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Si comparásemos a un fotógrafo con un pintor, diríamos que fotografiar es pintar con la luz: Luz que usaríamos como
pintura, y una Cámara que usaríamos como pincel.
La luz es nuestra materia prima, puesto que sin ella nuestros ojos no verían ninguna imagen, así pues, como materia
prima que es, podremos y debemos manejarla a nuestra conveniencia: dirigiéndola, alterándole el color, la dirección etc.
Algo que siempre hemos de tener en cuenta, es la relación entre lo que perciben nuestros ojos y la percepción de la
cámara. Es decir, deberemos componer la imagen y controlar la luz par fotografiar exactamente aquello que vemos,
teniendo en cuenta la diferencia de contraste, de perspectiva, de ángulo de visión, al profundidad de campo, la lectura
de tonos en blanco y negro, etc.
‘’ Fotografiar es por lo tanto, realizar un ejercicio de abstracción. ‘’
Con todo esto, llegamos a un punto en que es nos hace imprescindible conocer la materia prima que queremos usar: La
Luz.
La luz es una energía electromagnética a la cual el ojo es sensible. Dentro del espectro electromagnético, ocupa un
segmento de radiaciones cuya longitud de onda está comprendida entre los 400 y los 700 nanómetros (1 nanómetro =
1/1.000.000 milímetros).
La luz que recibimos del sol, es de color blanco. Esta luz descompuesta a través de un prisma, forma un espectro visual
de colores que van del azul al rojo, pasando por el verde y otros intermedios, por lo tanto, la suma da la luz de color
azul, con la luz verde, más la luz roja, nos dará como resultado luz blanca.
PELÍCULAS
La película está formada por un soporte de plástico transparente sobre el que se ha extendido una capa de emulsión
sensible a la luz. Esta emulsión se fabrica disolviendo en gelatina caliente una cierta cantidad de haluros de plata
(bromuro, cloruro o cloro-bromuro de plata) compuestos éstos fotosensibles, es decir, que la luz los altera en su
composición química convirtiéndolos en Cloro-bromato. Esta alteración no es visible hasta el momento del revelado, esto
se denomina Imagen Latente, y tan solo cuando pongamos en contacto la emulsión con el baño revelador, éste
reaccionará únicamente con la imagen expuesta (cloro-bromato) y la transformará en plata metálica negra, tanto más
cuanto mayor haya sido la exposición. Por lo tanto, las grandes luces del objeto fotografiado quedarán reproducidas en
la película como zonas oscuras, y las partes oscuras del objeto quedarán claras en la película, de ahí que se le
denomine Negativo.
Tipos de Emulsiones y Películas: Las emulsiones en B/N se pueden dividir en dos tipos principales:
1. Películas Ortocromáticas: Fueron las primeras películas de tipo moderno, y sus principales características
son la baja sensibilidad, alto contraste e insensibilidad al rojo. Actualmente su utilidad queda reducida a
trabajos de laboratorio y fotomecánica.
2. Películas Pancromáticas: Son las más universalmente utilizadas. Sus características son la amplia gama
de sensibilidades, mínimo grano, sensibilidad a todos los colores (por lo que deben procesarse en absoluta
oscuridad) y contraste medio. Las películas en color están fabricadas con éste método en sistema Tripack,
es decir, con tres capas de emulsión y colores, separadas entre sí por filtros coloreados.
Otra clasificación de las películas puede hacerse en función de la propia denominación de los fabricantes:
1. Películas de Aficionado: Su característica principal es una gran latitud de exposición, es decir, la
capacidad de corregir errores de exposición; compensada por mucho más grano y pérdida de nitidez,
traducción de tonos y colores, y pérdida de calidad general.
2. Películas Profesionales: Películas con poquísima latitud de exposición, es decir, mucho más exigentes
para el fotógrafo, pero de gran calidad en todos los sentidos.
La Sensibilidad de la Película: Es la capacidad que tiene una película para ser impresionada. Es decir, como ya
hemos comentado, la emulsión contiene unos productos fotosensibles que cuando son expuestos a la luz se alteran
químicamente, la cuestión es conocer la cantidad necesaria para que esto se produzca, puesto que no todas las
películas precisan la misma cantidad de luz.
Se denominan películas muy sensibles, aquellas que necesitan poca luz para ser impresionadas, lo que nos permite la
toma de fotografías en condiciones de luz muy deficientes; por otro lado, las películas poco sensibles, no nos
permiten hacer fotografías con poca luz.
La Gradación: La sensibilidad de una película se mide en grados ISO, que han acabado imponiéndose a las antiguas
gradaciones en grados Din, Schneider etc., que corresponden exactamente a los grados ASA.
En esta gradación, cada doble cantidad de grados corresponde al doble de sensibilidad, es decir, una película de 200
ASA es el doble sensible que otra de 100 ASA, y por lo tanto, necesitará la mitad de luz para ser expuesta.
Digamos que una película de sensibilidad media, razonablemente sensible y con un grano medio, sería la de 100 ASA,
si bien es cierto que con las nuevas tecnologías en fabricación de películas, puede decirse que ésta gradación
media ha pasado a ser 400 ASA (B/N). Todas las películas con sensibilidades menores a ésta se consideran de baja
sensibilidad, con un mínimo para película de toma con cámara de 25 ASA. Y aquellas superiores a 100 ASA se
denominan de alta sensibilidad, con un máximo de 5.000 ASA (revelado forzado).
A simple vista puede parecer carente de sentido la utilización de películas poco sensibles, ya que limitan el trabajo
fotográfico. Lo que sucede realmente, es que no solo debe valorarse una película atendiendo a su sensibilidad, sino que
existen también otros factores que determinan la calidad de las películas, entre ellos y por su importancia destacamos:
El Grano: Cuando la película es virgen, los haluros de plata son partículas cristalizadas, perfectamente distribuidas y de
un tamaño tan pequeño que no serían en absoluto visibles para el trabajo fotográfico. Pero cuando son
reveladas, tienden a arracimarse formando grumos de tamaño muy superior a los mencionados cristales, que al ser
ampliados para realizar la copia se hacen perfectamente visibles, llegando a estropear en ocasiones el resultado final.
Pues bien, el grano es tanto más evidente atendiendo a éstos factores:
• Calidad deficiente de la película.
• Mayor sensibilidad de la película.
• Tamaño de la película. Cuanto más pequeña es, más grano aparece al ampliar la copia.
• Reveladores más activos. A mayor actividad, más grano.
• Condiciones del revelado. Mayor temperatura, agitación constante etc., contribuyen a la aparición del
grano.
• Tipo de ampliadora. A mayor definición, más grano.
• Tipo de papel. Cuanto más contrastado más grano se aprecia.
Como vemos, para evitar este problema, en lo que se refiere a la película, es necesario usarla de gran calidad, y de la
menor sensibilidad posible a tenor de las tomas que queramos realizar.
