B O L E T Í N D E I N F O R M A C I Ó N D I S C O G R Á F I C A

145
www.diverdi.com

Toscanini en imágenes
Savall, Mozart por todo lo alto
Las tardes del Wigmore Hall
La JONDE activa

Guerrero Mallavibarrena Cavina Vivaldi Rebel Gardiner Kna Lott Kleiber Meyer Wetz Baselga Mackerras Fauré Beach Accentus Rihm Halffter
 BOLETÍN DE INFORMACIÓN DISCOGRÁFICA
AÑO XV ~ Nº 145 ~ FEBRERO 2006
DIVERDI, S.L. ~ ELOY GONZALO, 27 - ENTRADA POR SANTÍSIMA TRINIDAD ~ 28010 MADRID
TEL.: 91 447 77 24 ~ FAX: 91 447 85 79
Sellos en http://www.diverdi.com ~ e-mail: diverdi@diverdi.com
distribución exclusiva
(Febrero 2006) La Colección Mozart de El País
Los sellos señalados con un ✺

D
poseen un catálogo gratuito a esde el pasado 8 de enero el diario El País ha iniciado la publicación de su colección dedicada
disposición de nuestros lectores a conmemorar el 250º aniversario del nacimiento de W. A. Mozart, que acaba de celebrarse
el 27 de enero. Al igual que la anterior Clásica El País, la coordinación y dirección artística de
ACCENT✺ la colección ha corrido a cargo de Diverdi. A lo largo de sus treinta volúmenes se analizan, mediante
AGRUPARTE sus obras más emblemáticas, los principales géneros que conforman la inmensa y genial producción
ALIA VOX✺
ALMAVIVA✺ del salzburgués, sin descuidar la ópera (principal novedad de enfoque respecto de la colección
ALPHA✺ anterior, que la excluía), más algunos temas
ANDANTE monográficos que, sin constituir un género
ARCANA
ARCHIPEL✺ propiamente dicho, arrojan luz singular sobre
AR RE SE aspectos destacados del legado mozartiano: su
ARSIS música masónica, las composiciones infantiles
ARTS
ASTRÉE✺ (anteriores a 1770) o los grandes intérpretes vocales.
ASV Hemos elegido una gran pluralidad de enfoques
BBC MUSIC✺ interpretativos, desde los instrumentos de época (los
BIDDULPH
BIS pianofortes de Brautigam, Badura Skoda o Cohen,
BMC✺ los Festetics o Mosaïques entre los conjuntos de
BONGIOVANNI✺ cuerdas, La Petite Bande, la Orquesta del Siglo XVIII
BRIDGE
BRODSKY RECORDS o el Ensemble Baroque de Limoges entre las
CAMERATA orquestas) y las batutas de Kuijken, Brüggen o Coin,
CARUS✺ hasta las grandes orquestas modernas, encabezadas
CDM
CHALLENGE por la Filarmónica de Viena, que participa en media docena de volúmenes, o la Philharmonia, bajo
CHRISTOPHORUS✺ la dirección de casi todas las grandes «K» del pasado siglo: Kleiber, Krips, Klemperer, Karajan,
COL LEGNO Kempe, más Giulini, Böhm, Maag, Boult o Pollini (en su doble faz de pianista y director), Suk y los
COLUMNA MÚSICA
CPO Pasquier como solistas de cuerda, fabulosos conjuntos de cámara checos o berlineses; muchas y
DUX✺ grandes sorpresas a cargo de conjuntos y solistas quizá no tan nombrados, pero no menos buenos
DYNAMIC✺ traductores del espíritu y las formas de las grandes creaciones mozartianas; y, por supuesto, casi todas
E LUCEVAN LE STELLE✺
ENCHIRIADIS las voces que han sido algo en el mundo de la ópera, la música sacra o el aria de concierto de nuestro
ENSAYO✺ autor. Una biografía en treinta capítulos debidos a las plumas de H. C. Robbins Landon y Arturo
ETCETERA✺ Reverter, estudios musicales para cada título a cargo de las más prestigiosas firmas del periodismo y
EUFODA
GAUDEAMUS la divulgación musical, detalladas sinopsis de cada ópera y la cuidada presentación que caracteriza
GEBHARDT este tipo de publicaciones editadas por El País, hacen de esta colección un ejemplo único que ha
GLOBE merecido los honores de su simultáneo lanzamiento a través de Le Monde en Francia y de los diarios
GLOSSA
GOLDEN MELODRAM portugueses Diario de Noticias (Lisboa) y Jornal de Noticias (Oporto).
GUILD
IDEALE AUDIENCE
IDIS relhkñuwerhjafbdfgneyerrk,gbbasngkjmn
INMORTAL
scmncbDhnfnaldiverdimsldlsnw,q.cckdhd
INA✺
IVM
KAIROS✺
EL TELETIPO
fvdbsgwfdwefaghfdhjgnbxasto.kanakssfj
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KLARA
L’EMPREINTE DIGITALE El sello propiedad de la mítica emisora nacional británica, tras un año de relativo
LINDORO
DABRINGHAUS & GRIMM✺ estancamiento debido a problemas de índole burocrático, vuelve a la carga con un
MELODIYA interesantísimo programa para el 2006, en el que dominan nombres bien conocidos
MODE✺ y asiduos de la marca como Carlo Maria Giulini (Dvorák y Hindemith), Horenstein (Mahler y Nielsen),
MONTAIGNE✺
MUSIQUE EN WALLONIE o Richter (Schumann y Schubert), pero también incorporaciones del calibre de Kondrashin con David
MYTO✺ Oistrakh (Brahms), Maderna (Novena de Mahler) o la recientemente desaparecida Birgitt Nilsson
NAÏVE ✺ (Wagner y Beethoven, con Solti en el podio).
NAR
NEW WORLD RECORDS
NIGHTINGALE El sello germano especializado en rarezas continúa su imparable e impagable incursión
NMC en repertorios ignotos o poco trillados, y anuncia para 2006, entre otros bocados,
NUOVA ERA✺
OLIVE MUSIC nuevas aproximaciones a autores como Saygun (Cuartetos), Atterberg (Conciertos),
ONDINE✺ Villa-Lobos (Sinfonías), Muffat (Conciertos), Kabalevski (Sinfonías), Fesca (Oberturas), así como más
OPERA RARA✺ óperas de Vivaldi, Naumann o Siegfried Wagner. Asimismo presentará en primavera su primer DVD,
OPERA TRES✺
OPUS 111✺ Der Graf von Luxemburg, la opereta de Franz Lehár.
ORFEO✺
PENTATONE La inquieta discográfica genovesa ha llegado a un acuerdo con el Rossini
PIONEER DVD
PONTO Opera Festival de Pesaro para editar en DVD algunas de las producciones
PREISER✺ más interesantes del gran evento consagrado a la música del autor de La Cenerentola. Para abrir boca,
RAMÉE ya está en fase de producción la Bianca e Falliero que en 2005 protagonizaran Daniella Barcellona,
REGIS✺
ROYAL CONCERTGEBOUW O. María Bayo y Francesco Meli, con la Orquesta Sinfónica de Galicia dirigida por Renato Palumbo. La
SOLI DEO GLORIA escenografía corrió a cargo de Jean-Louis Martinoty.
STRADIVARIUS
SUPRAPHON✺
SYMPHONIA✺ Una de las más sonadas noticias del reciente MIDEM ha sido el nacimiento de Arte
TAHRA Verum, el sello discográfico que la soprano Barbara Hendricks ha decidido poner en pie
TESTAMENT✺ para, siguiendo la estela de otros tantos artistas, tener un mayor control de sus actividades
TIMPANI✺
VERSO fonográficas. La etiqueta será distribuida en España por Diverdi, y entre sus primeros títulos se encuentra
VMS el que sin duda será un hermosísimo recital de canciones españolas, con obras de Montsalvatge,
WERGO✺ Granados, Obradors y Falla, entre otros.
WINTER & WINTER✺
ZIG ZAG✺
(2)
 TESTAMENT rescata en su integridad los conciertos televisados que el gran maestro de Parma
realizara durante su última etapa en los Estados Unidos
Toscanini esencial
«Odio dirigir. ¡Sufro demasiado!» (A.T.)
E
n el otoño de 1936, en pleno milagro de la radiodifusión,
David Sarnoff, Presidente de Radio Corporation of America
(RCA), dueña de algunas emisoras de la National
Broadcasting Company (NBC) acarició la idea de emitir música
sinfónica con cierta regularidad. Inicialmente propuso retransmitir
la gira de despedida, después de siete años de asociación, de la
Filarmónica de Nueva York y Arturo Toscanini
(1867-1957), el director más famoso del
momento. Fracasadas las negociaciones,
Sarnoff concibió un proyecto mucho más
ambicioso: crear para Toscanini una orquesta
de primera fila con el fin de retransmitir sus
conciertos. Samuel Chotzinoff, pianista de
origen ruso (llegó a acompañar a Alma Gluck
y a tocar con Jascha Heifetz), crítico musical
del New York Post, entonces consultor y más
tarde director de Radio y Televisión de la
NBC, convenció a Toscanini de las
posibilidades de la radiodifusión y la enorme
audiencia a la que podría llegar la música (1).
El director parmesano exigió una orquesta al
nivel de las mejores del país: Nueva York,
Boston y Filadelfia. La orquesta se organizó en
un tiempo récord; con primeros atriles
«robados» a las mejores orquestas del país (el
concertino, Mischa Mischakoff, lo era de la
Sinfónica de Chicago; el viola Carlton Cooley
procedía de la Orquesta de Cleveland;
Armand Ruta había sido trombón solista en
Cleveland y Filadelfia…), fue preparada concienzudamente por
Artur Rodzinski, y, por fin, el día de Navidad de 1937 dio su
primer concierto bajo la batuta de Toscanini en el célebre estudio
8-H, en la octava planta del edificio de RCA en el Rockefeller
Center de Nueva York. Desde ese día, y hasta el concierto de
despedida del 4 de abril de 1954 (monográfico Wagner grabado
en estéreo), Toscanini dirigió a su Orquesta Sinfónica de la NBC
en unos 240 conciertos emitidos en directo (2). Fue un idilio que
duró diecisiete años -como en todos los idilios, no faltaron las
discusiones y los amagos de ruptura-, el más largo que el director
mantuvo jamás con institución alguna. Paralelamente desarrolló
una intensa actividad fonográfica con RCA Victor. Es importante
mencionar un hecho que a menudo pasa desapercibido: hasta que
Toscanini se hizo cargo, a sus 70 años, de la orquesta de la NBC,
apenas había documentos discográficos de una carrera que había
comenzado casi de casualidad el 30 de junio de 1886, cuando
siendo chelista (3) de la orquesta de una compañía de ópera
italiana de gira por Sudamérica, tuvo que empuñar la batuta en
una representación de Aida en Río de Janeiro tras la espantada del
director.
Además de emitirlos por radio a todo el país, entre 1948 y 1952
la NBC televisó diez conciertos, hecho sin precedentes en un
medio que estaba prácticamente en sus comienzos. Editados por
RCA en vídeo y Laser Disc, Testament los edita ahora por vez
primera de manera oficial en DVD. En ellos encontramos un
amplio muestrario de compositores y obras que formaron el
núcleo del repertorio toscaniniano durante sus años americanos.
Constituyen un testimonio impagable del arte de uno de los más
grandes directores de todos los tiempos y, para los que no estén
muy familiarizados, es la mejor manera posible de introducirse en
su universo sonoro. La imagen es de calidad variable debido al
estado del material original. El sonido es espléndido, aunque el
procesado enmascara la diferencia entre la seca acústica del
estudio 8-H y la más reverberante del Carnegie Hall, algo que era
evidente en los compactos de la magna Toscanini Collection de
RCA Victor (1990-92), que reunió en 82 discos el grueso de su
legado. Estos conciertos, pese a que en ocasiones el encuadre no
es el idóneo -téngase en cuenta el carácter pionero de la
experiencia-, ofrecen múltiples oportunidades de ver en acción al
ya octogenario director y estudiar su modus operandi, apreciar la
tensión constante, la concentración absoluta e inquebrantable (4),
(3)
por Miguel Ángel González Barrio
la expresión sufriente del rostro, como temiendo el fallo. Además
son reveladores de la gran humildad del director y su carácter
alejado de todo divismo. Siempre levantaba de inmediato a su
orquesta para que compartiera con él los aplausos; abandonaba
rápidamente el escenario, dejando solos a orquesta y solistas -
Doble concierto de Brahms-, y al término de la Novena de
Beethoven rehusa saludar al público que le ovaciona, y sale en
busca de Robert Shaw, preparador del coro. Como ya señalé en
otra ocasión, debido a su importante miopía y
a su negativa a dirigir con gafas, lo hacía
siempre de memoria, sin partitura -¡incluso la
Aida en versión de concierto!-. Según Sir
Adrian Boult, «su técnica de batuta era pobre
comparada con la de Nikisch. No importaba,
porque tenía todo lo demás […] La punta de la
batuta no decía nada especial; simplemente se
balanceaba de manera irresistible, natural, con
esa mente y esa concentración formidables
detrás. Pero no lo hacía de una manera
expresiva o que en sí misma pudiera contribuir
mucho a la interpretación. […] Era en gran
medida un movimiento del codo y el
antebrazo, y la expresión parecía proceder de
detrás de la batuta: estaba todo el tiempo en su
mente. Su mano izquierda era expresiva. No la
usaba mucho, pero cuando lo hacía era
bastante más expresiva que la derecha porque
era un miembro natural, mientras que la batuta
que usaba Toscanini era muy pesada» (5).
Observando las imágenes detenidamente, se
aprecian las funciones diferenciadas de ambos
brazos. El derecho, lejos de marcar el compás, efectuaba
movimientos amplios, claros, persuasivos, destinados a propulsar
y moldear la música y arrastrar a sus músicos. La amplitud del
movimiento descrito por el brazo derecho estaba en relación
directa con la cantidad de arco demandada a los instrumentistas
de cuerda. El izquierdo hacía el ajuste fino: con el dedo índice
extendido anunciaba con antelación una entrada difícil, con la
palma de la mano ajustaba las dinámicas. Hay un ejemplo muy
significativo de esto último en la Obertura de Tannhäuser (versión
de Dresde) del concierto del 4 de diciembre de 1948 (SBDVD
1004, pista 12, 1h 40 m 56 s, compás 65). Con un gesto enfático
de la mano izquierda y una mirada inquisidora ordena a los chelos
tocar más bajo: el efecto es inmediato y claramente audible.
Las interpretaciones son todas de gran nivel artístico, con
poquísimos errores de ejecución (6), aunque no siempre son las
mejores que nos legó. La versión concertante de Aida, con un
matizado Tucker, espléndido de voz, y una Nelli de medios no
sobrados pero eficaz y muy expresiva, podría haberse beneficiado
de una Amneris de más entidad. Es una versión de batuta más que
de cantantes, y la concepción toscaniniana de la obra es perenne,
inmune a las modas. Un detalle curioso y poco conocido: en vez
del final escrito del «Celeste Aida», morendo, que tan pocos
tenores respetan, Tucker concluye con «un trono vicino al sol» en
forte y repite a continuación «vicino al sol» en piano, una solución
que en su día Verdi autorizó por carta a Toscanini, carta que el
director conservaba como un preciado tesoro. En el repertorio
común a ambos maestros (principalmente Beethoven, Wagner,
Brahms) son inevitables las comparaciones con Furtwängler, el
último de los grandes exploradores. Fijémonos, por ejemplo, en la
manera en que ambos abordaban el comienzo de la Novena de
Beethoven. Mientras Furtwängler lo dirigía muy por debajo del
tempo prescrito y demandaba una articulación «borrosa» de las
célebres quintas abiertas (la creación del sonido a partir del vacío
cósmico), Toscanini ejecuta el pasaje a tempo y con precisión
milimétrica. En Brahms, Furtwängler trazaba mapas, mapas de
regiones desoladas (estoy pensando, por ejemplo, en el tercer
movimiento del segundo concierto para piano, especialmente en
el registro de 1942 con Edwin Fischer), inexploradas, y en la
aventura asumía numerosos riesgos. En la Primera Sinfonía, desde
el Un poco sostenuto inicial, llevado a tempo uniforme y muy
vivo, Toscanini levanta el edificio brahmsiano de manera
Sigue en página 4
Viene de página 3
inexorable, con tiralíneas. En el último movimiento, el presto final
de la coda irrumpe con impulso irresistible e inesperada libertad en
medio de este acabado ejercicio de precisión. Si con Furtwängler -
pienso ahora en el frenético Finale registrado en 1945-, que nos ha
mostrado visiones del Apocalipsis y pasiones al límite, la solemne
reaparición del gran tema de la introducción resuena como un
canto de esperanza a pocos meses del final de la
guerra, en Toscanini es simplemente música y la
conclusión lógica. Nótese cómo el arquetipo de
director objetivo (come è scritto!) omite en este
Finale (compases 434 y 438, pista 6, 52m 02s y 52m
06s) unos golpes sincopados de timbal. Siempre
pensó que eran un detalle de mal gusto por parte del
compositor, pero sólo se atrevió a eliminarlos a partir
de la gira americana de 1950 con la Orquesta de la
NBC. Aunque los paisajes descritos por Furtwängler
poco tienen que ver con la geografía, a no ser la de
nuestro interior, al comparar a ambos maestros me
viene a la memoria el comentario de Joseph Conrad.
en uno de sus ensayos, Geography and some
explorers (7): «…la superioridad de la geografía sobre
la geometría reside en el atractivo de sus figuras. […]
La mayor parte de nosotros estará de acuerdo en que
mirar un mapa es más fascinante que mirar una figura de un tratado
de secciones cónicas; al menos para las mentes simples que
constituyen el equipamiento de la mayoría de los pobladores de esta
Tierra». Sin embargo, bajo el microscopio de su batuta, allí donde
otros geómetras se quedan en la contemplación de las caras, lisas,
imponentes, de un poliedro regular, Toscanini revela estructura,
pliegues sutiles, otros senderos que merece la pena transitar.
Después de todo, quizá no seamos tan simples.
«¿Qué pasa con Toscanini? ¿Por qué es capaz de hacer cosas que
mi marido no puede? ¿Tiene que ver con sus manos? ¿Con sus ojos?
¿Dirige más rápido? ¿Más lento?», preguntó una vez al gran bajo
ucraniano Alexander Kipnis la esposa de director de un orquesta.
«¿Quién es el Grial?», respondió Kipnis, «eso no puede decirse, mas
si tú has sido elegido por él no te será desconocido» (8).
Notas:
(1) Chotzinoff relató los detalles de la negociación, la creación de la orquesta
y sus años con Toscanini en Toscanini: an intimate portrait. Alfred A. Knopf,
Nueva York, 1956.
(2) A lo largo de las 17 temporadas, el día y la hora de emisión sufrieron
variaciones. De la temporada 1937-38 a la 1941-42 los conciertos se
celebraron los sábados por la mañana, de 9:30 a 11 o de 10 a 11:30.
Después se acortó la duración y pasaron a sábado o domingo por la tarde,
de 5 a 6 o de 6:30 a 7.30. A partir de 1951 los conciertos se celebraron en
el Carnegie Hall.
(3) Toscanini fue segundo chelo en el estreno de Otello en
La Scala en 1887.
(4) Durante el Finale de la Quinta de Beethoven, las gotas
de sudor que resbalan por el rostro llegan a cegarle, pero
Toscanini no se descompone y acaba la obra con los ojos
cerrados, sin perder el control en ningún momento.
(5) Thoughts on conducting, Phoenix House, Londres,
1963.
(6) Señalemos uno: en el Finale de la Novena de
Beethoven, la orquesta se despista en la doble fuga que
sigue al pasaje Alla marcia, pero con unos movimientos de
batuta y una mirada Toscanini devuelve el orden a las filas.
(7) Almayer’s folly: a history of an Eastern river, and Last
essays. Thomas Nelson and Sons, Edimburgo, 1957.
(8) Kipnis responde con las palabras de Gurnemanz a
Parsifal. La anécdota está recogida en el libro de B.H.
Haggin The Toscanini musicians knew, 2ª ed., Horizon
Press, Nueva York 1980.
ARTURO TOSCANINI: The Television concerts, 1948-1952, vol. 1:
Richard Wagner y Ludwig van Beethoven / Anne McKnight,
soprano. Jane Hobson, contralto. Erwin Dillon, tenor. Norman Scott, bajo / NBC
Symphony Orchestra. Dir.: Arturo Toscanini / TESTAMENT / Ref.: SBDVD 003 (1 DVD)
D2 x 2
ARTURO TOSCANINI: The Television concerts, 1948-1952, vol. 2: Johannes Brahms,
Wolfgang Amadeus Mozart, Antonín Dvorak & Richard Wagner / Mischa Mischakoff
violín.Frank Miller violonchelo. Artur Balsam & Joseph Kahn pianos / NBC Symphony
Orchestra. Dir.: Arturo Toscanini / TESTAMENT / Ref.: SBDVD 004 (1 DVD) D2 x 2
ARTURO TOSCANINI: The Television concerts, 1948-1952, vol. 3: GIUSEPPE VERDI
(1813-1901): Aida (ópera en cuatro actos) / Herva Nelli, Eva Gustavson, Richard Tucker,
Giuseppe Valdengo, Norman Scott, Dennis Harbour, Virginio Assandri, Teresa Stich-
Randall. Robert Shaw Chorale / NBC Symphony Orchestra. Dir.: Arturo Toscanini /
TESTAMENT / Ref.: SBDVD 005 (1 DVD) D2 x 2
ARTURO TOSCANINI: The Television concerts, 1948-1952, vol. 4: Richard Wagner,
Carl Maria von Weber & Johannes Brahms / NBC Symphony Orchestra. Dir.: Arturo
Toscanini / TESTAMENT / Ref.: SBDVD 006 (1 DVD) D2 x 2
ARTURO TOSCANINI: The Television concerts, 1948-1952, vol. 5: Franck, Sibelius,
Debussy, Rossini, Beethoven, Respighi / NBC Symphony Orchestra. Dir.: Arturo
Toscanini / TESTAMENT / Ref.: SBDVD 007 (1 DVD) D2 x 2

