Unidad 7.

La música instrumental del Barroco 3º ESO

DOSSIER DE APUNTES
Y ACTIVIDADES PARA
EL ALUMNO

UNIDAD 7. LA MÚSICA
INSTRUMENTAL DEL
BARROCO

Profesora: Silvia Castelló Sánchez

Curso: 3º ESO
Unidad 7. La música instrumental del Barroco 3º ESO

o Contexto histórico: el periodo barroco

El Barroco es un periodo que abarca desde principios del siglo XVII hasta
mediados del XVIII. Tradicionalmente, se delimita el Barroco musical entre
1600, fecha de la publicación de la primera ópera, y 1750, fecha de la
muerte de J. S. Bach, el compositor más importante de este periodo.
En las artes plásticas y en la arquitectura, el Barroco será un arte recargado,
que buscará emocionar al espectador mediante la búsqueda de la tensión y
el movimiento. Pretende ser un arte que exprese y transmita emociones.

Fuertes contrastes de luces y

sombras realzarán los
efectos escenográficos de muchos
cuadros, esculturas y obras
arquitectónicas. Los escultores y
pintores barrocos buscaron
Para ver esta pel’cula, debe
disponer de QuickTimeª y de
un descompresor .

expresar los sentimientos

interiores
y las pasiones de sus personajes a
través de la expresividad de sus
rostros y del movimiento de sus
cuerpos y ropajes.

Éxtasis de Santa Teresa, obra maestra de

Bernini.

En la literatura, también surgirán importantes figuras como Molière en

Francia, o Cervantes y Calderón en España. En la ciencia, asistimos en
este periodo, al igual que en el renacimiento, a grandes avances con
científicos como Galileo, al que se considera fundador de la ciencia
moderna, o Isaac Newton.
En la época barroca resurgen con
fuerza dos poderes importantes: la Imagen de la Galería de los
Espejos en el Palacio de Versalles .
Iglesia y la Monarquía.
La Iglesia Católica buscará
hacerse fuerte para combatir la
Reforma de Lutero y, en Europa,
surgirán poderosas naciones,
como Francia, sustentadas en la
figura del rey. Para ver esta pel’cula, debe
disponer de QuickTimeª y de

El objetivo de la música barroca un descompresor .

será, al igual que el resto de

manifestaciones artísticas del arte
barroco, la búsqueda de la
emoción del oyente y, para ello,
empleará sus propios recursos.
Música al servicio del poder

Las grandes monarquías de este periodo creen importante rodearse de lujo,

ya que lo consideraban un signo de prestigio y poder. Luis XIV, rey de
Francia, tendrá en su Palacio de Versalles una de las mejores orquestas de
Europa.
La Iglesia Católica también verá en la música un instrumento útil para
acercar a los fieles a su doctrina.

Aproximación histórica al Barroco

1. Contexto histórico:

o El absolutismo monárquico.
o Francia: Luis XIV y Lully.
o Inglaterra: George II y Haendel.
o España: Felipe V y Farinelli.
o Guerras de religión:
o Guerra de los Treinta años: católicos contra protestantes alemanes.
o Guerra de Independencia de Holanda: protestantes contra católicos
españoles.
o Guerra contra los Hugonotes: católicos contra calvinistas franceses.

2. Contexto social:

o Crisis demográfica: guerras y epidemias.

o Crisis económica: hambrunas.
o Expulsión de los moriscos en España.

3. Contexto cultural:

o Desarrollo de la ciencia:
o Heliocentrismo: Galileo Galilei.
o Gravitación universal: Isaac Newton.
o Estética: La teoría de los afectos.
o Descartes y Las pasiones del alma.
o Barroco:
o Obsesión por la muerte y por la fugacidad de la vida.
o Búsqueda de contrastes.
o Lujo, ostentación y grandiosidad.
o El arte como medio de propaganda del poder real y religioso: Versalles y el
Vaticano.
o Literatura: Cervantes y El Quijote.
o Pintura: Caravaggio en Italia, Rubens en Flandes, Velázquez en España y
Rembrandt en Holanda.

