Mujeres artistas

La mujer en la Historia del Arte desde el siglo XIV al XXI

Francisco Javier Jimnez Zorzo Ignacio Martnez Buenaga Jess Martnez Vern (Grupo CREHA)

 2011. Grupo CREHA 1 edicin ISBN: 978-84-615-2110-4 DL: Z-313-11 Impreso en Espaa / Printed in Spain Impreso por Bubok

CREHA: Colectivo para la Renovacin de los Estudios de Historia del Arte www.artecreha.com

ndice Pg. Adlade Labille-Guiard Alice Rahon ngeles Santos Torroella Angelica Kauffmann Annie Swynnerton Artemisia Gentileschi Asta Norregaard Augusta Asberry Barbara Hepworth Barbara Kruger Berenice Abbott Berthe Morisot Bourgot Le Noir Camille Claudel Carmen Mondragn Valseca Caterine van Hemessen Cindy Sherman 10 14 16 20 24 26 29 32 34 37 41 44 47 49 53 56 59

Dora Carrington Dora Maar Edmonia Lewis Elieen Agar Elisabeth Vige-Lebrun Elisabeth Peyton Emily Mary Osborn Frida Kahlo Gabriele Mnter Georgia OKeeffe Gwen John Inge Morath Lavinia Fontana Lee Krasner Lee Miller Leni Riefenstahl Lorraine Shemesh Louise Abbma Louise Bourgeois Louise Breslau

62 64 68 71 73 76 79 81 86 89 92 95 97 99 103 105 108 110 112 115

Luisa Ignacia Roldn (La Roldana) Magdalena Abakanowicz Marguerite Grard Mara Blanchard Marie Bracquemond Marie-Guillemina Benoist Marietta Robusti Marisol Escobar Maruja Mallo Mary Cassatt Meredith Frampton Meret Oppenheim Mitra Trabizian Mona Hatoum Niki de Saint Phalle Olga Sacharoff Orlan Pipilotti Rist Remedios Varo Rosalba Carriera

118 121 124 126 129 132 135 137 140 143 147 149 152 154 156 160 162 164 166 169

Runa Islam Ruth Bernhard Sraphine Louis Sofonisba Anguissola Sonia Delaunay Suzanne Valadon Sylvia Sleigh Tacita Dean Tamara de Lempicka Tarsila do Amaral Tracey Emin Vanessa Bell Yayoi Kusama Yoko Ono Zaha Hadid Zinaida Serebriakova

172 174 177 180 183 186 190 192 194 197 199 201 203 206 209 213

Adlade Labille-Guiard
(1749 - 1808)

Adlade Labille-Guiard, Autorretrato con dos pupilas, Metropolitan Museum, Nueva York

Adlade Labille-Guiard es una artista francesa que frecuentemente se confunde con Elisabeth VigeLebrun. Las dos son de la misma generacin, las dos retratistas de xito, las dos francesas, las dos trabajaron en la corte de Luis XVI, y las dos coincidieron en una etapa agitada como fue la de la Revolucin francesa. Adems los estilos de ambas tambin se parecen y se inuyeron mutuamente aunque sin duda el

xito que cosechara como retratista de las distintas cortes europeas Vige-Lebrun no lo alcanzara LabilleGuiard. Hija de un mercero, tuvo como maestros a Franois-Elie Vincent y a su hijo Franois-Andr, y de su reconocimiento general da idea que llegara a pertenecer a la Acadmie Royale, siendo admitida en tal institucin precisamente el mismo da que tambin entrara en ella Vige-Lebrun, con la que como vemos coincidi en numerosos aspectos, aunque sta entr a los 28 aos y Adlade cuando contaba 34. Como hemos dicho, Adlade Labille-Guiard trabaj en la Corte de Luis XVI, gozando del mecenazgo de la ta del rey, Mara Adelaida, que le favoreci con una pensin de mil libras. Sus retratos cortesanos, aunque no seran muchos, s la convirtieron en un personaje sospechoso durante los aos del Terror de la Revolucin Francesa, aunque ella se hallaba ideolgicamente ms prxima a los postulados republicanos que a los monrquicos. Y de hecho, lleg a retratar tambin a miembros de la Asamblea Nacional. Tal vez sea en este apartado en el que menos coincidi con Vige-Lebrun, mucho ms ligada a la familia real a travs de Mara Antonieta, y mucho ms alejada de los postulados revolucionarios. Su estilo se parece mucho, como decimos, al de su alter ego, Vige-Lebrun. Es as la suya una pincelada llena de luminosidad y de una gran riqueza cromtica, de gran detallismo y de una profunda hondura en el tratamiento psicolgico de sus retratados. Destaca especialmente su Autorretrato con dos pupilas, hoy en el Metropolitan Museum de Nueva York, y que expresa lo mejor de esta artista: su espontaneidad y frescura en el retrato, la nitidez de su imagen, el candor de la expresin, un rotundo realismo de gran expresividad y

sobre todo un empleo magistral de la luz, que es la que llena el cuadro de una intensa fuerza y alegra.

Alice Rahon
(1904 - 1987)

Naci en Chenecey-Buillon (Francia) el 8 de junio de 1904. Muy pronto se traslad con su familia a Pars, donde pas toda su infancia y juventud. En 1931 conoci al pintor austriaco Wolfgang Paalen (con quien contraera matrimonio tres aos ms tarde) prximo a los crculos surrealistas de la capital francesa. Bajo su inspiracin, Alice Rahon public sus primeros poemas, recopilados bajo el ttulo mme la terre.

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 En 1936 viaj a la India en compaa de Valentine Penrose, a la vez que continuaba con nuevas ediciones de poesa como Sablier couch o Noir animal. En 1939, coincidiendo con el inicio de la II Guerra Mundial, Alice Rahon y Wolfgang Paalen emigran a Mxico, donde conocern a Frida Kahlo y Diego Rivera. Quizs por su inuencia, a partir de 1941, Alice abandona la poesa y comienza a pintar, a la vez que participa en algunas iniciativas culturales como la fundacin de la revista Dyn. En el ao 1944, Alice Rahon llev a cabo su primera exposicin individual en la Galera de Arte Mexicano de Mxico D.F. Durante las dcadas siguientes Alice Rahon no slo desarroll una amplia e interesante trayectoria en el campo de la pintura, sino que tambin colabor en trabajos cinematogrcos de autores como Luis Buuel. En 1986, un ao antes de su muerte, se celebr en Ciudad de Mxico la primera gran exposicin retrospectiva de Alice Rahon lo que supuso su denitiva consagracin como una de las pintoras ms interesantes de las dcadas centrales del siglo XX.

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ngeles Santos Torroella

(1911)

ngeles Santos Torroella, Autorretrato, 1928

Naci en la localidad de Portbou (Girona) el 7 de noviembre de 1911. Su padre era funcionario del cuerpo de Aduanas, lo que obligaba a la familia a frecuentes traslados de destino por el territorio espaol. En su infancia, ngeles vivi en Ripoll, La Jonquera, Le Perths, Fregeneda y Valladolid. En aquellos aos la familia va aumentando y ngeles Santos se convierte en la mayor de ocho hermanos entre los que gura Rafael que llegar a ser escritor de renombre.
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 Cuando ngeles apenas cuenta con trece aos, su padre es trasladado a Ayamonte y la familia decide que la joven ingrese como alumna interna en el colegio de Las Concepcionistas de Sevilla. All las monjas descubren la capacidad de ngeles para el dibujo y la pintura, y le animan a que los practique a partir de copias de Ingres. En 1927, la familia Santos regresa a Valladolid donde ngeles comenzar a recibir clases de dibujo y pintura a cargo del pintor y restaurador italiano Cellino Perotti. El verano de 1928, que ngeles pasa en Saucelle de la Ribera y Portbou, es fundamental en su trayectoria artstica al dar, en su transcurso, rienda suelta a su creatividad. Es entonces cuando pinta sus primeros cuadros: El to Simn, Nios en el jardn y La ta Marieta, entre otros. Estos y otros lienzos formaron parte, poco despus, de la muestra colectiva de la Academia de Bellas Artes de La Pursima de Valladolid, llamando la atencin de Francisco de Cosso, quien le dedica una elogiosa crnica en el peridico El Norte de Castilla. Animada por las buenas crticas, ngeles abandona sus estudios para dedicarse plenamente a la pintura. Durante los meses siguientes trabaja de manera obsesiva y frentica pintando cuadros como su extraordinario Autorretrato que expondr en su primera muestra individual en el Ateneo de Valladolid en abril de 1929. Las crnicas, cada vez ms entusiastas, proyectan la fama de ngeles a nivel nacional, a la vez que le facilitan su integracin en los crculos intelectuales vallisoletanos. El propio Federico Garca Lorca, atrado por lo que de ella se cuenta en Madrid, acude a conocer a la pintora adolescente con quien mantendr desde entonces una relacin de amistad. El momento culminante del trabajo de ngeles Santos Torroella llega en aquel mismo ao 1929 cuando pinta sus dos obras ms conocidas: Tertulia y, sobre
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todo, Un mundo, un lienzo de grandes proporciones que habr de gurar entre lo ms selecto de la pintura de vanguardia espaola del periodo. Un mundo impactar con fuerza, entre la crtica, el pblico y los artistas del momento, cuando sea presentado en el IX Saln de Otoo de Madrid de 1929. Una joven de provincias de apenas 18 aos consigue revolucionar el panorama artstico espaol con una obra ambiciosa, moderna y original. ngeles es toda una estrella del panorama artstico espaol. Segn sus propias palabras: Decan que era un genio, pero yo nunca me lo cre. Superada por los acontecimientos, ngeles sufre una grave crisis personal y debe de ser ingresada durante varias semanas en un sanatorio madrileo. Aunque se recupera, durante un tiempo abandona el ejercicio de la pintura. Su momento de mayor xito artstico coincide con un periodo de sufrimiento personal. Sus pinturas se exponen de nuevo en Madrid (con una sala individual en el X Saln de Otoo), Pars, Copenhague, Berln y Pittsburgh, donde participa en la Exposicin Internacional del Carnegie Institute. Su gura se divulga tambin en conferencias que la presentan como una gran gura del arte espaol del momento. Mientras tanto, ngeles sigue sin pintar, aunque va estando cada vez ms vinculada a los crculos intelectuales de la Espaa anterior a la guerra civil: Jorge Guilln, Federico Garca Lorca, Ernesto Gimnez Caballero, Juan Ramn Jimnez, Vicente Huidobro, Jos Manuel Aizpura... En 1934 conoce al tambin pintor Emilio Grau Sala (Barcelona, 1911 Pars, 1975), bajo cuya inuencia ngeles volver poco a poco al ejercicio de la pintura en una lnea ms plcida que la de su etapa vallisoletana. En enero de 1936, ngeles y Emilio contrajeron matrimonio. Su obra de aquellos meses, como Figura di ragazza o Cabeza de gitano, se exponen
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en la Bienal de Venecia y la muestra de la Sociedad de Artistas Ibricos en Pars. Es el verano de 1936. El estallido de la guerra civil espaola lleva a Emilio al exilio y a ngeles a buscar refugio familiar en Canfranc, donde nacer su hijo, y posteriormente a Sangesa. Durante los siguientes aos, la pintora trabaja dando clases de dibujo y pintando botones en una industria textil. La vuelta de ngeles Santos Torroella a los crculos artsticos se produce a partir de su exposicin en la "Sala Libros" de Zaragoza (la misma sala en la que tendra lugar la primera exposicin de pintura abstracta de la postguerra espaola). Comienza entonces un perodo en el que ngeles expone con frecuencia, sobre todo en Barcelona y Madrid. Los aos 50 son de progresivo abandono de la pintura. Pero en 1962 se produce un hecho fundamental en su vida: el reencuentro con su esposo Emilio, a quien apenas haba visto de manera ocasional desde la guerra, y recupera su actividad artstica, materializada sobre todo en vistas del paisaje cataln. Simultneamente se produce el fenmeno de la recuperacin pblica de su obra de preguerra: Un mundo se presenta en el VI Saln Femenino de Arte Actual de Barcelona y causa sensacin. A partir de los aos 70, ngeles Santos mantiene una vida de continuos traslados y discreta actividad personal. Sin embargo, nunca abandona la pintura, que practica peridicamente.

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Angelica Kauffmann
(1741 - 1807)

Anglica Kauffmann, Autorretrato

Angelica Catherina Kauffmann, aunque suiza de nacimiento, fue una mujer que anduvo itinerante por numerosos puntos de Europa, dejando en todos ello una huella imborrable de encanto, amabilidad y belleza. Hija de pintor, su padre inuira decisivamente en su futuro. Porque si bien Anglica haba iniciado su formacin como msica, y de hecho tocaba de maravilla varios instrumentos y cantaba como los ngeles, la fascinacin que le produca el trabajo de su padre la inclin denitivamente al mundo de la pintura.
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Pronto comenz a recibir encargos, primero indirectamente a travs de los propios clientes de su padre, pero muy pronto directamente por ella misma, que adems se iba involucrando de manera creciente en los ambientes neoclsicos que se vivan en Venecia, Florencia o Roma. Su encanto y simpata y su vala intelectual, tambin ayudaron al conocimiento de artistas y personajes inuyentes que multiplicaron sus encargos, de la misma manera que el dominio del ingls, el italiano, el alemn y el francs tambin ayudaron a su don de gentes. Conoci a Winckelmann, del que hizo un retrato, y que se sorprenda de la popularidad de la que ya gozaba en Roma esta pintora. Tanta, que a los 24 aos ya haba sido nombrada miembro de la Academia de San Luca de Roma. Pero Anglica no se estableci denitivamente en Roma a pesar de su xito. En realidad fue su estancia en esta ciudad la que le permiti conocer a muchos viajeros ingleses de paso por la ciudad que la convencieron para trasladarse a Londres, que en esa poca se estaba convirtiendo en una de las capitales del Neoclasicismo. All volvi a repetir el mismo xito de los otros lugares por los que haba viajado y se multiplicaron sus encargos obteniendo cuantiosos benecios. En esta etapa londinense, tal vez el episodio de mayor importancia para su vida fuera su amistad con el pintor Sir Joshua Reynolds, con el que es muy probable que llegara a mantener una relacin amorosa. Ambos se apoyaron mutuamente en su trabajo y desde luego fue Reynolds el inductor para que Anglica fuera elegida, junto a l, miembro de la British Royal Academy, una institucin a la que tan slo una mujer haba podido acceder por entonces: Mary Moser. Es en esta etapa de su vida en Inglaterra cuando se refuerza su estilo neoclsico y se multiplican sus cuadros alegricos y su pintura historicista. Sera tambin en esta fase cuando conociera a Antonio Zucchi,
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su segundo marido, con el que abandonara Inglaterra para trasladarse de nuevo a Italia. All morira su padre al poco de llegar, el hombre que no slo la haba impulsado al mundo del arte, sino que haba sido tambin su albacea, su ayudante, su asistente y su mayor apoyo moral. En esta nueva etapa italiana siguieron llovindole los encargos, en esta ocasin de las guras ms elevadas de la realeza europea: Catalina II de Rusia, Jos II de Austria, Stanislas II de Polonia, de Fernando IV de Npoles, etc., y es tambin entonces cuando conoce a Goethe, con el que pasa numerosas veladas y que deca de ella que ganaba ms que ningn otro artista de la poca. Desde luego sus ganancias fueron equivalentes a su enorme fama en toda Europa, que la convierten en una de las artistas con ms xito de la historia. Prueba de ello es que a su muerte se la record con un espectacular funeral organizado por el mismsimo Canova y que en su entierro, como ocurriera con el propio Rafael, se exhibieron en procesin dos de sus pinturas ms conocidas. Anglica representa la imagen de la mujer artista del Siglo de las Luces, de ese perodo de la Ilustracin en el que la mujer encuentra un hueco en medio del mundo de los hombres, lo que permite que aquellas que demuestran mayor talento pudieran darse a conocer en un mundo igualmente dominado por los hombres. Desde el punto de vista artstico, Anglica se relaciona, como hemos visto, con las corrientes neoclsicas del momento, tanto por su tcnica, como por su temtica, inspirada muchas veces en iconografas historicistas y alegoras que tienen como referencia constante episodios de la antigua Grecia y Roma. Aunque en realidad su mayor produccin se relaciona con el retrato, lo cual es bastante lgico si consideramos el tipo de encargos que reciba. En muchas ocasiones intenta conjugar ambos estilos y realiza retratos con un sustrato alegrico o un entorno historicista, as ocurre
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con la marquesa de Towshend y su hijo, que retrata como Venus con su hijo; o su propio Autorretrato, en el que vemos a Anglica dudando entre el arte de la msica y el de la pintura. Entre los retratos cabra destacar el que ya hemos mencionado de Joshua Reynolds, y entre las obras alegricas, su Leonardo expirando en brazos de Francisco I.

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Annie Swynnerton
(1844 -1933)

Naci en Kersal, una localidad prxima a Mnchester. Hija de un abogado, Francis Robinson, desde muy joven demostr su facilidad para la pintura y el dibujo realizando obras que servan para ayudar a la modesta economa familiar. Su verdadera formacin como pintora la llev a cabo en la Manchester School of Art y, sobre todo, en la Academia Julian de Pars. En esta poca de estudios Annie Swynnerton ya dej constancia de su conciencia feminista y sufragista que se materializara en la fundacin, en 1876, de la Manchester Society of Women
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Painters, que promovi junto a la tambin pintora Susan Dacre. El ao 1879, Annie Swynnerton llev a cabo su primera exposicin individual en la Royal Academy, consolidndose como una de las mejores pintoras de la Inglaterra victoriana. Su prestigio se mantuvo siempre muy elevado y cada una de sus exposiciones resultara un acontecimiento artstico de primer orden. Durante un viaje de estudios a Italia conoci al pintor ingls Joseph Swynnerton, con quien contrajo matrimonio en 1883. Desde entonces j su residencia en Roma aunque nunca dej de viajar y exponer en Inglaterra. En 1922, Annie Swynnerton fue la primera mujer que ingres, por eleccin, en la Royal Academy (Angelica Kauffman y Mary Moser, pertenecieron a la Royal Academy como fundadoras pero no fueron elegidas). Los ltimos aos de la vida de Annie Swynnerton se vieron enturbiados por sus problemas de vista que le impedan desarrollar con normalidad su actividad como pintora. Sin embargo, su fama nunca decay y su inuencia result importante en autores tan inuyentes en su poca como John Singer Sargent, quien siempre le profes una gran admiracin. Annie Swynnerton falleci en su casa de la isla de Hayling (cerca de Portsmouth) el 24 de octubre de 1933.

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Artemisia Gentileschi
(1593 - 1653)

Artemisia naci en Roma y como hija de pintor (Orazio Gentileschi) y de pintor dispuesto a ensear a su hija el ocio sin importarle su condicin de mujer, recibi de l una formacin slida y completa. Como seguidor que era Orazio del pintor Caravaggio, tambin Artemisia, un artista que hay que encuadrar en el primer barroco, se ver inuenciada por la obra del maestro tenebrista, si bien en ella no se advierten los contrastes de luz de la violencia de Caravaggio. Cuando el magisterio de su padre no fue suciente, fue l mismo quien la anim a recibir
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enseanzas del pintor Agostino Tassi, amigo y colaborador suyo. Pero sera precisamente esta relacin establecida entre pintora y maestro la que marcar negativamente su vida, pues a poco de comenzada, y cuando Artemisia slo contaba 19 aos, su propio padre denunci a Orazio por violar a su hija. El asunto fue a parar a los tribunales donde Artemisia fue presionada e incluso torturada para conrmar su denuncia. Y aunque nalmente su maestro fue condenado a un ao de prisin y al exilio, el asunto afect profundamente a Artemisia, que, como si quisiera huir de la situacin en la que se encontraba, al poco tiempo decidi casarse con un rico orentino. No dej de pintar por ello, siempre animada por su padre y pertrechada de una fuerte personalidad. Su estilo sigui la lnea marcada por la inuencia caravaggesca, de la que su mejor ejemplo es el magnco cuadro de Judith decapitando a Holofornes, en el que algunos especialistas han querido ver una muestra del resarcimiento contra el sexo masculino despus de la humillacin que ella haba vivido en su propia persona. El resto de su vida sigui pintando, sin una localizacin ja, repartiendo sus encargos en Roma, Npoles, Gnova e incluso en Inglaterra, adonde acudi para ayudar a su padre en la tarea de pintar los techos de la Casa de la Reina en Greenwich. En Inglaterra permaneci algn tiempo, incluso despus de la muerte de su padre, hasta que nalmente regres a Npoles donde morira a los sesenta aos. Su obra es abundante, pero entre sus pinturas ms destacadas habra que sealar a la titulada Susana y los viejos (1610), una obra de juventud en la que muchos consideran fue ayudada por su padre, y en la que, en cualquier caso, se advierte una claridad en el trazo y una luminosidad que, en nuestra modesta opinin, sealan a esa obra como una de las ms destacadas de la pintora
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y una verdadera obra maestra. Hay que subrayar adems tanto su obra titulada Judith decapitando a Holofernes (1614-1620), de la que ya hemos hablado, como su famosa Alegora de la pintura (1620-1630), en la que ella misma se autorretrata en actitud de pintar, aunque en una postura forzada que da al cuadro un carcter ms teatral y exaltado, tpicamente barroco. El estilo de Artemisia en su momento de mayor madurez demuestra su deuda con la inuencia de Caravaggio, del que imita no slo sus contrastes lumnicos y su teatralidad, sino tambin la rotundidad de la lnea en el dibujo y su nitidez y morbidez en las texturas y detalles. Su vida y su biografa ha suscitado un notable inters por ser una de las pintoras que, a pesar de su condicin de mujer, logr mayor xito como pintora en una poca tan temprana en el tiempo como es el perodo barroco. Sus vicisitudes vitales y su simbolismo feminista para algunas mujeres explica que hayan proliferado las novelas que repasan su biografa: as Artemisa de A. Lapierre, 1999; la Artemisia de M ngels Anglada, 1995; o la ms reciente de Susan Vreeland, La pasin de Artemisia, 2006. La gura de esta pintora tambin ha sido llevada al cine por la directora francesa Agns Merlet en su pelcula, Artemisia, 1997.

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Asta Norregaard
(1853 - 1933)

Asta Norregaard, Autorretrato, Oslo Museum

Asta Norregaard es una pintura noruega nacida en Cristiana (actual Oslo) a la que podemos considerar dentro de esa tendencia del realismo academicista que transita entre el ltimo cuarto del siglo XIX y las primeras dcadas del XX. Se trata por tanto de una pintura alejada de las corrientes vanguardistas de la poca, que sigue en cambio una lnea de correccin formal y temtica de gnero o de retrato, muy del gusto burgus del momento, pero que con el tiempo ha ido cayendo en el olvido.
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 La suya es por tanto una pintura que se puede incluir dentro de ese amplio espectro que denominamos Belle poque, y que est presidida por el buen gusto y delicadeza plstica, y que en ocasiones alcanza un sorprendente nivel de virtuosismo formal, especialmente en sus retratos. Algo hay en algunos cuadros de inuencia impresionista, especialmente en la aplicacin de color, y algo tambin de renamiento modernista, pero por lo dems el suyo es un arte sin mayores pretensiones que la de satisfacer el gusto de una clientela acomodada que no gustaba de las innovaciones pictricas. Asta Norregaard comenz sus estudios bajo el magisterio del pintor noruego Knud Bergslien que tendra como discpulas adelantadas a la propia Norregaard as como a la tambin noruega Harriet Backer. Desde all, como otros muchos artistas escandinavos, dara el salto al continente, formndose en Alemania. Concretamente Norreegaard marchar a Munich en 1875 y a Pars a partir de 1879, ciudad en la que residira hasta 1885. All se convertira en alumna de Lon Bonnat, pintor francs cuyo realismo encuentra relaciones curiosas con la pintura barroca espaola, y bajo cuyo magisterio se formaron pintores tan ilustres como Toulouse-Lautrec, G. Braque, James Ensor o Edvard Munich. Es en esta etapa parisina cuando Norregaard se dedica de lleno al retrato convirtindolo en su especialidad y llegando a participar con uno de ellos, el de Anette abedul, en el Saln de 1882. Tambin entonces entra en contacto con algunas tendencias del momento en aquel Pars en plena ebullicin artstica, realizando algunos estudios impresionistas. En 1885 vuelve a su Cristiana natal, dedicndose en exclusiva a la pintura de gnero y al retrato, sobre todo de la sociedad burguesa noruega de
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la poca, que es la que exige ese tipo de retrato que Norregaard realizaba con tanto virtuosismo, muy realista y de una gran claridad, precisin y nitidez. Curiosamente empleaba tcnicas distintas, bien se tratara de mujeres u hombres: a stos los pintaba con un leo de gran meticulosidad y en tonos ms oscuros para acentuar el empaque y la elegancia del retrato, mientras que a las mujeres sola retratarlas al pastel, dndoles as un aspecto ms grcil y femenino. Hasta su muerte en Oslo en 1933, Norregaard sigui realizando este tipo de pintura con indudable xito, y con un creciente prestigio que le vali para organizar algunas exposiciones individuales en 1893, 1903, 1913 y 1925; particip en muchas otras colectivas; y fuera de su pas tambin fue protagonista en las exposiciones de Amberes en 1885 y de Pars en 1889. En 1920 recibira la Medalla de Oro al Mrito artstico de manos del rey de Noruega. A pesar de todo, su distanciamiento de las corrientes de la vanguardia pictrica, tanto del siglo XIX como de las primeras dcadas del siglo XX, la ha ido relegando a un segundo plano muy cercano al olvido, a lo que se aadira su condicin de mujer, que tambin ha contribuido a que ese olvido fuese todava mayor. No obstante, su pintura es de una calidad incuestionable y sus retratos de una indudable belleza formal.

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Augusta Asberry
(1931 - 2007)

La gura de Augusta Asberry es poco conocida, pero es una de las pintoras afroamericanas ms singulares del arte reciente. No se trata de una gura determinante en el proceso de formacin de nuevas tendencias e incluso se trata de una mujer que tard en dedicarse al mundo de la pintura. No obstante sus guras de bailarinas africanas se van convirtiendo poco a poco en un icono muy conocido y original, a lo que habra que aadir su mayor aportacin artstica, que a nuestro entender es su asimilacin del arte africano primitivo y su perfecto ensamblaje con un estilo actual.
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 Augusta Asberry mostr su inters por la pintura y el arte en general desde muy joven en su Lake Charles (Louisiana) natal, y despus en California a donde se trasladara con su familia. Pero no podra dedicarse al arte de forma profesional de momento, pues se graduara en la Escuela de Enfermera y trabajara como enfermera prcticamente toda su vida. A partir de los aos setenta empieza a dedicarse a la pintura, que en un principio se reduce a la realizacin de paisajes, hasta que en 1992 empieza a crear sus primeras bailarinas africanas. De ellas dice la propia Augusta: Cuando cre mis primeros bailarines me inspir en las que se encuentran en las rocas y paredes de las cuevas de frica. Mi propio estilo de animacin ha evolucionado, pero sigue inspirndose en el espritu de aquellos artistas ancestrales. Sus guras estn muy estudiadas porque la propia Augusta se document sobre los diseos de las telas africanas y adems trat de relacionar sus guras danzantes con lo que pudo informarse de las danzas de las tribus de aquel continente. Incluso se ha atrevido con algunas esculturas, que trasladan al volumen las mismas imgenes de sus pinturas. El resultado es siempre vistoso, alegre y colorista, porque Augusta Asberry ha sabido imprimir a sus famosas bailarinas un ritmo compositivo lleno de movimiento, un colorido llamativo y una simplicacin formal que pone en relacin su arte con las formas bsicas del arte primitivo africano. Y esta es como decamos su principal aportacin, haber recuperado la esencia del arte de frica desde la modernidad.

