венгерской и
славянской песенности. Состав оркестра в 4 симфонии в основном,
бетховенский. Так же, как в некоторых симфониях Бетховена,
тромбоны появляются только в финале.
Но при всём различии их объединяет сохранение основ
классического симфонизма в противовес начинающемуся в
последние десятилетия XIX века кризису монументальных жанров

Чайковский. Вариации на тему рококо для виолончели с


оркестром ор. 33
Посвящен Фитценхагену (виолончелист), хотя К. Давыдова Чайк.
ценил больше (видимо, общение с ним и побудило сочинить это про-
ние). Фитценхаген сделал редакцию (самовольно) своей партии -
"обвиолончелил", по словам Юргенсона. С тех пор осталось 2
варианта этого произвдения.

47
Музыкальное образование в Европе в 19 веке.
(муз. учреждения).
Музыкальное образование зародилось в странах Древнего Востока.
Музыке отводилось большое место в придворных и ритуальных
церемониях, военных парадах и походах, народных празднествах.
Развитие м. о. в Древней Греции определялось высоким уровнем её
музыкальной культуры.

В конце 18 в. преподавание музыки было введено в женских учебных


заведениях и в воспитательных домах. В 1-й половине 19 в.
организован ряд специальных музыкальных школ (например,
«Музыкальный класс» Д. Кашина в Москве). В 60-е гг. основаны
первые консерватории - Петербургская (1862) и Московская (1866).
Во 2-й половине 19 в. и в начале 20 в. открылись музыкальные
училища при отделениях императорского Русского музыкального
общества; в Москве, Петербурге и некоторых др. городах
организованы общедоступные музыкальные учебные заведения,
именуемые народными консерваториями (например, Бесплатная
музыкальная школа, созданная по инициативе М. А. Балакирева и
руководимая им с 1862 до начала 70-х гг. и затем в 1881-1908). С
каждым годом росло количество частных музыкальных школ.

Становление и развитие м. о. в России в этот период связано с


деятельностью Московской и Петербургской консерваторий, в
которых преподавали их основатели А. Г. Рубинштейн (в Петербурге)
и Н. Г. Рубинштейн (в Москве), а также П. И. Чайковский, Н. А.
Римский-Корсаков, А. К. Глазунов, А. К. Лядов, М. М. Ипполитов-
Иванов, С. И. Танеев, А. Н. Скрябин, Н. Я. Мясковский, Б. В. Асафьев и
др.

Была создана государственная система м. о.: начальные


музыкальные школы с 7-летним курсом обучения; музыкальные
училища с 4-летним курсом, готовящие профессионалов со средним
м. о.; средние специальные музыкальные школы при консерваториях
с 11-летним курсом; музыкальные вузы - консерватории, музыкально-
педагогические институты и институты искусств - с 5-летним курсом.
В крупнейших консерваториях и институтах имеется аспирантура и
ассистентура. В 1973 в СССР было около 7 тыс. начальных
музыкальных школ, 242 музыкальных училища, 36 средний
специальных музыкальных школ, 30 музыкальных вузов. В начальных
музыкальных школах обучалось свыше 1 млн. учащихся, в училищах -
свыше 105 тыс., в средних специальных музыкальных школах - около
14 тыс., в вузах (факультетах) - 22,3 тыс. Кроме того, подготовку
преподавателей музыки и пения для общеобразовательных школ
осуществляли 46 педагогических институтов и 92 педагогических
училища. Музыкальные учебные заведения открыты не только в
крупных, но и в небольших городах и сельских местностях.

48
Начальные музыкальные школы – цель - приобщить детей к музыке,
обучить их игре на каком-либо инструменте, дать знания
элементарной теории музыки, развить музыкальный слух и выявить
данные для дальнейшей профессионализации. Наиболее способные
учащихся, желающие продолжить М. о., могут поступать в
музыкальные училища. В средних специальных музыкальных школах
при музыкальных вузах обучаются музыкально одарённые дети.
Музыкальные училища готовят пианистов, оркестрантов
(симфонического оркестра и оркестра народных инструментов),
хоровых певцов, учителей музыкальных школ по фортепиано,
оркестровым инструментам, теории музыки и сольфеджио, хоровому
пению, преподавателей музыки для общеобразовательных школ и
художественной самодеятельности. Наиболее одарённые выпускники
училищ поступают по конкурсу в консерватории и институты.
Музыкальные вузы готовят профессионалов высшей квалификации
по всем специальностям м. о.: композиторов, музыковедов,
исполнителей, педагогов по различным дисциплинам для
музыкальных училищ и средних музыкальных школ.

Учебными планами средних и высших музыкальных учебных


заведений предусматриваются широкая общенаучная и музыкально-
теоретическая подготовка.

Значительный вклад в развитие м. о. внесли Московская


консерватория, Ленинградская консерватория, Киевская
консерватория, Музыкально-педагогический институт им. Гнесиных и
др. музыкальные вузы (за годы Советской власти они созданы во всех
союзных республиках), крупнейшие деятели советской музыкальной
культуры М. М. Ипполитов-Иванов, А. Ф. Гедике, А. Б. Гольденвейзер,
К. Н. Игумнов, Б. В. Асафьев, Л. В. Николаев, Н. Я. Мясковский, С. М.
Козолупов, Г. Г. Нейгауз, С. Е. Фейнберг, В. В. Софроницкий, И. В.
Способин, Ю. А. Шапорин, В. Я. Шебалин, Ф. М. Блуменфельд, Р. И.
Грубер, С. С. Богатырёв, А. И. Ямпольский, М. И. Табаков, У.
Гаджибеков, З. П. Палиашвили, А. А. Спендиаров, Д. Д. Шостакович,
Д. Б. Кабалевский и др.

Крупнейшие центры м. о. за рубежом: Берлин, Лейпциг, Будапешт,


Бухарест, Варшава, Прага, София; Бостон, Нью-Йорк, Вена, Кёльн,
Лондон, Мадрид, Париж, Рим и др.

