Ricardo Alcaide

DES-
Venezuela
Alexander Apóstol
Venezuela

HA
Marlon de Azambuja
Brasil
Ciro Beltrán
Alemania - Chile
Primoz Bizjak

BI
Eslovenia
Elena Damiani
Perú
Nicole Franchy
Perú

TA
Sandra Gamarra
Perú
Pamela Martínez
Chile

BLE
Alejandra Prieto
Chile
Ishmael Randall
Perú-EE.UU.
Geraldo Zamproni
Brasil
 Des-habitable parte de la
reflexión sobre el
entorno urbano, la
arquitectura y las tipologías
que han identificado ciudades de
Latino América caracterizadas por
la persistencia del proyecto
moderno. Los artistas aquí reunidos se
posicionan desde el imaginario del
flaneur u observador que vive la urbe
para plantearse otras posibilidades
liberadas del cálculo del
arquitecto. Las obras
entonces, no son objetos,
sino que materializan
procesos de reflexión, crítica,
y miradas hacia el entorno cada vez más cambiante
de las ciudades. Fotos, dibujos, videos, estudios de
posibilidades de desastres y cambios de ciudades
en 3D, conversaciones y recorridos por Sao Paulo,
Lima, Santiago de Chile, Valparaíso y Caracas.
****
Des-habitable lleva en su titulo un contra-sentido
que abarca aquellos lugares del imaginario donde
se asienta la reflexión y la utopía de lo habitable
posible (una heterotopía en ciudades como Sao
Paulo, Santiago de Chile o Lima). Paralelamente,
alude a la pérdida progresiva del sentido de
pertenencia e identidad comunitaria con la
destrucción de ciertas tipologías arquitectónicas,
entornos y lugares en la segunda transformación
radical de las ciudades latinoamericanas y
centroeuropeas. Como habitantes citadinos de
principio del nuevo mileno, asistimos al cambio de
las urbes, a lo permanente y transitorio y al
carácter migratorio de sus habitantes –dentro de
ello, los mismos artistas participantes–
Otros procesos se advierten en las cada vez más
crecientes movilizaciones globales migratorias en
la que los mismos artistas transitan como
burbujas. ¿En qué sitio del imaginario pueden
entonces ubicarse en términos de identidades
posibles si dejamos de estar anclados a ciertos
lugares y procedencias?
****
Ciudades que se expanden y contraen al mismo
tiempo en una dinámica que niega los principios
organizativos y planeados del urbanismo
fundacional. Latinoamérica es una paradoja, un
espejismo de desierto y selva, montaña y valles,
grandes geografías y colonizaciones brutales. La
posibilidad de mejorar sujeta a la más arbitraria
expansión del capital; la diferencia cada vez más
creciente y abismal de las economías familiares y
las clases divididas entre barrios de miserias y
barrios de opulencia. En Latino América todo es
posible todavía: el ideal de Gropius de una ciudad
industrial obrera modular, al más aislado
condominio cuyos habitantes serían los únicos
transeúntes.
****
Más allá de las utopías, fundamento de
discusiones y ensayos en las décadas pasadas
sobre la vigencia del proyecto moderno, Latino
América se sitúa en el presente, dentro de un
ideal de modernidad no ajeno al desarrollismo de
las economías emergentes. Al igual que
Latinoamérica, Des-habitable también se centra
en las ciudades que experimentaron la
modernidad en el siglo XX como parte de un
proyecto social más radical que transformó las
ciudades, y que ha sido abandonado por los
cambios radicales en las políticas inmobiliarias o
destruidas por la guerra.
****
La arquitectura moderna (identificada con Mies
van de Rohe, Wright, Le Corbusier, Niemeyer y la
experiencia de la Bauhaus), es hoy situada/sitiada
en el plano de una realidad que influye todavía el
pensamiento, especialmente, por la posibilidad de
la realización de sus utopías sociales implícitas.
Los artistas incluidos aquí, miran dentro de la
ciudad hoy y buscan un vocabulario, una sintaxis
(que atisba en los planes de la arquitectura
moderna) en la captura de una identidad posible.
La identidad para re-inscribirse visualmente en la
dislocada y esquizoide sintaxis de crecimiento
imparable sin un prediseño. También son testigos
de una arquitectura moderna sitiada que envejece
y deja de actualizarse en su abandono o
destrucción. En ese sentido, ¿es posible
plantearse la ciudad en términos de modernidad y
tradición?
****
Des-habitable es sólo una propuesta, o más bien,
una contrapropuesta a las cada vez más cerradas
discusiones sobre el proyecto moderno, de su
fracaso e imposibilidad. Quedan otras utopías, la
utopía de las ciudades sustentables, de la vuelta a
los barrios, y a la negación de las grandes
megalópolis en las que se han convertido las
ciudades principales de Latino América.
Curaduría: Dermis P. León
Buró Curatorial
Ricardo Alcaide

“Mis proyectos están centrados, tanto poética como políticamente, dentro del discurso del intercambio
multicultural. ¿Cómo la gente en diferentes ambientes se encara a la exclusión económica y social? Las
correspondencias física y psicológica entre la superficie del cuerpo - la piel - y la arquitectura contemporánea,
son mis preocupaciones primarias.

En el centro de mi práctica fotográfica está el objeto, pero no el que se limita a dos dimensiones. Combino dos
géneros fotográficos claves - los del retrato y el de la arquitectura urbana -. Al combinar ambos géneros
distintos en una práctica, creo que estoy contribuyendo a la cultura de una manera original. Los retratos
fotográficos de hombres sin hogar en Londres - sus cuerpos marcados por sus experiencias, las enfermedades y
la suciedad de la ciudad - fue desarrollado posteriormente en otra serie, en la que fragmentos abstractos de las
pieles de estos mendigos, fueron insertadas digitalmente en fotografías de vallas publicitarias enormes, típicas
de San Paulo.

Mi práctica se focaliza cada vez más en soluciones arquitectónicas a situaciones sociales. Estoy particularmente
interesado en la deuda, a menudo no-reconocida, del Movimiento Modernista de América Latina a la
arquitectura vernácula. He pasado muchos años viviendo y trabajando en tres ciudades capitales - Caracas, mi
ciudad natal, Londres y Sao Paulo - y mis experiencias de estas economías muy diferentes, me han dado ideas
que se relacionan profundamente en mi práctica artística. Me comprometo directamente, en un principio a
través de la fotografía, con lugares específicos, que combinados y abstraídos en grados diversos, permitan hacer
más evidente las condiciones humanas más universales.”

