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Monotropías

Ashtánga sádhana

Antecedentes de la propuesta:

Monotropías es un proyecto

independiente de creación de experiencias interactivas

que nace en e l año 2015, con la intención de extrapolar la definición de “compositor” más allá de los límites del campo sonoro y, a través de la intermediación entre los diferentes universos de la percepción, ofrecer al público de nuestra ciudad vivencias abiertas al disfrute de la sensorialidad, el autoconocimiento y la exploración de estéticas concebidas a partir de las nuevas tecnologías.

El término “monotropías” nace de las raíces griegas mono (solo, único), y tropos (en dirección hacia) y hace referencia a la búsqueda de la unidad: un viaje en dirección hacia un estado de conciencia en el cual nuestras percepciones se funden en un único plano.

Si bien el nacimiento formal de este proyecto fue en 2015, sus antecedentes se remontan hacia principios de 2011, con la publicación de una serie de textos en un blog llamado Holotropías. En un principio se trataba de un espacio de intercambio de experiencias tan íntimas y sutiles que muchas veces se hacía difícil expresarlas sólo en palabras, así que la propuesta fue tomando un nuevo cariz, alejándose poco a poco del terreno literario, cambiando su nombre a Monotropías y encaminándose más hacia el terreno de la interacción entre el sonido, la imagen, la palabra y el movimiento.

La primera obra realizada por Monotropías se llamó sonografía y expansión de la conciencia, una obra que inicialmente fue pensada para ser interpretada por tres arti stas: un músico y un demostrador de coreografía en el escenario, y un programador de artes visuales que se encargaría de la interacción entre la imagen y los artistas en escena. Sin embargo, como la pieza debía ser terminada en un tiempo limitado debido a las condiciones en las que fue estrenada, terminó siendo sólo una pieza para violonchelo preparado, que traducía a sonidos los trazos de círculos y colores de una proyección visual a través de un proceso inspirado en la sinestesia y el autoconocimiento. La pieza fue presentada en el Auditorio Fundadores de la Universidad EAFIT, como parte del programa de mi recital de pregrado.

La segunda producción de Monotropías fue Conversación , una obra musical para violonchelo, flauta, piano, gui tarra y medios electrónicos, en la cual se pretendía plasmar en sonidos la experiencia de la práctica de intuición lineal (o meditación ), mediante la práctica de tres técnicas ancestrales: mudrá, pújá y mantra. La pieza toma

fragmentos de la obra anterior (ashtánga sádhana) y los mezcla con el sonido de los demás instrumentos.

El año pasado Monotropías debutó como un estudio de creación de experiencias interactivas, con la presentación de su tercera obra: Monotropía No.1 , comisionada por la Un iversidad de los Niños de EAFIT con motivo de la celebración de sus 10 años. F ue estrenada también en el Auditorio Fundadores y contó con la participación de una orquesta de cámara , conformada por algunos de los integrantes de la Orquesta Sinfónica de EAFIT, además de una batería, un sintetizador y una partitura visual que permitía la interacción entre el público y los músicos que había en el escenario, t odo esto acompañado de una puesta en escena que incluía una mujer vestida de luces interactuando con algunos niños ha blaban por un micrófono conectado a una serie de efectos que procesaban la s voces.

El proyecto actual de Monotropías es precisamente el que estoy presentando a la Convocatoria de Estímulos para el Arte y la Cultura de la Alcaldía de Medellín. La obra se l lama ashtánga sádhana y es la obra que dio origen a este proyecto, tal y como fue concebida en un primer momento, cuando aún no tenía los recursos técnicos ni el conocimiento necesarios para realizarla : se trata de u na experiencia sensorial y performática inspirada en las técnicas de autoconocimiento y ampliación de la conciencia que constituyen la práctica intermedia del SwáSthya Yôga, tal y como fue sistematizado por el Profesor DeRose, un hombre que ha dedicado toda su vida a transmitir conceptos de buena cultura, buena alimentación, buena forma y, en especial, buenas relaciones humanas, con la intención de contribuír a transformar el mundo en un lugar mejor, empezando cada uno por sí mismo.