Pasemos ahora al aspecto de la elección de la película. Es importantísimo usar siempre la misma película, de la mayor
calidad posible, y de sensibilidad adecuada al trabajo que vayamos a realizar. Pero también hay que tener en cuenta
otro factor, hay que usar película de la misma marca para cada un de los tipos diferentes de película (B/N, color,
diapositiva y fotolito). Para ello es importante que nuestra elección recaiga sobre alguna de las películas existentes en el
mercado que podamos conseguir fácilmente. La razón es fácil de entender, y aplicable a todo el material fotográfico. Son
muchos los factores que intervienen en la creación fotográfica, por lo tanto, al usar siempre la misma película
acabaremos por conocer sus características a la perfección, y habremos eliminado un factor de riesgo importantísimo.
El Código DX.
Si compramos un carrete cualquiera y nos fijamos un poco, veremos que junto a la ranura por dónde sale la película,
está el código de barras, y junto a éste aparece otro, el Código Dx, que nos sirve para que la cámara, si es electrónica,
lea automáticamente su sensibilidad.
Cuando elijamos una cámara, deberemos tener en cuenta un pequeño detalle muy importante. Si es una cámara
electrónica, nos ha de permitir la cancelación del código Dx, de lo contrario no podremos introducir películas que no
tengan dicho código.
El Forzado
Cuando hablamos de forzar la película, nos referimos a engañar al fotómetro diciéndole que la película es más sensible
de lo que es en realidad, con el fin de disponer de velocidades más rápidas. Pero debemos tener en cuenta esto a la
hora de revelar el carrete, dándole unos tiempos de revelados superiores en un 50% más por cada paso ASA que
hayamos engañado al fotómetro.
El Negativo y la Diapositiva
Cuando hablamos de película, debemos tener en cuenta varios aspectos además de los ya mencionados, como por
ejemplo, si trabajamos con negativo o diapositiva.
En B/N no hay películas reversibles (diapositivas). En color sí. Este factor depende de los químicos que utilicemos para
revelar. En el negativo el resultado tendrá una máscara color naranja, y la diapositiva no.
Ya hemos comentado anteriormente la conveniencia de serle fiel a una marca.
A continuación, pasemos a un listado de películas de buena calidad y profesionales para cámara de paso universal:
PELÍCULAS EN B/N
• Kodak Tri-X Pan 400 ASA: Poco contraste, grano medio, buena gradación. Muy recomendable, aunque
difícil de encontrar.
• Kodak Plus-X Pan 125 ASA: Poco contraste, grano fino, buena gradación. Recomendable aunque difícil
de encontrar.
• Kodak T-Max: Grano finísimo, muy contrastada. Desde 100 a 3.600 ASA.
• Agfa Pan: Grano medio, poco contraste y buena gradación. De 25 a 1.600 ASA. La de 25 ASA se utiliza
para reproducciones.
• Fuji Neopan: Similar a la T-Max.
• Ilford FP-4 125 ASA/ HP-5 Plus 400 ASA: Grano medio, buena gradación, contraste medio. Muy
recomendable.
• Ilford Delta: Película revolucionaria con tres capas de emulsión. Buen contraste, buena gradación, grano
fino. Bastante cara, de 100 y 400 ASA.
• Ilford X-P2: Se procesa como las de color (C41).
¿Qué es un Sistema?
Es importante al adquirir una cámara, que tengamos en cuenta que al comprarla, lo que estamos haciendo es elegir un
sistema.
Entendemos por sistema la gama de accesorios que nos ofrece una marca determinada para la cámara en concreto
que queramos adquirir: Objetivos, filtros, flashes, parasoles, fotómetros, chasis, tubos de aproximación, y en general
aquellos elementos que nos permitirán realizar nuestras fotografías del modo que deseemos. Es ilógico pensar que
llegaremos a usar todo el sistema, pero aun así, debemos escoger la marca que nos ofrezca una mayor amplitud de
posibilidades, puesto que con el paso del tiempo podríamos precisar elementos que jamás creímos necesarios.
CÁMARAS COMPACTAS
Son cámaras que se caracterizan por el sistema de visión por vidrio óptico, que no pasa a través del objetivo, y por la
imposibilidad, en la mayoría de casos, de adaptarles objetivos intercambiables. Las de calidad, son muy silenciosas,
gracias a su obturador central. Son de tamaño reducido, sincronizables con el flash a cualquier velocidad, y con una ca-
lidad de objetivos comparable a los de cualquier cámara Réflex. Sus obturadores son muy fiables, si bien no alcanzan
velocidades muy altas. Algunas cámaras antiguas de este tipo son técnicamente perfectas, y muy valoradas (Yashica,
Minister D y semejantes Canon, Minolta, Voigtlander, Vito etc.), pero la cámara Leica merece especial atención.
Leica: Representa un caso insólito en el mundo de la fotografía. En 1.914 el ingeniero
Oscar Bernak diseñó para la empresa Ernst Leitz el prototipo de la primera Leica, que se
comercializó en 1.924. Este hecho supuso una verdadera revolución, ya que supuso el
origen de la fotografía moderna. Las actuales Leica, siguen siendo en parte fieles a los
fundamentos de las primeras: Es una cámara compacta de objetivos intercambiables,con
modificador del visor al efectuar la operación, y obturador de cortinillas. Ha mantenido a
través de los años la estética que la hace inconfundible.
Posee una colección de accesorios absolutamente genuinos, y una óptica que la sitúa como la mejor con diferencia, de
todas las de el mercado.
Su elevado precio, y su aspecto un tanto arcaico, reducen su uso a un pequeño número de usuarios, si bien goza de
fanáticos que la consideran casi una pieza susceptible de adoración.
Minox: Estas cámaras cimentaron su fama con la comercialización de las llamadas «espías», subminiaturas técnicas
que emplean película tipo microfilm. En los últimos años, han sacado al mercado una cámara de este tipo que aúna un
tamaño reducido, aproximadamente el de un
paquete de tabaco, con unas buenas
prestaciones y una óptica excelente. Para
terminar, hay que tener en cuenta los modelos
que últimamente comercializan varias marcas
como Pentax, Canon, Nikon o Fuji, de modelos multiprogramación, sofisticadas, con zoom incorporado, autofocus, y
algunas de ellas resistentes al agua, lo que las hace ideales para la toma en condiciones climáticas o geográficas
adversas.
CÁMARAS RÉFLEX
Las cámaras Réflex son aquellas cuyo visor mediante un pentaprisma, permite ver a través del objetivo de la propia
cámara.
Desde el inicio de su comercialización, se han convertido en las cámaras preferidas por la mayorías de reporteros
gráficos de todo el mundo. Permiten en todos los casos el cambio de ópticas, es decir, de objetivos, hecho que no es
posible de realizar en las cámaras compactas, a excepción de la Leica. La razón es bien sencilla, si nosotros
cambiásemos el objetivo de una cámara compacta, al cambiar también el ángulo de visión y la perspectiva de los
objetos, nosotros por el visor seguiríamos viendo la misma imagen, que no se correspondería con la que estaríamos
fotografiando.
Por lo demás, estas cámaras en su práctica totalidad, llevan incorporado un obturador de plano focal o de cortinillas.
Este, si bien no es tan exacto como el obturador central que llevan instalado las cámaras compactas, puede llegar a ve-
locidades muy superiores (hasta 8.000 en los modelos sofisticados). A las cámaras Réflex, dada su gran utilidad
profesional, se les puede adaptar prácticamente todos los accesorios que puede necesitar el fotógrafo, o un aficionado
exigente.
