Cubismo Surrealismo

Futurismo Expresionismo
abstracto
Suprematismo Op Art
Neoplasticismo Pop Art
El Dadaísmo Ultimas tendencias

Bibliografía
Menú
Principal
Ver Carátula

Cerrar
 Menú
Principal

CUBISMO
Movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo
objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y
conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro
un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente
por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su
apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la
década de 1920. Origen
Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento,
el cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte, Pintura
convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad
artística. Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de
la pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la
luz y el color y contra la ausencia de formas, características del
impresionismo.
Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan
primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte
de las tribus de África y Oceanía
 Menú
Principal Cubismo

El Cubismo

Uno de los primeros movimientos artísticos del siglo xx surgió de la revolución

cubista, la mayor revolución pictórica de nuestro siglo.
El descubrimiento del arte negro, la exposición re-trospectiva de Cézanne en
1907 y la poesía de Apo-llinaire y Max Jacob se convierten en las principales
influencias del nuevo estilo.
Las formas que constru-yen los pintores del cubismo siguen unos esquemas
rí-gidamente geométricos, muy propios de la pintura in-telectualista. A este
respecto, son muy significativas dos frases de los máximos representantes de
este es-tilo: Picasso, «Yo pinto los objetos como los pienso, no como los veo»,
y Braque, «Los sentidos deforman, el espíritu forma».
 Menú
Principal Cubismo

PINTURA

En su primera fase (cubismo analítico), los pintores cubistas descomponen la realidad,

pintándola desde varias perspectivas simultáneas y tratando de encajar las irregulares
formas de la geometría del espacio. En su segunda fase (cubismo sintético) y con el
desarrollo paralelo de la técnica fotográfica, el pintor cubista se siente liberado de su
obligación de representar la na-turaleza y puede dedicarse libremente a la erección de
formas geométricas-abstractas.
El iniciador del Cubismo es el español Pablo Picasso (1881-1973). Después de
atravesar su «período azul», caracterizado por la preponderancia de ese color y por la
descripción de seres marginados, y su «período rosa», en el que su temática es algo
menos trágica y se basa fundamentalmente en la reproducción de acró-batas y
saltimbanquis, Picasso realiza Les demoiselles d'Avignon, su primera tela cubista
(1906).

Obras
 Cubismo
El movimiento cubista, con su
afán por descomponer la
realidad, supuso una verdadera
revolución dentro del mundo
artístico del siglo xx.

Guitarra y copa
Guernica, óleo en blanco y En Guitarra y copa (1921,
negro de Pablo Picasso óleo s/lienzo, 43 × 73 cm,
Museo Nacional de Arte
Moderno, Centro Georges
Pompidou, París) se
aprecian las características
del cubismo sintético de
Georges Braque: formas
planas y fragmentadas,
predominio de la
composición y del color e
incorporación del collage.
 Menú
Principal FUTURISMO
Movimiento artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética
tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus
dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. El poeta italiano
Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo
en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo
Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini
firmaron el Manifiesto del futurismo.
Origen
El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de
movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie Pintura
de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran
velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Escultura
Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno,
Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler,
Nueva York), ambos de Gino Severini. Aunque el futurismo tuvo una
corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia
en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en
París, así como en el constructivismo ruso.
 Menú
Principal Futurismo

El Futurismo

De una secesión del cubismo y en contacto con la vanguardia literaria

italiana de Marinetti, surgió el movimiento del Futurismo, que
proclamó un nuevo canon de belleza plástica reflejado en la frase:
«Un coche de carreras es más hermoso que la Victoria de
Samotracia.»

Los pintores más representativos del movimiento futurista fueron:

Gino Severini (El bulevar, La Torre Eiffel), Giacomo Baila (Las manos
del violinista, Au-tomóvil y ruido), Carlo Carrá (Lo que me dijo el
tran-vía), Luiggi Russolo (Recuerdos de una noche) y Um-berto
Boccioni (La ciudad ascendente).
 Futurismo

Tren suburbano
La composición dinámica y
las pinceladas expresivas
caracterizan la pintura
futurista, como muestra este
Tren suburbano de Gino
Severini. Las formas
geométricas y la ausencia de
perspectiva clásica reflejan la
influencia cubista.

Tullio Crali. In tuffo sulla città.

Milano, proprietà dell'Artista.
Esempio di futurismo: (Aeropittura).
Treccani.

Guglielmo Sansoni (Tato): In volo su Latina.

Bracciano, Museo dell'Aeronautica. Treccani.
Esempio di futurismo: (Aeropittura).
Treccani.
 Futurismo

Escultura futurista
Con este bronce de 1913 de título Formas únicas de continuidad
en el espacio, el artista futurista italiano Umberto Boccioni intentó
mostrar el modo en que el cuerpo humano interactúa con su
entorno a medida que se mueve. Esta escultura se encuentra en
la Tate Gallery de Londres.