Esta obra sonora, visual e interactiva busca plasmar aquellos p rocesos sutiles que experimentamos cuando ponemos en práctica dichas técnicas, como u na invitación, por parte de los artistas hacia los espectadores, para "suprimir la inestabilidad de la conciencia * ", como escribió el sabio Pátañjali hace más de dos mil a ños. La puesta en escena estará constituida por el sonido del violonchelo, procesado en vivo por computador, un demostrador profesional de coreografía que se encargará de ejecutar en escena las técnicas, así como algunos sensores que permitirán manipular el audio y el video desde los movimientos del propio cuerpo, logrando una intermediación sinestésica entre las formas visuales, los colores, el movimiento del cuerpo y los sonidos capt urados en vivo desde el instrumento y posteriormente procesados, también en vivo, a través de un computador.

Presento esta propuesta con la intención de hacer realidad esta experiencia multisensorial que está inspirada en una filosofía milenaria y una Cultura ancestral que resuena con la búsqueda actual de nuestra ciudad por c onstruir una comunidad más consiente, que pueda hacer incidir de manera positiva hacia el resto del mundo.

“Chitta vritti nirôdha“. Traducción tomada del texto “Yôga Sutra de Pátañjali”, de DeRose. Nobel (1982): 32-3

Descripción del proceso a desarrolla rse:

Plan de montaje:

El proceso de composición de la pieza ya está listo, la obra está escrita y lista para empezar a ser montada, así que el paso siguiente sería entrar en contacto con los artistas que harían parte del proyecto en caso de que fuera apr obado, pues es imprescindible contar con el apoyo económico para poderlo llevar a cabo, teniendo en cuenta los costos del montaje, los honorarios de los artistas, los recursos técnicos que sería necesario conseguir, el proceso de difusión y también un buen registro de la experiencia, en audio y video, etc.

Una vez conformado el equipo, que incluiría un artista visual, un demostrador profesional de coreografías de SwáSthya y un programador, analizaremos juntos el guión de la obra, para definir los tiempos que cada uno requiere para elaborar sus respectivas partes antes de comenzar el proceso de montaje, manteniendo reuniones periódicas que nos permitan el constante intercambio de información a medida que vayamos avanzando en el proceso creativo.

Una vez terminado este tiempo de trabajo más enfocado hacia lo individual, procederemos a empezar a realizar los ensayos. Este proceso puede tardar varias semanas, o incluso más de un mes de trabajo, pues es necesario poner a prueba todos los procesos previamente programados, así como ensayar la puesta en escena en vivo. Durante este tiempo estaremos haciendo un plan de difusión, que será descrito más adelante, a través de redes sociales y otros medios de comunicación, habiendo definido la fecha y el lugar donde será estrenada de la obra.

A continuación está la descripción completa del guión de la obra, su estructura y los enlaces de audio correspondientes a cada uno de los momentos de la obra, excepto para el movimiento número 6, para el cual copio el enlace de una coreografía realizada por un demostrador profesional , tal y como se realizaría en la obra.

Ashtanga sádhana

I ntermediación para violonchelo procesado, demostrador de coreografía y video mapping sobre el cuerpo

La obra consta de ocho secciones, correspondientes a los ocho angas (partes) que componen la práctica de expansión de la conciencia y autoconocim iento mencionada anteriormente, que fue sistematizada por el Comendador DeRose con el nombre de SwáSthya Yôga . La estructura que presentamos aquí corresponde a un tipo de práctica ortodoxa, pero la estructura podría variar en caso de que se elija una práctica heterodoxa u otro tipo diferente de práctica ortodoxa. En cualquiera de esos casos es imprescindible que el ejecutante tenga el conocimiento necesario sobre la práctica, para elegir el orden en que se harán los movimientos de la obra.

