TEMA 23: LA IMAGEN CONCEPTUAL

El modernismo pictórico posterior a la primera guerra mundial reinvento la

imagen comunicativa, para expresar la era de la maquina y las ideas
visuales avanzadas del periodo. En una búsqueda similar de nuevas
imágenes, las décadas posteriores a la segunda guerra mundial fueron
testigos del desarrollo de la imagen conceptual en el diseño grafico.

Las imágenes no solo transmitían la información narrativa sino también

ideas y conceptos.

La creación de las imágenes conceptuales se convirtió en un importante

enfoque del diseño en Polonia, Estados Unidos, Alemania e inclusive Cuba.

Uno de los diseñadores el cual trabajo con la imagen conceptual fue

Armando Testa ( 1917-1992), recurrió a las combinaciones metafísicas
para transmitir verdades elementales acerca del sujeto.

Testa fue un pintor abstracto hasta después de la guerra, cuando estableció

un estudio de diseño grafico.

Sus diseños publicitarios para la marca Pirelli repercutieron en el diseño

grafico a nivel internacional.

En sus carteles y anuncios utilizó la imagen como medio primario de

comunicación y redujo el contenido verbal a unas cuantas palabras o solo al
nombre del producto.
EL CARTEL POLACO:

La violencia de la Segunda Guerra Mundial arraso a Europa.

Polonia emergió de la guerra con una perdida enorme de población, una

industria devastada y una agricultura en pésimo estado. Al igual que en
muchos sitios la impresión y el diseño grafico dejaron virtualmente de
existir.

En la sociedad comunista que se estableció en Polonia después de la guerra,

los clientes eran instituciones e industrias controladas por el estado. Los
diseñadores gráficos se unieron al os productores de películas, escritores y
artistas de las bellas artes en la unión polaca de artistas.

El primer artista polaco que surgió después de la guerra fue Taeusz

Trepkowski ( 1914-156) cuyos alegres e ingeniosos carteles para el cine, el
circo y el teatro inspiraron al peculiar estilo de la escuela cartelista polaca
de posguerra.

Su técnica involucró la reducción e las imágenes y palabras hasta que el

contenido era destilado en su presentación más simple.
Trepkowski se convirtio en el líder del diseño grafico polaco, y proporcionó
al movimiento un impulso importantes desde su posición de profesor de la
academia de bellas artes de Varsovia.

Los diseños de sus carteles se crearon a partir de trozos de papel de colores

desgarrados , cortados y después impresos por el proceso de serigrafía.

La siguiente tendencia de los carteles polacos empezó a evolucionar

durante los años 1960 y alcanzó su culminación en 1970.

La tendencia era hacia la metafísica y el surrealismo, pues se contempló

una faceta mas oscura, mas sombría del carácter nacional.

Uno de los primero polacos que incluyó en su trabajo esta nueva tendencia
fue Franciszek Starowieski, nacido en 1930 con el cartel que realizo para
anunciar el teatro dramático de Varsobia.

Jan Lenica, nacido en 1930, impulsó el estilo del collage, hacia una
comunicación más amenazante y surrealista en carteles y películas
animadas experimentales.

Después empezó a usar líneas de contorno fluidas y estilizadas que se

entretenían a través del espacio y lo dividían en zonas coloreadas que
formaban una imagen.
En 1980 la escasez de alimentos, electricidad y vivienda condujeron a
huelgas y ala formación del sindicato de trabajo ilegal solidaridad, cuyo
logotipo diseñado por Jerzy Janiszewski se volvió un símbolo internacional de
lucha contra la opresión.

Como resultado de la censura del gobierno durante los disturbios

trascendían las fronteras polacas en vez de concentrarse en las luchas
políticas internas, como la prohibición del sindicato solidaridad.

Un asunto internacional es el tema de un cartel de Marian Nowinski.

Lamenta la censura y la represión al poeta chileno Pablo Neruda.

Los carteles fueron declaraciones creativas que traficaban con ideas en

lugar de mercancías.

LAS IMÁGENES CONCEPTUALES EN ESTADOS UNIDOS:

Durante los años 1950 la época de oro de la ilustración estadunidense

estaba llegaron al final.

Con las mejoras en los materiales y en los procesos fue posible expandir el
rango de condiciones de iluminación y fidelidad de la imagen en la
fotografía.
Las innovaciones en el papel, la impresión y loa fotografía provocaron que la
ventaja del ilustrador sobre el fotógrafo declinara con rapidez.

A medida que la fotografía robaba protagonismo a la ilustración, esta busco

un nuevo enfoque.

La fuente principal de este enfoque más conceptual de la ilustración

empezó con un grupo de jóvenes artistas graficas en Nueva York.

