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Contenido
• 1 Arte antiguo
○ 1.1 Arte del Antiguo Egipto
○ 1.2 Arte clásico: Grecia y Roma
• 2 Arte medieval
• 3 El Renacimiento
• 4 Manierismo, Barroco y Rococó
• 5 Neoclasicismo, Romanticismo, Academicismo, Realismo
• 6 Impresionismo, post-Impresionismo
• 7 Arte moderno y vanguardista
• 8 Arte contemporáneo
Arte antiguo
Aunque el concepto de Arte es moderno, es perfectamente
utilizable en la arquitectura, escultura, pintura y joyería de la
antigüedad, siendo muchas de sus realizaciones auténticas obras
de arte y no simples trabajos utilitarios de artesanía. La
formulación de la estética clásica occidental se inicia con las
culturas griega y romana.
Escriba egipcio
Arte del Antiguo Egipto
En el arte egipcio hay una exaltación de la vida eterna,
manifestándose en las primeras épocas la idea que el faraón
seguía viviendo después de su muerte física. En Egipto, desde las
primeras dinastías, el faraón era concebido como responsable de
la Maat, el Orden y la Justicia Universal, y ello tendrá su reflejo
en el arte.
Bajorrelieve. Louvre
La arquitectura egipcia, de fuerte carácter simbólico y gran
monumentalidad, emplea por primera vez la piedra tallada, en grandes bloques, con un
sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. Las construcciones más características
de la arquitectura egipcia religiosa son los "complejos de las pirámides", los templos y las
tumbas (mastabas e hipogeos). Se han conservados pocos restos de arquitectura civil, pues
fueron construidos con adobe.
La escultura alcanza durante la cuarta dinastía el dominio absoluto de la técnica en
elegantes y realistas representaciones de escribas y estatuas de faraones de porte
majestuoso. Predominaba la "ley de la frontalidad".
Las representaciones murales, en bajorrelieve o pinturas, representan con criterio simbólico
y jerárquico imágenes mitológicas, de la realeza y, posteriormente, escenas de la vida
cotidiana (en tumbas de nobles). Predominaba el "canon de perfil".
Arte clásico: Grecia y Roma
Los griegos son los responsables de un concepto de arte que
impregnará prácticamente toda la producción artística europea
occidental durante más de 2000 años. La palabra griega para el
arte, tekné, que también significa técnica u oficio, estará asociada
a la idea de mímesis, que considera que en el mundo real, la
manifestación artística debe representar la búsqueda de lo ideal.
Lo ideal, para los griegos, era representado por la Perfección de la
Naturaleza, de esta forma, el arte debe ser perfecto. Por lo tanto,
según el punto de vista clásico, el arte es una imitación de la
naturaleza, mas no se reduce a un simple retrato de ella, sino que
busca una naturaleza ideal y universal. La búsqueda de este ideal
universal de naturaleza es, para el arte clásico, la búsqueda de la
belleza universal, pues la naturaleza, siendo perfecta, es bella. No
existe separación, según este punto de vista, entre arte, ciencia,
matemáticas y filosofía: todo conocimiento humano está destinado
a la búsqueda de la perfección.
Escultura clásica
Los griegos son responsables también de una serie de avances desde el punto de vista
técnico de la producción artística. El arte griego por excelencia fue la escultura: los griegos
la desarrollarán de forma impresionante, y será considerada un modelo a seguir por otras
culturas del mismo periodo. La búsqueda de las proporciones naturales perfectas llevó
también a que la escultura griega estableciese determinados cánones de belleza que, aunque
absolutamente naturalistas, estaban alejados de la realidad cotidiana. Las proporciones de
los cuerpos humanos ideales seguían normas rígidas, de forma que la producción
escultórica fuese una búsqueda y una consecuencia de estos cánones: por ejemplo, la altura
del cuerpo masculino debería corresponder aproximadamente a siete veces y media la altura
de la cabeza. Esta proporcionalidad llegó hasta nuestro días principalmente gracias a la
conservación de los textos vitruvianos durante la Edad Media, aunque es probable que
tratados distintos reflejasen reglas diferentes.
En el terreno de la arquitectura, los edificios más característicos del arte griego son los
templos, los cuales suelen clasificarse según la tipología de sus plantas y el orden o estilo
de las columnas. Los romanos reproducirán muchos de los esquemas arquitectónicos
griegos, pero introduciendo además nuevos elementos como el arco, así como nuevas
técnicas y materiales de construcción. En Roma, por otro lado, la arquitectura civil cobrará
una mayor importancia.
Arte medieval
Periodo: siglo VI - siglo XV
El arte durante la Edad Media estuvo casi exclusivamente ligado a la religión, más
concretamente al cristianismo. Durante este periodo, en el que la inmensa mayoría de los
campesinos era iletrada, las artes visuales eran el principal medio para comunicar las ideas
religiosas junto con los sermones. La Iglesia Católica era una de las pocas instituciones lo
suficientemente ricas como para pagar la obra de los artistas, y por tanto la mayor parte de
las obras de este periodo eran de naturaleza religiosa (condicionando la aparición de lo que
se conoce como arte sacro).