Así expone el Sist ematizador las ocho partes del primer nivel de práctica ortodoxa, en su libro SwáSthya Yôga Shastra:

“Una de las principales característica s del Swásthya Yôga es el ashtánga sádhana. Ashtánga sádhana significa práctica en ocho partes (ashta = ocho; anga = parte; sádhana = práctica). Utilizamos diversos niveles de ese programa óctuplo. El primer nivel, para aquéllos que ya fueron autorizados a ingresar al Yôga, es el ády ashtánga sádhana (ádi/ády = primero, fundamental), que está constituido por las ochop artes siguientes, en este orden:

1) mudrá: gesto reflexológico hecho con las manos 3) mantra: vocalización de sonidos y ultrasonidos 4) pránáyáma: expansión de la bioenergía a través de respiratorios 5) kriyá: actividad de purificación de las mucosas 6) ásana: técnica corporal 7) yôganidrá: técnica de descontracción 8) samyama: concentración, meditación e hiperconciencia.

Ahora , en la pieza cada uno de estos angas corresponde a los diferentes movimientos, así:

Guión de la obra, con enlaces de audio:

Gestos reflexológicos

El escenario está oscuro, el practicante está sentado en el centro y una luz tenue se enciende sobre la s illa vacía del violonchelista.

El violonchelista entra en escena, caminando desde el lado derecho del escenario, y se sienta en su silla, que está ubicada al lado izquierdo del practicante, en un ángulo de 45 grados entre el público y el practicante, el violonchelo está conectado a una serie de efectos analógicos y a un computador que procesa el sonido desde un controlador de pie.

Hay un kinect programado para reconocer ciertas posiciones y movimientos del practicante, y éste envía la información a otro computador, en el cual un artista visual genera las imágenes que serán proyectadas sobre el cuerpo del practicante.

El practicante está sentado con las piernas cruzadas: “en una posición firme y agradable, con las espalda derecha y los ojos cerrados”.

I. Primer gesto

Comienza a sonar una cuerda al aire ( https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=4) (cuerda Do), producida por el chelista, mientras el practicante pone sus manos sobre las piernas, una sobre la otra y ambas con las palmas hacia arriba . El sonido del chelo activa la proyección visual, que reacciona al sonido y a la información que recibe del kinect. A medida que el sonido va creciendo la proyección visual se va concentrando en las manos del practicante, proyectando una esfera dorada que se torna cada vez más luminosa.

El sonido del violonchelo es grabado y se convierte en un loop , sobre el cual comienza a sonar una segunda nota, correspondiente al primer armónico natural de la misma cuerda, este se suma al loop y luego aparece una tercera nota, correspondiente al segundo armónico y se repite el mismo proceso, con

cada uno de los armónicos siguientes, hasta que el intérprete lo considere necesario. Los armónicos que se van sumando representan el grado de inmersión que el practica nte va alcanzando, al igual que la intensidad de la luz dorada sobre las manos.

II. Segundo gesto

Una vez alcanzado el nivel deseado de profundidad, el intérprete comienza a filtrar la masa sonora generada por la sumatoria de armónicos (https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=115 ) (LPF), y el practicante pasa las manos hacia el pecho uniendo las palmas, una frente a la otra . El movimiento de las manos es seguido por la proyección visual, que ahora se concentra en el lugar en el que están las manos. En ese momento la masa sonora de loops superpuestos, ahora filtrada, queda como un pedal de fondo.

Duración recomendad de este movimiento: 5 minutos

C ontrapunto en retribución

I.

E l in térprete realiza una melodía ad libitum (https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=130 ) mientras la luz, concentrada en torno a las manos, se torna de color anaranjado, brillante, y comienza a expandirse poco a poco . La melodía es nuevamente loopeada y sobre ella se toca un contrapunto (https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=153 ) ; otra melodía que responde a la primera, y la luminosidad anaranjada se sigue expandiendo hasta envolver toda la pantalla. Las dos melodías, ambas loopeadas, se van llenando de efectos de retardo (reverb y delay), conviertiéndose en una nueva masa sonora (https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=192 ) que lue go se va desvaneciendo para dar lugar a la siguiente retribución, el fondo anaranjado permanece, pero baja en intensidad, junto con el sonido.

II.

