La obra del artista Gonzalo Puch (Sevilla, Sala VIII: el final del camino
1950) hace una crítica acerca de los usos
incorrectos de nuestro entorno y del impacto
que supone la especulación en el medio am-
biente. La fotografía le permite crear una es-
cenografía propia donde contrapone realidad
y ficción, y le abre la posibilidad de reunir, en
un mismo documento todas las cosas que le
interesan (arquitectura, teatro, pintura...).
El alemán Thomas Ruff (Zell, 1958) sigue siempre
un planteamiento a la hora de crear: “si las cosas son
como parecen ¿por qué he de intentar que parezcan
distintas?”. La claridad, el carácter casi científico y captar
la esencia de lo representado, definen su producción
En el caso del paisaje tiende a evitar la ordenación,
clasificación o jerarquización del paisaje. Para esta obra
seleccionó fragmentos de unos negativos encontrados en
un observatorio de estrellas, y los amplió, construyendo
versiones verosímiles de la realidad, pero fácilmente
transformables en abstracción.
Sala VII: Land art, la naturaleza como obra de arte
Robert Smithson (New Jersey, 1938 - Texas, 1973), artista
del Land art, no se limitó con ninguna forma o estilo de
arte; sus ideas complejas se plasmaron de muchas
formas: dibujos, earthworks, películas... En este caso se
trata de una obra sobre papel, Medusa with concentric
figure, en la que naturaleza y humano se mezclan en un
espacio concéntrico rodeado de elementos naturales
casi abstractos.
Lothar Baumgartem (Rheinsberg, 1944) gusta
de un contacto directo con la naturaleza, que
estudia detenidamente y fotografía, modificando
levemente su presencia pero sin distorsionarla. En
estas fotografías de plantas de la selva amazónica
(Pupeille y Verlorene Früchter), el artista manipula
la realidad al introducir elementos no naturales
como si formaran parte de la planta, provocando la
confusión en un primer golpe de vista y la sorpresa
en un momento posterior.
El británico Hamish Fulton (Londres, 1946) se
autodenomina “un artista que anda”. Trabaja
fotográficamente sobre la experiencia de sus
paseos, en los que el contacto directo con el paisaje
es fundamental, creando obras en las que coexisten
naturaleza, fotografía y texto de modo inseparable y
el objeto principal es el viaje.
También en contacto directo con la naturaleza,
Richard Long (Inglaterra, 1945) toma como fuente
de inspiración la relación del hombre con ésta,
intervieniendo en el paisaje para crear un nuevo
significado, una metáfora de la realidad, pero sin
desvirtuarlo. Guiado por la idea de “el paseo como
arte “, toma materiales que encuentra en sus
caminatas y los ordena, los amontona.. de forma sencilla, en círculos, líneas
rectas o espirales.
Joel Sternfeld (Nueva York, 1944) nos muestra en
Matanuska Glacier la inmensidad de un paisaje que es
interrumpida por la intervención del hombre al colocar
el elemento publicitario con el que la especulación con
el terreno se hace patente. Esta obra es de hace 25
años; ¿en qué se habrá convertido esta manipulación
del entorno? Representa la ironía que se produce cuando el humano trata
de dominar y cambiar el paisaje: la naturaleza es superior a nosotros; pero
debemos reflexionar sobre la veracidad de este hecho.
Walter Niedermayr (1952, Bolzano, Italia) vuelve a
transportarnos a otro viaje por los parajes naturales
más bellos del mundo. Se trata de Rhonegletscher,
glaciar del río Ródano, en los Alpes Suizos. Sirva esta
fotografía como reflexión ante nuestro patrimonio
natural, su belleza y lo pequeños que podemos
llegar a sentirnos ante ella.
Con tres fotografías retrata
Isaac Julien (Londres, 1960) el
Polo Norte. Se trata de la obra
True North (ice flow mountain),
que formaba conjunto con una
instalación de vídeo en la que se
cuestionan los contenidos e imágenes preconcebidos a través de la historia del
primer negro que llega al polo norte. Es el héroe, representa a una raza... pero
no es el primero en llegar. Primero llega el blanco. Trata temas de identidad a
la vez que crea una imagen poética y repleta de sensualidad en el gusto por los
colores y las texturas.