Seymour Chwast, Milton Glasser, Reynolds Ruffins y Edward Sorel, se

unieron para compartir un estudio en un ático.

Realizaban trabajos independientes, y fueron solicitados a través de una

publicación conjunta llamada The Puch Pin Alamanak. Esta se convirtió en
la revista experimental Puch Pin Graphic y proporcionó un foro para
presentar nuevas ideas, imágenes y técnicas.

Milton Glaser durante los años 1960 creó imágenes de formas planas
formadas por líneas de contorno delgadas a tinta negra, en el color
adicionado por películas adhesivas. Este estilo de dibujo casi esquemático
hizo eco en la sencilla iconografía de las revistas de tiras cómicas, el fluido
dibujo curvilíneo de los arabescos persas y del Art Noveau, el color mate de
las impresiones japonesas, los recortes de Matisse y la dinámica del pop art
contemporáneo. Con ese fin capturó y expresó las sensibilidades de sus
tiempos de los trabajos de otros diseñadores graficos, y los mismo ocurrió
con su trabajo.

Durante la década de 1980 y 1990 Glasser se interesó cada vez más en las
ilusiones y dimensionalidad m así que presenta los dibujos como objetos
dimensionales en formas que intensifican si significado.

Barry Zaid, nacido en 1939, se unió al estudio de Push Pin por algunos
años.

Se convirtió en diseñador e ilustrador gráfico autodidacta, y trabajó en

Toronto y en Londres antes de unirse al Push Pin Studio.
Zaid realizo algunas incursiones en las graficas victorianas , e influyó
especialmente en el renacimiento de las formas geométricas decorativas del
art Decó de los años 1920.

James Mc Mullan, nacido en 1934, fue otro de os ilustradores que pasaron

por el grupo de Push Pin Studio.

Hizo resurgir la acuarela, ya que el oleo la había dejado en segundo plano, y

la restableció como recurso de expresión grafica.

Mc Mullan, destaco durante años 1960 por la utilización de la tita y por las
ilustraciones en acuarelas que a menudo combinaban imágenes múltiples
con cambios significativos en la profundidad del espacio y del tamaño y la
escala de la imagen.

Paul Davis ,fue otro alumno de Push Pin, que avanzó hacia un enfoque del
diseño Push Pin Grafhic con una serie de figuras primitivas, pintadas sobre
ásperos paneles de madera con objetivos sobrepuestos.

A partir de este comienzo Davis se encaminó hacia un estilo de pintura de

detalles diminutos basado en el arte primitivo.

El grupo de Push Pin no monopolizó la imagen conceptual en Estados

Unidos, ya que algunos diseñadores independientes inventaron métodos
individuales para resolver los problemas de comunicación de la composición
del diseñador grafico con el papel de productor de imágenes del ilustrador.

LA MANIA DEL CARTEL:

El contraste con los carteles políticos de la posguerra, fue un movimiento
popular fomentado por un clima de activismo social.

El movimiento de los derechos civiles, la vasta protesta pública contra la

guerra de Vietnam, las primeras agitaciones del movimiento de la liberación
de la mujer y la búsqueda de la estilos de vida alternativos figuraban en las
revueltas sociales de la década.

La primea ola de la cultura del cartel surgió por medio de la subcultura

hippie de finales de los 60. El público en general relacionaba estos carteles
con mensaje contra el orden establecido y a favor de la música rock las
drogas psicodélicas.

El movimiento grafico que expresó este clima cultural se inspiró en varias

fuentes: las fluidas y sinuosas curvas del Art Noveau, el op-art y el pop art.

Muchos de los artistas que iniciaron este movimiento fueron en gran medida
autodidactas, y sus principales clientes fueron los promotores de conciertos
de rock and roll y danzas. Estas danzas eran espectáculos de luz que
desintegraban el medio ambiente en mapos pulsantes de proyección de
color y explosivos estroboscopios.

Esta experiencia fue igualdad gráficamente en carteles en los que se

usaban formas turbulentas y letras retorcidas y curveadas hasta el borde de
la ilegibilidad, frecuentemente imprecisos en colores complementarios de
profundo contraste.

Robert Wilson, nacido en 1937, originó el innovador estilo del cartel

psicodélico y creo muchas de sus imágenes más fuertes.

La manía del cartel alcanzó su punto culminante a principios de los años 60.
El arte del cartel estadunidense de calidad inventiva se refugió en las
universidades, las cuales son unas de las pocas áreas ambientales que
sobreviven en Estados Unidos.