Una nueva melodía , (https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=194 ) en un registro más grave, surge de en medio del sonido residual de la masa sonora, mientras tres haces de luz anaranjada se proyectan respectivamente sobre las manos, el plexo solar y el entrecejo del practicante sentado. Esa melodía es también loopeada y armonizada por movimiento paralelo en quintas y décimas sobre

las fundamentales (con alteraciones aleatorias en la tercera de cada acorde, oscilando entre mayor y menor). A medida que se van sumando las quintas y las décimas (https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=274 ) las luces anaranjadas se van expandiendo nuevamente, hasta volver a abarcar la totalidad de la pantalla. La intensidad de la imagen baja nuevamente, pero el sonido permanece igual esta vez.

III.

La melodía inicial reaparece (https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=287) , esta vez a tempo, sumándose al loop de acordes paralelos, mientras un haz de luz de color azul celeste se concentra en el pecho del practicante sentado, luego reaparece el mismo contrapunto inicial sobre la melodía , que ahora está loopeada, y también se loopea. El haz de luz azul celeste crece hasta abarcar toda la pantalla a medida que el loop de melodías y acordes se va llenando nuevamente de efectos de retardo (reverb y delay), y convirtiéndose en una nueva masa sonora.

IV.

Las primeras tres notas de la melodía , acentuadas y en fortíssimo, surgen de en medio de la masa sonora , tocadas en el chelo sobre el loop (https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=323 ) . La última nota se queda suspendida en un gran calderón, manteniendo el fortísimo. Cesa el loop y esa nota queda sostenida a través de un nuevo loop. La pantalla se torna más brillante y lue go se apaga lentamente.

Duración r ecomendad de este movimiento: 8 minutos

Mantra

I. Extroversión

Se prende una luz que ilumina a l practicante que, desde el silencio comienza a tocar un gran tambor y a vocalizar algún mantra del SwáSthya Yôga

(https://play.spotify.com/album/06pwEtL6M0pi8NqBq5honD?play=t

rue&utm_source=open.spotify.com&utm_medium=open) , a su elección , acompañado p or el chelo y el intérprete, que también vocaliza . El mantra se prolonga por algunos minutos, repitiéndose y aumentando gradualmente su intensidad, si alguien en el público conoce el mantra puede vocalizarlo junto con los intérpretes .

Al final el mantra debe detenerse de manera abrupta, con una indicación del practicante, si es necesario, para que todo cese al mismo tiempo: la percusión, la vocalización, el chelo y la luz.

II. Introversión

E ste breve lapso de silencio y oscuridad es interrumpido por una cuerda al aire (La) https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=444 que comienza a sonar, y por la pantalla, que vuelve a encenderse, acompañando el sonido que pulsa intermitente, a cortos intervalos, mientras una luz dorada se proyecta sobre el entrecejo del practicante sentado, pulsa ndo también, al ritmo del sonido. El practicante vocaliza la sílaba Ôm junto con los demás ejecutantes.

El pulsar de la cuerda es loopeado https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=534 y sobre él se comienzan a escuchar los armónicos naturales, tal y como al principio de la obra, pero ahora también el ritmo se duplica, junto con la frecuencia (ej: si la cuerda fundamental son negras, el primer a rmónico debe ser en corcheas, el segundo en tresillos de corchea, el tercero en semicorcheas, luego quintillos, etc). A medida que se van sumando los diferentes armónicos al loop, la intensidad de la luz que pulsa es mayor.

Cuando cesa el sonido, y la imagen con él, todo permanece en silencio y a oscuras por algunos segundos.

Duración recomendad de este movimient o: 8 minuntos

Respiración:

Vuelve el sonido del loop anterior, en pianissimo, marcando el pulso de la respiración del practicante. Una melodía compuesta de armónicos https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=608 , representa el aire que comienza a entrar y salir por las fosas nasales en este cuarto momento. En la proyección se ven cientos de partículas de luz, como pequeñas luciérnagas que llegan desde todas direcciones y se concentran en torno al rostro del practicante. La melodía es loopeada y a partir de este momento la estructura será la siguiente: los números determinan cuántas veces se debe repet ir el loop en cada una de las cuatro fases de la respiración, que son: inspiración, retención con aire, exhalación, retención sin aire, algunos ejemplos de ritmos respiratorios son:

{1- 2- 1- 0} ó {1- 2- 1- 1} ó {1- 4- 2- 0} ó {1- 4- 2- 1} ó {1- 1- 1- 1}, etc). Así, la duración de cada una de las cuatro fases de la respiración puede variar, dependiendo del ritmo respiratorio que sea elegido.