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Barbara Hepworth
(1903 - 1975)

Se trata de una de las escultoras de mayor relevancia artstica en el panorama internacional y uno de los nombres propios del arte contemporneo. Su obra y buena parte de su vida caminan en paralelo a la de Henry Moore, tal vez ms conocido, aunque no por ello ms relevante que Barbara Hepworth. Los dos son artces de una escultura orgnica que marca una poca en la evolucin de la escultura moderna, y ambos juegan con el llamado espacio negativo en una lnea muy similar. En realidad los dos haban estudiado juntos en la Sculpture School of the Royal Art de Londres, aunque
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Barbara emprende nada ms acabar sus estudios un viaje por Italia que tendr gran inuencia en su vida. Primero porque all se cas, en primeras nupcias, con John Skeaping, y sobre todo porque aprendi de los clsicos el perfecto equilibrio que debe existir siempre entre masa y proporcin escultrica. De vuelta a Inglaterra volvi a coincidir con Henry Moore en Norfolk, donde ambos experimentaron con su trabajo de forma paralela, dando lugar, prcticamente a la vez, al concepto de espacio negativo. Tampoco era un invento completamente suyo; el trabajo de la escultura utilizando el vaco como elemento complementario a la masa escultrica, en realidad haba nacido de la mano de Pablo Gargallo. Ms adelante, otros artistas como Archipenko le dieron otra dimensin, y es cierto que Moore y Hepworth lo aplicaron a su escultura de una forma singular. Fue tambin en aquellos aos cuando conoci al pintor Ben Nicholson del que se enamor y con el que terminara casndose tras divorciarse de su primer marido. Con l se fue a vivir al barrio londinense de Hampstead, en esos momentos uno de los epicentros intelectuales de Europa, donde coincidira con Naum Gabo o Walter Gropius. Esa experiencia y sus viajes a Pars donde conocera a Picasso, Brancusi, Mondrian, Giacometti o Hans Arp, iran deniendo progresivamente su estilo, que ir evolucionando hacia la abstraccin. Es entonces cuando aparece la mejor Barbara Hepworth, porque sus trabajos estn llenos de talento, de equilibrio compositivo, de fuerza expresiva y sentido de la dinmica. No faltara tampoco entonces la inuencia siempre cercana de Henry Moore, que aport a la obra de Barbara el sentido monumental de sus piezas y el carcter orgnico, que tambin se maniesta en muchas de sus obras. Sus formas curvilneas, que nos recuerdan a Hans Arp, sus texturas pulidas, sus huecos y vacos, sus modelados circulares, y el carcter verdaderamente totmico de muchas de sus obras, otorgan a su trabajo
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un xito acorde con su vala. Su idea de la escultura es, en palabras de la propia artista: Para m, la escultura es primitiva, religiosa, apasionante y mgica, siempre armativa. No es de extraar que se multiplicaran sus encargos, de entre los cuales destaca, por el simbolismo y la importancia del lugar a que va destinada, su obra en bronce Single form, para el edicio de las Naciones Unidas de Nueva York (1963). Fue asimismo nombrada Comendadora del Imperio Britnico y miembro permanente del Consejo asesor de la Tate Gallery de Londres. Finalmente se trasladara a Saint Ives, en Cornualles, donde se estableci con su marido y los trillizos que haba tenido con l. All mont su estudio y a su lado un bonito jardn tropical. Un lugar hermoso pero que se convertira en su propia tumba al morir por culpa de un incendio que se produjo en el taller. Taller y casa que hoy constituyen el Museo Barbara Hepworth.

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Barbara Kruger
(1945)

Nacida en Newwark (New Jersey), estudi diseo grco y complet sus estudios en Nueva York en la School of Visual Arts, siendo desde el primer momento invitada a participar como diseadora grca en algunas revistas de la poca. Desde entonces su obra artstica va a estar inuenciada directamente por ese lenguaje caracterstico de los medios visuales de comunicacin de masas, que es un lenguaje directo, que utiliza iconos de gran impacto visual y cuyo mensaje es, igualmente, explcito.

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 A ello se aade tambin desde su misma formacin una toma de postura poltica e ideolgica muy rme por su parte, que constituir el repertorio iconogrco de su obra, especialmente su oposicin crtica a la manipulacin de los medios de comunicacin que engaan a la sociedad, a los estereotipos sociales que simplican la realidad, y al machismo dominante, que la aboca a un feminismo beligerante. An faltara un ingrediente a este proceso de formacin en la personalidad de Barbara Kruger, y que ser el que le otorguen las lecturas a las que se consagra con completa dedicacin durante su estancia como profesora en California. Concretamente son las propuestas intelectuales de Michel Foucault, Roland Barthes y Jacques Lacan las que culminan su visin profunda de la realidad, inuyendo lgicamente en su forma de expresin artstica. Especialmente la utilizacin de la imagen como lenguaje social, un lenguaje que en la actualidad, impuesto por la publicidad y los medios de comunicacin, termina por alienar al individuo, que se diluye como tal en una maraa social manipulada, farisea y falsa. Por ello desde ese momento, su crtica ser directa a esos medios de comunicacin y su lenguaje. Ser precisamente a partir de los aos ochenta cuando empiece esa guerra personal con una serie de obras que, a la larga, han resultado ser su sea de identidad y sus imgenes ms conocidas y populares. Son en su mayora grandes fotografas en blanco y negro que insertan mensajes o frases que explicitan su carga crtica. Lo ms curioso es que el recurso que va a utilizar para enfrentarse a esos medios de comunicacin que critica es el mismo que utilizan dichos medios para manipular al individuo, es decir, que Barbara Kruger se enfrenta a ese mundo con sus mismas armas, entre otras cosas porque ella saba mejor que nadie que era el medio ms directo e impactante de llegar al espectador.

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 Utiliza tambin el estereotipo para implicar al espectador y emplea un mnimo de signos para que el mensaje resulte inequvoco. Inserta, como hemos dicho, frases contundentes que terminen de sobresaltarnos, incluye colores que resalten la fuerza visual de todo el conjunto, preferentemente el blanco y el rojo que contrastan perfectamente con el tono en negro de sus fotos. Todo ello sin olvidar la propia importancia de la imagen, que en este caso como hemos repetido se realiza en soporte fotogrco, siempre de forma expresiva y efectista, en blanco y negro y, en su mayor parte, reproducciones de diversos originales que no son suyos. Es una forma segn ella de rechazar las convenciones culturales y eliminar la autora como forma de jerarquizacin artstica. Entre sus obras ms conocidas destacan las que incluyen textos, como ocurre en la obra You are not yourself, que nos alerta de nuestra falta de identidad y coherencia con nosotros mismos; en You invest the divinity of the masterpiece, se opone precisamente a la importancia exagerada que se le da a la obra maestra. En el campo de su activismo feminista es muy popular We have received orders not to move, en la que Kruger utiliza imgenes de los hombres para denunciar la imposicin de su propia visin de la realidad con la intencin de mantener una sociedad patriarcal y machista. Lo mismo que Your body is a battleground, un alegato a favor del aborto y del derecho de la mujer a decidir sobre su propio cuerpo. El consumismo ser tambin uno de sus caballos de batalla; as, en obras como Buy me, Ill change your life o I shop, therefore I am, con las que ironiza sobre la tirana de las modas, que, en ltima instancia, no son sino la tirana de los estereotipos, esos a los que se enfrent desde un primer momento, desde el momento mismo en que aprendi a utilizarlos y comprendi su carcter manipulador. Por ello la artista insiste en que debemos de estar alerta y siempre activos en la lucha contra todas las formas de
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alienacin y dominio, pues al n y al cabo es una forma sutil pero implacable de acabar con nuestra libertad individual. Una obra suya nos lo recuerda: Your comfort is my silence.

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Berenice Abbott
(1898 - 1991)

Naci en Springeld (Ohio) pero, con apenas veinte aos, se traslad a la ciudad de Nueva York, donde entr en contacto con los crculos intelectuales que tenan el barrio de Greenwich Village como epicentro. Su vocacin artstica todava no estaba denida, lo que le llev a trabajar en campos tan diferentes como el teatro o la escultura. En esta primera estancia neoyorquina, Berenice Abbott conoci a personajes tan inuyentes en la cultura de su poca como Eugene O'Neill o Man Ray.

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 En 1921, Abbott se anc en Pars, en un momento de recuperacin de la vanguardia artstica tras el nal de la I Guerra Mundial. En un principio sigui siendo la escultura su modo de expresin bsico. Sin embargo, en 1923, entr a trabajar en el estudio de su amigo Man Ray, inicindose as en el mundo de la fotografa que ya no abandonara hasta su muerte. 1926 es un ao clave en la trayectoria de Berenice Abbott, que decide emprender su carrera en solitario. Fue una etapa de continua investigacin formal que culminara con una extraordinaria galera de retratos de los grandes intelectuales del Pars de entreguerras como protagonistas. En 1929 Abbott regresa a Nueva York y se encuentra con una ciudad en plena metamorfosis. Es la poca de construccin de los grandes rascacielos y puentes que todava conviven con el primer Nueva York. Fascinada por la coexistencia de lo viejo y lo nuevo, as como por la gran megalpolis que estaba naciendo, Berenice Abbott realiza su serie ms conocida: Changing New York. A partir de 1932, abandona Nueva York y comienza a recorrer Nueva Inglaterra, el Medio Oeste y el sur de los Estados Unidos en busca de la Norteamrica ms profunda. La culminacin de esta poca llegar en la dcada de los 50 cuando Berenice Abbott se proponga un proyecto casi pico: documentar grcamente la Ruta 1, la inmensa carretera que atraviesa los Estados Unidos desde Fort Kent (Maine) hasta Key West (Florida). Uno de los rasgos ms denidores de Berenice Abbott fue su carcter inquieto e inconformista. Quizs por ello, a partir de 1958 da un giro inesperado y sorprendente a su carrera, abandona los exteriores e inicia su colaboracin con el Instituto de Tecnologa de Massachussets para documentar con su cmara todo tipo de fenmenos cientcos. Lejos de la frialdad que podra esperarse de estas fotografas cientcas,
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Berenice Abbott supo conjugar magistralmente el rigor y la objetividad, con la elegancia y la experimentacin tcnica y visual. Aunque mantuvo su actividad fotogrca, las ltimas dcadas de la vida de Abbott, hasta su muerte el 9 de diciembre de 1991, ya no volveran a ver grandes proyectos.

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Berthe Morisot
(1841 - 1895)

Berthe Morisot, Autorretrato, 1885

Berthe Morisot se inici en el mundo de la pintura en parte por su condicin social (pues al educarse en el seno de una familia burguesa no tuvo problemas para dedicarse placenteramente a esta actividad), y en parte por su lejana relacin familiar con el mundo del arte pues era tataranieta del pintor Jean Honor Fragonard. El traslado de su familia a Pars cuando an era una nia condicionara su inclinacin a la pintura, pues
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todava muy joven se dedicar, junto a su hermana Edma, a copiar obras maestras del Louvre. Ya entonces su admiracin por la pintura de Corot constituy su principal inuencia pictrica. Y tanto fue as que nalmente pudo conocer en persona al pintor, que se convirti a partir de entonces no slo en el maestro de las dos hermanas, sino incluso en su mentor y amigo. Por ello, la obra de Berthe, en esta poca, est marcada por un estilo muy relacionado con el movimiento realista, lgicamente, y abundan en su produccin muchos paisajes con los que particip habitualmente (desde 1864) en los Salones Ociales. No obstante, diez aos despus, su vida artstica dar un nuevo giro cuando conozca a Edouard Manet y se inicie entre ellos una estrecha relacin artstica y personal, hasta acabar emparentando, pues Berthe se casara con el hermano de Edouard, Eugne. A partir de ese momento cambiar su estilo, que se llena de color y de empastes, y se identicar plenamente con el trabajo de sus compaeros impresionistas, convirtindose en una el modelo de varias obras de su cuado (El balcn y El reposo), y protagonista de algunos retratos insuperables (Berthe Morisot con un ramillete de violetas). Esta relacin con el grupo impresionista marcar su obra y su vida. Particip en la primera exposicin del grupo impresionista del ao 1874 y en todas las dems que se organizaron desde entonces, abandonando denitivamente su participacin en los Salones Ociales y unindose as al elenco de los pintores independientes que estaban revolucionando el mundo de la pintura. No desmerece su obra en absoluto de la del resto de sus colegas impresionistas, sus pinturas son de gran espontaneidad, de colores alegres y riqueza cromtica, de pinceladas abiertas y generosos empastes
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que la colocan entre los ms exquisitos ejemplos del grupo. Es indudable que por sus temas, por la dulzura de sus retratos y la armona que transmiten sus cuadros, hay una inuencia de Renoir ms que evidente, que no obstante adquieren en ella un sello especial: el de su frescura y sencillez; el de su paleta luminosa; su trazo rme, y ese lirismo, que parece gravitar alrededor de toda su obra. De todas formas, y como no poda ser de otra manera, su condicin de mujer la releg a un segundo plano dentro del grupo, etiquetada de por vida como una pintora femenina que no pareca poder salir de una temtica cotidiana y costumbrista, si bien no es menos cierto que la temtica habitual de los cuadros impresionistas en general siguen esta misma lnea, pues al n y al cabo pretenden representar la realidad diaria y cotidiana que nos envuelve a todos, hasta en sus detalles ms sencillos. Berthe Morisot fue en cualquier caso una mujer afortunada, que no tuvo nunca apremios econmicos, y que pudo dedicarse a la pintura libremente y segn su propio gusto y criterio. Siempre estuvo rodeada de intelectuales y artistas (Mallarm, Baudelaire, Rossini, Zola y varios de los pintores del grupo impresionista) de cuya amistad pudo honrarse. Y tuvo adems la suerte de que su obra fuera reconocida en vida y valorada con posterioridad a su muerte, a pesar de su condicin de mujer y en una poca en que eso supona un obstculo insalvable en la mayora de los casos.

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Bourgot Le Noir
(Siglo XIV)

Jean y Bourgot Le Noir, Salterio y Horas de Bonne de Luxemburgo, Duquesa de Normanda, Siglo XIV

Ilustradora de libros (los textos de la poca la calican de "enlumineresse"), Bourgot le Noir es una de las mujeres artistas documentadas ms antiguas de la Historia. Consta su trabajo entre 1350 y 1380. Bourgot le Noir se forma y trabaja en el taller de su padre, Jean le Noir, especializado en la ornamentacin de libros devocionales y libros de horas. Del gran prestigio del que goz el taller de Le Noir es buena prueba la categora de sus clientes, entre los que destacaron los reyes Juan II y Carlos V, de la dinasta de los Valois. Su relacin con los Valois hizo que el taller sufriera los vaivenes de la poltica de la poca y se desplazara desde la zona norte de Francia a Pars y,
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nalmente, a Bourges, donde Bourgot le Noir trabaj para el Duque de Berry. El papel de Bourgot le Noir en el taller familiar debi de ser relevante como lo prueba el simple hecho de que, en la documentacin de la poca, su nombre sea, en ocasiones, sealado a la altura de su padre.

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Camille Claudel
(1864 - 1943)

Camille Claudel representa uno de los casos ms dramticos de la vida de una artista, en este caso agravada por una relacin apasionada y a la vez tormentosa con Auguste Rodin, un genio tal vez demasiado grandioso como para intentar crecer a su lado. Y no es que Camille Claudel fuera una chica sumisa o delicada que cayera inocentemente en los brazos de Rodin; al contrario, Claudel fue una mujer de un carcter muy fuerte, a la que incluso se tach de autoritaria e incluso de arisca. Por otra parte aunque a veces se ha criticado que Rodin se aprovechara de su labor o que no
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reconociera el trabajo de Camille en las obras que realizaron a do, no es menos cierto que tambin trat de ayudar a la artista y de promocionar en lo posible su carrera. Desde muy nia encontr en el modelado su mayor acin y por ello no ha de extraar que en el momento en el que su familia se traslada a Pars, busque la forma de aprender la tcnica de la escultura. La suerte le llev a coincidir con uno de los mejores profesores del momento, Alfred Boucher, que desde el principio advirti sus enormes dotes artsticas, y lo que es ms curioso, observ numerosas coincidencias entre su forma de hacer y el trabajo de Auguste Rodin, al que Camille an no conoca ni de nombre. La misma casualidad hizo tambin que en una ausencia de Boucher, Rodin se hiciera cargo de su grupo de alumnos, quedando fascinando desde el primer momento por la gura de Camille. Todo le encant de ella, por supuesto su talento artstico, tan moderno, tan similar a sus propios objetivos, pero tambin ese aspecto personal, tan peculiar, que tena Camille, de una belleza misteriosa, en la que coincidan a la par un encanto risueo y un lado salvaje. El resultado fue un enamoramiento apasionado entre los dos, sin que la diferencia de edad constituyera ningn obstculo, los 43 aos de Rodin y los 19 de ella. Comienza entonces una etapa enormemente excitante para los dos desde el punto de vista personal, pero tambin desde una perspectiva artstica. Rodin est en la cima de su carrera, y es indudable que la presencia de Camille en el estudio contribuy a su crecimiento artstico, no slo por su inspiracin, tambin por sus propias aportaciones; y asimismo Claudel inicia tambin entonces su propia carrera artstica, en la que no falt el apoyo del propio maestro. Salen de sus manos obras exquisitas como El vals (1893), Las conversadoras (1897), La Ola, basada en un grabado japons de Hokusai; y por encima de todas ellas, La edad madura, de la cual
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realizara dos versiones, una en 1893 y otra en 1901. En ella se representa el drama en el que empezaba a desembocar su relacin con Rodin, que comenzaba a ser ya ms tormentosa que excitante. Por un lado Rodin no haba abandonado a su compaera de toda la vida, Rose Beuret, por el hecho de estar con Camille. Por otra parte eran constantes las indelidades con otras muchas mujeres por parte del escultor. Adems Claudel quedara embarazada de su amante y tendra que abortar. En la escultura parece reejarse todo este drama al representarse a una mujer joven de rodillas implorando a un hombre maduro, que se halla acompaado de una anciana, imagen evidente de Beuret, en la que algunos ven tambin un simbolismo de la muerte. Todas estas circunstancias explican el distanciamiento de la pareja que, nalmente, decide separarse, comenzando Camille una trayectoria independiente tanto en lo personal como en lo artstico. Sigui por tanto trabajando y recibiendo encargos, algunos de importancia, aunque su situacin personal empezaba a pasar factura, porque ya no slo era el abandono de Rodin y su desamor, tambin lo era el distanciamiento de su familia lo que estaba abocndola a una terrible soledad. Sus dicultades econmicas haran el resto, y por ello comienza a enfermar, primero en lo fsico y despus en lo mental. Su hundimiento desemboca en un acceso de locura al acabar una de sus obras ms aplaudidas, Nibide herida, lo que la empuja a destruir sistemticamente buen nmero de las piezas que haba realizado en vida, lo que explica la escasez de obras que se conservan de la artista. Y aunque tampoco se trataba de una locura que derivara en una profunda enfermedad psquica, sino ms bien un acceso transitorio o una depresin prolongada, terminara siendo encerrada por su familia en un hospital psiquitrico del que no saldra en los ltimos treinta aos de su vida. Cara amarga la de esta etapa de su vida, que le hizo a ella misma pensar que viva la pesadilla de lo que en su juventud haba sido un sueo.
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Por todo ello, la gura de Claudel es un smbolo dramtico de la gura de un artista que sufre una doble adversidad: la de compartir el trabajo artstico con un genio del arte, del que siempre quedas a su sombra, y a su vez el hecho de ser mujer, que es una dicultad aadida a la primera. Su nal, tan triste e injusto, se prolongara en el tiempo, porque el mismo olvido en el que haba cado su vida para los que la rodeaban, cay sobre su obra con el paso del tiempo, en parte perdida por su propia mano, en parte confundida con la obra de Rodin, y en parte simplemente desconocida. Por fortuna la indagacin en la vida de Rodin permiti descubrir su novelesca relacin con Claudel, que a su vez dio pie al reconocimiento de su arte y su trabajo. Pero su obra es magnca. Tiene muchos puntos de contacto con Rodin, lgicamente; el trabajo en planos, el mltiple modelado multiplicador de los puntos de vista de la escultura o la talla inacabada llena de fuerza expresiva y rotundidad; aunque se advierte en la obra de la discpula un mayor grado de sensualidad y nura que en la obra del maestro, lo que otorga a algunas de sus piezas una delicadeza y una belleza especiales, tan encantadora y misteriosa esa belleza, como la suya propia.

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Carmen Mondragn Valseca (Nahui Ollin)

(1893 - 1978)

Carmen Mondragn Valseca, Autorretrato en el puerto de Veracruz

Naci en Ciudad de Mxico el 8 de julio de 1893. Fue la quinta de los ocho hijos del general Manuel Mondragn y de Mercedes Valseca. Gracias a su origen acomodado, Mara del Carmen Mondragn Valseca recibi una educacin privilegiada en Mxico y, a partir de 1897, en Francia.

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 En 1905 el general Mondragn fue trasladado a Espaa donde residira durante varios aos con su familia. Aqu, Carmen conoci al militar y pintor Manuel Rodrguez Lozano con quien contrajo matrimonio en 1913. La pareja vivi en Espaa y, posteriormente, en Francia. Su estancia en Pars constituy una poca tumultuosa en la que Carmen estableci relacin con personajes como Jean Cassou, Henri Matisse y Pablo Picasso. Era por entonces una mujer de extraordinaria y ertica belleza que cautivaba a quienes la conocan. Moderna y liberal se implic de lleno en la vida cultural de la capital francesa. Fue por entonces cuando Carmen se inicia en la pintura y la poesa. Su vida sentimental fue muy compleja por la bisexualidad de su marido y su ninfomana. Pero el hecho que termin por romper su matrimonio en 1921 fue la sospecha de que Carmen haba asesinado a su propio hijo. Tras su separacin, Carmen Mondragn regresa a Mxico donde de inmediato entra en contacto con los crculos culturales ms avanzados: Jos Vasconcelos, Xavier Villaurrutia y Salvador Novo son algunos de sus amigos y compaeros del momento. En los aos 20 y 30 Carmen no slo ejerce como artista, sino que tambin ser modelo e inspiracin de pintores y fotgrafos. As, pos para Diego Rivera, y fue la protagonista de algunos de los ms atrevidos desnudos del fotgrafo norteamericano Edward Weston. En esta poca Carmen Mondragn se convierte en un smbolo de la creatividad y la modernidad de la mujer mexicana por lo que se le ha comparado con otras personalidades del perodo como la propia Frida Kahlo. Como poetisa, Carmen Mondragn publica, en 1922, ptica cerebral. Poemas dinmicos y en 1923 Calinement je suis dedans. Es su poca ms creativa en la que conoce al pintor Gerardo Murillo (conocido como Dr. tl) con quien vive una relacin breve pero muy
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intensa. Ser Murillo quien llamar por primera vez a Carmen Nahui Ollin, sobrenombre con el que se la conocer muy habitualmente y que hace referencia al smbolo de la renovacin azteca. Tras su separacin de Gerardo Murillo, Carmen Mondragn comienza a retirarse de la vida pblica. Desde la dcada de los 40 y hasta su muerte, se recluye en su modesta vivienda del centro de Ciudad de Mxico donde vivir con la nica compaa de sus gatos. de 1973. Falleci en la capital de Mxico el 23 de enero

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Caterina van Hemessen

(1528 - 1587)

Caterina van Hemessen, Autorretrato, Kunstmuseum, Basilea

Una de las primeras mujeres artista de la que se tiene noticia es Caterina van Hemessen, contempornea de Sofonisba Anguissola, aunque cuatro aos menor. Nacida en Amberes, es un perfecto ejemplo de artista vinculada a la escuela amenca, y como tal, especialista en la pintura de miniaturas. Hija del pintor Jan Sanders van Hemessen, aprendera en el taller de su padre, del que adems sera ayudante, lo cual es un caso singular conocidas las dicultades habituales en las

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mujeres por hacerse un hueco en el trabajo artstico, y ms a principios del siglo XVI. Gracias tambin al reconocimiento que la reina Mara de Hungra, (regente en esos momentos de los Pases Bajos en nombre de su hermano Carlos V), profesara a su padre, pudo tambin Caterina contar con el mecenazgo de la reina, que adems le manifest siempre un especial aprecio. Como artista de Corte ejerci su trabajo principalmente como miniaturista. Al menos hasta que contrajo matrimonio, porque, como era habitual en la poca, tras casarse con Christian de Morien, organista de la Catedral de Amberes, Caterina dej de pintar. Poco despus marchara a Espaa junto a su marido, todava bajo la proteccin de la reina Mara (que haba renunciado a la regencia de los Pases Bajos y por ello haba decidi regresar a Espaa), acompandola en su viaje algunos eles incondicionales como la propia Caterina. No estara mucho tiempo en Espaa porque, tras morir la reina Mara en 1558, volvera su tierra natal. Durante su estancia en tierras espaolas dej algunas obras, como fueron varias piezas del Retablo de Tendilla del Monasterio Jernimo de Santa Ana (Guadalajara) (hoy en el Cicinnati Art Museum). En cualquier caso no son muchas las obras que se le pueden atribuir con total certeza. La mayora de ellas son retratos, caracterizados por su fondo oscuro o neutro, por una tendencia a la meticulosidad y el detallismo (fruto de la inuencia de la pintura amenca y de su formacin como miniaturista), as como por la expresin hermtica de sus personajes que parecen sumidos en la indolencia o en la melancola. De todos ellos el ms conocido es sin duda su Autorretrato, del Kunstmuseum de Basilea, en el que la artista aparece dispuesta a comenzar su trabajo, pertrechada de sus tiles de pintar. Tambin en este caso
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a Caterina puede considerrsele una pionera, porque no era muy comn el autorretrato en esta poca, pero menos an de una mujer y en la propia actitud de pintar. En esta obra adems alcanza su mayor nivel tcnico, sorprendiendo por su realismo y una ingenuidad expresiva que hace ms atractiva su gura. 1587. Caterina muri a los 60 aos en Amberes, en

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Cindy Sherman
(1954)

Cindy Sherman, Untitled Film Still (autorretrato), 1977

La gura de Cindy Sherman es un magnco ejemplo de cmo la fotografa es hoy uno de los muestrarios de expresin artstica ms ricos, a partir del cual Cindy Sherman se ha convertido hoy en uno de los referentes ms importantes del arte actual. Nacida en New Jersey, estudiar en Nueva York iniciando muy pronto su carrera artstica, que, en cualquier caso, podra dividirse en varias fases, aunque siempre con una constante, la referencia a la gura de la mujer y su posicin crtica al respecto. En una primera etapa Cindy Sherman realizar una serie de retratos fotogrcos que rompen el modelo tradicional, porque trascienden al sujeto retratado, convirtindolos en pretextos con los que representar
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estados de nimo o emociones, as como estereotipos de mujeres, que representa con humor e irona. Son sus famosas lm stills o fotos jas, tambin conocidas como pelculas congeladas, en las que muchas veces la retratada es ella misma pero transgurada en ama de casa, en prostituta, secretaria, actriz o bailarina, es decir en arquetipos de mujer, que ella reproduce siempre en blanco y negro, en fotos de pequeo tamao y ambientadas en las dcadas de los aos cuarenta, cincuenta y sesenta, en los que esos arquetipos se muestran de forma ms estereotipada. Pero ese humor con el que trata sus retratos de la primera fase pronto se trasmuta en una orientacin completamente distinta, en la que progresivamente va ganando terreno la imagen de lo grotesco, lo terrorco e incluso lo repugnante, con la intencin abierta de provocar sin indulgencia al espectador. Ya ocurre as con sus homenajes femeninos a la Historia del Arte, serie de retratos en los que la mujer se representa al modo de los personajes famosos de las obras de arte, as la Fornarina de Rafael o la Judith de Boticelli, pero lejos de representarlas como aqullas, la s t r a n s f o r m a completamente, reproducindolas desnudas o embarazadas y situadas siempre en entor nos provocativos. Pero an dar un paso ms en este camino hacia lo abyecto con el que fustigar al espectador para ahondar de esta forma en la crtica al trato y la condicin de la mujer. As, las fotos que realiza a nales de los ochenta, en las que proliferan comidas que se pudren, penes de plstico rociados de ketchup e incluso mezclas repugnantes que provocan arcadas. Es la plasmacin culminante de lo feo en el arte como elemento de expresin y como smbolo. En la misma lnea se incluyen tambin sus series conocidas como Sex pictures, en las que toca el tema sexual pero con la misma esttica truculenta: muecas sexuales desmembradas, sexo con
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armas, sexo con mscaras terrorcas, etc. Las fotos se han hecho mucho ms grandes, y el blanco y negro de los primeros aos ha dado paso a un color, rutilante y chilln, con el que subrayar el tono agrio y agresivo de sus fotos, que ltimamente reinciden en el tema terrorco que parece haberse convertido en uno de sus principales referentes. Tampoco es el nico. Sus fotos insisten en la crtica al papel de la mujer en la sociedad actual, pero no es ajena tampoco a la crtica social ms amplia, objetando de las tiranas de la publicidad, la moda o los medios de comunicacin, tratando igualmente temas relacionados con la violencia, la poltica o la sexualidad, utilizando como vehculos de expresin imgenes relacionadas con los medios de comunicacin de masas, ms directos y fciles de entender . En cualquier caso, la fotografa de Cindy Sherman no nos deja indiferentes. Es otra forma de entender la imagen, que algunos han relacionado con el Arte Conceptual y ms lejanamente con el Surrealismo, y que se relaciona tambin con el trabajo de otras mujeres que en muchos sentidos coinciden con ella, caso de Brbara Kruger, Mona Hatoum o Jenny Holzer. Aunque como hemos dicho, lo ms importante es que no se trata de una fotgrafa con aspiraciones artsticas, se trata de un artista que utiliza como instrumento la fotografa.