Clasificación de las Réflex
Mecánicas: Tiene un funcionamiento totalmente mecánico, es decir, no necesitan pilas para funcionar. Las pilas que
llevan son únicamente para el fotómetro. Estas cámaras son resistentes, poco sofisticadas, e indiscutiblemente son las
favoritas de los profesionales en cuestión de rapidez, duración, fiabilidad y funcionamiento garantizado en todas las
condiciones. Por supuesto, son las más caras, motivo por el cual están dejando de fabricarse.
Electromecánicas: Son cámaras de accionamiento eléctrico pero funcionamiento mecánico. Son muy fiables y de gran
utilidad, puesto que aúnan dos características que las hacen rápidas y sofisticadas.
Electrónicas: Cámaras de funcionamiento absolutamente electrónico. Muy sofisticadas (autofocus, multiprograma etc.),
y con unas características que las hacen muy llamativas. En un principio se dirigieron a aficionados, puesto que
permitían suplir con tecnología los pocos conocimientos del usuario, pero actualmente gozan de gran aceptación entre
los profesionales, especialmente para los reporteros, para quién se han convertido en imprescindibles.
No funcionan en temperaturas extremas. Hay que tener en cuenta que todos los automatismos de éstas máquinas en
ningún caso influyen en la calidad del resultado plástico de la fotografía, solamente lo hacen en comodidad para el usua-
rio.
CÁMARAS DE MEDIO FORMATO
Utilizan negativos de 120 o 220 mm. Son exclusivamente profesionales, dado el gran tamaño de sus negativos (4,5x6,
6x6 o 6x9 según modelos), los cuales permiten la realización de ampliaciones a tamaños realmente considerables sin
por ello perder calidad del trabajo.
Estas cámaras tienen unas notables posibilidades de transformación, e infinidad de accesorios que añadir.
La primera clasificación que vamos a hacer de ellas es atendiendo a su óptica:
Cámaras de dos objetivos: Se las define así porque llevan incorporados dos objetivos, vista la cámara frontalmente
uno encima del otro.
El de la parte superior actúa como visor, mientras que el de la parte inferior actúa como objetivo propiamente dicho.
Estas cámaras proporcionan una gran calidad a un precio módico.
• Rolleiflex: Es quizás la más cara de esta gama, unos 1.200 €, aproximadamente, pero su
calidad es inmejorable. No obstante, Mamiya o Yashica ofrecen una calidad muy similar a
un precio muy inferior, que las hace más asequibles.
Cámaras de un objetivo: Poseen un sistema de visión igual al de las cámaras Réflex de paso universal.
Son las cámaras con mayores posibilidades de configuración. Las usan principalmente profesionales en el estudio, dado
que su peso y dificultad de manejo no las hace prácticas para el reportaje, aunque poco a poco
se va superando este inconveniente.
Cuando precisamos de una gran calidad de imagen, como en la fotografía arquitectónica o de
ilustración, se emplean con gran ventaja sobre las de 135 mm.
Su precio oscila entre los 2.500 € y los 6.000 €.
• Hasselblad: Dentro de su gama es la más cara, sin que su calidad sea especialmente
superior a la de otras marcas.
• Mamiya: Es la más económica, y de muy buena calidad.
• Bronica y Rolleiflex: Su precio está entre el de las dos anteriores, y su calidad es semejante a la de la
Hasselblad.
CÁMARAS DE GRAN FORMATO O DE PLACAS
Son aquellas que utilizan las placas como película, es decir, que no
utilizan carrete. Por tanto, el disparo es foto a foto. El tamaño de estas
placas suele oscilar entre 9x12 cm. la más pequeña y 30x40 la más
grande.
Son cámaras profesionales, imprescindibles en la realización de trabajos
en los que se precisa de una gran ampliación del fotograma. Una
característica propia de este tipo de cámaras, es que llevan el objetivo
instalado en el fuelle, permitiendo así corregir las líneas de fuga, lo que
las hace muy útiles en la fotografía arquitectónica.
Iluminación Desenfoque
Encuadre
1º Por contraste:
• De tamaño: Realizando una imagen en la que el centro de atención sea mucho más grande que el resto de
objetos fotografiados.
• De posición: Una serie de objetos alineados y el centro de atención quebrando la monotonía.
• De carácter: Un grupo de ancianos y un viejo entre ellos.
• De color: Un color dominante y otro completamente diferente.
2º Por Composición:
Conseguir mediante técnicas compositivas basadas en aspectos psicológicos y culturales, que el espectador de una
forma inconsciente reconozca el centro de atención como tal.
Existen varios tipos de composición, los cuales están agrupados en dos grandes categorías:
• La Composición Simétrica: La simetría en general, es un efecto poco atractivo que tiende a transformar en tri-
viales temas generalmente interesantes. Pero como en todo, su aplicación inteligente da efectos estupendos.
Se da valor a formas geométricas que con una realización más dinámica quedarían en un segundo plano. Este
tipo de composición se presta pues a las imágenes en que cada objeto ocupa un puesto lineal y geométrico.
• La Composición Asimétrica: En este tipo de composición, una línea imaginaria divida la imagen en dos
partes. Ambas son distintas, y una de ellas contiene el centro de interés. Con esta composición se obtienen
imágenes llenas de movimiento.
Es el tipo más utilizado, y el que requiere una mayor preparación por parte del fotógrafo, con el objeto de situar
las líneas fuertes y las masas para su mejor incorporación en cualquier imagen fotográfica.
Las líneas dominantes o fuertes, deben centrar la atención, no desviarla. Se puede hallar una línea en casi
cualquier cosa, la cuestión estriba en elegir un ángulo correcto para que la línea influya en la fotografía. Incluso
sirve como línea fuerte la dirección de los objetos, o la de una mirada.
La Regla de Compensación
Imaginemos el visor de nuestra cámara dividido en tres partes iguales, tanto a lo ancho como a lo largo, de forma que la
imagen quede dividida en 9 rectángulos iguales. Basta con evitar colocar al sujeto principal en el rectángulo central, para
crear así una imagen asimétrica. Si además de esto disponemos los elementos que constituyen las líneas compositivas
«fuertes» en una de las verticales y en una de las horizontales en línea con el sujeto, tendremos una composición
elemental pero correcta.
Es importante también no colocar nunca el horizonte en el centro, sino en una de las dos líneas que dividen el
rectángulo horizontalmente.
Tan importante como la composición de las líneas fuertes es el Peso Compositivo de las Masas:
Como en física, también en fotografía las masa tienen un peso, que viene dado por el volumen, y en el que influyen
tanto el color como el tono de la masa. El problema de las masas es aún más delicado, porque con frecuencia basta con
mover ligeramente cierto núcleo para alterar el equilibrio de toda la fotografía. Una ley física explica que para mantener
en equilibrio dos cuerpos en un eje móvil fijado por el centro, no es necesario que estos tengan la misma masa. Es
suficiente con que el de menor masa esté más alejado del punto de apoyo que el de mayor masa.