Ricardo Alcaide
(Traducción del inglés: Dermis P. León)
Sin título | Impresión cibacrom | 49.5 x 49.5 cm | 2006 (izquierda)
Sin título | Impresión cibacrom | 49.5 x 49.5 cm | 2006 (derecha)
Alexander Apóstol

Durante la década de los '60s una familia europea emigrada a Venezuela, decide construir un edificio para toda
la familia en una buena zona de la ciudad. Cada miembro se queda con un apartamento y conviven en aparente
armonía hasta que treinta años después, uno de sus miembros más longevos, decide cerrar su balcón con
pesados ladrillos.
El conflicto comunitario se convierte en un conflicto familiar donde el tema resulta espinoso e intocable por sus
miembros. Solo su sobrina, la más joven del clan, decide tomar posición y se declara defensora de los principios
arquitectónicos y del bienestar colectivo. En este video, ella ofrece argumentos convincentes para más tarde
declarar que de igual manera, ella decidió abrir una ventana donde antes no la había porque “eso si mejoraba el
espacio de su vivienda”. La tensión entre los intereses individuales sobre los sociales y la sucesiva mutación,
tanto de los edificios como de la sociedad venezolana según los intereses de turno, quedan patente en esta
historia.
Alexander Apóstol

El trabajo de Alexander Apóstol está constituido por series de fotografías y piezas de vídeo que cuestiona el
desarrollo de la modernidad en su natal Venezuela. Al extrapolar un cuestionamiento general de la idea
universal de la" modernidad ", crea una dialéctica entre lo "moderno " y una realidad que contradice esta idea.
Apóstol logra revelar una realidad paradójica donde él encuentra una contradicción entre fuerzas en juego, al
manipular fotografías digitales tanto en obras como Residente Pulido y la Serie Residente Pulido: Rancho.
Crea "situaciones reales” en el vídeo, como en Don Carlos y Documental, donde la pregunta sobre los sueños
de una modernidad en Venezuela que nunca se hizo realidad, se hace de manera marcadamente emotiva.

Julieta González
Don Carlos | DVD | 8:00 min. | 2005 | con la colaboración de Mariana Bunimov
Marlon de Azambuja

“Me resulta bastante difícil definir mi obra como un todo en algunas pocas líneas, sobretodo porque trabajo una
gran cantidad de temas y recursos que, aunque me parecen estrechamente relacionados, admito que esas
relaciones son a veces muy complejas. Pero se puede decir que en gran parte de mi producción están presentes
un gran interés por la ciudad, la arquitectura, el mundo del arte, y sobretodo, me gusta pensar en estrategias
que permitan la posibilidad de ampliar, aunque mínimamente, nuestra percepción del espacio, ya sea el espacio
urbano, doméstico, político, etc…”
Marlon de Azambuja

Las series de dibujos y maquetas de edificios ideales de Azambuja se inspiran en la arquitectura moderna y las
teorías de sus principales representantes. Los dibujos muestran estructuras formales de gran belleza y
geometría que simulan aquellas de edificios modernos conocidos, como también muestran la huella
predominante del movimiento concreto brasileño. Lo singular de estas idílicas construcciones es que
representan “literalmente” su funcionalidad, y asumen los paradigmas y necesidades de los habitantes hasta el
absurdo. Dibujos de huellas digitales cubren completamente los planos de los dibujos, señales de identidad y
autoría personal del artista.

Movido entre la utopía y la dis-funcionalidad de estos ideales, Azambuja proyecta en sus construcciones y
dibujos la fantasía creativa, así como la crítica velada a los proyectos que secundaron las ciudades modernas
brasileñas, convertidas en auténticas jaulas y encierros humanos densamente poblados. Su posicionamiento se
manifiesta con humor e ironía en su último video Movimiento Concreto. Realizado en la emblemática avenida
Paulista de Sao Paulo, frente a edificios significativos del modernismo brasileño, el “movimiento” es una
alusión sexual a la inspiración fálica de estas moles de concreto; cuando al mismo tiempo, trasvierte el sentido
del “concretismo”. Concreto es después de todo el material por excelencia utilizado por la arquitectura
moderna, el movimiento artístico y la acción realizada con la cámara de video.

Dermis P. León
Movimiento Concreto | DVD | 2010
Ciro Beltrán

Museo del Coleccionismo (MdC) es un proyecto abierto de redes para la reflexión cultural que opera
globalmente, apoyado por asociaciones de artistas y espacios culturales desde el 2007:
http://museodelcoleccionismo.blogspot.com

Guachimán - Museo del Coleccionismo - MdC (Lima, Perú)

Caseta de guardia de seguridad cubierta con alfombra e intervenida por los artistas Ciro Beltrán, José Carlos
Tassara, Giuseppe de Bernardi y el performance de Miguel Blásica. Con la colaboración del Centro Cultural Juan
Parra del Riego y el Colectivo Túpac. (225 x 90 x 100 cm).

Para la muestra DES-HABITABLES en Lima, el MdC realiza una nueva serie de acciones e intervenciones dentro
de la red urbana, adoptando el concepto de (guachimán), uso colectivo del término derivado del inglés, para
caracterizar a la caseta del vigilante. Junto a la colaboración de Túpac y el Centro Cultural Juan Parra del Riego,
el MdC (guachimán) ha devenido en una galería itinerante por la ciudad de Lima. La caseta de guardia de
seguridad cubierta de alfombras, como estructura arquitectónica, luego de la exhibición en el Centro Cultural
de España (Lima), pasará legalmente a pertenecer al colectivo Túpac donde continuara funcionando como
espacio de intervención, performance y exhibición.

El MdC nació por la acción conjunta de la curadora Dermis P. León y el artista visual Ciro Beltrán en mayo del
2007, cuando realizan una serie de acciones de critica institucional enfrentando las políticas privadas y de
estado en Chile, frente al manejo, promoción y conservación de colecciones de artes visuales contemporáneas.

El MdC creció a la intemperie de las instituciones como una carpa de alfombra ambulante que llamó a los
artistas a donar obras y formar la primera colección de arte visual virtual en Chile.