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Dora Carrington
(1893 - 1932)

Dora Carrington, Autorretrato, h. 1910

Su nombre completo fue Dora de Houghton Carrington, aunque siempre se le ha conocido como Dora Carrington o, simplemente, como Carrington. Naci en la pequea localidad inglesa de Hereford. Sus padres fomentaron en Dora la acin por el arte desde muy nia. Estudi en la Bedford High School, un centro en el que la educacin artstica era muy tenida en cuenta. En esta poca Dora Carrington comenz a tomar clase de pintura como complemento a
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su formacin acadmica. La ltima fase de la educacin artstica la llev a cabo en la Slade School of Art de Londres. En 1916 Dora Carrington conoci al escritor Lytton Strachey, miembro del Grupo de Bloomsbury, en cuyo crculo se movi indirectamente la pintora. Su relacin con Strachey condicion la obra y la vida de Dora Carrington. Ambos se sintieron mutuamente fascinados, manteniendo a partir de entonces una relacin compleja. La homosexualidad de Strachey y la bisexualidad de Dora, quien estuvo casada con Ralph Partridge y mantuvo numerosas relaciones amorosas paralelas, compuso una situacin emocional muy caracterstica del estilo de vida de los miembros del Grupo de Bloomsbury. La libertad con la que Dora Carrington entiende sus relaciones emocionales contrasta con la decisin de cuidar de la persona de Lytton Strachey, de personalidad enfermiza. Esto limit la trayectoria artstica de Dora, restndole tiempo para su actividad pictrica. Esto explica que su enorme capacidad creadora no se materialice en una obra amplia, que apenas expusiera en vida, y que no haya recibido la atencin de crtica y pblico que su categora artstica merece. La fuerza de la relacin entre Carrington y Strachey fue tal que Dora no pudo superar la muerte del escritor y dos meses ms tarde se suicid.

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Dora Maar
(1907 - 1997)

Dora Maar, Autorretrato, 1936

Dora Maar es uno de esos casos en que el nombre de una artista se conoce mucho ms por sus relaciones personales que por su propia obra. En el caso de Dora Maar, su gura se relaciona automticamente con Picasso, del que fue una de sus amantes ms fervientes y su musa durante algunos aos. Pero en realidad Dora Maar fue tambin una artista, en este caso una fotgrafa de renombre que lleg a ser una de las referencias del grupo surrealista y que por tanto merece un hueco en la memoria de la Historia del Arte. Dora Maar se llamaba en realidad Henriette Theodora Markovitch y era hija de un arquitecto yugoslavo y de su esposa francesa. Naci en Pars,
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aunque su infancia la pasara en Argentina donde a su padre le haban hecho algunos encargos y donde aprendi a hablar el espaol. De regreso a Pars a los veinte aos iniciara su formacin artstica en la Academia Julian, aunque en realidad su suerte fue topar con dos grandes fotgrafos que la iniciaran en el mundo de la fotografa: uno Henry Cartier Bresson, que la convenci de que cambiara su nombre por otro ms corto y ms sonoro, de donde naci Dora Maar, y el otro G. Brasa, que la convirti en su protegida y le ense muchos recursos y trucos fotogrcos. A partir de entonces Dora Maar se convierte en una fotgrafa incansable que, con su Rollei en la mano, realiza todo tipo de fotos, desde desnudos sensuales a retratos, o colaboraciones junto con Brasa en revistas de moda y en publicidad. Por entonces Dora Maar era una joven de una belleza elegante y extica que cautivaba por igual con su mirada melanclica y con su estilo exquisito, del que sobresalan sus manos de una perfeccin legendaria, acentuada por sus uas aladas y pintadas siempre de un rojo intenso. A ello aada en aquellos primeros aos un entusiasmo juvenil y una gran vitalidad. Todo ello acab por rendir a sus pies al poeta G. Bataille con el que iniciara una breve relacin sentimental. Bataille, adems, la introdujo en el entorno poltico de la poca, convirtindose en una activista de izquierdas, que a su vez la relacion con otros grupos de intelectuales. Fue as como conoci a Buuel y ms adelante a A. Breton que la introducira en el grupo surrealista. En esa misma poca se producira un encuentro que cambiara su vida. Fue en enero de 1936, cuando se hallaba en el Caf Deux Magots de Pars, enfrente de una mesa en la que se encontraba Picasso junto a P. Eluard y Sabarts. Dora Maar empez a juguetear con un navaja que salteaba entre sus dedos enguantados, producindose incluso pequeas heridas que iban salpicando de sangre sus preciosas manos
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enguantadas. El juego incit a Picasso que de inmediato se acerc a su mesa iniciando as lo que sera una relacin apasionada, y que a la larga resultara especialmente autodestructiva para Dora Maar. Durante los primeros tiempos Picasso la convirti en su musa y de su pincel salieron cuadros tan magncos como su Mujer llorando y preciosos retratos. Tambin ella se vio entonces favorecida, porque su creatividad alcanzara su mejor momento, y su relacin con los surrealistas le permitira innovar y experimentar en el campo de la fotografa. Realiza as obras tan conocidas como el Retrato de Ub, que terminara convirtindose en un icono fotogrco del movimiento surrealista. Es tambin en esos aos cuando marcha a Barcelona e inicia all una serie de fotografas donde capta con indudable talento la realidad costumbrista y el da a da de un pas en vsperas de la guerra. Pero todo cambiara a los pocos aos. Primero fue la II Guerra Mundial y el miedo a los nazis, que perseguan a colaboradores de la izquierda como lo haba sido ella. Luego fueron sus desavenencias con Picasso. El pintor haba empezado su relacin con Dora al poco de abandonar a su mujer Olga Kokhlova y de haber tenido un hijo con Marie Thrse Walter, que, entre tanto y a pesar de su relacin con Dora Maar, no haba dejado de seguir siendo su amante. Pero el golpe denitivo a la relacin llegara con la aparicin en la vida de Picasso de Franois Gilot, cuarenta aos ms joven que el pintor, pero que se impone sobre todas sus amantes anteriores. Dora Maar, acuciada por los celos y el alejamiento denitivo de Picasso, cae en una profunda depresin que la arrastrar al abismo de la locura. El mismo Picasso la ingresa en el sanatorio psiquitrico de Sainte Anne, donde curiosamente sera atendida por Jacques Lacan, por entonces todava un joven psicoanalista.

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Con el tiempo Dora Maar ir recuperndose poco a poco, pero ya nunca ms sera la misma, ni como mujer, ni mucho menos como artista. S que volver a la pintura, que prcticamente haba dejado olvidada desde sus aos de estudio, y a una religiosidad y un misticismo profundos que resultaran ser uno de sus pocos consuelos. Pero mientras la gura de Picasso se iba haciendo gigante con los aos, la de ella, como artista, se olvidaba por completo. Y de Dora tan slo fue quedando el recuerdo de haber sido una ms de las numerosas amantes del pintor. Lo cual constituye un caso ms que signicativo, porque resulta uno de los casos ms ilustrativos de hasta dnde puede llegar la anulacin de la personalidad y la autonoma artstica de una mujer al sucumbir al poder artstico y personal de un hombre. Aunque en este caso se tratara ni ms ni menos que de Picasso.

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Edmonia Lewis
(1845 - 1907)

Naci en Nueva York en julio de 1845. Sus padres eran de ascendencia africana, aunque el padre haba nacido en Hait. Siendo nia, Edmonia qued hurfana y al cuidado de unas tas maternas que se dedicaban a la elaboracin de productos artesanales que vendan a los turistas de zonas como las cataratas del Nigara. Edmonia Lewis ingres en el Oberlin College, en Cleveland, que era una de las pocas instituciones acadmicas que admitan mujeres de color. Durante su
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estancia, Edmonia tuvo algn serio problema con la justicia por protagonizar incidentes oscuros debidos a su carcter rebelde y que terminaron por llevarla a juicio. Pero tambin en el Oberlin College fue donde Edmonia Lewis comenz a sentir inters por el arte. En 1863, tras abandonar las aulas, Edmonia se traslad a Boston y comenz a colaborar en el estudio del escultor Edward Augustus Brackett. En muy pocos meses, abri su propio estudio y organiz su primera exposicin individual. En estos primeros aos, Edmonia encuentra inspiracin para su trabajo en los principales hroes del abolicionismo como Robert Gould Shaw, comandante de un regimiento de combatientes de origen africano en la guerra de civil norteamericana. En 1865, Edomia Lewis se traslad a Roma donde experiment una fuerte inuencia de la esttica neoclsica. Como curiosidad, durante parte de su estancia romana, Edmonia tendra su taller en el mismo estudio que haba ocupado dcadas atrs Antonio Canova. La fama de Edmonia Lewis fue aumentando y cimentndose con frecuentes exposiciones, tanto en Europa como en Estados Unidos. Como consecuencia sus obras se cotizaban a alto precio, hecho que le permiti conseguir un desahogo profesional y vital importante. La culminacin del xito de Edmonia Lewis llegara en 1876, con motivo de la Exposicin de Filadela, celebrada en conmemoracin del Centenario de la Independencia de los Estados Unidos. En el evento, la escultora present una gran gura titulada La muerte de Cleopatra, que termin por constituirse en uno de los hitos de la muestra, y un gran xito, tanto de crtica como de inters popular. Nada ms clausurarse la exposicin, en 1877, Edmonia Lewis realiz el retrato de Ulisses S. Grant, presidente de los Estados Unidos.

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 A partir de aquel momento, la fama y el xito de Edmonia Lewis comienzan a decaer de manera fulminante. Su escultura, dentro de una esttica neoclasicista, perdi vigencia y fue sustituida por propuestas formales ms avanzadas. Como consecuencia, Edmonia Lewis deja de exponer y de vender sus obras. Incluso llega un momento en el que prcticamente se pierde la pista de su propia existencia. Segn algunos autores, Edmonia Lewis muri en Roma en el ao 1911. Otros creen que falleci en California. Sin embargo, la mayor parte de los especialistas arman que lo hizo en Londres en 1907.

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Elieen Agar
(1899 - 1991)

De padre escocs y madre norteamericana, Elieen Agar naci en Buenos Aires el da 1 de diciembre de 1899. En Argentina vivi su primera infancia, tras la que se traslad, ya en 1911, a Londres, ciudad en la que residira hasta su fallecimiento. En la capital inglesa inici sus estudios artsticos, primero en la ByamShaw School of Fine Arts y, posteriormente, en la Slade School. Entre 1928 y 1930, se anc en Pars, ciudad en la que entr en contacto con el crculo surrealista de Andr Breton y Paul luard, con quienes estableci una relacin de amistad.
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De vuelta a Londrs, Elieen Agar se integr en el Grupo de Londres y particip en la Exposicin Internacional Surrealista, celebrada en New Burlington Galleries en el ao 1936. En este perodo, la artista se interesa por todo tipo de tcnicas, desde la pintura a la fotografa, pasando por el ensamblaje de objetos y el collage, siempre dentro de unos planteamientos estrictamente surrealistas. El triunfo denitivo de Elieen Agar le llega en los aos 40, cuando entra en contacto con el crculo de Pablo Picasso y participa en exposiciones en las principales ciudades del mundo. Eileen Agar, nunca abandon los planteamientos surrealistas, que mantuvo vigentes hasta el nal de su carrera artstica, aunque siempre fuera sensible a las corrientes ms actuales del arte, en especial al Informalismo. La larga trayectoria de Eileen Agar y su coherencia esttica le convierten en una gura clave para entender el Surrealismo en Gran Bretaa.

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Elisabeth Vige-Lebrun
(1755 - 1842)

Elisabeth Vige-Lebrun, Autorretrato, 1790

Elisabeth Vige-Lebrun fue una de las pintoras de mayor xito en vida y sin duda una de las mejores retratistas de la historia de la pintura. En un caso similar al de Artemisa Gentileschi, la inuencia paterna resultara decisiva en su orientacin artstica, pues su padre, Louis Vige, (retratista y profesor de pintura en la Academia de Saint Luc), la anim a pintar desde nia e incluso a dedicarse seriamente al mundo del arte. Y fue curiosamente la muerte de su padre, cuando todava era

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muy joven, la que la oblig a dedicarse a la pintura profesionalmente para sacar a su familia adelante. Lo hizo con talento y con plena dedicacin (se cifran en alrededor de 900 los cuadros que Vige Lebrun lleg a pintar), y sabiendo, adems, atraerse a lo ms selecto de las cortes europeas para que posaran para ella. En este sentido sera su tcnica y su dominio del gnero del retrato lo que la llev a un xito tan rotundo como el que tuvo en vida. Fue retratista del hermano de Luis XVI, y a travs de este primer retrato regio, conoci a Mara Antonieta, reina de Francia, con la que inici una relacin de ntima amistad y de la que hizo numeroso retratos. De hecho sera la intercesin de Mara Antonieta ante el rey, lo que permiti que Elisabeth se convirtiera en miembro de la Acadmie Royale de Pars cuando an contaba 28 aos. Al producirse la Revolucin francesa, y especialmente al producirse el arrestro de los reyes, Vige-Lebrun tuvo que huir de Francia, refugindose primero en Roma y despus en Austria y Rusia. Lugares todos ellos donde pudo dar muestras de su vala artstica, aprovechando la ocasin para ampliar su obra y su repertorio de retratos ilustres. En Italia coincidi con Angelica Kauffmann y entrara en la Academia di San Luca; en Viena retrat tambin a buen nmero de aristcratas, y en Rusia entrara en la Corte de Catalina la Grande y sera aceptada, tambin aqu, como miembro de la Academia de Bellas Artes de San Petesburgo. El regreso a Francia despus de la Revolucin no fue lo afortunado que ella esperaba al no ser muy bien acogida en el entorno de Napolen, por lo que viaj de nuevo al extranjero, en esta ocasin a Londres, donde retratara al futuro Jorge IV y a Lord Byron.

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 Vuelta de nuevo a Francia, en esta segunda ocasin s sera bien acogida por Napolen, que le encargara el retrato de su hermana Carolina. VigeLebrun completa as un muestrario de lo ms granado de las cortes europeas del siglo XVIII, aunque no fueron sus nicos modelos. Ella misma se autorretrat en numerosos cuadros y lo hizo tambin, en numerosas ocasiones, acompaada de su hija Julie; retratos, todos ellos, en los que destacan la ternura y el candor con el que aparecen madre e hija. Una vida de xitos profesionales como puede apreciarse, que sin embargo no parece haber tenido la misma repercusin en el campo de la historiografa. Bien es verdad que su condicin de mujer habr inuido sin duda en esta valoracin, pero no deja de extraar, conocido el xito profesional que tuvo en vida. VigeLebrun fue una pintora de un virtuosismo tcnico excepcional, que pudo manifestarlo plenamente en el gnero del retrato, y que si adems tuvo tanto xito fue porque tambin saba hbilmente complacer a sus clientes halagando frecuentemente sus representaciones. Con todo y con eso, su limitacin a un nico gnero, el del retrato, y su estilo vinculado al Rococ, cuando los artistas coetneos ya haban comenzado nuevos caminos de expresin, limitan indudablemente la importancia de su obra artstica. En cualquier caso, sus pinturas se ven con un especial deleite, porque estn llenas de amabilidad, y porque la luminosidad de sus cuadros y su paleta tan rica aaden una nota siempre alegre a sus obras. Su precisin y detallismo hacen el resto. Su caso ilustra perfectamente el papel de la mujer en el siglo XVIII que, en un entorno ms permisivo, se convierte en un elemento fundamental de la sociedad europea de los pases ilustrados, llegando, como es el caso, a un protagonismo profesional que no se haba dado con anterioridad.
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Elisabeth Peyton
(1965)

Leeta Harding, Elizabeth Peyton

Elizabeth Peyton es una joven artista norteamericana (Danbury, Connecticut) que estudia en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y que, ya a los 22 aos, realiza su primera exposicin en la Galera Althea del Soho neoyorkino. Unos aos ms tarde se dio a conocer mediante una muestra de dibujos de guras romnticas del siglo XIX, (instalada en una habitacin del Chelsea Hotel de Nueva York), que los visitantes podan vertras pedir la llave en recepcin.

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A partir de ese momento la gura de Peyton se fue haciendo un hueco en la vanguardia realista de nales de siglo, especializndose en un tipo de retrato muy singular que se iniciara con la participacin de familiares y amigos, pero que pronto se ampli a cantantes, artistas, actores, tambin miembros de la realeza, como los Prncipes William y Harry de Inglaterra, la misma Diana de Gales e incluso personajes histricos que ella no lleg a conocer, como Abraham Lincoln, John Kennedy o del propio John Lenon, uno de sus ms conocidos retratos, que lleg a venderse por 800.000 dlares. En esta misma lnea, es igualmente conocido su reciente apoyo a Barack Obama en su carrera a la presidencia de Estados Unidos, rubricada con un retrato de la primera dama y su hija: Michelle and Sasha Obama Listening to Barack Obama at the Democratic National Convention August 2008. El reconocimiento del que goza en la actualidad la convierte en una de las artistas ms conocida y cotizada del momento, y explica tambin que se hallen ya obras suyas en las colecciones del MOMA de Nueva York o en el Centro Georges Pompidou de Pars. Su pintura se caracteriza por un tratamiento muy especial del color y de la pincelada, a lo que aade una peculiar expresividad a los rostros de sus retratos. El color es intenso y brillante, y la pincelada es amplia y gruesa, de largos trazos que contribuyen a crear esos cnones alargados que caracterizan tambin algunas de sus guras. Pero siempre hay un toque misterioso en los rostros que pinta, tal vez porque en la mayora introduce un aire melanclico, taciturno a veces, ajeno a la realidad circundante, que es lo que los hace tan especiales. En cualquier caso asistimos a una muestra ms de lo que hoy se denomina Realismo pictrico, que es en
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parte heredero de la postmodernidad y en parte del Pop art, lo que supone combinar la precisin formal y la perfeccin tcnica con un desenfado que deforma la realidad a gusto del autor. A veces buscando la provocacin o, a veces, acentuando la expresividad de sus retratos, a los que aporta una enorme profundidad emotiva.

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Emily Mary Osborn

(1828 - 1925)

Emily Mary Osborn, Nameless and Friendless, 1857

Naci en Essex, siendo la hija mayor de una familia numerosa de un clrigo anglicano. Su apellido aparece en unas ocasiones como Osborn y en otras como Osborne. Se la suele considerar como una de las pintoras inglesas ms representativas de la poca victoriana. Aunque su produccin no es excesivamente amplia, sus obras son de gran inters no slo desde el punto de vista puramente artstico, sino tambin por los temas que trata y por el enfoque que les aporta, lo que en alguna ocasin ha llevado a que se hablara de Emily Mary Osborn como de una pintura protofeminista.
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En este sentido, su cuadro ms famoso es el titulado Sin nombre y sin amigos (1857), en el que una joven (para algunos una viuda reciente y para otros una madre soltera) trata de ganarse la vida vendiendo los cuadros que pinta en un ambiente de hostilidad machista. Emily Mary Osborn no tuvo que soportar un clima tan negativo como mujer pintora, gozando de buena reputacin como artista gracias a sus cuadros suavemente crticos. De Emily Mary Osborn, que caera en un cierto olvido tras su muerte, se cuenta que asisti puntual a la cita anual de la exposicin de la Real Academia Britnica durante ms de cuatro dcadas, desde que apenas haba terminado sus estudios de pintura en la Academia Dickinson de Londres en 1851 hasta 1893. La plenitud del trabajo de Emily Mary Osborn se produjo en la dcada de los aos 60, cuando algunas de sus obras alcanzaron una gran relevancia en el ambiente artstico londinense, en especial La institutriz (1860) (adquirido por la propia reina Victoria) y La fuga del seor de Nithisdale de la Torre (1861), una de sus escasas incursiones en la pintura histrica, que no deja de tener un cierto toque irnico puesto que el fugitivo tuvo que escaparse del presidio disfrazado con ropas femeninas.

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Frida Kahlo
(1907 - 1954)

Frida Kahlo, Autorretrato con mono, 1938

La vida de Frida Kahlo es una vida de novela, que por ello mismo la ha convertido en una de las artistas ms conocidas y populares. Es tambin la vida de una mujer cuyo destino parece marcado por la fatalidad, lo que unido a su personalidad poderosa y excntrica, no es de extraar que se haya convertido en toda una leyenda. Magdalena Carmen Frida Kahlo naci en julio de 1907 en Ciudad de Mxico, hija de Guillermo Kahlo,
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fotgrafo y descendiente de judos alemanes y de Matilde Caldern, segunda mujer de Guillermo, que era catlica y descendiente de espaoles. Aunque a pesar de esas ascendencias la mexicanidad de Frida ser una de sus caractersticas ms arraigadas y una de las seas de identidad de su personalidad. Pero como hemos dicho, Frida estuvo marcada desde pequea por el infortunio que realmente marc su vida, porque ya a los seis aos sufre una poliomielitis que aunque pudo superar, le dejara una pierna mucho ms delgada que la otra. Esto no sera nada en comparacin con el accidente que habra de sufrir en 1925, cuando tan slo contaba dieciocho aos: un tranva se estrell contra el autobs en el que viajaba Frida, muriendo en el percance varias personas y dejando a Frida muy malherida. De hecho se fractur la columna, la pelvis, varias costillas, un pie le qued destrozado y lo peor, uno de los pasamanos del tranva le atraves el vientre y la vagina. Que sobreviviera fue un verdadero milagro, pero su recuperacin fue para ella un suplicio interminable, cuyas operaciones y rehabilitaciones duraron prcticamente hasta su muerte. A pesar de todo se sobrepuso a la desgracia, gracias sobre todo a su fuerte personalidad y su indomable carcter. Fue entonces cuando empez a pintar, porque postrada en la cama del hospital se mora de aburrimiento, y fue tambin muy poco despus y cuando ya llevaba algunos cuadros pintados, cuando conocera a Diego Rivera, veintin aos mayor que ella, pero el hombre que marcara su vida. Diego Rivera era ya un pintor consagrado en Mxico, que empezaba a triunfar fuera de sus fronteras y que haba conocido a Frida aos antes, cuando estaba decorando con un mural la Escuela Nacional Preparatoria de Mxico, la ms prestigiosa de las instituciones educativas de la ciudad y donde Frida estudiaba. En el hospital, Diego reconoci en la obra de Frida un talento extrao y novedoso, y la anim a seguir el camino del arte. No slo eso, el amor prendi entre los
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dos como una tea ardiendo, lleno de una pasin y una fuerza, acordes con el carcter igualmente tempestuoso de los dos. Poco despus, en 1929, se casaban. Aunque su vida en pareja sufrira una primera separacin a los pocos aos, al serle encargada a Diego Rivera la decoracin mural del Rockefeller Center (que hubo de destruir por incluir el retrato de Lenin), as como otros murales en USA, lo que les distanciara a los dos. Tambin entonces empezaron las distintas aventuras amorosas de ambos, que en el caso de Diego le llevara a enamorarse de la hermana de Frida. As las cosas y a la vista de las continuas disputas, engaos mutuos y separaciones, se divorciaran en 1939. Pero, lo que son las cosas, de inmediato entendieron que a pesar de sus enfrentamientos no podan vivir el uno sin el otro, volvindose a casar en 1940. Entre tanto, Frida no haba dejado de pintar, siempre en un estilo muy personal, relacionado con la pintura naf, que a su vez tena sus coincidencias con el arte de tradicin precolombina que Frida trataba de reivindicar. Tampoco falta la inuencia, lgica, de Diego Rivera, al menos la del Diego Rivera que inicia una nueva andadura a partir de 1921, olvidando su etapa cubista y desarrollando un estilo gurativo, estilizado, pero en el que an se advierten estructuras geomtricas. Es as la pintura de Frida, una pintura de colores intensos y formas icnicas por su rigidez y hieratismo, en las que reiterativamente nos aparece la gura de ella misma, autorretratada directamente o representada simblicamente, constatando as, en la mayora de las ocasiones, sus frustraciones y su soledad. Ella misma deca que pinto autorretratos porque estoy gran parte de mi tiempo sola y porque soy la persona que mejor conozco. Por otro lado, su pintura se ha relacionado tambin con el Surrealismo, sobre todo cuando Andr Breton visita Mxico en 1938 y considera su pintura surrealista y llena de crueldad y de horror; y tambin
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porque particip en la Exposicin Internacional del Surrealismo en la Ciudad de Mxico. Pero, aparte de que terminara considerando a los surrealistas una pandilla de lunticos hijos de puta, realmente la pintura de Frida Kahlo tiene poco de surrealista, incluso segn ella misma, que sealara que ella jams haba pintado sus sueos, sino su pura realidad. Entre tanto, Diego volvi a sus devaneos amorosos y ella misma tambin, primero con el mismsimo Trotsky, que se refugiara en su casa perseguido por los estalinistas hasta que fuera asesinado por Ramn Mercader; y posteriormente con la mujer de Andr Breton, Jacqueline Lamba, cuando ste visit Mxico. Tambin con otros hombres, como el refugiado espaol Ricardo Arias o el fotgrafo Nikolas Muray. De este agitado perodo son la mayora de sus cuadros ms conocidos, que, ya hemos comentado, son, principalmente, autorretratos: pinta en 1939 Las dos Fridas, imagen simblica de la Frida mexicana y la Frida occidentalizada, la una frente a la otra, compartiendo sus corazones, pero que rompen su vena mutua sobre la Frida vestida a la europea, muestra, una vez ms, de la importancia que para ella tenan sus races. Se autorretrata tambin rodeada de monos y animales, lo que era habitual en su vida, pues al no poder tener hijos desde el accidente del tranva, le gustaba compartir su soledad con los animales que correteaban por el jardn en su Casa Azul de Coyoacn. Si algo debe destacarse de su personalidad es su fuerza de voluntad y su vitalidad, que le permitieron llevar una vida intensa y llena de pasin a pesar de todas las adversidades. Incluso lleg a bailar despus de que le amputaran una pierna, tras gangrenrsele, y serle colocada una articial. Pero el punto culminante al que llegara en este envite entre sus ganas de vivir y sus desdichas se produce ya al nal de su vida, cuando se
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organiza por n su primera y ltima exposicin individual, celebrada en el Museo de Arte Contemporneo de Mxico, y a la que asisti enviando primero su cama ricamente ataviada y luego apareciendo ella en una ambulancia. A pesar de los dolores, de la inmovilidad y las incomodidades no par de beber y de rer en esa esta. Pero ya no le quedaba mucho de vida. Un ao ms tarde, en 1954, morira mientras dorma, segn algunos de una embolia, segn otros porque se haba suicidado. Sera honrada con honores y envueltos sus restos mortales en la bandera del Partido Comunista, al que tanto ella como Diego haban sido siempre eles. Su querido Diego Rivera, la seguira a la tumba slo tres aos despus. Es evidente que por muchas razones la gura de Frida Kahlo se haba convertido en leyenda: por su personalidad, por las vicisitudes de su vida, por sus experiencias vitales y por su carcter, por su valenta ante la desgracia y su pasin de vivir. En ese contexto tan particular se desarrolla su pintura, igualmente singular, aunque haba que plantearse hasta qu punto su arte, que siempre cultiv como un mero escapatoria personal, es un apndice ms de esa leyenda.

