BREVE PASEO

POR LA HISTORIA
DEL ARTE
TALLER MONOGRAFICO

SEBASTIAN BEDELEAN 4ºB

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 INDICE
Introducción

A. Definiciones básicas
A.1. ¿Qué es el arte?
A.2. ¿Que es la música?
A.3. ¿Qué es la pintura?

B. Historia y evolución
B.1. La prehistoria
B.1.1. La música
B.1.2. La pintura-obra

B.2. El antiguo Egipto:

B.2.1. La música
B.2.2. La pintura-obra

B.3 .La Grecia clásica:

B.3.1. La música
B.3.2. La pintura-obra

B.4. La edad media:

B.4.1. La música
B.4.2. La pintura-obra

B.5. El Renacimiento:
B.5.1. La música
B.5.2. La pintura-obra

B.6. El Barroco:
B.6.1. La música-Compositor
B.6.2. La pintura-obra

B.7. El Neoclasicismo:
B.7.1. La música- Compositor
B.7.2. La pintura-obra

B.8. El Romanticismo:
B.8.1. La música- Compositor
B.8.2. La pintura-obra

B.9. El siglo xx:

B.9.1. La música
B.9.2. La pintura-obra

Conclusión
Bibliografía

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 Introducción
En las siguientes páginas os contare un poco la evolución de la pintura y la música a lo
largo del tiempo desde la prehistoria, pasando por La Edad Media, y hasta el siglo XX.
También os hablare un poco de algunos de los compositores mas importantes de toda la
historia de la música y analizare una obra de cada etapa de la historia ya sea en una
piedra o en lienzo.

A. Definiciones básicas
A.1. ¿Qué es el arte?
"El arte es cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con
finalidad estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones o, en
general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos,
lingüísticos, sonoros o mixtos. El arte es un componente de la cultura, reflejando en su
concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores,
inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele
considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función
ritual, mágica o religiosa, pero esa función cambió con la evolución del ser humano,
adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o
simplemente ornamental."

A.2. ¿Que es la música?

"La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de las
musas") es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y
lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios
fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de
complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde
su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la
danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la
definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco
de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían
considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte
es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias,
pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del
individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento,
comunicación, ambientación, etc.)."

A.3. ¿Que es la pintura?

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 "La pintura artística es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos
mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas
de pintura y conocimientos de teoría del color"

B. Historia y evolución
B.1. La prehistoria
B.1.1. La música
La música prehistórica es la música que se tocaba en la prehistoria, es decir,
antes de la aparición de la escritura. También se puede llamar música primitiva pero allí
se incluye también la música de las personas primitivas de hoy. Lo poco que sabemos
sobre la música de aquellos tiempos es gracias a los descubrimientos arqueológicos
como los instrumentos y a la inspiración en las tribus primitivas de hoy en día. Casi
todo los que sabemos son suposiciones y se cree que la música prehistórica debería de
ser muy semejante a la de las tribus primitivas de África, Suramérica.
El origen de la música es desconocido ya que la primera música era vocal y corporal
(percusión corporal) y esta no deja huellas arqueológicas en el tiempo. Se piensa que la
música apareció al mismo tiempo que el lenguaje. "El cambio de altura musical en el
lenguaje produce un canto, de manera que es probable que en los orígenes apareciera de
esta manera." Al principio los instrumentos eran de percusión, como dos piedras o unos
simples palos. Pero poco a poco se fueron creando instrumentos de viento como las
flautas que eran hechas de hueso agujereado.

B.1.2. La pintura
Las pinturas mas antiguas encontradas fueron hechas cuando la nieve llegaba
hasta la mitad de Europa y los mamuts todavía existían. Normalmente las pinturas eran
muy sencillas y esquemáticas pero poco a poco se van desarrollando las técnicas de
pintura y podemos encontrar dibujos con un poco mas detallados y menos esquemáticas
como por ejemplo LOS CABALLOS TORDOS DE PECH-MARLE .Se cree que estas
pinturas no tenían un papel decorativo ya que las cuevas donde estaban pintadas eran
muy oscuras y no se podían apreciar muy bien, sino que se cree que las pinturas se
hicieron para atraer a los animales y aumentar la caza. Las pinturas en la mayoría de las
veces representaban escenas de caza y animales que eran muy importantes para su
alimentación y su supervivencia. Conforme el tiempo va pasando, los hombre
primitivos empezaron ha hacer dibujos en los abrigos a la luz del día abandonando las
oscuras cuevas y reduciendo el tamaño de los dibujos hechos fuera de ellas pero seguían
siendo unos dibujos claros y bien definidos.

Obra
Un ejemplo muy bueno de pinturas
prehistóricas serian LOS CABALLOS
TORDOS DE PECH-MERLE (Francia).
En la obra se pueden observar las siluetas

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de dos caballos, pintados con carbón, que tienen una serie de manchas en el cuerpo que
posiblemente representen el pelaje de invierno, y la cabeza del caballo de la derecha
esta esculpida en la pared de caliza. Como bien podemos ver, estos caballos están
pintados de una manera diferente a la que estamos acostumbrados a pensar cuando
hablamos de arte prehistórico ya que nos vienen en la cabeza imágenes de siluetas muy
simples y sin detalles. También podemos observar la forma da unas manos que están
como rodeando a los caballos y sobre esos caballos se puede ver vagamente unos peces
alargados probablemente truchas que están hechas con ocre rojo. Esta obra, según los
especialistas se tardo una 34 horas en hacerse y lleva allí miles de años.