FORMAS MUSICALES INSTRUMENTALES

BARROCAS

Las formas instrumentales barrocas más importantes son el concierto solista,

el concerto grosso y la suite de danzas (mayores) y la tocata, preludio y
fuga (menores)

El Concierto

Esta palabra tiene su origen en el término italiano concertare , que se

podría traducir con rivalizar, competir. Esto tiene sentido, ya que este género
instrumental se basa en cierta “rivalidad” entre diferentes grupos de
instrumentos. En el Barroco hubo dos variantes de este género:

 Concierto grosso: la rivalidad o diálogo musical se establece entre

un pequeño grupo de instrumentos, llamado concertino , y el resto
de la orquesta o tutti. Suele constar de tres movimientos
contrapuestos:

1º Allegro 2º Lento 3º Allegro

Desde otro punto de vista, está integrado por el ritornello (retornar:

volver), que es la música que toca el tutti y que se repite, y el solo,
que es el material nuevo que toca el concertino:

R S R S’ R
Ritornello solo Ritornell Solo Ritornell
ooo o o

Destacaron como autores en este género Corelli y Haendel. El concierto

 grosso desaparecerá a finales del Barroco, porque se impondrá el
concierto solista.

1.Actividad .Audición de ejemplo:

En clase, escucha y sigue la partitura del Concierto de Branderburgo

nº 2 en Fa M de J.S Bach
Obra: Concierto de Branderburgo nº 2 en Fa Mayor
Autor: Johann Sebastián Bach
Objetivo: Comprensión del Concerto grosso
Forma: Concerto grosso
Género: Música Instrumental

Observa:
a) en el inicio, el ritornello, con sus cuatro partes ABCD.
b) Escucha cómo cada una de esas partes se repite de manera
constante
c) La existencia de dos bloques: viento y cuerda, que conforman
dos grupos: el concertino-solo: trompeta, flauta, oboe y violín; y grosso:
cuerda y bajo continuo.
d) los contrastes entre solos y tutti.
e) el movimiento mecánico del Barroco
f) después del ritornello, cómo cada instrumento solista va
exponiendo un tema nuevo.
 Concierto solista: se establece un diálogo entre un solo instrumento ( a
veces dos) y la orquesta. En él, un solista se en enfrenta a toda la
orquesta. En este concierto, la parte solista suele hacer gala de un gran
virtuosismo instrumental. Poco a poco la forma concierto crece y se hace
más sofisticada. El concierto solista ha sido muy cultivado por todos los
grandes compositores como Vivaldi o Bach y casi todos los
instrumentos tienen escritos algún concierto para ese instrumento y
orquesta.
Se estructura en tres partes o movimientos que contrastarán en el
tempo:

1º Rápido 2º Lento 3º Rápido

ACTIVIDAD

2. Escucha un fragmento de cada uno de los tres

movimientos del Concierto para oboe Op.2 en re m, de
AIbinoni y después interpreta un movimiento de un
concierto para flauta dulce perteneciente a Vivaldi. Se
trata de una pieza llamada ¡Viva Vivaldi!. En tu cd
tienes la música que acompañará tu solo. A
continuación tienes la partitura a interpretar:
 Suite: La suite está compuesta por una serie de danzas o
movimientos de danza de distinto carácter y ritmo, con lo que se
consigue dar el sentido dramático de “contraposición” típico del
Barroco Durante el siglo XVII adquiere una gran importancia y tanto
en Italia como en Francia, Alemania e Inglaterra se cultiva
enormemente. Posteriormente en Francia, con Couperin también
alcanza gran esplendor. El número de piezas de que puede estar
compuesta es muy variable.

3. Actividad:
Escucha la Suite nº 2 en si menor BWV 1067 de Johann
Sebastian Bach y realiza las siguientes actividades:

3.1. Completa el siguiente cuadro

NOMBRE DE LA DANZA TEMPO RITMO

Obertura
Rondó
Zarabanda
Bourré
Polonesa
Minueto
Badinerie
 3.2. Averigua la forma del Rondó
3.3. Averigua la forma de la Bourré y realiza un
musicograma
3.4. Indica cuál es la textura de la Zarabanda
3.5. Realiza un comentario valorativo de la obra

 Tocata :La tocata es una forma musical libre de carácter variable y

pensada para ser ejecutada por un instrumento de teclado. Nació en
Italia, hacia el final del S.XVI. Consta de varios movimientos, tanto
lentos como rápidos y es de mucho virtuosismo

Se confunde a veces con el Preludio, pues se utilizaba muchas veces como

introducción a la Fuga.

 Preludio : pieza instrumental que precede a una obra más extensa o

a un grupo de piezas. En su origen, los preludios consistían en las
improvisaciones que realizaban los instrumentistas para comprobar
la afinación de sus instrumentos y las que realizaban los organistas
para establecer la altura y el modo de la música que iba a cantarse
durante la liturgia.