Музыкальные издательства

1. Edition Peters
2. Universal Edition
3. Dover Publications
4. G. Shirmer
5. Fazer Musiikki
6. Edition Wilhelm Hansen

49
7. Kallisti Music Press
8. G. Henle
9. Doblinger

Каких композиторов были издатели Симрок и


Юргенсон.

Фриц Симрок – был брамсовским издателем. Фриц Симрок написал


стихи на музыку Брамса опубликованную в 1868 году.

Пётр Иванович Юргенсон- московский музыкальный издатель,


широко известный и популярный как в России, так и за границей.
Издатель Чайковского.

Число музыкальных произведений, изданных Юргенсоном за 42 года


(1861–1903) достигло 29 000 напечатанных с 300 000 гравированных
металлических досок. В этом числе издано: 20 оркестровых партитур
опер и балетов; 200 партитур оркестровых произведений, 224
партитуры для военного оркестра, 126 клавиров для пения с фп., 84
-для фп. в 2 руки, 112 произведений камерной музыки, 1520 духовно-
музыкальных сочинений, 2000 хоровых произведений, 90 школ для
разных инструментов и пения, 820 томов «Дешёвого издания в
томах», 150 книг по теории музыки, и пр. Из классических авторов
Запада Юргенсоном были изданы полные собрания сочинений
Шумана, Шопена, Мендельсона, полное собрание сонат Бетховена, а
также сочинения Баха, Генделя, Моцарта, Шуберта, Листа, Вагнера и
многих других; из русских авторов - почти все сочинения
Чайковского, Н. Рубинштейна, Аренского, Ипполитова-Иванова,
Симона; а также сочинения Глинки, Даргомыжского, Балакирева,
Бородина, Кюи, Мусоргского, Направника, Римского-Корсакова, А.
Рубинштейна, С. Танеева, из молодых композиторов: Гречанинова,
Калинникова, Кастальского, Конюса, Корещенко, Ляпунова,
Пахульского, Рахманинова, Ребикова, Скрябина и многих других.

Собственную нотопечатню П. И. основал в 1867 г. В начале


производительность её была самых скромных размеров. Печатание
производилось на ручных станках металлографическим способом. В
виду полного отсутствия в то время в России нотных гравёров и
металлографов, таковых пришлось выписать из Германии. В то же
время были взяты несколько русских мальчиков для обучения их
рисованию и гравёрному искусству.

Деятельность П. И. Ю была плодотворна и обширна, как русского


музыкального издателя. Но этой деятельностью не исчерпывалось
значение П. И. Ю войдя в состав дирекции московского отделения
Музыкального Общества вскоре после его основания, и пробыв в
должности директора около 30 лет. За свои заслуги на пользу

50
музыкального просвещения П. И. Ю был избран почётным членом
Московского Отделения. Живой, деятельный, простой и
обходительный со всеми, Пётр Иванович был любим и уважаем всеми
знавшими его. А знала его буквально вся музыкальная Москва.
Особенно ценила его простоту, доступность и доброту учащаяся
музыкальная молодёжь, из среды которой многие, многие были
обязаны добряку тем, что могли существовать и учиться.

Выдающиеся интерпреты 19 века.

Пианисты: Антон Рубинштейн, Клара Шуман, Ганс фон Бюллов,


Ференц Лист, Карл Мария фон Вебер, Брамс, Бюлов, Иосиф Гофман, К.
Таузиг, Л. Годовский, Николай Рубинштейн, Ф. Шопен, Мошелес,
Калькбренер, Д. Фильд, Дюссек,
П. Пабст, Герц, Лешетицкий.

Скрипачи: Фердинанд Давид (1810-1873) – в 16 лет скрипач


Берлинской Королевской оперы. Никколо Паганини. Ременьи
(венгерский). Иоахим Абенек, Франсуа Антуан, Крейслер,
Липиньский, Л. Шпор, Виотти, виолончелист К. Давыдов (Чайковского
Ит. каприччио), Бюргер (венгр), Хаусман.

Певцы: Штокхаузен, В. Шредер, М. Фогль, Г. Зонтаг, Людвиг и


Мальвина Шнорр (Вагнер считал их лучшими исполнителями своих
ролей)
Ворольева-Петрова, О.А. Петров (бас). Тамбурини (баритон), Миарио
(тенор).

Дирижёры: Мендельсон – 1835год- дирижёр в Лейпцигском


Гевадхаузе. Ведёт оркестр на европейский уровень. Бюлов, Рихард
Вагнер, Карл Мария фон Вебер, Ференц Лист, И. Ланнер, Никиш.

Органисты: Брукнер, Альбер Поль Ален (фр.), Бенуа Франсуа, Леон


Боэльман, Лефебюр-Вели, С. Франк, Вьерн, Ш. Видор

Духовики: Мюльфельд - кларнетист, впервые исполнитель


сочинений Брамса. Луи Савар (валторнист), Таффанель - флейта,
Фридловский – кларнет.

Эдуард Ханслик (1825-1904).


Австрийский музыковед. Труды по истории и эстетике европейской
музыки 18-19 вв. В трактате "О музыкально-прекрасном" (1854)
рассматривал музыкальное искусство как область духовной

51
деятельности, не нуждающуюся во внемузыкальных ассоциациях.
Профессор Венского университета (с 1861).

Баллада, скерцо, рапсодия в творчестве


композиторов 19 века.
Рапсодия –инструментальное или вокальное произведение,
написанное в свободном, импровизационном стиле. Для рапсодии
характерно чередованием разнохарактерных эпизодов на народно-
песенном материале. Рапсодия воссоздаёт исполнение
древнегреческого певца-рапсода.

