Вы находитесь на странице: 1из 9

La música posterior a 1945

INTRODUCCIÓN

El pluralismo musical y los continuos cambios en la música occidental se aceleró en los veinticinco años posteriores al final de la Segunda Guerra Mundial, propulsado por el boom económico de los Estados Unidos y de la mayor parte de la Europa Occidental, por unas comunicaciones cada vez más rápidas y por un deseo de explorar nuevas posibilidades entras las generaciones jóvenes.

Los músicos desarrollaron nuevos estilos, tendencias y tradiciones, incluidas las formas de música popular dirigidas principalmente a los jóvenes, como el rock and roll, y sus derivados, los estilos del jazz, desde el bebop hasta el free jazz, que exigieron una escucha más concentrada; las formulaciones cada vez más complejas de la composición serial; la música construida con el sonido propiamente dicho y que ha empleado nuevos instrumentos, la música electrónica o nuevos sonidos con los instrumentos de la orquesta; las aplicaciones de la indeterminación y del azar en la composición; y las piezas basadas en la cita y el collage de la música del pasado.

En Europa, la nueva música fue apoyada a menudo por los gobiernos, las emisoras de radio y los institutos culturales, mientras que en Norteamérica las escuelas superiores y las universidades se convirtieron en los principales mecenas de la música, formaron a jóvenes intérpretes y a educadores musicales y apoyaron a los compositores, los nuevos conjuntos musicales, los conjuntos de viento y los programas de jazz.

LA MÚSICA POPULAR Y SU PERCEPCIÓN SOCIAL

El crecimiento económico de los años de posguerra proporcionó a los jóvenes un mayor tiempo libre y unos mayores ingresos. Por primera vez, los

adolescentes se convirtieron en algo importante para la industria de la mercadotecnia, de manera que la ropa, los cosméticos, las revistas, las películas y el entretenimiento se diseñaron y fueron lanzados al mercado para ellos. Cada vez más jóvenes poseían sus propias radios y tocadiscos, mientras escuchaban y compraban grabaciones de música que reflejaban sus propios gustos. Las compañías discográficas respondieron lanzando al mercado tipos de música específicos para un mercado adolescente y joven que pasó a conocerse como música pop. Algunos tipos de música como el rock and roll, unió a la mayoría de los adolescentes a finales de los años cincuenta y sesenta, lo que originó una brecha generacional entre ellos y las generaciones precedentes. Sin embargo, puesto que la música popular continuó diversificándose en distintos nichos del mercado, gentes de todas las edades sintieron que la música que escuchaban definía su identidad de igual manera que el atuendo que vestían y el modo cómo se comportaban. Cada tipo de música tenía sus propias estrellas, fans y programas de radio y la popularidad de las canciones de cada categoría se reflejaba en las listas de éxitos, clasificadas semanalmente según las ventas de singles de 45 rpm.

Pop es un término que se aplica a un grupo de estilos de música popular. Estos estilos se originaron en Estados Unidos y Gran Bretaña, a partir de los años 50, y se han convertido en la música predominante en muchos otros países en la segunda mitad del siglo XX. Esta música está muy relacionada con el desarrollo de la tecnología y el crecimiento de las industrias de grabación y radiodifusión; se asocia generalmente a la gente joven, pero la audiencia se ha ampliado en los últimos años, a la vez que han surgido nuevos centros de producción.

El término “música pop” surgió en los años 50 en Reino Unido, para describir el rock and roll y los nuevos estilos musicales juveniles a los que influenció. El término está relacionado con el arte pop y la cultura pop. En los años 60 surge el término “música rock”, que designa habitualmente un estilo más duro, agresivo e improvisado, pero las barreras entre rock y pop no están muy definidas.

Lo que más peso tiene es una división ideológica: el rock es más auténtico, el pop más comercial. Los cambios sociales y tecnológicos con los que está relacionada la música pop habrían garantizado que en muchos lugares del mundo surgiera algo como el pop, pero la hegemonía económica y cultural de occidente en ese periodo hizo que se extendieran los estilos de origen anglosajón.

EL POP Y EL ROCK INTERNACIONAL, AÑOS 50 Y 60.