 Fuga: es la manifestación técnica y artística más madura y libre

de la escritura contrapuntística. Es imposible encasillar todas
las fugas escritas bajo un solo patrón uniforme. Cada una
difiere en uno u otro detalle estructural de las demás, aunque
se pueden incluir en dos grandes grupos: la fuga libre y la
fuga de escuela o escolástica. Es en esta última donde la
estructura es fija e imperturbable y sigue unos patrones
estructurales, formales y de modulación preestablecidos.
Las fugas generalmente tienen tres o cuatro partes, es
decir, voces melódicas; pero existen composiciones
orquestales de hasta ocho o diez voces. Son raras las fugas de
dos partes, donde el tema sólo puede ir de la voz superior a la
inferior. Un ejemplo de fuga a dos partes es la Fuga en Mi
 menor del primer libro de El clave bien temperado de Johann
Sebastian Bach.
En la fuga, una breve frase musical llamada sujeto se superpone y
alterna con otra frase llamada contrasujeto.
ESTRUCTURA DE LA FUGA
Desde el punto de vista de la estructura, las fugas tienen
varias partes. La primera y más importante es la exposición, que
ocurre al comienzo de la fuga y consiste en la aparición del sujeto
o tema principal que será repetido por cada una de las voces,
aunque siempre. En algún punto después de que la primera voz ha
comenzado -cuando ya ha expuesto el sujeto en su totalidad-, la
segunda voz reproduce el tema, generalmente transpuesta a la
quinta superior (o cuarta inferior) del original; esto es, si el sujeto
está en Do, la respuesta cambiará de tono a Sol. El proceso se
repite hasta que todas las voces hayan introducido el sujeto o la
respuesta, en el caso de las fugas escolásticas. En la fuga libre
no es necesario que todas las voces expongan el tema.
Después llega una etapa libre en la que el compositor
introduce el sujeto ya sea en su estado original o modificado
mediante diferentes mecanismos como la aumentación (aumentar
la duración rítmica del sujeto), la disminución (disminuir la duración
rítmica del sujeto), la inversión (invertir los intervalos que
componen el sujeto), etc. Estas introducciones están separadas
por secciones libres llamadas episodios o divertimenti. Los
episodios consisten en modulaciones que permiten la entrada de
los sujetos. Muchas fugas tienen un mecanismo contrapuntístico
llamado stretto (estrecho), que consiste en exponer solapado, pero
a cierta distancia, el sujeto, la respuesta o el/los contrasujeto/s en
las distintas voces.

FORMA DE LA FUGA

Con relación a su forma esencial, la fuga esta integrada por

tres secciones: exposición, sección o secciones medias, sección
final y final:
- La exposición es la primera parte de la fuga donde el tema se expone
una o más veces en cada una de las voces que intervienen.
- La sección media sigue a la exposición y en ella se introducen uno o
más episodios de gran riqueza modulatoria: tonalidad relativa,
subdominante o dominante. Es frecuente el uso de pausas o silencios de
larga duración en esta segunda sección, con el propósito de que cuando
aparezca nuevamente el tema, adquiera más interés.
- La sección final generalmente empieza cuando el sujeto vuelve a la
tonalidad inicial de la fuga y de aquí a la culminación de la obra.
- El final de una fuga suele consistir en varios compases añadidos a la
estructura principal, concluyendo así la obra con un adorno. Esta
conclusión es la coda.

4. Actividad:
A continuación, tienes la partitura de la Fuga en Fa
#Mayor de “El clave bien temperado” de J.S. Bach.
Escucha al mismo tiempo dicha fuga y realiza un análisis
en la partitura donde aparezcan todos los aspectos de la
fuga del apartado anterior: sujeto, contrasujeto,
división en secciones, etc.
 La Orquesta Barroca

Origen del término:

Orquesta, es una palabra de origen griego que significa “lugar para

danzar”; era el espacio donde, en el teatro, actuaban el coro y los
instrumentistas. Cuando en la Italia del siglo XVII se inventaba la
ópera creyendo recuperar el drama griego, se usa el mismo término,
“orquesta” , para indicar el lugar en el que se colocaban los músicos.
Inmediatamente el término se empleará para indicar a un conjunto de
músicos que tocan juntos diversos instrumentos.