Para mantener el equilibrio de la imagen es preciso que las masa pequeñas tiendan hacia el margen, y las masas
grandes se aproximen al centro. No importa que las masas mayor o menor estén en primer plano, ya que esto no influye
en el equilibrio. Solo influye en la importancia que las masa tienen para la vista del espectador, teniendo en cuenta que
para el ojo humano tienen mayor peso las masas cercanas al margen derecho.
Una Nueva Posibilidad: La Composición en Diagonal
Representa una vía intermedia entre la composición simétrica y la asimétrica. Se trata de un modo muy dinámico y muy
rápido de construir las imágenes, en el cual el desarrollo de las líneas fuertes o el conjunto de las masas está dispuesto
o tiende a disponerse en diagonal sobre el rectángulo del visor de la cámara. Es un tipo de composición muy indicada
para imágenes en perspectiva.
En general, las composiciones en diagonal resultan más inmediatas, dado que conducen con rapidez la mirada del
espectador hacia el centro de interés, el cual debe encontrarse en posición asimétrica para compensar la simetría en
diagonal.
Antes de extendernos más, debemos hacer hincapié en que todas las reglas enunciadas no son más que indicaciones
generales.
Cada tema requiere un minucioso estudio particular. Con frecuencia ocurre que sus características estéticas son tales
que necesiten aplicaciones o modificaciones especiales de las reglas descritas.
A veces podemos incluso ir contra la regla y de este modo crear espléndidas fotografías. Más para conseguirlo es
necesario conocer a fondo las reglas, tan a fondo que incluso nos atrevemos a quebrantarlas en casos muy especiales,
ya que por lo general, lo que lleva a la perfección es el respeto a estas normas fundamentales.
Como antes comentamos, las reglas que hemos visto son generales, aunque no por ello las composiciones han de ser
en forma de «L», ni las masas han de compensarse siempre, ser simétricas o diagonales... Todas y cada una de estas
reglas se confunden y se complementan de toda imagen bien compuesta.
Lo importante en fotografía, es transformar en instinto todas estas normas y reglas que los críticos, analistas y artistas
preocupados por el porqué de las cosas dictan después de ver la obra de los grandes artistas.
En definitiva, nunca se ha hecho una obra de arte a partir de unas normas. Lo que sucede es que estas normas
aparecen posteriormente, tras contemplar, gozar y estudiar la obra genial. De lo que se deduce que debemos
impregnarnos de normas y reglas, pero nunca dejarnos condicionar por ellas.
Podríamos decir, al menos por lo que a fotografía se requiere, que las reglas están hechas para ser transgredidas. Es
decir, que el máximo grado de conocimiento de las reglas se da en el momento en que somos capaces de prescindir de
ellas sin perdernos en la incertidumbre creativa.
Como última recomendación, diremos que aquel que está iniciándose en la fotografía debería comenzar realizando
composiciones «perfectas» según las reglas. Con el paso del tiempo, la práctica y la experiencia, encontrará su propia
norma creativa y compositiva.
Casi tan necesario como una buena composición, es un buen punto de vista, puesto que dependiendo de la altura a la
que hagamos la fotografía, obtendremos diferentes sensaciones. Si el punto de vista es alto, el objeto fotografiado se
empequeñece, si es bajo se engrandece y si es paralelo causa sensación de realidad.
Tipos de Composición en líneas generales
• Simétrica: Es aquella en la que si una línea imaginaria divide la imagen en dos, ambas partes coinciden
perfectamente.
• Simétrica Incompleta: Es aquella composición simétrica en la que un detalle rompe con la simetría. Existen
varios tipos:
a) Concéntrica: Es aquella cuyas líneas fuertes encuadran el punto de atención dirigiendo la mirada del
espectador hacia él.
b) Radial: Es aquella cuyas líneas fuertes están todas en dirección hacia el punto de atención,
concentrando en el mismo todo el peso de la imagen.
c) Sinuosa: Es aquella en que las líneas fuertes se dirigen en forma de zig-zag hacia el punto de
atención, produciendo así una gran sensación de profundidad.
d) En «L»: Las líneas fuertes de la fotografía forman una imagen en «L», produciendo así una fuerte
sensación de equilibrio.
e) Diagonal: Las líneas fuertes son el propio punto de atención, y nos llevan siempre hacia un punto en
el infinito en el que convergen en línea recta, produciendo así sensación de movimiento y dinamismo.
f) Horizontal: Las líneas fuertes reposan horizontalmente en la imagen, produciendo así sensación de
sosiego, continuidad y amplitud.
g) Vertical: Las líneas fuertes parten verticalmente la imagen creando sensación de limitación, estatismo
y repetición.
Una característica fundamental de la fotografía es la imagen bidimensional. Puesto que nosotros vemos en tres
dimensiones, esta carencia debe ser tenida en consideración para corregirla mediante técnicas compositivas como
pueden ser composiciones sinuosas, diferencias de tamaño en objetos conocidos, líneas de fuga, etc.
LA ILUMINACIÓN BÁSICA
La cámara se sitúa delante del objeto a fotografiar, y a la posición de la luz nos referimos dependiendo del efecto que
produzca desde la cámara.
Posiciones de la Luz Principal:
a) Frontal: Elimina toda sombra sobre el propio objeto. No se utiliza excepto en casos en que se trabajen
efectos especiales. No está indicada para el retrato.
b) Frontal-Lateral: Es la más indicada para trabajar como luz principal. Crea volúmenes sobre el propio
objeto permitiéndonos apreciar la figura por completo.
c) Lateral: Es una luz contrastada si no se utilizan luces complementarias. Crea las máximas sombras sobre
el objeto.
d) Semi-Contraluz: Nos ilumina por transparencia parte del objeto a fotografiar.
e) Contraluz: Nos ilumina por transparencia la totalidad del objeto a fotografiar.
f) Cenital: Desde un ángulo superior al objeto a fotografiar. Se usa como luz especial exclusivamente.
g) Cenital Invertida: Se denomina «luz de terror», ya que provoca efectos fantasmagóricos sobre el objeto.
Se usa exclusivamente como luz de efecto.
Tipos de Luz:
a) Luz Suave: Por paraguas, difusor o rebote. Crea sombras sin una línea definida, es decir, el paso de luz a
sombra es gradual. En la naturaleza, es la luz que encontramos los días nublados, y en general, toda
aquella luz que no viene de rayos solares directos sobre el objeto.
b) Luz Dura: También llamada Luz Directa. Crea sombras perfectamente definidas, el paso de luz a sombra
es brusco. En la naturaleza, es la luz que incide sobre el objeto directamente de los rayos solares.
RECAPITULACIÓN y CONSEJOS PARA UNAS BUENAS FOTOGRAFÍAS
La cámara tiene un objetivo en un extremo que enfoca un
rayo de luz desde el sujeto a la película. En el otro extremo
existe un compartimento para la película. Una abertura
variable o diafragma, limita el tamaño del rayo de luz que
penetra (apertura de diafragma). Un obturador controla el
tiempo que la película está expuesta a la luz (tiempo de
exposición). Se observa la escena a través de un visor. Para
elegir el momento de la exposición posee un disparador.