Los años 50

El nacimiento del "Rock and Roll" está íntimamente ligado a los cambios sociales y tecnológicos que se dieron a comienzos de los años cincuenta.

Estados Unidos alcanzó un esplendor económico que propició que los adolescentes dispusieran de un trabajo (y por tanto de poder adquisitivo), a la vez que tenían más tiempo para el ocio y mayor libertad para disponer de él. El mercado ofreció productos para estos consumidores, incluyendo nuevas formas de expresión musicales. El nacimiento del rock and roll se benefició de estos cambios sociales, al conseguir que los oyentes pudieran identificarse con los intérpretes, que eran de la misma edad que ellos y compartían intereses; así, las canciones hablaban de las cuestiones que preocupaban a los jóvenes: primeros amores, problemas generacionales, etc.

Se originó una subcultura juvenil con símbolos propios: el automóvil como símbolo de poder económico, una nueva forma de vestirse y nuevas posibilidades de ocio.

PRINCIPALES TENDENCIAS DEL ROCK EN LOS AÑOS CINCUENTA

El rock and roll de Bill Haley

Bill Haley (1925-1981) definió su estilo como "una combinación de country, western, dixieland y rythm and blues al viejo estilo". La verdadera aportación de Haley fue su voz y sus melodías blancas con un ritmo procedente de la música negra. Haley fue el primero en colocar un rock and roll en las listas de éxitos:

Crazy Man Crazy, en 1953. “Shake, Rattle and Roll" y "Rock around the clock" estuvieron varias semanas en los primeros puestos en los dos años siguientes.

El "country rock" o "rockabilly"

El "country rock" o "rockabilly" era un estilo basado en la combinación del boogie blues y el country. El estilo se desarrolló en torno a Memphis y al estudio de grabación Sun Records. En este estudio grabaron entre otros Elvis, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins o Jonny Cash, cada uno con diferentes influencias. Los primeros intérpretes de rock and roll blancos eran músicos conocedores del country que adaptaban algunas de las características del rythm and blues a su estilo. El rockabilly era un estilo con ritmos más libres que el rock and roll de Bill Haley.

Elvis Presley (1935-1977) procedía de una familia humilde. El éxito de Elvis residió principalmente en su voz: no era el autor de sus canciones, sino que únicamente participaba en los arreglos de algunos temas.

Su trayectoria musical suele dividirse en dos etapas. La primera abarca sus trabajos de los años 50 que lo convirtieron en la encarnación del Rock, alcanzando entre 1956 y 1958 los primeros puestos en las listas de ventas con éxitos como "Heartbreak Hotel". Su incorporación al servicio militar supuso un paréntesis en su trayectoria. Al regresar a la vida civil en 1960 grabó algunas baladas y centró su atención en el cine.

Su segunda etapa es la de las sesiones de Memphis, a partir de 1968, volviendo

a despertar el interés del público. A lo largo de la última década de su vida tuvo serios problemas de salud, que acabaron con su vida en 1977 en la ciudad de Memphis.

Jerry Lee Lewis (1935) representó el lado más salvaje del rock primitivo. Era capaz de prender fuego a su piano o de tocar las teclas con los tacones. Entre 1957

y 1958 facturó una gran lista de éxitos. Su primer éxito fue "Whole lotta shakin´

goin´ on", a la que seguiría "Great balls of fire". Era pianista, cantante, compositor,

y su música estaba a medio camino entre el rock y el country.

El rocking blues de Chicago

El equivalente más cercano del rockabilly entre los estilos negros fue el "Rocking Chicago Blues" de Chuck Berry y Bo Diddley. Muchos de los cantantes de color

que habían grabado en Memphis antes que Elvis se trasladaron a Chicago durante los primeros años de la década de los cincuenta, donde desarrollaron el estilo del rocking blues de Chicago. Este estilo se distinguía por tener un sonido fuerte, muy amplificado y una voz gritada sobre un ritmo machacón.