Caballo
Símbolo de la potencia y el poder de la máquina, el tema del
caballo es una constante en la obra de Raymond Duchamp-
Villon. Esta pieza en bronce, titulada Caballo (1914, Tate
Gallery, Londres), es sin lugar a dudas la primera obra
francesa de inspiración futurista.
 Menú
Principal

SUPREMATISMO

La abstracción de los rayonistas (Larionov y Gontcharova) desembocó

en un tipo más de abstracción, el movimiento suprematista.
Suprematismo significaba una pintura que permitía captar formas y
color, pero que no evocaba asociaciones ni sentimientos. Origen
Pretendía, de una manera mística, expresar estados "puros" de
conciencia o de inconsciencia no alterados por pensamientos reales. Pintura
Elegía formas geométricas porque era lo más simple. Se llegó a
prescindir del color porque excitaba la emoción.
 Menú
Principal Suprematismo

Kazimir Maliévich o Kazimir Malévich Nació en Kíev. Formado a finales del siglo XIX en la
Academia de su ciudad natal, sus primeras obras están influidas por el neoimpresionismo (1903-
1906), el fauvismo (1907-1908) y el cubismo (1909-1910). Para Malevich "la pintura se compone
de forma y color [...] dichas formas no serán la repetición de los objetos que viven en la vida, sino
serán en sí mismas un objeto vivo. La superficie coloreada es la forma viva real".. Su postura era
esencialmente un idealismo filosófico, en el que esas formas primarias descubiertas por la
intervención de lo que él llamaba "razón intuitiva" -en especial el cuadrado- no eran secundarias
respecto a las formas reales del mundo sino que constituían un equivalente armonioso de las
mismas.
En contraste con el deficiente "realismo de la pintura figurativa", que para Malevich es una mera
copia de la realidad existente, cuya profundidad y riqueza nunca puede igualar, las formas del
suprematismo existen al lado de las formas de la naturaleza: "el nuevo realismo pictórico,
concretamente pictórico, ya que en él no existe el realismo de las montañas, del cielo, del agua".
El proyecto vanguardista de Malevich que había empezado como un antinaturalismo e
irracionalismo futurista continuó, por tanto, con una campaña ambiciosa por la autonomía de la
creación y de la forma artística. De hecho, parece que Malevich creía que la universalidad
potencial y la autonomía formal absoluta del arte suprematista capacitaban este arte no sólo como
el más moderno de los estilos vanguardistas, sino más bien como la base estética potencial de un
completo, nuevo orden mundial. Por lo tanto, Malevich fue uno de los primeros y más potentes
generadores de ese sueño utópico de la década de 1920 que empezó a tener el movimiento
europeo moderno más extenso: la idea de que los problemas insolubles de la existencia social
moderna podían ser resueltos solamente si eran planificados con una base estética, con el artista
abstracto autorizado como el planificador ideal.
 Menú
Principal Suprematismo
PINTURA
Kazimir Maliévich o Kazimir Malévich (1878–1935), pintor ruso. Junto con Piet Mondrian, fue la figura más
importante de la abstracción geométrica.
Nació en Kíev. Formado a finales del siglo XIX en la Academia de su ciudad natal, sus primeras obras están
influidas por el neoimpresionismo (1903-1906), el fauvismo (1907-1908) y el cubismo (1909-1910). A partir de
1910 participó activamente en diversas manifestaciones de la vanguardia rusa, como las exposiciones de la Jota
de diamantes (1910) y la Cola de burro (1912). Fue por entonces cuando empezó a desarrollar su propio estilo,
que le llevó a fundar el suprematismo con su famoso Cuadro negro sobre fondo blanco (1913). Este movimiento
buscaba la reducción de la pintura a elementos geométricos (rectángulo, cuadrado, círculo, triángulo), y son estos
principios los que rigen la producción de Maliévich, quien aplica a los elementos geométricos el mismo color o el
blanco y el negro. En su obra abstracta le preocupará sobre todo las relaciones entre la forma y el espacio que la
rodea, con la intención de llegar a la esencia de ésta elevando a la pintura a una expresión perfecta que
denomina “suprema”. Su abstracción geométrica alcanzó su punto culminante con la composición suprematista
Cuadro blanco sobre fondo blanco (1918, Museo de Arte Moderno, Nueva York), perteneciente a la serie de
pinturas de blanco sobre blanco. En ellas la forma ha dejado de ser un signo del espacio para convertirse en una
alusión al espacio y al cuadro en sí mismo.

Sus teorías del suprematismo, elaboradas junto al poeta ruso Vladímir Maiakovski, empezaron a aparecer en
revistas en 1915. En 1916 publicó el Manifiesto suprematista, en el que condenaba el arte representativo,
considerándolo un robo a la naturaleza, afirmando que el artista debe construir sobre la base del peso, la
velocidad y la dirección del movimiento. Al final de la década de 1920 se publicaron sus ideas en Alemania
editadas por la Bauhaus con el título Die gegenstandslose Welt (El mundo sin objeto). Durante esa década
Maliévich participó en varias exposiciones, viajó por Alemania y Polonia y al final de la misma regresó a la Unión
de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS), donde cayó rápidamente en desgracia y comenzó a pintar retratos
y paisajes claramente tradicionalistas, evocadores del realismo socialista imperante entonces en su país. Falleció
en 1935, en Leningrado (actual San Petersburgo).