L os tradicionales premios del disco clásico cumplen su segunda temporada directamente integrados en Midem, la célebre feria
mundial de la música celebrada en Cannes. Si el pasado año anunciábamos que cuatro discos de los sellos representados por Diverdi
se habían alzado con el máximo galardón en diferentes categorías, en los premios de 2006 son ya seis los que han conseguido la mayor
distinción, a los que hay que añadir dos menciones especiales del jurado acerca de artistas que también graban en nuestros sellos. Nos
complace y enorgullece presentarles la lista de premios:

MÚSICA ANTIGUA & MEJOR DISCO DEL AÑO

Don Quijote de la Mancha: Romances y Músicas, a cargo de Hespèrion XXI, La Capella Reial de Catalunya, con
Montserrat Figueras y bajo la dirección de Jordi Savall / ALIA VOX / AVSA 9843

MEJOR DISCO DE MÚSICA CORAL

Arnold Schoenberg: Obras corales & Sinfonía de Cámara, Coro de Cámara Accentus. Laurence Equilbey,
dirección. Ensemble Intercontemporain. Jonathan Nott, dirección / NAIVE / V 5008

MEJOR DISCO SOLISTA INSTRUMENTAL

William Byrd: Música para clave, por Gustav Leonhardt / ALPHA / ALPHA 073

MEJOR DISCO DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA

Nordic Spell, Sharon Bezaly. Varias orquestas y directores. / BIS / BIS 1499

MEJOR GRABACIÓN DE ARCHIVO / HISTÓRICA

Integral de conciertos para piano & Fantasía Coral de Ludwig van Beethoven. Rudolf Serkin, piano. Bayerisches
Rundfunksorchester. Rafael Kubelik, dirección / ORFEO / C647053D

MEJOR CONCIERTO EN DVD

Bruckner: Sinfonías, con Günter Wand y la Orquesta de la NDR, en una gratísima elección. DV-COWAND1

ARTISTA DEL AÑO

Mariss Jansons

PREMIO ESPECIAL LOGRO DE UNA VIDA

Dietrich Fischer-Dieskau

(4)
 Raúl Mallavibarrena, al frente de Musica Ficta y del Ensemble Fontegara, inicia la integral de las Villanescas del gran polifonista andaluz

Guerrero, cisne de Betis

L
as Canciones y villancicos espirituales de Francisco Guerrero
(1528-1599) constituyen uno de los legados de mayor
atractivo, por su rareza, dentro del Renacimiento musical
español. Y también uno de los más bellos. Surgido en Sevilla,
emporio comercial del sur de Europa conectado con Flandes, Italia,
Francia y la América recién descubierta, tuvo un éxito arrollador en
todo el ámbito hispano, mucho antes de ser impreso. Se publicó en
Venecia el año 1589, cuando el compositor contaba 61 años de
edad, en las prensas venecianas de Iago Vicentio. Mucho antes,
hacia 1550, el músico había escrito un indeterminado número de
canciones profanas, que se había visto forzado a publicar «porque
andado de mano en mano se iba con el tiempo perdiendo en sus
obras la fidelidad de su compostura, o no quedaba en ella más que
el nombre del autor…» Algunas de ellas pasaron a la edición de
Venecia, si bien Guerrero se resistió a imprimirlas, y solo
condescendió a ello «con condición, que las Canciones profanas
se convirtiesen a lo divino, y otras que por ser morales se quedaron
en su primero estado».
No eran muchas, tan solo veinte de entre las 61 que figuran en
el libro de Villanescas; Guerrero puso a lo divino dieciocho,
manteniendo el texto íntegro de las dos restantes, por referirse estas
a cuestiones morales. Las otras 41 piezas las compuso
expresamente para la edición veneciana, dedicada al cardenal
Rodrigo de Castro, diciéndole entre otras cosas: «no he temido al
juicio, que de mi temeridad se podría hacer, porque sé que siendo
cosas espirituales, y puestas en música, no las desechara vuestra
Señoría Ilustrisima.» Y en efecto, ¿quién podría rechazar música
tan bella sobre tan excelentes textos? El propio Guerrero, de gusto
exquisito, debió ser quien convirtió las letras profanas en religiosas
y lo hizo procurando no alterarlas demasiado. Por ejemplo, de la
cuarta canción En tanto que de rosa y azucena, el bellísimo soneto
de Garcilaso inspirado en el carpe diem horaciano, Guerrero altera
únicamente el cuarto verso del primer cuarteto y el inicial del
primer terceto (pensemos, por ejemplo, en el desaguisado que se
hizo con este soneto en Las obras de Boscán y Garcilaso
trasladadas en materias cristianas y religiosas por Sebastián de
Córdova (Granada, 1575).
Guerrero recurrió, como se aprecia en los poemas cuyos autores
se han averiguado -Baltasar de Alcázar, Gutierre de Cetina,
Gregorio Silvestre, Garcilaso de la Vega-, a extraordinarios poetas.
Alcázar y Cetina eran naturales de Sevilla, y el portugués Silvestre,
ilustre organista, vinculado a Zafra, en Extremadura, y a Granada.
En cuanto al gran toledano, basta hojear la Antología poética en
honor de Garcilaso de la Vega realizada por Gallego Morell, con
estudio preliminar de Gregorio Marañón, para ver hasta qué punto
el arte de Garcilaso era apreciado en la Sevilla renacentista.
Raúl Mallavibarrena ha iniciado con este CD la grabación de las
61 piezas editadas en Venecia un año después del desastre la
Armada Invencible y poco después de que Tomás Luis de Victoria
hiciese una reedición de sus motetes
con gran lujo tipográfico.
Mallavibarrena se ha servido en este
caso de Musica Ficta, como siempre,
pero también del Ensemble
Fontegara, pequeño conjunto instru-
mental compuesto de arpa doble
renacentista (Marie Nishiyama),
vihuela y guitarra de 4 órdenes
(Rafael Bonavita) y percusión (el
propio Mallavibarrena). Con ellos ha
grabado 18 piezas, cinco a 5 voces,
ocho a 4 voces y cinco a 3 voces.
Música Ficta está aquí integrada por cinco voces: Eva Juárez
(soprano), Marta Infante (mezzosoprano), Alicia Berri (contralto),
Miguel Bernal (tenor) y Luis Vicente (bajo), es decir, una voz por
pentagrama. Pero la entrada de instrumentos y percusión, aunque
alargue las duraciones de las piezas, las dota de una mayor riqueza
tímbrica y facilita en muchos casos la percepción de su calidad
melódica. Once de ellas pertenecen al género villancico, tan
arraigado en Castilla desde Juan del Enzina, con sus coplas y
estribillo.
Guerrero llama villanescas y canciones a todo, tanto a los
villancicos como a los madrigales recogidos en su libro. Y estos
últimos, a veces calificados como motetes en lengua romance, son
auténticas maravillas del arte madrigalesco a la española, en el
caso de Guerrero de especial dulzura y elegancia espiritual.
Canciones como Si tus penas no pruebo, Sabes lo que heziste y De
amores del Señor, incluidas en este disco, bastan para calificar de
genio a su autor. Como también el celebérrimo Pan divino,
gracioso, del que Musica Ficta ofrece, como apéndice, la versión
profana recogida en el Cancionero de Medinaceli, en este caso con
un texto cuyo incipit, Prado verde y florido, y también el resto de
los versos, es completamente distinto al del contrafacta de Venecia.
En fin, al escuchar estas Canciones y villanescas de Guerrero,
nos viene a la memoria el precioso comienzo de la extensa elegía
A la muerte de Garcilaso de la Vega, compuesta por Cristóbal
Moxquera de Figueroa: Cisnes de Betis que en su gran ribera /
regaladas canciones entonando / volvéis al triste invierno en
primavera / y cuando la aura dulce va expirando / vais con
templado y grave movimiento / sublimes por las ondas paseando.
Esperamos ilusionados el segundo volumen.
Andrés Ruiz Tarazona
FRANCISCO GUERRERO (1528-1599): Canciones y Villanescas espirituales, vol. 1 /
Musica Ficta. Ensemble Fontegara. Raúl Mallavibarrena, percusión y dirección /
ENCHIRIADIS / Ref.: EN 2014 (1 CD) D2

Diabolus in Musica firma para ALPHA un hermoso programa dedicado a la música de los trovadores

Al lirismo por la austeridad

T
ras una serie de celebrados discos, como La Chambre des Dames, La Chanson de Guillaume o Rosarius,
el conjunto Diabolus in Musica que dirige Antoine Guerber nos sorprende con un extraordinario programa
trovadoresco. Grabaciones consagradas a la música de trovadores y troveros no han dejado de proliferar
a lo largo de estos años, en ocasiones alcanzándose magníficos resultados, pero creo no equivocarme al afirmar
que La doce acordance se sitúa desde este momento en un lugar de privilegio. En primer lugar hay que celebrar
su extremado rigor y austeridad; el acompañamiento instrumental ha quedado reducido al mínimo, cuando no
eliminado directamente, en la línea de las más recientes investigaciones que apuntan a la casi absoluta desnudez original de estas
composiciones de carácter monódico de entre los siglos XII y XIII. Las interpretaciones están unas veces apoyadas simplemente por el arpa
o la viola de arco y otras cantadas a cappella, sin acompañamiento. La declamación se revela tersa, sin apenas espacio para la
ornamentación, melodiosa y hermosísima, muy fiel a la prosodia y pronunciación de la antigua lengua de oil.
No obstante, hay que señalar una sorpresa que hace de este trabajo una perla de obligado conocimiento. Pocas veces hasta ahora habían
podido escucharse composiciones de Chrétien de Troyes, el genial configurador del relato artúrico, a quien debemos El cuento del Grial y
por lo tanto uno de los padres fundacionales de la cultura europea moderna. De Chrétien, primer trovero conocido, se incluyen al menos
dos canciones de gran belleza, D’amors qui m’a tolu a moi y Amors tençon et bataille (al haberse perdido el texto de ésta se ha recurrido
a la técnica del contrafactum, es decir, que se ha utilizado el de otra pieza -de Gautier de Dargies- de idéntica estructura métrica). A este
autor dedica el grupo Diabolus in Musica el presente y espléndido programa, La doce acordance, inmejorable banda sonora para
acompañar cualquier relectura de sus obras.