B.2. El antiguo Egipto

B.2.1. La música
Aunque no existan partituras de aquellos tiempos si que hay algunos documentos
como instrumentos o pinturas que nos muestran diferentes instrumentos y la manera
como se tocan. La música era muy funcional y formaba parte de numerosas ceremonias
y acontecimientos tanto religiosos como sociales en las que era habitual bailar, cantar y
tocar instrumentos. La música era normalmente improvisada y no tenía unas reglas que
seguir. En Egipto la música era monódica, es decir, tenía una sola melodía y empleaban
escalas pentatónicas y heptatónicas.

B.2.2. La pintura
En el antiguo Egipto la pinturas suelen representar dioses, faraones u otras
personalidades importantes en aquellos tiempos, sorprendidas muy a menudo en una
especie de desfiles oficiales. Una cosa muy característica de las pinturas egipcias es que
los personajes aparecen casi siempre en tensión y con falta de movimiento. "Esta falta
de movimiento y esta rigidez son debidas en gran parte a lo que se ha llamado la ley de
la frontalidad ya que aparecen representados siempre rigurosamente de frente, sin
torsión de ninguna especie en su cuerpo. Además, los personajes tienen una mirada muy
fija y casi siempre hacia a delante. En Egipto, como en general en todos los mundos
antiguos las figuras carecen de perspectiva y están interpretados de perfil.
Si nos ponemos un momento a observar y analizar atentamente las figuras humanas
veríamos que la parte inferior de estas esta pintado de perfil, que seria respectivamente
las piernas. La parte media, el tronco, esta dibujado de frente pero los brazos están
dibujados de perfil. La cabeza, al igual que las extremidades esta dibujada de perfil la
cabeza pero los ojos están dibujados de frente. Recapitulemos, las extremidades i la
cabeza esta dibujada de perfil mientras que el tronco y los ojos están dibujados de
frente. Los colores empleados en las pinturas egipcias son colores planos, sin gradación
y los dibujos se emplean como criterio especialmente decorativo. En la mayoría de las
veces las pinturas suelen ser hechas sobre murallas pero también hay pinturas en rollos
de papiro que se solían utilizar para funerarias, las pinturas sobre papiro mas
importantes son llamadas "Libros de los Muertos". La escena mas típica de estos
papiros es la de juicio final, en que Osiris dios de la vegetación y la agricultura
presencia el peso de las almas.
Una cosa también muy interesante que si nos ponemos a pensar es bastante lógico, es
que en muchas ocasiones las personalidades importantes como faraones o dioses están

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dibujadas mas grandes que las personas corrientes (mortales). ¿Que porque esa cuestión
es de lógica? pues porque al de unas dimensiones mas grandes destacarían mas que los
demás y de esta manera es mas fácil distinguir a las personas importantes de la otras ya
que esto es lo que les importaba a las personas con poder, marcar su superioridad frente
a las demás personas.

Obra
Éste papiro que podemos
encontrar en el Museo Británico de
Londres es un papiro que pertenece al
llamado Libro de los Muertos del escriba
real Hunefer y sus dimensiones son de
45.7x83.4 cm. El propósito de los
papiros normalmente es facilitar la
existencia de las personas en el mas
allá. Normalmente en este tipo de
papiros de suele representar al dio Osiris
con una balanza, y pesando las almas
pero en este podemos observar una
escena diferente, este fue precisamente el motivo porque lo elegí.
En la obra se puede observar como el dios de la necrópolis, Anubis que tiene cabeza
de chacal, esta sujetando el cuerpo del difunto. También podemos ver a los familiares
del difunto, que están delante de su cuerpo lográndole y detrás de estos podemos ver a
unos sacerdotes que están haciendo una ceremonia llamada "abrir la boca". Esta
ceremonia tenia como objetivo restaurar los sentidos del fallecido. Además de esa
escena, debajo podemos observar otra distinta. En esta vemos como unas personas traen
dos ofrendas a los dioses y detrás estas hay un buey y su cría a la que le amputaron una
pata ya que es una de las ofrendas traídas a los dioses que podemos observar en la
escena. Además de la pata estas personas traen también un corazón que probablemente
también pertenece a el buey al que le cortaron la pata.
Por ultimo, quiero decirles que las imágenes de este papiro tienen una estrecha
relación con las imágenes que se dibujaron en las paredes de la tumba donde se
encontró este y eso no solo pasa en este caso, sino en la mayoría de las tumbas (del
Antiguo Egipto) encontradas hasta el momento.

B.3 .La Grecia clásica

B.3.1. La música
El momento de esplendor de la Grecia clásica esta comprendido entre los siglos
V y IV. La mayor parte de la información que tenemos sobre la música griega de
aquellos tiempos procede de documentos literarios y tratados teóricos ya que hasta el
día de hoy solo han llegado unos pocos fragmentos musicales. LA música griega era
una music monódica y el ritmo estaba basado en el texto poético. La ejecución era
improvisada aunque a diferencia de la música egipcia, tenía unas reglas
predeterminadas. Como casi toda la música antigua, era música funcional que se
empleaba en ceremonias religiosas o actividades artísticas como en el teatros o en

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bailes. Empleaban escalas descendentes llamadas modos y los instrumentos mas
utilizados eran los de cuerda pulsada.

