Duchamp, el posmodernismo y la muerte del arte

Publicado el Marzo 19, 2008 por Hernán Montecinos

Por: Juan Alegría Licuime

Fuente: www.critica.cl (29.03.2006)

Para el presente año los más importantes museos de Holanda, España, Francia, Inglaterra y
EE.UU, preparan apoteósicas exposiciones, que tendrán como protagonistas principales las
figuras de: Rembrandt, Cézanne y Picasso. Es el regreso a la pintura en su forma clásica:
espacio, profundidad, color, luz etc., las exhibiciones tienen como contexto los 400 años del
nacimiento de Rembrandt; el 25 aniversario de la llegada de Guernica a España; el
aniversario 125 del natalicio de Picasso; y el centenario de la muerte de Cézanne. Este
reposicionamiento de la pintura tradicional, resulta por lo menos, “sospechoso” (interés en
reposicionar la pintura tradicional en función de lógicas económicas, necesidades del
mercado del arte etc. ), en un contexto dominado por una heterogeneidad de discursos
artísticos.

En la actualidad, el desarrollo de nuevas propuestas artísticas plantean un profundo análisis

de los mecanismos y estrategias que posibilitan el discurso del arte. El eclecticismo y la
falta de solidificación de las nuevas iniciativas instalan una gran interrogante sobre esta
problemática. La profecía de la eminente muerte del arte, planteada por Hegel en el siglo
XIX, sigue suscitando las más variadas interpretaciones. Si, en la actualidad nos situamos
bajo esta premisa, estaríamos en presencia de un cadáver, donde su única vitalidad se
reduciría a su hedor putrefacto. ¿Pero cómo entender entonces la proliferación de nuevas
obras de arte?, de que forma, es posible explicarse el deseo de miles de personas que
acuden al cine, van al teatro o escuchan música. De que modo, interpretar los intereses de
las personas que visitan los museos. Para Ernst Fischer, el ser humano se identifica con una
pintura, una escultura etc. , en función de querer ser algo más que él mismo: quiere ser un
hombre total. Su objetivo es superar su singularidad debido a la fragmentaridad en que se
desarrolla su vida. Busca en el arte elevarse por sobre su realidad y encontrarse con su
colectivo. En definitiva para Fischer el arte seria una necesidad ontológica del ser humano.
En este sentido, se puede entender la finalidad de crear imágenes por parte del hombre: las
pinturas de altamira, lo sublime de la escultura Griega, los trazos delirantes de Van Gogh
etc., son algunas de las manifestaciones de esta necesidad ontológica. Sin embargo, el
panorama del arte y las practicas artísticas han sufrido profundas transformaciones, el
agotamiento de la modernidad y la incorporación de nuevas tecnologías en las artes,
determinan una profunda revolución de las tradicionales practicas artísticas. Un artista
visionario de estas problemáticas, fue sin duda, Marcel Duchamp. La profunda revolución
que provocan sus ready-made, y su negación del concepto de obra, lo sitúan como un
eslabón clave entre la modernidad artística y el arte posmoderno (poshistoria del arte).

DUCHAMP Y LA AESTÉTICA

Duchamp es considerado el artista más influyente del siglo XX, su nombre esta asociado: al
movimiento retardado; al desmantelamiento del signo; la crítica de la pintura retinial; la
pintura idea, la negación de la moderna noción de obra; y la importancia del contexto en la
formación de la experiencia artística. Junto a los anteriores conceptos, la obra de Duchamp
se caracteriza por el silencio. Su prolongada inactividad contrasta con la idea de producción
que se instala con los artistas modernos. Según Susan Sontag, el silencio es una especie de
opción: debido al conflicto que se produce cuando el espíritu choca con la condición de
materialidad del arte, quedan desenmascarados los instrumentos del artista; y de esta forma,
la gratuidad del arte. Los artistas se enfrentan a la peculiar situación de destruir el medio
por el cual materializaba su espiritualidad; de esta forma, la ruptura se constituye como
proceso fundamental; por ejemplo: “Rimbaud ha ido a Abisinia para enriquecerse con el
tráfico de esclavos. Wittgenstein, después de desempeñarse durante un tiempo como
maestro de escuela en una aldea, ha optado por un trabajo humilde como enfermero de
hospital. Duchamp se ha dedicado al ajedrez. Al mismo tiempo que renunciaba de manera
ejemplar a su vocación, cada uno de estos hombres proclamaba que sus logros anteriores en
el campo de la poesía, la filosofía o el arte habían sido triviales, habían carecido de
importancia 1″. En esta lógica, el gesto de Duchamp se plantea como el fin de una época, o
la disolución definitiva del concepto tradicional de arte; ¿ pero cuáles son las características
del desmontaje de la obra de arte que realiza Duchamp? , ¿cómo se entiende el concepto de
aestética ?.