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Gabriele Mnter
(1877 - 1962)

Gabriele Mnter, Autorretrato, 1909

Gabriela Mnter es una mujer nacida en el seno de una familia acaudalada berlinesa que atrada por la creacin artstica tendr todo el apoyo de sus padres para realizar su formacin. Primero estudia en Dsseldorf, despus viaja por Estados Unidos, y nalmente se establece en Munich donde completa sus estudios artsticos. All ser donde conozca a Kandinsky con el que iniciar una relacin de amantes, porque aunque viven
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abiertamente en pareja y Kandinsky se ha comprometido con ella en matrimonio, lo cierto es que ste seguira casado durante buena parte de su mutua relacin con su prima Anja Chimiakin. Desde 1903 en que se conocen hasta 1917 Gabriela se vio enriquecida en muchos aspectos por su pareja, tambin desde el punto de vista artstico, pues aunque su pintura est fuertemente inuenciada por Matisse y el Fauvismo, pronto las experiencias expresionistas del propio Kandinsky y de otros artistas como Jawlensky, Marc, o Macke llenarn su obra de sus mismas inclinaciones por la fuerza del color y la rotundidad de los trazos. Ser en el pueblecito de Murnau, donde nalmente se instalar la pareja, lugar emblemtico porque ser all donde Kandinsky realizar buena parte de su obra y donde entablaron amistad, primero con artistas exiliados rusos como Jawlensky o la que sera su pareja, Marianne von Werefkin, y, despus, con el resto de pintores expresionistas. Gabriela sera tambin miembro fundador del grupo, liderado por Kandinsky, de la Nueva Unin de Artistas de Munich, grupo del que surgir el colectivo Der Blaue Reiter, tan importante en la formacin y desarrollo del Expresionismo. La Primera Guerra Mundial marca un punto de inexin en la vida de Gabriela porque a la separacin forzosa con Kandinsky se une el distanciamiento con los dems pintores del grupo. La relacin se deteriora y aunque Gabriela y Kandinsky an se veran en Estocolmo en 1916, su separacin sera desde entonces denitiva, y ms an tras el nuevo matrimonio del pintor con Nina Andreevskya. Gabriela caera en una fuerte depresin que le obligara a abandonar la pintura. Aos ms tarde, su regreso a Murnau y su relacin estable con el historiador del arte Johannes Eichner, la rescatarn de su indolencia, volviendo a una pintura menos comprometida y valiente de la que haba realizado en su mejor poca.
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Pero a Gabriela Mnter an le quedaba por hacer un ltimo tributo, no slo a la memoria de Kandinsky, sino, en realidad, a toda la obra del grupo expresionista Der Blaue Reiter, porque sera ella quien salvara de la destruccin 80 obras del grupo consideradas arte degenerado por el rgimen nazi. Primero las escondera, y en 1957 las legara a la ciudad de Munich, donde constituyen el mejor patrimonio del Lenbachhaus de esa ciudad. Tambin su casa en Murnau se conserva actualmente como museo y lugar de peregrinacin de los ms devotos del arte expresionista en general y de la obra de Kandinsky en particular. Desgraciadamente la obra de Mnter se conoce poco. La larga sombra de su amante la ha ocultado parcialmente, aparte de que no es una obra prolca, porque prcticamente no ocupa ms que sus aos de juventud. An as es una pintura de un enorme atractivo, llena de luminosidad, colorido y fuerza en la expresin, que recoge lo mejor de la tradicin fauvista y de algunos expresionistas, en especial de Jawlensky. Lo cual demuestra una vez ms hasta qu punto el hecho de ser mujer, y adems pareja de un artista renombrado, condena al olvido la obra de las mejores artistas. A pesar de todo, su vuelta a la pintura (en este caso abstracta) desde 1952, le otorg un cierto reconocimiento, que se vera refrendado en las exposiciones de Los ngeles y Nueva York, organizadas un ao antes de su muerte.

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Georgia OKeeffe
(1887 - 1986)

Georgia OKeeffe es un caso curioso en el mundo del arte, porque aun siendo una de las mujeres que demostr su vala artstica de forma ms precoz, le cost mucho exhibir su obra y tard por ello mucho tiempo en ser reconocida como una gran artista. En todo caso su condicin de mujer inuy en este aspecto, aunque tambin su personalidad y la educacin recibida desde pequea, en la que un principio bsico de austeridad y modestia presidi su infancia. Naci en Wisconsin, en Estados Unidos, en una familia de granjeros que vivan humildemente, lo que no impidi que muy nia an recibiera clases de dibujo y que a los veinte aos ya estuviera estudiando en el Art Institut de Chicago, y muy poco despus en la
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Universidad de Virginia y en la Art Students League de Nueva York. Desde Nueva York dara el salto hasta Texas, donde se encontrara dando clases de dibujo en un pequeo pueblo de vaqueros, Amarillo, quintaesencia del autntico oeste americano, cuyo paisaje e idiosincrasia le inspiraron profundamente. Fue a partir de entonces, hacia 1916, cuando empezara a realizar sus primeras acuarelas abstractas, cuyos motivos se basaban en el paisaje del lugar aunque transformados por su peculiar visin pictrica. Fueron precisamente estas acuarelas las que empezaran a labrarle el camino de la fama, especialmente cuando las descubre el fotgrafo y marchante Alfred Stieglitz, que las expone sin el permiso de la artista. No le import esta negativa y continu exponiendo las obras, inicindose desde entonces un idilio entre ambos que acabara en matrimonio. El apoyo de Stieglitz y la originalidad de su obra fueron multiplicando sus exposiciones y aumentando su fama. Sobre todo cuando en estos aos comienza a pintar sus famosas ores, que se han convertido en su sea de identidad. Flores grandes y en primeros planos, lirios, orqudeas, amapolas, en las que parece que el espectador quede envuelto completamente. Flores aisladas sin ninguna referencia espacial. Flores, ante las que nosotros parezcamos meros insectos, que combinan sus formas abstractas con un naturalismo singular, que algunos han relacionado con el surrealismo. Para otros, las ores de OKeeffe son metforas sexuales, por su sensualidad y sus formas, pero en cualquier caso, la pintura de OKeeffe trasciende todo simbolismo y se aanza como una expresin plstica tan genuina y personal que no puede asociarse a ningn movimiento artstico. Tambin es en esta poca de xito cuando realiza sus numerosas visiones urbanas de Nueva York, ciudad en la que entonces viva el matrimonio codendose con lo ms selecto del panorama artstico del pas

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A nales de los aos veinte empezarn sus problemas matrimoniales, agravados por las continuas indelidades de su marido y por el cansancio que tambin ste le provocaba. Descubre entonces un nuevo entorno que la fascinar, las tierras de Nuevo Mxico: su luz cegadora, sus amplias extensiones y los tonos rojizos del paisaje le encantarn lo suciente como para quedarse a vivir all. De esa poca sern sus vastos paisajes americanos y tambin sus pinturas de crneos y huesos que, junto con sus ores, son la otra imagen ms conocida de esta pintora. De nuevo se analizaron bajo una interpretacin simblica, entendidos como una metfora de la desesperacin y la muerte, pero tambin en esta ocasin es suciente con verlo como una imagen del desierto que a ella tanto le atraa. A la muerte de su marido, en 1946, OKeeffe iniciara una amplia etapa de exposiciones y retrospectivas que haran denitivamente justicia a su obra. Tambin empezara a viajar; en realidad no haba salido de los Estados Unidos hasta que tuvo una cierta edad, por lo que para muchos representa una artista genuinamente americana y, al contrario que otros muchos artistas estadounidenses, sin apenas inuencias extranjeras, ni de las vanguardias europeas. Viaja por todas partes, pero son frecuentes sus viajes a Mxico, tan prximo a su lugar de residencia, donde entablar amistad con Frida Kahlo y Diego Rivera. Pintar con asiduidad hasta 1975 en que una creciente ceguera le ir impidiendo poco a poco su trabajo, pero vivir hasta 1986, ao en que muere a los 99 aos de edad.

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Gwen John
(1876 - 1939)

Gwen John, Autorretrato, 1902

Su nombre completo fue Gwendolen Mary John. Naci en Haverfordwest (Gales). Su infancia estuvo marcada por la prematura muerte de su madre y por la rgida disciplina impuesta por su padre. Sin embargo, tambin se caracteriz por el amor por la literatura y por el arte que se inculc a los cuatro hermanos, uno de los cuales, August, tambin sera pintor de xito. Gwen estudi pintura en la Slade School of Art de Londres entre 1895 y 1898. Posteriormente pas
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algunos meses en Pars, donde conoci a James McNeill Whistler. Poco despus regres a la capital britnica donde expondra por primera vez en 1900. Fueron aos difciles, en los que Gwen John pas grandes penurias econmicas que no le desanimaron a continuar con el ejercicio de la pintura. En 1903, regres a Francia para asentarse denitivamente en Pars. All conoci a Auguste Rodin, con quien mantuvo una relacin sentimental. Rodin inici a Gwen en la tcnica escultrica a la vez que la anim a seguir con su carrera como pintora. Gwen John estuvo muy prxima a los movimientos de vanguardia parisinos de la primera dcada del siglo XX. Entre los artistas a los que trat en aquellos aos estn Picasso, Brancusi y Matisse. En 1910 se traslad a vivir fuera de Pars, a Meudon, donde residira hasta su muerte. En aquella misma poca, Gwen John se interesa cada vez ms por el catolicismo, viviendo un perodo de fuerte presencia mstica en su trabajo. Su relacin con el convento de las Hermanas de la Caridad de Meudon se materializ en una amplia serie de retratos de estas religiosas. Gwen John se fue alejando de los crculos comerciales y expositivos del arte. A ello contribuy el inters del coleccionista de arte norteamericano John Quinn, quien durante aos adquiri todos los trabajos de la pintora. La mayor parte de sus obras son retratos femeninos, de delicada pero rme ejecucin, colores suaves y luz difana, en los que predomina el ambiente melanclico y tranquilo. Junto a los leos, llama la atencin la riqueza tcnica de Gwen John que tambin lleva a cabo abundantes dibujos, acuarelas y grabados. A partir de 1919 Gwen John participa en algunas exposiciones tanto en Pars como en Londres, pero cada vez se recluye ms en su crculo ms ntimo, sin apenas participar de la vida social. As continu hasta
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comienzo de la dcada de los aos 30 cuando realiza sus ltimos trabajos. Gwen John muri en la localidad francesa de Dieppe el 18 de septiembre de 1939.

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Inge Morath
(1923 - 2002)

Inge Morath, Autorretrato, 1958

Ingebord Morath naci en la ciudad austriaca de Graz en 1923. Su juventud estuvo marcada por la dureza de la II Guerra Mundial y sus terribles consecuencias para Alemania, pas al que se haba trasladado con su familia en la dcada de los aos 30. Nada haca prever que Inge Morath terminara por dedicarse algn da a la fotografa. Sin embargo, trabajando como traductora y redactora para la revista Heute entr en contacto con Ernst Haas y, ms adelante,
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con Robert Cappa, quien le invit a incorporarse a la agencia Magnum. Sera la inuencia de estos grandes de la fotografa, adems de la de Henri Cartier Bresson, la que ira animando a Inge Morath a realizar sus primeros trabajos, en principio como simple acionada, y desde 1953 ya como profesional. Su actividad a partir de ese momento es frentica. Trabaja para las mejores revistas grcas del momento (Vogue, Paris Match...) y lleva a cabo reportajes fotogrcos en diferentes pases del mundo. La amistad que entabla con John Huston lleva a Inge Morath a introducirse en la fotografa de promocin cinematogrca y, ms adelante, en el retrato de las grandes guras del cine y la cultura norteamericana. De ella se deca que era la mejor para retratar la intimidad de estas personas porque saba comportarse como una silenciosa y tierna intrusa. Contrajo matrimonio con Arthur Miller, con quien desarroll una amplia colaboracin creativa con proyectos comunes que abordaban de manera complementaria desde sus respectivos campos creativos. Inge Morath sigui trabajando casi hasta su muerte, que ocurri en Nueva York en el ao 2002.

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Lavinia Fontana
(1552 - 1614)

Lavinia Fontana, Autorretrato, 1577

Lavinia Fontana es un caso excepcional entre las mujeres dedicadas al arte, por dos motivos. En primer lugar, por ser una de las primeras mujeres documentadas en el ocio de la pintura. En segundo, por la alta consideracin que mereci en su poca, superando los prejuicios y las limitaciones sociales predominantes. Naci en Bolonia (Italia) en 1552. Su padre, el pintor Prospero Fontana, reconoci la capacidad de Lavinia para la pintura, introducindola en el ocio. Lejos
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de permanecer a la sombra paterna, Lavinia pronto fue considerada como una gran pintora, de planteamientos estticos propios que superaban los tardomanieristas de su padre, para decantarse por una propuesta barroca en la lnea clasicista de los hermanos Carracci. Sus primeros trabajos fueron retratos de la sociedad boloesa acomodada que tuvieron gran xito. Con ellos, la fama de Lavinia fue creciendo hasta recibir encargos de la Casa Real espaola y del Papa. En 1577, Lavinia Fontana contrajo matrimonio con el tambin pintor Gian Paolo Zappi. Lo ms previsible es que este hecho hubiera supuesto un freno a la trayectoria pictrica de Lavinia. Sin embargo, ocurri todo lo contrario. Fue Gian Paolo Zappi quien se centr en las cuestiones domsticas mientras colaboraba, como ayudante, en los encargos que reciba Lavinia Fontana. En 1603, la pintora fue llamada a Roma para realizar varios encargos entre los que destacaron sus trabajos para las baslicas de Santa Sabina y San Pablo extramuros. El estilo de Lavinia Fontana fue evolucionando cada vez hacia un clasicismo ms ambicioso, incluyendo temas (como el desnudo) prcticamente vetados a las mujeres artistas. Por su categora como pintora, Lavinia Fontana recibi el honor de ingresar en la Academia de Roma. El 11 de agosto de 1614, Lavinia Fontana falleci en Roma siendo reconocida como una gran artista y disfrutando de una posicin social y econmica muy slidas.

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Lee Krasner
(1908 - 1984)

Lee Krasner, Autorretrato, 1930

Lee Krasner es uno de los numerosos casos en el que una artista queda totalmente eclipsada por la gura de su marido, cuya relevancia artstica anula completamente su obra y su trabajo. Sin embargo Lee Krasner, en realidad Lena Krasner, fue una de las principales representantes del Expresionismo Abstracto norteamericano de mediados del siglo XX, y no precisamente por su matrimonio con Jackson Pollock, sino por mritos propios.

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Desde jovencita parece que tuvo clara su vocacin pictrica, pues comenz su formacin a edad muy temprana en la Washington Irving School, pasando poco despus a la Womens Art School y a continuacin a la Art Students League y la Nacional Academy of Design, con lo que complet una slida formacin. Sus primeras obras, que surgen en esos aos, estn claramente inspiradas en la pintura de Mondrian, Picasso, y, sobre todo, de Matisse, del que imitar sus juegos de colores intensos y puros, y su trabajo de formas recortadas. Pero no eran tiempos fciles para vivir del arte y menos para una mujer. Por ello, en los aos de la Depresin, tuvo que dedicarse a posar para otros artistas, as como a servir copas en el Sam Johnsons Cafe de Nueva York. No por ello dej de pintar, ni de frecuentar los corrillos artsticos donde pululaban artistas de todo tipo, desde pintores totalmente desconocidos que estaban ensayando nuevas formas de expresin, hasta artistas consagrados como Mondrian, huido a causa de la Segunda Guerra Mundial y a quien conoci personalmente, lo que acrecent la admiracin que ya le profesaba. Prueba de que su obra y su trabajo avanzaban es que en 1938 contact con Hans Hofmann, uno de los ms prestigiosos profesores de arte estadounidenses, que no slo aplaudi su trabajo, sino que la anim a seguir por un camino nuevo de experimentacin plstica, embrin de lo que habra de ser el fenmeno del Expresionismo Abstracto. Hofmann, le rompa directamente los dibujos que no le gustaban y le insista en que el gesto del artista traza su lnea, autntica declaracin de intenciones de lo que habra de ser el nuevo movimiento artstico. Es en este contexto, cuando Krasner se halla perfectamente integrada en el grupo de jvenes pintores
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abstractos norteamericanos, en el que se produce el acontecimiento que marcar su vida. Su inclusin entre los artistas participantes en la exposicin colectiva de la McMillen Gallery de Nueva York, no le reporta mayor repercusin artstica, pero s es la ocasin que le permite conocer a Jackson Pollock, en ese momento un artista completamente desconocido, cuya obra an no haba sido valorada y que sufra una fuerte dependencia del alcohol. Probablemente fuera Lee Krasner, la primera en reconocer la verdadera vala de la obra de Pollock, y de hecho se vio fuertemente impresionada por la intensidad del trazo y la fuerza expresiva de sus pinturas. Tambin por la personalidad que haba detrs de aquellas telas. Tanto, que se casan en 1945, comenzando a partir de ese momento una nueva vida para Lee Krasner. Y no slo por su nuevo estado civil, sino porque decide dedicar su vida en cuerpo y alma al xito de su marido. Su especial relacin con artistas como De Kooning, crticos como H. Rosenberg y su amistad con personalidades como Hofmann, sirvieron para promocionar la obra de su marido. No slo eso, tambin aborda con abnegacin todas las tareas estrictamente domsticas y reduce su trabajo pictrico, que cuando puede hacerlo lo realiza en el saln de la casa mientras el estudio queda reservado para Pollock. Lo apoy, lo ayud, luch contra su alcoholismo y si no le dio un hijo fue porque no podra lidiar con otro ms. En cualquier caso su labor contribuy al xito de su marido, que al nal terminara convirtindose en el mayor exponente del Expresionismo Abstracto y uno de los pintores fundamentales del siglo XX. Muerto Jackson Pollock en 1959 en un accidente de trco, Lee Krasner vuelve a reencontrase consigo misma y retoma su trabajo pictrico, aunque la sombra de su marido seguira eclipsndola en vida, y tanto es as que en los primeros estudios y recopilatorios
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que se realizan sobre el Expresionismo Abstracto, ella no aparece en ninguno. Tendr que esperar a las dos grandes retrospectivas que se hacen sobre su obra: en 1965 en la Whitechapel Gallery de Londres, y sobre todo la antolgica en el Whitney Museum de Nueva York de 1973. La obra de Krasner tiene dos etapas claramente denidas, cuya frontera se halla lgicamente en su relacin con Pollock. Su perodo anterior al matrimonio est marcado por una pintura de formas geomtricas y colores vivos, fuertemente contorneados de negro. Se aprecia una lejana inuencia picassiana, un fuerte inujo de los collages de Matisse y una inspiracin en el Neoplasticismo de Mondrian, pero que en ella adquiere un sentido ms espontneo, en la lnea del gesto automtico que deende el Expresionismo Abstracto. Su segunda etapa adquiere un sentido ms lrico, en el que su abstraccin se diluye ahora en formas ms suaves y redondeadas, y que incluso pierde parte de su abstraccin en benecio de formas vegetales ms realistas, como ocurre con sus Series de la Tierra Verde que realiza slo unos aos despus de morir su marido. Eso s, sin perder nunca de vista el protagonismo del color, rotundo, vivo, palpitante. Lee Krasner mora en Nueva York en 1984.

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Lee Miller
(1907 - 1977)

Lee Miller, Autorretrato, 1932

Lee Miller es una de las mejores fotgrafas del siglo XX. Convivi, en una relacin tormentosa, con Man Ray, con el que adems colabor y del que aprendi mucho, aunque ms adelante rivalizaran enconadamente. De ellos dos es el descubrimiento de la solarizacin, que si bien ya se conoca, ellos supieron aprovechar como un recurso plstico de gran alcance. Parece ser que estaban revelando en el cuarto oscuro cuando un gato o una rata trep por la pierna de Lee, a lo cual ella respondi con un alarido y encendiendo la luz, lo que provoc accidentalmente la solarizacin de las fotos que estaban revelando.

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Lee Miller no slo fue fotgrafa, fue modelo de Vogue y, ms adelante, actriz. Durante la II Guerra Mundial se atrevi valientemente a realizar reportajes del frente y de las secuelas ms terribles de la guerra, incluidos los campos de exterminio nazis de los que fue una de las primeras en mostrar sus testimonios. Son magncos sus retratos, sus paisajes, especialmente los de Egipto, y sus composiciones, llenas de imaginacin, fuerza visual y expresividad. Todo ello, en gran parte, debido al dominio que demostr en los contrastes de luz y sombra, que resultan especialmente bellos en sus fotos de blanco y negro. Captulo aparte es el de sus vida amorosa, una verdadera novela, en la que aparte de su mencionada relacin con Man Ray, habra que incluir sus matrimonios con el crtico A. Penrose, y con el egipcio Aziz Eloui Bey, as como numerosas aventuras y amoros.

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Leni Riefenstahl
(1902 - 2003)

Leni Riefenstahl Autorretrato con Leica, 1939

Su verdadero nombre era Berta Helene Amalie Riefenstahl, aunque es conocida como Leni Riefenstahl. Naci en Berln y desde muy joven se sinti atrada por el mundo artstico, especialmente la pintura y la danza. Sin embargo, una lesin de rodilla trunc su carrera como bailarina y le hizo decantarse por el cine y la fotografa.

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Tras una breve carrera como actriz se inici en la direccin de lms. En 1924 dirig su primera pelcula: Tragdie im Hause Habsburg. En 1932 realiz Das Blaue Licht, pelcula que fue premiada en el Festival de Cine de Venecia. Convertida en directora de xito en pleno ascenso del Nacionalsocialismo alemn, Leni Riefenstahl recibi el encargo personal de Adolf Hitler de lmar la gran concentracin del partido que tuvo lugar en la ciudad de Nuremberg en 1933. El resultado fue la Triloga de Nuremberg (Victoria de Fe, El triunfo de la voluntad y Nuestras fuerzas armadas) que vio la luz entre 1933 y 1935, y que puede considerarse como el mayor documental propagandstico jams lmado. Fue precisamente con motivo de la concentracin de Nuremberg, cuando Leni Riefenstahl comenz su colaboracin con Albert Speer, el arquitecto ms inuyente de la Alemania nazi. Juntos idearon la conocida como catedral de luz, la gran ambientacin escenogrca de aquel acontecimiento. El xito de la Triloga de Nuremberg, hizo que la jerarqua nazi encargar a Leni Riefenstahl que lmase las Olimpiadas de Berln de 1936 (algo que nunca se haba hecho hasta entonces). Para ello dispuso de unos medios tcnicos sin precedentes que dieron como fruto Olympia, una espectacular pelcula de ms de cuatro horas de duracin dividida en dos partes: Festival de las Naciones y Festival de la Belleza. La derrota de la Alemania nazi en la II Guerra Mundial supuso para Leni Riefenstahl un cambio radical en su trayectoria vital y profesional. Aunque siempre lo neg, su evidente colaboracin con el nazismo y su vinculacin personal con los dirigentes del rgimen, provocaron su prdida de protagonismo artstico.
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En la dcada de los aos 50 rueda una nueva pelcula (Tieand) pero es, sobre todo, el momento en el que Leni Riefenstahl se vuelca en la fotografa, arte que siempre haba practicado pero que ahora ser su mejor medio de expresin. La serie sobre un pueblo africano, los Nuba, fue su trabajo ms conocido de esta poca. Durante los ltimos aos de su vida, estuvo muy interesada en la vida submarina, mundo que reej tanto en series fotogrcas como en su pelcula pstuma Impresiones bajo el agua (2002). Leni Riefenstahl es uno de los personajes ms controvertidos del arte del siglo XX. Sin embargo, algo resulta evidente: sus hallazgos en el mbito del documental cinematogrco, primero, y del reportaje fotogrco, ms adelante, son imprescindibles para entender la evolucin de ambos gneros creativos.

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Lorraine Shemesh
(1949)

La pintora estadounidense Lorraine Shemesh ha ido completando una amplia formacin hasta conseguir hacerse un nombre en el panorama artstico actual. Y aunque su obra es variada son sus imgenes acuticas las que le han dado su mayor fama. Su obra en realidad es plenamente realista y gurativa, en la lnea por tanto del Realismo pictrico actual, si bien sus variaciones y efectos de guras en el agua consiguen un efecto deslumbrante de color en el que la abstraccin se impone a veces a la base gurativa. Es por tanto un estilo peculiar porque conjuga
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un espectacular dominio del hiperrealismo grco, que nos impacta visualmente por su perfeccin y nitidez, pero que al mismo tiempo se combina con una serie de juegos cromticos y de luces brillantes, igualmente impresionantes, que en realidad son totalmente abstractos. Sus cuadros son adems de enorme tamao, lo que aade un mayor efectismo a sus imgenes. En cualquier caso no es esta su nica obra artstica, cuenta tambin con sus conocidas Intersecciones, en las que entrelaza guras ataviadas en blanco y negro que consiguen curiosos efectos compositivos, as como paisajes urbanos, igualmente atractivos, obra en cermica, y motivos varios para desarrollar su particular Realismo pictrico.