Obras
 Suprematismo

Kazimir Malevich:
Suprematismo.
1915. 102 x 62 cm. Oleo
sobre lienzo.
Stedelijk Museum,
Amsterdam.

Suprematismo
En su intento de reducir el arte a su más pura esencia, el
artista ruso Kazimir Maliévich eliminó de sus pinturas toda
referencia externa, creando así obras totalmente subjetivas.
Su abstracción radical, conocida como suprematismo, influyó
considerablemente en el arte del siglo XX. Este cuadro,
denominado Suprematismo, fue realizado hacia 1919 y
forma parte de la colección del Stedelijk Museum,
Amsterdam.
 Menú
Principal

NEOPLASTICISMO
Corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que
proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un
intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico
objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Origen
Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión
del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el Pintura
manifiesto neoplasticista.
 Menú
Principal Neoplasticismo

Las teorías de Mondrian

Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges
Braque y Picasso y en la teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva
en virtud del cual las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y
verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios.
Entre sus principales representantes se encontraban, además de Van Doesburg, el
pintor Wilmos Huszár, el escultor Georges Vantongerloo y los arquitectos Jacobus
Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietvel, entre otros. El excesivo rigor de las
propuestas de Mondrian provocó violentas críticas tanto dentro como fuera de su
círculo de adeptos. No obstante, el neoplasticismo está considerado, junto con el
suprematismo de Maliévich, el origen de la abstracción geométrica.
 Neoplasticismo

Composición en rojo, azul y amarillo

En el desarrollo de su teor¡a universal de la armon¡a, Piet Mondrian
rechazó las posibilidades sensuales de la pintura y se limitó a utilizar
espacios planos, colores primarios y l¡neas rectas. Composición en
rojo, azul y amarillo es un ejemplo de su estilo abstracto geométrico.

Composición en amarillo, rojo, azul y negro,

de Piet Mondrian, iniciador del Neoplasticismo, una nueva
concepción artística que persigue el orden y la pureza a base de
líneas rectas y formas geométricas desprovistas de emotividad.
 Menú
Dadá o Dadaísmo
Principal
Movimiento que abarca todos los géneros artísticos y es la expresión de una protesta nihilista
contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el militarismo
existente durante la I Guerra Mundial e inmediatamente después. Se dice que el término dada
(palabra francesa que significa caballito de juguete) fue elegido por el editor, ensayista y poeta
rumano Tristan Tzara, al abrir al azar un diccionario en una de las reuniones que el grupo
celebraba en el cabaret Voltaire de Zurich. El movimiento Dadá fue fundado en 1916 por Tzara,
el escritor alemán Hugo Ball, el artista alsaciano Jean Arp y otros intelectuales que vivían en
Zurich (Suiza), al mismo tiempo que se producía en Nueva York una revolución contra el arte
convencional liderada por Man Ray, Marcel Duchamp y Francis Picabia. En París inspiraría
más tarde el surrealismo. Tras la I Guerra Mundial el movimiento se extendió hacia Alemania y
muchos de los integrantes del grupo de Zurich se unieron a los dadaístas franceses de París. Origen
En 1922 el grupo de París se desintegró.
Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo
tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos Pintura
y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus
representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con Escultura
el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban
nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la
inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán Kurt
Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El
artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes
—un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades. Aunque los
dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una
profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad
cuando no ha sido corrompida por la sociedad.
 Menú
El Dadaísmo
Principal

El Dadá decayó en la década de 1920 y algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas de
otros movimientos artísticos modernos, especialmente del surrealismo. A mitad de la década de 1950 volvió
a surgir en Nueva York cierto interés por el Dadá entre los compositores, escritores y artistas, que
produjeron obras de características similares.
Hacia finales de la primera guerra mundial surgió un revolucionario y subversivo movimiento artístico,
imaginativo, anarquizante, irrespetuoso y. antidog-mático, que se dio en llamar Dadá, palabra que no
significa nada preciso. Los dadaístas (a cuya cabeza se situó el poeta Tristán Tzara) se interesaron por el
arte como un medio provocador que les permitía enfren-tarse al sentido común, a la religión, a la ley, a la
mo-ral, a cualquier ortodoxia. Con ello trataron de fundir arte y vida, de crear una nueva forma de vivir en la
que el arte no fuera lo excepcional, sino lo cotidiano.
El Dadaísmo inició sus actividades subversivas en el Café VoItaire de Zurich, refugio de bohemios,
emi-grados y burgueses en crisis de valores. Allí se mon-taron los primeros «happenings» de la historia del
arte y se inició una feroz crítica del orden social burgués que llevó a la policía a cerrar el local. En 1916 se
reu-nían en la galería Dadá, pero fue cerrada por idénticas razones. Tres años después, durante la Feria
Internacional Dadá celebrada en Berlín y ante los conti-nuos problemas políticos que les planteaban,
«Dadádecidió matar a Dadá», en palabras de los promotores del grupo. La antorcha del dadaísmo sería
recogida por el surrealismo.
El Dadaísmo se extendió por toda Europa, sobre todo por Alemania (Max Ernst, Georg Grosz, Kurt
Shwitters). A América lo llevaron Marcel Duchamp (con su Desnudo bajando la escalera y sus «ready
ma-des», objetos fabricados con desperdicios, estropajos, hierros viejos, etcétera, colocados sobre un
pedestal y elevados a la categoría de obra de arte), Francis Pi-cabia y Man Ray
 Menú
El Dadaísmo
Principal