En una primera instancia, Duchamp utiliza la pintura como medio, y no como un fin
predeterminado, su evolución es del fauvismo al cubismo, en forma posterior, sus
investigaciones se centrarán en el estudio del movimiento. El esfuerzo de Duchamp
consiste en sustituir la pintura, por la pintura-idea, su intención es reemplazar la pintura
olfativa y retiniana. Su máxima obra pictórica tiene su concretización en “desnudo bajando
la escalera”. Considerado como el cuadro que pone fin a la experimentación del cubismo; la
pintura representa el despliegue de varias figuras de mujeres, que bajan al unísono una
escalera. Octavio Paz al referirse a la pintura, destaca su violencia racional, en oposición a
la violencia física de las obras de Picasso y define con estas palabras las características de
la obra: “El desnudo es un antimecanismo. La primera ironía consiste en que no sabemos si
quiera si se trata un desnudo. Encerrado en un corsé o malla metálica, es invisible. Ese traje
no recuerda tanto a una armadura medieval como a una carrocería o a un fuselaje 2″. Si
bien, la obra se acerca a la imaginería del futurismo, la tentativa de Duchamp consiste en
plasmar el retardo del movimiento: o en otras palabras, el análisis del movimiento. La
importancia de esta obra es decisiva; el rechazo de la pintura en el Salón de los
independientes de 1912, generó en Duchamp una profunda decepción del citado mundo del
arte. Posteriormente, en 1913 dejará definitivamente la pintura.

El alejamiento de la pintura en ningún caso significa un receso en la actividad productiva,

su primer “ready - made “, rueda de bicicleta; instala una nueva forma de concebir la
producción artística. Se trata de otorgar la categoría de arte a objetos de consumo, a
menudo de uso cotidiano, que a través de la exclusiva selección y presentación acceden a la
categoría de obras de arte. La irrupción de los ready- mades plantean una pregunta vital:
¿cuáles son las condiciones y características para denominar obra de arte, a un objeto
cualquiera? . En conversaciones con Pierre Cabanne, Duchamp responde de la siguiente
manera, ante la pregunta por la metodología en la selección del ready-made: “debe hacerle
notar que no quería convertirlo en una obra. La palabra ready-made no apareció hasta 1915,
cuando fui a Estados Unidos. Me interesó como palabra, pero cuando puse una rueda de
bicicleta en un taburete, y la horquilla cabeza abajo, no había en ello ninguna idea de ready
-made, ni siquiera de cualquier otra cosa, se trataba, simplemente de una distracción. No
tenia ninguna razón determinada para hacerlo, ni intención de exposición ni de descripción.
No, nada de eso 3″. Las características medulares del ready -made se podrían resumir de la
siguiente forma: son obras que remiten a materiales sencillos; son objetos cotidianos; son
desechables; no tienen gusto; son objetos neutros. Los ready-made, se determinan como un
estilo no plástico, en su sentido más profundo es una creación artística a través de la crítica,
y la crítica a partir de la obra: no son obras anti-artísticas, sino que se ubican en una zona
intermedia entre el arte y el antiarte. En términos generales, el ready-made es un pretexto
para activar una serie de ideas, donde lo central es reflexión por el contexto de la obra, idea
que revoluciona la tradicional lectura de obra. En esta lógica, lo que determina finalmente
que simples objetos pasen a constituirse en arte, es la pérdida de la función de uso del
objeto. El ready-made rompe con la idea de factura del artista, incorporando el gesto del
artista; el objeto seleccionado al azar genera una disfunción donde se materializan una serie
de significaciones. Esta descontrucción del signo, Duchamp la remonta a la obra de
Mallarmé. En la obra del citado poeta, la sintaxis de su poesía, se ve interrumpida por la
utilización de la sinestecia y jitanjáfora (incompatibilidad semántica), desmantelando la
noción de signo poético. Pero no solo en la poesía de Mallarmé, encontró Duchamp
elementos para su peculiar visión del arte; también forman parte de su soporte teórico, las
obras de Raymond Roussel y elementos de la filosofía de Bersong.