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Louise Abbma
(1853 - 1927)

Louise Abbma, Autorretrato, 1880

Naci en tampes (Francia) dentro de una familia bien situada econmicamente y con gran inters por el mundo del arte, lo que favoreci los primeros pasos de Louise en este terreno. Estudi pintura con algunos prestigiosos maestros de la poca y pronto destac como autora de un excelente retrato de la actriz Sarah Bernard, con quien se le ha vinculado sentimentalmente. A partir de 1874 comenz a exponer en los salones parisinos donde fue
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muy bien recibida por su estilo detallista y amable, que practicara a lo largo de su carrera, sin que las tendencias ms avanzadas le inuyeran. Lo ms abundante de su carrera son los retratos de personajes de la poca, y muy en especial de los pertenecientes al mundo del teatro. Tambin practic el paisaje aunque en este terreno no obtendra la misma repercusin que con sus famosos retratos. Su prestigio fue en aumento, obteniendo galardones muy poco frecuentes en el caso de una mujer artista en su poca, como lo prueba el hecho de haber sido nombrada Pintora Ocial de la III Repblica francesa y, ya en 1906, Caballero de la Orden de la Legin de Honor. Gracias a ello una vez iniciado el siglo XX recibi importantes encargos de ornamentacin de edicios pblicos, en los que practic una pintura de composicin y contenido ms ampulosos que los de sus leos de retratos y paisajes. Como diseadora, Louise Abbma realiz abundantes trabajos para revistas de la poca como El Arte y la Moda o la Gaceta de las Bellas Artes. Louise Abbma muri en Pars en 1927, gozando de un alto reconocimiento como artista que ira diluyndose con el paso del tiempo.

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Louise Bourgeois
(1911 - 2010)

Louise Bourgeois con su obra Eye to Eye (1970)

Bourgeois empez estudiando matemticas, pero demasiado tericas para ella, se inclina por estudios que puedan permitirle el trabajo manual sin perder la abstraccin intelectual que le proporcionaban las matemticas, de ah sus estudios en la Escuela de Bellas Artes y sus largas jornadas de aprendizaje en el Louvre. No le faltaron excelentes maestros como Fernand Lger y aunque se ver tentada por seguir el dictado de algunas vanguardias como el surrealismo, sus
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piezas tienen siempre como razn de ser sus propios traumas personales, lo que da a su obra una dimensin muy personal y alejada de cualquier tendencia. Desde el primer momento su nica actividad artstica se dedica al campo de la escultura, por la dimensin arquitectnica que vea en ella y quiz tambin porque, como ella misma deca,todos los das uno tiene que abandonar su pasado o aceptarlo, y entonces, si no puede aceptarlo, se hace escultor. Desde el principio sus piezas son inquietantes y con un carcter simblico que remite a su pasado y a sus obsesiones personales: en los aos 40 sus femmes maison, mujeres con un slida masa escultrica en el volumen de su cuerpo, pero unas piernas muy frgiles que apenas les permiten mantenerse derechas. Lo mismo que su vida, cuya infancia tan doliente como las piernas de esas esculturas, apenas permiten sostener su existencia. A partir de su llegada a Nueva York en 1938, la arquitectura cobrar una dimensin denitiva en su obra, de tal forma que toda su produccin pretende recrear obras que, aunque son esculturas, tienen un canon y una dimensin arquitectnica. Surgen de este perodo sus famosas cells, espacios un tanto siniestros donde aparecen formas anatmicas, a veces desmembradas, bobinas de hilo que recuerdan el trabajo de los tapices de sus padres, elementos de cristal, objetos cotidianos..., en realidad un espacio asxiante donde, como en una mala pesadilla, van apareciendo todos sus traumas de infancia. Ms adelante a partir de los aos 90 aparecen en su obra sus famosas araas, que se han convertido a la larga en su sea de identidad y su iconografa ms conocida, y que siguen en su lnea de una escultura monumental y constructiva, de cnones arquitectnicos. Sus espectaculares araas, enormes, gigantes, de nuevo
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nos remiten a su pasado: la araa se relaciona con su madre, que teja los tapices como estas araas, pero que tambin la protega a ella, como estas enormes esculturas que parecen acogernos en su seno, o tal vez atraparnos en su tela de araa, porque al n y al cabo es lo que ocurre con toda la obra de Bourgeois, que nos enreda y nos atrapa porque nos seduce y nos inquieta, y no siempre podemos descubrir qu hay detrs de tanta creacin misteriosa y sombra.

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Louise Breslau
(1856 - 1927)

Louise Breslau, Autorretrato, 1886

Naci en Munich. Su nombre completo fue Maria Louise Katharina Breslau, hija de un reputado mdico especializado en obstetricia y ginecologa. Cuando Louise tena dos aos, la familia se traslad a Zurich, donde su padre obtuvo una plaza de profesor en la universidad. Fueron aos de vida cmoda aunque desde muy pronto Louise comenz a sufrir unos problemas de asma que le acompaaran durante toda su vida. En 1866, su padre muri y Louise fue ingresada
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en un convento prximo al lago Constanza con el n de que pudiera reponerse de su asma y recibiera la educacin propia de una joven de familia acomodada de la poca, incluyendo una cierta formacin artstica. En sus largos perodos de convalecencia en la cama, Louise comenz a dibujar y comprendi que su verdadera vocacin era la pintura. Ya fuera del convento, pero todava en Suiza, comenz su formacin como artista en el estudio de Eduard Pfyffer, un pintor que por entonces gozaba de cierta fama. Louise comprendi que si realmente quera dedicarse a la pintura su lugar no era la conservadora Suiza, y, en 1874, se traslada a Pars e ingresa en la Academia Julian, una de las pocas que admita en aquella poca a mujeres. Rpidamente Louise capta la atencin de los profesores de la Academia y es seleccionada para participar en el Saln de Pars, al que presenta un autorretrato. La buena acogida de crtica y pblico le anima a independizarse y crear su propio estudio que se convierte en uno de los ms prestigiosos de la capital francesa. La alta burguesa desea ser retratada por Louise Breslau, la pintora de moda. En 1886, Louise se traslada a Neuilly-sur-Seine, junto a su compaera de estudios, amiga y musa, Madeleine Zillhardt, con quien convivira hasta su muerte. En su tranquila residencia cercana a Pars Louise mantiene una gran actividad y su prestigio como retratista. En 1889 particip en la Socit Nationale des Beaux-Arts y recibe la Medalla de Oro en la Exposicin Universal, galardn que repetira en la de 1900. Pero quizs el dato que mejor reeja el renombre del que disfrut Louise Breslau fue el hecho de que en 1901 fue la tercera mujer (y la primera extranjera) que recibi el ttulo de Caballero de la Orden de la Legin de Honor francesa.

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Aunque haban sido los retratos de nios y las escenas domsticas las que le haban dado fama durante la I Guerra Mundial, Louise Breslau quiso demostrar su agradecimiento a la sociedad francesa dedicndose a retratar a los combatientes de la nacin en la gran contienda. Era su manera de contribuir al xito en el conicto. Tras el n de la guerra, Louise Breslau se asla algo ms en su entorno ms prximo. Sigue pintando pero su vida social es menos intensa. Dos hechos inuyen en este retraimiento. Por un lado el triunfo de las vanguardias que revolucionan el panorama artstico parisino y, por otro, su progresiva invalidez que le van limitando fsicamente. Louise Breslau muri en su casa de Neuilly-surSeine el 12 de mayo de 1927. Su compaera, Madeleine Zillhardt se encargara de cumplir el ltimo deseo de la pintora: darle sepultura en la localidad suiza de Baden, junto a su madre.

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Luisa Ignacia Roldn (La Roldana)

(1652 - h. 1704)

Luisa Ignacia Roldn, ms conocida como La Roldana, es una de las escultoras espaolas que puede medirse en igualdad de condiciones con sus colegas varones, lo cual, en pleno trnsito de los siglos XVII a XVIII, slo puede deberse a la calidad de su obra y a una personalidad tenaz que la convirti, durante toda su vida, en una luchadora. Nace en Sevilla y por ser hija de uno de los escultores ms afamados del momento dentro del marco de la imaginera barroca, Pedro Roldn, tendr desde
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muy pequea la oportunidad de conocer de primera mano el trabajo del escultor y de aprender perfectamente su ocio. Su padre adems, conocedor de su habilidad en la talla y su talento en la creacin artstica, ser el primero en introducirla en el ocio. Lo que no le hizo tanta gracia es que decidiera casarse con uno de sus aprendices y de hecho le prohibi casarse, si bien esa tenacidad de la que antes hablbamos y su determinacin terminaron por llevar a Luisa al altar para unirse en matrimonio a Antonio de los Arcos. Juntos formaron un taller propio y empezaron un trabajo mutuo, en el que ella tallaba y esculpa, llevando el peso de los encargos y del trabajo del taller, y l, policromaba. Asentada en Cdiz en esos primeros aos de trabajo independiente empezar a recibir encargos para el Cabildo y conventos de la ciudad, que irn propagando su fama y su reconocimiento. Tanto es as, que en 1688, decide marchar a Madrid con la intencin de alcanzar el cargo de escultora de cmara, lo que conseguir nalmente gracias a un encargo real que le abri las puertas de Palacio, San Miguel venciendo al demonio, hoy en el Monasterio de El Escorial. Aunque muy al contrario de lo que ella pensaba, el nuevo cargo no iba a representar una mejora notable, ni en su situacin laboral, ni menos an en la econmica, porque la bancarrota de la Corte en tiempos de Carlos II, y la Guerra de Sucesin que se suscita a su muerte, hasta la denitiva llegada del nuevo rey Felipe V, la dejaron sin paga durante aos, lo que le provocar no pocas miserias y penurias. Afortunadamente para ella, el nuevo rey la conrmar en su puesto de escultora de cmara nuevamente en 1701. Pero por desgracia su labor iba a tener ya muy poca continuidad. Desaparece de la documentacin a partir de 1704, lo que hace pensar o en una enfermedad que la alej del trabajo o lo que es ms probable, en su fallecimiento. No fue por tanto una vida fcil, porque fueron muchas las
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adversidades que hubo de superar, (sin olvidar que de los siete hijos que tuvo slo le sobrevivieron tres), pero an as logr el xito profesional, gozando del favor popular y hasta de los encargos regios. Su obra, muy inuenciada por su padre, se inscribe en el trabajo que caracteriza la imaginera espaola de la escuela andaluza, que ya va derivando en esas fechas progresivamente hacia frmulas ms prximas a la sensibilidad rococ. Por ello desarrolla un trabajo elegante, equilibrado y de gran expresividad en los rostros, en el que prevalece la tcnica del estofado en su policroma. Predominan, de forma monotemtica, los encargos de carcter religioso, que son los que llenan su produccin. Ya ms adelante sobre todo en su etapa madrilea, La Roldana, va adquiriendo una mayor carga emotiva en las piezas, ms a tono con el aire rococ que progresivamente va inundando la escultura espaola de la poca. Siguiendo la moda del momento, inicia su produccin de belenes, y en esa misma lnea se advierte tambin un mayor grado de realismo que explica la utilizacin ms frecuente de postizos en las esculturas. Desgraciadamente muchas de sus obras se han perdido por diferentes razones, y otras no se le pueden asignar con seguridad, pero an as se conservan numerosas piezas procesionales en Cdiz y Sevilla, sin olvidar el Nazareno y la Dolorosa de Sisante en Cuenca, as como el ya mencionado San Miguel de El Escorial.

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Magdalena Abakanowicz
(1930)

Aunque no sea excesivamente conocida fuera de los circuitos estrictamente artsticos, la escultora polaca Magdalena Abakanowicz (Felenty, 1930) es una de las artistas ms prestigiosas del panorama artstico internacional del momento. Nacida en el seno de una familia aristocrtica, Magdalena Abakanowicz sufri en su infancia toda la turbulencia poltica de Centroeuropa en las dcadas de los aos 30 y 40. Tras el nal de la Segunda Guerra Mundial, su familia se anc en la poblacin de Tczew, cerca de Gdansk, localidad en la que Magdalena se inici en el mundo del Arte. Su formacin continu en la Academia de Bellas Artes de Sopot y, nalmente, en la de Varsovia. Sus estudios de arte tuvieron lugar en un ambiente creativo totalmente condicionado por el
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realismo socialista impuesto por la ocupacin sovitica de Polonia. Con posterioridad, Magdalena Abakanowicz recordara aquel ambiente creativo como opresivo y excesivamente rgido. Sin embargo, aquella poca de formacin tambin tendra consecuencias positivas para el futuro creativo de Magdalena puesto que, junto a sus estudios de pintura y escultura, recibi formacin en otros mbitos, como el textil, que acabaran enriqueciendo su obra de madurez. L o s p r i m e ro s t r a b a j o s d e M a g d a l e n a Abakanowicz, mediada la dcada de los aos 50, son gouaches de gran tamao en los que la autora muestra un gran inters por los ciclos y las mecnicas de la naturaleza. Son los denominados biomorphics. Los aos 60 marcaron el arranque de la obra de madurez de Magdalena Abakanowicz. Sus primeras exposiciones individuales coincidieron con una cierta apertura en el rgimen polaco (tras la muerte de Stalin) que, por ejemplo, comenz a permitir a sus artistas viajar a los pases occidentales. En el caso de Magdalena Abakanowicz esto supuso entrar en contacto con la vanguardia artstica del momento y reformular su visin del arte. El resultado de esta evolucin es su decantacin hacia la escultura, en la que el tratamiento de lo textil suele estar siempre presente, con el cuerpo humano como protagonista en series como Reformas, Troncos, Jefes o Multitud I. Todas ellas tienen en comn el hecho de representar a los seres humanos sin individualidad, de manera repetida y mecanizada. En este planteamiento se ha querido ver una crtica de la escultora hacia la represin de la libertad individual del rgimen comunista. A partir de los aos 80, el trabajo de Magdalena Abakanowicz sufre una fuerte evolucin desde el punto
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de vista de los materiales utilizados. Los textiles comienzan a ser sustituidos por el bronce, la madera o la piedra. Se mantienen los temas y las preocupaciones formales, dando lugar a series como Multitud de bronce o Juegos de guerra. El n del rgimen comunista en Polonia, y la cada del Muro de Berln, ha supuesto para Magdalena Abakanowicz su denitiva proyeccin internacional, aunque sigue manteniendo su residencia en Polonia, y el aumento de la escala y ambicin de su trabajos. En este sentido sobresale su proyecto gora, en el Grant Park de Chicago, compuesto de ciento seis grandes piezas de hierro, que simulan una multitud de inquietante presencia.

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Marguerite Grard
(1761 - 1837)

Marguerite Grard, Autorretrato pintando el retrato de una joven tocando el laud, h. 1800

Pintora francesa de las ltimas dcadas del siglo XVIII y primeras del siglo XIX. Naci en Grasse (Provenza) el 28 de enero de 1761. Su padre, Claude Grard, era un acomodado fabricante de perfumes del sur de Francia. A los ocho aos de edad se traslad a vivir a Pars, junto a su hermana casada con el pintor Jean-Honor Fragonard. A los catorce se inici en la pintura colaborando en el taller de su cuado con quien aprendi el ocio.
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Alejada de la grandilocuencia tan frecuente en la pintura de la poca, la obra de Marguerite Grard se decanta por escenas ntimas, sencillas y familiares de las clases acomodadas y la pujante burguesa de la Revolucin y el Imperio. La amabilidad de los temas se conjuga con una gran capacidad para el detalle y para la representacin de las texturas. Entre sus clientes guraron personalidades tan relevantes de su poca como el propio Napolen Bonaparte. El xito de Marguerite Grard fue temprano y le acompa durante toda su vida. Sin embargo, Marguerite no fue una mujer acomodaticia. Pese a los premios y los reconocimientos, supo mostrar su oposicin a las convenciones de la poca, tanto profesionales (rehus la entrada en la Academia) como personales (rechazando el matrimonio porque hubiera supuesto su prdida de independencia y, probablemente, el abandono de su carrera como pintora). de 1837. Marguerite Grard muri en Pars el 18 de mayo

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Mara Blanchard
(1881 - 1932)

Mara Blanchard impartiendo una clase de pintura

La vida de Mara Gutirrez Blanchard, nacida en Santander, estuvo marcada por la deformidad fsica provocada por la cada de su madre cuando estaba embarazada, que le provoc enanismo, joroba y cojera. Esta apariencia le supuso notables padecimientos a lo largo de su vida, pero no slo fsicos, sino tambin psicolgicos, en parte surgidos de su propia sensibilidad, y en parte del escarnio y la humillacin que le provocaron. Deca ella misma que cambiara toda mi obra por un poco de belleza, y de ella deca su prima Josena
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de la Serna, tan amante de la belleza, sufra con su deformidad hasta un grado impresionante. Esta sensibilidad especial fue pronto advertida por sus padres, especialmente por su padre, Enrique Gutirrez-Cueto, que la animar a cursar estudios de arte en Madrid, ciudad a la que marcha en 1903. Pero la experiencia no le result lo excitante que presuma; una ciudad demasiado cerrada y una formacin excesivamente tradicional la defraudaron bastante. An as va avanzando en la elaboracin de su obra y participa incluso en tertulias tan afamadas como la del Caf Pombo, donde har amistades de por vida como la de Ramn Gmez de la Serna. La muerte de su padre en 1904, le afectar profundamente, y supondr el denitivo establecimiento en Madrid de toda la familia. Su trabajo, siempre disciplinado y tenaz, empieza a dar sus frutos, y as, expone en la Escuela de Bellas Artes y, poco despus, entra en el taller del pintor Manuel Bendito, uno de los artistas ms prestigiosos del momento. Ser en 1906 cuando la Diputacin de Santander le otorgue una beca para estudiar en Pars, hecho este que s cambiar su vida radicalmente. Porque en Pars encontrar la libertad que no exista en Madrid y se relacionar con un mundo artstico igualmente libre, donde todas las opciones son posibles. Recibe clases de Anglada Camarasa, conoce a Diego Rivera y entra por primera vez en contacto con el Cubismo. Pero ser en su segunda estancia parisina, con una segunda beca de la Diputacin de Santander, cuando encuentre sus relaciones ms importantes y duraderas y su estilo vaya fraguando una personalidad denida. Lipchitz, Lhote, y especialmente Juan Gris, marcarn en ella una tendencia clara de vocacin cubista, en la que, no obstante, no desaparece nunca una referencia gurativa que permanecer intacta en toda su obra.
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Apenas volvera ya a Espaa, slo durante el parntesis de la I Guerra Mundial se establece unos aos en Madrid junto a Diego Rivera, obteniendo incluso una plaza de profesora de dibujo en la Escuela Normal de Salamanca, porque su situacin econmica no era muy holgada, pero apenas ejerci la profesin, amargada por la continua burla de los alumnos hacia su apariencia fsica. Por todo ello, acabada la Guerra, decidir marchar de nuevo a Pars de donde nunca ms regresar a Espaa. All en Pars continuar con su trabajo, que sigue una lnea cubista muy personal, obteniendo el xito que desde luego no se le haba reconocido en su pas. An as, en los aos veinte y en medio de una situacin personal cada vez ms difcil, volver a la guracin. Su situacin econmica es cada vez ms apurada y ms an con la llegada a Francia de buena parte de su familia a la que tiene que mantener. Su salud, nunca demasiado buena, se resiente tambin, y ello le provoca una creciente depresin que le inclina incluso a querer profesar en un convento, a lo cual desistir convencida por su propio confesor. En cualquier caso ya no saldr de la crisis, sus agobios familiares, su crisis personal, su deterioro fsico y el xito decreciente de su obra artstica acabarn denitivamente con ella a los cincuenta y uno aos de edad. Queda su obra y queda la huella que dej en todos aquellos que la conocieron, escritores y artistas, incluido Federico Garca Lorca, que escribe de ella en su Elega a Mara Blanchard, la lucha del ngel y el demonio estaba expresada de manera matemtica en su cuerpo, ms injusto si cabe teniendo en cuenta, la perfeccin de su alma hermosa.

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Marie Bracquemond
(1840 - 1916)

Marie Bracquemond, Autorretrato, 1870

Marie Bracquemond es una de las tres grandes mujeres del movimiento Impresionista, junto a Berthe Morisot y Mary Cassatt. Nacida en Argenton, en Bretaa, responda de soltera al nombre de Marie Quivoron, y fue una artista precoz que se vio ayudada en sus primeros aos por el magisterio de Ingres. Aunque en realidad seran sus copias en el Louvre las que marcaran su vida, no slo porque constituyen la base de su aprendizaje, sino porque fue en estas sesiones en el museo parisino

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cuando conoci al tambin pintor Flix Bracquemond, con el que terminar casndose en 1869. La relacin con su marido tuvo adems otras consecuencias pues sera l quien le pondra en contacto con Manet, y a partir de aqu tambin con el grupo de los impresionistas, con los que participara en las exposiciones del grupo de los aos 1879, 1880 y 1886. En las dos primeras tambin participara su marido, no as en la tercera. Para entonces el matrimonio se haba distanciado, tanto desde el punto de vista artstico como personal. An as, Marie sigui honestamente su criterio y desde que conociera a los integrantes del grupo impresionista se vio totalmente integrada en su nuevo concepto de la pintura. La inuencia de Monet y de Degas, principalmente, se va notando, al tiempo que se advierte en su estilo una pincelada ms abierta, los tonos de color ms intensos, y un trazo vaporoso y etreo tpicamente impresionista, que a su marido cada vez le iba gustando menos. La trayectoria de Flix Bracquemond fue distinta. Se dedic principalmente al trabajo del grabado, en el que consigui un notable prestigio, y fue tambin amigo de muchos pintores impresionistas a los que apoy desinteresadamente, por eso sorprende su crtica al trabajo de su mujer, detrs de lo cual hay una postura muy repetida en muchos otros casos de celos y envidias, consecuencia de no aceptar el reconocimiento que estaba alcanzando su mujer y que amenazaba con eclipsarlo, as como prejuicios igualmente consabidos al trabajo de una mujer por el mero hecho de serlo. El caso es que Marie terminara cansada de las crticas de su esposo y abandonara la pintura hacia la dcada de los aos noventa. Un caso que terminara por arruinar la vida de la artista, que en condiciones normales hubiera pintado durante muchos ms aos, con lo que ello hubiera supuesto para la progresin y mejora de su obra.
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La pintura de Marie Bracquemond encuentra ecos en Renoir principalmente por el tratamiento que hace sobre todo de la guracin, de la misma sensualidad y lirismo que en la obra de aqul. El trazo uido y los colores delicados tambin nos los recuerdan, as como la elegancia en las posturas. En sus ltimas obras no obstante, tiende a una pintura ms abocetada, de formas menos descriptivas pero ms expresivas, que entroncaran con la obra postimpresionista de Degas. Lstima que abandonada su actividad no podamos saber hasta dnde hubiera llegado esta evolucin en su estilo.

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Marie-Guillemina Benoist
(1768 - 1826)

Marie-Guillemina Benoist, Autorretrato, 1790

En el contexto general de la Ilustracin y del arte que se desarrolla en el siglo XVIII, la mujer encuentra un lugar para poder desarrollar su obra artstica que no haba podido lograr ms que con enormes dicultades en pocas anteriores. No es que ahora las facilidades sean mximas, pero s que cierto grado de liberalismo intelectual y social permite a algunas mujeres abrirse paso en el mundo del arte. As los casos de Angelica Kauffmann, Elisabeth Vige-Lebrun, Adlade LabilleGuiard, Marguerite Grard, Rosalba Carriera (todas ellas
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estudiadas en esta misma seccin), as como las hermanas Laville-Leroux, Marie-Guillemine, que es la que hoy nos ocupa y que tomara el nombre de su marido, Pierre-Vincent Benoist, y Marie lisabeth. Marie-Guillemine Benoist mostrar un arte que, desde el punto de vista formal, es deudor de los dos pinceles que inuyen en su formacin: de una parte lisabeth Vige Lebrun, y de otra Jacques-Louis David, en cuyo taller se forma a partir de 1786. De la primera toma la frescura de sus retratos, la alegra del color y una tcnica vaporosa que idealiza las imgenes. Deuda que es ms que evidente en su Autorretrato de 1790. De David, heredar la tcnica rme de dibujo slido y trazo marcado, de volmenes netos y nitidez en la imagen. Aunque la mayor aportacin de Benoist se encuentra en sus iconografas, novedosas y, en cierto modo, reivindicativas, en las que algunos han querido ver un primer ejemplo de incipiente feminismo. Cuenta entre sus obras con retratos, muy relacionados con el tipo de retrato nobiliar que se desarrolla en la poca y que en su caso est muy inuenciado por la obra de Vige Lebrun; con pintura de gnero; pero tambin con obras de carcter mitolgico, en alguna de las cuales se ha querido ver ese carcter crtico antes aludido, por ejemplo en el caso de La inocencia entre la virtud y el vicio, en el que por primera vez se representa al vicio como un hombre y no como una mujer, que siempre era lo habitual. En este mismo contexto se inscribe su obra ms conocida, el Portrait dune ngresse, pintado seis aos despus de la abolicin de la esclavitud en Francia y que se convierte en un alegato a favor de los derechos de la mujer y de la raza negra. Indudablemente el cuadro supuso un exotismo sorprendente en su momento, porque ana toda una serie de elementos que resultaban cuando menos polmicos: se trata de una mujer y
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desnuda y adems de raza negra. El cuadro en cualquier caso sera adquirido por el propio rey Luis XVIII para el Estado francs a pesar de que la esclavitud haba sido restaurada nuevamente por Napolen en 1802, y que hasta 1848 no sera denitivamente abolida. En esta misma lnea en defensa de los derechos de la mujer se podra inscribir su idea de abrir un taller de arte exclusivamente para mujeres. En cuanto a su vida transcurri sin demasiados altibajos, al menos hasta el nal de su vida, cuando el procesamiento de su marido durante la Restauracin le oblig a dejar su trabajo. Goz de cierto reconocimiento profesional, como lo prueban los retratos que le conara buena parte de la nobleza del momento, sus exposiciones en el Saln de Pars, o el hecho de que el mismo Napolen le encargara un retrato para la ciudad de Gante.

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Marietta Robusti
(1554/60 - 1590)

Marietta Robusti, Autorretrato, h. 1580

Naci en Venecia en una fecha que oscila, segn el autor que consultemos, entre 1554 y 1560. Hija del famoso pintor Jacobo Robusti el Tintoretto, fue una de las pintoras ms importantes del siglo XVI. Durante quince aos Marietta colabor en el taller de su padre, de quien lleg a heredar el sobrenombre puesto que se le conoca en los crculos artsticos como la Tintoretta.