B.3.2. La pintura
Los griegos no daban tanta importancia a las tumbas y a la otra vida como los
egipcios u otras civilizaciones, por tanto las tumbas carecen de pinturas. A diferencia de
muchas otras culturas que pintaban sobre murallas y paredes, los griegos pintaban sobre
unas placas de madera que con el tiempo se perdieron. "El sabio romano Plinio el Viejo
(23/24-79 d.C) cuyas detalladas descripciones de la pintura griega y el mundo antiguo
influyeron enormemente en sucesivas generaciones, es la principal fuente de
información sobre la pintura griega.
Una de las pinturas de arte menor de esa época que son muy características, son los
vasos pintadas. La palabra vaso tiene un amplio significado y se emplea para nombrar
las diferente cerámicas griegas en el siglo XVII ya sean jarrones para almacenar, vasijas
para beber, botellas para perfumes etc. Estos vasos que seguramente que la mayoría de
nosotros conocemos no tenían una función decorativa, sino que se empleaba para las
tareas diarias o ceremonias religiosas. En los vasos normalmente se solían representar
escenas que cuentan historias donde aparecen criaturas mitológicas y dioses. Como
podemos ver, en las imágenes de estos recipientes influyen las figuras humanas que son
muy bien trabajadas, y se puede observar un gran avance en ellas en computación con
las figuras egipcias, dando al cuerpo mas realismo y movimiento.

-Obra
La obra clásica que he elegido para
explicar es "Ayax y Aquiles jugando a los
dados". Esta obra fue realizada por alfarero y
pintor Exequias aproximadamente 550 años a.C.
en la Grecia clásica. El ánfora tiene una altura
de 61 cm., estaba hecha de cerámica y los
dibujos están hechos con pintura negra y se
usaba para guardar aceite o vino. En ella
podemos observar con total claridad la silueta
de Ayax (derecha) y Aquiles (izquierda)
jugando a los dados. Sabemos que se trata de los
personajes anteriormente mencionados por los
nombres que están al lado de cada personaje.
Por los elementos que aparecen en la escena
podemos deducir que están jugando en tiempos
de guerra ya que van armados y tienen los
escudos detrás de ellos que también fue una
pista para poder deducir los personajes. Aquiles
saca un cuatro y Ayax un tres demostrando la
superioridad de este frente a su adversario Ayax,
además la pluma del casco de Aquiles llega
mucho por encima de Ayax acentuando todavía as su superioridad frente a el. Aun que
Aquiles es poderosamente más superior que Ayax, según cuenta la historia este es quien
recoge el cuerpo sin vida de Aquiles del campo de batalla cuando este muere.

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B.4. La Edad Media
B.4.1. La música
La música medieval se solía interpretar en monasterios si era música con un
repertorio religioso; en los castillos en celebraciones militares, juegos... o en plazas y en
las calles. Los señores feudales en esa época construyan grandes castillo y fortalezas
para protegerse de los enemigos y en ellos había lugar muchas celebraciones donde la
música tenia un papel muy importante. La vida en los monasterios era muy activa ya
que los monjes trabajaban o rezaban durante todo el día. Para realzar el mensaje del
texto sagrado, los propios monjes crearon el canto gregoriano. El canto gregoriano era
una música vocal con texto en latín con un repertorio religioso. Tenía una textura
monódica, es decir, el coro cantaba a una sola voz para que el texto se entienda lo mejor
posible. Tenía una melodía ondulada, sin grandes saltos y muy fácil de cantar. "Ritmo
libre, generado por un fraseo que respeta la estructura del texto: las pausas musicales se
realizan al final de las frases." Poco a poco los monjes fueron experimentando y crearon
una música escrita para más de una voz. "A esa primitiva forma de polifonía se le
llamaba organum: se trata de un canto gregoriano al que se le añade una segunda voz,
que se mueve de forma paralela a la primera formando intervalos de cuarta o quinta."
Más tarde, la polifonía evoluciona y se vuelve mas compleja. El número de voces
aumenta, las voces se pueden mover de forma contraria u oblicua y además se escribe el
ritmo de cada voz.
En la edad media había unas personas que recorrían castillos, pueblos y ciudades,
cantando, contando historias, bailando etc. Estas personas se llamaban juglares, y su
trabajo consistía en animar a la gente. Tanto la iglesia como las clases sociales cultas
estaban en contra de estas personas e incluso se les negaba la protección de las leyes.

LA ANOTACIÓN MUSICAL: Durante

muchísimo tiempo la música se transmitía
oralmente y se aprendía de memoria ya que no
había ningún tipo de escritura musical. Eso hacia
que las canciones sufran alteraciones, pero los
monjes no podían permitir eso ya que su música
contenía la palabra de Dios que debe permanecer
igual, sin ningún tipo de alteración. Eso llevo a la
necesidad de crearse un lenguaje musical escrito.
El primer sistema que se invento fueron los
neumas. Consistían en signos gráficos que se
colocaban sobre el texto para indicar el
movimiento que tiene que hacer la voz ya sea
ascendente, descendente etc. Conforme paso el
tiempo se fueron añadiendo líneas de altura
creando un tetragrama, y los neumas se
convirtieron en notas cuadradas que se colocaban
encima de este. Además, al principio de tetragrama se escribían letras que indicaban las
notas fa, do o sol. De esta forma la altura de cada nota queda bien definida. Este sistema
avanzo hasta convertirse en el que se utiliza hoy en día y todos conocemos.

B.4.2. La pintura

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 La pintura medieval tiene mayoritariamente temas religiosos y esta expuesta en
las paredes y los techos de las iglesias. En este tipo de pinturas predomina el sentido
antinaturalista. Es decir que los fondos de las pinturas no son paisajes sino que esta
compuesto por un color plano (uniforme). Los colores planos también están presentes
en las personas creando un contraste cromático muy fuerte. Como antes he mencionado,
la mayoría de las pinturas tratan de temas religiosos y Dios aparece en la mayoría de
ocasiones pero muchas veces también podemos encontrar a la Virgen María con el niño
Jesús en los brazos y hasta se puede llegar a ver a los reyes magos trayéndole regalos.
También es muy habitual encontrar imágenes de santos que están pintados de frente y
normalmente están divididos en una especie de cuadras por unas columnas pintadas. Las
figuras se trazan con líneas muy grandes de color negro o rojo oscuro, acentuando así
su valor decorativo.