En la ventana preservando
el sándalo viejo que se desodora
de su viola chispeante
otrora con flauta o mandora.

(Extracto poema la Santa - Mallarmé poesía completa)

Si bien, el dispositivo duchampiano del ready-made, produce una profunda interrogante en

lo relativo a la obra de arte, y su materialidad. En el ámbito de la estética, surge
inmediatamente la pregunta ¿cómo aplicar el concepto de gusto, en una obra que se aleja
radicalmente de la noción de obra?. La crítica de Duchamp se instala en la médula de lo que
se conoce como “estética “, entendiendo por estética la disciplina que en el siglo XVIII,
logra enlazar los conceptos de arte y belleza, que en la persona de Baumgarten toma el
nombre de doctrina del conocimiento sensible.

La neutralidad de los objetos que utiliza Duchamp, frena inmediatamente cualquier

acercamiento o intención de reflejar belleza, y si bien su crítica resulta con un ligero tinte
de platonismo, en el sentido de privilegiar la idea en desmedro del objeto, su finalidad no
persigue instalar valores o nuevos conceptos. En cierto modo, Se trata de cambiar la forma
de mirar el arte; para Duchamp la obra debe ser utilitaria y desechable. De esta forma, se
rompe con el concepto de genialidad, o talento especial, para producir objetos artísticos. Su
concepción de gusto queda reflejada de la siguiente manera, ante la pregunta de Cabanne:
“- Para usted, ¿qué es el gusto? M D- una costumbre. La repetición de una cosa ya
aceptada. Si se empieza de varias veces alguna cosa se convierte en el gusto. Bueno o malo
es lo mismo, es siempre gusto 4″.
No hay duda, que el concepto de obra que instala Duchamp introduce profundos cambios
en la forma de percibir el arte. ¿Pero cómo se puede explicar esta nueva cosmovición del
fenómeno artístico?, una posible respuesta se puede encontrar en los planteamientos de
Gombrich . Para éste la historia del arte occidental, en lo que respecta a la representación
visual del mundo, es la historia del aprendizaje de la realidad en que está sumergido el
sujeto. En este sentido, la representación visual refleja los errores y aciertos del
comportamiento adaptativo y cognitivo del hombre. Entonces, habría que entender los
ready-made como la visualización de un mundo que encuentra su ser en la ruina. Esta
afirmación establece paralelos con la teoría no aurática del arte de Benjamin; en la cual la
reproducción técnica (cine y fotografía) revela la condición mortuoria de la obra de arte. En
esta lógica, la obra importa ya no como ente sagrado, sino como ruina: se trata de percibir
la obra como no perteneciente a la historia, de buscar el origen de su lenguaje perdido; ya
que la ruina no puede ser reconocida en ninguna representación o símbolo, esta se revelará
solo al espectador en su carácter alegórico. En la obra de Duchamp, bien se puede hablar de
aestética: es decir la negación de los valores que construyeron la moderna concepción de
arte.