En mayo de 2009 junto al apoyo de la Casa de la Cultura Anselmo Cádiz de la Municipalidad del Bosque en
Santiago, la alfombra que objetualmente daba existencia al MdC, es adosada a las paredes exteriores de una
caseta de guardia de seguridad, dándole al MdC una nueva existencia material y perspectiva conceptual. Con la
apropiación y re-contextualización de una tipología arquitectónica típica en las ciudades de Latinoamérica, el
MdC se convierte en una Micro-galería itinerante y se instaura como espacio de conservación, colección y
exhibición en los territorios de periferia cultural.
Guachiman
-Museo del
Coleccionismo
MdC (Lima, Perú)
Caseta de guardia de
seguridad cubierta con
alfombra e intervenida
por los artistas
Ciro Beltrán,
José Carlos Tassara,
Giuseppe de Bernardi
y el performance de
Miguel Blásica. Con la
colaboración del Centro
Cultural Juan Parra del
Riego y el Colectivo Tupac
225 x 90 x 100 cm
Guachiman -Museo del Coleccionismo -MdC (Lima, Perú) Performance de Miguel Blásica, vestido de soldado
peruano de la guerra del Pacífico en los predios del Museo de Arte Contemporáneo, Lima (foto izquierda)
Primoz Bizjak

La ciudad - escribe Ricardo Caldera - asume así la aparición de una crisálida que está a punto de salir de la
propia “vivienda”. La imagen fotográfica capta esta fase delicada de mutación: entre el 'no más' de etapa
anterior y el “todavía no” de la condición de venir. La imagen está a punto de comprender el punto de la
transición entre la ruina y la renovación; dejando las cosas al momento de su aparición, los representa en la
hora que no se puede colocar fácilmente en el recorrido habitual de la jornada. En las fotografías de Bizjak, el
anochecer parece confundirse con el amanecer, que revela así el lento pulso onírico del espacio urbano. La
duración de la exposición de la capa fotosensible puede ser muy larga, porque el fotógrafo - entomólogo no
puede predecir cuándo ocurrirá el desarrollo de la crisálida - ciudad, por lo tanto sólo puede dejar libre juego a
la interacción en un escenario vacío, entre dos actores: la luz y las cosas. La fotografía se convierte en el único
medio capaz de registrar un evento de otra manera no perceptible. Como en un enfoque preciso, los dos
estados, tanto el de la ruina y el esplendor coinciden, el pasado de los edificios, las huellas de los anteriores
temporadas de la ciudad, sus miembros dispersos, disecados, y ya parcialmente reconstruidos, están
iluminados por una luz que recuerda, no por casualidad, la de una pintura de la escuela barroca.
Serie Interiores Madrileños. Calle Factor | Caja de luz | 26 cm x 41 cm | 2008
Serie Interiores Madrileños. Calle Gaztambide | Caja de luz | 26 cm x 41 cm | 2008
Vista de la instalación en el Centro Cultural de España en Lima | 2010
Elena Damiani

Swamp: The beauty of disaster

Existe una belleza extrema e incomprensible en el desastre natural. Tenemos una suerte de fascinación por los
paisajes en ruinas, donde la decadencia después de la catástrofe, se torna en un espectáculo sublime.

Las ruinas clásicas son monumentos con una carga estética adquirida por el paso del tiempo y funcionan como
símbolos románticos. Pero, mientras estos monumentos deliberados declaman un deseo de permanencia e
incluso inmortalidad, las ruinas contemporáneas evocan la naturaleza efímera de nuestras construcciones.
Particularmente, me interesan las ruinas en donde el proceso de decadencia o destrucción espontánea es
consecuencia de un fenómeno natural o el paso del tiempo, y no el resultado de la intervención del hombre.
Según el sociólogo alemán Georg Simmel, una ruina es una especie de colaboración entre la humanidad y la
naturaleza, un alojamiento en peligro de destrucción que ambiciona emerger, mientras colapsa por la gravedad.
Es en este proceso de destrucción donde la ruina muestra la labor del hombre como si fuera obra de la
naturaleza. La lucha sumisa de la construcción humana en contra del entorno natural y del tiempo es en vano;
al final, la favorecida es siempre la naturaleza.

Swamp: The beauty of disaster es un paisaje distópico de un área devastada construida a partir de un mash-up
de imágenes de diferentes partes del mundo, después de desastres naturales. Este territorio ficticio
conformado por fragmentos de lugares diversos, da lugar a una nueva topografía donde cada elemento
arquitectónico pierde su localidad para fusionarse con las demás.

La video proyección muestra un escenario que se deteriora lentamente, introduciendo así una sensación de
tiempo arrestado que genera un espacio para la contemplación. A primera vista, la proyección parece ser una
imagen estática. Sin embargo, si el espectador se detiene a observarla, podrá descubrir las sutiles
modificaciones de un paisaje que poco a poco se convierte en un panorama completamente natural. La
perspectiva del video genera un distanciamiento entre el espectador y este territorio deshumanizado, no
permitiendo que exista una sensación de pertenencia. Si el espectador trata de acercarse para ver los detalles
de las construcciones en decadencia, su propia sombra se interpondrá a la proyección borrando un área del
horizonte, es decir, existe un nivel en el que esta imagen se vuelve oculta.
Swamp: The beauty of disaster | Video proyección | 2009
Nicole Franchy

“Empecé el proyecto, buscando fotos aéreas de San Juan de Lurigancho, el distrito más poblado de Sudamérica, en
los archivos del S.A.M (Servicio Aéreo fotográfico militar). Elegí las fotos de la zona desde mediados de los años 40
hasta fines de los años ochenta, abarcando un periodo marcado por el cambio demográfico, la migración de los
Andes y de la selva. Las urbanizaciones, de lo que antes pertenecían a zonas rurales, era informal.

Hacia los años ochenta aparecen en las fotos aéreas la prisión de Castro Castro, construida en la época para los reos
acusados de terrorismo. El penal con forma de panóptico, emblemático de la estructura de control moderno,
representa la presencia del estado de modo contundente en la zona. Esta figura desde lo alto, parece como un ovni
aterrizando en este distrito emergente en constante reconfiguración. Me fue imposible no pensar en la matanza
de Castro Castro que tuvo lugar en 1992. La memoria de este poderoso y violento acontecimiento muy mediatizado
en la época, se contrapone desde un televisor en una breve secuencia en loop al video proyectado con un sentido
de tiempo evolutivo y de mayor duración. Por una parte, encontramos la transformación del territorio con la
proyección, contrapuesto con el video del acercamiento hacia el panóptico y el audio sugestivo”.

Nicole Franchy
Ruricancho 1
| Proyección de
video-fotografía animada
| Video-stills | 2009
Sandra Gamarra

“Mi trabajo se centra en el uso de los mecanismos del mundo de arte, el comercio, la exhibición y los procesos
de creación para hacer con ello una reflexión acerca de la realidad y sus mecánicas. La ficción y la selección son
procesos que a gran escala se disuelven en el espectáculo. Mediante mi trabajo intento, al reducir la escala de
los elementos que intervienen, señalar estos procesos para hacerlos latentes y cuestionar nuestra participación
en ellos.