В XIX веке возрождается под влиянием эстетики романтизма с


присущим ей интересом к фольклору. Поначалу рапсодии
предназначалась чаще всего для фортепиано и напоминала
фантазию на народные темы (19 венгерских Рапсодий Ференца
Листа). Позднее рапсодия приблизилась к поэмам (Иоганнес Брамс),
сольным концертам для фортепиано с оркестром («Рапсодия на тему
Паганини» Сергея Рахманинова), к кантатам.

Баллада - (от французского «ballade» или позднелатинского


«ballare» - «плясать») – жанр лирической поэзии. Путешествуя по
странам, баллада приобретала всё новые особенности и, наоборот,
теряла старые. Но что-то общее в балладе было всегда: она имела
развитый сюжет, а лирический жанр придавал рассказу поэтичность.
В музыке - это произведение для голоса и 1-3 сопров. инструмента,
(для ф-но Шопен; в вокальном творчестве «Лесная Нимфа» Шуберта,
ор. 1 на текст Гёте)

Скерцо (итал. scherzo - «шутка») - часть симфонии, сонаты,


квартета или самостоятельная музыкальная пьеса в живом,
стремительном темпе, с характерными ритмическими и
гармоническими оборотами, в трёхдольном размере.

Первоначально - небольшая инструментальная пьеса, скерцо с


начала XIX века заняло прочное место в симфонии и сонате, вытеснив
оттуда менуэт, но вместе с тем стало развиваться и как
самостоятельный жанр. С этого времени присутствует в большинстве
традиционных симфоний как одна из средних частей (не начало и не
финал).

Скерцо демонстрируют всевозможные оттенки музыкального юмора.


Сложился целый комплекс приёмов, способный передавать такого
рода замыслы: шутливые переклички мотивов, пребрасываемых из
регистра в регистр или от одного инструмента к другому, всякого
рода неожиданности - «сюрпризы», подача каких-либо простых

52
явлений в необычном, кажущемся странным освещении или же их
излом, смещение и т. д.

Скерцо плодотворно развивалось и вне сонатно-симфонического


цикла. К высшим достижениям относятся четыре скерцо Шопена,
содержание которых шире и серьёзнее обычно скерцозного.

Известные скерцо:
П. Дюка. Скерцо «Ученик чародея» для оркестра.
А. К. Лядов. Скерцо № 1, Скерцо № 2 для оркестра.
Ф. Мендельсон. Скерцо из музыки к комедии Шекспира «Сон в
летнюю ночь», оп. 61.
П.И. Чайковский. Скерцо из симфонии № 6 (часть 3, Allegro molto
vivace).
Д. Д. Шостакович. Скерцо № 1, Скерцо № 2 для оркестра.

Музыкальные события и написанные


произведения в 1876 году.
30 ноября 1876 считается датой появления первого трансформатора.
1876-Кокандское ханство завоёвано Российской империей.

Родившиеся в 1876 году


12 января - Джек Лондон, американский писатель.
31 октября - Анта́ нас Жмуйдзина́ вичюс, литовский художник (ум. в
1966).
25 декабря - Мухаммад Али Джинна, отец пакистанской
государственности (ум. 1948).

Скончавшиеся в 1876 году


13 февраля - Михаил Васильевич Авдеев, русский беллетрист и
критик.
8 июня - Жорж Санд, французская писательница.

Музыкальные произведения 1876 года:

Брамс 1-ая симфония ор.68

Произведения Чайковского:
опера «Кузнец Вакула»
цикл ф-ных пьес «Времена года»
увертюра-фантазия "Франческа да Римини" (1ое исполнение под
управлением
Рубинштейна в 1877 году)
Квартет номер 3 для струнных

53
Лебединое озеро (предварительно Чайковский побывал в Баварии,
посетив берега Лебединого озера в старом замке, где жил Людовиг
Второй)
"Славянский марш" (написан по заказу Дирекции муз. общества для
концерта в пользу красного креста, а точнее, в пользу раненых в
русско-турецкой войне).
Использует в этом произведении тему русского нац. гимна "Боже,
Царя храни" и также 3 сербские народные темы.
Вариации на тему рококо (в конце года), первое исполнение было в
1877 году под упр. Н. Рубинштейна.Вообще в этот период большая
часть его произвдений связана с народными песнями.
Писал в это время четвертую симфонию фа минор, опус 36.
инструментовал уже позднее.

М. Мусоргский "Песни и пляски смерти"


Цезарь Кюи - опера "Анджело"
Брукнер 5-ая симфония «Трагическая» Си-бемоль-мажор (премьера в
1894)
Григ музыка к драме "Пер Гюнт"
Вагнер тетралогия "Кольцо Нибелунга" (премьера в 1876 году в
Байрёйт).

Фауст в музыке 19 века.

Легенда о Фаусте обогатила не только художественную литературу.


В музыке тему о Фаусте разрабатывали Берлиоз, Гуно, Бойто, Вагнер,
Бузони и другие.

Людвиг ван Бетховен: Op. 75 № 3 „Жил в Фуле король“ (Песня,


1809)
Людвиг Шпор: Фауст (Опера, 1818)
Гектор Берлиоз: Осуждение Фауста (Оратория, 1845-46)
Роберт Шуман: Сцены из «Фауста» Гёте - для голоса, хора и
оркестра, 1844-1853
Ференц Лист: Фауст-симфония, 1854-57
Шарль Гуно: Фауст (Опера, 1859)
Арриго Бойто: Мефистофель (Mefistofele) (Опера, 1868).

54
Дополненительные вопросы
Балеты Чайковского
«Лебединое озеро» (1876) - балет, состоящий из четырёх актов.
Постановка основана на либретто Владимира Бегичева и, возможно,
Василия Гельцера. История о лебедином озере - это старинная
германская легенда, повествующая о прекрасной принцессе Одетте,
превращённом в лебедя проклятьем злого колдуна Ротбарта.