Ejemplo para el ritmo {1- 4- 2- 1}

Inspiración:

S uena la melodía que representa la respiración https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=634 , las partículas se concentran en torno al rostro el practicante y luego, como si entraran al cuerpo, se convierten en dos hilos de luz que serpentean como si descendieran alrededor de la columna vertebral, desde la cabeza hasta la región coxíguea . La melodía suena solo una vez en esta fase, de acuerdo con el ritmo respiratorio de este ejemplo, representando el aire que está entrando a los pulmones.

Retención con aire:

S uena nuevamente la melodía que fu e loopeada, pero ahora se empieza a procesar con efectos de retardo (reverb y delay) y vibrato (LFO), convirtiéndose en una masa sonora a medida que las partículas de luz de la proyección se van concentrando en la base de la columna y tornándose cada vez más rojizas, como el color de una brasa caliente. En esta fase la melodía se repite cuatro veces, de acuerdo con el ritmo respiratorio de este ejemplo, cada vez más llena de efectos, lo que representa la cantidad de energía que se está almacenando en la base de la columna, mientras se permanece con pulmones llenos.

Exhalación:

La siguiente repetición de la melodía será en fade out, lo que representa el aire que va saliendo de los pulmones. Mientras tanto un hilo dorado asciende por el centro de la column a del practicante sentado, hasta lo alto de la cabeza. En esta fase la melodía suena dos veces, cada vez más piano , de acuerdo con el ritmo respiratorio de este ejemplo, hasta quedar en silencio.

Retención sin aire:

S ilencio total, el loop se reproduce con volumen cero, mientras en la proyección una fuente de luz brota desde lo alto de la cabeza del practicante

sentado. En esta fase el silencio dura lo que duraría una sola repetición de la melodía.

Se repite el ciclo:

Luego se vuelve a la primera fa se de la respiración https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=692 , con el mismo ritmo, pero ahora se graba un contrapunto, también en armónicos, sobre el loop inicial. Esto se repite la cantidad de veces que el intérprete lo desee, así como en la práctica los respiratorios pueden mantenerse por el tiempo que el practicante le desee.

Duración recomen dad de este movimiento: 10 minutos

Actividad de purificación:

Se apagan todas las luces, el chelo toca un ri tmo enérgico en pizzicato, https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=706 rasgando las cuerdas como si fuera una guitarra, mientras el practicante hace sus ejercicios. Aquí la atención se centra en los sonidos y en la proyección, que superpone ahora las imágenes del movimiento anterior, una sobre la otra, pero con más saturación de rojo.

Cuando el practicante termina los ejercicios se pone de pie y el chelo deja un nuevo loop que funciona como nexo entre este movimien to y el siguiente.

La imagen cesa por completo una luz se enciende sobre el practicante.

Duración recomendad de este movimiento: 4 minutos

Conciencia corporal :

El practicante ejecuta una serie de posiciones https://www.youtube.com/watch?v=fW2Bt0foiy0 , como si fueran esculturas que permanecen inmóviles por algunos minutos (o segundos) y

luego se van transmutando, cada una en la siguiente. Cada una de estas posiciones está asociada a uno de los loops que fueron grabados anteriormente. Así, cuando el kinect, programado para reconocer cada posición, envía la señal correspondiente al comptador, éste reproducirá el loop, y dependiendo del tiempo de permanencia en cada posición, los efectos de audio que acompañan cada uno de los loops se irán intensificando.

El primero de todos los loops (el que fue grabado en el primer movimiento) está asociado a los momentos de transición, y éste se escuchará siempre, entre una y otra posición, entrando y saliendo con un crossfade, lo cual permitirá la continuidad del sonido durante la ejecución de las técnicas corporales.

El chelista no hace nada durante la ejecución de las técnicas, la proyección tampoco, toda la atención está puesta en el demostrador y los sonidos que él genera.