Paisaje dadá,
obra del artista Giulio Evola,
una de las primeras figuras del dadaísmo italiano.

L'eléphant célèbes
Max Ernst incorporaba el absurdo en sus obras atribuyendo
características humanas a las máquinas, como se puede apreciar
en L'eléphant célèbes (1921, Tate Gallery, Londres). En 1920
montó junto al artista alemán Baargeld una controvertida
exposición dadaísta en la cervecería Winter de Colonia, a la que al
público se le hacía entrar a través de una serie de urinarios. A
pesar de que ofrecían gratis sus obras, no consiguieron que los
asistentes se interesaran por ninguna de ellas.
 Menú
El Dadaísmo
Principal

Coquille baillante
Coquille baillante (1964-1965), es una escultura
biomórfica del dadaísta francés Jean Arp. Realizada en
mármol blanco, esta escultura es un claro ejemplo de las
formas que él denominaba concreciones.

Rueda de bicicleta
Ésta es una copia de la célebre Rueda de bicicleta de Marcel
Duchamp. El original, actualmente desaparecido, fue
realizado en 1913. Esta obra es un ejemplo de ready-made,
es decir, de objeto cotidiano elevado a la categoría de arte,
concepto acuñado por Duchamp y estrechamente vinculado al
movimiento dadaísta.
 Menú
Principal

El Surrealismo

Continuador en Cierto modo del Dadaísmo, el Su-rrealismo surgió como

movimiento a la vez literario y pictórico. En su pintura, onírica y subjetiva,
los su-rrealistas trataron de ir más allá de la realidad visible y consciente, Pintura
explorando desde diversos lados las hon-duras del inconsciente.
El antecedente más inmediato de 1os surrealistas fue Giorgio de Chirico,
creador de un tipo de pintura al que llamó pintura metafísica y en el que Escultura
triunfa un mundo misterioso, extrañamente inmóvil, lleno de maniquíes.
La palabra «surrealismo» la empleó por vez primera el poeta Apollinaire en
1917. En 1924, André Breton publicó el «Manifiesto surrealista» y un año
más tarde se celebró la primera exposición en la Galería Pierre de París. En
ella participaron Chirico, Arp, Ernst, Klee, Man Ray, André Masson, Miró,
Picasso y Pie-rre Roy.
 Menú
Surrealismo
Principal

PINTURA
El pintor más representativo de estos primeros mo-mentos es Max Ernst, cuya pintura es el
equivalente del automatismo psíquico de los poetas surrealistas. En su obra aparecen animales
extraños y paisajes mis-teriosos, que configuran un universo fantástico.
La obra de André Masson se caracteriza por el tra-tamiento poético que da al mundo de los
sueños y por su fino erotismo. La guerra civil española, la guerra de. Argelia y el racismo
americano (que conoció en 1940 durante una estancia en los Estados Unidos) de-cantaron su
pintura hacia una preocupación social y le alejaron del onírico universo de los surrealistas.
Entre los muchos pintores vinculados con el surrea-lismo, destacan Paul Delvaux, Ives Tanguy y
René Magritte.
En Joan Miró el Surrealismo ha sido una etapa, in-tegrada en el conjunto de su obra, a la que ha
dado excelentes lienzos (Mujeres y estrellas, Mujeres y pá-jaros ante la luna). En Dalí, empezó
siendo una forma de pintar con un método propio (el método «para-noico-crítico»), lo que le
permitió realizar obras muy personales en las que combina elementos onírico s e insólitos con
formas reales dibujadas con una preci-sión casi hiperrealista: La persistencia de la memoria,
El espectro del sex-appeal, El sortilegio de Lenin y al-gunas excelentes obras religiosas, quizá lo
más autén-tico de su labor: Madonna de Port Lligat, Cristo de Port Lligat, Última Cena.

Obras
 Surrealismo

Cadáver exquisito
Tanto en las artes plásticas como en la poesía, los surrealistas
experimentaron técnicas en las que el juego y el azar favorecían el
surgimiento de la imagen mediante la libre asociación de elementos no
premeditados. El cadáver exquisito, creación colectiva en la que un individuo
participa sin conocer la frase o el dibujo que ha hecho otro, constituye,
especialmente en los años 1927-1928, una de las innovaciones del grupo.
Esta técnica, junto con otras creadas por las vanguardias del siglo XX, se ha
utilizado con frecuencia entre los recursos de las nuevas tendencias de la
enseñanza de la lengua y la literatura.