-Obra
La obra que he elegido es una obra hecha de
pintura al temple sobre tabla y mide 102x151 cm. La
obra fue realizada en 1125 en un periodo de la historia
que se llama el periodo Románico que pertenece a la
Edad Media. La pintura es estrictamente bidimensional
y tiene una tendencia geométrica. La obra esta dividida
en tres partes. En la parte central podemos ver a Dios en
una posición muy común en aquellos tiempos y en las
otras dos partes podemos observar a los doce apóstoles divididos en dos grupos de seis
personas cada uno. Estas están posicionadas formando un triángulo que quiere dar la
sensación de multitud. El único apóstol que podemos identificar es San Pedro por las
llaves que tiene en las manos. "La limitada gama cromática compuesta por colores
vibrantes deriva un gran efecto visual" y podemos ver que Dios esta metido en un doble
circulo luminoso que aparece con frecuencias en las pinturas carolingias.

B.5. El Renacimiento

B.5.1. La música
El Renacimiento comenzó en Italia a mediados del siglo XIV y se extendió por
Europa los dos siguientes siglos. Durante esta época los burgueses empezaron a
reclamar una música que hablara de temas humanos pero la Iglesia también se vio
afectada por eso y promovió el desarrollo de la polifonía. En aquellos tiempos saber
tocar un instrumento y gozar con la música eran signos de una buena educación y
organizar conciertos y bailes de corte otorgaba un gran prestigio al dueño de un palacio.
Durante el renacimiento la música religiosa se desarrollo muchísimo, los instrumentos
entraron definitivamente en los templos y los cantantes tuvieron que especializarse para
poder interpretar las canciones que eran de gran complejidad. Los dos tipos de obras
religiosas más importantes del Renacimiento fueron las misas y los motetes. Las misas
tienen una estructura fija que esta formada por varias piezas y normalmente se
componían para ser interpretadas en ocasiones especiales. Los motetes “son piezas en
las que los compositores trataban de reflejar con diversos recursos musicales el
contenido y la estructura del texto.” Durante el Renacimiento la demanda de música
instrumental aumento. Al principio la música instrumental consistía en transcripciones o
arreglos de música vocal pero poco a poco se fue independizando hasta crearse un
repertorio de piezas específicas. Algunos de los tipos de música instrumental más

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importantes son las danzas, las variaciones y las piezas de improvisación. “Las piezas
de danzas tienen esquemas rítmicos marcado y regulares y se dividen en partes
diferenciadas. Solían agruparse por parejas contrastantes: danzas lentas en compás
binario y danzas rápidas en compás ternario.” Las variaciones están basadas en
melodías de canciones o danzas que se van modificando sucesivamente mediante
cambios en el ritmo, la melodía o la textura. Las piezas de improvisación tienen una
gran dificultad técnica y sirven para el lucimient5o de los solistas.

B.5.2. La pintura
El padre de la pintura renacentista es Giotto. Giotto, en su manera de trabajar se
parece a los artistas gótico pero su naturalidad y habilidad de dar una gran solidez a los
personajes e interpretar las escenas bíblicas de una manera más naturalista, hicieron de
el uno de los pintores más importantes de la historia de la pintura. Lógicamente, el
cambio de la pintura medieval a la Renacentista no se hizo de la mañana a la noche
pero después de que Giotto muera se tuvo que esperar casi un siglo a que apareciera una
persona que desarrolló lo que Giotto dejó sin acabar. Esta espera se hizo tan larga
probablemente por la culpa de la peste negra que mató a muchísimas personas en
aquellos tiempos e impidió el desarrollo y el crecimiento de la población.
Después, ocurrieron una serie de cambios en la pintura que hicieron que cada vez las
pinturas sean más naturalistas y que aparezcan paisajes como fondo para los cuadros.
"Milagrosamente tubo lugar una nueva primavera con el nacimiento del pintor
florentino Masacio". Masacio fue quien entendió de verdad lo que quería expresar
Giotto, y continúo su trabajo.
Desgraciadamente Masacio murió a los 26 años, pero su pintura era digna de persona
madura y con mucha experiencia.

-Obra
Este fresco titulado Llanto por
Cristo muerto realizado por Giotto di
Bondone (el padre del Renacimiento) fue
hecho cuando todavía el Renacimiento no
era muy desarrollado y en la mayor parte
de Europa seguían haciéndose pinturas al
estilo medieval. Esta obra tiene unas
dimensiones de 200x185 cm. y muestra la
escena de la muerte de Cristo.
El cielo, que es el fondo del fresco tiene
un color apagado y verdoso que acentúa el
dolor y la tristeza de la escena y el cuerpo
pálido de Cristo. La mayoría de los
personajes son santos o criaturas divinas
como los ángeles que están llenando el cielo con su dolor. Estos personajes son
fácilmente inidentificables como en cualquier obra cristiana de aquel tiempo ya que
tienen esa característica aureola sobre la cabeza que nos ayuda a distinguirlos fácilmente
de las personas corrientes. Además de personajes santos hay también personas
corrientes pero están marginados o de espaldas lo que los coloca en un segundo plano.