Постановка балета создана Юлиусом Резингером на музыку


Чайковского. Премьера «Озера лебедей» прошла 4 марта 1877 года
на сцене Большого театра в Москве. Несмотря на то, что существуют
разные версии постановки балета, основная масса балетных трупп
отдаёт предпочтение и в хореографии, и в музыкальной обработке
реконструкции Мариуса Петипа и Льва Иванова. Эта реконструкция
была осуществлена для императорского балетного театра и впервые
показана 15 января 1895 года в Мариинском театре в Санкт-
Петербурге. Для этой реконструкции оригинальная партитура
Чайковского была откорректирована главным дирижёром
Петербургского Императорского Театра, композитором Рикардо
Дриго.

«Спящая красавица» (1889) - балет П. И. Чайковского на либретто


И. Всеволожского и Мариуса Петипа по сюжету одноимённой сказки
Шарля Перро; состоит из трёх действий, пролога и апофеоза.
Написан в 1889, представлен публике в 1890.

Главные действующие лица балета: король Флорестан, королева,


принцесса Аврора; семь фей: Сирень, Кандид (Искренность), Флёр-де-
Фарин (Цветущие колосья), Хлебная Крошка, Канарейка, Виолант
(Страсть) и злая Карабосс; принц Дезире.

Наиболее известный номер балета — вальс из I акта.

«Щелкунчик»(1892) - балет Петра Ильича Чайковского, состоящий


из двух актов. Либретто Мариуса Петипа по сказке Э.Т.А. Гофмана
«Щелкунчик и мышиный король» (1816 год). Первая постановка -
Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1892 год.

1- ый концерт Чайковского.

Первый концерт для фортепиано с оркестром был написан в 1875


году. Он предназначался для Н. Г. Рубинштейна. Однако пианист
посчитал концерт сложным и неудобным для исполнения. Чайковский
отказался переделывать концерт. Но изменил посвящение, сделав

55
его Г. фон Бюлову, знаменитому немецкому пианисту, ученику
Ф.Листа. Бюлов исполнил концерт впервые в США, в Бостоне 25
октября 1875 с американским дирижером Б. Лангом.

Э. Гофман (опера Ундина)


Иосиф Гофман ( 20 января 1876, Краков - 16 февраля 1957) -
американский пианист и композитор польского происхождения.
Гофман - один из основоположников немецкой романтической
музыкальной эстетики и критики. Он автор одной из первых
романтических опер - «Ундина», написанная по мотивам повести
"Ундина" Ф. де ла Мотт Фуке и впервые поставленная в 1816 г.
Волшебная опера в 3-х актах. Либретто оперы Гофмана представляeт
интересный литературный памятник: оно написано самим Фуке и
позволяет судить, какие изменения писатель считал возможным и
нужным внести в сюжет своей повести.
Различны концовки повести "Ундина" (Ундина, обратившаяся в ручей,
навеки обвивает могилу рыцаря) и либретто (завершающий оперу хор
прощает рыцарю любовь к русалке и отпускает его к водяным духам
для вечного блаженства с Ундиной), романтическая идея магической
силы любви, примиряющей людей и духов стихий, сохраняется.
Премьера состоялась 3 августа 1816 г. в Королевском Национальном
театре в Берлине. Опера выдержала 23 представления.
Музыке он подчеркнул то, что ему было ближе в сказке Фуке: любовь
как пробуждение души, мотив о природной стихии, холодной и
грозно-таинственной, мотив демонических сил, скрыто управляющих
драмой жизни.Историческое значение оперы Гофмана "Ундина"
определяет ее "музыкально-драматические тенденции. Именно они
делают произведение Гофмана важным звеном в истории музыки XIX
в."
Композиторы XIX и начала XX в. не раз обращались к этой повести
Фуке или к её переводу, но уже получали либретто, так сказать, "из
вторых рук", написанное посредственными литераторами по мотивам
оригинальной "Ундины" (например, С. Прокофьев), а чаще её
перевода (например, П. И. Чайковский).

Перечислить композиторов Франции 19 века.


Абенек, Франсуа Антуан- композитор, скрипач, дирижёр
Шарль Алькан - французский пианист и композитор.
Франсуа Базен - композитор, муз педагог
Матюрен Барберо - французский композитор, дирижёр и музыковед.
Гектор Берлиоз - дирижёр, музыкальный деятель
Бизе - французский композитор, автор оркестровых произведений,
романсов, фортепианных пьес, а также опер, самой известной из
которых стала «Кармен».

56
Луи Верру - французский гобоист и композитор.
Анри Герц - знаменитый пианист, композитор и основатель одной из
лучших французских фортепианных фабрик.
Эрнест Гиро - французский композитор и педагог.
Шарль Франсуа Гуно́ композитор (опера "Фауст")
Фелисьен Давид - французский композитор
Клеман Делиб - фр. комппозитор
Эдуар Дельдеве - французский скрипач, композитор и дирижёр.
Жан-Жорж Кастнер - французский композитор и музыковед.
Антуан Луи Клаписсон - французский скрипач и композитор.
Гиаци́ нт Элеоно́ р Клозе́ - французский кларнетист и композитор,
профессор Парижской консерватории.
Шарль Жозеф Колен - французский композитор и гобоист.
Наполеон Кост - французский классический гитарист и композитор,
ученик Фернандо Сора.
Анри Коэн - французский нумизмат, библиограф и композитор.
Луи Бруйон Лакомб - французский пианист и композитор.
Эдуа́ р Лало
Жюль Массне́
Луи Нидермейер - французский композитор швейцарского
происхождения.
Жак Оффенба́ х - французский композитор и музыкант,
основоположник и наиболее яркий представитель французской
оперетты.
Луи Бартелеми Прадер - французский пианист, композитор и
музыкальный педагог.
Наполеон Анри Ребер
Фридерик Шопен

Симфонии Брамса, что нового в форме?


Брамс понимал циклическую композицию симфонии как
инструментальную драму, части которой объединены определённой
поэтической идеей.