La incertidumbre del poeta

La persistencia de la memoria, La incertidumbre del poeta (1913) de Giorgio
obra de Salvador Dalí. Este pintor llega de Chirico tiene un fuerte carácter onírico.
al Surrealismo mezclando elementos Aunque su obra es fundamentalmente
oníricos con otros que rozan el metafísica suele asociársele con el surrealismo.
Hiperrealismo, utilizando su propia forma
de pintar: el método paranoico-crítico.
 Surrealismo

Hombre cruzando la calle

Las estilizadas figuras de bronce del artista suizo Alberto Giacometti
transmiten una cierta sensación de soledad. Esta escultura titulada
Hombre cruzando la calle (1949) se encuentra en la Kunsthaus de
Zurich (Suiza).

MARIA MARTINS
N'oublié Pas que Je Viens des Tropiques
Escultura em bronze, s/data.
95 cm x 120 x 70 cm
Coleção Sérgio Fadel - Brasil
 Menú
Principal EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal característica consiste en la

afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. Existe una gran variedad
de estilos dentro de este movimiento que se caracteriza más por los conceptos que subyacen
en él que por la homogeneidad de estilos. Como su propio nombre indica, el expresionismo
abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la
representación convencional.
El movimiento del expresionismo abstracto tuvo su centro en Nueva York formando la llamada
Escuela de Nueva York. Aunque los estilos que abarca son tan diversos como los de los
propios pintores integrantes, se desarrollaron dos tendencias principales, la de la Action Pintura
Painting (pintura de acción) y la de los planos cromáticos. El interés de los representantes de
la primera tendencia se centraba en la textura y consistencia de la pintura y en la gestualidad
del artista en el momento de su aplicación sobre el lienzo, mientras que los pintores que Escultura
realizaban obras con planos cromáticos ponían el acento en la unificación de color y forma.
Jackson Pollock representa la quintaesencia de la Action Painting. Su único modo de abordar
la pintura consiste en dejar chorrear los colores desde un recipiente o salpicarlos sobre el
lienzo, para hacer líneas entrelazadas que parecen prolongarse en arabescos sin fin. Willem
de Kooning y Franz Josef Kline, también integrantes de la Action Painting, utilizaban amplias
pinceladas muy empastadas para crear abstracciones rítmicas en un espacio virtualmente
infinito. Mark Rothko creó rectángulos colmados de colores vibrantes en sus obras, muchas de
las cuales son ejemplos de primer orden de la pintura de planos cromáticos. Bradley Walker
Tomlin, Philip Guston, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb y Clyfford Still combinaron en sus
obras elementos de las dos tendencias.
 Expresionismo
PINTURA abstracto

El expresionismo abstracto también floreció en Europa y su influencia se observa

en pintores franceses como Nicolas de Stael, Pierre Soulages y Jean Dubuffet. Las
manifestaciones del expresionismo abstracto en Europa son el tachismo (del
francés tache, 'mancha'), en el que priman las manchas de color, y el arte informal,
que niega la estructura formal. Ambas tendencias tienen grandes afinidades con la
Action Painting de Nueva York. Entre los pintores tachistas se encuentran los
franceses Georges Mathieu y Camille Bryen, el español Antoni Tàpies, el italiano
Alberto Burri, el alemán Wols (seudónimo de Alfred Otto Wolfgang Schülze) y el
canadiense Jean-Paul Riopelle. Las raíces del expresionismo abstracto se hallan
en la obra no figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los
surrealistas, que de forma deliberada utilizaban el subconsciente y la
espontaneidad en su actividad creativa. La llegada a la ciudad de Nueva York
durante la II Guerra Mundial (1939-1945) de pintores europeos de vanguardia
como Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy difundió el
espíritu del expresionismo abstracto entre los pintores estadounidenses de las
décadas de 1940 y 1950, que también recibieron la influencia de la abstracción
subjetiva de Arshile Gorky, pintor que nació en Armenia y emigró a Estados Unidos
en 1920, y de Hans Hofmann, pintor y profesor alemán nacionalizado
estadounidense, que hacía hincapié en la interacción dinámica de planos de color

Obras
 Expresionismo
Abstracto
Hofmann
Este cuadro del pintor germano-estadounidense
Hans Hofmann, titulado Flight (Vuelo), es una
muestra del estilo expresionista abstracto.
Hofmann recoge las influencias de las
vanguardias europeas, especialmente del
cubismo y el fauvismo.

Willem de Kooning
Esta pintura titulada Marilyn
Monroe (1954), de Willem de
Kooning, es una muestra del
expresionismo abstracto. Este
artista holandés nacionalizado
estadounidense fue el único
miembro del grupo que incluyó en
sus obras la figura humana.

