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CANTANDO BAJO LA LLUVIA

Cantando bajo la lluvia es un musical dirigida por Stanley Donen en 1952. Está inspirada en la serie Melodías de Broadway y en ella narra y muestra el que sería el paso al cine sonoro, los problemas que se encontraron y lo que conllevó.

Cantando bajo la lluvia se trata de un metacine, es decir, es un cine que habla de sí mismo mostrando su propia realidad o haciendo alusión a películas ya existentes. En resumen, es el cine dentro del cine. Por esta razón, cantando bajo la lluvia lo es debido a que es una fracción de la historia del cine, concretamente del cine sonoro. Se puede incluir dentro de la producción audiovisual porque sigue siendo un arte al crear un producto (la película) para medios de comunicación (en este caso el cine).

Stanley Donen es un coreógrafo, bailarín y director de cine estadounidense, considerado uno de los maestros del cine. Obtuvo gran éxito y se convirtió en un clásico. Era un hombre de izquierdas junto con Gene Kelly pero como americanos por lo que se podían permitir ser optimistas. Su película cantando bajo la lluvia se trataba de una burla y reivindicación de Burgsy Bekerley.

Cantando bajo la lluvia es un encuentro entre las coreografías y el lenguaje del cine. La dosis de humor tiene gran relevancia puesto que la comedia alude la forma pero no el contenido haciendo que los mensajes que manda sean mejor aceptados. Es una clara parodia de Hollywood en la que cada personaje es un arquetipo de una moral prácticamente universal. También es una parodia de la industria del cine donde nada es lo que parece: optimista, vital, sencilla y con humor.

En cuanto a la banda sonora, sus principales funciones son dar el verdadero significado a la película y también permite clasificar la psicología y el carácter de los personajes principales. Aporta realismo a las imágenes y sobretodo da continuidad a la sucesión de imágenes. El silencio se utiliza como símbolo de la angustia, la soledad, el peligro Además, en la música se enfatiza los ruidos, sonidos y efectos para aportar mayor énfasis.

La historia de sonorización del cine no fue fácil, primero se inventó el fonógrafo, posteriormente el gramófono o el reproductor de discos. El cantor de jazz es el primer largometraje comércial con sonido sincronizado, el primer ejemplo de cine sonoro, dirigido por Alan Crossland y producido por el estudio Warner Warner Bross. Utilizó el sistema sonoro Vitaphone en el cual se grababa un sonido sobre un disco. A partir de el las comedias musicales se multiplicaron. Solamente contenía dos minutos de diálogo con sonido, el resto del diálogo se presenta a través de intertítulos.

La transición al vine sonoro no fue fácil, conllevó un gran numero de problemas y entre ellos destacan por ejemplo el buscar una solución para situar el micrófono de manera que no sea visible pero al que la voz llegue sin problemas, se limita la libertad de los actores a la hora de moverse por el escenario o se ven obligados a reducir sus movimientos, y sobretodo la necessidad de sincronizar la música o los diálogos con la accion. Con todo, el problema que trajo mayores repercusiones fue el de las estrellas de cine que no se supieron o no puedieron adaptarse a este cambio; bien porque no eran tan ideales como se creía, bien porque no sabían expresarse de la misma manera

La película se basa en el sistema de estudios que es un modelo estructural de la industria cinematográfica basada en tres conceptos: los estudios, los géneros y las estrellas complementándose entre sí. Fue en Hollywoood donde se desarrolló al máximo. Por lo tanto nacen las cinco más conocidas e importantes: Paramount, metro-toldem-mayer, 20th Century fox, Warner Bros y RKO.

En mi opinión creo que usaron un musical para poner en mayor valor las películas sonoras porque qué mejor forma que la música para mostrar las grandes posibilidades y capacidades a las que puede llegar este nuevo método. La dificultad técnica es grande pero se logró y eso solo hace que te maravilles de a lo que se puede llegar.