DUCHAMP Y EL POSMODERNISMO
Desde finales de 1950 y en los comienzos del 60, se instaló en el plano cultural, histórico,
artístico etc., la conciencia de un cambio epocal, los límites de la modernidad habían sido
rebasados por una serie de fenómenos: la conciencia del agotamiento del proyecto ilustrado
del siglo XVIII; el traslado del concepto de progreso de la cultura a la economía y la
tecnología; el reemplazo de una cultura industrial por una sociedad de la información, los
cambios en la arquitectura; la irrupción de neoconservatismos en el orden político y
religioso; crisis de la visualidad o representación; realidad virtual; simulacros y conflictos
étnicos, forman parte entre otros elementos de lo denominado posmoderno.

El proyecto de la ilustración, y sus fracasos en pro de fijar la identidad del sujeto racional,
como así mismo, el otorgar autonomía y libertad a la humanidad, encontró su final en las
tragedias de las guerras mundiales. El sujeto moderno como en la tragedia de Edipo,
descubrió con horror que su búsqueda de verdad y progreso lo conduciría a la
autodestrucción. En este contexto, en la modernidad artística se encontraría las ruinas que
delatan el cambio de época o el cambio en la sensibilidad artística, planteado por el ready-
made.

Si bien, la modernidad artística no tiene una fecha exacta de concretización, se sostiene que
ésta comienza alrededor del siglo XVIII, junto con la creación de la institución museo y la
elaboración del concepto de arte y estética. Para muchos la visualidad moderna se concreta
con el cuadro “Las señoritas de Avignon “de Picasso; donde se proclama un nuevo modelo
antirrepresentacional. El cubismo plasmaría lo que son la multiplicidad de visiones de la
modernidad, gesto que tiene su origen en el principio de incertidumbre del físico Werner
Heisenberg, en la cual se plantea que siempre existe incertidumbre en la medición
simultáneas de partículas. Sin embargo, la revolucionaria técnica del cubismo, se enmarca
en la tradición del progreso de la pintura, e incluso los materiales siguen siendo
tradicionales: tela, óleo, aceites etc., sin embargo, hay que destacar la creación del collage
como un hito importante del cubismo. Por el contrario, la irrupción del dadaísmo en el
panorama del arte, se constituye como una especie de ruptura epistémica. El movimiento
Dada se constituye principalmente como la expresión que adopta la juventud frente a la
insensatez política y social de la época. La producción del movimiento se destaca por su
heterogeneidad: poemas polifónicos, recitales, obras plásticas irracionales, fotomontajes,
collages, y una serie de perfomances. La misma palabra Dada, tiene un sin fin de
interpretaciones; aunque la más aceptada es “caballito de madera “. Pero el Dada era mucho
más que un movimiento artístico: “Era todo eso, y al mismo tiempo todo lo contrario:
antiartístico, provocador en lo literario, travieso en lo musical, radical en lo político y
antiparlamentario, pero sobre todo infantil. De ahí que muchos dadaistas cultivasen
simultáneamente varias vertientes de su talento, y que invirtiesen la misma dedicación e
inventiva tanto en el recitado de sus obras como en las más diversas técnicas plásticas 5″. Si
bien, en primera instancia el movimiento tuvo su centro de operaciones en Cabaret Voltaire
(en Zúrich), la influencia de Dada se extendió a otras zonas de Europa. Posteriormente,
Berlín y París se convertirán en el centro de la irreverencia del movimiento. La influencia
de Dada se deja sentir también en Nueva York , aquí el movimiento será dirigido
principalmente por Marcel Duchamp, Francis Picabia, Man Ray, Alfred Stieglitz, y Walter
Arensberg.

La adhesión de Duchamp al movimiento Dada, será de vital importancia; su renuncia al

gesto artístico a través del ready-made, pone en evidencia la falsa conciencia que concibe al
objeto de arte como una peculiar posesión privada; y no como un objeto del proceso de un
esfuerzo intelectual. Lo anterior, inserta una profunda crítica al establishment en que
circulaba la obra de arte. El cuestionamiento de Duchamp pone en evidencia el carácter
mercantil del arte, de este modo, su crítica apunta a toda la institución arte.