Javier Palacio
LA DOCE ACCORDANCE: Canciones de trovadores (ss. XII-XIII) / Diabolus in Musica. Dir.: Antoine Guerber / ALPHA / Ref.: ALPHA 085 (1 CD) D2

(5)
F.M. Sardelli presenta su versión del Tito Manlio vivaldiano Regreso triunfal del Ensemble Doulce Memoire con un monográfico
en CPO dedicado a Eustache du Caurroy
A pares La dicha es buena
C
on sus 287 años recién cumpliditos a cuestas, Tito

Manlio, aquella opera seria que Vivaldi pergeñó a
toda prisa para una boda que no llegó a celebrarse,
sigue tan fresca como el día de su estreno. Ahí está, como
un señero ejemplo del género: con unos personajes
heroicos -pero profundamente humanos- en escena
agitados por un huracán de intensas pasiones y con una
caracterización musical de lo más convincente, con un
conjunto de bellísimas arias que recorren toda la gama de
afectos y de efectos (hay hasta un par de sorprendentes arias
silábicas), una extraordinaria y variadísima orquestación y -
last, but not least- una
profunda unidad dramática.
Ahí está y aquí la tenemos
en disco, por segunda vez
en poco tiempo. En el aire
aún los ecos de la gra-
bación de Ottavio Dantone
(Boletín nº 143), CPO
presenta otra, dirigida por
Federico Maria Sardelli.
Que es, en realidad,
anterior a aquélla (se
registró con ocasión del
festival de Barga, en julio de 2003), pero cuya edición se vio
frenada por los imponderables del mundillo discográfico,
con más vericuetos a veces que algunos argumentos de
ópera seria. Aunque, curiosamente, no emplean
exactamente la misma partitura: Dantone incluye dos arias
y Sardelli, tres que faltan en la grabación del otro y éste
termina con una versión alternativa, con flauta dulce
obligada, de la hermosa «Tu dormi in tante pene».
Pero no vamos a quejarnos por la abundancia: al igual
que aquélla, la interpretación de Sardelli, que forma parte
de un amplio proyecto de recuperación de las obras
teatrales del cura pelirrojo, es de muchos quilates. Su
condición de musicólogo no le ata en absoluto a la tinta del
documento, sino que, trascendiendo la elocuencia libresca,
llega a la elocuencia teatral, dando vida al drama. Cuenta
con un elenco vocal homogéneo y capaz en el que, puestos
a singularizar, señalaríamos el brío atormentado de Sergio
Foresti (Tito), la emoción contenida de Elisabeth Scholl
(Manlio) o el sentimiento contrapuesto de las mezzos Lucia
Sciannimanico (Servilia) y Rosa Domínguez (Vitelia).
Mención especial merece la orquesta Modo Antiquo,
incisiva, poderosa, matizada y brillante como un paisaje
mediterráneo bajo el sol primaveral... Vivaldi en estado
puro.
Mariano Acero Ruilópez
ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Tito Manlio / Foresti, Scholl, Kennedy,
Domínguez, Sciannimanico, Grégoire, Livermore, Taddia / Modo Antiquo.
Dir.: Federico Maria Sardelli (Grabado en Barga, Italia, Chiesa del Santissimo
Crocifisso, entre los días 13 a 21 de Julio de 2003) / CPO / Ref.: 777096-2 (3
CD) D2 x 2 [3 Discos al precio de 2]
D
emasiado tiempo llevaba el Ensemble Doulce Mémoire sin dar
señales de vida discográfica (recopilación de sus quince años de
existencia al margen), algo peligroso para un conjunto dedicado a
la música antigua, sector en permanente renovación y cambio. Sin
embargo, los que somos fieles seguidores del grupo desde aquellos
primeros y reveladores acercamientos a las
colecciones de Attaignant y Moderne,
mantenemos impertérrita nuestra fe en él,
seguros de que, aunque se haga esperar,
cada disco pergeñado por las huestes de
Denis Raisin Dadre será un nuevo hito en
nuestra experiencia como amantes-oyentes
de la música del Renacimiento.
Y, como esperábamos, no nos defraudan
en absoluto los chicos de Doulce Mémoire
con su nuevo trabajo dedicado a Eustache
du Caurroy (1549-1609), quien fuera ya el
centro de uno de sus CD más celebrados, el
del Requiem de los reyes de Francia. En esta
ocasión, Denis Raisin Dadre se ha fijado en la colección de 63 Meslanges
que Robert Ballard publicó en 1610, un año después de la muerte del
compositor, y que está siendo preparada justo en este momento por
Marie-Alexis Colin (firmante de unas estupendas notas interiores) para su
primera reedición en época moderna. Formada por salmos a 6 voces (con
los textos en francés parafraseados por Philippe Desportes), canciones de
diverso tipo (abundan las espirituales) y noëls, la colección de Meslanges
testimonia de qué forma conviven en Du Caurroy el más tradicional estilo
polifónico (salmos) con el gusto por los versos medidos a la antigua de la
escuela de Baïf y la modernidad de los vigorosos, despreocupados y
deliciosos villancicos, con sus obsesivas repeticiones del término «noël».
Como es habitual, Doulce Mémoire combina unas refinadísimas y
perfectamente individualizadas voces (se mantienen en el grupo Marc
Pontus y Lucien Kandel, dos de los más importantes cantantes dedicados
hoy al repertorio renacentista) con un pequeño y soberbio conjunto
instrumental (corneta, flautas, dulzainas, violas), que asume además en
solitario la interpretación de tres chansons y un noël. Impresionan las
complejas arquitecturas de los salmos, con sus pasajes solistas alternando
con arduos contrapuntos, que suenan con una limpieza, una
transparencia y una intensidad expresiva formidables, llegando a
alcanzar en Le long des eaux (paráfrasis del salmo 136) una hondura
extraordinaria, que responde a la perfección a su carácter de lamento.
Entre las canciones, merece ser destacada una nueva versión de Susanne
un jour, el clásico publicado por Didier Lupi en 1548 del que se
conservan más de 40 adaptaciones diferentes y que aquí recibe un
tratamiento de una delicadeza y un detalle de fascinante emotividad.
Se hicieron esperar esta vez, pero volvieron a tiempo para
embriagarnos con su estilo franco, natural y refinado. Y es que ya saben
que en asunto de placeres nunca es tarde...
Pablo J. Vayón
EUSTACHE DU CAURROY (1549-1609): Les Meslanges / Véronique Bourin, soprano. Marc
Pontus, alto. Hugues Primard, tenor. Lucien Kandel, tenor. Guillaume Olry, barítono. Philippe
Roche, bajo / Doulce Mémorie. Dir.: Denis Raisin Dadre (Grabado en la Abadía de Valloires,
Festival des Cathedrales de Picardie, Octubre 2004) / NAIVE / Ref.: E 8900 (1 CD) D1

Paolo Cherici presenta los conciertos para laúd del veneciano bajo una luz diferente

Vivaldi a solo

L
a tesis del laudista italiano Paolo Cherici en esta grabación a solo de conciertos de Vivaldi es que las
transcripciones instrumentales de la música del prete rosso fueron una práctica común en el siglo
XVIII. Sea como fuere, su versión de los tríos y conciertos vivaldianos para mandolina, más el
Concierto en Sol menor para dos violines y flauta, y el Concierto en Re mayor op. 3, nº 9 para violín y
cuerda, reducidos por el intérprete a solo de archilaúd, es consistente, muy efectiva y de un virtuosismo
deslumbrante. La alternancia de texturas entre tutti y solos del concierto barroco se pierde, pero el
resultado, lejos de caer en redundancias de ningún tipo, funciona perfectamente. Se pierde el claroscuro
pero, en manos de un intérprete sabio y sensible, todo queda en una penumbra tan afectuosa como grata
que da un nuevo perfil a páginas muy célebres del concertismo vivaldiano.

Javier Suárez-Pajares
ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Conciertos para laúd solo. Transcritos para laúd por Paolo Cherici / Paolo Cherici, laúd / STRADIVARIUS / Ref.: STR 33676 (1 CD) D2

(6)
 Pablo Queipo de Llano presenta un brillante y exhaustivo análisis de su obra instrumental

La música de Vivaldi en letras

D
e entrada, por insólito, hay que saludar con satisfacción la aparición de un libro escrito originalmente en nuestra lengua sobre
Antonio Vivaldi. Que, además, no sea un breve ensayo biográfico con las clásicas y tópicas pinceladas
sobre Las cuatro estaciones, sino algo mucho más profundo, transforma la satisfacción en alborozo. La
atenta lectura de las cuatrocientas y pico páginas de El furor del Prete Rosso, de Pablo Queipo de Llano,
confirma ampliamente la primera impresión.
Pertrechado de un sólido bagaje documental, uno de cuyos reflejos está en las abundantes y henchidas notas
a pie de página, el autor estructura su apasionado y apasionante recorrido por la música instrumental del cura
veneciano en dos partes bien diferenciadas que siguen a una breve, pero enjundiosa introducción en la que se
repasa la repercusión e influencia de Vivaldi en su época, se ofrece una estupenda panorámica de su lenguaje
musical... y se echa de menos una semblanza biográfica, por más que sea ésta una carencia fácilmente
subsanable.
Se ocupa, en primer lugar, de la colecciones musicales publicadas. Desfilan aquí ante nuestros ojos las doce
obras editadas en vida del compositor y que, por lo tanto, mayores secuelas directas dejaron en sus
contemporáneos. Situándolas en su contexto histórico y musical, el autor, en un paciente ejercicio analítico,
disecciona cada uno de los conciertos y sonatas que las integran, deteniéndose hasta lo exhaustivo en las más
importantes (el estudio de las Opus III y VIII es, sencillamente, modélico).
El segundo gran bloque está constituido por las obras que no aparecieron impresas en ediciones oficiales
(algunas sí vieron la luz en misceláneas piratas tan frecuentes en la época), conservadas en manuscritos. Se
cambia aquí de perspectiva y el análisis, que sigue los grandes apartados de la catalogación de Ryom (RV), se
torna más general -no menos interesante-, descendiendo al detalle minucioso sólo en las obras más características... que no son pocas.
El libro se completa con el catálogo RV de la obra vivaldiana -completo hasta la entrada RV 807- y las concordancias con las demás
catalogaciones y con una breve, pero selecta, serie de ilustraciones en la que, por cierto, no falta el más citado que reproducido fragmento
de la partitura que el Cura Pelirrojo ornó con un sarcástico Per i coglioni (pág. 430).
La conclusión es obvia: se trata de una obra fundamental con la que la música vivaz, luminosa, pero también revolucionaria en su
tiempo -aspecto éste bien subrayado por el autor-, del Prete Rosso nos descubre buena parte de sus secretos técnicos, simbólicos e
históricos (la dimensión emotiva, ya lo saben, es personal e íntima y trasciende cualquier explicación). Ahora bien, su contenido no se
aprehende en una sola lectura, ni ésta lo condenará al sueño de los justos en el anaquel de la biblioteca. Abriremos el libro una y otra vez,
volveremos a él para releer, consultar, anotar, ilustrar la audición de algún concierto concreto... Y permanecerá vivo durante mucho tiempo.
Por cierto, ¿es mucho pedir la ampliación del estudio a la obra vocal sacra, de cámara y teatral -últimamente tan de actualidad discográfica-
del compositor? Muchos lo agradeceríamos.

M.A.R.
PABLO QUEIPO DE LLANO: El furor del Prete Rosso. La música instrumental de Antonio Vivaldi. Antonio Machado Libros-Fundación Scherzo (Colección Musicalia Scherzo).
Madrid, 2005, (1 Liblro, 444 págs.) P.V.P.: 20,00 euros.-

La enigmática y fascinante figura de Jean-Féry Rebel (1666-1747), en un monográfico ZIG ZAG

Más que curioso

A
Jean-Féry Rebel (1666-1747) la música barroca francesa le debe dos momentos memorables. El
primero es la obertura de su ballet Les Eléménts, donde se oyen «todas las notas de la octava en
un solo sonido» para dar la idea del caos. El otro es la amplia y conmovedora sonata Tombeau de
Monsieur de Lully, intenso homenaje al creador de la ópera francesa, a
quien Rebel pudo admirar en su infancia. Pieza cargada de recursos
teatrales «expresivos» trasladados a las voces del violín y la viola de
gamba, el Tombeau de Monsieur de Lully hace un extraordinario uso de
los silencios, de los contrastes dinámicos y armónicos, además de poseer
un desgarrador aliento melódico. Parece increíble que con estas LUIGI BOCCHERINI (1743-1805):
Quintetos para guitarra, vol. 3 / Biel
capacidades Rebel fracasara en el campo de la tragédie-lyrique. Lo mejor Graells, violín. Oleger Beltran, violín.
de sí lo dio en la música instrumental, tanto en la de cámara como en la Andrea Mamelia, viola. Iñaki Etxepare,
violonchelo. Joan Carles Martínez,
orquestal, donde contribuyó a convertir el ballet en un género autónomo. guitarra. Ludovica Mosca, castañuelas /
La producción de cámara de Rebel gira alrededor de dos grandes COLUMNA MUSICA / Ref.: 1CM 0151 (1
colecciones: Recueil de douze sonates à deux et a trois parties avec la CD) D2
basse chiffrée (París, 1712) y Sonates à violon seul mellées de plusieurs
récits pour la viole (París, 1713). De estas publicaciones proceden las seis
sonatas interpretadas por el grupo Assemblée des Honnestes curieux. Las sonatas del músico francés no
obedecen a un esquema fijo. La distribución y las dimensiones de los movimientos varían en cada pieza.
A diferencia de Corelli, Rebel no busca un canon fijo sino una serie de equilibrios característicos y
cambiantes, posibles gracias a su habilidad en el tratamiento melódico y virtuosístico del violín.
Además del citado Tombeau de Monsieur de Lully (de obligada elección), podemos escuchar la
Sonata tercera «L’Apollon», con su tono expansivo, pleno y algo rústico; la Sonata sexta, cuya gravedad
nos devuelve de nuevo a la noble tristeza del Tombeau de Lully; la Sonata quinta «La Pallas», de porte
solemne y evocadora de paisajes entre áulicos y guerreros (segundo movimiento); o la Sonata undécima,
imbuida por una alegría epidérmica e incontenible que sólo queda suspendida en el tercero movimiento.
El grupo Assemblée des Honnestes curieux tiene un nombre hermoso que no hace del todo justicia a
su temperamento. Hay algo más que honesta curiosidad en su exploración de la música de Rebel:
diríamos un tono de divertimento y disfrute gozoso -a veces encendido- que en determinadas ocasiones
asume los tonos del susurro y el recogimiento. JAN DIMAS ZELENKA (1679-
1745): Composiciones para
orquesta / Collegium 1704 /
Stefano Russomanno SUPRAPHON / Ref.: SU 3858-2 (1
CD) D10
JEAN-FERY REBEL (1666-1747): Sonatas para violín y bajo continuo / Amandine Beyer, violín. Assemblée des Honnestes Curieux / ZIG
ZAG / Ref.: ZZT 051102 (1 CD) D2