La orquesta barroca es aún pequeña en relación con la moderna, pero

ya no se trata de una serie de instrumentos unidos al azar, sino de un
grupo pensado, donde la cuerda será la espina dorsal de todo el
conjunto.
El modelo de orquesta barroca es el siguiente:

o Familia de las cuerdas: compuesta por 5 violines primeros, 5

segundos, 4 violas, 5 violonchelos y 2 contrabajos
o Familia de viento: formada por 2 flautas, 2 oboes, 2 fagotes y 2
trompetas
o Familia de percusión: 2 timbales
o Finalmente el bajo continuo realizado por el clavicémbalo, arpa u
órgano.
Johann Sebastián Bach

(Alemania, 1685-1750)

Bach fue uno de los más grandes y productivos genios de la

música europea.
Organista y compositor alemán del periodo barroco, Bach nació el 21
de marzo de 1685 en Eisenach, Turingia, en el seno de una familia
que durante siete generaciones dio origen, al menos, a 53 músicos de
importancia, desde Veit Bach hasta Wilhelm Friedrich Ernst Bach.
Johann Sebastian recibió susprimeras lecciones musicales de su
padre, Johann Ambrosius, que era músico de la ciudad. A la muerte de
su padre, se fue a vivir y estudiar con su herman omayor, Johann
Christoph, por entonces organista de Ohrdruff. En 1700 Bach comenzó
a ganarse la vida como miembro del coro de la iglesia de San Miguel,
en Lunneburg.
En 1703 pasó a ser violinista de la orquesta de cámara del príncipe
Johann Ernst de Weimar, pero más tarde, ese mismo año, se fue a
Arnstadt, donde se convirtió en organista de iglesia. En octubre de
1705 Bach consiguió un mes de permiso para estudiar con Dietrich
Buxtehude, renombrado organista y compositor danés, aunque
afincado en Alemania, quien por entonces se encontraba en Lubbeck
y cuya música influyó enormemente en Bach. Esta visita le gustó
tanto que prolongó su estancia un mes más de lo acordado, lo que
levantó críticas por parte de las autoridades eclesiásticas, que
además se quejaban de las extravagantes florituras y armonías con
las que acompañaba a la congregación en sus cantos religiosos. A
pesar de todo, su arte ya era demasiado respetado como para que
estas críticas pudieran desembocar en su despido. Bach fue
nombrado organista en Arnstadt (1704-1707) para ser luego
destinado a Mulhausen donde contrajo matrimonio con su prima
María Bárbara Bach. En 1708 se convirtió en organista de la corte de
Weimar y allí escribiría la mayor parte de sus obras para órgano. Allí
permaneció durante los siete años siguientes, y se convirtió en
concertino de la orquesta de la corte en 1714. En Weimar compuso
unas 30 cantatas, incluida la conocida cantata de funeral Gottes Zeit
ist die allerbeste Zeit (El tiempo de Dios es el mejor), y también
compuso obras para órgano y clavicémbalo. Comenzó a viajar por
Alemania como virtuoso del órgano y como asesor de organeros. En
1717 Bach comenzó en un nuevo trabajo, que duró seis años, como
maestro de capilla y director de música de cámara en la corte del
príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen. Durante este periodo escribió
fundamentalmente música profana para conjuntos instrumentales e
instrumentos solistas. También compuso libros de música para su
mujer e hijos, con el objeto de enseñarles la técnica del teclado y el
arte de la música en general. Estos libros incluyen el Clave bien
temperado, las Invenciones y el Pequeño libro de órgano. Un año
después de que su primera mujer muriera en 1720, Bach se casó con
Ana Magdalena Wilcken, cantante e hija de un músico de la corte que
le dio trece hijos, además de los siete que había tenido con su
anterior mujer, y lo ayudó en la labor de copiar las partituras de sus
obras para los músicos que debían interpretarlas.
En 1723 Bach se trasladó a Leipzig y allí permaneció el resto de
sus días. Su cargo de director musical y jefe de coro en la iglesia de
Santo Tomás y en la escuela eclesiástica de Leipzig no le satisfacía
por diversas razones: tenía disputas continuas con los miembros del
consejo municipal, y ni ellos ni el pueblo apreciaban su talento que se
aferraba a formas obsoletas de música. A pesar de ello, las 202
cantatas que nos han quedado de las 295 que compuso en Leipzig
todavía se siguen escuchando, mientras que música que entonces
parecía novedosa ha quedado en el olvido. La mayoría de las cantatas
se inician con una sección de coro y orquesta, a ella sigue una
alternancia de recitativos y arias para voces solistas y
acompañamiento, y concluyen con un coral basado en un simple
himno luterano La música está siempre muy ligada al texto, y lo
ennoblece con su expresividad e intensidad espiritual.