Desde mi posición en el arte, (haciendo referencia a mi posición en el mundo), propongo que una de las
maneras que tenemos para responder y hacer frente a estos sistemas es utilizar sus propios procesos de crear
realidad y crear ficciones mediante una re-selección de esta supuesta totalidad siempre parcial.”

“1821-2010" o " Waiting" es una metáfora de la espera. Espera por el orden, por la "democracia", por el
progreso. Y es también una metáfora del desencuentro y del destiempo. Los retratos (de San Martín y Simón
Bolívar) están listos y secos para colgarse, sin embargo la pared tiene un proceso más lento de secado. En
términos de habitabilidad, se podría usar el dicho: "empezar la casa por el tejado" para explicar como el
desarrollo urbanístico en una ciudad como Lima, ha empezado de tal manera que hace imposible su
culminación.”
Sandra Gamarra

1821-2010 / “Waiting”
Pintura permanente frescas sobre pared. Láminas de dos retratos al óleo s/t de San Martín y Bolívar
Intervención directa en el espacio | 2010
Pamela Martínez

Transparencias e improntas urbanas

La densidad arquitectónica y demográfica de una urbe se ve aligerada por su dinamismo, esta dicotomía es la
que parece resolverse en los cuadros de Pamela Martínez Rod. Efectivamente, la solidez de las construcciones,
los autos e incluso de las multitudes que habitan por el espacio citadino, se vuelven materia traslúcida en las
pinturas de esta artista chilena. Pareciera que el cúmulo de actividades que se desarrollan en la ciudad, las
ráfagas de vehículos que la transitan, los hombres y mujeres que trabajan en ella, se fundiesen con la atmósfera
urbana generando un conjunto de capas ligeras, un todo de bloques cromáticos que hablan de un organismo
formado por el conjunto de cosas, seres y actividades. Quizá el mejor ejemplo para explicitar mi visión de su
obra se contiene en el cuadro titulado Centro, donde esa energía de la comunidad urbana se convierte en la
estructura misma del cuadro, guiando las pinceladas y los colores hacia la parte central de la tela, justamente
como se imanta la vida de una ciudad hacia sus barrios del centro. Al final de cuentas, casi siempre los centros
de una urbe son también sus puntos originarios y desde ellos se han expandido la ciudad hacia sus cuatro
puntos cardinales. Por ello, luego el flujo de energías tiende a desarrollarse a la inversa, las actividades de la
población suelen ser imantadas por esas colonias fundacionales.

Si bien las obras de Pamela aparecen ante nuestros ojos como composiciones casi abstractas, siempre subyace
en ellas el mundo de estructuras arquitectónicas que les dieron origen, atravesadas por las improntas de la luz y
la vida cotidiana. Se trata de trabajos paisajísticos, desarrollados en un estilo afín a nuestra visión
contemporánea.

Fernando Gálvez de Aguinaga

Mapas mentales 1 | Técnica mixta | 52 x 70 cm | 2010

Mapas mentales 2 | Técnica mixta | 50 x 70 cm | 2010
Alejandra Prieto

“Piso flotante es una serie de tres imágenes en modelos 3D impresas en papel fotográfico de casas dislocadas
de su estructura original. A través de programas utilizados, en su mayoría para proyectar estructuras
arquitectónicas o animar objetos, se representan tres viviendas en la forma que quedaron después de la acción
de un terremoto o un tsunami.

Las fotografías originales que sirven como referente para hacer las casas que configuran Piso flotante, fueron
extraídas de archivos históricos de desastres naturales ocurridos en Chile. A través de la confrontación de
fuerzas opuestas (entre técnica y referente), propongo construir una imagen que instaure la inestabilidad como
temática central. Por un lado, está la técnica tridimensional empleada para formar la imagen que la dota de un
“aura objetiva”. Su estética ligada a la proyección de medidas y volúmenes, tiene como fin la construcción de un
objeto real. Por el otro, las casas abatidas son un signo claro de precariedad.

Una casa con un fondo blanco, cuya estructura se separa del resto y a la vez sostiene paredes, techos, ventanas,
puertas y chimeneas, en su mayoría inclinada y despegada unas de otras, subvierte el sentido de las decisiones
metodológicas de su construcción. La acción que produjo dicha precariedad es un fantasma que ronda la casa, y
un desastre natural sería su única explicación. El esfuerzo de volverlas a levantar a través de un sistema que
implica dibujar, modelar y registrar, se convierte en una paradoja simbólica que persigue la conciencia de la
fragilidad de la energía invertida.”

Alejandra Prieto
Serie Piso Flotante (Acme) | Modelo 3D impresión lambda | 90 x 120 cm | 2007
Ishmael Randall Weeks

El trabajo de Ismael Randall Weeks es una continua investigación sobre la modernidad vivida en Perú y la propia
realidad urbana de ciudades tan dispares como Lima o Cuzco, ambas lugares de residencia del artista. Al vivir
entre dos culturas: anglo-norteamericana y la de Latinoamérica propiamente, IRW tiene la posibilidad de
congeniar y brindar ambos mundos dispares en una mezcla de ideal y realidad.

Su vivencia de ser educado en los ideales y teorías modernas en colegios y universidades de Estados Unidos,
pero trabajar su obra en Perú, le brindan la oportunidad de establecer puentes que se manifiestan en un
ensamblaje teórico sofisticado, pero cuya realización padece la precariedad y reciclaje del uso de los materiales
en Perú. En materia de ensamblajes, parte de la obra de IRW es la imagen clara de cuáles son las aristas de una
cultura de la precariedad y del desecho que rodea una cultura como la peruana actual. Una mirada al abandono
y a la imposibilidad de un modelo siempre inconcluso, que erige desde hace mucho. Un paralelo melancólico
entre una modernidad local inalcanzable o, si se prefiere, constantemente interrumpida, un proyecto que
siempre se ve permanentemente inacabado, y la realidad que se adapta en su pobreza y modelos urbanos
caóticos y desarrollistas.

(Selección de textos de Rodrigo Quijano, edición Dermis P. León)

 Serie Haga usted su casa. Balcones | Fotografía impresa sobre papel acuarela | 61 x 48 cm | 2010
Serie Haga usted su casa. Modernismo verde | Fotografía impresa sobre papel acuarela | 61 x 48 cm | 2010
Geraldo Zamproni

Sostenibilidad III
Serie de elementos estructurales arquitectónicos que son el resultado de la unión de bloques de concreto por
zíper. Zíper y concreto, elementos contrastantes y muy presentes en nuestro día a día.

En esta serie, estos elementos juntos, invitan al espectador a percibir que sólo en el arte podemos arriesgar
contrastes con resultados sorprendentes. Pero nuestro pensar, debe ser estimulado en actos y reacciones
menos o nada ortodoxos, lo que seguramente es un ejercicio muy benéfico.