Pequeño ensueño en rojo,

de Kandinsky, figura muy significativa en la abstracción. Esta
obra pertenece al primer período de su Abstractismo, aunque
ya aparecen en ella algunos elementos que anuncian el arte
que Kandinsky desarrollaría posteriormente, mucho más
geométrico.
 Expresionismo
abstracto
ESCULTURA
La escultura estadounidense empezó a desarrollar líneas más abstractas de expresión durante la década de 1930,
cuando los artistas entraron en contacto con obras europeas contemporáneas, bien de forma directa o a través de
fotografías. Alexander Calder, por ejemplo, recibió una gran influencia del pintor holandés Piet Mondrian que se reflejaría
luego en sus esculturas y pinturas abstractas realizadas con colores puros. Calder alcanzó fama internacional con su
escultura móvil, y sus stábiles o esculturas inmóviles. Inspirado en las esculturas hechas con piezas soldadas de Picasso
y Julio González, David Smith realizó obras en acero soldado como Paisaje del río Hudson (1951, Museo Whitney de Arte
Americano, Nueva York). Su serie titulada Cubi, a la que pertenece Cubi I (1963, Instituto de Arte de Detroit), consiste en
varias obras de grandes dimensiones inspiradas en el cubismo. En dicha serie se puede apreciar cómo pule y corroe las
superficies de acero inoxidable con un diseño caligráfico repetitivo para reflejar la luz.
En la década de 1930 Joseph Cornell, muy influenciado por el surrealismo, realizó esculturas tridimensionales de cajas
pintadas y assemblage de objetos heterogéneos, con los que lograba una atmósfera de misterio. De inspiración contraria
son los de Louise Nevelson, grandes construcciones abstractas y monocromáticas, diseñadas como instalaciones. Están
compuestas de objetos utilitarios, por lo general trozos de muebles contenidos dentro de marcos de madera como si
fuesen cajas. Isamu Noguchi realizó obras de una elegante sencillez en las que combina la abstracción europea con las
formas tradicionales japonesas.
Reuben Nakian, que en la década de 1940 pasó del estilo figurativo a una semi-abstracción, trabajó tanto en metal como
en terracota y realizó esculturas inspiradas en la mitología. Otros escultores abstractos son Richard Lippold, conocido por
sus construcciones colgantes en metal y alambre y Harry Bertoia, que utilizó varillas de acero muy finas ensambladas de
forma que pudieran vibrar. Theodore Roszak realizó construcciones de formas muy libres en las que utilizaba el acero
soldado con otros metales, como en Flor de espiga (1948, Museo Whitney de Arte Americano). Herbert Ferber,
influenciado por el expresionismo abstracto, creó una construcción de metal de grandes dimensiones, Y el arbusto no se
consumió (1951), para la fachada de la sinagoga B’nai Israel, en Millburn, Nueva Jersey. La obra de Ferber fue uno de
los primeros ejemplos del nuevo renacimiento que combinaba escultura y arquitectura en las iglesias. Seymour Lipton
hizo escultura biomórfica compuesta de planchas de metal soldadas, como en Floración selvática (1954, Galería de Arte
de la Universidad de Yale, New Haven, Connecticut), y Mark di Suvero es conocido por sus enormes construcciones al
aire libre, en las que a veces utiliza vigas de acero, como en Ik Ook (1971-1972, colección privada) y elementos móviles.

Obras
 Expresionismo
Abstracto

Amarillo horizontal
Amarillo horizontal (1972) es una de las muchas esculturas abstractas móviles que Alexander
Calder construyó con metal, varillas metálicas y alambre. Calder describió su obra como "dibujos
de cuatro dimensiones", reflejando de esta manera su interés por las formas cinéticas.
 Menú Op Art
Principal

Corriente artística que surgió a finales de la década de 1950

cuya finalidad es producir la ilusión de vibración o relieve sobre la
superficie plana del cuadro en virtud de las leyes de la óptica. Su
principal diferencia con el arte cinético es la total ausencia de
movimiento real. El término, que procede de la expresión inglesa
Optical Art (‘arte óptico’), hace referencia en tono irónico al Pop Art.
Entre sus iniciadores se encuentran Josef Albers, Victor Vasarely y
ciertas obras incluidas dentro de la llamada abstracción geométrica.
El movimiento quedó definido a partir de una exposición Pintura
celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York
titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de
distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus
principales representantes estaban la británica Bridget Riley y los
estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland. También se
inscriben dentro de esta corriente el español Eusebio Sempere y el
colombiano Omar Rayo. Las cuidadas formas del Op Art gozaron de
una rápida y entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público
en general convirtiéndose en fuente de inspiración para sectores como
la publicidad, la moda y el grafismo.
 Op Art

Vonal-Stri
Entre las obras más representativas del Op Art están los
cuadros que pintó Victor Vasarely durante las décadas de 1960
y 1970. En Vonal-Stri (1975) la mirada se precipita hacia el
cuadrado negro situado en el centro del lienzo. La sensación de
movimiento se incrementa por la ilusión de curvatura del plano
de la izquierda.