(7)
 Entrevista con Claudio Cavina contratenor, director de la Venexiana

Encuentro con Claudio Cavina

por Santiago Martín Bermúdez

E n marzo pasado, durante la Semana Santa, Claudio Cavina y su grupo La Venexiana actuaron en la Semana de música religiosa de
Cuenca. Allí hablé con él, después de un bello concierto, una de las tres sesiones de la Selva morale e spirituale de Monteverdi en la
antigua iglesia de San Miguel (que ya no es iglesia, en rigor), pero sin percatarme de que aquello era el comienzo de una entrevista.
Completamos las cosas por esa moderna vía del correo electrónico. Algunas de las cosas que anunciaba Cavina entonces, como L’Orfeo,
son ya una realidad.
Santiago Martín Bermúdez- ¿Podría referirse en unas pocas palabras al
origen de la Venexiana?
Claudio Cavina- La Venexiana es, simplemente, un grupo que hace música
italiana de los siglos XVI y XVII. Nació de la colaboración entre Rossana
Bertini y yo en 1996. Después de algunos años en que trabajamos en
abundantes cantatas barrocas (Marcello, Haendel, Scarlatti) pensamos que
podíamos poner en marcha un grupo nuestro para cantar madrigales
italianos. Teníamos amigos que cantaban en otros grupos y se sintieron
realmente felices por poder acompañarnos en esta aventura. Han pasado los
años, y La Venexiana es ahora un grupo muy conocido en el mundo por sus
interpretaciones de Monteverdi. No creo que La Venexiana tenga el
monopolio de la recuperación de la música de aquella época. Muchos
profesionales han aportado algo importante para el conocimiento de aquel
lejano repertorio, incluso músicos a la antigua, como Ephrikian, y también
los ingleses.
S.M.B.- Recuerdo la lejana polémica que animó en tiempos Nella Anfuso en
relación con los falsetistas. Ella, si no recuerdo mal, consideraba que los
falsetistas eran más apropiados para la tradición inglesa que para la italiana.
Sin embargo, usted propone, como contratenor y como director, a los
falsetistas para repertorios como el italiano y el español.
C.C.- No soy partidario del falsetista de tradición inglesa, con emisión débil
y muy «en la cabeza». Hoy día, para un falsetista es necesaria una mezcla,
una síntesis entre voz de falsete y voz de pecho. Esto es totalmente necesario
para Monteverdi. El carácter de falsete de una voz, sin otras implicaciones,
se refiere a la voz que emite cuando no utiliza todo su cuerpo para esa
emisión. A eso debía de referirse Caccini cuando hablaba de «voz falsa».
Hoy día hay que utilizar las voces femeninas en repertorios, como el sacro,
en el que no las había. Hay que tener en cuenta que entonces estaba vigente
un edicto papal que impedía que las mujeres cantaran en la iglesia. Fue un
fenómeno que se dio en toda Europa, en España, en Italia, en Alemania, en
Inglaterra. Las capillas se formaban con niños, con falsetistas y con castrati.
Lo cual no impedía que hubiera mujeres que cantaran en otros géneros,
como Barbara Strozzi o Francesca Caccini.
S.M.B.- Se refería usted antes a los ingleses en relación con este repertorio
favorito de La Venexiana. ¿Hay acaso cierta incompatibilidad entre los
ingleses y Monteverdi?
C.C.- En fin… Casi diría que sí. Para cantar bien a Monteverdi es necesario
que tu lengua sea precisamente el italiano. Es que no sólo hay que
comprender las frases, las palabras, el poema: también hay que comprender
las sfumature y ponerlas en música.
S.M.B.- Tienen el proyecto de hacer L’Orfeo en 2006.
CAVINA.- Sí, era algo lógico después de hacer los Libros de Madrigales.
Estaremos con L’Orfeo en el Auditorium de Milán el 7 de febrero. El día 9,
estaremos en Jerez. Y el día 11, en Madrid, en el Auditorio Nacional. Para
nosotros es muy importante enfrentarnos a L’Orfeo, que es una de las obras
italianas más importantes de todos los tiempos. Será un concierto
semimontado, será música, sin duda, pero será también un servicio a la
palabra, al texto de Striggio, porque pretendemos que se entienda todo lo
que se canta.
S.M.B.- ¿Podría explicar esa especie de arreglo litúrgico de la Selva morale
e spirituale monteverdiana en la iglesia de San Miguel de Cuenca? ¿Cómo
eligieron tal y cual fragmento, tal y cual salmo, para formar un todo, y por
qué no optaron por grabar número a número, según la secuencia publicada?
C.C.- Para mí está muy claro que las piezas de la Selva de Monteverdi están
destinadas a la liturgia de vísperas, con el añadido de una misa, desde luego.
Así que nos enfrentamos a la colección de la Selva y no tardamos en
comprender cómo se podían conseguir dos Vísperas más una misa. Así que
hicimos las Vísperas para dos festividades. La misa podía ser lo mismo para
una celebración normal o para una festividad importante. Pero ahí estaba el
Gloria a siete voces e instrumentos, así que preferimos hacer una Missa
Solemnis. Por cierto, uno de nuestros proyectos a medio plazo es dar en
concierto el Vespro della Beata Vergine, de 1610, y grabarlo a continuación.
S.M.B.- Háblenos de la experiencia en Cuenca, en la vieja iglesia de San
Miguel, donde se han hecho tomas sonoras de los tres días de Selva.
C.C.- San Miguel nos brindó la espléndida oportunidad de hacer conciertos
y grabaciones. No es el sonido de una catedral, pero da un sonido muy rico.
Cantar esta música allí fue un trabajo cómodo y también feliz.
S.M.B.- Aún le haría otra pregunta. No sé si atreverme. Le miro a usted y
miro una imagen que se conserva de Gesualdo. ¿Será cierto que es usted
reencarnación de Gesualdo? ¿Trata de reivindicar su memoria y, al mismo
tiempo, expía sus pecados?
C.C.- Esta pregunta no la entiendo bien… ¿Podría planteármela de otra
manera?
CARLO GESUALDO DA VENOSA (1566-1613): Il Quarto Libro di Madrigali (1596) /
La Venexiana. Dir.: Claudio Cavina / GLOSSA / Ref.: GCD 920934 (1 CD) D2

S.M.B.- La Venexiana ha empezado a grabar lo que parece que será algún

día un ciclo Gesualdo.
C.C.- Sí, queremos que lo sea. Tenemos con el sello Glossa el proyecto de
grabar todos los Libros de madrigales de Gesualdo da Venosa. Ya tenemos el
Cuarto y el Quinto. En unos años completaremos todo.

Les Muffatti y Van Heyghen dedican un monográfico a Georg Muffat, en RAMËE

Tributo y síntesis

P
ublicada en Salzburgo en 1682, la colección de cinco sonatas del Armonico Tributo no era sólo la
primera edición impresa de Georg Muffat, sino que venía a representar una síntesis de los aprendizajes
acumulados durante las estancias del compositor en la Francia de Lully, la propia corte salzburguesa,
donde trabajaba Biber, y la Roma de Corelli, en cuyo entorno seguramente inició Muffat la composición de
unas obras que adoptan la forma del concerto grosso, género que se encontraba en plena efervescencia en
la capital pontificia en los años 70 y 80.
El Armonico Tributo ha conocido menos grabaciones completas de las que pudiera pensarse (esta es la
cuarta que conozco) y hasta ahora ninguna (ni siquiera la del gran Gunar Letzbor para Symphonia) había sido por completo satisfactoria,
lo cual puede terminar siendo una explicación de la misma escasez de registros, y es que la densidad de texturas de esta música complica
notablemente la tarea de los intérpretes. Posiblemente sea ésta, que presenta un conjunto con un nombre tan muffatiano, la más redonda
y homogénea, la que consigue una más radiante claridad de líneas y un equilibrio más exquisito y depurado. Con la peculiaridad de que
Peter Van Heyghem dirige desde un podio y no desde el primer violín o el teclado, como suele ser habitual en conjuntos de estas
características, Les Muffati obtienen una sonoridad límpida y elegante, amplia y nítida, que alcanza a ser muy sugerente y expresiva en
la extraordinaria Passagaglia que cierra la colección, que, ella sí, se ha hecho justamente célebre.

P.J.V.
GEORG MUFFAT (1653-1704): Armonico tributo (Cinco sonatas de cámara al estilo concerto grosso) / Les Muffatti. Dir.: Peter van Heyghen / RAMÉE / Ref.: RAM 0502 (1 CD)
D2

(8)
 Dos nuevos volúmenes de la integral de Cantatas de Bach por John Eliot Gardiner

Siguiendo el arroyo... hacia la plenitud

C uando, a fines de 1999, John Eliot Gardiner presentó al

público las motivaciones del monumental peregrinaje por
la música religiosa de Bach que realizaría con su orquesta y
coro a lo largo del año 2000, expuso varias reflexiones de las
cuales destacaría aquí dos. La primera es que siendo Bach uno de
los más grandes compositores que han caminado por nuestro
planeta y suponiendo el corpus de
cantatas conservadas más del
cincuenta por ciento de su producción,
resulta incomprensible que desde su
creación este repertorio haya sido tan
marginado: «¡Desconocemos casi todo
de más de la mitad de su música!»
decía Gardiner en lo que era una
declaración de principios.
Por otro lado, el director inglés
especulaba con el
futurible de un Bach dirigiendo sus pasos hacia
Hamburgo, o Dresde, en vez de hacia la pequeña
ciudad de Leipzig. «La historia tendría hoy 20 o 30
óperas italianas más, verdaderamente únicas y
maravillosas, que hubieran condicionado a otros
autores posteriores: por ejemplo, la música de
Mozart, a buen seguro, se habría visto alterada». No
lo hizo y Bach trabajó los últimos 28 años en
Leipzig, realizando una labor funcionarial,
supervisada por una clase política ignorante del
colosal legado que el Kantor de la iglesia de Santo
Tomás estaba edificando semana a semana. Gardiner
concluye entonces que tal sacrificio para el mundo de la ópera fue
indudablemente compensado por sus oratorios, sus pasiones, las
Misas o el Magnificat, y -desde luego- por los dos centenares de
cantatas que se disponía a interpretar y grabar con la mayor
coherencia litúrgica que le permitiera el año de su 250 aniversario.
He aquí los volúmenes 19 y 21, nuevamente dobles, de esta
serie, con trece nuevas cantatas más y un impagable «extra» que,
a buen seguro, celebrarán todos los seguidores de la música coral:
una nueva versión del motete «Jesu meine Freude» BWV 227 (obra
que ya grabara junto con el resto de motetes hace 26 años para el
sello Erato).
Para Gardiner, la grabación de las cantatas correspondientes a
la Quincuagésima (esto es, el domingo anterior al comienzo de la
Cuaresma, en la liturgia preconciliar), tuvo una significación
especial, ya que ese día en 2000 cayó precisamente el 5 de marzo,
fecha en la que, treinta y seis años antes, él dirigió por primera vez
al Coro Monteverdi, agrupación que nació aquella noche. Por este
motivo este concierto se ha realizó en la Capilla del King’s College,
con la colaboración de los coros colegiales. El volumen 21 se
completa con cantatas para la
Anunciación (la fabulosa «Himmels-
könig, sei willkommen» BWV 182),
festividad que en 1714 coincidió con el
Domingo de Ramos (BWV 54), así
como la destinada al tercer domingo de
Cuaresma (Oculi). Por su parte, el
volumen 19 se compone de cantatas
para el segundo y cuarto domingo
después de la Epifanía, con el añadido
de la BWV 26, para el vigésimocuarto
después de la Trinidad y
el antes mencionado
motete BWV 227.
Las interpretaciones, nuevamente, fulgurantes,
fortalecidas por un poderosísimo bajo continuo,
como nunca se había escuchado en las versiones
historicistas (clave + órgano -construido
específicamente para esta gira- con varios registros
en funcionamiento, más propios de un papel solista,
además de la cuerda, claro está, y el eventual fagot).
Las voces solistas están insertas en el coro, aunque
que cuando han de actuar poco tienen de
«anónimas». Coro y orquesta son, como no podía
ser menos, un deleite para cualquier oído.
Dos nuevos peldaños en la escalada hacia el más ambicioso
proyecto bachiano concebido para el disco, y que ningún
aficionado debería perdonarse.
Caronte
JOHANN SEBASTIAN BACH: Cantatas Vol. 19: BWV 15. 3, 13, 26, 81, 14 & 227 /
Joanne Lunn & Katharine Fuge, sopranos. Richard Wyn Roberts & William Towers,
altos. Julian Podger & Paul Agnew, tenores. Gerald Finley & Peter Harvey, bajos / The
Monteverdi Choir. The English Baroque Soloists. Dir.: John Eliot Gardiner / SOLI DEO
GLORIA / Ref.: SDG 115 (2 CD) D2 x 2
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Cantatas Vol. 21: BWV 22, 23, 127, 159,
182, 54 & 1 / Ruth Holton, Malin Hartelius, sopranos. Claudia Schubert & Nathalie
Stutzmann, altos. James Oxley & James Gilchrist, tenores. Peter Harvey, bajo / The
Monteverdi Choir. The English Baroque Soloists. Dir.: John Eliot Gardiner / SOLI DEO
GLORIA / Ref.: SDG 118 (2 CD) D2 x 2

Battalia!: ARTS y el Grupo Tibicenes proponen una sorprendente reconstrucción de una batalla barroca

Trompetas y arcabuces

T
rompas y trompetas, pífanos, trombones y tambores constituyeron durante los siglos XVI y XVII las más estruendosas
formaciones instrumentales, capaces de oírse a varios kilómetros a la redonda. De eso se
trataba precisamente, de hacerse oír cuanto más mejor, unas veces por encima del fragor de
las batallas y otras sobre el tumulto de las festividades populares o de las ceremonias reales; tan
habitual se consideraba este tipo de agrupaciones que sus composiciones darían incluso lugar a un
género vocal e instrumental, la «Bataille». Es este curioso repertorio el que ha recuperado, tras
arduas investigaciones, el conjunto italiano Tibicines, dirigido por el imaginativo Igino Conforzi. De
este modo, se reúnen en Battalia! sonoras composiciones para metales de autores como Girolamo
Fantini, Cesare Bendinelli, Tielman Susato, Donino Garsi, o de otros más conocidos, entre los que
descollan Pierre Attaignant, Orlando di Lasso o Michael Praetorius. Si bien tales piezas fueron
compuestas en ocasiones como música de circunstancias, muchas veces eran adaptación de canciones o
danzas populares que, con instrumentación cambiada, resultaban susceptibles de utilizarse con usos
públicos. En algunas de las obras aquí incluidas hay por lo demás participación de cantantes, que con
acompañamiento de órgano nos informan del carácter más sereno y calmado de algunas ceremonias civiles
o religiosas, como es el caso por ejemplo del precioso himno de Lasso Fit porta Christi pervia.
Claro que si lo que el oyente busca es estrépito y alboroto se recomienda ir directamente al último corte
del disco, Batalla barroca, donde los integrantes de Tibiciades se ocupan de dar ilustración sonora a una escaramuza, con las trompetas y
los tambores apenas audibles entre las detonaciones de arcabuces, cañonazos, entrechocar de espadas, relinchos y griterío general: en las
notas se nos asegura que todos los sonidos militares han sido producidos por fieles copias de armas del período, impensable vuelta de
tuerca al concepto «interpretación con instrumentos de época», incapaz a estas alturas de sorprender a nadie.