Esta serie es una obra abierta.

Estoy trabajando con el elemento estructural fragmentado (bloques) de la forma más primitiva. Desde que el
hombre colocó una piedra sobre la otra formando una barrera y/o abrigo que lo protegiese de la intemperie,
nació el primer arquitecto.

El Zíper estimula la alteración de la composición para una viga sobre el suelo creando el aliciente; mientras que
los pilares y/o paredes de bloques, delimitan el espacio posible de cobertura creando un abrigo.

El Zíper es el accesorio fundamental para crear la idea de: puedo más; puedo cambiar esta estructura para
donde quiera y cuando quiera, puedo reaprovecharla. El Zíper me proporciona eso; puedo alterar mi espacio sin
la ayuda de alguien especializado para tal trabajo.
Sustentabilidade III
Escultura-instalación |
bloques de poliespuma,
forrados de tela,
unidos por cremalleras |
36.5 x 36.5 cm cada bloque |
2010
Ricardo Alcaide | Venezuela
Nació en Caracas, Venezuela en 1967
Vive y trabaja entre Londres y Sao Paulo.
Formado en Artes Gráficas y fotografía. Comienza su actividad expositiva en 1988 con diversas muestras
colectivas e individuales, en las cuales se destaca su participación en el II Salón Nacional de Artes Plásticas en el
Ateneo de Caracas, el Salón Arturo Michelena en el Ateneo de Valencia en 1988 y la XI edición de premio de la
Sala Mendoza 1992, donde comienza a incluir la instalación y técnica mixta en su trabajo. Ganador de la
primera edición del Salón Pirelli de jóvenes Artistas en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas y de la
Bienal de Artes plásticas Christian Dior en 1993. En 1984 se establece en Londres, Inglaterra, donde continúa su
trayectoria internacional, The Association of Photographers Awards exhibition en 1996 y The John Kobal
Exhibition en el Nacional Portrait Gallery en Londres en 1997. Arte Venezolano del Siglo XX en el Museo de Arte
Contemporáneo de Caracas, 2003. El Barril, Estética del Petróleo, Goethe Institute, Caracas, 2004. Royal Collage
of Art Print Auction Exhibition, 2005 y ArtFutures en Glasgow, Escocia, 2006. En el 2007 presenta su proyecto en
Prominent Space Project, MA Fine Art Show, Chelsea Collage of Art y una individual en Margalef & Gipponi
Gallery en Amberes, Bélgica. A partir del 2003 su práctica se dividió entre las ciudades de Londres y Sao Paulo
donde comienza una nueva dinámica en su trabajo vinculada a la arquitectura y aspectos socio-políticos y
multiculturales. En el 2005 expone su primera muestra individual en Brasil, en el Espaçio Cultural da Caixa de
Sao Paulo. Su trabajo forma parte de la colección Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museo de Arte
Contemporáneo de Caracas y la colección Cisneros en Miami.

Alexander Apóstol | Venezuela

Nace en Venezuela en 1969
Vive y trabaja entre Madrid y Caracas.
Exhibiciones individuales (selección)
2010: Ensayando la postura nacional. Galería Distrito Cu4tro. Madrid, España
2008: Hogar Canario. Project Room. ARCO '08. Galería Distrito Cu4tro. Madrid, España, (curada por María Inés
Rodríguez).
2007: Recent Works. DRCLAS. Harvard University. Boston MA, USA. (Curada por José Luis Falconi).
2006: Recent Works. Los Angeles Contemporary Exhibitions LACE. Los Angeles, USA. (Curada por Bill Kelley).
Moderno Salvaje. Cisneros Fontanals Art Foundation CIFO. Miami, USA. (Curada por Cecilia Fajardo Hill). Av.
Caracas. Galería Distrito Cu4tro. Madrid, España. Soy la ciudad. Palau de la Virreina. Barcelona. España. (Curada
por Iván de La Nuez).
2004: Moderno Salvaje. Galería Comercial. San Juan. Puerto Rico. (Curada por María Inés Rodríguez).
2004 —2003: Residente Pulido / Fontainebleau. Casa de America. Madrid. España. / Sala Mendoza. Fundación
Mendoza. Caracas. Venezuela.
2000. 10. Centro Cultural San Martín. Buenos Aires, Argentina.
2000 —1999: Obra Reciente. Centro Nacional de las Artes. Ciudad México. DF. / Museo de Arte Contemporáneo
de Oaxaca Rufino Tamayo. / Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán. Mérida. / Fototeca de
Veracruz. Veracruz. México.
1998 —1997: Pasatiempos. Throckmorton Fine Art. Nueva York. USA. / Thomas Cohn Arte Contemporánea. Sao
Paulo / Rio de Janeiro. Brasil. / Sala Mendoza. Fundación Mendoza. Caracas, Venezuela.
1995: Photo Assemblages. Throckmorton Fine Art. New York, NY. USA.
1994: Gallinero Feroz. Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber. Caracas. Venezuela.

Marlon de Azambuja | Brasil

Nace en Curitiba, Brasil en 1978
Reside y trabaja en Madrid.
Estudió en el Centro de Arte Contemporáneo Edilson Viriato, Curitiba, Brasil. Entre sus últimas exposiciones
personales durante el 2009, se encuentran Movimiento Concreto, Galería Furini / Roma, Italia; Potencial
Escultórico, Matadero, Abierto X Obras / Madrid, España; 3 Propuestas para la Ciudad de Lisboa, Galería Zaum
Projects / Lisboa, Portugal y Proyecto Moderno, Galería Luisa Strina / Sao Paulo, Brasil. Ha expuesto de forma
colectiva en A Pari Paso, Galería Novalis / Turín, Italia; La vida en este lado, Espacio Liquido / Gijón, España; Des-
Habitables. Espacio OTR. / Madrid, España; Realidades Impossiveis, Ateliê 397 / Sao Paulo, Brasil; Residency 09,
Futura Project / Praga, Republica Checa; FibArt, Festival de Intervenciones Urbanas / Benicassim, España; La
Ligne, La Vitrine / Paris, Francia en 2009 y en Construir, Habitar, Pensar - Estrategias para el arte y arquitectura
contemporáneos, IVAM / Valencia, España en 2008.
Su obra es parte de distintas colecciones públicas, destacándose el Museo de Arte Contemporáneo de Paraná,
Curitiba-PR, Brasil; Museo Oscar Niemeyer, Curitiba-PR, Brasil; Fundación Cultural de Curitiba-PR, Brasil; Casa de
Brasil, Madrid, España; Colección OTR, Madrid, España; Colección Explum, Puerto Lumbreras, España y el Banco
Sabadell, Barcelona, España.