Patio:
Miguel Pablo y Manuel Pedro Rosado
(San Fernando, Cádiz. 1971) son dos
hermanos gemelos que trabajan bajo
el nombre de MP & MP Rosado. En
Lloviendo cántaros los hermanos
juegan con el refrán popular para crear
una instalación de carácter escultórico
en la que, diversos cántaros de arcilla,
contenedores de agua, aparecen
dispuestos en posiciones aleatorias y
con distintas formas como si hubieran
caído directamente del cielo. Cargada
de ironía les interesa transmitir la COLECCIÓN DE ARTE CONTEMPORÁNEO MP
ambigüedad que se plantea entre
realidad y arte pues son capaces de
transformar en realidad visual una La Fundación Valentín de Madariaga les da la bienvenida a la
metáfora del lenguaje popular. Buscan la confusión, el juego. Piezas, de aspecto exposición de su Colección de Arte Contemporáneo.
muy orgánico, que parecen abandonadas a su suerte por el suelo y que tiene
mucho que ver con cuestiones como la ruina o la memoria. Consiguen construir
un escenario neobarroco, cargado de teatralidad, que nos atrae en ese juego
Dicha Fundación y todo el Grupo MP apuestan por un
de citas ocultas. desarrollo empresarial y social de forma sostenible con el
medio ambiente.
La colección que se presenta no es sólo singular por provenir
de una iniciativa empresarial privada que apuesta por el
arte más vanguardista internacional, sino además por seguir
Avda. de María Luisa, s/n. 41013 SEVILLA. España
Tfno: +34 954 366 072 - Fax: +34 954 626 129
una unidad temática y conceptual al tratar el tema de la
fundacionvmo@mpcorporacion.com naturaleza y sus diferentes interpretaciones en cada una de
www.fundacion.madariaga-mp.com las obras que aquí se exponen.
El artista conceptual alemán Joseph Beuys (1921-1986),
destacó por las formulaciones teóricas que esconden
sus creaciones. Pacifismo, política y preocupación por el
medio ambiente y la ecología son las bases sobre las que
se asienta su obra. En La rivoluzione siamo noi (1972),
Beuys avanza decidido hacia el espectador, lo mira de
frente, lo interroga, para insuflarle vida y energía. Lleva
su uniforme artístico (botas militares, vaqueros, chaleco
de pescador con retales de piel de liebre, sombrero de
fieltro), un uniforme de un ejército sin armas con el que se
presenta ante la sociedad para transformarla en todos sus
comportamientos injustos.
Sala I: el paisaje como ficción
Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956), una de las
escultoras españolas con mayor repercusión internacional,
gusta de crear espacios que sirven como “lugares para
pensar”. Celosía es refugio y cautiverio, un espacio lleno
de ambigüedades, de luces y sombras, donde tomamos
conciencia de nuestro cuerpo. Crea un paisaje artificial en
el que cataliza el espacio exterior y el interior, invitándonos
a mirar dentro. La luz se convierte
en un material más que se cuela
por las rejillas en las que Cristina
incluye letras, frases, signos... en alusión a la literatura
de paisajes de ficción, como vemos en Tríptico XII,
maqueta de una de sus esculturas, con enfoques
distorsionados y nuevas escalas.
Las fotografías del alemán Elger Esser (1967)
presentan reminiscencias de las postales del siglo XIX o
de los románticos paisajes de C.Friedrich, de la pintura
holandesa del siglo XVII, e incluso del impresionismo
francés. Sus obras son representaciones de un “no-
lugar”, de algo que existe más allá de la vida diaria,
a pesar de estar perfectamente identificadas a través
de sus títulos. En Isola d’Arbia el espectador pierde
conciencia del lugar en que se encuentra; no sabe si lo que se le muestra es
una pintura, una fotografía o una pintura fotografiada, pero se siente espectador
del mundo.
Sala II: el paisaje como reflexión
Willie Doherty (Derry, Irlanda del Norte, 1959) con su obra trata de debatir en
torno al conflicto de su país.“Apparatus” es una serie de imágenes de Belfast,
una ciudad devastada por la violencia, incitando con ellas a la reflexión, a la vez
que busca el placer estético del detalle y la textura, por ejemplo en una pared
pintada o en el colorido de la ropa olvidada sobre un muro quemado.
Rodney Graham (Vancouver, Canadá, 1949) fotografía, en
gran formato, árboles aislados majestuosos, utilizando la
cámara oscura y dejando la imagen tal y como la recibe la
cámara: invertida. Propone, de esta forma, cambiar el punto
de vista con el que miramos la naturaleza, desestabilizar
nuestra percepción del arte y cuestionar los estereotipos
culturales.
Zoe Leonard (New York,1961) ha establecido
la fotografía documental y en blanco y negro
como su principal medio artístico. En sus
imágenes no hay retoques ni recortes. Las
series de árboles destacan en su trabajo;
muestra árboles dentro de la ciudad, rodeados
por vallas. En un principio los bordes metálicos
exprimen el árbol creciente mientras que en
última instancia, ellos son absorbidos por el
árbol.
El matrimonio Bernd & Hilla Becher (Alemania
1931 y 1934) han hecho de la arquitectura in-
dustrial su único objeto de trabajo, resaltando las
propiedades esculturales. Fotografiadas siempre
desde el mismo ángulo, con una luz uniformemente
distribuida y en blanco y negro, nos hablan de la
naturaleza como arqueología industrial que inunda
nuestras ciudades.