Norberto Tauste
BATTALIA!: Música de Batalla barroca para agrupación de trompetas: Obras de Fantini, Attaignant, Bendinelli, Susato, Gastoldi, Garsi, Praetorius & Di Lasso / Tibicenes. Dir.:
Ignino Conforzi / ARTS / Ref.: 47666-8 (1 SACD) D2
(9)
 Conciertos para piano del salzburges por Moravec Quintetos para clarinete y trompa
Un grande del teclado Mozart por el Kuijken String Quartet

C
on seguridad, Mozart es el autor que, en la

historia de la música, cultivó con mayor acierto
todos los géneros musicales y en todos produjo
obras maestras. Pero es en el Concierto con piano
donde el número de éstas es mayor. Realmente, la
docena de Conciertos que, a partir del número 16
K.451 se extiende hasta el número 27, K.595 -a los
que se ha de añadir el número 9, K.271, escrito con
apenas 20 años- solo tiene el paralelo posible de la colección
beethoveniana. El disco que reedita Supraphon, aprovechando el 250
aniversario del nacimiento del salzburgués, es una introducción
perfecta a este mágico mundo mozar-
tiano, con el bello Concierto nº 14, K.449
como pórtico a los dos espléndidos K.488
en la mayor y K.503 en do mayor,
números 23 y 25 de la colección.
La personalidad de Ivan Moravec (Praga,
1930) ya ha sido glosada en las páginas de
este Boletín (abril 2002 y 2004). Se trata
de uno de los grandes artistas actuales del
teclado que, si no goza de más fama, es
por la propia voluntad de conducir su
carrera -que dura ya casi medio siglo- por
vías estrictamente musicales, al margen
del «marketing» y de las multinacionales del disco. Cada obra que
incorpora a su repertorio es el fruto de un estudio profundo de
muchos meses, con el inconveniente para sus admiradores de una
discografía reducida y la ventaja de que todo lo que Moravec graba
tiene la absoluta garantía de ser un trabajo serio, profundo y de
óptima calidad.
Así ocurre en estos conciertos, que Moravec registró hace ya más
de treinta años con dos Orquestas, la de Cámara Checa y la
Filarmónica Checa, bajo la dirección atenta, vital, bien contrastada,
de Josef Vlach, artista que bien merece unas líneas que la carpetilla
del CD le niega. Nacido en 1923 en Checoslovaquia, estudió violín
en el Conservatorio de Praga con Novak y Micka. En 1950 fundó el
Cuarteto Vlach y en 1959 asumió la dirección de la Orquesta de
Cámara Checa con la que ha grabado, además de estos conciertos,
las serenatas de Dvorak y Chaikovsky y otras obras de autores checos,
de Mozart, Britten y Stravinsky. Se trata de un músico de calidad y un
director más que estimable, como demuestra en su vigorosa y atenta
colaboración en el Concierto K.503, al frente de la Filarmónica
Checa.
Respecto de Moravec, su expresividad pudorosa y profunda
(Adagio del K.488), su vitalidad contagiosa (todo el K.503) y su
delicadeza obran maravillas y convierten estas versiones en
absolutamente competitivas, dentro de un enfoque tradicional (como
los de Barenboim, Brendel o Perahia) y muy recomendable. Las
tomas sonoras, realizadas en la Sala Rudolfinum de Praga, son
excelentes.
Roberto Andrade
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Conciertos para piano nos. 14, 23 & 25
/ Ivan Moravec, piano / Czech Chamber Orchestra. Czech Philharmonic Orchestra. Dir.:
Josef Vlach (Grabaciones de 1973-74) / SUPRAPHON / Ref.: SU 3809-2 (1 CD) D6
T
ras su interesantísima e inesperada irrupción en el mundo
del disco con una versión para cuarteto de cuerdas del
Requiem de Mozart, vuelve el
conjunto liderado por Sigiswald
Kuijken al compositor salzburgués,
y lo hace con un registro de tres de
las obras de cámara con
participación de instrumentos de
viento más populares del
repertorio. El Quinteto para
clarinete nació como producto de
la amistad de Mozart con el
clarinetista bohemio Anton Stadler
y con el constructor de instru-
mentos vienés Theodor Lotz, quien,
estimulado por Stadler, un
enamorado del registro grave del clarinete, había llegado a una
fusión singular entre el clarinete y el corno di bassetto, dando
vida a un híbrido (el clarinete di bassetto) para el que Mozart
escribiría no sólo el Quinteto (1789) sino su aún más célebre
Concierto (1791). El Quinteto para trompa (una rareza, por el
empleo de dos violas en lugar de los dos tradicionales violines)
fue escrito seguramente a finales de 1782, en el tiempo en que
Mozart compuso también sus cuatro conciertos para el
instrumento, destinado todo ello a su amigo y gran virtuoso
Ignaz Leutgeb. Algo más antiguo es el Cuarteto para oboe
(1781), dedicado a Friedrich Ramm, primer oboe de la orquesta
del Príncipe Elector de Baviera, que Mozart había conocido en
Mannheim en 1777.
Es aún reciente la tradición de ofrecer estas obras con
instrumental y criterios de época, aunque existen ya algunas
versiones discográficas de notable interés, como las de
L’Archibudelli (Sony) para el KV 581, las del conjunto Aston
Magna (Harmonia Mundi) para el KV 581 y el KV 407, las del
Cuarteto Artaria (Harmonia Mundi) para el KV 370 o las de la
Academy of Ancient Music (L’Oiseau-Lyre) para las tres obras.
Es justo esta antigua referencia (casi imposible de encontrar hoy)
la que viene a renovar la nueva grabación del Cuarteto Kuijken,
que aporta, con respecto a ella, una más pura sonoridad (el
oboe de Beaugiraud es un prodigio de delicadeza y tersura; el
registro grave de Coppola es de una dulzura que habría
enamorado al mismísimo Stadler), una transparencia aún más
cristalina y una teatralidad más vigorosa, de contrastes más
descarnados y vibrantes, sin que por ello se merme un ápice la
poesía y el refinamiento mozartianos, que parecen tocados (ese
ingrávido Larghetto del KV 581) por la gracia de las musas.
P.J.V.
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Quinteto para clarinete en La
Mayor KV 581; Quinteto para trompa en Mi bemol Mayor KV 407; Cuarteto para
oboe en Fa Mayor KV 370 / Lorenzo Coppola, clarinete. Pierre-Yves Madeuf,
trompa. Patrick Beaugiraud, oboe / The Kuijken String Quartet / CHALLENGE /
Ref.: CC SACD 72145 (1 CD) D1

La música de cámara de Friedrich Hartmann Graf, en GLOBE

Va de flautas

L
a generosidad del olvido ha dejado a la sombra de los grandes maestros como Haydn y Mozart a nombres
que, recuperados hoy, nos demuestran su seducción y su pericia. Tal es el caso de Friedrich Hartmann Graf
(1727-1795), cuya actuación como maestro de capilla en diversas cortes alemanas se combinó con la
organización de conciertos públicos, lo cual implicaba no sólo concentrar instrumentistas sino reunir a escuchas,
montar programas y escribir para diversidad de formatos y dispositivos.
En el caso, Graf destacó en su calidad de flautista y buena prueba de ello es este compacto, donde la flauta
protagoniza en variables combinaciones y actitudes, con otra compañera y acolchada por los arcos o por otros aerófonos. En pleno estilo
galante, Graf se las ingenia para ir de la intimidad estricta de la música de cámara al pequeño conjunto que afecta la rotunda sonoridad
de una orquesta de bolsillo. Graf dominaba la escritura flautística a la perfección y supo redactar tanto para el aficionado casero como
para el virtuoso de corte y teatro. En todos los ejemplos, la precisión de la forma y la eficacia de la escritura están garantizadas.

Blas Matamoro
FRIEDRICH HARTMANN GRAF (1727-1795): Out of the Shadow of the Masters (Música de cámara para flauta) / Ensemble Schönbrunn / GLOBE / Ref.: GLO 5212 (1 CD) D2

( 10 )
Savall celebra el año Mozart con un antológico trabajo centrado en sus serenatas

Por todo lo alto

P ese al aluvión de novedades, reediciones, colecciones y todo
tipo de iniciativas que amenazan ya, pese a no haber hecho
más que comenzar el aniversario, con la temida saturación,
cabía esperar que la aportación de Jordi Savall y sus conjuntos al
Año Mozart fuese original, distinta, ajena a los caminos trillados.
Pues bien, después de escuchar el sorprendente regalo mozartiano
que el músico catalán, al frente de Le Concert des Nations y de un
lujoso plantel de solistas, acaba de hacernos a todos los que
tememos que la figura del gran Amadeus acabe resultando indigesta
tras la aparatosa maquinaria del voraz mercado, hay que
descubrirse una vez más y reconocer que no hay que tener miedo a
repetirse cuando se cuenta con una voz inconfundible y con una
imaginación capaz de renovar cualquier propuesta y de arrojar luz
nueva a lo que tantas veces antes ha sido iluminado.
Savall ha decidido con buen criterio centrarse en un repertorio
tan popular como desconocido, el de las serenatas, y más
específicamente el de las serenatas nocturnas, esas piezas cuya
denominación proviene simplemente del hecho de que eran escritas
para veladas vespertinas, pero cuyo carácter solía ser ligero, liviano
y desenfadado. Música para amenizar fiestas y reuniones , música
de fondo en muchos casos, con los instrumentistas -cuerdas sobre
todo, con algunos añadidos de metal y percusión- desplegándose en
pequeñas orquestas por distintos lugares de la pieza en que se
desarrollaba la reunión, en una especie de estéreo avant la lettre que
debía producir, qué duda cabe, un efecto envolvente y embriagador
en todos aquellos afortunados ciudadanos que pululaban entonces
por los perfumados salones rococó de la aristocracia y la burguesía
prerrevolucionarias. Dos de las piezas que incluye el programa, la
célebre Serenata Notturna KV239 y el Notturno KV286, son obras
escritas por Mozart durante su último período en su ciudad natal,
Salzburgo, poco antes de su huída definitiva del opresivo yugo del
Arzobispo Colloredo y de su padre Leopoldo, para instalarse
definitivamente en la cosmopolita Viena, donde pretendía ganarse
la vida como músico independiente. Las dos son piezas de
circunstancias en las que, sobre todo en la primera, el genio de
Mozart logra trascender los propios límites del género, creando
diseños melódicos de inmediato efecto que todavía hoy seducen
por su frescura, por su amable combinación de gracia, elegancia y
picardía y por el suave virtuosismo que emana de los ágiles y
elocuentes diálogos entre los instrumentos solistas. La tercera de las
serenatas pertenece ya al período de plenitud, y no es otra que la
archipopular Pequeña música nocturna (Eine kleine Nachtmusik
KV525), cuyo comienzo figura probablemente en la lista de las
cinco melodías más populares de todos los tiempos, lo que en
verdad es un handicap para una obra que merece la escucha atenta
y minuciosa de sus cuatro movimientos, y que en sí misma es una
sinfonía perfecta y sutil que no se agota ni mucho menos tras sus
primeros compases, sino que por el contrario ofrece al oyente todo
un mapa anímico sembrado de sentimientos contrastados, que van
de la euforia a la melancolía, de la confidencia al júbilo, gracias a
un maravilloso juego de transiciones que nadie como Mozart, ni
antes ni después, supo manejar con semejante inspiración.
Claro está que, para que estas músicas sigan reclamando nuestra
atención y obteniendo nuestra incondicional entrega, necesitan de
músicos que den con la clave de bóveda de su estilo, ni demasiado
ligero ni demasiado pesado, pues su relación de fuerzas se acaba
siempre resolviendo en un justo «término medio» que es la razón de
ser del llamado estilo galante, al que sin duda se adscriben. Savall y
los suyos lo entienden a la perfección, y su genio artístico, así como
la sincera devoción que emana de su fascinante aproximación a
estas piezas, nos revelan al Mozart más «mozartiano» que hemos
escuchado en mucho tiempo. La humildad nace del genio, y solo un
espíritu genial y una infalible intuición como los del director y
violagambista catalán pueden
acercarse a esta música de una
manera en la que finalmente sea
el gran Amadeus el que brille;
Savall logra transfigurar a todos y
cada uno de los músicos, desde
el primer solista al último de los
componentes de esa prodigiosa
formación que sigue siendo Le
Concert des Nations, en
pequeños Mozart cuya única misión parece ser el mostrar el júbilo,
la generosidad y esa vitalidad serena y amable que desprenden los
pentagramas del salzburgués. Savall recurre a tiempos vivos, ágiles,
frasea con la elegancia del que conversa con los sonidos y se sirve
de ellos para matizar sin imponer, evita cualquier estridencia o
cualquier contraste abrupto, y así la música fluye y discurre sin casi
ser sentida, como debía suceder en esos salones a los que antes
aludíamos, siendo a la vez un placer sensorial y físico, y no un
torneo entre virtuosos. Vasta escuchar los refinadísimos diálogos
entre los dos violines o la rotunda y a la vez matizadísima
intervención de la percusión (qué grande sigue siendo Pedro
Estevan) con la que concluye la Serenata Notturna para darse cuenta
de que aquí lo que prima es el arte de la transición, las pequeñas
inflexiones, los giros inesperados y las medias voces que hacen de
esta música un diálogo sobre el diálogo.
Pero lo mejor viene al final, pues Savall decide cerrar el
compacto/homenaje ni más ni menos que con la Broma musical
(Ein musikalischer Spass KV522), ese grandioso ejercicio de
metalenguaje en el que el más grande de los músicos decide, por su
cuenta y riesgo y para correrse una juerga a mayor gloria de todos
los chapuceros que en el mundo han sido, componer una pieza de
música mala, o peor que mala, trivial, insignificante, torpe y
desatinada. Hay que ser un gran genio para llevar a buen puerto tal
proyecto, y no hace falta imaginar los esfuerzos de todo un Mozart
por componer música mediocre (pues en él tal cosa debía ser tan
antinatural como si, de pronto, le pidiesen que hablase en chino)
para no llegar a la conclusión de que, pese a lo paradójico que
pueda parecer, nos encontramos ante una de las joyas absolutas del
catálogo mozartiano. Pero, atención: hay que llamarse Jordi Savall,
Pablo Valetti, Manfredo Kraemer, Bruno Cocset o Angelo Bartoletti,
para sacar el máximo partido de este auténtico y genial disparate.
¿El mejor músico componiendo la peor de las músicas, los mejores
instrumentistas abandonándose al insólito ejercicio de desafinar,
reiterar, languidecer, desatinar...? Estamos, que nadie lo dude, ante
un magistral y desopilante juego musical que nadie debería
perderse, pues resulta a la vez instructivo y desternillante,
iluminador y profundamente cachondo. Entre una gran cantidad de
«catástrofes» sonoras, mencionemos sólo ese delirante Menuetto en
donde las trompas parecen perder todo decoro y, temblorosas, caer
en manos de la más ebria disonancia; en este caso, el buen hacer en
su «mal hacer» de Thomas Müller y Javier Bonet, felizmente
incorporados al mágico equipo aquí reunido por Savall, logran
arrancarnos la carcajada en el momento justo, allí donde Mozart lo
había previsto con exactitud de geómetra. ¿Qué mejor homenaje se
le puede brindar al gran autor que desaparecer tras él, fundirse en
él, ser él? Savall y sus huestes lo logran, y nunca se lo
agradeceremos bastante.
Stephanie Marshall
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Serenata en Re Mayor KV. 239
Serenata Nocturna; Serenata en Sol Mayor, KV. 525 Eine kleine Nachtmusik (Una
pequeña melodía nocturna); Nocturno en Re Mayor para cuatro orquestas, KV. 286;
Una broma musical, KV. 522 / Les Concerts des Nations. Dir.: Jordi Savall / ALIA VOX
/ Ref.: AV 9846 (1 CD) D2

E l fantástico trabajo realizado por Jordi Savall,

Montserrat Figueras y sus conjuntos como homenaje
al Quijote en su 400 aniversario acaba de cosechar el
DON QUIJOTE DE LA MANCHA:
Romances y Música. Obras musicales de
Luys de Narváez, Luys Milán, Juan Vasquez,
Francisco Guerrero, Alonso Mudarra y
que probablemente sea el más preciado galardón al que puede aspirar una compositores anónimos. Romances
grabación de música clásica, el premio al Mejor Disco del Año de los anónimos. Recitaciones de fragmentos de
Don Quijote de la Mancha / Jesús Fuente,
prestigiosos Cannes Classical Awards, cuyo jurado está compuesto por la flor y Francisco Rojas & Josep Piera, recitantes.
nata de la prensa especializada del mundo. Con ello se reconoce un esfuerzo Montserrat Figueras, soprano. Begoña
Olavide, psalterio. Andrew Lawrence-King,
titánico que trasciende lo puramente musical y aproxima, en feliz síntesis, arpa barroca. Xavier Díaz-Latorre, vihuela
literatura, arte, música e historia, llevado a cabo con un extremo rigor no reñido de mano, guitarra. Arianna Savall, arpa
doppia / Hespèrion XXI. La Capella Reial de
con la más desbordante y fértil imaginación. Desde aquí una gran enhorabuena Catalunya. Dir.: Jordi Savall / ALIA VOX /
a todos aquellos que han participado en este suntuoso, monumental e Ref.: AVSA 9843 (2 SACD + Libro) P.V.P.:
imprescindible proyecto. 34,95 euros.-