El obturador
El obturador limita el tiempo que el rayo de luz penetra en la cámara y expone la
película. Mediante el obturador se controla el tiempo necesario para que la película se
exponga el tiempo justo a la luz.
El obturador es un mecanismo muy preciso y rápido que permite limitar la exposición
a tiempos muy pequeños.
Habitualmente los tiempos de exposición varían
desde segundos (para condiciones de luz
muy malas) a milésimas de segundo (para
fotografías muy rápidas). Los tiempos más usuales,
en segundos, son:
...4, 2, 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125,
1/250, 1/500, 1/1000, 1/2000...
En las cámaras manuales el tiempo de exposición se regula mediante una rueda
similar a la de la imagen y en las cámaras automáticas se regula mediante botones.
Por ejemplo, la velocidad 125 corresponde a 1/125 segundos.
Tanto en las cámaras automáticas como en las manuales se puede elegir una apertura determinada y obtener un tiempo
de exposición estimado, y viceversa.
El visor
El visor es un dispositivo a través del cual se observa al sujeto que será fotografiado, haciendo posible componer la
escena y enfocar. Principalmente hay dos tipos de visores:
• Visor directo: se llama así porque el dispositivo visor es independiente del objetivo. El sujeto se ve a través de
un sistema óptico montado en un tubo en el que aparece encuadrado el área de la escena cubierta por el
objetivo. Este tipo de objetivos es el que suelen usar las cámaras compactas, en las que no es necesario
enfocar. Este tipo de cámaras montan un objetivo fijo que proporciona una imagen nítida en un rango de 2 a
infinitos metros.
• Visor reflex: la imagen proyectada en la película por el objetivo esta boca abajo e invertida lateralmente. El
visor reflex utiliza un espejo para volverla boca arriba y un pentaprisma (bloque de cristal de cinco caras, tres
de ellas plateadas), para corregir la inversión lateral, por tanto el fotógrafo contempla la escena en su posición
real.
Este es el tipo de visor que llevan las cámaras SLR, también llamadas reflex por esta razón.
El visor directo tiene un problema llamado paralelaje, acentuado en las fotografías en las que el sujeto está cerca de la
cámara. Tal como muestra la imagen, este problema consiste en que la imagen visualizada a través del visor no coincide
con la imagen enfocada por el objetivo. Esta es la razón por la que se han creado otros sistemas como el visor reflex.
Tipos de películas
1. Según color: el color en la fotografía no depende de la cámara sino de la película que puede ser en color o en
blanco y negro.
2. Según formato:
• Papel: película para ser revelada en papel. Los colores aparecen invertidos en la película.
• Diapositiva: La propia película se monta en soportes de plástico para ser proyectada. Los colores
aparecen en positivo en la película.
3. Número de exposiciones: los hay de 12, 24, 36 exposiciones. Dependiendo de la ocasión puede interesar
más utilizar uno u otro. Habitualmente resultan más económicas, por exposición, las películas de 36
exposiciones.
4. Sensibilidad: la sensibilidad se mide según el estándar ASA, de ISO (International Standard Organization). A
mayor sensibilidad la película es capaz de captar mayor luminosidad, con lo cual se necesitará menor tiempo
de exposición o apertura de diafragma. A mayor sensibilidad la definición de la película disminuye, siendo el
grano mayor. De esta forma hay que encontrar un punto medio óptimo entre definición y luminosidad.
Según el estándar ASA cuanto menor es el número del tamaño del grano, menor es la sensibilidad, teniendo en
cuenta que hay sensibilidades típicas de 100, 200, 400, 800, 1600 ASA. Una película 200 ASA proporciona el
doble de luminosidad que una película 100 ASA y la mitad que una 400 ASA.
Tipos de cámaras
En el mercado se pueden encontrar multitud de tipos de cámaras fotográficas. Según el tamaño y formato de la película,
tipo de visor, digitales, compactas, manuales, automáticas, etc.. Para los fines que persigue este curso, la cámara más
versátil y completa es la cámara con película de 35mm, reflex (también llamado SLR), ya sea automática o manual.
Bifocal
Compacta Digital y SLR
Mantenimiento del material
Consejos de tratamiento:
• No exponer la cámara a humedad extrema.
• No dejar la cámara en lugares expuestos a mucha temperatura, por ejemplo la guantera de un coche, o al sol
en el campo.
• Guardar la cámara en fundas almohadilladas.
• Llevar la cámara colgada evitará que se caiga al suelo. Nunca la lleves con la correa colgando del cuello,
llévala colgando del hombro. Esta opción es mejor ya que si te caes de frente, lo primero que se golpea es el
objetivo.
• Los objetivos: Guardarlos siempre en lugares secos con sus respectivas tapas. Si no lo hacemos de esta
manera, corremos el riesgo de que sean atacados por hongos. En casos extremos, los hongos terminan
deteriorando los cristales.
• Equipar todos los objetivos con un filtro UV o Skylight y dejárselo permanentemente y que sean de buena
calidad. Estos filtros no interfieren en el color (al contrario) y nos salvan de que toquemos descuidadamente los
cristales.
• En caso de tocar el cristal, limpiar en seco con un trapo que no deje pelusa o con papel óptico, pero tratemos
de evitarlo.
• El polvo lo quitamos con un pincel de pelo de marta y si se limpian con líquido para lentes, no aplicar sobre las
lentes directamente sino sobre un pañuelo suave.
• El cuerpo: Antes de abrir el cuerpo, debemos mover la ruedita bobinadora de película, o en cámaras AF, mirar
por la ventanita si no hay película en su interior. Si llegase a haber película sin rebobinar en el interior
y nosotros abrimos se velarían todas las fotos.
• Limpiar con un pincel de pelo de marta las guías de la película. Estas se encuentran en el compartimiento de la
película.
• NUNCA presiones el obturador con un trapo. Si hay que sacarle el polvo, usar un pincel de pelo de marta
muy suavemente.
• Para limpiar la cosmética de la cámara, podemos usar cualquier lustra muebles.
• Tratar de no tocar el espejo. Cualquier roce puede provocar un rayón en el cromado del mismo, así como
afectar su alineación y movimiento.
• No utilizar nunca aire comprimido para limpiar el interior de la cámara, porque puede dañar piezas sensibles en
el interior.
• No manipular el interior de una cámara, se puede recibir una descarga si se toca un circuito de alta tensión.
• Si vamos a la playa, al regresar de vacaciones debemos llevar la cámara al servicio técnico para que le realice
una limpieza, por mas que la cámara funcione perfectamente. Si no lo hacemos, corremos el riesgo de que la
arena que se haya infiltrado en las partes mecánicas de la cámara terminen haciendo un desastre.
• Si accidentalmente nuestra cámara cae al mar (nunca esta de más este consejo), coloca la cámara así como
está, dentro de una bolsa llena de agua y llévala enseguida al servicio técnico. Si no realizamos esto, al
secarse la salitre, oxidará todas las partes mecánicas.
Sobre el flash:
• Si se usa flash de zapata delicada, apagar el flash antes de sacarlo de la zapata (igual para colocarlo). De otra
manera, corremos el riesgo de quemar los circuitos eléctricos.
• Es recomendable quitarle las pilas cuando no se utilice.