Chuck Berry (1926) nació en Saint Louis en 1926. Era un gran aficionado al blues. Su primer disco fue "Maybellene" (1955) que lo situó de inmediato entre las primeras figuras del rock and roll. Su música se caracterizaba por un ritmo más acelerado, adaptando elementos del blues y el country, además de su estilo, sencillo y efectivo. Sus letras son provocadoras, a los que hay que unir tres estancias en la cárcel. Chuck Berry se convirtió en un músico de referencia para décadas posteriores.

OTROS ESTILOS

Los bailes alternativos: el twist

Algunos productores creyeron que el éxito del Rock se debía a su forma de bailarlo, y por ello creyeron que había que seguir inventando otros bailes. Surgieron numerosos bailes, algunos de los cuales llevaban en el disco instrucciones por escrito para la coreografía, como sucedía con el Twist" (giro).

Lo cierto es que el twist no aportaba grandes novedades con respecto al rock and roll. Uno de los antantes más populares de este estilo fue Chubby Checker, quien logró grandes éxitos con "The Twist" o con "Let´s twist again".

LOS AÑOS 60

Primera invasión británica

Los años sesenta marcaron el comienzo de la invasión británica. Las dos primeras bandas que obtuvieron el beneplácito de Norteamérica fueron los Beatles y los Rolling Stones, que representaban dos estilos diferentes de música y de imagen. Aunque ambos admiraron y versionaron el rock de los cincuenta, los Beatles interpretaron canciones con temas amables y reminiscencias del rock vocal, vestían con trajes iguales, respondían a la prensa de modo educado; mientras que los Rolling rechazaban vestir con trajes iguales y eligieron dar una imagen de "chicos malos". Su música se inspiraba en el blues y el rythm and blues.

El Beat Británico y The Beatles

Sus componentes eran John Lennon (1940-1980), Paul McCartney (1942), Ringo Starr (1940) y George Harrison (1943-2001).

La tensión creadora entre Lennon y McCartney empezó a resentir las producciones

del grupo y los músicos ya no disimulaban sus diferencias en público. La llegada de Yoko Ono a la vida de Lennon le fue alejando todavía más de sus compañeros. En 1969 aparece "Abbey road" en el que ya es patente el desmembramiento del grupo, que se hizo público en abril de 1970. Un mes después aparecía "Let it be" que sería

el último disco oficial de los Beatles.

The Rolling Stones

Sus componentes eran Mick Jagger (voz), Keith Richards (guitarra), Brian Jones (guitarra), Bill Wyman (bajo) y Charlie Watts (batería). Representaban el lado oscuro del rock y rápidamente se les situó como la oposición de The Beatles.

El grupo se formó en Londres y su álbum “The Rolling Stones” de 1964 fue número

uno en las listas.

La respuesta americana

A raíz del éxito de los grupos británicos, los ejecutivos americanos se habían

convertido en meros distribuidores de la música ajena, por lo que intentaron

inventar estilos que les permitieran seguir en el mercado musical.

El Pop Bubblegum cataloga a un tipo de música comercial destinada a adolescentes, más relacionada con el trabajo de un productor que con un interés creativo. La trayectoria de este tipo de grupos fue efímera y su música se caracterizaba por la sencillez y la banalidad. Un ejemplo es el grupo "Archies" con su tema "Sugar, sugar".

El "surf" era una música enérgica, casi siempre instrumental, practicada sobre todo en Hawai y California y asociada al aire libre, trajes de baño y coches descapotables. Los reyes de este género fueron los "Beach Boys" que entre 1962 y 1965 grabaron once álbumes cosechando grandes éxitos que iban desde "Surfin´ Safari" hasta "Beach Boys party".

Jimi Hendrix (1942-1970) fue uno de los mejores guitarristas de la historia del rock e inventó casi todos los recursos espectaculares de los guitarristas. Sus años de éxito fueron entre 1967 y 1970 formando el trío "The Jimi Hendrix Experience". Su primer gran éxito llegó con el álbum "Are you experienced" (1967), pero su reconocimiento le llegó con su participación en el Festival de Monterey (1967). En su interpretación Hendrix "sacrificó" su guitarra quemándola.

A Janis Joplin (1943-1970) le llegó el éxito a raiz de su participación en el Festival

de Monterrey en 1967. La cantante era una gran apasionada del blues. Su desgarrada voz destacó e impresionó desde el principio. Su complicada vida le

llevó a una muerte temprana.