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B.6. El Barroco

B.6.1. La música
El Barroco es el periodo de la historia comprendido entre los años 1600 y 1750.
En esta época el principal objetivo de la música era causar impacto en el oyente. En el
Barroco las ciudades se convirtieron en escenario de poder civil. Los grandes
acontecimientos se celebraban en las calles organizando desfiles y se contrataba a los
mejores compositores. En 1637 en Venecia se abrió el primer teatro público y se podría
asistir a las funciones que se celebraban en este mediante la compra de una entrada. Las
iglesias competían de cierto modo por tener los mejores recursos musicales, y la música
adquirió cada vez más importancia en las ceremonias religiosas. Es en ente periodo
cundo por fin la música instrumental adquiere igual importancia que la música vocal y
para conmover los sentimientos de los oyentes se empleaban distintos recurso. En la
música instrumental barroca había alternancia de melodía acompañada, contrapunto y
homofonía; contraposición entre ritmo libre y ritmo medido; instrumentos solistas frente
a grupos orquestarles, juegos de sonoridad entre familias instrumentales; y por ultimo,
intensidades sonoras cambiantes. El violín se convirtió en uno de los instrumentos más
importantes del Barroco y junto a la viola y al violonchelo (que pertenecen a la misma
familia que el violín) solían formar parte de los conjuntos instrumentales.

–Compositor
Johan Sebastián Bach está considerado el
compositor mas importante del Barroco y uno los
mejores compositores de la historia de la música
occidental. Bach nació el 21 de marzo de 1685 en
Eisenach, en la actual Alemania. Sus primeras
lecciones de música las recibió de su padre y de su
hermano ya que procedía de una familia de
grandes musical. A los diecisiete años comenzó su
carrera independiente. Bach viajo por muchas
ciudades de Alemania en busca d trabajos cada ve
mejores y llegó a ser desde organista hasta maestro
de capilla. Bach murió el 28 de julio de 1750 y sus
últimos años fueron marcados por sus problemas
de vista. Los hijos de Bach fueron también
musicaos como su padre y continuando así la
tradición de la familia Bach.

B.6.2. La pintura
Tanto en la pintura como en la escultura del Barroco, los personajes y los
diferentes elementos están definidos con mucha naturalidad. A diferencia de la
escultura, la pintura del Barroco estaba ya cansada de la perfección del Renacimiento.
Así que los pintores no se detuvieron a la hora de pintar cosas y escenas poco
apetecibles visualmente como por ejemplo un pescado podrido o seres ensangrentados.

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En cuanto a la pintura religiosa, podríamos decir que expresa el deseo de escaparse de
esta vida terrenal miserable, difícil y dolorosa, para poder ir al cielo donde todo esta en
paz, tranquilidad y amor y donde ya no existen ni el dolor ni el sufrimiento. Para
expresar ese deseo, los artistas pintaban el cielo de una manera muy grandiosa y
gloriosa, lleno d personas sagradas que están en la gloria mientras que en la parte
inferior de los cuadros, se pintaban a las personas que están viviendo en la tierra en
dolor, enfermedad y pobreza. Un elemento al que se le daba mucha importancia en
aquella época era la luz. El fondo ya no se dejaba en un segundo plano si trabajarlo
mucho sino que los elementos del fondo están muy cuidadosamente trabajados. En
aquellos tiempos también se puso de moda los paisajes, los cuadros de arquitectura, el
bodegón y muchos otras clases de pintura.

-Obra
El cuadro se titula Las meninas, tiene
unas dimensiones de 318x276 cm. y fue hecho
por Velázquez el año 1656 con óleo sobre
lienzo. La obra es considerada una de las más
importantes y valiosas de todo el mundo. En el
cuadro podemos ver a la Infanta Margarita que
esta situada entre dos meninas o damas de
compañía. Mas a la derecha podemos observar
a dos chicas de poca estatura, y una de ellas
esta tocando con el pie al perro para que preste
atención a sus dueños. Los monarcas están
reflejados en el espejo que esta al fondo de la
sala, posando para el propio Velazquez que se
sitúa en la parte de la izquierda del cuadro.
Además podemos ver al lado del espejo una
silueta de un hombre que esta encima de unas escaleras y otras dos personas más, detrás
de las meninas pero todas estas quedándose en un segundo plano. Unas de las cosas que
han hecho de este cuadro una obra maestra es el reflejo del espejo y la pincelada suelta
que usa el artista.

B.7. El Neoclasicismo

B.7.1. La música
Durante el siglo XVIII la clase media fue adquiriendo cada vez mas poder lo que
llevo a un nuevo movimiento cultural llamado la Ilustración que propugnaba una
sociedad mas justa e igualitaria donde el arte y la educación sean accesibles al mayor
numero de personas posibles. En música el nuevo estilo que nació en aquellos tiempos
fue llamado Clásico, y tuvo su mayor esplendor entre los años 1750-1800.
Durante este periodo los conciertos públicos se organizaban en tabernas, teatros,
parques, jardines etc. Las entradas a este tipo de conciertos solían se caras y aun mas
para escuchar a los compositores de moda. Gracias a estos conciertos la música penetro

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en amplias capas sociales. La música en los hogares experimento un gran crecimiento
en esta época y había compositores que escribían piezas específicas para tocar como
forma de entretenimiento social o familiar.
La agrupación instrumental específica del Clasicismo es la orquesta sinfónica,
que consiste en un gran grupo de instrumentos de cuerda y una selección de
instrumentos de viento y percusión. A diferencia de lo que ocurría anteriormente, donde
los conjuntos instrumentales se usaban para acompañar operas u obras religiosas, la
orquesta sinfónica contó desde el principio con un repertorio propio.
El genero musical más importante del Clasicismo fue la sinfonía, que estaba
constituidas por cuatro movimientos (partes) que contrastaban entre si. “Primer
movimiento: su tempo es rápido-a menudo con una introducción lenta-y tenia la forma
sonata. Segundo movimiento: adopta diversas formas (tema con variaciones, ternaria,
etc.) y su tempo es lento. Tercer movimiento: suele ser un minueto (forma de danza) al
que se añade una sección llamada trío. Cuarto movimiento: su tempo es rápido y puede
adoptar las formas sonata, ronda o ronda-sonata.