Шуберт, симфония си-минор


Написана в 1822 году. Впервые обнаружена и исполнена через 37
лет после смерти автора - в 1865 году. Симфония до наших дней
пользуется огромной популярностью у исполнителей и слушателей.
Название «Неоконченной» она получила из-за того, что в ней всего
две части (вместо традиционных четырёх).

Однако это сочинение, проникнутое от начала до конца единым


лирическим настроением, производит впечатление вполне
завершённого и цельного повествования. По-видимому, Шуберт не
имел намерения продолжить работу над произведением.

57
Музыкальный язык Листа. Новые жанры
Новые жанры: симфоническая поэма (13),рапсодии для ф-но.
Новшество в форме: одночастные фортепианные концерты (2шт.),
1- частная соната (h-moll), одночастные симфонические поэмы
Музыкальный язык Листа: Интересна роль Листа в процессе
семантизации (выявления смысла) музыкального языка романтиков:
хотя сам он провозглашал, что соединяет музыку с литературой, но в
действительности, наоборот, отъединял слово от музыки, выносил
его «за кадр». В результате возникали жанры программного
инструментализма по типу симфонических поэм.

Монотематизм в творчестве Листа


Определяющие принципы новаторского творчества композитора -
программность и связанный с ней монотематизм. Программность
обусловила обновление композитором жанра фантазии и
транскрипции, создание нового музыкального жанра - одночастной
симфонической поэмы, отразилась на поисках новых музыкально-
выразительных средств, что особенно ярко проявилось в поздний
период творчества. Идейно-художественные принципы Листа
получили распространение в творчестве композиторов различных
национальных школ, в т. ч. Русской.

Сочинения: Опера Дон Санчо, или Замок любви (1825, Париж);


оратории - Легенда о св. Елизавете (1862), Христос (1866) и др.;
мессы - Эстергомская (Гранская, 1855), Венгерская коронационная
(1867); кантаты; Реквием (1868);
для оркестра - Фауст-симфония (по И. В. Гёте, 1857); симфония к
«Божественной комедии» Данте (1856); 13 симфонических поэм
(1849–82), в т. ч. Мазепа (по В. Гюго, 1851), Прелюды (по Ж. Отрану и
А. Ламартину), Орфей, Тассо (все — 1854), Прометей (по И. Г.
Гердеру, 1855); 2 эпизода из «Фауста» Ленау (1860) и др.;
для фортепиано с оркестром - 2 концерта (1856, 1861), Пляска
смерти (1859), Фантазия на венгерские народные темы (1852) и др.;
для фортепиано - соната h-moll; циклы пьес: Поэтические и
религиозные гармонии (по А. Ламартину), Годы странствий (3
тетради); 2 баллады; 2 легенды; 19 венгерских рапсодий; Венгерские
исторические портреты; Испанская рапсодия; Этюды высшего
исполнительского мастерства, концертные этюды, вариации, пьесы в
танцевальной форме, в т. ч. 3 забытых вальса, марши и др.;
для голоса с фортепиано - песни и романсы (около 90) на слова Г.
Гейне, И. В. Гёте, В. Гюго, М. Ю. Лермонтова и др., инструментальные
пьесы, камерно-инструментальные ансамбли;
транскрипции (главным образом для фортепиано) собственных
произведений и сочинений других композиторов, в т. ч. Этюды по
Каприсам Паганини.

58
Фортепианные циклы Шумана
Шуман избрал форму фортепианного цикла, состоящего из
разнообразных по настроению и фактуре характерных пьес. В
течение 1830-х годов появились циклы "Бабочки", "Карнавал" (в нем
фигурируют музыкальные "портреты" членов Давидова братства -
давидсбюндлеров), "Танцы давидсбюндлеров", "Детские сцены",
"Крейслериана" (по мотивам прозы Э. Т. А. Гофмана), "Венский
карнавал", сборник миниатюр "Фантастические пьесы".

Шуберт.
Масштаб и значение.
Шуберт самый значимый создатель песенного творчества в
классической музыке. Он первый композитор, у которого песня в
творчестве занимает 1-ое место.Он написал более 600 песен,
которые составляют новый этап в развитии песни. Шуберт исходя из
творчества венских классиков развивает песенный жанр до
неузнаваемости, его песни в основном вырастают из немецкой
народной песни.

Шуберт романтический композитор, и его произведения выражают


его личные чувства и настроения. Даже изображение природы в
песнях является его интимным отображением чувств.

Темы
Песенное творчество Шуберта больше всего отличается темой любви.
Он показывает любовь с разных сторон – счастливую, несчастную,
всегда искреннюю и глубокую. У Шуберта можно встретить и
одиночные мотивы ("Зимняя дорога" , "Скиталец", "Песня арфиста").
Здесь отражается жизнь самого Шуберта. Шуберт затрагивает часто
глубокие, философские проблемы. Многие песни посвящены
существенным вопросам искусства ("Музыке" , "Моему фортепиано").

Тексты.
Талант создавать песни на различные тексты. Многие его красивые
песни созданы на тексты Мюллера ("Ilus möldrineiu" , "Talvine teekond"
jt.), Релльштайба и др. тексты.
Шуберт был очень заинтересован литературой. Он создал более 70
песен на тексты Гёте. В числе его излюбленных авторов был также
Шиллер (более 50 песен), Шекспир (6 песен) и т.д. Безусловно самым
близким автором был для него Гейне, но к сожалению Шуберт рано
умер, не успев основательно познакомиться со стихотворениями
Гейне, на тексты которого он успел создать только 6 песен.
Литературный текст для Шуберта был прямым вдохновением под
которым им создано с удивительной скростью некоторые из его
лучших песен. («Утренняя серенада» Шекспир; «Лесная нимфа»
Гёте).