Al final de este movimiento el chelista vuelve a tomar su instrumento y ejecuta, sobre una pista previamente elaborada, una música enérgica y poderosa, mientras que el practicante hace una práctica libre en formato coreográfico.

Al terminar la coreografía, cesa la música y el practicante se acuesta en el su elo, boca arriba.

Duración recomendada de este movimiento: 12 minutos

Asimilación:

El chelo es dejado a un lado y vuelve la proyección, todas las imágenes que hasta ahora se han proyectado retornan, entremezclándose entre sí y creando nuevas formas y texturas a partir del material visual de todos los demás movimientos. Por su parte, el violonchelista hace lo mismo, realizando un paisaje sonoro https://www.youtube.com/watch?v=PjvybTfr4PU con el material sonoro que hasta ahora ha sido grabado.

Mientras tanto el practicante permanece acostado.

De la multiplicidad de sonidos e imágenes, poco a poco se va llegando a una unidad mínima: una pequeña esfera que pulsa en la mitad de la pantalla y un único sonido que pulsa al ritmo de la imagen. Así termina este movimiento y el practicante vuelve a sentarse en la misma posición en la cuál comenzó todo.

Duración recomendada de este movimiento: 10 minutos

Samádhi:

Se mantiene el mismo sonido https://youtu.be/PjvybTfr4PU?t=1244 , la misma imagen y la misma posición por varios minutos, procurando suprimir la inestabilidad de la conciencia a través de la parada de las ondas mentales, saturando al pensamiento con un único estímulo, hasta que se detenga.

Después de algún tiempo cesa el sonido, cesa la imagen y el practicante abre los ojos pasando las manos unidas frente a l pecho y pronunciando, junto con el chelista, la palabra ¡SwáSthya!

Así termina la obra

Duración recomendada de este movimiento: 3 minutos

Material de Soporte en audio y video:

En el texto del guión de la obra están los enlaces a videos que muestran los diferentes momentos de la obra. Los tres enlaces a los cuales remite el texto son los siguientes:

- Mantras del SwáSthya Yôga:

https://play.spotify.com/album/06pwEtL6M0pi8NqBq5honD?play=true&utm

_source=open.spotify.com&utm_medium=open

- Demostración de Coreografía:

https://www.youtube.com/watch?v=fW2Bt0foiy0

- Muestra de Ashtánga sádhana, solo audio y video:

https://www.youtube.com/watch?v=PjvybTfr4PU

Instrumentación y requerimientos técnicos:

Audio:

violonchelo electroacústico, computador con software de procesamiento de audio (Pure Data, M ax/MSP o alguna DAW), efectos analógicos de retardo (reverb, delay), controlador de pie (MIDI). Interfaz de audio con mínimo 6 salidas y una entrada preamplificada, consola de 12 canales, sistema de sonido con monitoreo.

Programación y video:

Kinect, computador con software de programación de datos de video y audio (Pure Data o Max/MSP), videobeam y pantalla para proyección.

Demostración de técnicas y escenario:

sistema de luces y tarima para coreografía.

Cronograma :

para proyección. Demostración de técnicas y escenario: sistema de luces y tarima para coreografía. Cronograma :

Presupuesto:

Presupuesto: Plan de difusión: El uso de Internet y redes sociales será fundamental para difundir el

Plan de difusión:

El uso de Internet y redes sociales será fundamental para difundir el proyecto. Cada ensayo, presentación y los momentos más representativos del proceso de montaje de la experiencia estará n acompañados por una campaña en redes sociales, dirigida por un community manager, que se encargará de hacer llegar esta información a diferentes medios artísticos y culturales, y también haciendo un voz a voz entre los seguidores. En algunos casos se podrá hacer un videoclip con algún fragmento de la obra como forma de capturar el público a través de los medios audiovisuales y de plataformas multimedia que acerquen a los escuchas, de forma diferente a la escucha de los discos. La distribución en físico del registro final se hará en las tiendas a nivel nacional que estén interesada den divulgar el material, en las presentaciones tendremos también un stand y el material podrá enviarse por encargo a través nuestras plataformas digitales.

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