-Compositor
Wolfgang Amadeus Mozart nació en
Salzburgo en 1756 y es uno de los muchos
compositores del Neoclasicismo que pasaron de
la cima de la gloria a la ruina de manera muy
radical. Los compositores dependían mucho de
los gustos del público que siempre cambiaban o
de su jefe si trabajaba para alguien en particular
y por eso en este periodo podemos encontrar
muchos músicos que han fracasado de cierto
modo.
Durante su infancia Moazrt recorrió toda
Europa actuando para grandes personalidades.
Después fijo su residencia en su ciudad natal
donde consiguió un puesto al servicio del
príncipe de esta. Sin embargo Mozart se
consideraba mal pagado y estaba muy aburrido e
la ciudad donde vivía así que emprendió varios
viajes fin el objetivo de encontrar mejores
oportunidades. Por ejemplo en Paris se fue obligado a dar clases de piano, actividad que
no le gustaba en absoluto. Después de ser despedido por el arzobispo por su gran
rebeldía, Mozart se trasladó a Viena para trabajar como compositor independiente. Allí
obtuvo la fama que siempre había soñado, pero por desgracia eso no duro mucho y en
pocos años el publico le retiros su apoyo y murió el 5 de diciembre de 1791
empobrecido y enfermo.

B.7.2. La pintura
La pintura del Neoclasicismo se basaba en la pintura clásica, es decir en la
pintura de la Grecia clásica y la Roma clásica. Aunque no se hayan conservado muchas
pinturas de aquellos tiempos los pintores las rehacían mentalmente y se imaginaban
como deberían ser realmente para poder inspirarse. En aquella época muchos pensaban
que las pinturas deberían tener una intención didáctica y moralizante. Las escenas solían
estar bañadas por una luz clara y fría ya que una luz caliente rechazaba la estética del
Neoclasicismo. “A veces se usaba el claroscuro, con una iluminación intensa de los

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personajes que interpretaban la escena en el centro del cuadro, dejando en las tinieblas
el resto del cuadro.” A diferencia de otras épocas en esta no se usaban colores pastel
sino colores ácidos; y la pincelada del autor casi no se notaba en el cuadro, lo cual
contribuya a mantener una distancia entre el autor y el tema y entre este y el espectador.
Una de lo géneros más destacables del Neoclasicismo son los cuadros de historia con
unos temas serios que intentaban moralizar a la gente. Aunque normalmente se pintaba
al óleo, también podemos encontrar frescos. Una de las cosas destacable de aquella
época es que cada cuadro sólo se refería a un tema, sin temas secundarios que podrían
distraer el espectador. Los personajes que ocupaban el primer plano en la obra solían
presentar una anatomía ideal, sin ninguna imperfección física y con una musculatura
perfecta.

-Obra
Este cuadro se titula El caballo
árabe de lord Grosvenor, esta hecho con
óleo sobre lienzo y mide 99.3 cm. de alto y
83.35cm de ancho. La época en la que fue
realizada la obra, era una época donde los
caballos y las carreras con estos eran muy de
moda en Inglaterra y era muy normal que las
personas muy ricas encargasen cuadros con
sus animales y sobre todo caballos. El
cuadro fue realizado por el pintor George
Stubbs. George era un gran experto en
pinturas de animales (especialmente
caballos) y conocía muy bien la anatomía de
estos pudiendo así darles un alto nivel de
naturalidad y realismo. Aun que su
especialidad eran los animales también
desarrollo su capacidad para pintar paisajes
y personas. En esta obra podemos observar
que el caballo tiene un color marrón
brillante que da la impresión de que este acaba de finalizar una carrera. El color rojizo
del caballo contrasta mucho con el tono gris del cielo y con el verde del paisaje que se
encuentra en un segundo plano. Esto hace que el caballo destaque más su belleza y que
predomine sobre la obra. También podemos ver a su jinete al lado de este, que por
cierto esta igual de trabajado que el caballo pero carece de la importancia que tiene este.

B.8. El Romanticismo

B.8.1. La música
En el siglo XIX la burguesía ascendió al poder y con ella empezaron a triunfar
nuevas ideas y valores entre los que destaca la libertad por encima de todo y la
expresión de los propio sentimientos entre muchas otras. Este movimiento cultural se
llama Romanticismo y afecta por igual la pintura, la música y la literatura.

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 En esta época los conciertos pasaron a ser cada vez más numerosos y se
empezaron a construir salas especificas donde se celebraban, que tenían un gran tamaño
y podían albergar hasta 6500 personas. La música seguía teniendo un papel importante
en las reuniones sociales de las calases media y altas a las que asistían artistas,
compositores y otros profesionales de aquellos tiempos. Además, entre las familias
adineradas se consideraba que tocar un instrumento (casi siempre el piano) era un parte
esencial de la educación d las señoritas y se creo un repertorio especifico llamando
música de salón.
En este periodo la música instrumental era muy importante para
transmitir sentimientos y emociones. Para lograr eso se emplearon nuevos recursos. La
orquesta aumentó, pero sobre todo se ampliaron las secciones de viento y percusión, los
instrumentos se combinaba de una manera innovadora y algunas reglas de épocas
anteriores se trataban con más libertad. El piano es el instrumento romántico por
excelencia y en este siglo sufre unas importantes mejoras. El teclado aumenta hasta 7
octavas, se añadieron unos pedales que aumentaban la expresividad del instrumento y se
mejoro el sistema de macillos que golpeaban las cuerda.