Op Art
 Menú
Principal
POP ART

Movimiento artístico iniciado en la década de 1950 en

Estados Unidos y Gran Bretaña. Las imágenes del Pop Art
(abreviatura de Popular Art, ‘arte popular’) se inspiraron en la
cultura de masas. Algunos artistas reprodujeron latas de
cerveza o sopa, tiras de cómic, señales de tráfico y otros
objetos similares en sus pinturas, collages y esculturas. Otros
incorporaron estos objetos cotidianos a sus pinturas o
esculturas, a veces completamente modificados. Pintura
Los materiales fruto de la tecnología moderna, como el
poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un
lugar destacado. El Pop Art no sólo influyó en la obra de los
artistas posteriores, sino que también ejerció un fuerte impacto
en el grafismo y el diseño de moda.
 Pop Art

Lata de sopa Campbell

Lata de sopa Campbell (1962, Leo Castelli
Gallery, Nueva York), de Andy Warhol, es
uno de los ejemplos más conocidos del
Pop Art

Andy Warhol,
uno de los principales
representantes del Pop Art,
corriente que reproduce objetos
e imágenes de consumo.
 Menú
Principal

ULTIMAS TENDENCIAS

Arte Cinematogr Diseño

Fotografía Muralismo
Cinético afía Indistrial
 Arte cinético

Tendencia de la pintura y escultura contemporáneas que hace referencia a

aquellas obras creadas para producir la impresión o ilusión de movimiento. El término
tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación entre el movimiento de
los cuerpos y las fuerzas que actúan sobre ellos.

Aunque el concepto apareció por primera vez en el Manifiesto realista firmado en 1920 por
Antón Pevsner y Naum Gabo, su uso no se generalizó hasta la década de 1950. En la
actualidad se conoce como arte cinético todas aquellas obras que producen en el
espectador sensación de inestabilidad y movimiento a través de ilusiones ópticas, las que
cambian de aspecto en virtud de la posición desde donde se contemplen y las que crean
una aparente sensación de movimiento por la iluminación sucesiva de alguna de sus
partes (los anuncios de neón). También se incluyen dentro del arte cinético las
construcciones tridimensionales con movimiento mecánico y los móviles sin motor, como
los de Alexander Calder.

Entre los artistas más destacados que han cultivado este estilo artístico se encuentran
Victor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Díez, Marcel Duchamp, Julio LeParc,
Alejandro Otero y Yaacov Agam.
 FOTOGRAFÍA
A comienzos de este siglo la fotografía comercial creció con rapidez y las mejoras del blanco y negro abrieron camino a todos
aquellos que carecían del tiempo y la habilidad para los tan complicados procedimientos del siglo anterior. En 1907 se pusieron a
disposición del público en general los primeros materiales comerciales de película en color, unas placas de cristal llamadas
Autochromes Lumière en honor a sus creadores, los franceses Auguste y Louis Lumière. En esta época las fotografías en color se
tomaban con cámaras de tres exposiciones.
En la década siguiente, el perfeccionamiento de los sistemas fotomecánicos utilizados en la imprenta generó una gran demanda de
fotógrafos para ilustrar textos en periódicos y revistas. Esta demanda creó un nuevo campo comercial para la fotografía, el
publicitario. Los avances tecnológicos, que simplificaban materiales y aparatos fotográficos, contribuyeron a la proliferación de la
fotografía como un entretenimiento o dedicación profesional para un gran número de personas.
La cámara de 35 mm, que requería película pequeña y que estaba, en un principio, diseñada para el cine, se introdujo en Alemania
en 1925. Gracias a su pequeño tamaño y a su bajo coste se hizo popular entre los fotógrafos profesionales y los aficionados.
Durante este periodo, los primeros utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz artificial. Pulverizados sobre un soporte
que se prendía con un detonador, producían un destello de luz brillante y una nube de humo cáustico. A partir de 1930, la lámpara
de flash sustituyó al polvo de magnesio como fuente de luz.
Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o
diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color. La película Kodacolor, introducida en 1941, contribuyó a dar
impulso a su popularización.
Muchas innovaciones fotográficas, que aparecieron para su empleo en el campo militar durante la II Guerra Mundial, fueron puestas
a disposición del público en general al final de la guerra. Entre éstas figuran nuevos productos químicos para el revelado y fijado de
la película. El perfeccionamiento de los ordenadores facilitó, en gran medida, la resolución de problemas matemáticos en el diseño
de las lentes. Aparecieron en el mercado muchas nuevas lentes que incluían las de tipo intercambiable para las cámaras de aquella
época. En 1947, la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert
Land, añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas
tomado.
En el decenio siguiente los nuevos procedimientos industriales permitieron incrementar enormemente la velocidad y la sensibilidad a
la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de estas últimas se elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro
teórico de 5.000 ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez. Esta década quedó también marcada por la introducción de
dispositivos electrónicos, llamados amplificadores de luz, que intensificaban la luz débil y hacían posible registrar incluso la tenue luz
procedente de estrellas muy lejanas. Dichos avances en los dispositivos mecánicos consiguieron elevar sistemáticamente el nivel
técnico de la fotografía para aficionados y profesionales.
Ejemplos
 Outside Barbershop
Esta imagen, tomada en el exterior de un barbería de
Estados Unidos en 1936, es un ejemplo del estilo
humano y realista del fotógrafo americano Walker
Evans.