( 11 )
Obras para clarinete de un gran contemporáneo de Amadeus

Las lecciones de Hoffmeister

E
n alemán, Hoff-Meister significa, literalmente, maestro de corte. Es un cargo asimilable al mayordomo, al
que señorea en los servicios cortesanos, un personaje sin el cual nada funciona en palacio. Pero maestro
es, por sí mismo, lo magistral, el dueño de una maestría. Escuchando estas obras de Franz Anton
Hoffmeister se advierte que los nombres pueden ser ajenos al azar y coincidir con la persona designada. No
es el caso de Matamoro, pero sigamos adelante.
Aparte de la concisión formal, propia del Setecientos, estas páginas tienen el valor añadido de privilegiar
el clarinete, un instrumento de relleno que, con Mozart y nuestro hombre de hoy, dio un salto considerable
hacia el mundo del virtuosismo. En buena medida, ello se debió al brillo instrumental de Anton Stadler y su hermano, a quienes se
dedicaron algunas de las canónicas partituras de la especialidad.
Hoffmeister no empalidece al compararse con Mozart, porque su escritura es de una justeza completa y sus ideas melódicas, de
excelente cantera. Los momentos de traca están distribuidos sabiamente, de modo que no apabullen al escucha y se dejen destacar con
conveniencia. Donde mejor se aprecia la astucia de Hoffmeister es en las dos obras para doble clarinete, porque resulta difícil alternar
armónicamente, de manera que no salgan redundantes ni monótonos de timbre, dos instrumentos iguales. El compositor se vale de
contrapuntos, ecos y notas dobles correctamente armonizadas, para darnos a oír el dúo de los gemelos que no por llevarse bien quieren
ser confundidos a la hora de darse nombre.
B.M.
FRANZ ANTON HOFFMEISTER (1754-1812): Concierto para clarinete y orquesta en Si Mayor; Sinfonía concertante No. 1 en Mi bemol Mayor; Sinfonía concertante No. 2 en
Mi bemol Mayor / Dieter Klöcker, clarinete. Giuseppe Porgo, clarinete II / Südwestdeutches Kammerochester Pforzheim. Dir.: Johannes Moesus / ORFEO / Ref.: C622051A (1
CD) D2

Inédito absoluto en TAHRA: Le Nozze de Figaro

en manos del Pope wagneriano

Las bodas de «Kna» VINCENZO BELLINI (1801-1835):

Norma / Dimitra Theodossiou, Nidia
Palacios, Carlo Ventre, Riccardo
Zanellato / Orchestra e Coro del Teatro

K
nappertsbusch es propenso a la hibernación. Los lectores de este Massimo Bellini di Catania Dir.:
boletín -me cuesta seguir llamándolo hoja parroquial- recordarán Giuliano Carella. Director de escena:
Walter Pagliaro / DYNAMIC / Ref.:
que hace unos años hubo unos «Maestros congelados», que por un CDS 33493 (2 DVD, con subtítulos en
error de edición presentaba una fuerte distorsión en la primera escena del castellano , DTS 5.1 LPCM Stereo) D2
x2
primer acto. No se distribuyeron hasta pasado
bastante tiempo, ante la importancia del
documento (Bayreuth 1960) y abandonada
toda esperanza de que los responsables de
Golden Melodram subsanasen el error. Tahra
ha tardado mucho en editar estas Bodas, cuya
existencia conocía desde hace años, y que el RICHARD STRAUSS (1864-
sello francés ha retenido, indeciso, hasta 1949): Daphne / Anderson,
ahora, debido a la pérdida de dos números del Saccà, Scott Mac Allister,
Williams, Remmert, Eberle,
cuarto acto y parte de la escena final. Estamos Ferrari, Accolla, Pedrini,
ante un ejemplo paradigmático de documento Odenweller, Wiedmann /
Orchestra e Coro del Teatro la
histórico. En octubre de 1940, cinco meses Fenice di Venezia. Emanuela
después de la invasión de Holanda, «Kna» di Pietro, dirección coral.
dirigía en La Haya estas Bodas, cantadas en alemán, con la Filarmónica Stefan Anton Reck, dirección
(Grabación en directo,
de Viena y un grupo de cantantes vinculados a la Staatsoper de la capital Venecia, Junio de 2005) /
austríaca. Los micrófonos de la Radio Holandesa KRO registraron la DYNAMIC / Ref.: CDS 499/1-
2 (2 CD) D2 x 2
función del día 15, con un sonido irregular, en ocasiones con una nitidez
y una presencia, especialmente de las voces, pasmosa para la fecha.
Seguramente las funciones se dieron sin ensayos, de ahí la abundancia
de desajustes entre el foso y la escena. Del elenco destacan el Almaviva
de Alfred Poell, recién incorporado a la compañía, y la Condesa, muy GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Aida
aplaudida, de Maria Reining, de opulentos medios. Quince años antes de / Antonietta Stella, soprano (Aida);
participar en la mítica grabación de Erich Kleiber, Poell ya mostraba su Franco Corelli, tenor (Radamès);
Fedora Barbieri, mezzosoprano
clase y su entendimiento de la parte y del estilo. El Fígaro de Schöffler, (Amneris); Anselmo Colzani,
Conde plausible con Furtwängler -también en alemán-, es tosco, vulgar, barítono (Amonasro); Mario Petri,
bajo (Ramfis) (Grabación en directo,
y aparentemente con problemas vocales. Al final de «Will einst das Teatro San Carlo, Nápoles,
Gräflein» («Se vuol ballare signor Contino»), en el fa sobre «ja» («si»), que 24.11.1955) / IDIS / Ref.: IDIS
ataca muy apurado, se le escapa un gallo de antología. De entre los 6476/77 (2 CD) D5 x 2
secundarios, Franz Normann es un Bartolo de cierta entidad. No hay
milagros en estas bodas de «Kna». La grabación, inédita hasta ahora,
documenta su Mozart (uno de los creadores absolutos de lo que el
director denominaba Substanzmusik), del que hay pocos ejemplos. Es el
testimonio del enfoque interpretativo que, a excepción de algunos «pre-
modernos» como Erich Kleiber, Arturo Toscanini y, en menor medida,
Bruno Walter, imperaba en los años 30. Nada que ver con el Mozart
fibroso, puro nervio, histerismo incluso, que hoy se practica. RICHARD STRAUSS (1864-1949):
Arabella / della Casa, Trötschel,
Malaniuk, Uhde, Proebstl,
M.A.G.B. Fehenberger, Klarwein, Hoppe, Peter /
Chor und Orchester der Bayerischen
Staatsoper. Dir.: Rudolf Kempe
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Le Nozze de Figaro (cantado en alemán) / (Grabado en directo en el Royal
Alfred Poell, María Reining. Elisabeth Rutgers, Dora Komarek, Paul Schöffler, Olga Levko- Opera House, Covent Garden el 21 de
Antosch. Wiener Philharmoniker. Dir.: Hans Knappertsbusch (Grabación en directo 15.X.1940 Septiembre de 1953) / TESTAMENT /
en Gebouw voor kunsten en Wetenschappen, La Haya) / TAHRA / Ref.: TAH 573-574 (2 CD) Ref.: SBT 1367 (2 CD) D2 [2 CD al
D6 x 2 precio de 1]

( 12 )
 DYNAMIC publica en DVD la gala que el Teatro Regio dedicó en 2004 al genio de Busseto

Parma siempre con Verdi

L
a ciudad de Parma estuvo siempre muy ligada a Verdi, no en vano el autor de Otello había nacido en esta región
central del norte italiano. María Luisa de Austria, esposa de Napoleón y Duquesa de Parma tras el Congreso de
Viena, impulsó discretamente los primeros estudios musicales del compositor,
por lo que Verdi, agradecido, le dedicó la partitura de I Lombardi. Sus primeras
tentativas, sin éxito, de estrenar una ópera (Rochester) se movieron en torno al Teatro
Ducale de Parma, inaugurado en 1829 con la Zaira de Bellini. De los 22 títulos del
catálogo verdiano dados a conocer en escenarios de Italia ninguno fue ofrecido en
José Cura

primicia en Parma, repartiéndose por otras ciudades de la península de mayor

prestigio o conveniencia: Milán (7 óperas), Venecia (5), Roma (4), Nápoles (2), Trieste
(2), Florencia (1) o Rímini (1). Ello no impidió que Parma se erigiera de alguna
manera en la portadora o defensora de los valores verdianos, orgullosa de su ilustre
hijo. Una muestra más de esta devoción es la tarea emprendida actualmente por el Teatro Regio,
denominación aplicada al Ducale desde 1849 y aún hoy vigente, pese a ser Italia una república (para
compensar un poco se encuentra en la vía Garibaldi). Se trata de celebrar varios conciertos, todos los días
10 de octubre, fecha de nacimiento del compositor allá por 1813, hasta 2008, convocando para ellos a
algunos destacados cantantes capaces de poner en pie fragmentos puntuales del grandioso cosmos
compositivo del maestro. Es un proyecto muy ambicioso, con todo el riesgo y la incertidumbre que este
tipo de actos conlleva. El celebrado el 10 de octubre de 2004 reúne en su mayoría a nombres de la nueva
hornada, capitaneados por ese espléndido barítono que sigue siendo, pese a su madurez, Leo Nucci y
que, dicho sea de paso y adelantando acontecimientos, es el que triunfa sin paliativos a lo largo de la
velada. Bajo la experta, detallada y enérgica batuta de Renato Palumbo, que da a la orquesta un color y
un fuego típicamente verdianos, se instalan en los atriles variados momentos de cinco óperas escritas
inmediatamente antes de esa trilogía llamada romántica y que componen Rigoletto, Trovatore y Traviata. En los fragmentos de Giovanna
D’Arco sobresale la intensidad de la soprano Adriana Damato (contemporáneamente apreciable Gulnara de Il corsaro en el mismo
escenario, representación trasladada asimismo a DVD por Dynamic) que luego se funde en un generoso dúo con el Carlo VII de José
Cura, como de costumbre tan personalísimo de fraseo y con tanto carisma ante el público (para escépticos, el tenor argentino es el más
aplaudido después de Nucci). Personificando a la terrible Odabella y luego como la no menos espinosa Lady Macbeth impresiona la
joven Alessandra Rezza, de medios opulentos (como su físico), timbre de indudables esencias mediterráneas y con algún defecto (la
octava aguda suena algo caída de tono) que el paso del tiempo y la experiencia, esperemos, irá corrigiendo. Nucci es Ezio y luego
Macbeth, dando en ambos casos lecciones de bien estar, mejor hacer y sobre todo de saber cantar. De nuevo Cura impone su
desenvoltura como Foresto, mientras que Riccardo Zanellato interviene correctamente dándole réplicas a la soprano como Attila.
Zanellatto reaparece en Banquo dentro del magnífico concertante del acto I de Macbeth, donde el coro del Regio da cuenta (aquí y en
fragmentos posteriores) de un entusiasmo contagioso, mientras que ahora es Tiziana Fabbricini la fatídica Lady (realmente un derroche,
ya que quien fuera Violetta Valery para Muti y la Cavani no canta nada más). Nucci, de nuevo, impresiona como el Francesco del aria
de I Masnadieri y Cura recuerda que Corrado de Il Corsaro fue uno de los papeles que le permitieron ir dándose a conocer en Italia, en
1996 en Turín, antes de ofrecerlo en concierto en el Liceo barcelonés. La Damato aporta una emocionante lectura del aria de Gulnara,
Non so le tetre immagine, demostrando que tiene en repertorio los dos papeles femeninos de la desigual obra verdiana, puesto que en
las representaciones parmesanas de Il Corsaro, como se dijo unas líneas atrás, ella era Medora. Elena Borin, Vladimir Stoyanov, Luca
Casalin y otros más aportan su colaboración al concierto que transcurre en medio de una excitación que saben reflejar muy bien las
cámaras. Ahora a esperar sucesivas manifestaciones para las que ya se anuncian nombres, entre los más jugosos, los de Plácido Domingo
(¡cómo no!), Scandiuzzi, Marcelo Álvarez, Aquiles Machado, Ruggero Raimondi, la Cedolins, Silvie Valayre, Bruson, Pons, etc. Sí, ahora
a esperar...

Fernando Fraga
GALA VERDI 2004: Oberturas, Arias y Escenas de Giovanna D’Arco, Attila, Macbeth, I Masnadieri & Il Corsaro / Elena Borin, Adriana Damato, Tiziana Fabbricini, Alessandra
Rezza, Valter Borin, Luca Casalin, José Cura, Leo Nucci, Federico Sacchi, Riccardo Zanellato. Orchestra e Coro del Teatro Regio di Parma. Martino Faggiani, dirección coral.
Renato Palumbo, dirección. Lorenzo Arruga, dirección escénica (Grabación en directo, Teatro Regio di Parma. Versión semiescénica) / DYNAMIC / Ref.: CDS 33475 (1 DVD,
con subtítulos en castellano , DTS 5.1 LPCM Stereo) D2 x 2

Retrato vocal de Marian Anderson

H
ay discos que son como el compendio de una vida. En apenas una hora de duración (como en aquellas viejas
películas de la Warner de los años 30 y 40), la cantante Marian Anderson recorre todas sus especialidades,
dando una batida por la selva händeliana, recalando en un aria de Bach, espigando varios lieder (de cuyos
autores privilegia a Schubert), y canciones nórdicas (casi todo es Sibelius), para concluir con más de media
docena de spirituals. En las piezas barrocas (o en Nussbaum de Schumann, por ejemplo), la Anderson nos
muestra una voz de verdadera contralto (no de mezzo), por el infrecuente color oscuro (que aclara a
voluntad), y el espesor de la franja grave, un punto velada. En Schubert esta variedad vocal es muy clara.
Véase, a este efecto, el caso de La Muerte y la doncella, con su alternancia entre lo (casi) aniñado y lo
sombrío. En Sibelius, el coloso blanco, hay instantes en que parece una soprano dramática. Recomiendo
De bägge rosorna y Come away, Death (éste en inglés). En los Espirituales negros rehuye cualquier
clasificación. Cantados en su lengua y a su raza, el acento está puesto en lo expresivo, capítulo en ella
inagotable. Buen acompañamiento general de Kosti Vehanen. Kathleen Ferrier, la otra gran contralto de su
tiempo (y tal vez de otros muchos tiempos), a instancias de la Decca, también confió parte de su vida al
disco. El feliz alumbramiento fueron siete encantadores vinilos. Aquí, un más breve compendio de vida
grabada cabe en un solo CD.