Ciro Beltrán |Alemania - Chile

Nació en Santiago de Chile en 1965
Vive y trabaja entre Santiago y Dusseldorf, Alemania.
Estudió arte entre los años 1985 —1990 en la Escuela de Arte de la Universidad de Chile en Santiago y
posteriormente, entre los años 1995 —2001, realizó estudios de postgrado en la Kustakademie de Düsseldorf.
En el 2003, fue asistente en el taller de Jorg Immendorf en Düsseldorf. Regresa a Chile en el 2005 para trabajar
en la formación de la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Austral en Valdivia donde es nombrado
Director, cargo que desempeña hasta el 2007 cuando viaja a Viena invitado por el Ministerio de Cultura
austriaco a realizar una residencia artística en dicho país. Durante el año 2005, realiza una muestra
retrospectiva que viaja del Museo Stadtische Galerie Iserlohn en Alemania, al Museo Nacional de Bellas Artes
en Santiago entre ese año y el 2006, terminando la itinerancia en al Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia.
Ha realizado más de 100 exposiciones personales y colectivas desde mediados de la década de los 80s. Su obra
se encuentra en colecciones privadas en países como USA, Alemania, Chile, España y en los Museos de Arte
Contemporáneo, Museo de Artes Visuales y Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, Chile; Museo de Arte
Moderno, Cuenca, Ecuador; Art Museum of Sharjah, Sharjah, Emiratos Árabes Unidos; Museo del Estado, Pará,
Brasil, entre otros. Ciro Beltrán, establecido en Alemania, trabaja en la pintura y su campo extendido,
realizando además performances, videos e instalaciones.
Primoz Bizjak | Eslovenia
Nació en 1976 en Šempeter pri Gorici (Eslovenia)
Vive y trabaja entre Madrid y Venecia
Estudió negocios y economía y se graduó en ingeniería de transporte. En 1999 ingresó en la Academia de Bellas
Artes de Venecia y en el 2000 se le concedió una beca Sócrates Erasmus para asistir a la Facultad de Bellas Artes
de Madrid. En 2005 se graduó con el profesor Luigi Viola en un curso de pintura. Su obra ha sido mostrada en
varios países europeos de manera colectiva en ferias y exposiciones, así como en exhibiciones personales, entre
las que se destacan - ”Hic et nunc sulla fotografia e oltre”, Palazzo Cecchini, Cordovado, Italia; ”Forte Marghera”,
Gregor Podnar Galerija, Ljubljana, Eslovenia y”Slovenski kritiki izbirajo”, Cankarjev dom; ”Focus on the invisible”
artecontemporanea, Lipanje Puntin, Trieste, Italia; ”Remains” Photoespaña 2006, galería Begoña Malone,
Madrid, España; ”Gemine muse 2004”, curada por Riccardo Caldura, Museo Navale di Venezia, Venecia, Italia, (
2004 - 2005); entre otras. De las exposiciones colectivas en las que se ha incluido su obra: Arte Fiera,
LipanjePuntin artecontemporanea, Bologna, Italia (2009); ”A proposito del espacio”, OTR, espacio de arte,
Madrid (2008); - ”D'est, giovani artisti sloveni”, Art Verona, Verona, Italia (2008); ”Scope New York”, con la
galería Begoña Malone (2007); “viennAfair” 07, Galerija Gregor Podnar di Ljubljana, Viena, Austria (2007). En el
2006, “La biennale di Venezia”10 Mostra Internazionale di Architetura, eventos colaterales
CZ_VPI2006”, Venicia; “Biennale Adriatica Arti Nuove —Contagio 2”, editada por Antonio Arevalo, San Benedeto
del Tronto y ”Arte fiera Bologna”, con la gallery Andrea Arte, Italia. Su trabajo ha sido publicado en revistas
especializadas y forman parte de muchas colecciones privadas y públicas. En junio de 2004, también tomó parte
en el proyecto de exposición de Venecia ”Village” y fue galardonado con el primer premio para un artista
residente internacional y en el 2004 el tercer lugar en ”Art Stays, Ptuj 2004”, international workshop, Gallery
Tenzor —Mihelič Gallery, Ptuj. Actualmente ha recibido una beca de la Casa Velázquez en Madrid.
(traducción del inglés Dermis P. León).

Elena Damiani | Perú

Nace en Lima, Perú en 1979
Vive y trabaja entre Londres y Lima
Estudió Arquitectura en la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas para luego graduarse en Artes Plásticas en la
Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna, obteniendo la Medalla de Oro y Plata (2005). Actualmente
realiza un Master en Fine Arts Practice (MFA) en Goldsmiths, University of London (2008-2010).
En el 2006 obtuvo el Segundo Premio en el 9 Concurso de Artes Visuales “Pasaporte para un Artista”, organizado
por la Embajada de Francia en el Perú y una Mención Especial en la categoría de Video Creación en la 12 Edición del
Festival Internacional de Artes y Culturas Digitales Canariasmediafest en Gran Canaria, España. Obtuvo el premio a
la producción en el 2do Concurso Peruano de Video y Artes Electrónicas en el 2004. Entre las exhibiciones
individuales destacan: Sites, Galería Vértice (Lima, 2007); Prints and Motion, 1era. Bienal Internacional de Grabado
(Lima, 2005); Geo (con Iliana Scheggia) Sala Luis Miró Quesada Garland (Lima, 2005) y Moción animal (con
Casandra Tola), Espacio La Culpable (Lima, 2003).
Entre las exposiciones colectivas: Pause and Eject 2, Shoreditch Townhall (Londres, 2010); Nostalgia de futuro,
Homenaje a Josep Renau, Museo de la Ciudad de Valencia (Valencia, 2009); La generación del espectáculo: Arte
Peruano Contemporáneo, Galería Kiosko (XXX, 2008); Retrovanguardia, 2da. Bienal de Grabado, Escuela Superior
de Bellas Artes Corriente Alterna (Lima, 2008); La construcción del lugar común, Proyecto de intervención, Museo
de Arte Contemporáneo - MAC (Lima, 2008); Ultramar, Ciclo de Videoarte Hispanoamericano, Institutos Cervantes
(Brasilia, Río de Janeiro, Salvador de Bahía y Sao Paulo, 2008); Godard, Centro Cultural de España (Lima, 2008), Zona
de desplazamientos, Video Arte Peruano Contemporáneo, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires - MAMBA
(Buenos Aires, 2008); Las Ciudades Invisibles, Semana de la Arquitectura de los Colegios de Arquitectos de la
Comunidad Valenciana, Espacio Fundación Telefónica de Buenos Aires, Centro Cultural de España Córdoba
(Valencia, Buenos Aires, Córdoba, 2007); Videokunst aus Sudamérica, Bonn Videonale, Kunstmuseum (Bonn,
2006).