En términos generales, la crítica de Duchamp se inserta en un período que deja entrever un

agotamiento del proyecto moderno. Esta disipación se manifiestas en todos los ámbitos de
la sociedad: “asistiríamos a la pérdida de legitimidad de aquellas narraciones modernas que
operaron en términos de filosofías de la historia: concepción de un devenir emancipador de
los hombres y de las sociedades, protagonismo del sujeto moderno como el lugar de la
enunciación racional de la verdad y de la transparencia de los sentidos de la realidad, visión
del derrotero humano como un progreso indeclinable hacia la libertad, hacia la absoluta
soberanía de los pueblos y la justa igualdad en la distribución de las riquezas 6″. En este
contexto, variados esfuerzos se realizaron en pro de consensual el arte con los ideales de la
modernidad (progreso material y económico, maquinismo, aceleración, innovaciones
tecnológicas y un incremento de los flujos de información). Diversos movimientos y
artistas se mostraron optimistas y entusiastas con la estética del maquinismo, los cubistas,
futuristas, constructivistas y especialmente la Bauhaus7 se dedicaron a crear “un estilo
moderno “, que desarrollara ciertos lineamientos universales, que transcendiera las culturas
nacionales. Sin embargo, la guerra y el fascismo terminarían con aquel optimismo.

Tras el término de la Segunda Mundial, la cuidad de Nueva York va a asumir el papel de

capital del arte mundial, en detrimento de París; y el expresionismo abstracto se impone
como el estilo dominante en el panorama artístico. En 1940 el influyente crítico de arte
Harold Rosenberg, describía con entusiasmo las virtudes del expresionismo abstracto y lo
calificaba como uno de los últimos movimientos artísticos modernos. Posteriormente, la
aparición del arte Pop y el retorno a la figuración, causaron alboroto y sensación. El Pop
surgió en esencia de un cambio de fuentes, en lo referente a la obra de arte y el concepto
tradicional de estética. El uso del collage, y los ready -made, habían abierto un campo de
infinitas posibilidades. El collage y los objetos de uso cotidiano, fueron inteligentemente
explotados por la generación de posguerra, el collage se transformó en “el arte del
asemblage “: un medio de crear obras de arte a partir de elementos preexistentes; en la cual
el gesto del artista consiste en seleccionar los objetos a utilizar. De esta forma, quedan
presupuestadas las bases del arte posmoderno: minimalismo, arte ecológico, happenings,
arte povera, escultura abstracta y arte conceptual, son algunas de las expresiones del
fenómeno posmoderno. Si bien, algunos críticos reconocen la emergencia de varias
tendencias posmodernas en el ambito estético, se podría plantear al menos dos: una
corriente conservadora que abandona toda crítica y transgresión, y por otro lado, un
movimiento alternativo que apuesta a las practicas de resistencia . Dos tendencias con
profundas diferencias, pero que tienen origen en el collage, la perfomance, y el ready-
made.

LA MUERTE DEL ARTE

Los signos de la muerte en el cuerpo humano se manifiestan de diversas maneras: el sujeto
parece estar sumido en un sueño, se suspenden las actividades del corazón y la respiración,
se produce una pérdida del tono muscular, entre otras características fisiológicas. ¿Pero
cuáles son las características o huellas de la profetizada muerte del arte?. Resulta paradójico
pensar en la visualización de la citada muerte; sin embargo, hay gestos importantes que
ponen en evidencia el fin de una tradición visual occidental. Desde el paleolítico hasta las
figuras cubistas, existe la sensibilidad de crear visualidad en función de presentar objetos,
ya sea como: mímesis, nímesis, expresión, espiritualidad etc., sin embargo, a un resultado
completamente distinto llegaron Duchamp y Malevich8. Estos dos artistas, alcanzaron el
denominado grado cero en el arte: se entiende por grado cero, cuando se han violado y
transgredido las normas básicas de una determinada disciplina. La radicalidad de estos
artistas consiste precisamente en la negación del objeto, Duchamp a través de la
presentación del objeto (el ready -made como objeto aestético) y malevich a través de la
no-presentación del objeto. ( cuadro blanco sobre fondo blanco), estas acciones rupturistas
pusieron en evidencia la fragilidad de la visualidad moderna , planteando un cambio epocal
o con otras palabras la caída de los paradigmas estéticos modernos .