-Compositor
Ludwing Van Beethoven fue el
primer compositor romántico debido a
su extraordinaria libertad que mostraba
tanto en la música como en su vida.
Beethove nació en Bonn en 1770 llego
a ser una fuente de inspiración para
otros muchos músicos. Hasta al
Romanticismo los compositores eran
considerados artesanos que tenían que
crear música nueva constantemente
para bailes, desfiles, ceremonias etc.
Sin embargo Beethoven fu el primer
compositor para quien su música no era
un mero adorno en un baile o en una
ceremonia sino que era un obra de arte
surgida de su de el mismo que debía
permanecer en el tiempo. A diferencia
de los músicos anterior, Beethoven al
componer una obra tardaba meses
incluso años mientras que algunos
compositores anteriores como Mozart
necesitaba días o semanas. Eso explica que hay compositores que hicieron más de cien
sinfonías mientras que Beethoven hizo solo nueve. Según lo que le escribió en una carta
a un amigo, Beethoven era muy buscado por las editoriales y el fijaba los precios de las
obras sin necesidad de negociar. Beethoven en sus últimos años de vida se quedo
completamente sordo pero eso no le impidió dejar de componer ya que compuso obras
tan famosas y conocidas como la novena sinfonía y murió en Viena en el año 1827.

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 B.8.2. La pintura
En la pintura del Romanticismo predomina la subjetividad y la originalidad. Su
objetivo principal era conmover los sentimientos del público y transmitir emociónense,
como pasaba en la música y la literatura romántica. Para conseguir ese efectos los
pintores son se detenían a la hora de pintar sangre, personas heridas o incluso montones
de cadáveres y también era muy frecuente usar fuertes contrastes de luz y sombra. A la
hora de habla del Romanticismo podríamos hablar de un Neo-barroco por el
movimiento, la tensión, el empuje, los contrastes y los colores que emplean los pintores
en sus obras. Uno de los géneros que adquirió bastante importancia en aquellos tiempos
debido al pensamiento romántico fueron los paisajes ya que no se trataba de
descripciones topográficas, sino de expresar sentimientos. También cogió importancia
los cuadros donde aparecían animales ya sean salvajes o domésticos. En cuanto al
tratamiento d la figura humana, se intentaba que esta sea lo mas realista posible
cuidando al máximo cada detalle e intentando que la ropa sea la adecuada tanto para la
época, como para el lugar donde se realiza la acción. Como en el Neoclasicismo, en el
Romanticismo predomina la pintura al óleo sobre lienzo pero también se utiliza bastare
la acuarela (técnica preferida por los Inglese) y en cuanto a las dimensione de los cuadro
los hay desde muy grandes (típicos de los francés) hasta cuadros mas pequeños típicos
de pintores que viajaban mucho.

-Obra
Este cuadro fue pintado después de
que se hundiera la balsa francesa llamada
Medusa, ya que esta obra plasma esa
historia. La balsa se hundió en las costas
occidentales de África, teniendo a bordo
ciento cincuenta pasajeros, tanto soldados
como personas de un alto rango social. Al
final solo sobrevivieron quince personas
después de naufragar trece días por el
océano. En el cuadro se puede observar la
desaparición de los náufragos por salvar
sus vidas y también podemos ver algunos
cadáveres de personas que viajaron en la balsa. Uno de los náufragos que logro salvar
su vida del naufragio escribió un libro donde contaba los sucesos que le habían
ocurrido, pero este libro no tuvo mucho éxito y no se vendió nada bien. El cuadro tiene
unas dimensiones de 491x716 cm. y esta realizado por Theodore Gericault con óleo
sobre lienzo.

B.9. El siglo xx

B.9.1. La música
En el siglo XX la música que se conocida hasta entonces empezó ha cambiar
poco a poco. Los compositores manifestaba un intensa voluntad de cambio y querían
una música que expresara los constante conflictos políticos, sociales, culturales etc. Así
nació una nueva forma de componer, interpretar y escuchar la música la música. Como
antes he dicho, en el siglo XX se realizó un ruptura con la música que se había utilizado
hasta entonces y se desarrollaron de nuevas corrientes musicales.

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 En Francia nace el Impresionismo, que no pretendí contar un historia o expresar
un sentimiento como en el Romanticismo. El Impresionismo intentaba sugerir
atmósferas, imágenes o crear sensaciones fugaces con la música. Empleaba elementos
armónicos y melódicos propios de la música antigua, medieval y de tradiciones exóticas
(sobretodo oriental). Tenia una instrumentación muy rica para crear efectos coloristas y
sutiles. Presentaba una estructura bastante compleja que provocaba una sensación
sonora difuminada.
El Expresionismo surgió en Alemania e intentaba reflejar el ambiente de
decadencia moral, conflicto y tensión debido ala Primera Guerra Mundial. Utilizaba
habitualmente textos dramáticos con temas como la violencia, la ansiedad, la angustia
etc. Presentaba una constante apariencia de disonancias. Tenia una fragmentación
máxima con ritmos y tempos en continuo cambio y con ausencia de melodías
reconocibles.