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Su condicin de mujer no fue un obstculo insalvable para el desarrollo de su carrera. Con frecuencia, Marietta acompaaba a su padre en los grandes encargos disfrazada de hombre para no ser rechazada. Sin embargo, poco a poco empez a ganar en su propio prestigio personal, sobre todo como retratista de la sociedad veneciana ms elegante. La fama de Marietta Robusti traspas las fronteras venecianas y comenz a ser conocida en las principales capitales europeas. El emperador Maximiliano II de Austria y el rey Felipe II de Espaa le hicieron sendos ofrecimientos para ser pintora de sus respectivas cortes. Sin embargo, la opinin de su padre fue decisiva para que Marietta se mantuviera en Venecia bajo su inuencia. Tambin por imposicin paterna, Marietta contrajo matrimonio con un rico hombre veneciano: Mario Augusta. Apenas cuatro aos despus, Marietta muri durante un parto con poco ms de treinta aos. Adems de pintora, Marietta Robusti fue una gran intrprete musical, lo que la convirti en un modelo de mujer del Renacimiento por lo completo de su formacin artstica. Tras su muerte, la gura de Marietta Robusti cay casi completamente en el olvido hasta la actualidad.

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Marisol Escobar
(1930)

Aunque nacida en Pars, Marisol Escobar es una escultora y pintora venezolana. Fue la fortuna familiar, ligada al negocio del petrleo, la que hizo que la residencia de los Escobar resultara extraordinariamente cosmopolita, trasladndose, con frecuencia, desde Venezuela a Europa y a los Estados Unidos. Cuando contaba once aos, Marisol Escobar vivi un trgico acontecimiento familiar, el suicidio de su madre, que le afectara profundamente tanto en su vida, como en su futuro trabajo creativo.
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Sus estudios artsticos comenzaron en la segunda mitad de los aos 40 en el Otis Art Institute y, posteriormente, en el Jepson Art Institute de Los ngeles, ciudad en la que j su residencia tras la Segunda Guerra Mundial. Ms adelante, Marisol Escobar estudi en Pars y Nueva York, ciudad en la que entr en contacto con los crculos intelectuales del Greenwich Village, entre los que se contaban algunos de los mejores representantes del Expresionismo Abstracto como Willem de Kooning. En estos aos, el trabajo de Marisol Escobar consiste en pequeas piezas de terracota, con clara inspiracin en el arte precolombino. El trabajo de Marisol Escobar pronto llam la atencin de los grandes galeristas, y, en 1957, Leo Castelli le organiz su primera exposicin individual. En los aos siguientes, Marisol Escobar compartira protagonismo con autores de la talla de Jasper Johns, Robert Rauschenberg y, ya en los aos 60, de Marcel Duchamp o Pablo Picasso, en la exposicin The Art of Assemblage, organizada por el MOMA de Nueva York en 1961. La dcada de los aos 60 es la del triunfo internacional de Marisol Escobar, cuando entra en contacto con el Pop Art. Sus esculturas, predominantemente de madera, aportan una visin nica a la corriente ms plcida de autores como Andy Warhol o Roy Lichtenstein. De hecho, Marisol Escobar se convirti en uno de los iconos del Pop Art, sobre todo a partir de su participacin en tres de las pelculas rodadas por Warhol: Kiss, Bob Indiana Etc., y 13 Most Beautiful Women. Superada su etapa Pop, el trabajo de Marisol Escobar ha ido ganando progresivamente en madurez,

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hondura y rigor, a la vez que ella se ha distanciado de los crculos artsticos ms comerciales.

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Maruja Mallo
(1902 - 1995)

Maruja Mallo en su estudio de Madrid en 1936

Como mujer y como artista, Maruja Mallo es una de las guras ms interesantes del panorama espaol del siglo XX. Vital, creadora y moderna, perteneci de lleno a la generacin de intelectuales que, a partir de 1927, alcanz su plenitud con la II Repblica espaola. Maruja Mallo, (seudnimo que utiliz puesto que su verdadero nombre era el de Ana Mara Gmez Gonzlez), naci en la localidad lucense de Viveiro. Su formacin como artista se inici en la Escuela de Artes y Ocios de Avils, donde su padre, funcionario de aduanas, haba sido trasladado. En Avils conoci al tambin pintor Luis Bayn.
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Entre 1922 y 1926 estudia en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, junto a su hermano, el escultor Cristino Mallo. Madrid vive, en aquel momento, en plena ebullicin cultural, y Maruja Mallo conoce a Federico Garca Lorca, Luis Buuel, Salvador Dal y Rafael Alberti, con quien mantiene una relacin sentimental que fructicar en una intensa colaboracin creativa. Poco despus tambin conoce a Miguel Hernndez, quien inuir fuertemente en Maruja. A partir de 1927 se integra en la Primera Escuela de Vallecas junto, entre otros nombres, a Benjamn Palencia, Eduardo Vicente y Alberto Snchez. Un ao despus, en 1928, realiza su primera exposicin individual en los salones de la Revista de Occidente y bajo los auspicios de Jos Ortega y Gasset. Comienzan a partir de entonces los aos de xito de Maruja Mallo, quien se convierte en un referente de la cultura espaola de los ltimos aos del reinado de Alfonso XIII y la Repblica. En 1932, se traslada a Pars con una beca de la Junta de Ampliacin de Estudios, y pocos meses despus celebra su primera exposicin en la galera Pierre Loeb. En Pars entra en contacto con Pablo Picasso, Joan Mir, Max Ernst, Ren Magritte y Andr Breton, entre otros grandes artistas e intelectuales. El resultado es una fuerte inuencia del crculo surrealista que da un giro a su forma de trabajo. El xito es tal que el gobierno francs adquiere una de sus obras con destino al Museo Nacional de Arte Moderno. Tambin en Pars conoce al Grupo de Artistas de Arte Constructivo de Joaqun Torres-Garca y su trayectoria da un nuevo giro hacia una plstica ms racional. Su etapa parisina es efmera. Comprometida con la Repblica, regresa a Espaa, donde contina su
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labor pictrica a la vez que la compagina con la pedaggica en el Instituto de Arvalo, en el Instituto Escuela de Madrid y en la Escuela de Cermica de Madrid. El estallido de la guerra civil sorprende a Maruja Mallo en Galicia, de donde pasar primero a Lisboa y, poco despus, a Montevideo y nalmente, a Buenos Aires, donde permanecer veinticinco aos. Durante su etapa argentina, la actividad de Maruja Mallo no decae: colabora en la revista Sur, escribe el libro Lo popular en la plstica espaola a travs de mi obra y, por supuesto, sigue pintando y exponiendo en Europa y Amrica. De su exilio en Argentina es especialmente conocida su serie de marinas de la etapa csmica. En 1964, Maruja Mallo, en parte empujada por la inestabilidad poltica argentina, regresa a Espaa donde recibe el reconocimiento ocial (Premio de Artes Plsticas de Madrid o la Medalla de Oro de Bellas Artes), pero donde tambin experimenta el vaco social de encontrarse en un pas que poco tiene que ver con el que haba abandonado un cuarto de siglo antes. Lejos de vivir de recuerdos, Maruja tiene an fuerzas para realizar exposiciones y pintar obras de inters como Los moradores del vaco. Maruja Mallo falleci en Madrid, el da 6 de febrero de 1995. Con su muerte se cerraba una de las pocas ms fructferas y apasionantes de la cultura espaola.

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Mary Cassatt
(1844 - 1926)

Mary Cassatt, Autorretrato, h. 1878

Mary Cassat es una de las grandes artistas norteamericanas del siglo XIX, una poca en la que el arte que se desarrolla en ese pas se halla todava en una fase incipiente. Cassatt naci en Pittsburgh en el seno de una familia burguesa acomodada que nunca vio con buenos ojos que Mary se dedicara al arte. Pese a ello ingres primero en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania y, posteriormente, en la National Academy of Design de New York, donde consolidara sus primeros pasos en el mundo de la pintura.
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Pero su salto denitivo hacia el mundo del arte iba a darlo cuando marchara a Pars. Ya de nia, Mary Cassatt haba viajado por toda Europa y conoca las principales capitales del mundo gracias a los viajes que hizo con sus padres, que consideraban el viajar como una forma idnea de educacin. As que su vuelta a Pars, ya de joven, fue un reencuentro con un lugar que desde nia le haba parecido especialmente mgico. Y ms en aquella poca y con sus propias inquietudes artsticas, porque en aquellos aos del ltimo tercio del siglo XIX, Pars ya era la capital artstica del mundo. Muy pronto, de todo aquel entorno, bohemio y artstico, le atrajo de forma especial el trabajo que estaban desarrollando los impresionistas y, ms exactamente, la gura de E. Degas. Desde que viera un cuadro suyo expuesto en una galera de arte a travs de un cristal se vio fascinada por su obra y comprendi, como si se tratara de una revelacin, que era as como ella quera pintar: Sola aplastar mi nariz contra las ventanas para absorber todo lo que poda de su arte... Cambi mi vida, desde entonces pude ver al arte del modo que siempre quise verlo. A pesar de ello no sera su nica inuencia. Tambin Pissarro ejerci un gran ascendente sobre ella, as como el arte japons, que como sabemos inuira de manera generalizada sobre todo el grupo impresionista. En 1874 consigui conocer personalmente a Degas y fue precisamente l, tambin admirador de la obra de ella, el que la present al grupo impresionista y logr integrarla en l. De esta forma Mary Cassatt se converta, junto a Berthe Morisot, en la otra gran gura femenina que engrosaba el grupo de los impresionistas, estableciendo de esta manera un raro precedente, que apenas se repetira ms adelante, de participacin femenina en los grandes movimientos artsticos del arte contemporneo. De esta primera etapa seran algunas
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obras suyas bien conocidas, como el Retrato de una nia pequea de 1878, obra que result bastante polmica por culpa de la postura de la nia, en la que algunos vieron una actitud impdica que implicaba a su vez una cierta inmoralidad en la obra. Pero al margen de esas consideraciones, que hoy nos pueden parecer ingenuas, la obra sobresale por la fuerza del color, esa gama brillante de azules que envuelven la obra y sobre la que destaca en todo su esplendor la luminaria blanca de la nia; la composicin, bien estudiada, que permite pasear la mirada del espectador por todo el espacio de la habitacin, y el trazo, abierto y espontneo, tpico de la tcnica impresionista, otorga toda su frescura y naturalidad al cuadro. Pero como les ocurriera a la mayora de los miembros del grupo impresionista, con la excepcin de Monet, tambin a Mary Cassat le ocurri como a ellos, y al cabo de unos aos de seguir la lnea expresiva del puro impresionismo, inici un cambio en su estilo que le llevara a nuevos derroteros de expresin. Degas, Renoir, Czanne, Van Gogh, Gaugin, todos siguieron caminos nuevos y diferentes entre s, que constituyen lo que los historiadores han dado en llamar Postimpresionismo, grupo en el que tambin cabra incluir a Cassatt. Especialmente a partir de la dcada de los aos noventa se advierte ms claramente la inuencia del arte japons y el enorme impacto que segua ejerciendo sobre ella la obra de Degas. Su pincel se delinea mucho ms, buscando la grafa, en la representacin, sobre la mancha de color; complica sus visiones perspectivas con atrevidos juegos de planos y contraplanos y rotundos escorzos, pero sin perder en ningn caso dos de sus seas de identidad: la espontaneidad de sus escenas y el cuidado tratamiento del color. Segn pasen los aos la visin cada vez ms precisa y realista de sus guras, y su inclinacin al modelado clsico se ir imponiendo, poco a poco, en su obra. Entre las ms conocidas de esta fase habra que destacar,
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principalmente, La esta a remos, de 1894, perfecto ejemplo de esa resolucin magistral de perspectiva a base de juegos de planos y escorzos y de cuidado tratamiento del color; El bao de 1891, de clara inspiracin en el arte japons del grabado Ukiyo-e, tcnica que ella misma experimenta en numerosas obras de este perodo; o Madre e hijo ya de 1902, que vendra a representar esa ltima fase a la que hacamos alusin, en la que se impone su estilo ms preciso y clsico. Norteamericana de nacimiento, pero francesa de adopcin, Mary Cassatt fue honrada en Francia con la Orden de la Legin de Honor y reconocida por su obra como pocas mujeres lo haban sido hasta entonces. Su aportacin al arte estadounidense tambin fue muy importante, ya no slo porque representa a una de las primeras grandes artistas de la Historia del Arte de ese pas, sino tambin porque sirvi de referencia a muchas jvenes pintoras que siguieron su huella, e incluso porque actu de intermediaria en numerosas compras de arte europeo por parte de magnates norteamericanos, obras que engrosaran as las magncas colecciones que a la larga haran grandes los museos de aquel pas. Morira en las cercanas de Pars en 1926 aquejada de diabetes.

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Meredith Frampton
(1894 - 1984)

Meredith Frampton junto a su cuadro Retrato de Winifred Radford (1921)

No son demasiados los datos que se conocen de Meredith Frampton como artista. Conocemos que era hija nica de George Meredith, (que goz de fama en la Inglaterra de nales del siglo XIX y comienzos del XX), y de la tambin artista Christabel Cockerell. Sin duda animada por el ambiente artstico de la familia, Meredith estudi en la John's Wood Art School y, ms adelante, en la Royal Academy Schools. De esta
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poca, en la segunda dcada del siglo, ya se conocen dibujos y pinturas que reejan una tcnica depurada y una temtica elegante. A partir de 1920, Meredith Frampton comienza a exponer con xito sus leos sobre lienzo que, partiendo de una esttica puramente dec, denotaban la inuencia de otras corrientes estticas como el Surrealismo. Los cuadros de Frampton nos hablan de un mundo y una sociedad, la que media entre las dos guerras mundiales, que parece abandonarse entre el renamiento y el fatalismo. Sus obras tambin recuerdan, por poca, por gusto esttico y, sobre todo, por sensibilidad, a las de otra gran pintora del perodo: Tamara de Lempicka. La segunda gran guerra marcar el nal de la carrera profesional de Meredith Frampton, que culminar con su retiro denitivo de la actividad artstica en 1953. La obra de Meredith Frampton cay entonces en un olvido prcticamente absoluto hasta 1982, ao en el que la Tate organiz una retrospectiva que la devolvi, al menos en parte, al lugar que su calidad artstica mereca.

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Meret Oppenheim
(1913 - 1985)

Meret Oppenheim, Autorretrato, 1976

En el ambiente excntrico y apasionado de los surrealistas parisinos de los aos treinta, la aparicin de Meret Oppenheim supuso un verdadero terremoto para todos ellos. No fue slo su inteligencia y su formacin, culta y sosticada, o su indudable belleza, fueron sobre todo su vitalismo, el mpetu de su juventud y su reputada desinhibicin sexual lo que acentu an ms si cabe aquel entorno ya de por s extravagante.

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Meret naci en Berln, pero ya a los veinte aos march a Pars donde, como hemos dicho, contact desde el primer momento con el grupo surrealista. No es extraa esta decisin de acudir a la capital del arte llena de ilusiones teniendo en cuenta su herencia cultural y su propia formacin. Meret, hija de un cirujano judo alemn, era nieta de pintora y sobrina de Hermann Hesse, lo que la condicionaba ya a una formacin culta y artstica, que adems se vio favorecida por el ambiente liberal que prevaleca en su familia. Por ello no encontr obstculos en iniciar sus estudios artsticos y en acudir a Pars a perfeccionarlos. Desde su llegada entabl rpida amistad con Giacometti, Hans Arp, Man Ray, Max Ernst y el resto de artistas que pululaban por Montparnasse. Pos desnuda para Man Ray y Max Ernst se enamor perdidamente de ella, aunque al poco tiempo lo abandonara convencida de que a su lado sufrira demasiado. No estaba hecha desde luego para una relacin mongama teniendo en cuenta su promiscuidad, consecuencia a su vez de su curiosidad y su incansable actividad sexual. Adems, ella antepona su plena libertad y su condicin de mujer a cualquier otra consideracin, y por ello mismo tampoco tuvo reparos en reconocer su bisexualidad. Desde el punto de vista artstico fue precisamente esta primera poca la ms intensa y la ms conocida tambin en el conjunto de su obra, sobre todo porque es entonces cuando realiza uno de sus trabajos que sirven de referencia para conocer a esta artista, su famoso Desayuno en piel. Una obra que se inscribe en el repertorio puramente surrealista, aunque puede rastrearse en ella mucho tambin de Duchamp y de sus ready made. La idea surgi al parecer en el Caf de Flore, cuando estaba en compaa de Picasso y bromearon sobre las pulseras de piel que ella portaba y sobre las texturas diferentes de los objetos y sobre lo curioso que sera que los objetos tuvieran texturas contrarias a las
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que los caracterizaban. A lo que ella termin sealando una taza y una cuchara que podran tambin forrarse de piel, como sus pulseras, por qu no? As lo hizo, y Breton puso ttulo a la obra, homenajeando por una parte a Manet y su Desayuno sobre la hierba, y a la Venus en piel de Sacher-Masoch. A partir de entonces Meret se convirti, a los ojos del grupo surrealista, en una artista ms y de ah su participacin en la mayora de las exposiciones colectivas del grupo. Aanz su estilo y persever en el trabajo sobre objetos, que en muchos casos insistan en su contenido sexual y su simbolismo fetichista, como en My nurse. Pero esta fase tan agitada y exitosa iba a interrumpirse bruscamente. La llegada de los nazis al poder en Alemania, afect directamente a su padre que perdera su trabajo por su condicin de judo, lo que a su vez impidi a Meret conservar su residencia en Pars que estaba sufragada por su familia. March a Basilea donde se casara al nal de la Guerra con Wolfang La Roche. Pero su vida artstica ya no sera la misma. Comienza entonces una etapa de crisis creativa y personal que la alejar del mundo artstico y afectar a su obra. Una obra irregular por otra parte, y como en la mayora de los surrealistas, con curiosas aportaciones de originalidad, pero no siempre a la altura de la calidad artstica de otras vanguardias y de otros grandes artistas. De hecho, su nombre qued en el olvido durante dcadas, hasta que fuera recuperado al nal de su vida.

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Mitra Tabrizian
(1956)

Mitra Tabrizian (Tehern, 1956) es una fotgrafa que aunque nacida en Irn trabaja desde hace aos en Londres, donde adems imparte clases en la University of Westminster. Su trabajo meticuloso y perseverante ha ido acumulando mritos hasta convertirla en una de las fotgrafas ms innovadoras y ms conocidas del panorama artstico actual. Mitra es una mujer serena, encantadora, que enseguida nos envuelve con su afecto y su amabilidad, pero cuyas fotografas, por el contrario, estn llenas de fuerza y de reivindicacin. En ellas siempre est presente la gura humana, aunque a veces ms parece un smbolo que una realidad. Cuando Mitra critica el mundo desenfrenado en que vivimos, el mundo occidental
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industrializado y consumista, sus personajes parecen de ciencia ccin, distantes en su mutismo y en su soledad, como maniques de articio. En otras ocasiones en cambio, su fotografa alcanza un pleno realismo social, especialmente cuando vuelve su mirada a su Irn de nacimiento y encuentra argumentos de pobreza y de discriminacin que tambin hay que denunciar. En cualquier caso, la suya es una fotografa muy trabajada, de composiciones simtricas, de colores equilibrados, de luces intensas, que en algunas series buscan premeditadamente una intensidad y un contraste que resultan articiosos, pero enormemente impactantes. Todo ello la convierte en una artista renovadora, pero que sobre todo ha despertado el papel de reivindicacin y denuncia que ha de tener la fotografa y el arte. Una expresin plstica que tambin ha trasladado al cortometraje. El resultado es magnco y es lo que le ha otorgado el xito que la persigue. Son innumerables sus ilustraciones de libros, sus ilustraciones de revistas, sus premios, su comisariado de exposiciones, y sus exposiciones individuales y colectivas, la ltima y ms reciente en la Tate Britain de Londres. Y todo ello sin perder un pice de su natural encanto, de su modestia y sencillez, que ms all de su vala artstica hacen de ella una mujer extraordinaria.

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Mona Hatoum
(1952)

Naci en Beirut en el seno de una familia palestina, pero pronto el destino la llevara al exilio. En 1975, mientras se encontraba de vacaciones en Londres, estall la guerra civil libanesa y ya no regresara a su pas. Estudi en la Byam Shaw School of Art y, posteriormente, en la Slade School of Fine Art, ambas en Londres. En los primeros 80 comenz a exponer. En un primer momento eran objetos de carcter escultrico, pero pronto se interes por otros medios de expresin como las instalaciones y el vdeo. La calidad de su trabajo mereci la atencin de la crtica y las galeras, lo que le ha llevado a exponer, por ejemplo, en el Museo de Arte Contemporneo de Chicago, el Nuevo Museo de Arte Contemporneo de
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Nueva York, el Centro Georges Pompidou de Pars o en la Tate Britain de Londres. En 1995 fue nominada para el Premio Turner y en 2008 logr el Premio Rolf Schock. La obra de Mona Hatoum no hace concesiones fciles al espectador. Por un lado, los temas de sus trabajos son un reejo de su propia biografa con el exilio, el dolor, el desarraigo, la prdida y el destino, como motivos recurrentes. Por otro, Mona Hatoum gusta de involucrar al observador mediante la provocacin. Son frecuentes en su obra los objetos cotidianos tratados, tanto en escala como en diseo o en su relacin con el entorno, hasta hacerles perder su contenido primigenio. Pero ms all de la proximidad biogrca y radicalidad de su trabajo, la obra de Hatoum no es unvoca ni tiene intencin inmediatamente comprometida. En sus propias palabras: el arte no debera predicar. Intento hacer objetos lo sucientemente ambiguos y abiertos para que hoy sean esto y maana otra cosa.

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Niki de Saint Phalle

(1930 - 2002)

Niki de Saint Phalle se llamaba en realidad Catherine Marie-Agnes Fal de Saint Phalle y era hija de un conde y banquero francs que se arruinara con la Depresin de 1929. Por eso aunque Niki naci en Pars se traslad muy pequea a los Estados Unidos, donde su padre buscaba nuevas oportunidades. Desde muy nia su personalidad, libre y llena de vitalidad, choc frontalmente con el ambiente familiar de una estricta moralidad burguesa. Su rebelda, su mala relacin, especialmente con su madre, y la inestabilidad que le produjo en su infancia la constante mudanza de su familia que cambiaba constantemente de casa y de escuela, acab provocndole constantes trastornos nerviosos durante su juventud.
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As que no es de extraar que a los dieciocho aos se escapara de casa y marchara a Massachusets donde se casara con su primer marido Harry Mathews, con el que en poco tiempo tendra dos hijos. Fue tambin entonces cuando abandon los Estados Unidos y volvi a su Pars natal, ciudad en la que iniciara su acercamiento al mundo de la bohemia y del arte. De todas formas su irrupcin en el mundo artstico tuvo algo de fortuito pues fue una nueva crisis nerviosa la que le llev a un hospital en el que empez a pintar como forma de terapia. Su vida cambi radicalmente a partir de entonces: se separ de su esposo, dej los nios a su cuidado y se dedic plenamente al arte, iniciando tambin entonces una nueva relacin que durara toda su vida y que enriquecera plenamente su trayectoria artstica, la que le uni para siempre a la gura de Jean Tinguely. Con l se cas en 1971, y aunque tuvieron fases de cierto distanciamiento, permaneceran juntos para la posteridad en lo personal y en lo profesional, porque muchas de las obras de ambos autores las realizaron conjuntamente, en especial una de las ms importantes de los dos, el complejo escultrico de la Plaza Igor Stravinsky, junto al Centro Pompidou de Pars. La obra de Niki empez relacionndose con las ltimas muestras del Pop art y, ciertamente, de ese estilo quedara para siempre en la obra de Saint Phalle el colorido alegre y vistoso, y el tono informal y divertido de muchas de sus piezas. Despus invent una nueva frmula pictrica, basada en parte en el action painting de Pollock, pero en esta ocasin realizado no a travs de las manos sino de los disparos de un rie, lo que ella llam shooting painting, con el que deseaba liberar su rebelda a travs de la agresividad, aunque desde el punto de vista artstico no pas de ser una breve excentricidad.

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Ms adelante la proximidad a Tinguely y su magisterio fueron inuyendo en su obra de forma creciente, llegando a colaborar juntos en obras tan importantes como la ya mencionada Plaza Igor Stravinski. Y no slo con Tinguely, tambin entr en contacto con otros artistas importantes del momento que e s t a b a n p ro t a g o n i z a n d o e l d e s a r ro l l o d e l a s Neovanguardias, como Yves Klein, Daniel Spoerri, Robert Rauschenberg o Pierre Restany. En este contexto, Niki de Saint Phalle dar a luz a una de sus formas de expresin ms conocidas y que sellara denitivamente su estilo y su identidad: las nanas. Cuenta ella misma que fue el embarazo de su amiga Clarissa Rivers la que le inspir estas imgenes tan peculiares de la mujer. Se trata de esculturas realizadas en papel mach y polister, de gran tamao y que representan mujeres de formas orondas, de vistosos colores y que parecen asumir, desde su apariencia alegre y desenfadada, como autnticas matronas, la actitud paciente y sabia de la mujer. Algunas de ellas, especialmente las primeras, asumieron tambin un papel provocador con el que reivindicar en tono crtico la condicin de la mujer actual, a medio camino entre la sirvienta ama de casa y la prostituta que todos los hombres desean. As ocurri con una de sus obras ms conocidas, su nana Hon (Ella) de 1966. Una nana enorme, de ms de 27 metros de largo, tumbada de espaldas sobre el suelo, y que permita a los espectadores penetrar en ella a travs de su vagina; porque en el interior de la misma se instalaron un planetario, un cine y un bar. Ni que decir tiene que su exhibicin provoc un notable escndalo. A partir de aqu se multiplicaran sus nanas de todos los tipos y colores, que hoy se reparten por lugares tan distantes como Pars, Nueva York, Bruselas, Tokio, Amsterdam, Los ngeles o Ginebra.

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En la Toscana, en unas tierras de su propiedad, realizara, a lo largo de veinte largos aos, un amplio repertorio de esculturas que bajo su estilo, ya inconfundible, reproduciran las diversas guras de las cartas del Tarot, dando as lugar a su famoso Jardn del Tarot. Y ya en 1991 realizara una de sus ltimas obras, El templo ideal, un espacio consagrado a todas las religiones, inspirado en las construcciones de Gaud y que realiz en la ciudad de Nimes. Al nal de su vida volvera a los Estados Unidos, concretamente a San Diego, California, donde morira en el ao 2002 a causa de una enfermedad pulmonar causada precisamente por los gases txicos producidos con el pulido del polister de sus guras.

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Olga Sacharoff
(1889 - 1967)

Naci en Tiis (Georgia) el 28 de mayo de 1889. Su nombre completo era Olga Nicolaevna Sacharoff. Tras estudiar en la Escuela de Artes de Tiis, se traslad a Munich en 1910, en pleno triunfo de la vanguardia expresionista en Alemania, y un ao ms tarde a Pars, donde conocera el Cubismo, la primera tendencia que realmente marca su forma de trabajo. Al estallar la I Guerra Mundial, Olga se traslada a Espaa huyendo de la contienda. En un primer momento se instala en Mallorca, pero en 1916 pasa a
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residir en Barcelona. En la capital catalana entra en contacto con el crculo dadasta de Francis Picabia con quien colabora en la revista 391. Durante los aos 20, Olga Sacharoff se mantiene ancada en Barcelona, ciudad en la que apenas obtiene reconocimiento artstico, mientras que realiza frecuentes exposiciones de su obra en Pars. As, participa en los Salones de Otoo de los aos 1920, 1921, 1922 y 1928. La crisis emocional que le produce la separacin de su marido, Otto Lloyd, hace que se retire temporalmente de la pintura hasta reaparecer en 1934 con diversas exposiciones en la ciudad de Barcelona. Aunque durante la guerra civil Olga Sacharoff abandona Espaa, tras nalizar la contienda regresa de nuevo a Barcelona, ciudad que ya no volver a dejar. Su pintura, hasta entonces prxima a las vanguardias, se hace cada vez ms dulce, acercndose en unos casos a lo naif y en otros a las propuestas noucentistas. Se trata de una adecuacin al contexto artstico de la postguerra que le hace ganar en reconocimiento, especialmente entre las clases adineradas de la poca que gustan de ser retratadas por Olga Sacharoff. El xito adquiere dimensin ocial con la antolgica que le dedica la Direccin General de Bellas Artes en el ao 1960. Tras su muerte, la pintura de Olga Sacharoff cae prcticamente en el olvido hasta que, a nales de los aos 90, comienza una recuperacin de su gura, sobre todo a partir de la revalorizacin de sus obras en diversas subastas y la inclusin de obras suyas en diferentes exposiciones de xito.