• Al almacenarlo tratar de mantenerlo en un lugar seco y frío.
Las pilas:
• Nunca dejar las pilas puestas en periodos de larga inactividad.
• Nunca almacenar baterías de NiCad vacías. Siempre guardarlas cargadas.
• Utilizar sólo las pilas especificadas en el manual de la cámara.
• No instalar nunca las pilas con las polaridades invertidas.
• No exponer las pilas al fuego o altas temperaturas.
• No mezclar pilas de distintos tipos, marcas o antigüedad.
• Importante: Desechar las pilas de litio en un establecimiento de fotografía, pues no son biodegradables.
• Almacenamiento:
o Instalar las tapas protectoras.
o Guardar en un lugar frío, seco y bien ventilado.
o Oprimir periódicamente el obturador para comprobar que funciona correctamente.
Cómo hacer fotos: Elección de la película
El primer paso al ir a hacer fotos es elegir la película. Si la elección es correcta puede evitarnos muchos quebraderos de
cabeza. En el tema anterior pudimos ver los distintos tipos de película que nos podemos encontrar en el mercado. Los
conceptos que vamos a manejar en este apartado son los de sensibilidad y tamaño de grano. Como se puede apreciar,
al aumentar la sensibilidad disminuye la definición. Hay películas de gran sensibilidad que tienen tamaño de grano
bastante aceptable. Lo que nos va a determinar la sensibilidad que necesitamos serán las condiciones de luminosidad
y el movimiento del sujeto.
Al utilizar una película con el doble de sensibilidad que otra obtenemos el doble de luminosidad, por tanto utilizaremos la
mitad del tiempo de exposición. Igualmente, si utilizamos una película con la mitad de sensibilidad que otra
necesitaremos el doble de tiempo para hacer la misma exposición. Para fotografías al aire libre con bastante luz o para
sujetos estáticos, se puede utilizar una película 100 ASA. Ésta proporciona la máxima definición. También se
recomienda para fotografías nocturnas con tiempos de exposición muy largo.
Para un uso mixto se recomienda una película 200 ASA, que es un punto intermedio entre definición y sensibilidad. Para
condiciones de luz malas, por ejemplo interiores, se recomienda utilizar al menos una película 400 ASA. Hay películas
de mayor sensibilidad, pero no se suelen utilizar habitualmente. También son recomendables para objetivos con poca
luminosidad, zooms y para congelar el movimiento de sujetos muy rápidos.
La composición
Podemos decir que la situación de los objetos en la escena de una fotografía conforman lo que se llama composición.
Componer una fotografía es buscar la mejor vista de una escena, haciéndola llamativa. A continuación se muestran
unos consejos para hacer la composición.
La regla de los 1/3 -2/3.-Un sujeto no tiene porque estar situado en el centro de la escena, pues se podrían dejar partes
de la fotografía vacías. Es recomendable ocupar la mayor parte de la fotografía para obtener mejores resultados.
Dividimos hipotéticamente el marco en tercios tanto vertical como horizontalmente. Trataremos de que las líneas más
importantes de una fotografía se ajusten a esos tercios.
En esta imagen está situado el sujeto en un tercio (verticalmente) y el horizonte en otro (horizontalmente).
Apunta al cuello. Derivada de la anterior regla. Al hacer retratos es aconsejable hacer coincidir
la línea de los ojos con un tercio del marco. Esto es aproximado a hacer coincidir el cuello del
sujeto con el centro de la fotografía.
Hay que evitar fotografías como las que aparecen a continuación, en las que hay gran cantidad de espacio vacío por
encima del sujeto.
Es típico encontrarse por la calle a un grupo de japoneses que hacen fotos a todos sus familiares pegados a un
monumento y a una distancia de ellos bastante considerable. En estos casos nos encontramos con fotos en las que casi
no se distingue al sujeto. Es bueno saber qué se está fotografiando, y si dos objetos no son compatibles en una misma
fotografía, entonces hacer dos fotografías distintas. Mejor acercarse al sujeto y jugar con el zoom y la perspectiva para
ajustar el fondo.
En esta fotografía se pueden observar tanto el fondo como los sujetos de la escena.
Puntos fuertes. Según la división por tercios de una escena, la confluencia de los tercios marcan unos puntos donde se
hacen llamativos los objetos, llamados puntos fuertes. El centro es un punto fuerte. Es recomendable hacer coincidir los
objetos con estos puntos.
Líneas. En algunas fotografías quedan muy marcadas algunas líneas. Éstas deben ser ordenadas, que no se crucen y,
a ser posible, que confluyan en puntos fuertes.
300 mm 200 mm 80 mm 50 mm
Recomendaciones. Al aumentar la distancia focal, el objetivo es más sensible a cualquier movimiento. Para evitar fotos
movidas se recomienda utilizar un trípode o un tiempo de exposición bajo. Para facilitar esto último se recomienda el uso
de una película muy sensible, de 400 ú 800 ASA.
El enfoque
El enfoque permite hacer nítido un sujeto. En las cámaras compactas el enfoque es fijo, no hay que enfocar. En las SLR
manuales se enfoca mediante una rueda que hay en el objetivo. En las SLR con autofocus el enfoque se hace
apuntando con el centro al sujeto y pulsando el botón de disparo suavemente. Apretando más se realiza el disparo.
También permiten ser enfocadas manualmente.
Distancia mínima. Cada objetivo tiene una distancia mínima entre el objetivo y el sujeto, por debajo de la cual no es
capaz de enfocar.
Los zooms de largo alcance (p.ej. 70-300) tienen una
distancia mínima mayor, aproximadamente 1,5 metros, que
los objetivos de menor alcance (p .ej. 28-80),
aproximadamente 40 cm.
La distancia mínima puede reducirse para fotografías de cerca
con lentes de acercamiento.
¿Cómo enfocar?. Para evitar sorpresas, se recomienda que antes de hacer una fotografía se tenga claro cuál es el
sujeto que se quiere enfocado, se enfoque éste (apuntando directamente sobre él)
y posteriormente se haga el encuadre de la escena. Realmente, cuando enfocamos un
sujeto lo que hacemos es enfocar una distancia. Si en la imagen se hubiera enfocado al
centro los sujetos habrían salido desenfocados. Primero se enfoca a uno de ellos (pues
están a la misma distancia), después se compone la escena (encuadrando)
y finalmente se dispara.
Con una cámara autofocus se apunta al sujeto, se presiona a la mitad el disparador
para enfocar, se compone la escena manteniendo el botón pulsado y finalmente se presiona completamente para
disparar.
Profundidad de campo
En el tema anterior se explicaba que modificando la apertura de
diafragma se modifica la cantidad de luminosidad que penetra en la
cámara. También hay otro concepto relacionado con la apertura de
diafragma, la profundidad de campo.
La profundidad de Campo es la distancia por delante y por detrás
del sujeto enfocado que aparece nítida. A mayor apertura de
diafragma (número f menor) la profundidad de campo es menor. La
profundidad de campo se acentúa todavía más cuanto mayor es la distancia focal, que se modifica con el zoom.
En la imagen se enfoca la figura del medio, con un número f pequeño las figuras cercanas aparecen desenfocadas,
mientras que con un número f mayor vemos más nítidas las figuras cercanas.