Pintura medieval: pedagógica, religiosa
Desde la caída del Imperio romano, muchas de las técnicas
artísticas de la Grecia Antigua se perdieron, lo que llevó a la
pintura medieval a ser mayoritariamente bidimensional. Como no
existía ninguna noción de perspectiva en el arte, las personas
retratadas eran pintadas mayores o menores de acuerdo con su
importancia. Junto con la pintura, la tapicería era la más
importante forma de arte medieval, teniendo en cuenta que los
tapices eran necesarios para mantener el calor interno de los
castillos (construidos en piedra) durante el invierno. La tapicería medieval más famosa es el
ciclo de La Señora y el Unicornio.
Los dos principales estilos arquitectónicos (relacionadas principalmente con la construcción
de catedrales) fueron el románico y el gótico. El románico se caracterizaba por muros
gruesos y estructuras macizas, apenas aligeradas por vanos. El gótico, caracterizado por
construcciones de una mayor altura y con un gran número de vanos, supuso la aparición de
nuevas técnicas de construcción, pudiéndose prescindir de muros gruesos gracias al uso de
las bóvedas de crucería en las que la estructura de nervios se independizó de los paños. En
la construcción de las catedrales se buscaba crear una sensación "mística" en el interior de
las mismas, es decir, se buscaba unos interiores que recrearan un ambiente "celestial",
efecto que se hace más notorio en el gótico.
Un hecho a tener en cuenta es la aparición de los gremios en este periodo, reuniendo a
artesanos que detentaban el monopolio del conocimiento práctico de determinada rama de
la producción. Se debe resaltar que el pueblo durante la Edad Media no poseía el hábito de
la lectura, y eran muy pocos los que tenían acceso a la escritura y podían leer. Por lo tanto,
el arte fue una forma de difundir en la sociedad la doctrina del cristianismo.
Resulta difícil identificar a artistas individuales en este periodo, salvo algún maestro de
obra en las construcciones arquitectónicas, y la mayor parte de las obras son de autores
anónimos.
El Renacimiento
Periodos:
• Renacimiento italiano - finales del siglo XIV hasta mediados del siglo XVI
• Renacimiento nórdico - siglo XVI
El Hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci es el
símbolo del espíritu humanista del Renacimiento. El
arte de este periodo A arte do período refleja las
características del diseño: clasicismo, razón y simetría.
Durante la Edad Media europea, las pinturas y
esculturas tendían a estar centradas en el tema religioso,
especialmente en el Cristianismo. Pero, a medida que el
Renacimiento emergía, el foco de atención de los
artistas se traslada hacia el pasado clásico, buscando
influencias en la Grecia Antigua y Roma, llevando a
profundos cambios tanto en los aspectos técnicos como
en cuanto a los motivos y temáticas de la pintura y la
escultura. Los pintores pasaron entonces a aumentar el
realismo de sus trabajos usando las nuevas técnicas de
perspectiva (recién redescubierta y bastante
desarrollada), representando de un modo más realista
las tres dimensiones. La manipulación de la luz y y la
sombra, presente en los trabajos de Ticciano con contraste de tonos, fue realizada
excelentemente mediante las técnicas de chiaroscuro y de sfummato desarrolladas por
Leonardo da Vinci. Los escultores también redescubrirán muchas técnicas antiguas como el
contrapposto.
También se adoptarán muchos elementos de la arquitectura griega y romana, pero la gran
innovación de la arquitectura renacentista va a ser el perfeccionamiento de la construcción
de cúpulas, destacando la cúpula de Santa María del Fiore, en Florencia.
Siguiendo el espíritu humanista del periodo, el arte se volcó hacia temáticas más laicas,
buscando motivos en la mitología clásica añadiéndolos a los temas cristianos. Este género
de arte suele denominarse clasicismo renacentista. Los tres artistas renacentistas más
influyentes son Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti y Rafael Sanzio,
pertenecientes al renacimiento italiano.
Otra figura igualmente importante aunque menos conocida del Renacimiento (en este caso,
de la pintura flamenca) es Jan van Eyck, pintor holandés.
Impresionismo, post-Impresionismo
Surgido de la ética naturalista del Realismo, pero al mismo tiempo
apartándose de ella, creció un importante movimiento artístico: el
Impresionismo. Surge la fotografía y esta toma el lugar de la pintura de
retratos, y los artistas se volcarán en la búsqueda del elemento
fundamental de la pintura y destacado de la fotografía.
El Impresionismo de Claude Monet.
Se encontrará en la luz y el movimiento. Los impresionistas fueron los pioneros en el uso
de la luz en la pintura como forma de capturar la vida como vista por los
ojos humanos. Edgar Degas, Edouart Manet, Claude Monet, Camille
Pissarro y Pierre-Auguste Renoir estaban relacionados con el
movimiento impresionista.
Van Gogh representa una de las tendencias del Postimpresionismo.
Buscando nuevas formas de expresión y de diálogo con la realidad,
surgirán artista que, aunque con un origen impresionista, se separarán del movimiento,
previendo el advenimiento de lo moderno. Genéricamente llamados post-impresionistas,
entre los integrantes de este grupo (que no poseían ningún vínculo formal, siendo muchas
veces desconocidos unos de otros) se incluían Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Paul
Cézanne.