Nicole Franchy | Perú

Nace en Lima en 1977
Vive y trabaja en Bélgica.
Estudió en la Escuela de Bellas Artes Corriente Alterna con honores y obtuvo una especialización en Diseño y
producción Multimedia, Centro de la Imagen —2003. Actualmente realiza un estudio de Post Grado en Artes
Visuales y Audio Visuales (2010-2011) en el Higher Institute for Fine Arts en Ghent (HISK), Bélgica.
Sus muestras individuales recientes incluyen “Ciudades Satélite” Galería Vértice, Lima (2008); ”Espacios
Compartidos” Centro Cultural Ricardo Palma, Lima (2006) y “Urbania” Galería 5006, Buenos Aires (2007). Ha
participado en exposiciones colectivas como: HISK Muestra colectiva en Artbrussels (2010);
”Constraint/Restraint” Muestra colectiva itinerante Montreal (2009), Lima y Sao Paulo (2010); ”La generación
del espectáculo” Galería Kiosko, Bolivia, (2008); ”La construcción del lugar común” Museo de Arte
Contemporáneo, Lima (2008); ”Frontera / under the skyline” Galería Vértice (2007); ”Buenos Aires Photo”,
Palais de Glace, Buenos Aires (ediciones 2006 y 2007); ”Método de Duda”, Galería Artco, Lima (2003). Ha
recibido premios y menciones como: Primer premio de Fotografía Humboldt / Goethe Institute, Lima (2002),
finalista para el X Concurso de Artes Visuales “Pasaporte para un Artista” / Embajada de Francia, Lima (2007),
así cómo también para el premio Unión Latina (2008). Su obra se encuentra en colecciones privadas en Lima,
Washington, Buenos Aires.

Sandra Gamarra | Perú

Nace en Lima, Perú en 1972
Vive y trabaja en Madrid.
Es Bachiller en Arte, especialidad de Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú. Y cuenta con estudios
de Doctorado. Facultad de Arte de Cuenca. España.
Fundadora del Museo de Arte Contemporáneo de Lima, LiMac. Ha expuesto individualmente en la Galería
Juana de Aizpuru en Madrid en la Galería OMR de Mexico, en The Guest de Zurich, en la Galería Lucía de la
Puente de Lima, en la Galería Leme de Sao Paulo, entre otros espacios.
Entre sus exposiciones colectivas: Des-Habitable, Espacio OTR, Madrid; 31° Panorama da arte Brasileira, Museo
de arte Moderno, Sao Paulo; Trienal de Chile, Santiago; Mundus Novus, Pabellón del IILA, 53° Bienal de Venecia;
Lecturas transversals de la colección fundacion Marcelo Botín, Santander; Die Tropics, National gallery, Cape
Town; Visiones del arte contemporaneo en el Peru, Galeria Lucía de la puente, Lima; Pipe, Glass, Bottle of Rum:
The Art of Appropriation, Moma, Nueva York; Die Tropics, Martin-Gropius-Bau, Berlin; Emergencias, MUSAC,
Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, León; Still Life, Museo de Arte de Lima, Lima; Cubo Blanco,
Sala Luis Miroquesada Garland, Lima; entre otros proyectos.

Pamela Martínez | Chile

Nace en Santiago de Chile en 1978
Vive y trabaja en Barcelona.
Es Licenciada en Diseño Gráfico por la Universidad Católica de Valparaíso y Licenciada en Bellas Artes por la
Universitat de Barcelona. Actualmente cursa un programa de doctorado en Bellas Artes en la misma
universidad. Ha ganado numerosas becas entre ellas la Beca Fondatió Tènot, la Beca de Pintura Fundación
Mondariz y varias Becas de la Universitat de Barcelona. También ha participado en residencias artísticas en
Francia y España.
Ha realizado numerosas exposiciones individuales, entre las que destacan en el 2009 Galería Antonio de
Barnola, en Barcelona; Galería Ethra en México DF y Galería Banco Ibercaja en Zaragoza; Espejismos,
Wandergallerie, Barcelona (2007); Überflieger, Galería Kunstraum t27 en Berlín; Espejismos Galería del Centro
14, Alicante y Galería Antesala en Viña del Mar, Chile (2006); Escenarios Íntimos 1, Museo de Bellas Artes de
Viña del Mar y Galería Posada del Corregidor, Santiago de Chile. En el 2005 exhibió Visiones Desérticas,
Embajada de Chile en Berlín en colaboración con la Galería WanderGallerie y también en el Festival de Arte
Contemporáneo 48 Stunden Neukölln, Berlín, Alemania.
De entre las colectivas destacan en el 2009 Deshabitables en Espacio OTR de Madrid y en Galería Antonio de
Barnola; Bienal de Arte Contemporáneo de Chapingo, México (2008); Premio de Pintura Fundación
Esprohident, Cádiz, España. Der Zebrastreifen, Instalación en colaboración con “48 Stunden Neukölln” Festival
de arte Contemporáneo, Berlín. Fundación Mondariz, Pontevedra, España, 2006 y en 2005 la exposición
Delicatessen en la Galería Esther Montoriol en Barcelona. Just a Touch en Monarch Contemporary Art Center,
Washington, EEUU; Galería Zero, Barcelona; New Art en Frazier Museum, Kentucky, EEUU (2004).
Su obra se encuentra en colecciones privadas en Sudamérica, España, Italia y Alemania, y en colecciones
públicas como el Patrimonio artístico de la Universitat de Barcelona, el Ayuntamiento de Alicante, la Fundación
Mondariz de Pontevedra, y el Patrimonio artístico de Banco Ibercaja en España.

Alejandra Prieto | Chile

Nace en Chile en 1980
Vive y trabaja en Santiago de Chile.
Estudia Artes Visuales en la Universidad Católica de Santiago y realiza un Magister en Artes Visuales en la
Universidad de Chile. Ha participado en varias exposiciones colectivas en Chile como “Handle with care” (MAC,
Santiago); “Circuits/circuitos” (Matucana 100). En el extranjero: “Daniel López Show” (Galería Roebling Hall, NY) y
“Expediente Die ecke” (Fundación Valenzuela y Klenner, Bogotá); entre otras. En el 2009 fue seleccionada para
participar en la I Trienal de Chile, la revista Número Cero de la Trienal Poligráfica de San Juan, la Bienal SIART en La
Paz, Bolivia y la séptima Bienal de Mercosur en Porto Alegre.Ha obtenido dos veces el Fondart (fondo del gobierno
chileno) y obtuvo el Premio a la joven Creación Plástica 2007, Unión Latina, París, (premio que se otorga cada dos
años a un artista joven Latinoamericano). En el 2010 se adjudicó el premio del concurso "Parque Alemania",
entregado por el Ministerio de Obras Públicas Chileno, para hacer una intervención permanente a gran escala en el
norte de Chile.