Entre estas obras destacan la Cantata de la Ascensión y el Oratorio

de Navidad, formado este último por seis cantatas. Las Pasiones
según San Juan y según San Mateo también están escritas durante el
periodo de su estancia en Leipzig, al igual que su magnífica Misa en si
menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este
periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro
del Clave bien temperado y el Arte de la fuga, magnífica
demostración de su conocimiento contrapuntístico, formada por 16
fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema. Tras
sufrir varios años de ceguera, Bach moriría en Leipzig a los 65 años.
 Para ver esta pel’cula, debe
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un descompresor .

George Friedrich Haendel

(Alemania, 1685-1759)

Para ver de
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Compositor alemán, aunque nacionalizado británico. Fue uno de

los más grandes compositores de la última etapa barroca. Nació el 24
de febrero de1685 en Halle, Alemania, en el seno de una familia sin
tradición musical. No obstante, su talento se manifestó de tal manera
que, antes de cumplir los diez años, comenzó a recibir, de un
organista local, las únicas clases a las que asistió en toda su vida.
Aunque su primer trabajo, a los 17 años, fue como organista de
iglesia en Halle, sus gustos musicales no correspondían con ese
cargo. En 1703 se trasladó a Hamburgo, el centro operístico de
Alemania por ,que obtuvo gran éxito al año siguiente. Poco más tarde,
insistiendo en su deseo de conseguir prestigio como compositor de
ópera, marchó a Italia. Su primera parada fue en Florencia y en la
primavera de 1707 viajó a Roma, donde disfrutó del mecenazgo tanto
de lanobleza como del clero. En Italia compuso óperas, oratorios y
pequeñas cantatas profanas. Su estancia en Italia finalizó con el éxito
de su quinta ópera,
Agrippina (1709), estrenada en Venecia.

Haendel abandonó Italia y comenzó a trabajar como compositor

y director de orquesta de la corte en Hannover, Alemania, a donde
llegó en 1710. Pero, al igual que ocurrió con su estancia en Halle, no
permaneció en este puesto durante mucho tiempo y a finales de ese
mismo año marchó a Londres, donde estrenó Rinaldo (1711) con un
nuevo triunfo. Tras regresar a Hannover le concedieron un permiso
para viajar a Londres por un corto periodo de tiempo, aunque esta
vez se quedó en la capital británica. En 1714, el elector de Hannover
fue nombrado rey con el nombre de Jorge I de Inglaterra. Después de
algunos problemas con Haendel, volvieron a reconciliarse, le dobló la
cantidad de la pensión y fue nombrado tutor de los hijos del rey. Bajo
el mecenazgo del duque de Chandos, compuso su oratorio Esther y
las 11 Anthems Chandos para coro, solistas y orquesta (1717-1720).
En 1719 el rey le concedió una subvención para fundar la Royal
Academy of Music (centro del que fue presidente), destinada a los
espectáculos operísticos. Allí se estrenaron algunas de sus grandes
óperas: Radamisto (1720), Giulio Cesare (1724), Tamerlano (1724) y
Rodelinda (1725). En 1727 Haendel obtuvo la nacionalidad británica.
El año 1728 la Royal Academy se derrumbó; no obstante, al año
siguiente fundó una nueva compañía. En 1734 se vio forzado a
trasladarse a un nuevo teatro por las presiones de la Opera of the
Nobility compañía rival, y continuó componiendo ópera hasta 1737,
año en que las dos empresas dejaron de funcionar. En 1737, un
ataque de parálisis le obligó a permanecer una temporada inactivo y
se retiró a Aquisgrán. En 1738 retomó la composición operística y en
1741 compuso su última ópera, Deidamia. Durante los años treinta se
consagró, en primer lugar, a la composición de oratorios dramáticos
en inglés, como Athalia (1733) y Saúl (1739), y en segundo lugar, a
obras instrumentales interpretadas junto a los oratorios, entre las que
se encuentran algunos de sus más importantes conciertos: los
conciertos para solistas del opus 4 (1736, cinco para órgano y uno
para arpa), y los 12 Concerti grossi opus 6 (1739). En 1742 estrenó en
Dublín el oratorio El Mesías, su obra más famosa. Hasta 1751
continuó componiendo oratorios, entre los que se incluyen obras
maestras como Sansón (1743) y Salomón (1749); fue entonces
cuando su vista comenzó a fallar. Murió en Londres el 14 de abril de
1759; la última representación musical que escuchó fue El Mesías, el
6 de abril de ese mismo año.
Haendel evitó las rigurosas técnicas contrapuntísticas de su
compatriota ycontemporáneo Johann Sebastian Bach y basó su
música en estructuras sencillas, de acuerdo con sus creencias
estilísticas. No obstante, la obra de ambos compositores refleja la
época en que vivieron. Tras ellos, la ópera tomó un camino diferente y
los géneros favoritos del barroco, como la sonata para trío y el
concerto grosso, se abandonaron durante mucho tiempo. El desarrollo
de la orquesta sinfónica y del pianoforte permitió investigar materias
que se habían descartado en el periodo barroco. A pesar de todo, la
influencia de ambos compositores no descansa en ejemplos
específicos. El legado de Haendel se basa en la fuerza dramática y la
belleza lírica de su música. Sus óperas abarcan desde los esquemas
rígidos y convencionales hasta un tratamiento más flexible y
dramático de los recitativos, ariosos, arias y coros. Su habilidad para
construir grandes escenas en torno a un sólo personaje la
desarrollaron compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y el
italiano Gioacchino Rossini en sus escenas dramáticas. La herencia
más importante de Haendel es, sin duda, la creación del oratorio
dramático, alejado de las tradiciones operísticas existentes y llevado
a término por su imaginación creativa. Los oratorios del austriaco
Josef Haydn y del alemán Felix Mendelssohn están influidos en gran
medida por los de Haendel. Fue uno de los primeros compositores de
quien se escribió una biografía (1760), que tuvo celebraciones por el
centenario de su nacimiento y cuya música se publicó en su totalidad
(cuarenta volúmenes, 1787-1797). Ludwig van Beethoven alabó estas
publicaciones. A pesar de que hoy día, al igual que durante el siglo
XIX, se conoce a Haendel por obras como El Mesías y Música acuática,
cada vez más se intenta mostrar el resto de sus composiciones,
especialmente las óperas. Su genio musical merece ser recordado en
toda su amplitud.