Durante los 80, una década conservadora, caracterizada por una disparidad
económica entre el pobre y el rico, una indiferencia medioambiental y un
limitado activismo social, muchos de los carteles estadunidenses fueron
producidos como objetos decorativos. Imágenes de edición limitada de
fotografías o pinturas se convirtieron en carteles más que reproducciones,
ya que se agregó el nombre del artista y a menudo un titulo
frecuentemente espaciados a una letra con tipos elegantes y en
mayúsculas.
LOS POETAS VISUALES EUROPEOS:

En Europa, iniciando la década de 1960 y continuando en la de 1990, surgió

un método poético del diseño grafico basado en la fantasía y su
manipulación por medio del collage, el montaje y las técnicas fotográficas y
fotomecánicas. Los poetas gráficos alargaron la tipografía y el tiempo,
fusionaron y flotaron objetos y fracturaron y fragmentaron imágenes.

Gunter Kieser, nacido en 1930, demostró una habilidad parar inventar un

contenido visual inesperado para la resolución de problemas de
comunicación. Las afirmaciones poéticas de Kierser siempre tienen una
base racional que enlaza formas expresivas para comunicar el contenido.

Gunter Rambow, nacido en 1938, es uno de los productores de imágenes

mas innovadores del diseño de finales del siglo XX.

En sus diseños manipula, altera, hace montajes y utiliza aerógrafo en la

fotografía para convertir lo ordinario en extraordinario.

Las imágenes comunes se combinan o se dislocan, luego se imprimen como

imágenes en blanco y negro, directas y documentales en una manifestación
original y metafísica de poesía y profundidad.

A menudo Rambow anima las fotografías directas con un sentido de mafia o

misterio y usa el collage o montaje como un medio para crear una nueva
realidad grafica.

Las imágenes con frecuencia se alteran o combinan y después se vuelven a

fotografiar.
EL CARTEL DEL TERCER MUNDO:

Desde el fin de la Segunda Guerra Mundial hasta el desmantelamiento de la

Cortina de Hierro en 1989, las naciones industrializadas formaron dos
grupos: las democracias capitalistas de Europa occidental, Estados Unidos y
Japón. Y el bloque comunista de Europa occidental , Unión Soviética. Otro
grupo lo constituyen Latinoamérica, Asia y África.

El cartel, para estas luchas sociales, es muy importante como medio de

comunicación, y es muy efectivo en estas naciones.

Los carteles se convirtieron en medios para desafiar a la autoridad, expresar

la inconformidad o demostrar la solidaridad con los oprimidos.

Estos carteles de oposición transmiten mensajes políticos que operan fuera

de la censura tradicional del gobierno, negocios y periódicos.

Los carteles del tercer mundo acogen a dos tipos de votantes, unos que se
ocupan de temas políticos y sociales, y otros q se ocupan de las
democracias industriales.

Cuba se convirtió en un importante centro de diseño de carteles después de

que, en 1959. La fuerza revolucionaria conducida por Fidel Castro derrotara
al régimen impuesto por el presidente Fulgencio Batista.

Las artes creativas habían sido virtualmente ignoradas bajo el gobierno de

Batista, pero tres reuniones celebradas en 1961 permitieron a los artistas y
escritores entrevistarse con el jefe de gobierno para llegar a un
entendimiento mutuo.

Los artista y escritores admitidos en el sindicato de trabadores creativos,

reciben salarios , espacios para trabajar y materiales.

Los diseñadores gráficos trabajan para diversas agencias gubernamentales

con misiones específicas.
Félix Beltrán, nacido en 1938, fungió como director artístico de la
comisión de Acción Revolucionaria, la cual produce la revolución
promoviendo la celebración de los días conmemorativos y el recuerdo de los
líderes del pasado.

Los carteles y folletos para su exportación a todo el Tercer Mundo son

producidos por la Organización de Solidaridad con Asica, África y
Latinoamérica, con el fin de apoyar la actividad revolucionaria y despertar la
conciencia pública respecto de los puntos de vista ideológicos.

El gobierno de Castro se considera involucrado en una guerra ideológica

contra el imperialismo yanqui.

Los diseñadores gráficos cubanos asimilaron una variedad de fuentes.

Corrientes estadunidenses, incluyendo el pop art, el cartel psicodélico y el
Pusch Pin Studio, y el cartel polaco son importantes fuentes de inspiración
.El icono, la ideografía y el mensaje telegráfico son mucho más efectivos en
las naciones en desarrollo.

La importancia de la imágenes conceptuales en la segunda mitad del siglo

XX , se desarrolló en respuestas a muchos factores. Las ideas y formas del
arte moderno se han filtrado en la cultura popular. La complejidad de las
ideas y emociones necesitan transmitir a menudo se pueden presentes mas
efectivamente mediante imágenes icónicas y simbólicas en vez de
narrativas.