59
Композиционная техника.
Шуберт сочинял свои песни с невероятной свободой. Тяжёлый
процесс звукового творчества был у него мимолётным,
непринуждённым. Некоторый вариант первоначальных песен был
найден на меню в столовой и т.д. Иногда создавал он несколько
песен за 1 день. Только в 1815 году рядом с крупными
произведениями создал он свыше 140 песен.

Дальнейшее развитие песни в творчестве Шуберта.


Песни Шуберта образают новый этап в развитии песни. Песня
обогащается в его творчестве новыми средствами выражения.
Содержательность песни растёт разносторонним и реалистичным,
способным давать через музыку самые сложные проблемы и глубокие
переживания.
Основа песенного творчества Шуберта – простая куплетная песня,
которая была излюбленным вокальным жанром в венских салонах, но
всё-таки песня прямо связана с народной немецкой музыкой. Таких
песен много в творчестве Шуберта, где у песни содержанием
является устойчивое неменяющееся настроение. ("Куда" ,
"Настроение" , "Нетерпение" из цикла "Прекрасная мельничиха").
Шуберт привносит в песнях маленькие изменения, согласовывает
музыку с текстом, добавляет связывающие эпизоды, ретчитативы
(«Любопытсво» и т.д.), взятые из оперной музыки или драматических
декламаций («Липа»). Каждое романтическое изменение, каждый
новый шаг событий находит развитие в отражании музыки. По этой
дороге он достигает большего развития музыки. Всё это ведёт к
драматизму песни.

Творчество: В области песни Шуберт явился продолжателем


Бетховена. Благодаря Шуберту этот жанр получил художественную
форму, обогатив область концертной вокальной музыки. Баллада
«Лесной царь» (1816 г.)принесла композитору славу. Вскоре после
неё появились «Скиталец» , «Похвала слезам» , «Зулейка» и др.

Большое значение в вокальной литературе имеют большие сборники


песен Шуберта на стихи Вильгельма Мюлера -«Прекрасная
мельничиха» и «Зимний путь», являющиеся продолжением идеи
Бетховена, выраженной в сборнике песен «Возлюбленной» . Во всех
этих произведениях Шуберт выказал замечательный мелодический
талант и большое разнообразие настроений; он дал аккомпанементу
большее значение, больший художественный смысл. Замечателен
также сборник «Лебединая песня», из которого многие песни
приобрели всемирную известность (например, «Серенада» ,
«Приют» , «Рыбачка» , «У моря».) Шуберт не старался подражать
народному характеру, но в его песнях невольно отразилась
национальная струя, и они стали достоянием страны. Шуберт

60
написал почти 600 песен. Его песнями наслаждался Бетховен в
последние дни жизни. Удивительный музыкальный дар Шуберта
сказался и в области фортепьянной и симфонической. Расцвет
шубертовского творчества - 20-е гг. В это время создаются лучшие
инструментальные произведения: лирико-драматическая
"Неоконченная" симфония (1822) и эпическая, жизнеутверждающая
до-мажорная (последняя, Девятая по счету). Обе симфонии долгое
время были неизвестны: до-мажорная была обнаружена Р. Шуманом в
1838 г., а "Неоконченная" - найдена только в 1865 г. Обе симфонии
оказали влияние на композиторов второй половины XIX в., определив
различные пути романтического симфонизма. Шуберт не слышал ни
одной из своих симфоний в профессиональном исполнении. Много
трудностей и неудач было и с оперными постановками. Несмотря на
это, Шуберт постоянно писал для театра (всего ок. 20 произведений)
- оперы, зингшпили, музыку к спектаклю В. Чези "Розамунда". Он
создает и духовные произведения (в т. ч. 2 мессы). Замечательную по
глубине и силе воздействия музыку писал Шуберт в камерных
жанрах (22 сонаты для фортепиано, 22 квартета, ок. 40 других
ансамблей). Его экспромты (8) и музыкальные моменты (6) положили
начало романтической фортепианной миниатюре. Новое возникает и
в песенном творчестве. 2 вокальных цикла на стихи В. Мюллера - 2
этапа жизненного пути человека. Первый из них - "Прекрасная
мельничиха" (1823) - своего рода "роман в песнях", охваченный
единой фабулой. Молодой человек, полный сил и надежд,
отправляется навстречу счастью. Весенняя природа, бодро журчащий
ручеек - все создает жизнерадостное настроение. Уверенность
вскоре сменяется романтическим вопросом, томлением
неизвестности: Куда? Но вот ручей приводит юношу к мельнице.
Любовь к дочери мельника, ее счастливые мгновения сменяются
тревогой, терзаниями ревности и горечью измены. В ласково
журчащих, убаюкивающих струях ручья герой находит покой и
утешение. Его фантазии до-мажор и фа-минор, экспромты,
музыкальные моменты, сонаты являются доказательством
богатейшего воображения и большой гармонической эрудиции. В
струнном квартете ре-минор, квинтете до-мажор, фортепьянном
квартете «Форель» , большой симфонии до-мажор и незавершенной
симфонии си-минор Шуберт является продолжателем Бетховена. В
области оперы Шуберт не был так одарен, хотя их у него около 20.
Среди них выделяется «Заговорщики, или Домашняя война» .
Отдельные номера его опер (например, «Розамунды») вполне
достойны великого музыканта. Из многочисленных церковных
сочинений Шуберта (мессы, офертории, гимны и проч.) возвышенным
характером и музыкальным богатством отличается особенно месса
ми-бемоль мажор. Начиная с 1813 г. он сочинял непрестанно. В
высшем кругу, куда Шуберта приглашали для аккомпанемента его
вокальных сочинений, он был чрезвычайно сдержан, не
интересовался похвалами и даже избегал их; среди друзей,
наоборот, он высоко ценил одобрение. Молва о невоздержанности
Шуберта имеет некоторое основание: он часто пил лишнее и тогда
становился вспыльчивым и неприятным для круга друзей. Как

61
утверждают биографы, Шуберт в своих сочинениях никогда ничего
не изменял, потому что не имел для того времени. Он не щадил
своего здоровья и в расцвете лет и таланта скончался на 32 году.
Последний год его жизни, несмотря на расстроенное здоровье, был
особенно плодотворен: именно тогда он написал симфонию до-мажор
и мессу ми-бемоль мажор. При жизни он не пользовался выдающимся
успехом. После его смерти осталась масса рукописей, уже позднее
увидевших свет (6 месс, 7 симфоний, 15 опер и проч.). Композитор
умер от брюшного тифа в Вене 19 ноября 1828 г.