LOS AÑOS 50: EL SERIALISMO INTEGRAL

La difusión amplia del serialismo empezó tras la muerte de Webern, principalmente con las primeras obras de Stockhausen y Pierre Boulez, que siguieron el modelo de Webern y las pistas dejadas por Messiaen. El concepto de serie es central en una buena parte de la producción contemporánea. Schoenberg creó la idea de serie, identificada con la escala dodecafónica. La serie se entiende como un elemento temático que se repite a lo largo de la obra, manteniendo su identidad interválica y siendo variada en los parámetros del ritmo y del timbre.

El

serialismo integral de inicios de los 50, representado en las obras de Boulez

y

Stockhausen, amplió la predeterminación serial a todos los elementos

caracterizadores del sonido. Así, de la primera serialización de las alturas, se pasó a la serialización del timbre, de la intensidad y de la duración de los sonidos.

Stockhausen llegó a una especie de serialismo total en Punkte (1952), cuyo título alude a una música puntillista, compuesta de puntos de sonido aislados, característicos del serialismo.

LOS AÑOS 50: LA MÚSICA ALEATORIA

También en 1951, el azar entró con fuerza en la música contemporánea con las obras Music of Changes e Imaginary Landscape ns. 4 del americano John Cage (1912-1992). Surgió entonces la música aleatoria, aquellas composiciones que

responden a un tipo de concepción estructural determinado por el azar, que pasó a ser un factor decisivo en la interpretación y en la composición.

Las obras aleatorias otorgan una gran libertad a cada instrumentista. En cuanto al acto creativo, la música aleatoria se caracteriza por la indicación, en la partitura, de las diversas alternativas que podrán seguirse en el momento de la ejecución, de los 'diversos itinerarios musicales'.

Una obra como 4'33" (1952) deja todo abierto a las operaciones del azar.

MÚSICAS CONCRETA, ELECTRÓNICA Y ELECTROACÚSTICA.

La música electroacústica es aquella en la que se utiliza la tecnología electrónica (en la actualidad fundamentalmente informatizada) para acceder, generar, explorar y configurar materiales sonoros; y en la cual, los altavoces constituyen el principal medio de transmisión. Se mezclarían sonidos generados electrónicamente con otros grabados acústicamente. Destacaría Stockhausen con su obra El canto de los adolescentes.

El término musique concrète (música concreta) fue creado por Pierre Schaeffer (al que se unió rápidamente Pierre Henry) en París, en 1948. La palabra «concrète» implicaba originalmente la idea de que el compositor trabaja directamente (concretamente) con el material sonoro, a diferencia del compositor de música instrumental o vocal que trabaja indirectamente (de manera abstracta) empleando un sistema de notación simbólico que representa los sonidos que deben ser realizados por los instrumentos o las voces. Una obra destacada sería los Seis estudios de Ruido de 1948 de Schaeffer (se ha escuchado en clase el de los ferrocarriles).

Informática musical, entró a formar parte del vocabulario desde el momento en que el ordenador se convirtió en la herramienta compositiva más importante; los primeros intentos de síntesis sonora se realizaron en 1957 en los laboratorios Bell Telephone en Murray Hill, New Jersey. Los estudios de música por ordenador pioneros eran diferentes de los estudios analógicos de música electrónica. Primera obra habría que destacar la Suite Illiac de Hiller e Isaacson.

MÚSICA ACUSMÁTICA

En la música tradicional el oyente puede observar los gestos del intérprete, una experiencia que constituye un aspecto esencial de la afinidad del espectador con la articulación de la música como hecho humano. En la música acusmática, presentada en formato grabado y concebida para ser escuchada mediante altavoces, el oyente percibe la música sin ver la fuente o procedencia del sonido. La música acusmática, por tanto, rompe con la noción tradicional de recepción musical.

El término «acusmática» remite a akusmatikoi, es decir, a aquellos discípulos de Pitágoras que, con el fin de concentrarse mejor en las enseñanzas de su maestro, eran forzados a sentarse en silencio absoluto mientras éste les hablaba escondido tras una cortina.