Cómo usarla. La profundidad de campo debe ser pequeña cuando queremos resaltar un sujeto sobre un fondo que no
nos interesa, por ejemplo un retrato o flores.
Debemos utilizar una profundidad de campo grande cuando queremos que no quede ningún objeto desenfocado, por
ejemplo un paisaje.
Esta fotografía se hizo con una profundidad de campo alta, es decir, un número f grande. La apertura de diafragma es
baja.
Esta fotografía se hizo con una profundidad de campo baja, es decir, un número f pequeño. La apertura de diafragma es
alta.
Al fotografiar paisajes con un objeto intermedio usar siempre profundidad de campo alta.
Para resaltar al sujeto en un retrato o primer plano usar profundidad de campo baja. Para acentuarlo aún más utilizar
distancia focal alta, usando el zoom (p. ej. 150 mm).
Tiempo de exposición
En el tema anterior se explicaba cómo el obturador limita el tiempo que el rayo de luz alcanza la película. Este tiempo es
el tiempo de exposición.
La primera imagen tiene un tiempo de exposición bajo, o velocidad alta. La segunda tiene un tiempo de exposición alto,
o velocidad baja.
Congelación del movimiento. A continuación se presenta una tabla con las distintas velocidades a partir de las cuales
un tipo de objeto concreto queda congelado (aproximadamente).
Movimiento
Velocidad Distancia de la Movimiento 45º con
Sujeto perpendicular a la
km/h cámara al sujeto la cámara
cámara
7,5 m 1 / 125 1 / 60
Nadador, barca de remos, persona
3a5 15 m 1 / 60 1 / 30
andando
30 m 1 / 30 1 / 15
Medición de la luz
Una fotografía debe tener un equilibrio entre la apertura de diafragma y el tiempo de exposición para limitar la
luminosidad que alcanza la película en cantidad (apertura) y tiempo (tiempo de exposición). La cámara calcula esto
gracias a un fotómetro interno, de forma que podemos ajustar un tiempo de exposición fijo y calcular la apertura óptima
o viceversa.
El uso del flash
El flash es un dispositivo que nos permitirá aumentar la luminosidad de una escena. Podemos encontrar flashes
integrados en la cámara o flashes independientes. Aunque los primeros son menos potentes, suelen ser necesarios para
el autoenfoque en situaciones de mucha oscuridad, iluminando al sujeto para poder enfocarlo.
Realizar fotografías por la noche o dentro de algún edificio suele ser el uso más habitual del flash. En este tipo de
situaciones incluso el ojo humano ve al sujeto oscuro, y se hace necesaria una nueva fuente de luz.
Es muy importante tener en cuenta que el flash tiene una distancia máxima, que si se supera deja al sujeto sin
iluminación.
En muchas situaciones queremos hacer una fotografía en un interior en el que
hay luz natural. Sin embargo, hay poca y la fotografía resultaría muy lenta
(tiempo de exposición alto). Es útil apoyar a la luz natural con el flash para
hacer esa fotografía más rápida.
En la imagen hay luz natural suficiente para hacer la fotografía, pero utilizando
el flash se evita tener que usar el trípode para hacer una exposición lenta.
Los ojos de las personas reflejan el flash, si éste es directo, creando un efecto de ojos rojos. Se soluciona apuntando
con el flash hacia arriba.
Errores de fotografía:
Veamos algunos errores fotográficos y sus correspondientes soluciones.
Fotografía Error Solución
El disparador. El disparador es un accesorio que nos permite efectuar un disparo sin afectar al movimiento de la
cámara cuando utilizamos un trípode.
Los primeros, y los más utilizados constan de un cable más o menos largo, con un botoncito en un extremo y una rosca
en el otro, la cual se insertaba en el pulsador de disparo del obturador. A estos, les siguieron los disparadores
electrónicos por control remoto, que afectaban aún menos al movimiento de la cámara. Éste es el tipo de disparadores
que se utilizan en las cámaras SLR automáticas.
En las cámaras SLR hay un modo de tiempo de exposición llamado BULB. Dicho modo permite mantener el obturador
abierto mientras se esté pulsando el disparador. Éste es el caso de fotografías nocturnas, de tormentas o fuegos
artificiales. En estos casos, y siempre con trípode, es muy recomendable el uso del disparador.
Lentes de acercamiento. Las lentes de acercamiento no modifican la distancia como el zoom. Lo que permite es
disminuir la distancia mínima de un objetivo. Sólo sirven para fotografiar objetos de cerca como flores, insectos, etc. Se
pueden utilizar varias lentes superpuestas, reduciendo aproximadamente a la mitad la distancia mínima por cada lente.
Los retratos
Al fotografiar a personas es muy importante que se les vea bien. Hay formas de resaltar la fisonomía del sujeto jugando
con la luz, el fondo, la perspectiva y la composición.
En el caso de la luz es importante que el sujeto tenga sombras en la cara que resalten sus facciones, si no es así
aparecerá una cara "plana", sin relieve. En este caso, una luz lateral puede ayudar.
En el caso del fondo es recomendable quitarle importancia haciéndolo borroso ya que, de esta forma, se resaltará al
sujeto. Para ello hay que contar con una profundidad de campo pequeña. Hay dos formas de disminuir la profundidad de
campo, aumentar la apertura de diafragma (número f bajo) y aumentar la distancia focal (zoom alto).
Aumentando la distancia focal con el zoom modificamos también la perspectiva acercando el fondo y haciendo la
imagen más plana. De esta forma evitamos deformar la cara del sujeto.
En cuanto a la composición, depende de si se quiere hacer un primer plano o no. En cualquier caso hay que tratar de
que el sujeto ocupe buena parte de la imagen.
En los retratos la cara ocupará casi toda la escena, por eso, es recomendable que se vean al menos los hombros de la
persona.
Aplicamos la regla 1/3 -2/3. La línea de los ojos se situará en 1/3 superior, o lo que es lo mismo, se apuntará al cuello.
Aparte de lo puramente técnico, es importante hacer una fotografía en la que el sujeto se sienta cómodo y adopte una
pose natural. Es mejor coger desprevenido al sujeto o haciendo algo, pues así resultará natural.
Los paisajes
Fotografiar paisajes no entraña demasiada dificultad técnica, más bien creatividad. Técnicamente sólo hay que tener en
cuenta los siguientes aspectos:
• La apertura del diafragma ha de ser pequeña (número f alto) para obtener una profundidad de campo y ver
nítida toda las escena.
• Distancia focal pequeña (zoom bajo) para obtener imágenes panorámicas. De esta forma es más sencillo
enfocar si tenemos objetos intermedios.
• Aplicar la regla 1/3 -2/3 para situar el horizonte en los tercios de la fotografía. Hay casos, por ejemplo con
reflejos en lagos, en los que no se tiene porque utilizar esta regla.
• A veces es interesantes buscar un lugar en alto para observar la escena e introducir elementos cercanos (como
un árbol, una persona observando el paisaje). Si en la escena aparecen edificios o zonas más representativas
es recomendable hacerlas coincidir con los puntos fuertes.