En este contexto, la profética sentencia de Hegel se hace realidad: “el arte ha cumplido su
sentido, pero ya ha perdido para nosotros su verdad y su vida. No es precisamente arte sino
ciencia del arte 8″. En el sistema de Hegel, el arte forma parte del espíritu absoluto; y está
en una relación de inferioridad con respecto a la religión y la filosofía. En esta lógica, el
arte sería un estadio más en la preparación del concepto. Hegel sitúa el triunfo del espíritu
absoluto en el momento romántico: se trataría del un proceso dialéctico donde la intuición
(tesis), se opone a la representación (antítesis), resultando la primacía del concepto
(síntesis). Bajo estas premisas el arte sería cosa del pasado, una especie de ilusión o en el
mejor de los casos una filosofía ilusoria.

Estaríamos entonces, en una etapa decisiva en lo referente a la producción artística, donde

la creación de arte plantea dialécticamente la problematicidad de su permanencia y
trascendencia. Sin embargo, lejos de acotarse las posibilidades de reflexión y debate, el arte
plantea diariamente nuevos desafíos. En este sentido, la institución arte debe superar una
especie de tanatofobia, que impide valorar las infinitas oportunidades que abre la tecnología
y los nuevos sistemas de representación y visualidad: arte digital, arte callejero,
instalaciones, neoexpresionismos, e intervenciones urbanas. Estas expresiones rompen
totalmente con las lógicas de categorizar y clasificar fenómenos estéticos. Al parecer los
alcances de los postulados de Hegel, pueden entrever otras posibilidades de las practicas
artísticas; en un período donde las instituciones políticas, sociales y culturales se
desconectan de los problemas y vivencias del sujeto, el arte puede encontrar un terreno
propicio para recuperar su protagonismo en la sociedad.

PALABRAS FINALES
Sin duda, Duchamp se presenta como el artista más influyente del siglo XX, la creación de
los ready -mades instalaron infinitas posibilidades en la forma de concebir el arte. El doble
gesto de Duchamp, de romper con la tradición de confección de la obra artística, y por otro
lado, la negación del objeto (técnica), establecen una doble crítica: se plantea la caducidad
de la obra de arte y por otro lado se impugna la glorificación por la máquina y la técnica.
Finalmente, la obra de Duchamp se instala como un elemento imprescindible para pensar
nuevos métodos o experimentaciones artísticas; se entiende en este sentido, la sentencia de
André Breton, quien reconoció en Duchamp, la inteligencia más sobresaliente del siglo XX.

JUAN ALEGRÍA LICUIME

NOTAS___________________
1 Sontag Susan, “Estilos Radicales “. Editorial Taurus, Madrid, 1997. Pag 16.
2 Paz Octavio, “Apariencia Desnuda “. Ediciones Era S, A. México, 1985. Pag 21.
3 Cabanne Pierre, “Conversaciones con Marcel Duchamp”. Editorial Anagrama, Barcelona,
1984. 70 -71
4 Cabanne.OP.CIT. Pag 72
5 Elger Dietmar, “Dadaísmo”. Taschen, Barcelona 2004.Pag 6.
6 Casullo Nicolás, com. “El Debate Modernidad Posmodernidad “. Ediciones el Cielo por
Asalto, Buenos Aires, 1995. Pag 17-18
7 La escuela de la Bauhaus fue fundada por el arquitecto Walter Gropius en Weimar en
1919 y se convirtió en el centro del diseño moderno en Alemania en la década de 1920. Su
filosofía, que reflejaba ciertas corrientes socialistas. Su objetivo central era llevar el arte y
el diseño a la vida diaria.
8 Hegel Friedrich, “De lo bello y sus formas”. Por Granell Manuel. Editorial Espasa- Calpe,
S.A. Madrid, 1985. Pag 23.