Sala III: la naturaleza en continuo cambio
En El mar del Pirineo, instalación del artista vasco
Ibon Aranberri (Guipúzcoa, 1969), se representa
un corte superficial del área de un pantano,
acompañado de documentos y materiales extraídos
de la zona. Existe una particularidad: lo que en la
realidad se levanta en relieve sobre la superficie de
la tierra, lo representa en hueco relieve y viceversa.
En la serie fotográfica de Olafur Eliasson (Dinamarca,
1967), éste actúa como documentador del paisaje
natural de las regiones nórdicas a través de imágenes
tomadas desde satélites para mostrar los continuos
cambios y movimientos de la propia naturaleza, que
eleva a obras de arte.
En la fotografía de las Islas
Canarias,con la figura central
del volcán, Olafur nos habla de la autoagresión que
la propia naturaleza se provoca, y nos muestra un
paisaje que no necesita elementos tecnológicos ni
fórmulas, para producir una experiencia sensorial en el
espectador.
Sala IV:
Henrik Hakansson crea micro-ambientes en los que presenta
la problemática de la relación del hombre con la naturaleza
y de las relaciones de los propios animales con su entorno.
En esta instalación, cantos e imágenes de pájaros de un
parque de Berlín,se encuentran “enjaulados” en pantallas
audiovisuales, pero no se les ha quitado su libertad, pues
ellos siguen volando por los cielos de Berlín.La ciencia se ha
rendido al servicio de la naturaleza.
Sala V: la interpretación pop
Federico Guzmán (Sevilla, 1964), artista original e irónico,
incluye en sus obras referencias a la sociedad actual. En
Abollando la cuadrícula se ha magnifi-
cado y se ha llenado de cromatismo un
infantil parchís sobre el que han caído
distintos meteoritos. Simboliza la re-
lación entre el juego y la naturaleza,
ambos unidos por los caprichos del
azar. Reggaera, es una instalación en
la que, con un juego de palabras, se alude a la común aso-
ciación de un tipo de música con una planta determinada,
unos colores, una bandera...
La serigrafía del representate del arte pop a nivel
mundial, Andy Warhol (1926, Pennsylvania-
1987, New York), nos ofrece una imagen del
volcán italiano Vesuvio, en plena erupción de
colores en la que se produce una trasposición de
un elemento accidental de la naturaleza hacia un
hecho publicitario y de reclamo.
Richard Prince (Panamá, 1949) realiza “post-
fotografías”, es decir, toma imágenes de los
medios de comunicación de masas y del ideario
americano, y las quema, las sobreexpone a la
luz, las modifica...para reflejar la manipulación a
la que es sometido el hombre y para reflexionar
sobre el proceso de representación fotográfica,
cuestionando la diferenciación entre original y
copia. En este caso son imágenes de paisajes
americanos a los que aplica la estética del cómic,
siguiendo la división por viñetas e insertando
chistes populares del ámbito americano.
Vik Muniz (São Paulo, 1961), artista
brasileño afincado en Nueva York. No cesa
de experimentar con materiales (chocolate,
alambre, hilo, mermelada, espaguetis, figuritas
de plástico, plastilina...) con los que compone
imágenes que posteriormente fotografía, las
agranda y las muestra al espectador que,
confundido entre lo que ve y lo que cree que
ve, no puede quedar pasivo.
En White rose (2003) compone la imagen de
una inmaculada rosa blanca a base de insectos y animales que contribuyen
al nacimiento, vida y muerte de ésta. Cuando nos alejamos de la obra, la
imagen es una rosa blanca pero a medida que nos aproximamos se va
convirtiendo en algo abstracto donde se distinguen los objetos y detalles con
los que ha creado la imagen.
Sala VI: paraísos inventados
El californiano Glen Rubsamen (1959) recrea paisajes
propios de su tierra en los que elementos naturales
se mezclan con elementos no naturales, apéndices
de la tele-sociedad de consumo (antenas, farolas...),
planteando la pérdida de cualquier distinción entre
ellos.
A contraluz y ante puestas de sol psicodélicas, llevan a
la confusión del espectador que, en su apariencia ex-
terior, las confunde con fotografías. Esa pérdida de la
Naturaleza no debe significar el final de la belleza pues pueden aparecer
infinitas formas de lo bello en la polución o en elementos artificiales.
Peter Fischli y David Weiss (Zurich 1952 y 1946)
experimentan con la fotografía e inventan paisajes.
En estos primeros planos de plantas no hay efec-
tos particulares, ni subjetividad; el uso de la luz y el
acercamiento al detalle hacen que lo cotidiano se
vuelva excitante, transforman la realidad, al hacer
amables unas plantas que en realidad son veneno-
sas.