Joaquín Martín de Sagarmínaga

RECITAL DE MARIAN ANDERSON (1897-1993): Arias de Haendel, Bach; lieder de Schubert, Schumann, Brahms, Sibelius; canciones y espirituales. / Marian Anderson
(contralto), Kosti Vehanen (piano). (1936 y 1338) / PREISER / Ref.: 89604 (1 CD) D6

( 13 )
 Las tardes del Wigmore Hall

S
ituado en el 36 de Wigmore Street, en pleno corazón de Londres, el Wigmore Hall es sin lugar a dudas una de las salas
de concierto realmente imprescindibles para entender el desarrollo de la vida musical, no sólo británica, sino mundial de
las últimas décadas. Fundado en 1901, su dedicación al universo de la música de cámara y al recital lírico lo han
convertido en un centro de peregrinación tanto para artistas como para melómanos. Por su pequeño escenario han pasado todos y cada
uno de los grandes cantantes y agrupaciones camerísticas que han forjado la historia de la interpretación clásica y contemporánea
durante el siglo XX. Por todo ello resulta una estupenda noticia la decisión por parte de sus responsables de crear un sello discográfico
dedicado a exhumar los grandes momentos musicales que han ido engrosando sus impresionantes archivos, así como preservar del
olvido los más interesantes conciertos que se siguen llevando a cabo en el centenario edificio. Iniciamos la andadura con sendos recitales
de figuras cimeras del canto de nuestros días, como son sin duda el barítono Thomas Allen y la soprano Felicity Lott. Welcome aboard!

F
elicity Lott nos ha habituado a los melómanos madrileños a

A
quienes nos corresponden ciertas fechas, a veces nos elogian
diciendo: «Qué bien te conservas». Esto me suena a un abrelatas
poniendo al descubierto qué bien se conserva el tomate frito o
el atún en escabeche. Allen ha cumplido los sesenta
y yo no repetiría el tópico. Le diría, mejor: «Qué bien
has madurado, Tommy». Pues tal es la calidad
protagónica en la actualidad de su voz: la madurez,
ese color intenso, sólido, comedido, que tiene la
sazón otoñal de ciertas frutas. A esta natural
condición, adobada por el estudio y la experiencia,
se agrega en Allen un manejo proverbial de varios
elementos que son la esencia del canto camarístico:
dicción neta para propiciar la intención; altura
impecable del sonido; homogeneidad de los registros
(en el caso: un bajo barítono en la intimidad de la cámara); señorío en
la administración del volumen (óiganse los ahilados de Allen, su
aliento infalible y generoso).
Si de preferencias se trata, vaya por delante su Hugo Wolf, todo un
mundo de personajes en miniatura a lo largo de apenas siete títulos. El
arresto con que los recita Allen es sumo. Lo mismo en cuanto a
Beethoven, que puede resultar meramente didáctico si no se lo canta
hurgándole las cosquillas. El resto del menú es inglés y se agradecen
los nombres infrecuentes (Butterworth, Bridge, la alternancia del
recitado a seco, sin música, con la canción) y el elegante
sentimentalismo (todo un lord enternecido) del melodioso Vaughan
Williams.
Malcolm Martineau es un lujo que Sir Thomas se merece. En Wolf
tiene un compromiso de altura: lo cumple y gana.
B.M.
SIR THOMAS ALLEN canta piezas de Beethoven, Wolf, Vaughan Williams, Butterworth y
Bridge / Thomas Allen, barítono. Malcom Martineau, piano. / WIGMORE HALL / Ref.:
WHLIVE 0002 (1 CD) D2
unos singulares conciertos cuyos programas se ordenan en
torno a temas concretos. Pueden
ser las estaciones del año, las horas del
día o, como en el caso presente, una
variedad de mujeres que desfilan, cada
una con su rostro y su estilo, por la
imaginaria pasarela sonora del
concierto. Lott es fina cantante,
exquisita e imaginativa comediante,
culta poliglota, musicalmente des-
tilada, divertida, sentimental, tempera-
mental, pensativa y cuantas más
situaciones se puedan adjudicar a una
dama, según las ocasiones y las
vestimentas ocasionales.
En 26 títulos cabe casi todo el género femenino (¡Ah, los
tiempos en que las mujeres tenían sexo y no género! Pero
seamos políticamente correctos) hay las imprecaciones de
Weill, la ternura matrimonial de Schumann, el arrobo místico
de Fauré, los guiños de Noël Coward, el encanto virgen de
Brahms (de su música, quiero decir), la incitación al refugio de
Heuberger y, y, y… hasta llegar a Oscar Straus, al cual se debe
el título de una opereta que es toda una actitud ante el arte:
Una mujer que sabe lo que quiere. Porque eso es lo que retrata
a la Dame de pies a cabeza: el saber hacer por saber querer.
B.M.
FELICITY LOTT canta lieder de Kurt Weill, Franz Joseph Haydn, Wolfgang
Amadeus Mozart, Robert Schumann, Johannes Brahms, Hugo Wolf, Richard
Strauss, William Walton, Arthur Bliss, Benjamin Britten, Albert Roussel, Gabriel
Fauré, Henri Duparc, Noel Coward, Francis Poulenc, Reynaldo Hahn, Oscar
Straus & Murray Grand / Felicity Lott, soprano. Graham Johnson, piano
(Grabación en directo, Wigmore Hall, 6 de Junio de 2005) / Wigmore may / Ref.:
WHL 0004 (1 CD) D2

Orfeo d’Or publica la gala del 5 de noviembre de 2005

Gran fiesta en la Ópera de Viena

E l 5 de noviembre de 2005, la Staatsoper de Viena conmemoró

los 50 años de su reapertura tras su destrucción en la Segunda
Guerra Mundial. Hace sólo unos meses, ORFEO D’OR
publicaba una amplia selección de los espectáculos ofrecidos en
aquellas primeras semanas, (boletín 144). Ahora, con una admirable
celeridad, la firma alemana ha publicado en su integridad la gala
conmemorativa que tuvo lugar hace tan sólo unos meses, y en la
que se interpretaron fragmentos representativos de seis de los siete
títulos que formaron el cartellone de 1955 (con la única excepción
de Wozzeck). Dicha gala se abrió y se cerró con dos números del
Fidelio beethoveniano, la obertura y el final de la ópera, que
estuvieron al mando del director musical del teatro en la actualidad,
Seiji Ozawa, quien cedió la batuta en el resto de los casos a otros
maestros asimismo muy ligados al coliseo vienés: Zubin Mehta,
Franz Welser-Möst, Christian Thielemann y Daniele Gatti.
El director indio se encargó de dar brío a las páginas del Don
Giovanni, con un arrogante Thomas Hampson como burlador de
Sevilla, bien secundado por Ferruccio Furlanetto como su criado
Leporello. Edita Gruberova hace gala de su apabullante dominio
técnico en una belcantista Donna Anna, y Soile Isokoski es una
Donna Elvira de elegante línea. Isokoski aporta después sus
excelentes maneras al terceto final de El caballero de la rosa,
dirigido con mucho impulso por Christian Thielemann, con las
atractivas Angelika Kirchschlager y Genia Kühmeier como Octavian
y Sophie. Sin dejar a Strauss, Welser-Möst propone el final de La
mujer sin sombra, con el poderoso Emperador de Johan Botha, y
donde Falk Struckmann y Deborah Polaski muestran su veteranía
como pareja de tintoreros, junto a la recién llegada Ricarda Merbeth
como Emperatriz.
El único compositor no germánico fue entonces y también ahora
( 14 )
Giuseppe Verdi con su Aida, llevada
con temperamento por Daniele Gatti.
Escuchamos completo el acto del
Nilo, con una extraordinaria Violeta
Urmana, cada vez más afianzada en
su nuevo repertorio sopranil,
secundada por un aquí algo exótico
Johan Botha y un potente Franz
Grundheber. Y después, uno de los
momentos de mayor temperatura de
la velada, como es la presencia de dos ilustres sexagenarios como
Plácido Domingo y Agnes Baltsa en la escena de los sacerdotes. El
tenor madrileño está sencillamente pletórico, y la mezzo griega
sabe sacar a flote toda su fiereza, manteniendo aún su inconfundible
timbre.
Para terminar, Wagner, con el preludio del acto I, el monólogo de
las lilas (con un estupendo Bryn Terfel como Hans Sachs) y el coro
del acto III de Maestros, expuestos con ímpetu por Thielemann, y el
final de Fidelio, llevado con magnífico pulso por Ozawa, con las
entregadas intervenciones de Polaski, Botha, Struckmann y
Hampson, entre otros, cerrando esta emocionante velada.
Rafael Banús Irusta
50 ANIVERSARIO DE LA REAPERTURA DE LA ÓPERA DE VIENA, 2005: Selección de
Fidelio (Botha, Polaski, Hampson, Struckmann, Ozawa); Don Giovanni (Hampson,
Gruberova, Schade, Isokoski, Furlanetto, Mehta); Aida (Urmana, Krateva, Botha,
Grundheber, Gatti); Die Meistersinger von Nürnberg (Terfel, Thielemann); Der
Rosenkavalier (Isokoski, Kirchschlager, Thielemann); Die Frau ohne Schatten (Botha,
Merbeth, Struckmann, Polaski, Welser-Möst) / Coro y Orquesta de la Ópera de Viena
(Grabación en directo 2005) / ORFEO / Ref.: C672052I (2 CD) D4 x 2
 Sonatas para violín y piano de Mozart, por David Oistrakh y Paul
Badura-Skoda, en un doble CD-DVD ANDANTE
Un amor tardío
L
os comentarios de Gottfried Kraus a este
álbum, un auténtico hallazgo, subrayan
atinadamente que Mozart no fue un autor
central en la carrera de David Oistraj. En particular,
Paul Badura-Skoda
las Sonatas para violín y piano, no destacan en su
discografía hasta los últimos años de su carrera.
Exceptuando unos registros de los años 50 de las
Sonatas K 379 y 454, el legado de Oistraj en esta
parcela de la producción mozartiana se limita de
momento -aunque como, con Richter y Gilels,
siempre puede saltar la sorpresa- a los conciertos
que ofreció, a partir de 1970, con el pianista vienés
Paul Badura- Skoda. En el verano de 1972 tocaron
las Sonatas aquí incluidas K.306, K.454 y K.481, además de las K.377 y
379 y las Variaciones K.360. Felizmente, la Radio Austriaca ORF estuvo
atenta a los eventos musicales de Carintia en aquel verano y hoy podemos
disfrutar de un admirable conjunto
de dúos de violín y piano tomados
en dichas celebraciones estivales.
Concretamente en agosto, en la
Iglesia Stiftskirche, David Oistraj y
Paul Badura-Skoda ofrecieron un
concierto con las encantadoras
Variaciones en K.360, más las tres
Sonatas, K.306, K.454 y K.481. Las
dos últimas citadas forman parte del
grupo de obras maestras para violín
y piano que Mozart escribió en su
madurez (faltaría tan solo la K.526)
y que reciben una interpretación
soberbia por parte de estos dos
grandísimos artistas. No menos
encantadora que esas dos obras
maestras resulta la Sonata K.306 y son una pura delicia las Variaciones
sobre la canción francesa «¡Hèlas, j’ai perdu mon amant».
Nadie osará escatimarle a Badura-Skoda el sobresaliente en el
repertorio mozartiano y la compenetración con Oistraj es perfecta, cosa
que no debe sorprender, porque fue éste quien seleccionó al pianista
austriaco como colaborador en este repertorio tras escucharle unos
recitales en Moscú, 1970. Como bien recordarán los asistentes al Festival
Mozart celebrado en Madrid en 1992, Badura-Skoda tiene no solo un
conocimiento enciclopédico de la obra para piano de Mozart, plasmado
en un magnífico libro, sino también un dominio técnico, una naturalidad
en el fraseo y un «cantabile» de sonido muy bello, que se unen a una
contagiosa comunicatividad.
Nuestro gozo se reduplica al escuchar y ver las mismas obras (excepto
la Sonata K.306) filmadas en el Castillo Klesheim, también en el verano de
1972. Como es previsible, no hay gran diferencia musical de unas
versiones a otras de las Sonatas, pero la imagen nos permite apreciar con
mayor claridad la soberana perfección técnica de Oistraj, con lo que este
DVD se convierte en una impagable clase magistral que los estudiantes de
violín disfrutarán particularmente. La seriedad de su expresión contrasta
con lo animado de su fraseo, siempre vital, desbordante de carácter,
sonriente a veces y siempre de una musicalidad suprema, posiblemente
inigualada si no es por ese otro eximio mozartiano que fue Arthur
Grumiaux. Badura-Skoda, por su parte, posee en este repertorio idénticas
virtudes y el entendimiento entre ambos artistas se adivina fraguado en
largos ensayos; apenas son precisos unos gestos casi imperceptibles para
lograr la unanimidad en alguna entrada o pasaje que así lo requiera.
La filmación es natural, quizá sin especiales méritos del cámara, y la
toma de sonido es buena para el piano aunque un punto metálica para el
violín, pero el oído y la vista se acostumbran pronto y el oyente queda
prendido en la magia de este dúo irrepetible, deseando que el tema del
Rondó de la maravillosa Sonata K.454 haga una enésima reaparición…
Recomendable con el máximo entusiasmo; no se lo pierdan bajo ningún
concepto.
R.A.
OISTRAKH & BADURA-SKODA interpretan WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791):
Sonata para violín y piano en Re Mayor, KV. 306; Sonata para violín y piano en Si bemol Mayor,
KV. 454; Sonata para violín y piano en Mi bemol Mayor, KV 481; Seis variaciones para violín y
piano en Sol menor, KV 360/ David Oistrakh, violín. Paul Badura-Skoda, piano (Esta edición
contiene CD + DVD Video) / ANDANTE / Ref.: AN 2200 (1 CD + 1 DVD) D1
( 15 )
ORFEO destapa una inédita y fulgurante
Séptima de Beethoven por Carlos Kleiber
El director parturiento
V
olver a plasmar con provecho la Séptima sinfonía
de Ludwig van Beethoven, obra tan conocida y en
principio tan asimilada, es tarea para directores de
orquesta que no sepan lo que significa el término rutina.
Y ciertamente Carlos
Kleiber es uno de esos
directores. Detallista
hasta la médula (como
buen novio eterno de
las obras que inter-
preta), la revisión tan
puntillista a la que
somete a las mismas,
ejecutadas una y otra
vez, no deja traslucir el
menor atisbo de fatiga,
inercia o conformismo
por su parte. Y son
buenos ejemplos de
ello, entre un selecto
cortejo de obras -que además nacieron maestras- la
Segunda y Cuarta de Brahms, el Otello verdiano o El
caballero de la rosa de Richard Strauss.
Merece Kleiber pues, medirse con una obra de la
organicidad y riqueza de esta Séptima beethoveniana,
que también se contaba entre sus obras predilectas. La
encara con trazo majestuoso, abarcativo, mostrando
cómo todas sus piezas tienen ente sí un perfecto encaje,
dictado por la férrea relación jerárquica entre unas y
otras. Para ello pone muy en diáfano sus poderosas
estructuras, y lo hace derrochando una sonoridad
orquestal suntuosa y plena, distribuyendo con tiento
infalible el bombeo de sabia rítmica a lo largo de toda la
obra. Ni que decir tiene que lleva a cabo todas estas
tareas con un vigor, y en ocasiones un júbilo, casi
incontenibles.
Carlos Kleiber era un gran sembrador, y aunque no
dejara de ser un músico de vocación precoz, sus mayores
frutos se fueron apreciando con los años. Así, el
Allegretto de esta versión bávara (procedente de una
toma en vivo), es superior al que grabara en estudio seis
años atrás, con la Filarmónica de Viena. Destaca tanto
por un manejo muy hábil, muy sabio, de los hilos del
juego polifónico (con su cristalina exposición de los
sujetos o el perfecto dibujo de los bajos), como por su
modo de construir un crescendo que puede resultar
abrumador. Sin ser nada académico, Kleiber es un gran
expositor, un gran profesor.
También es un epicúreo del sonido y un apolíneo en
la búsqueda (en su caso sin tregua) de las proporciones.
De ahí el magnífico equilibrio del movimiento final que,
sin galopadas ni prisas tontas, no deja de ser una gran
explosión de júbilo por doquiera que se mire. A su
versión de la Séptima, si acaso, sólo le falta cierta
dimensión más transida, más espiritual. Pero digo si
acaso porque ahora nos movemos en el terreno de la más
pura entelequia.
Para salir de él, diremos que la toma sonora, presente
y densa, se acoge a un nuevo sistema de nombre
seductor, con lo que ello conlleve en términos técnicos.
Lo que no se me escapa es su idoneidad para ser
reproducido en un equipo de alta definición y de clase
social alta. Sin embargo, el sistema es lo suficientemente
bueno como para mostrar algunas de sus virtudes en un
tocadiscos de clase media, en el que en realidad he
disfrutado de esta versión.
J.M.S.
LUDWIG VAN BEETHOVEN: Sinfonía Nº 7, Op. 92 / Orquesta del Estado
de Baviera. Dir.: Carlos Kleiber (Grabación en vivo: Munich, 3-5-1982 /
ORFEO / Ref.: C700051B (1 SACD) D3
 Tahra dedica una de sus ediciones de lujo a homenajear a la gran pianista francesa