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Orlan
(1947)

Bajo el seudnimo de Orlan, la artista francesa Mireille Suzanne Francette Porte es hoy por hoy una de las representantes ms genuinas de la perfomance, a travs principalmente del body-art. No en balde, a partir de los aos 90, someti su cuerpo y su rostro a numerosas intervenciones quirrgicas con una doble n a l i d a d : p o r u n l a d o , h a c e r d e l a s p ro p i a s intervenciones autnticas perfomances en vivo y en directo del que ella misma era protagonista junto a todo el equipo mdico; por otra parte, con todas esas operaciones pretenda lo que ella misma ha llamado selfhibridations, es decir cambios en su sonoma, que cambiaran su yo, que denunciaran la esclavitud de la mujer por unos patrones de belleza establecidos, y que adems rompieran dichos patrones introduciendo en su propio rostro asimetras y alteraciones que deformaban su imagen de mujer. Tambin a travs de la manipulacin
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fotogrca ha insistido en este aspecto, estableciendo paralelismos entre su imagen y la de las mujeres de otras culturas (africanas, precolombinas, indias), cuyos modelos de belleza son muy distintos a los occidentales. El resultado en cualquier caso es el de un rostro que constantemente se transforma en una mscara, que a veces nos sorprende y a veces nos repele, pero que siempre nos provoca. Ya muy joven Orlan empez con esta tendencia a la provocacin a travs de su cuerpo, con actuaciones tan polmicas como la que realiz en Pars en 1977, conocida como Le baiser de l'artiste, en la que introduciendo 5 francos en un armazn que reproduca su cuerpo desnudo, ella responda con un beso de artista. Unos aos antes haba organizado otras perfomances con un claro sentido anticlerical en el que su cuerpo de nuevo era el origen de su provocacin. Por todo ello no es de extraar que ella misma se dena como una artista carnal, ya que su cuerpo es el referente de toda su creatividad y de su provocacin, en un guio neodadasta, que para muchos convierte su anatoma en un ready-made duchamptiano. En su obra no hay que olvidar de todas formas un componente crtico importante, muy vinculado a su feminismo radical y a su visin de un mundo marcado por la injusticia, la disgregacin, la explotacin y el materialismo al que arrastra una feroz economa de mercado. Su produccin es muy amplia, pues a su predileccin por las perfomances hay que aadir su amplio y excelente trabajo fotogrco, las instalaciones, la videocreacin y la escultura.

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Pipilotti Rist
(1962)

Su verdadero nombre es Elisabeth Charlotte Rist. Naci en la localidad suiza de Grabs en el ao 1962. Se form en el Instituto de Artes Aplicadas de Viena y en la Escuela de Diseo de Basilea, en la que se especializ en el trabajo con vdeo como soporte. Muy pronto comenz a destacar en el terreno del videoarte obteniendo importantes reconocimientos como el de la Bienal de Venecia del ao 2000 que la consagr como una de las grandes y ms innovadoras artistas en este mbito.
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La obra de Pipilotti Rist se centra preferentemente en el cuerpo humano al que trata con un sentido muy sensual. En contraste con otros autores del gnero, Rist destaca por una esttica amable y colorista, aunque ajena a lo comercial. En este sentido, su trabajo viene a demostrar que el riesgo formal y la investigacin no son incompatibles con los criterios de belleza entendidos en un sentido casi tradicional. Ever is over all, de 1997, fue el vdeo que lanz a la fama internacional a Pipilotti Rist, quien posteriormente asentara su prestigio con la serie de diecisiete clips titulada Open My Glade, una de las producciones de videoarte ms conocidas.

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Remedios Varo
(1908 - 1963)

Remedios Varo Uranga naci en Angls (Gerona) el 16 de diciembre de 1908. Su padre era ingeniero hidrulico, lo que llev a la familia a recorrer, durante la infancia de Remedios, buena parte de la geografa espaola y del norte de Marruecos. Como consecuencia de sus grandes dotes para el dibujo y la pintura, su padre la convence para ingresar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, donde estudiar entre 1924 y 1930. Durante aquella poca, Remedios se acerca a la obra de los
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g r a n d e s m a e s t ro s d e l a p i n t u r a , s i n t i n d o s e especialmente atrada por el trabajo de El Greco, Goya y El Bosco. Tambin durante su periodo en la Academia conoce a su compaero Gerardo Lizarrageside, con quien contraer matrimonio poco despus de terminados los estudios. Ambos se instalarn durante algunos meses en Pars y, posteriormente, en Barcelona. Durante esta poca, ambos se dedican al diseo publicitario a la vez que Remedios comienza a sentirse cada vez ms atrada por la pintura de vanguardia, especialmente por inuencia del tambin pintor Esteban Francs. Poco despus de separarse de Gerardo Lizarrageside, estalla la guerra civil espaola y Remedios se involucra en defensa del bando republicano. En 1937, conoce al poeta Benjamn Peret, con quien se traslada a Pars huyendo del conicto. Es en esta segunda etapa parisina, cuando Remedios Varo entra en contacto con el grupo Surrealista, encabezado por Andr Breton. Su inuencia marcar denitivamente el estilo pictrico de Remedios Varo, que se caracterizar de aqu en adelante por un surrealismo con ciertos toques simblicos. La ocupacin nazi de Francia obligar a Remedios Varo y Benjamn Peret a emigrar de nuevo, en esta ocasin a Mxico en 1941, aprovechando la poltica de acogida del presidente Lzaro Crdenas. En Mxico entabla amistad con otros pintores e intelectuales, entre los que se cuentan, por ejemplo, Leonora Carrington y Octavio Paz, mientras que se mantiene econmicamente con actividades de diseo y artesanales. Entre 1947 y 1949, Remedios Varo se traslada a Venezuela donde participar en diferentes actividades relacionadas con la ciencia (entomologa y farmacia, por ejemplo) a la vez que realiza carteles publicitarios para la empresa Bayer. Esta actividad aportar a su pintura una temtica en la que con frecuencia aparecen temas,
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referencias o instrumentales cientcos, siempre dentro de su particular mundo surreal. La ltima etapa de la vida de Remedios Varo, y aquella que denitivamente la convierten en una gura de la pintura, es la que media entre su regreso a Mxico, pas que ya no abandonar, y su muerte. En 1952, contrae de nuevo matrimonio. En esta ocasin fue con Walter Gruen, un poltico austriaco que, movido por su fe en el gran talento artstico de Remedios, la convence para abandonar los trabajos publicitarios y dedicarse exclusivamente a la pintura creativa. Como consecuencia, comienza una poca de gran produccin y de maduracin denitiva de su estilo. El resultado fue, ya en 1955, su participacin en una primera exposicin colectiva y, un ao ms tarde, su primera muestra individual. Ambas tuvieron lugar en la ciudad de Mxico. En 1963, Remedios Varo, falleci de un paro cardaco, pocos meses despus de celebrar su segunda exposicin individual en la Galera Juan Martn, tambin de la capital mexicana.

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Rosalba Carriera
(1675 - 1757)

Rosalba Carriera, Autorretrato con retrato de su hermana, 1715

Un ejemplo ms del xito de la mujer en el campo de la pintura durante el periodo de la Ilustracin es el de Rosalba Carriera, una mujer cuya obra le fue reconocida en vida y que disfrut de un notable xito como artista sin que el hecho de ser mujer frustrara sus aspiraciones. Es ms, se la puede considerar incluso una de las impulsoras del estilo rococ en Italia, y es sin duda la gran maestra del retrato al pastel del que fue una consumada pionera.

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Rosalba naci en Venecia por lo que indudablemente tena ya mucho ganado como artista. Nieta de pintor, desde nia se ocup de ayudar a su madre en la realizacin de los patrones para los encajes que aquella teja, y ms adelante se dedic con xito a la realizacin de miniaturas con las que decorar las cubiertas de bano de las cajitas de rap que se vendan a los visitantes de Venecia, utilizando adems el marl en su realizacin, lo que por un lado supona una innovacin en esa tcnica y por otra le otorgaba a las imgenes una luminosidad especial, muy veneciana, que inuira sin duda en su pintura posterior. El caso es que con todos estos mimbres como formacin, Rosalba se anim nalmente a dedicarse a la pintura, especializndose en el retrato al pastel, tcnica que haba aprendido de Antonio Lazzari, un artista veneciano como ella, que se dedicaba a copiar al pastel obras al leo. Pronto Rosalba mostr un evidente talento que rpidamente le facilit numerosos encargos, cada vez de mayor importancia, hasta llegar a retratar a personajes tan ilustres como Maximiliano II de Baviera, el duque de Mecklenburgo, Federico IV de Dinamarca, Augusto II de Polonia y otros miembros de la realeza y la nobleza, que fueron acuando un xito que hizo que su nombre sonara en numerosas cortes europeas. No es de extraar que de inmediato diera el salto a Pars, que ya por aquel entonces empezaba a convertirse en una de las capitales del arte, y ms tratndose de una artista rococ. Fue el banquero y coleccionista Pierre Crozat, de paso por Venecia, el que la convenci para marchar a Pars donde vivira durante un ao al morir su padre y acompaada de su madre y sus dos hermanas. Fue un intenso ao donde Rosalba redonde el xito que ya haba cosechado en Italia: sigui retratando a personajes insignes, entre otros al mismsimo Lus XV, fue elegida miembro de la Acadmie
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Royal de Peinture et Sculpture, y trab amistad con artistas tan renombrados como Antoine Watteau, al que le hizo el ltimo retrato en vida del pintor. Un ao fue suciente, en todo caso, para su xito parisino. Al cabo de ese tiempo Rosalba echaba de menos su Venecia natal, a la que se trasladara ya de forma denitiva, sin que volviera a salir de ella ms que en contadas ocasiones. La luz veneciana sigui iluminando su obra y su tcnica al pastel, dotndola de una densidad golosa y brillante. Y as sera hasta el nal de su vida cuando, ya ciega, tendra que dejar obligadamente los pinceles. La pintura de Rosalba es una perfecta sntesis de estilo veneciano y rococ. Cuenta con la luz vibrante e inconfundible de la pintura veneciana, y con su renada tcnica al pastel, que la dota de una pastosidad delicada y dulce, tpicamente rococ. El resultado es una obra cuya temtica es exclusivamente el retrato, que muestra siempre una doble virtud, la primera la hondura psicolgica que exhiben todos sus rostros, y la otra un toque delicado y elegante que la tcnica al pastel rena con sus luces vaporosas. Y todo ello sin olvidar el impacto del color intenso y luminoso, atrapado directamente de la atmsfera etrea y soleada de su Venecia eterna.

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Runa Islam
(1970)

Aunque nacida en Dacca (1970), Runa Islam vive, desde los tres aos, en Londres. Se form artsticamente en la Rijskacademie van Veeldende Kuunste de msterdam y el Royal College of Art de Londres. Desde entonces, y en apenas una dcada, se ha convertido en una de las creadoras de videoarte ms interesantes y de proyeccin ms prometedora a nivel internacional. Sus pelculas estn llenas de sensibilidad y de un buen gusto no exento de una fuerte carga reexiva. En un momento en el que el videoarte parece caer con demasiada frecuencia en frmulas manidas, repetitivas y falsamente provocadoras, el trabajo de Runa Islam constituye una apuesta personal muy graticante para el espectador.
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Por su excelente trabajo, Runa Islam ha merecido ser nominada al Premio Turner en el ao 2008 y participar en eventos tan relevantes como la Bienal de Venecia en 2005.

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Ruth Bernhard
(1905 - 2006)

Ruth Bernhard es la fotgrafa inconfundible de los desnudos femeninos, que potencia, con sus fuertes contraste de luz y sombra, y con la fuerza expresiva del blanco y negro, la silueta y los volmenes de los cuerpos desnudos de la mujer. Ruth Bernhard naci en Berln en 1905 y tras el divorcio de sus padres qued bajo la custodia del padre que, como diseador grco que era y tipgrafo, inuira en las inclinaciones artsticas de su hija. De hecho Ruth estudi en la Academia de Bellas Artes de Berln, aunque en 1927 marchara con su padre a Nueva York. Algunos
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aos despus, en 1935, el encuentro casual con el fotgrafo Edgard Weston en Santa Mnica, California, le cambiara la vida, porque desde entonces decide dedicarse al arte de la fotografa de una forma decidida, siendo Weston su principal mentor y maestro. Los principios no fueron fciles, trabajando en encargos de fotografa comercial y de diseo, aunque poco a poco se va especializando en el desnudo femenino, cobrando progresivamente un prestigio que terminar por hacerle un hueco entre los grandes fotgrafos del siglo XX. Sobre todo por sus estudios de desnudos, siempre de una gran precisin en los detalles y de un purismo casi abstracto en las formas. Tanto, que llegaba a realizar una sola fotografa desde un ngulo concreto, despus de recrear minuciosamente una composicin, a veces durante das. Ella lo explicaba as: Mi bsqueda, a travs de la magia de la luz y la sombra, es aislar, simplicar y dar nfasis a la forma con la mayor claridad. Mi objetivo es indicar la proporcin ideal y revelar la masa escultural y el espritu dominante. Especialmente de desnudos femeninos, porque como ella deca: Si he elegido la forma femenina en particular es porque la belleza ha sido degradada y explotada en nuestro sensual siglo XX. La mujer ha sido objeto de muchas cosas srdidas y baratas, sobre todo en la fotografa. Mi misin ha sido elevar y fomentar la imagen de la mujer con una reverencia atemporal. De la mano de Edgard Weston, Bernhard formar parte del Group f/64, unindose a fotgrafos modernistas de la Costa Oeste como el propio Weston, Ansel Adams, Minor White, Imogen Cunningham, Wynn Bullock y Dorothea Lange. Todos en la misma lnea de purismo compositivo y minimalismo fotogrco que ella. Bernhard, adems, ha organizado talleres de fotografa, ha impartido clases y publicado varios libros, contndose obras suyas en las colecciones del San Francisco Museum of Modern Art, el Metropolitan Museum of Art
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de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Houston y el Victoria and Albert Museum de Londres. En su biografa juega un papel importante la bisexualidad. As, desde su primera relacin con la diseadora Eveline Phimister, hasta su ltima con un coronel de las Fuerzas Areas, en un caso tpico de bisexualidad reconocida por ella misma, que no ocultaba sus numerosas relaciones con hombres y mujeres: Dej que la vida me hiciese regalos. Y todo ocurri ms o menos como se supona que deba ocurrir. No busqu nada. Se dira que todo me busc a m. Muri a los 101 aos en San Francisco.

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Sraphine Louis
(1864 - 1942)

Sraphine Louis, tambin conocida como Sraphine de Senlis, fue una pintora francesa de dramtica y difcil existencia. Naci en la localidad de Arsy, en el seno de una familia muy humilde. Su madre falleci el da que Sraphine cumpla un ao y su padre cuando todava no haba cumplido los siete. Desde su infancia, Sraphine se vio obligada a trabajar como pastora y, desde los diecisiete, como limpiadora en diferentes casas acomodadas de la ciudad de Senlis. Las pocas horas que el trabajo le deja libres, Sraphine vive recluida en su modesto domicilio pintando. No tiene formacin acadmica, ni referencias
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estilsticas. Tampoco nadie conoce sus cuadros, generalmente de motivos vegetales, caracterizados por la intensidad del color. En 1912 un hecho casual se cruza en la vida de Sraphine Louis. Aquel ao el coleccionista de arte alemn Wilhelm Uhde ja su residencia en Senlis, tranquila poblacin cercana a Pars, y Sraphine Louis comienza a trabajar en su casa como limpiadora. Wilhelm Uhde, casado con Sonia Delaunay, estaba especialmente interesado en aquel momento por los pintores que l mismo calicaba como primitivos modernos, como Henri Rousseau (artista al que haba dado a conocer en los crculos ms avanzados). En cierta ocasin, y sin saber que se trataba de obras pintadas por su propia asistenta, admir alguno de los cuadros de Sraphine. Tras averiguar quin era su autora, Uhde decidi apoyar el trabajo como pintora de Sraphine Louis. C u a n d o p a re c a q u e S r a p h i n e p o d a convertirse en una artista de xito, la desgracia volvi a cruzarse en su vida. En agosto de 1914 estalla la I Guerra Mundial y Wilhem Uhde debe de abandonar Senlis y regresar a Alemania. Se abre entonces un largo parntesis en la trayectoria pictrica de Sraphine que se prolongar hasta 1927. Aquel ao, con Wilhelm Uhde de nuevo en Francia, Sraphine expone en Senlis y comienza a abordar cuadros de gran formato y mayor ambicin compositiva. Denitivamente integrada en el crculo de los primitivos modernos que promociona Uhde, en 1929 Sraphine particip en la importante muestra de Los pintores del corazn sagrado que tuvo lugar en Pars. Como consecuencia, la pintora comienza a gozar de un reconocimiento que se materializa en la comercializacin de su obra. Por desgracia, Sraphine no administra bien el xito y dilapida con facilidad estos ingresos.
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La Gran Depresin de 1929 afect con fuerza a las ventas de las obras de arte. Una de las perjudicadas fue la obra emergente de Sraphine Louis. Quizs, como consecuencia de ello, la pintora se vio sumida en un proceso depresivo que la llev a ingresar en el hospital psiquitrico de Clermont en enero de 1932. Sraphine Louis no volvera a pintar jams. Mientras Sraphine permanece ingresada en el hospital, sus cuadros siguen exponindose en muestras colectivas fundamentales de aquellos aos como Los primitivos modernos de Pars (1932), Los maestros populares de la realidad, que la present en Nueva York (1937-1938) o Los primitivos del siglo XX de Pars (1942). Ajena a su xito internacional, Sraphine Louis muri en el hospital psiquitrico de Villers-sous-Erquery el 11 de diciembre de 1942.

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Sofonisba Anguissola
(1532/35 - 1625)

Sofonisba Anguissola, Autorretrato, 1556

A Sofonisba Anguissola se la considera la primera artista que, aun siendo mujer, alcanza un xito considerable como pintora. Anterior cronolgicamente a Artemisia Gestileschi, no vivir de la pintura como sta, pero si alcanzar gran prestigio con su obra. La razn de este fenmeno tan poco comn en la poca tiene mucho que ver con la popularidad que alcanza entre las clases acomodadas las enseanzas que sobre la educacin de los hijos transmite Baltasar de
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Castiglione en su obra El cortesano, en la que, entre otras cosas, insista que a las hijas debe educrselas cultivando la pintura, la msica, el canto y la poesa. Y fue esta la razn de que Amlcare Anguissola, padre de Sofonisba, inculcara estos hbitos entre sus seis hijas, aunque, de entre todas ellas, sera Sofonisba la que ms talento haba de demostrar. De hecho sus magncas aptitudes para el dibujo y la pintura sorprendieron a su propio padre que se anim incluso a enviar algunos de esos dibujos al mismsimo Miguel ngel para conocer su parecer. No quedara slo en eso la relacin, porque Sofonisba lleg a entablar contacto con Miguel ngel en Roma, quien lleg a ayudar y aconsejar a la artista. Tambin Giorgio Vasari, alabar su arte y el propio Caravaggio se inspirar en una obra de ella, Nio pinzado por un cangrejo, para la suya, Nio mordido por un lagarto. La mayora de sus primeras obras son retratos, bien sea autorretratos, de los que hizo numerosos, o bien retratos de su propia familia. Pero pronto su vala trascendi el marco familiar y empez a frecuentar mbitos ms exigentes, siendo reclamada por algunas cortes europeas. Es en este contexto en el que se produce la invitacin a la Corte espaola de Felipe II, donde acudira en 1559 como pintora de corte y dama de la reina, en aquel momento Isabel de Valois, tercera mujer de Felipe II. All desarrollar la poca ms brillante de su carrera con retratos de Juana, hermana del rey, de su hijo Carlos, del propio rey, de Isabel de Valois y, ms tarde, de Ana de Austria, la cuarta esposa de Felipe II. Sofonisba fue ante todo una buena retratista, capaz de modelar con acierto las guras y, sobre todo, de dotarlas de una lograda profundidad psicolgica, de una interrelacin gestual, que en muchas ocasiones traslada al propio espectador, con el que se comunica en muchas de sus obras directamente a travs de la mirada
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intensa de sus retratados. Su tratamiento del color recibe ya cierta inuencia manierista, aunque sin excesos cromticos. Tambin en el detallismo minucioso de vestimentas y complementos se acerca a la tcnica minuciosa de algunos manieristas espaoles. En otros gneros no deba de sentirse tan cmoda, como lo demuestra no slo el escaso nmero de obras con otra temtica que no fuera el retrato, sino tambin algunas carencias en ellas, sobre todo en la estructura compositiva. Cuando muri Isabel de Valois, con tan slo 22 aos, Sofonisba no abandon la corte espaola, como hubiera sido lo lgico, sino que Felipe II la anim a quedarse cuatro aos ms, ayudando en la crianza de sus dos hijas. A cambio, el rey la ayud a asegurarse un porvenir, promoviendo su boda con un noble siciliano, Fabricio di Moncada, y sufragando la fastuosa celebracin con la que los reyes le agradecieron los servicios prestados. Desgraciadamente su matrimonio slo dur cuatro aos, los que tard en enviudar, pero de vuelta a Cremona, en plena travesa, se enamor del capitn del barco, Orazio Lomellini, que al poco tiempo se convertira en su segundo marido. Sofonisba lleg a vivir noventa aos, una larga vida que se desarrollara, ya denitivamente, en Italia, despus de abandonar la corte espaola. Vivira desde entonces, alternativamente, entre Palermo y Gnova, si bien, en 1615, se traslad a Sicilia donde est documentada una visita que le hizo el entonces jovencsimo aprendiz de Rubens, Van Dick, que le hizo dos retratos y anot en su diario la profunda impresin que le caus la artista. Hasta 1620 sigui trabajando, pues de esta fecha es su ltimo autorretrato, quizs su ltima obra.

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Sonia Delaunay
(1885 - 1979)

Sonia Delaunay en su estudio de Pars, 1925

A Sonia Delaunay la contemplamos siempre como un reverso de su marido Robert Delaunay, aunque tambin en esta ocasin, como en el de tantas otras, la gura de Sonia alcanza su propia valoracin artstica. Sonia Terk naci en Ucrania, en el seno de una familia juda, que a los cinco aos la dej en adopcin a unos tos maternos, que sin duda inuiran decisivamente en el devenir de la vida de Sonia. Gracias a ellos pudo vivir en una situacin mucho ms holgada, con ellos se
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traslad a San Petesburgo, y fueron ellos los que la animaron a estudiar arte. Primero en Alemania y luego en Pars, la joven Sonia pudo as desarrollar su aprendizaje artstico y, lo que siempre es ms importante en estos casos, relacionarse con los mejores artistas de la poca. La primera etapa de la obra de Sonia Terk est muy inuenciada por los postimpresionistas, en especial por Van Gogh y Gauguin, y por la pintura de moda, en 1905, a su llegada a Pars, los fauvistas. Pero su vida cambiara radicalmente al conocer a Robert Delaunay, con el que se casara en 1910. Uno y otro, trabajando como un equipo, dieron lugar a una variante del cubismo, mucho ms abstracto y colorista, que Apollinaire denomin Orsmo. Siempre se ha considerado a Robert Delaunay el inductor del Orsmo, pero parece ser que fue un hecho un tanto casual el que dio lugar a este nuevo ensayo de expresin plstica, pues en realidad fue Sonia la que al confeccionar una colcha para la cuna de su hijo con retales de colores que encontr por la casa, (siguiendo el modelo que tantas veces haba visto hacer a las campesinas rusas), se encontr con una muestra artstica llena de formas y colores que realmente le inspir. La colcha se convirti en una referencia para el matrimonio, que a partir de ese momento inici lo que ellos llamaron Simultaneismo, y que los crticos como hemos visto denominaron Orsmo. Desde entonces, las obras de ambos se repiten en una misma lnea de formas abstractas, predominantemente circulares, y de colores vivos llenos de fuerza expresiva. Sonia aplic esta misma plstica a la confeccin de telas, de la que se convirti en una consumada especialista, hasta el punto de dedicarse con mayor inters al campo de la moda que al de la pintura durante sus aos de casada. Especialmente cuando, al comenzar la I Guerra Mundial, el matrimonio se queda a vivir en Espaa, y Sonia aprovecha para confeccionar los
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trajes de los ballets de Diaghilev, e incluso para abrir una boutique en Madrid. Sus trabajos en este mbito revolucionaron el diseo textil y de alguna forma le dieron la fama que no haba alcanzado con la pintura, por lo que su gura aparecer mucho ms vinculada al entorno de la moda y del trabajo textil que al de la pintura. Sera a la muerte de Robert, en 1941, cuando Sonia Delaunay volvera a reencontrarse con la pintura, sin dejar por ello de promocionar la obra de su marido, con el que, en muchas ocasiones, se confunda la realizada por ella misma. Sus pinturas de este perodo varan algo de su estilo anterior, inclinndose ahora por realizar guaches de formas ms delicadas y sencillas, aunque sin perder nunca la alegra y la fuerza del color. En 1964 expondr en el Louvre, en una antolgica de la obra de ella y su marido, y en 1975 pudo realizar una exposicin individual en el mismo museo, convirtindose as en la primera mujer que expuso en vida en el Louvre, slo cuatro aos antes de morir en 1979.