“My treasure”
La técnica del fotomontaje se ha utilizado desde sus
comienzos con fines artísticos y publicitarios. Un ejemplo
del primer caso es esta composición en blanco y negro
fechada en 1929, en la que el artista denuncia con un
lenguaje cercano al surrealismo la relación de dominación
entre un hombre y una mujer.

Primer plano fotográfico

Para crear imágenes sorprendentes, los fotógrafos eligen ángulos y
perspectivas poco comunes. Una de las técnicas es mostrar sólo un fragmento
del motivo en un primer plano ampliado. Aunque ya el espectador no pueda
distinguir el motivo original, la imagen resultante adquiere un nuevo aspecto y es
arte por sí mismo. En esta imagen resalta la simetría de los diminutos astiles de
una pluma.
 Cinematografía

Arte y oficio de hacer películas. Aunque Thomas Edison hubiera

patentado el kinetoscopio en 1891, el cine propiamente dicho no
se conoció hasta el lanzamiento en 1895 por los hermanos Louis
y Auguste Lumière en París, del cinematógrafo, capaz de
proyectar películas sobre una pantalla para una gran audiencia.
Así apareció un nuevo espectáculo de masas, bautizado como
el séptimo arte. Sólo hacía falta añadir el sonido a las imágenes.
Esto se consiguió con la invención de los sistemas de
sincronización sonido-imagen por la Vitaphone (1926) y la
Movietone (1931) para que fuese tal y como hoy lo conocemos.

Ejemplos
 “Tres acróbatas”
El inventor estadounidense Thomas Edison construyó en 1893 el primer
estudio cinematográfico y lo utilizó para rodar todo tipo de películas,
desde cortometrajes del Oeste hasta obras de vodevil. Esta cinta, en la
que intervienen tres acróbatas, fue rodada en 1899. Más tarde, Edison
sincronizó las películas con el fonógrafo inventado por él mismo para
producir los primeros filmes sonoros del cine.

Kinetoscopio
El kinetoscopio, inventado por Thomas Edison y William K. L. Dickson, está
considerado como la primera máquina de cine. Era ya utilizada a principios
de la década de 1890 y pronto se hizo popular en fiestas de carnavales y en
atracciones. Las salas de kinetoscopio, que funcionaban con una moneda,
surgieron en Nueva York a finales de 1890.
 Diseño industrial

Disciplina que trata de la concepción

formal de los productos manufacturados.
En consecuencia, debe ocuparse del
aspecto estético, de su eficiencia funcional
y de la adecuación productiva y comercial.

Ejemplos
 Silla Breuer
Marcel Breuer, arquitecto, diseñador y profesor estadounidense de origen
húngaro, diseñó esta silla de aluminio y madera pintada. Las técnicas de moldeo
de metales desarrolladas por la escuela de diseño alemana de la Bauhaus
hicieron posible este diseño, inspirado en la famosa silla en voladizo de 1926.

Tren de alta velocidad

El tren francés de alta velocidad (TGV) alcanza los 260 km/h.
 Muralismo

Movimiento artístico de carácter indigenista, que surge tras la Revolución Mexicana

de 1910 de acuerdo con un programa destinado a socializar el arte, y que rechaza la
pintura tradicional de caballete, así como cualquier otra obra procedente de los
círculos intelectuales. Propone la producción de obras monumentales para el pueblo
en las que se retrata la realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos de su
historia. El muralismo mexicano fue uno de los fenómenos más decisivos de la
plástica contemporánea iberoamericana y sus principales protagonistas fueron Diego
Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. A partir de 1930 el
movimiento se internacionalizó y se extendió a otros países de América.

Ejemplos
 Diego Rivera
La pintura mural moderna
alcanza su cénit con la obra
de Diego Rivera, el más
prolífico y conocido de los
muralistas mexicanos. Este
fresco, La civilización
tarasca, muestra algunas de
las costumbres de este
pueblo indígena de México,
en este caso el teñido y
dibujado de tejidos.

Rufino Tamayo
El estilo de Rufino Tamayo,
influenciado por el arte
cubista y por la obra de Joan
José Clemente Orozco
La obra de José Clemente Orozco, junto Miró y Paul Klee, se
diferencia mucho de la obra
a la de Diego Rivera, refleja la cultura
prehispánica de México. En este mural, de otros pintores
latinoamericanos ya que es
la Edad dorada precolombina, los
más abstracto que figurativo.
colores sombríos crean un efecto oscuro
Este mural decora el Palacio
y misterioso.
de Bellas Artes de la ciudad
de México.
 BIBLIOGRAFÍA
Autodidáctica Océano Color Regresar
Enciclopedia, Tomo VI

Diccionario Enciclopédico
Océano Uno

Biblioteca de Consulta Microsoft ® Encarta ® 2005

www.Google.com
www.bcn.com
www.cultural7pintura.com
www.gvsu.edu
www.galartes.com
www.artenaif.com