Ishmael Randall | Perú-EE.UU.

Randall Weeks divide su tiempo entre Nueva York y Perú, donde nació. Estudió en el Bard College, Annandale-
on-Hudson, Nueva York, donde recibió su licenciatura y más tarde en la Skowhegan School of Painting and
Sculpture, en Maine. Desde el 2000, ha tenido exposiciones individuales en Nueva York, México, Bolivia y Perú y
también ha sido incluido en numerosas exposiciones colectivas internacionales, entre ellas, representó a Perú
en la 10 ª Bienal de La Habana, así como la 9 ª Bienal de Cuenca. Randall Weeks fue incluido en " Greater New
York " en el mes de mayo (2010) en el PS1 (MOMA). Ha recibido becas, residencias, y premios de diversas
instituciones, entre ellas la Foundation for Contemporary Art, Nueva York; The Art Matters Foundation, Nueva
York; The Marie Walsh Sharpe Foundation, Nueva York; The Vermont Studio Art Center, Johnson, Vermont;
Sculpture Space, Nueva York; Kiosko Arte Residencia, Santa Cruz, Bolivia y La Curtiduría Centro de Arte en
Oaxaca, México, entre otros.

Geraldo Zamproni | Brasil

Nació en Floraí estado de Paraná, Brasil
Vive y trabaja en Curitiba, Brasil
Se graduó de Arquitectura y Urbanismo en la Universidad de Estadual de Londrina, Brasil. Frecuentó el Atelier
de Arte Contemporánea de Edílson Viriato de 2002 a 2007.
Tuvo su primera exposición individual en el Museu da Gravura (Museo del Grabado), Curitiba. Ha expuesto en
varios museos, galerías y fundaciones en Brasil y en países como: España, Argentina, Estados Unidos, Japón e
Italia en espacios como: Fundación Rómulo Raggio, Buenos Aires, Argentina; Agora, Galería de Arte, Nueva York,
USA; Museo de Kobe, Japón; ORT Espacio de Arte y Casa do Brasil, Madrid, España.
En Brasil participó de varias exhibiciones colectivas, de las cuales se destacan:
Museu da Gravura Curitiba (Museo del Grabado), Museo de Arte Contemporánea de São Paulo (Pabellón de la
Bienal), Museo Histórico de Pará, Museo de Arte de Blumenau (dos muestras de arte: Helke, Hering), Casa do
Olhar, Santo André (dos muestras de arte, Luis Sacilloto); Museo Victor Miereles, Florianópolis, Santa Catarina.
Próximamente expondrá en: Museo de Blumenau de Santa Catarina en Marzo; Paço das Artes (Palacio de las
Artes- Museu da Universidade de São Paulo) en abril; Museo de Arte Contemporánea de Paraná en Junio y
Galería Zilda Fraletti, en agosto, Curitiba.
En apenas diez años de carrera, Geraldo Zamproni ha recibido once premios por su currículo.
 DES-HABITABLE
Comisaria: Dermis P. León (Buró Curatorial)
Coordinación: David Flores-Hora (Escuela de mArte)

Agradecimientos:
Mis más sinceras gracias a todo el personal del CCE Lima por su colaboración en la producción de
Des-habitable, en especial al Director Juan Sánchez, al coordinador David Flores-Hora y al
Departamento de Prensa por la difusión. También a Esther Oblitas y el apoyo del Centro Cultural
Ramón Parra del Riego, la Embajada de Chile en España, a la Galería Lucia de la Puente, Galería
Revólver, Joseph De Utia, Jaime Domenack y a Tupac por la co-producción
en el proyecto MdC de Ciro Beltrán.

GOBIERNO DE

MINISTERIO DE RELACIONES EXTERIORES

Dirección de Asuntos Culturales
CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA
Julio - Agosto de 2010
EMBAJADA DE ESPAÑA
JAVIER SANDOMINGO
EMBAJADOR DE ESPAÑA

CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA

JUAN SÁNCHEZ
DIRECCIÓN
CARLOS LOMPARTE
ASISTENTE DE DIRECCIÓN
JESÚS MORATE | AURIA TAY
COORDINACIÓN DE PROGRAMACIÓN
JUANA DEL ROSARIO | NEREA HERNÁNDEZ
CRISTINA GÓMEZ-ZURDO
PROGRAMACIÓN
MIGUEL BAZÁN | NICOLÁS REÁTEGUI
IGNACIO LIRA
PRENSA, COMUNICACIÓN Y DIFUSIÓN
FELIPE DEL ÁGUILA
COMUNICACIÓN ON-LINE
PAULO MANTEROLA | GAËLLE SAGER
PROGRAMA TANDEM
MIRYAM DEL HIERRO
ODONACRO JARAMILLO | LUIS HUAHUASONCO
ADMINISTRACIÓN
PABLO DÁVILA
CONTABILIDAD
WILVERT MENDOZA
MANTENIMIENTO Y APOYO TÉCNICO
IVÁN ESPICHÁN
SISTEMAS DE INFORMACIÓN
YOLANDA PRADA
BIBLIOTECA
JAVIER MIYASATO
VIDEOTECA
IVETTE CÁCERES
DISEÑO GRÁFICO
ERIKA VALDÉZ | JUAN CHUMPITAZ
FREISY FABIÁN | MICHEL ROJAS | JULISSA OBANDO
MILAGROS MUÑOZ | SUSANA LEMOR
LUIS ALCEVEDO | MAURO CÓRDOVA
ATENCIÓN AL PÚBLICO (HRM)
AMALIA MANTARI | MARCO BERROCAL
JUAN FRETEL | ERMITANIA PAREDES
MARUJA AVILÉS | ORLANDO PARIONA
LIMPIEZA (SERLIMUTSA)
RICARDO GALLOSO | LUIS TALLEDO
CÉSAR PEÑA | JUAN RODRÍGUEZ | JUAN TELLO
ALEJANDRO ROBLES | JUAN VALIENTE
SEGURIDAD (G4S)
RICARDO ALCAIDE
IMAGEN PORTADA DE CATÁLOGO
 CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA
Plaza Washington, Natalio Sánchez 181 Sta. Beatriz (Alt. cdra. 6 de la Av. Arequipa) Telf. 330 0412 Fax: 330 0413
http//www.ccelima.org