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Suzanne Valadon
(1865 - 1938)

Suzanne Valadon, Autorretrato, 1917

Los orgenes de Suzanne Valadon no podan ser ms modestos y como tales, menos proclives a que acabara siendo la gran artista que fue, ms an considerando su condicin de mujer. Suzanne, en realidad Marie Clmentine, era hija ilegtima de una lavandera que viva en Montmatre, lo que hizo fcil a la nia que se relacionara con el mundo del arte, pues en aquel entorno deambulaba por las calles con completa libertad conociendo en directo el trabajo de los artistas parisinos del momento.
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Aunque, de momento, ella no se dedic al arte, desde los nueve aos trabaj en lo primero que encontraba y fue fregona, camarera, vendedora de verduras en el famoso mercado de Les Halles, e incluso acrbata en un circo. Pero ya a los diecisis aos empez a posar como modelo para algunos artistas y eso la introdujo en el mundo del arte. As, pos para Toulousse-Lautrec, que la retrat en La bebedora de absenta; para Renoir, que la inmortaliz en La trenza y en Baile en el campo; para Degas, o para Puvis de Chavannes, que mientras la pintaba en El bosque sagrado se enamor perdidamente de ella, a pesar de que l ya tena 57 aos y ella slo diecisiete. Aunque, en realidad, ella de quien se encaprich fue del pintor cataln Miguel Utrillo que deambulaba tambin por Montmatre sin pena ni gloria. De l se quedara embarazada del que sera su hijo, el pintor Maurice Utrillo. Para entonces Suzanne haba ido alternando ese trabajo de modelo con sus primeros tanteos en el mundo de la pintura, al que la anim a continuar, primero, Toulousse-Lautrec y, luego, el mismo Degas, que vio en su obra la posibilidad de vivir de su pintura. De los aos noventa datan las primeras obras de Suzanne, que, lgicamente, estn imbuidas del estilo de aquellos artistas que ella ms frecuentaba y conoca: el propio Degas, el mismo Toulousse-Lautrec, de Renoir en algunas obras, aunque tambin de algunas otras guras incipientes como Matisse, del que Suzanne tomara modelo. Suzanne segua siendo una muchacha alegre y desenfada que continuaba enamorando a los hombres. El ltimo en caer rendido sera el msico Erik Satie, que le propuso en matrimonio la primera maana que la conoci y de la que lleg a decir que haba sido la nica mujer de la que haba conseguido enamorarse. Pero
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Suzanne con quien se cas sera con Paul Moussis, un banquero con el que vivi una de las etapas ms estables y centradas de su vida, lo que se tradujo en un momento, tambin, de notable creatividad, multiplicndose entonces sus retratos, desnudos, bodegones y paisajes, congurndose as como un artista integral. Tambin es entonces cuando ayuda a su hijo Maurice a pintar, inicindole en este mundo del que sera uno de sus representantes ms conocidos. No dur mucho tiempo esta etapa de sosiego. Saltar en pedazos cuando conozca a un amigo de su hijo, Andr Utter, del que se enamor al instante a pesar de la diferencia de veintin aos de edad que se llevaban. No import, Suzanne abandon a su marido y constituy, junto a su hijo y a Utter, un tro inseparable de diversin y experiencia artstica (La Santsima Trinidad les llamaban), que adems llegaron a realizar exposiciones colectivas. Tambin por aquel entonces, los albores del nuevo siglo, empez a realizar exposiciones individuales. Ya en esa poca era una pintora con un estilo personal y propio, en el que destacaban sus desnudos, tanto masculinos como femeninos, por su sensualidad y su sencillez formal. Es indudable el rastro de Degas y Van Gogh en algunas de sus obras, de Renoir en otras, pero sobre todo como ya hemos comentado de Matisse, especialmente por la simplicidad de sus formas y el trazo negro con el que perla las imgenes. Fueron estos ltimos aos de su vida, en la dcada de los treinta, los de su mayor xito, con exposiciones importantes y obras que le han dado su reconocida fama: La habitacin azul, Las redes, o Adn y Eva, en la que aparece autorretratada con el que al nal sera el amor de su vida, Andr Utter. Fue una mujer especial, divertida y desinhibida, a la que no le faltaba el toque extravagante de aquel mundo bohemio en el que se haba criado y que tanto le atraa, y as se dice de ella que tena una cabra en su estudio para que se comiera sus malos dibujos, o

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que daba de comer caviar a su gato los viernes, o que se haba hecho un sujetador con zanahorias frescas. En todo caso, al n y a la postre, result una artista cuya vala permite incluirla entre los principales representantes del Postimpresionismo. La prueba es que los grandes artistas del momento reconocieron su obra y la honraron con su amistad.

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Sylvia Sleigh
(1916 - 2010)

Sylvia Sleigh, Autorretrato, 1966

Sylvia Sleigh (Llandudno, Gran Bretaa, 1916 Nueva York, 2010) ha sido una de las principales representantes del movimiento feminista dentro del arte, sobre todo durante la dcada de los aos 70 del siglo XX. Realiz sus estudios como pintora en la Escuela de Arte de Brighton y aunque en principio se dedic al mundo de la moda, despus de la II Guerra Mundial se decidi de manera denitiva por la pintura. En
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1953 realiz su primera exposicin individual en la Kensington Art Gallery. Poco despus contrajo matrimonio con el crtico de arte Lawrence Alloway. La obra de Sylvia Sleigh alcanza su verdadero signicado cuando, en los aos 60, se traslada a vivir a los Estados Unidos. Su trabajo comienza entonces a apostar por un feminismo muy decidido, lo que le lleva a reinterpretar algunos de los grandes hitos de la historia de la pintura desde una perspectiva nueva. Los cuerpos femeninos son sustituidos por los masculinos y este hecho, que podra parecernos banal en la actualidad, se carg de signicado durante las dcadas siguientes. Ingres, Velzquez, Tiziano, Giorgione y otros grandes maestros fueron objeto de la revisin de Sylvia Sleigh. La pintura de Sylvia Sleigh tuvo siempre este carcter militante sin que este hecho deje de hacernos ver que su trabajo, dentro de una lnea gurativa y realista, enlaza con la de una corriente no siempre bien valorada dentro del arte del siglo XX.

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Tacita Dean
(1965)

Tacita Dean (Canterbury, Inglaterra, 1965), incluida en el grupo de Jvenes Artistas Britnicos (YBA) (o tambin citados como yBas) (entre los artistas incluidos en el grupo YBA podemos citar Steven Adamson, Fiona Banner, Christine Borland, Marcus Harvey, Damien Hirst, Sarah Lucas, Stephen Park, Sam Saylor-Wood, The Wilson Sisters, etc., grupo originado en los aos noventa del siglo pasado), se form como pintora, pero nalmente se decidi por el vdeo y por las pelculas de 16 milmetros como medio de expresin, que combina adems con el dibujo, la fotografa o el
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dibujo, y complementa con la publicacin de libros. Fue nominada al Turner Prize en 1998. El sonido tiene un protagonismo esencial en los lms de Tacita Dean, igualmente que lo tiene el azar en los procesos de montaje, o en los de grabacin, as como el uso, en sus tomas, de planos jos y muy largos, dejando que los procesos de lo lmado uyan libremente delante de la cmara de cine o de vdeo. Destaca o es fundamental entre sus temas, junto al de los edicios abandonados, el del agua, y sobre todo los lugares, elementos singulares (por ejemplo los faros) o espacios de encuentro entre el agua (el mar) y la tierra.

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Tamara de Lempicka
(1898 - 1980)

Tamara de Lempicka, Autorretrato en Bugatti verde, 1925

Una de las artistas ms sugestivas del siglo XX, ms personal y que mayor fuerza de atraccin ejerce sobre la mirada de los espectadores, es a nuestro entender Tamara de Lempicka. Nacida en Varsovia y de familia acomodada, Tamara es la representacin de la joven sosticada, rodeada de glamour y elegancia, tan frecuente en los ambientes burgueses de los aos veinte, y que ella misma reejar como nadie en sus obras.

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Se cas muy joven con un abogado de San Petesburgo del que tomara su nombre artstico Tadeusz Lempicki. Contrarios a la Revolucin bolchevique tendrn que exiliarse de Rusia, asentndose desde 1923 en Pars, donde nacer su nica hija, Kizette. Ser en Pars donde comenzar su carrera artstica, bien secundada por artistas amigos como Maurice Denis o Andr Lhote. Su estilo se denir muy pronto con unas caractersticas muy concretas y que apenas variar a lo largo de su vida, dndole con ello una impronta inconfundible a sus cuadros. Por una parte, hay una clara inuencia art dec que otorga a sus obras ese toque elegante y vistoso que las caracteriza, y que adems entronca con su propio estilo de vida y los ambientes en los que se mova que eran igualmente sosticados, como lo son las mujeres y los hombres que aparecen en sus lienzos. Por otra parte no se puede desdear una lejana inuencia del cubismo, que si bien no se maniesta como tal, ejerce su peso a la hora de modelar las guras, siempre aristadas y de volmenes muy geomtricos, logrando con ello una mayor articiosidad en sus guras, que as an resultan ms extraas y sugerentes. De todas formas, su estilo, tan peculiar, encuentra tambin relacin con la pintura de algunos pintores renacentistas que, como ella, recrean una apariencia de guras etreas y cuerpos luminosos, caso de Boticelli o Mantenga. El resultado es una pintura de guras voluptuosas, de mujeres grciles y hombres elegantes, de rostros misteriosos y anatomas luminosas, que se recrean en su propia belleza y alientan en el espectador un hlito de sensualidad y a veces de erotismo. Como si la mayora de esas guras fueran sus propios autorretratos, ella tambin hermosa, sensual y siempre situada en entornos frvolos y renados, en los que su propia bisexualidad haca de la sensualidad un elemento fundamental. A nales de los aos veinte se divorcia, casndose poco despus con el barn Raoul Kuffner,
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con quien marchar a los Estados Unidos, jando all denitivamente su residencia. No por ello dej de frecuentar los ambientes ms selectos, siendo la retratista de numerosas estrellas de Hollywood. Y aunque sigui siendo el a su propio estilo, pasados los aos hizo algunas incursiones poco afortunadas en la abstraccin pictrica. Los ltimos aos de su vida altern la vida en los Estados Unidos con espordicas incursiones en Mxico, donde conocera a Vctor Contreras, un escultor que la protegera durante esos aos. En cualquier caso su genio, siempre vivo, y su personalidad, siempre un escaln por encima de lo mundano, fue degenerando hasta convertirse, ya mayor, en una mujer excntrica y caprichosa. Nos queda en cualquier caso su obra. Un hermoso referente de los aos veinte, con su desenfado y su toque de distincin, con su elegancia dec y su preciosismo. Nos quedan sus cuadros, sus retratos, los cuerpos hermosos, las mujeres de Tamara de Lempicka, esas mujeres irrepetibles, bellas, extraamente bellas dira yo, misteriosas, como amores imposibles que cuando los miramos sabemos que slo pueden existir en los sueos.

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Tarsila do Amaral
(1886 - 1973)

Tarsila do Amaral, Manteau Rouge (autorretato), 1923

Naci el 1 de septiembre de 1886 en Capivari, una poblacin brasilea del estado de Sao Paulo, en el seno de una acomodada familia, propietaria de extensas haciendas en las que Tarsila vivi sus primeros aos. Tras realizar sus estudios bsicos en Sao Paulo, se traslad a Barcelona para completar su formacin. En la capital catalana pint su primer cuadro a los diecisis aos. Los inicios de su trayectoria artstica se mueven entre Brasil y Europa. As, entre 1916 y 1920 estudia
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escultura, diseo y pintura en su pas natal. A continuacin permanece durante dos aos en Pars, donde entra en contacto con la vanguardia europea de entreguerras, para regresar a Brasil en 1922. Junto a Anita Malfatti, Mario de Andrade, Menotti del Picchia y Oswald de Andrade (con quien contraer matrimonio), forma el Grupo de los Cinco, un colectivo fundamental en la introduccin de la vanguardia en Brasil. En esta poca, su pintura ana los valores de la modernidad con los del primitivismo local. En 1923 vuelve a Europa donde conoce a Fernand Lger, quien marcar profundamente la obra de Tarsila do Amaral. La segunda mitad de la dcada de los aos 20 es fundamental en su carrera: realiza su primera exposicin individual en la galera Percier de Pars (lo que la consolida como artista de prestigio internacional) y da un giro a su obra con Abaporu, germen del denominado Movimiento Antropofgico. En 1933 pinta Operarios, cuadro que se considera el inicio de la pintura social en Brasil, pas en el que llegar a ser un referente fundamental del arte de vanguardia. Participa en las dos primeras Bienales de Sao Paulo, certamen que en 1963 le dedicar una sala especial en reconocimiento a toda su trayectoria. Tarsila do Amaral falleci en Sao Paulo el 17 de enero de 1973.

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Tracey Emin
(1963)

Tracey Emin (Londres, 1963) es una de las principales representantes de lo que se ha dado en denominar el grupo de los Young British Artists. Llev a cabo su formacin artstica durante la dcada de los aos 80 en el Maidstone College of Art y, posteriormente, en el Royal College of Art de Londres. En aquellos aos entr en contacto con los colectivos artsticos ms vanguardistas del momento, no slo en el campo de las artes plsticas sino tambin de la msica, el vdeo, la fotografa, la performance... En 1992 participa por primera vez en una exposicin colectiva (The Phone Box) llamando la atencin de la crtica especializada. Slo un ao ms tarde organiza ya tres muestras individuales entre las que
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destaca Mi Major Retrospective, en la meca del mejor arte britnico actual: la galera White Cube de Londres. El trabajo de Tracey Emin destaca por su gran variedad tcnica que le lleva desde la fotografa, el dibujo o la pintura hasta la instalacin. En cualquiera de estas manifestaciones siempre hay un elemento comn de ruptura, de provocacin y de descaro. Actitudes que Tracey Emin lleva a sus apariciones pblicas lo que le ha convertido en un personaje muy popular en los medios de comunicacin britnicos. En su aire provocador Tracey Emin coincide con el otro gran integrante de Young British Artists, Damien Hirst. Quizs la gran diferencia entre ambos est en que mientras Hirst se muestra distante y glamouroso, Emin centra su obra en lo ms ntimo de su propia persona y su entorno familiar. Es ella misma la que se muestra a los dems con total desenvoltura. Su obra ms conocida, My Bed, es un buen ejemplo de esta actitud. Fue expuesta en 1999 en la Tate Gallery al ser seleccionada Tracey Emin para el Premio Turner. Lo que vemos en esta instalacin es, realmente, la cama de la artista, completamente deshecha y rodeada de objetos de su vida cotidiana. En la misma lnea se sita Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995, su otra obra ms conocida, tambin llena de referencias ntimas. En los ltimos aos el trabajo de Tracey Emin ha continuado evolucionando e investigando en lneas tan diversas como las monocromas inspiradas en Yves Klein o en el uso de neones con textos, tan provocadores y autorreferidos, como los de sus obras de los aos 90.

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Vanessa Bell
(1879 - 1961)

Vanessa Bell, Autorretrato, 1959

Su verdadero nombre fue Vanessa Wolf, aunque cambiara su apellido por el de Bell (por el que es ms conocida) tras su matrimonio con el crtico de arte Clive Bell. Form parte de una acomodada familia londinense. Recibi una amplia formacin acadmica que complet, dadas sus dotes innatas para el dibujo y la pintura, en la Escuela de Arte de sir Arthur Cope y,

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posteriormente, en la Real Academia de Artes de Londres. En el ao 1904, tras el fallecimiento de sus padres, se traslad junto a su hermana Virginia (la escritora Virginia Wolf) a una nueva casa en el barrio londinense de Bloomsbury. La vivienda se convirti pronto en punto de reunin de intelectuales, escritores y artistas, dando origen al conocido Grupo de Bloomsbury. En 1907 contrajo matrimonio con Clive Bell, con quien tendra dos hijos. Las avanzadas ideas del Grupo de Bloomsbury en el mbito de la sexualidad explican que ambos mantuvieran abiertamente relaciones sentimentales fuera del matrimonio. Fruto de estas relaciones, Vanessa tuvo una tercera hija, Anglica, con el pintor y miembro del Grupo de Bloomsbury, Duncan Grant. Junto al propio Duncan Grant, Vanessa Bell decor la granja de Charleston, cerca de Firle (East Sussex) donde se establecieron los Talleres Omega del Grupo de Bloomsbury. La pintura de Vanessa Bell se inscribe en el ambiente general del Grupo de Bloomsbury y tiene sus mejores ejemplos durante el primer tercio del siglo XX. A partir de los planteamientos postimpresionistas, los cuadros de Vanessa evolucionan hacia una simplicacin formal que incluso llega hasta la abstraccin. Ya en la dcada de los aos 30 la pintura de Vanessa Bell retornar al naturalismo.

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Yayoi Kusama
(1928)

Naci en la localidad japonesa de Matsumoto. Comenz su carrera artstica en la dcada de los aos 50 muy marcada por la inuencia de la pintura tradicional japonesa, sobre todo la realizada durante el periodo Meiji. A esta referencia formal se unen, ya desde aquellos primeros aos de trabajo, las consecuencias de sus crisis alucinatorias y los pensamientos obsesivos que la artista atribuye a los malos tratos sufridos en su infancia. Surgen de esta manera lo que Yayoi Kusama llama redes de innito, que son grandes supercies cubiertas por lunares y que constituirn desde entonces su elemento
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plstico ms caracterstico. Casi su sea de identidad artstica. En 1957, Yayoi Kusama abandon Japn y se traslad a Nueva York donde rpidamente entr en contacto con la vanguardia ms creativa. Particip de manera activa en las primeras manifestaciones del arte conceptual junto a autores como Donald Judd y Joseph Cornell, a la vez que entr en contacto con Georgia O'Keeffe con quien mantendra una intensa correspondencia. En el ao 1973 regres a Japn donde comenz a desarrollar una amplsima actividad artstica y literaria. En el terreno artstico Yayoi Kusama destaca por la diversidad de formas de expresin, desde las ms tradicionales, como la pintura y el collage, hasta otras ms avanzadas como la performance o la intervencin en la naturaleza. En todos ellos, Yayoi Kusama se ha manifestado como una continua y arriesgada renovadora, lo que le ha permitido moverse con soltura en las diferentes tendencias artsticas de las ltimas dcadas, desde el Pop al Minimalismo, pasando por el Expresionismo abstracto o el Art brut. Pese a esta variedad, la obra de Yayoi Kusama no es dispersa sino que goza de una gran coherencia basada en dos principios que se han mantenido prcticamente inalterables: Feminismo y Arte conceptual. Desde hace aos, Yayoi Kusama vive voluntariamente ingresada en un hospital psiquitrico cerca de Tokio. Su reclusin no le ha impedido participar en exposiciones y muestras de arte en todo el mundo, as como recibir importantes reconocimientos y galardones. Entre los ms importantes guran la Orden de las Artes y las Letras de Francia (2003) y el Praemium Imperiale de Japn (2006) (fue la primera mujer en obtenerlo). Adems, Yayoi Kusama ostenta en la
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actualidad el record de precio pagado por la obra de una mujer artista viva cuando la galera Christie's vendi una obra suya por algo ms de cinco millones de dlares.

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Yoko Ono
(1933)

Yoko Ono, Performance Antons Memory

Naci en el seno de una de las familias ms ricas y aristocrticas de Japn. Su madre, Isoko Ono, perteneca a la poderosa saga bancaria de los Yasuda y su padre, Eisuke Ono, descenda de la propia casa real japonesa. Aunque nacida en Japn, su infancia transcurri entre Japn y Estados Unidos como consecuencia de las actividades profesionales de su padre. La II Guerra Mundial supuso un duro golpe para la familia, que vivi momentos de gran penuria pese a disfrutar del trato de favor que su procedencia noble le confera. Acabada la guerra, Yoko fue la primera mujer en ser admitida en la exclusiva Universidad de Gakushuin,
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pero pronto la abandon y se traslad con su familia a vivir a Nueva York donde se matricula en el Sarah Lawerence College. Pese a las reticencias familiares, que no ven con buenos ojos sus compaas, Yoko comienza a frecuentar los crculos artsticos y musicales neoyorquinos. En 1956 contrae matrimonio con el compositor Toshi Ichiyanagi de quien se divorcia pronto para casarse con el tambin msico Anthony Cox quien la introduce en los crculos del arte de vanguardia. En los aos 60 colabora con John Cage y George Maciunas, miembros del grupo Fluxus, con el que se identica esta etapa creativa de Yoko Ono, pese a que ella siempre negara esta relacin alegando que no deseaba perder su libertad creativa. En cualquier caso, la inuencia de Fluxus en Yoko Ono es evidente, tanto en lo formal (con la performance como vehculo de expresin preferido y la presencia constante de la msica) como en la manera radical y conceptual de entender el arte. Intervenciones suyas en los aos 60 son Cut Piece en el Centro de Arte Sogetsu de Tokio (1964) y la publicacin del libro Grapefruit, considerado una pieza fundamental del denominado arte heurstico, en el que el espectador interviene directamente en la creacin de la obra. Tambin en los aos 60 se desarrolla la mayor parte de la actividad de Yoko Ono como directora de cine. Entre 1964 y 1972 dirige diecisis pelculas entre las que destaca Fluxus n 4, tambin conocida como Bottoms, de 1966, dentro de una lnea radicalmente experimental. En 1966, con motivo de una exposicin que Yoko Ono preparaba en Londres, la artista conoci al miembro del grupo The Beatles John Lenon, con quien
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contraera matrimonio y comenzara una colaboracin musical, sobre todo a travs de la Plastic Ono Band. A partir de su unin con Lenon la carrera artstica y pblica de Yoko Ono sufre una profunda transformacin, convirtindose en una gura muy popular, valorada ms por su inuencia en el msico que por su actividad artstica, que queda prcticamente oscurecida. De ella deca el propio John Lenon que era la "artista famosa ms desconocida del mundo". Sin embargo, la actividad artstica de Yoko Ono nunca ha cesado y se prolonga hasta hoy da, tanto en el terreno de las artes plsticas como en el de la msica. En todos los casos, la artista sigue manteniendo los temas de la paz, el sexismo y el racismo como referentes de su produccin.

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Zaha Hadid
(1950)

Si no es fcil encontrar mujeres artistas en la historia reciente, ms difcil an es encontrar arquitectas que alcancen ese privilegio reservado a unos pocos y que distingue a los arquitectos-estrella del resto. Pero Zaha Hadid es uno de esos casos en los que su condicin de mujer no ha impedido que en la actualidad pase por ser uno de los nombres ms prestigiosos de la arquitectura contempornea. Nace adems en un mbito poco favorable para su promocin profesional, pues Zaha Hadid es
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iraqu, nacida en Bagdad, si bien es cierto que muy pronto pudo estudiar en centros de prestigio como la Universidad Americana de Beirut, en la que se grada en Matemticas, y posteriormente en la Architectural Association de Londres donde ya estudia Arquitectura. Tras obtener su ttulo empezar a trabajar asociada con el arquitecto holands Rem Koolhas que, en cierta manera, ser quien la introduzca en la tendencia Deconstructivista de la que ella ser uno de sus principales exponentes. An con todo, sus primeros aos son ms bien de propuestas y proyectos, muchos de los cuales no se llegaran a realizar, por lo que combina su trabajo con la docencia en la misma institucin donde ella haba formado, en la Architectural Association de Londres. Sus primeras obras reconocidas llegan a partir de la dcada de los noventa, como el edicio de bomberos de la fbrica Vitra en Weil am Rhein (Alemania. 1993); el Centro de Arte Contemporneo Rosenthal de Cincinnati (Ohio 1998); o el edicio central de la fbrica BMW en Leipzig (Alemania 2005). A partir de aqu se aanza su prestigio internacional y se multiplican encargos y proyectos, ya no slo puramente arquitectnicos sino tambin urbansticos, tema en el que Zaha Hadid procura desarrollar sus propias ideas personales, enfatizando la importancia de los espacios vacos en las ciudades y el objetivo de suscitar un determinado comportamiento en la gente, algo para ella esencial. En su obra arquitectnica Zaha Hadid es, como hemos dicho, una representante de la tendencia Deconstructivista, un movimiento surgido en las dos ltimas dcadas del S. XX que introduce el mayor grado d e i m a g i n a c i n y c re a t i v i d a d e n e l l e n g u a j e arquitectnico. En realidad, la arquitectura a partir de aqu pierde todas sus referencias tradicionales, no
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habiendo relacin forma-funcin, ni sentido del equilibrio, ni de la armona, ni tampoco de la congruencia en la estructuracin del espacio. Todo vale porque todo se puede hacer gracias a las nuevas tecnologas, triunfando de esta forma los volmenes irregulares o las formas imposibles, como si el propio concepto de la construccin pareciera desintegrarse (deconstruirse) en una sinfona interminable de apariencias y soluciones insospechadas. Todo lo cual resulta espectacular y sorprendente siempre, porque nunca como a travs de este movimiento la arquitectura se haba acercado tanto al lenguaje de la escultura y a su sentido de la plasticidad, si bien no es menos cierta una sensacin de desasosiego a la vista de estas obras, aunque slo sea por lo desconcertantes que resultan al espectador. Ejemplos deconstructivos se encuentran en la obra de arquitectos como Frank Ghery (Guggenheim de Bilbao) en la obra de E. Moss; D. Libeskind o el espaol Enric Miralles. En el caso de Zaha Hadid, su visin de la Deconstruccin resulta ms racionalista, en parte por la inuencia que recibe de su maestro, el mencionado Ren Koolhas, aportando adems un carcter orgnico muy caracterstico en algunos de sus ltimos proyectos, como los diseos de un puente y del Centro de Desarrollo Artstico, en el amplio complejo de la isla de Saadiyat en la capital de los Emiratos rabes, Abu Dhabi, en el que participa junto a otros renombrados arquitectos, y sobre todo en el Pabelln-puente de la Exposicin Internacional Zaragoza 2008. Tambin ha participado en la construccin de algunas zonas del Millennium Dome de Greenwich; la Casa de la pera de la baha de Cardiff, o un original anexo a las bodegas de Lpez Heredia (Haro La Rioja 2006). En el mbito urbanstico que, como hemos dicho, cobra en ella una creciente importancia, ha diseado el llamado One-north o plan urbanstico general de la
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ciudad de Singapur, y se encuentra en fase de estudio su transformacin del barrio de Zorrozaurre en Bilbao. Por todo ello no es de extraar que en el ao 2004 recibiera el Premio Pritzker, que es el equivalente al nobel de arquitectura, siendo ella la primera mujer que lo ha recibido.

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Zinaida Serebriakova
(1884 - 1967)

Zinaida Serebriakova, Autorretrato, 1909

Zinaida Serebriakova naci en Neskuchnoye (Ucrania) en el seno de una familia muy vinculada al mundo del Arte. Su padre, Yevgeny Nikolayevich Lanceray, fue un reconocido escultor, y su abuelo materno, Nicholas Benois, fue un famoso arquitecto de la Rusia zarista. Tambin los hermanos de Zinaida, Nikolay y Yevgeny, se dedicaran al mundo del Arte. Ziraida curs estudios artsticos en la Escuela de Artes de la princesa Tenisheva, tras lo que realiz dos
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viajes de estudios por Italia y Pars, ciudad en la que sigui su formacin en la Acadmie de la Grande Chaumire. Sus trabajos anteriores a la Revolucin Rusa tienen un carcter popular y optimista, con una visin muy plstica de la realidad. Con ellos particip en la gran muestra organizada por la Unin de Artistas Rusos en 1910. De manera muy pasajera, Zinaida Serebriakova perteneci en esta poca al grupo Mir iskusstva, del que se separ por su particular forma de entender la pintura. La revolucin de Octubre afect seriamente a la trayectoria vital y profesional de Zinaida debido a la represin sufrida por su familia. La pintura de Zinaida adopta tintes ms pesimistas y se ve obligada a refugiarse en actividades vinculadas al mundo del teatro para sobrevivir. En el otoo de 1924, Zinaida Serebriakova viaja a Pars tras recibir el encargo de pintar un gran mural. A partir de ese momento Pars se convertir en su lugar de residencia. Entre 1928 y 1930, Zinaida viaja a Marruecos, pas que le marcar por su luz y colorido, dotando a la pintura de Zoraida Serebriakova de un nuevo impulso. Pese a haber adoptado la nacionalidad francesa en 1947, el ao 1966 se organiz una gran muestra de la obra de Zinaida Serebriakova en Mosc, San Petersburgo y Kiev. La crtica y el pblico acogieron con entusiasmo la obra de Zinaida que recibi los mayores elogios. El triunfo en la Unin Sovitica no impidi que Zinaida Serebriakova mantuviera su residencia en Pars, ciudad en la que falleci el 19 de septiembre de 1967.

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