Инструментальное сопровождение песен


Мелодическое богатство отражается в сопровождении не меньше,
чем в голосе. Фортепианное сопровождение активное и
самостоятельное. Часто 2 партии сплетаются между собой в
полифонии. Форт. сопровождение добавляет что-то со своей стороны,
углубляет основное настроение, часто занимает место дирижёра. С
удивительной ясностью зарождаются конкретные образы –
жужжание прялки («Грете за прялкой»), дикое наездничество в
тёмную ночь («Лесная нимфа»), шарманка («Шарманка») движение
рыбы в воде ("Forell"), рожок почтальона («Почта»), отдаляющиеся
шаги человека («Спокойной ночи»), далёкое гавканье собак («В
гостях») и т.д. Так вспоминается фортепианное сопровождение в
песни «Смерть и девушка» в хорале, в песни «Серенада» гитарное
сопровождение и т.д. Во многих песнях присутствует масштабное
фортепианное вступление, кода, где создаётся и завершается
эмоциональность произведения.
Уже Бетховен оценил в песнях Шуберта таинственные
«божественные сопровождения». Лист многие из сопровождений
аранжировал для фортепиано.
Звук и слово очень натуральны у Шуберта (он читал стихотворение
до тех пор пока в голове у него возникала мелодия). Использовал
таких авторов как Гёте, Шиллер. Форт. сопровождение является
равнозначным партнёром песне. Песни рассказывают о любви,
природе, исканиях и о смерти. Шуберт первый в муз. истории
объединил песни в сюжетный цикл.

Новая трактовка сонатно-симфонического


цикла
Сонатно-симфонический цикл - циклическая музыкальная форма
произведения, принадлежащего к одному из жанров (соната,
симфония, концерт, трио, квартет и т. д.), в которых принято хотя бы
одну из частей (обычно первую) излагать в сонатной форме. От
сюитного цикла (сюиты) отличается бо́ льшей значительностью
содержания и единой линией развития. Сонатно-симфонический цикл
является наиболее крупной циклической формой среди чисто

62
инструментальных форм. При этом он обладает большой гибкостью: в
форме сонатно-симфонического цикла могут быть написаны и
небольшие, камерные произведения, и огромные по масштабу и
времени звучания (в жанре симфонии).

Концерт Мендельсона для скрипки с оркестром ор. 64 е-moll


(1838, вторая редакция-1844) 1-ая часть идёт плавно: через II-ую и II
III-юю, чтобы части не были автономными. Фагот играет одну ноту, в
течении которой заканчивается I-ая и начинается II-я часть.
Присутствует каденция. Нет оркестровой композиции, только пару
аккордов и сразу же вступление солиста.

Лист – 1-частный форт. концерт (всего у Листа 2 концерта для ф-но:


1-ый в es-duur, 2-ой в H-duur, «Пляска смерти»). Его концерты и
«Пляска смерти» – это образцы романтической одночастной формы.
Их появление обосновано, с одной стороны многочастным сонатно-
симфоническим циклом в единую композицию, (не только в музыке
Листа, но и в произведениях Шумана, Шопена;) с другой стороны, –
причинами влияния программности. Первый концерт –
энциклопедия фортепианного стиля и формы Листа. В небольшой
одночастной форме принципы свободной композиции сочетаются с
закономерностями сонатной формы. В концерте 4 раздела;
последний – реприза первого (построены на одной теме; звучат в
одной тональности ми-бемоль мажор). Контраст оркестра и каденция
фортепианных пассажей неоднократно встречается в последующих
сочинениях для фортепиано с оркестром. Первый раздел – условная
«экспозиция» сонаты, однако его композиция несравненно свободнее
«сонатного канона» и скорее напоминает рондо. Второй (в
тональности си-мажор) и третий (в тональности ми-бемоль минор)
части концерта напоминают, медленную часть сонатного цикла.
Второй раздел – лирический центр концерта: первая его тема
напоминает многочисленные листовские ноктюрны; вторая
привносит элемент пасторальности. Тема третьего раздела
контрастна главной теме второй и родственна ей интонационно:
подобная трансформация – один из многочисленных примеров
монотематического принципа, свойственного музыке романтиков.
Финальный раздел подобна репризе сонатной формы. При этом
повторена лишь главная тема; в качестве побочной использована
вторая тема медленного раздела. Именно она является результатом
развития лирической линии концерта. Трудно переоценить влияние
Первого концерта Листа на последующие сочинения в этом жанре.
Помимо общих принципов композиции (сочетания черт сонатного
цикла и свободной композиции, типичных тематических контрастов),
имеются и почти буквальные совпадения: к примеру, между
упомянутой второй темой медленного раздела – и одной из побочных
тем первой части Первого фортепианного концерта Чайковского.
Соната h-moll Листа – одночастная.
Берлиоз «Фантастическая симфония» - 5 частей.
Шуберт симфония №8 - 2 части

63
Оперы Мусоргского

«Борис Годунов» - опера М. П. Мусоргского в четырёх действиях с


прологом (в семи, во второй редакции восьми картинах). Либретто
композитора по мотивам одноимённой трагедии А. С. Пушкина.
Первая редакция завершена в 1869, первая постановка в 1874.
Вторая редакция - 1872 год. В выбранном историческом эпизоде
композитора привлекала возможность отразить отношения царя и
народа, представить народ и царя в качестве главных действующих
лиц. Несмотря на восторженный приём публики, критика встретила
оперу резко отрицательно. В 1882 она была снята с репертуара.
В 1896 Н. А. Римский-Корсаков предпринял попытку возродить оперу,
создав новую редакцию.