Antonio Vivaldi
 Para ver esta pel’cula, debe
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un descompresor .

(Venecia, 1678 - Viena, 1741)

Compositor y violinista italiano. Igor Stravinski comentó en una

ocasión que Vivaldi no había escrito nunca quinientos conciertos, sino
«quinientas veces el mismo concierto». No deja de ser cierto en lo
que concierne al original e inconfundible tono que el compositor
veneciano supo imprimir a su música y que la hace rápidamente
reconocible.

Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el género

concertante, sino también abundante música de cámara, vocal y
operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y
orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha
eclipsado otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi
es por derecho propio uno de los más grandes compositores del
período barroco, impulsor de la llamada Escuela veneciana –a la que
también pertenecieron Tommaso Albinoni y los hermanos Benedetto y
Alessandro Marcello– y equiparable, por la calidad y originalidad de su
aportación, a sus contemporáneos Bach y Haendel.

Poco se sabe de su infancia de Vivaldi. Hijo del violinista Giovanni

Battista Vivaldi, el pequeño Antonio se inició en el mundo de la
música probablemente de la mano de su padre. Orientado hacia la
carrera eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un
año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a
consecuencia de una enfermedad bronquial, posiblemente asma.

También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale

della Pietà, una institución destinada a formar muchachas huérfanas.
Ligado durante largos años a ella, muchas de sus composiciones
fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina. En
este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate da
camera Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que
conforman la colección L’estro armonico Op. 3, publicada en
Amsterdam en 1711.

Con ellas, Antonio Vivaldi alcanzó renombre en poco tiempo en todo

el territorio italiano, desde donde su nombradía se extendió al resto
del continente europeo, y no sólo como compositor, sino también, y
no en menor medida, como violinista, uno de los más grandes de su
tiempo. Basta con observar las dificultades de las partes solistas de
sus conciertos o sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico
del músico en este campo.

Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba

grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también la
atención de Vivaldi, a pesar de que su condición de eclesiástico en
principio le impedía abordar un espectáculo considerado en exceso
mundano y poco edificante. De hecho, sus superiores siempre
recriminaron a Vivaldi su escasa dedicación al culto y sus costumbres
laxas.