Objetos en movimiento
Dentro de lo estático de una fotografía se puede conseguir sensación de movimiento jugando con el tiempo de
exposición. En general podemos encontrar tres formas de fotografiar un objeto en movimiento, la elección es cuestión de
la creatividad del fotógrafo y de sus necesidades.
La exposición es muy rápida, es decir, el tiempo de exposición es muy reducido, por debajo de 1/500. La cámara está
quieta y cuando pasa el objeto se dispara.
La exposición es menos rápida, es decir, el tiempo de exposición es más largo. Se recomienda 1/125. La cámara está
quieta y cuando pasa el objeto se dispara.
La exposición es menos rápida, es decir, el tiempo de exposición es más largo, por ello se recomienda 1/125. La cámara
sigue al objeto y en un momento determinado se dispara.
Fotografías nocturnas
La principal característica de las fotografías nocturnas es la falta de luminosidad. Por ello, para realizar este tipo de fotos
utilizaremos un tiempo de exposición alto, del orden de segundos. En este caso necesitaremos un trípode y resultará útil
también un disparador para evitar mover la cámara.
Para forzar exposiciones muy largas es útil una película poco sensible (p. ej. 100 ASA). Para evitar que las zonas negras
aparezcan grises se puede compensar la escena.
Resulta muy llamativo el movimiento de las luces de los coches, así como, los reflejos que proporciona el agua.
Igualmente las fotografías de monumentos iluminados.
Si se enfoca al infinito se puede ajustar la apertura de diafragma a tope (número f menor) sin apenas reducir la
profundidad de campo, y así obtener más luminosidad.
Fuegos artificiales
La principal característica de las fotografías de fuegos artificiales es controlar la luminosidad y cuánto tiempo dura la
exposición.
• Utilizaremos un tiempo de exposición alto, del orden de segundos.
• Para ello, necesitaremos un trípode y resultará útil también un disparador para evitar mover la cámara.
• Antes de fotografiar se compone la escena y se comprueba cuánto suele durar la escena de los fuegos
artificiales que se van a fotografiar.
• Se enfoca al infinito manualmente.
• Se ajusta el tiempo haciéndolo coincidir con la duración de la estela de los fuegos.
• En función del tiempo se ajusta la apertura de diafragma utilizando la que nos recomienda la cámara en la
oscuridad.
• Finalmente se dispara en el momento en que empieza un fuego artificial.
• Para poder forzar la exposición bastantes segundos se recomienda utilizar una película poco sensible (p. ej.
100 ASA) y compensar la exposición.
Es importante tener en cuenta que el negativo sólo imprime la claridad y no la oscuridad. Sólo la luz altera el negativo.
de forma que, si hiciéramos una fotografía a algo totalmente oscuro no se alteraría la película.
FotografiarTormentas
La principal característica de las fotografías de tormentas es el control manual del tiempo de exposición.
• Utilizaremos un tiempo de exposición muy alto, del orden
de segundos.
• Para ello necesitaremos un trípode, y resultará casi
imprescindible un disparador para evitar mover la cámara
y controlar el tiempo de exposición manualmente.
• Antes de fotografiar se compone la escena.
• Se enfoca al infinito manualmente.
• Se ajusta el tiempo de exposición en modo BULB, de
forma que el obturador permitirá que la luz alcance la
película durante el tiempo que estemos disparando.
• Se cierra el diafragma lo máximo posible (número f
grande, p. ej. 22).
• Para poder forzar la exposición bastantes segundos se
recomienda utilizar una película poco sensible (p. ej. 100
ASA).
• Es importante que el lugar desde donde se hace la
fotografía esté exento de luminosidad ambiental. Es
muy difícil, por tanto, fotografiar tormentas en la ciudad.
Se dispara en un momento cualquiera y se mantiene el disparador pulsado, es decir, con el obturador abierto. En el
momento en que aparece un relámpago éste se imprime en la película y se deja de disparar. Si se quiere se pueden
combinar varios relámpagos manteniendo el disparo durante el tiempo necesario para que aparezcan estos.
Es importante tener en cuenta que el negativo sólo imprime la claridad, y no la oscuridad. Sólo la luz altera el negativo
de forma que, si hiciéramos una fotografía a algo totalmente oscuro no se alteraría la película.
El Contraluz
En las fotografías a contraluz captaremos una escena que tiene la fuente de luz al frente, con la intención de que
deslumbre y la imagen aparezca totalmente oscura y sólo se puedan ver
siluetas. Encontramos fotografías en las que la fuente de luz aparece cubierta
por el objeto y otras que deslumbran directamente en la fotografía. El resultado
será una fotografía con los colores anulados, con zonas muy claras y zonas
muy oscuras.
• La medición de la luz será compensación de la escena o medición en
un punto de la zona clara de la escena. Cuanto más rápida sea la
exposición más marcado será el contraluz.
• Se enfoca al fondo si se quiere resaltar éste o al sujeto si se quiere una
silueta muy definida.
• Si se juega con reflejos, como es el caso de la imagen, se debe evitar
situarlo en el centro aplicando la regla 1/3 -2/3.
El autodisparo es una función que permite que la cámara ejecute el disparo de forma automática tras un retardo de
unos segundos, aproximadamente 10. Lo implementan prácticamente todas las cámaras SLR del mercado, sea manual
o automática. En el caso de las primeras, el mecanismo es una palanca que gira una cantidad de grados según el
tiempo que se quiera retrasar la exposición. En el caso de las automáticas es un modo que se programa, dependiendo
del modelo de cámara, de un modo u otro. Es útil cuando se quiere que el fotógrafo aparezca en la fotografía. Pero
como veremos también es útil en otras ocasiones.
Con trípodes que son ligeros la cámara puede moverse si no se manipula suavemente. Si no se dispone de disparador
para evitar este movimiento, en el momento de hacer exposiciones muy largas, p. ej. fotografía nocturna, se puede evitar
mover la cámara utilizando el disparador automático.
Fotografiar Niños
• Las fotos de niños pueden dar mucho juego a la creatividad, obteniendo fotografías llenas de frescura y
espontaneidad.
• Es recomendable no utilizar flash y aprovechar la luz natural. En algunas ocasiones el flash de relleno puede
resultar útil.
• Lo más importante es ponerse a su altura, evitando las fotografías por encima de sus cabezas.
• Los primeros planos pueden ser espectaculares. Se pueden aplicar los conceptos de la técnica de retratos.
• Es importante que actúen de forma natural, que estén haciendo algo. Para no hacernos notar se recomienda
utilizar un zoom y fotografiar desde lejos.
• Es muy aconsejable ponerse a su misma altura, con el fin de que las fotos parezcan naturales. Hay que evitar
hacer fotos “de arriba hacia abajo”, desde nuestra perspectiva
En las frutas, utilizar luz natural. Si no es así no utilizar nunca un flash normal, ya que la luz ha de venir de todas
partes.
Las frutas mojadas
resultan mucho más
apetecibles. Si no está
mojada y el tipo de fruta lo
permite se debe sacar
brillo a ésta.
Para buscar el detalle en
frutas pequeñas se
recomienda que la fruta
ocupe toda la escena,
utilizar objetivos macro o
en su defecto lentes de
aproximación.