Существует несколько редакций «Бориса»: две редакции автора


(1869 и 1872), две редакции Римского-Корсакова (1896 и 1908),
редакция и оркестровка Д. Д. Шостаковича (1959). Варианты
Римского-Корсакова, в которых были сглажены многие
шероховатости музыкального текста Мусоргского, получили
наибольшее распространение. В современных постановках часто
используются и авторские редакции, которые по мнению
музыковедов точнее соответствуют характеру повествования и
персонажам.

«Хованщина» - опера (народная музыкальная драма) в 5 действиях,


6 картинах. Либретто композитора. Первая постановка: В Петербурге:
силами любителей (в зале Кононова), 9 февраля 1886 г. В Москве:
Частная опера (Шаляпин - Досифей), 12 ноября 1897 г. Мусоргский
работал над оперой с 1872 по 1880 г., но умер, не завершив финала и
не сделав инструментовки - за исключением двух фрагментов:
вступления к опере ("Рассвет на Москва-реке") и песни Марфы из 3-го
действия ("Исходила младёшенька..."). Труд этот после его смерти
осуществил Н.Римский-Корсаков - но при этом с сильными
переделками музыкального языка Мусоргского. Заслуга Римского-
Корсакова, завершившего оперу велика. Не будь его, «Хованщина» не
утвердилась бы на сцене.

Несмотря на все попытки Римского-Корсакова добиться постановки


«Хованщины» на сцене Мариинского театра, опера была отвергнута.
Поставленная любителями, она подверглась, по требованию цензуры,
урезкам и переделкам. Из оперы были устранены наиболее
«взрывчатые» сцены. Но и в таком виде она долго не могла попасть
на профессиональную сцену. Отдельные постановки в частных
антрепризах (Киев, 1892; Петербург, 1893) не изменили положения.
На неё продолжали смотреть подозрительно, а театры опасались ее
несценичности. Спектаклем, доказавшим гениальность оперы, была
постановка 1897 г. с участием Шаляпина. Только благодаря

64
Шаляпину в 1911 г. осуществилась постановка «Хованщины» на
сцене Мариинского театра под управлением А. Коутса (Шаляпин -
Досифей, И. Ершов - Голицын, П. Андреев -Шакловитый, В. Шаронов -
Хованский, Е. Збруева - Марфа). Спектакль стал поворотным в
сценической судьбе оперы.

Симфонизм Брукнера
Симфонизм Брукнера - типично австрийский, тесно связанный с
традициями Гайдна, Бетховена и Шуберта и вместе с тем несущий
приметы сильного влияния Вагнера – автора, перед которым Брукнер
преклонялся всю жизнь. В своей основе симфонии Брукнера имеют
классическую четырехчастную форму, но брукнеровские циклы
отличаются от ранней венской классики грандиозными масштабами и
усилением группы медных духовых. Брукнер увлекался мистицизмом,
и его духовный мир нашел отражение в своеобразном музыкальном
языке, что и обеспечило композитору совершенно особое место в
симфонической музыке 19 в. Но однотипность его симфоний и
расплывчатостью форм, долго препятствовала их полному
признанию. Только в Австрии и отчасти в Германии Брукнер был
оценен по достоинству, в то время как англоязычные страны
выказывали слабый интерес к его творчеству.
Основу наследия Брукнера составляют девять симфоний. Среди них -
Третья, ре-минор, посвященная Вагнеру; Четвертая, ми-бемоль
мажор, "Романтическая"; Пятая, си-бемоль мажор, «с хоралом»;
Седьмая, ми мажор – одно из вершинных достижений композитора;
Восьмая, до-минор; Девятая, ре-минор – незаконченная, в трех
частях. Единственное камерно-инструментальное произведение
композитора – струнный квинтет фа-мажор. В церковных жанрах им
созданы прекрасный "Te Deum" и три мессы (в их числе месса № 2,
ми-минор для хора и духового оркестра, и величественная месса № 3,
фа-минор).
Дискуссия, связанная с симфониями Брукнера, развернулась через
тридцать лет после его кончины и продолжается по сей день. Дело в
том, что композитор имел обыкновение показывать все свои
партитуры до публикации друзьям и ученикам, среди которых были,
например, Артур Никиш, Герман Леви, братья Шальк, Иоганн Лёве. Их
советы в основном сводились к предложениям сокращать и больше
ориентироваться на вагнеровскую технику инструментовки. Во
многих случаях Брукнер следовал подобным рекомендациям, и его
автографы (главным образом хранящиеся в Венской национальной
библиотеке) ясно показывают, сколь сильно расходятся
первоначальные редакции партитур с теми, которые композитор
отдавал в печать. В результате остается до сих пор неразрешенной
проблема, что предпочтительнее как основной текст симфоний –
авторская рукопись или прижизненное издание.

65
Вопросы, которые попались мне на экзамене
(билет № 4)
1. Кто написал либретто Вагнера к опере «Кольцо Нибелунга»?
2. Сколько частей в опере «Кольцо Нибелунга»?
3. Оперы и балеты Чайковского?
4. Песенные циклы Мусоргского?
5. Создатель первой романтической симфонии?
6. Шуман – личность...
7. Фортепианные циеклы Шумана.
8. Герои опер. (Перечислены герои, назвать автора и оперу)
9. «Фауст» в музыке.
10. Беллини - Верди – Вагнер.
11. Кто такая(ой) Шрёдер – Дервихт
12. Новизна в симфонической форме Брамса?
13. Лист «Годы странствий»
14. Ганс фон Бюллов...

66