B.9.2. La pintura
La pintura del siglo XX se llevo a tal extremo que los cuadros abstractos dejaron
de ser figurativos y ya no intentaban representar realidades externas y concretas. Los
nuevos descubrimientos sobre la física y la teoría de la relatividad de Einstein y los
descubrimientos sobre la medicina hechos por Freíd han llevado la pintura a extremos
desconocidos incluso por los propios artistas. Los pintores de esta época sabían que el
espacio y la materia son realidades diferentes de lo que podemos percibir con la vista y
que el ser humano es mas complejo de lo que se había pensado hasta ese momento. A
parir de ese momento el artista del siglo XX tuvo que transportar a sus obras esa
dimensión nueva que habían descubierto gracias a la ciencia. Durante todo el siglo XX
hubo varios movimientos “ismos”, como por ejemplo el Cubismo, que no utilizaba ni la
perspectiva convencional, ni los colores de la realidad ni tampoco un único punto de
vista. También en este mismo siglo nació el Futurismo, que intentaba representar el
movimiento, adjudicando al los objetos diferentes posiciones sobre un plano. Por
ejemplo pintaban animales o figuras humanas con más de una cabeza. Ente mucos otros
movimientos también nació el Surrealismo, que “presentaba una cierta cohesión de
escuela: animación del mundo inanimado, metamorfosi, aislamiento de fragmentos
anatómicos, máquinas fantásticas, perspectivas vacías…”

-Obra
Este cuadro realizado por
Salvador Dalí, uno de los mejores
pintores de surrealismo El cuadro esta
realizado con óleo sobre lienzo y mide
24.1x33 cm. Dalí normalmente pintaba
lo que soñaba o pensamientos de gente
con trastornos mentales de tal manera
poder crear unos cuadros muy extraños y
escandalosos. En este cuadro podemos
ver como varios relojes muy blandos
cuelgan por la obra ya sea de una rama
como de una forma difícil de identificar.
También hay un trozo de metal con
forma de reloj lleno de hormigas como si fuera un trozo de carne podrida y estas la
estuvieran devorando. En el suelo de este paisaje extraño podemos observar una silueta
que es la mezcla entre un caballo y una máscara que recuerda al retrato del propio autor.

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Al fondo del todo podemos observar una gran masa de agua y unas montañas que se
reflejan en ella y que contrastan con un cielo amarillento.

CONCLUSION:
Después de finalizar el trabajo y de echar un ojeada a lo que he hecho y lo que he
descubierto, me he dado cuenta de que el arte es un factor muy importante en el mundo
y en la sociedad aun que haya mucha gente no le presta importancia ni interés. Como
hemos podido ver, el arte estaba ya presente en el mundo cuando todavía la escritura no
existía. Lo que nos demuestra todavía más que el arte es una parte importante de la
historia y el desarrollo del se humano y de la sociedad. Hemos podido ver que la pintura
y la música no solo buscan la belleza, sino que muchísimas veces intenta transmitir un
mensaje, una idea, un sentimiento o contar una historia. También hemos podido ver lo
variada que puede ser la función de la pintura, se usaba desde facilitar el paso de los
muertos al mundo del más allá hasta un simple adorno. Como hemos pedido ver la
música también tenía varias funciones, desde acompañamiento para ceremonias
religiosas hasta canciones para bailes o desfiles. Si hubiéramos prestado un poco de
atención a lo que hemos leído nos podríamos dar cuenta que el arte casi siempre esta
influenciado por la religión de la del lugar, por el sistema político, por las ideas que
triunfan en la época, por la sociedad etc.
A mi, personalmente, el trabajo me ha ayudado a comprender mejor la evolución
tanto del arte como de la sociedad. También me ha hecho comprender la evolución de
las técnicas y las ideas que triunfaban y se usaban en la pintura en cada época ya que no
lo tenía muy claro como, por ejemplo, de pinturas tan simples como las de la Edad
Media se pasa a pinturas tan desarrolladas y realistas como las del Barroco en tan poco
tiempo. Este trabajo además me dio a conocer la gran importancia que tiene la música
en la sociedad y me ayudo observar la evolución de la música desde su principio de la
historia, que era una música muy simple con escasos instrumentos y recursos musicales,
hasta la compleja y complicada música de tiempos mas cercanos, que tiene una rica
instrumentación y recursos musicales, y unas reglas bien definida y una escritura
musical muy compleja.

BIBLIOGRAFIA
LIBROS:

 AAVV, 30.000 años de arte, Phaidon, China, 2008

 Wendy Beckett, Historia de la pintura, Blume, Hong Kong, 1995

 Diego Angelo Iñiguez, Resumen de historia del arte, CUG, Madrid, 1966

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 T. Castaño, A. Serrano Ruiz de Alarcón, ¿Hacemos música?, Teide, Barcelona,
2007

 Ernst H. Gombrich, Breve historia del mundo, quinteto, España, 2005

INTRNET:

 Pintura siglo XX, http://www.artelista.com/pintura-siglo-xx.html

 Pintura romántica, http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_rom%C3%A1ntica#Estilo

 Pintura neoclásica, http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_neocl%C3%A1sica

 Ritmo, http://es.wikipedia.org/wiki/Ritmo

 AUTOR/A: Pintura,: http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura

 Melodía, http://es.wikipedia.org/wiki/Melod%C3%ADa

 Armonía, http://es.wikipedia.org/wiki/Armon%C3%ADa

 Música, http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica

 Todas las imágenes que aparecen en este documento, están buscadas con Google
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