Las perlas de Marcelle Meyer

M
arcelle Meyer (1897-1958) sigue siendo una de las damas del teclado menos conocidas de la llamada escuela
pianística francesa. A pesar de los extensos volúmenes de Les Introuvables que le dedicó la EMI francesa en
los noventa, las nuevas ediciones de Tahra con varias grabaciones inéditas son ciertamente bienvenidas. Tras
el lanzamiento a comienzos de 2005 de un primer CD que incluía varias grabaciones de Chopin, Debussy y Falla (Tah
564), ahora el sello francés va más allá con una edición de lujo titulada Hommage que incluye una discografía
completa realizada por René Quonten, así como un extenso álbum fotográfico de la artista.
Meyer realizó nada menos que 217 grabaciones entre 1925 y 1958, la mayoría en los años cuarenta y cincuenta
para el sello Les Discophiles français que fue posteriormente absorbido por EMI. Sin embargo, los últimos años de su
vida grabó también para el INA francés, la RAI italiana y la RSR suiza. De hecho, todas las grabaciones aquí incluidas
proceden de cintas y acetatos conservados en los archivos de la Suisse Romande en Ginebra. La calidad sonora monoaural es muy alta,
aunque varía entre el sonido brillante de las grabaciones conservadas en cintas (por ejemplo, las dos primera sonatas de Scarlatti en disco
1, cortes 1-2) y el tono opaco de las que nos han llegado en acetatos (por ejemplo, las dos sonatas siguientes, cortes 3-4) .
Como pianista, Meyer es una clara heredera del característico jeu perlé del pianismo francés, es decir, de ese discurso claro y fluido
donde, según ha definido Charles Timbrell, cada nota «brilla y está perfectamente definida, como cada perla de un collar». Y es que a
juzgar por lo escuchado y por las fotos incluidas en esta edición, Meyer era una gran amante de las perlas, tanto las musicales como las
otras. No hay más que escuchar el primer CD con para comprobarlo. Su sonido en Scarlatti es claro y perfectamente articulado,
consiguiendo un tejido sonoro muy poético, algo incluso más evidente todavía en la fantasía y las sonatas de Mozart, especialmente en
la K. 310.
El segundo CD ahonda todavía más en la personalidad de esta gran dama del teclado, que fue conocida internacionalmente en vida
como gran intérprete de la música pianística francesa de su tiempo. De hecho, trabajó con Debussy y Ravel, y mantuvo una estrecha
relación con Le Groupe des Six (que el famoso cuadro de 1922 de Jacques-Emile Blanche testimonia). Asimismo, en 1948 se estableció
en Roma y colaboró también con los más destacados compositores italianos del momento, como Dallapiccola o Petrassi. Por tanto,
dejando a un lado el registro en directo del Concierto «Emperador» de Beethoven que muestra su poderío sonoro frente a una orquesta,
hay que destacar las grabaciones incluidas de piezas de Chabrier, Debussy, Petrassi, Poulenc y Casella. En ellas puede escucharse la
extraordinaria paleta de sonidos que poseía, su sensibilidad para crear diferentes texturas y su infalible virtuosismo. Constituyen, por
tanto, otro tipo de perlas.

Pablo-L. Rodríguez
MARCELLE MEYER interpreta SCARLATTI: Sonatas L 23, L 401, L 433 & L 449; MOZART: Sonatas KV 310, KV 332 & KV 281; Adagio KV 540 & Fantasie KV 396; BEETHOVEN:
Concierto nº 5, «Emperador»; CHABRIER: Paysage & Menuet pompeux de «Pièces pittoresques»; DEBUSSY: Estudio nº 2 «pour les tierces»; PETRASSI: Toccata; POULENC:
Deux Novelettes; CASELLA: Dos Ricercares sobre el nombre de Bach / Volkmar Andreae, dirección (Grabaciones de 1950-56. El libro incluye discografía completa y fotografías
desconocidas hasta la fecha) / TAHRA / Ref.: TAH 579-580 (2 CD) D6 x 2

El Concierto para violín de Beethoven en manos del gran Jascha Heifetz, en IDIS

En la cima
A
provechando la caducidad en Europa de los derechos de grabación a los 50 años, IDIS continúa
reeditando las que Jascha Heifetz llevó a cabo entre 1935 y 1955. Este nuevo CD acopla las tres
partituras concertantes para violín y orquesta de Beethoven y las completa con el Concierto nº 8 de
Spohr, que gozó de cierto predicamento en su época y hoy día es exclusivamente una obra para
estudiantes de violín avanzados: su dificultad técnica es alta pero superable y formativa. Su atractivo
musical no es grande: todo suena tan correcto como convencional y la musa debió de tomar vacaciones
cuando Spohr escribió este concierto modelado «como una escena de canto»,
según reza su título. La versión de Heifetz tiene escasa competencia en número
y ninguna en calidad interpretativa: ni ha sido igualada ni parece probable que
vaya a serlo nunca.
En las obras de Beethoven, la situación es diferente. De nuevo, en el plano
técnico, la competencia es poco menos que inexistente: creo que solo Oistraj
ha alcanzado una altura análoga en el Concierto, obra traicionera si las hay, LAURENT KORCIA interpreta BÉLA
BARTÓK (1881-1945): Concierto
que plantea al solista, entre otras, constantes dificultades de afinación. No hace para violín nº. 2; Contrastes para
falta decir que éstas no existen ni para Heifetz ni para Oistraj (su mejor versión violín, clarinete y piano; Sonata para
violín solo; Sonata para violín y
es la de Cluytens/EMI). En el aspecto musical cabe, no obstante, considerar a piano No. 1 / Laurent Korcia, violín.
otros artistas (Menuhin, Stern, Perlman, Francescatti) que, acaso sin ser tan Michel Portal, clarinete. Jean-Efflam
absolutamente impecables como Heifetz, ofrecen un primer movimiento más Bavouzet, piano / City of
Birmingham Symphony Orchestra.
relajado de «tempo», que les permite (y también a los oyentes) recrearse más y Dir.: Sakari Oramo / NAIVE / Ref.: V
mejor en la suprema belleza del concierto rey de esta especialidad. Además, todos ellos optan por una de 4991 (2 CD) D1 [2 CD al precio de
1]
las dos cadencias oficiales, Kreisler o Joachim, muy preferibles musicalmente a la que toca Heifetz, que
creo es de su propia cosecha. En el Larghetto, Heifetz está admirable sin la menor reserva y el resultado
es un puro deleite para el oyente. El nivel supremo se mantiene en el final y, en todo momento, la
dirección de Charles Münch a la soberbia Sinfónica de Boston es admirable: coherente con la línea elegida
por el solista, equilibrada y atenta y con la «raza» que ya conocemos por el Beethoven sinfónico que grabó
el director alsaciano. Por parte de Heifetz, son magníficas ambas Romanzas, en especial la Segunda, pero
la dirección de Steinberg no alcanza las excelencias de Walter Susskind en la versión más o menos
coetánea que Heifetz grabó en Londres con la Filarmonía y figura en un CD Testament que comenté en
este Boletín hace ya unos años.
En suma, una publicación muy recomendable para quien desconozca el soberbio Beethoven de
Heifetz.

R.A. PIOTR ILYCH TCHAIKOVSKY

(1840-1893): Sinfonía nº. 5 en Mi
L. van BEETHOVEN: Concierto para violín y orquesta op. 61 (Boston Symphony, Münch, 1955). Dos Romanzas op. 40 y 50 menor, op. 64 / Orchestre National
(O.S.RCA/Steinberg, 1951) SPOHR: Concierto nº 8 (O.S.RCA. Izler Solomon, 1954) / IDIS / IDIS 6475 (1 CD) D5 de France. Dir.: Kurt Masur / NAIVE /
Ref.: V 5040 (1 CD) D1

( 16 )
 TAHRA continúa su celebración del año Mozart con una edición dedicada al gran director alemán Hans Schmidt-Isserstedt,
que incluye un Rapto en el serrallo completo y el Requiem

Mozart sin carbonilla

H
ans Schmidt-Isserstedt (1900-1973) es un
director poco conocido todavía hoy. En
el mundo del disco su nombre se asocia
principalmente como acompañante de voces e
instrumentistas ilustres y sus grabaciones más
destacadas han sido progresivamente sustituidas
dentro de los catálogos de sellos como EMI,
Decca o Philips. Es una pena, porque este
kapellmeister berlinés fue, además de un
interesante director de Haydn y Beethoven, uno de los intérpretes
más refinados de la música de Mozart. El sello Tahra le ha
dedicado previamente dos ediciones centradas en diversos inéditos
de Haydn, Beethoven y Bruckner, entre los que se encuentro una
Novena del compositor de Bonn que fue premiada por la crítica
francesa (Tah 522). Sin embargo, en esta ocasión el sello francés
desembarca en un terreno más propicio para el director berlinés.
Mozart fue el gran amor de Hans Schmidt-Isserstedt durante
toda su vida, una pasión que supo transmitir a su hijo, el famoso
productor discográfico Erik Smith (1931-2004), que sería a su vez
el responsable de la Edición Mozart lanzada por el sello Philips en
1991. El Mozart de Schmidt-Isserstedt se caracteriza por su
equilibrio y transparencia, que hace que todo suene con gran
atractivo y naturalidad. Sin duda, la clave de su apolíneo
acercamiento al salzburgués reside constantemente en la
combinación de elegancia en el fraseo y precisión en la
acentuación, a la vez que en la sutileza y firmeza con la que
acompaña a las voces. Ello le valió el apelativo de «Mozart sin
carbonilla», ya que sus objetivas versiones contribuyeron a liberar
a la música de Mozart de «residuos» románticos del pasado. Y eso
es algo que hizo a partir de sólidos estudios musicológicos que
realizó en la universidad de Berlín y que culminó en 1923 con una
tesis acerca de la influencia italiana en la instrumentación de las
óperas tempranas de Mozart.
Además de un gran mozartiano, Schmidt-Isserstedt fue un gran
entrenador de orquestas. Tras la Segunda Guerra Mundial, y al estar
libre de cualquier vinculación con el nazismo, fundaría la
Sinfónica de la NDR de Hamburgo siguiendo el modelo de la
orquesta de la BBC británica. A esta formación dedicaría
prácticamente el resto de su vida, pues se mantuvo como titular
hasta 1971 y sus dos últimos años de vida fue su director
honorífico. Hoy esta orquesta disfruta de un gran prestigio
internacional, merced a la labor de Günter Wand en los años
ochenta y noventa, y de Christoph von Dohnányi en la actualidad.
Sin embargo, su sonido claro y elegante fue obra de Schmidt-
Isserstedt y lo podemos comprobar ya desde sus primeros años de
vida a través de las grabaciones aquí publicadas por Tahra.
Lo más destacado de este cofre es la grabación de Schmidt-
Isserstedt realizada entre 1954 y 1956 de El rapto en el serrallo, que
se disfruta desde la obertura hasta el famoso coro de los Jenízaros
final, y que resulta superior técnicamente a la anterior de 1946 al
disponer ésta de un sonido monoaural de gran calidad. Tal sólo con
escuchar la obertura uno puede hacerse una idea del Mozart de
Schmidt-Isserstedt, pues aquí el director berlinés hace caminar el
presto inicial de la obertura sin precipitación, aligerando el peso de
la orquestación y ganando en claridad. El tempo, la articulación y
la dinámica son extraordinariamente precisos, tal como podemos
comprobar en el comienzo del andante
que le sigue (disco 1, corte 1, 1’35»),
aunque están perfectamente equilibra-
dos durante toda la ópera. El reparto
vocal funciona perfectamente, si bien
los agudos de Rudolf Schock como
Belmonte resultan un tanto forzados.
Por otro lado, los diálogos son
realizados por actores, aunque no se
incluyen sus nombres en la docu-
mentación del CD.
Las otras dos grabaciones tienen un
sonido monoaural más opaco en comparación con la anterior, pero
atesoran otras dos estupendas interpretaciones mozartianas de
Schmidt-Isserstedt. En el motete para soprano Exultate, Jubilate
escuchamos a la gran mozartiana suiza Maria Stader, aunque con
algunos leves problemas en las terribles vocalizaciones de esta
obra, y en el Requiem el cuarteto de solistas es de excepción
encabezado por la gran Lisa Della Casa.
Tahra presenta las grabaciones de la ópera y del motete de
Mozart como inéditos, aunque olvida que la primera fue publicada
por Relief en 2004, aunque en una remasterización ligeramente de
peor calidad. Otro elemento atractivo de la nueva edición del sello
francés es la inclusión de una discografía completa de Hans
Schmidt-Isserstedt dentro de la libreta interior que, preparada por
Gert Fischer, resulta muy útil a pesar de que no incluya las últimas
ediciones publicadas a partir de 2004 de este maestro.
P.-L.R.
HANS SCHMIDT-ISSERSTEDT dirige WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-
1791): Die Entführung aus dem Serail (El Rapto en el Serrallo), KV 384 / Teresa Stich-
Randall, Emmy Loose, Rudolf Schock, Murray Dickie, etc. / Grabación del 18-24 de
octubre de 1954 / Exsultate, Jubilate, motete para soprano KV 165 / Maria Stader /
Grabación del 14 de mayo de 1953 / Requiem, KV 626 / Lisa Della Casa, Maria von
Ilosvay, Helmut Krebs, Gottlob Frick, Grabación del 31 de marzo de 1952 / NWDR-
Sinfonieorchester. Dir.: Hans Schmidt-Isserstedt / TAHRA / Ref.: TAH 575-577 (3 CD)
D6 x 3

El Cuarteto de Budapest se enfrenta a Shostakovich, Hindemith y Brahms

Nuevo volumen

N
uevo volumen, el 21, de la serie que Bridge dedica a grandes interpretaciones ofrecidas en la
Biblioteca del Congreso de Washington. Como en otras ocasiones, es protagonista el Cuarteto de
Budapest, uno de los grandes del siglo XX, que fue residente en esta institución entre 1940 y 1962.
Recientemente me he referido en este Boletín a su historia y a sus diferentes formaciones. Dos obras de
media hora cada una se reparten este CD. De una parte, el Quinteto con piano Op. 57 de Shostakovich.
Grabado en 1951, once años después de su estreno con el autor al piano y el Cuarteto Beethoven, se trata
de una de sus primeras ejecuciones en Occidente y a cargo -que el nombre del Cuarteto no nos desoriente-
de artistas rusos. Ni la ejecución ni la toma de sonido son impecables, pero la intensidad y la emoción, amén
de la hondísima musicalidad, alcanzan cotas muy altas: la fuga pone literalmente los pelos de punta. Es de justicia destacar la labor del
gran pianista polaco Artur Balsam, colaborador de los mejores violinistas (Milstein, Francescatti, Menuhin, Szymon Goldberg), artista de
primera magnitud.
Volvemos a escuchar a Balsam en una bella versión del Trío de trompa Op. 40 de Brahms, con Jac Gorodetzky (que fue segundo violín
del Budapest a comienzos de los 50) y el excelente trompa estadounidense John Barrows. En la memoria queda la triste cantinela,
bellísima, del «Adagio mesto», en el que Brahms recordó la muerte de su madre. Completa el CD una espléndida versión de la Sonata
para viola y piano de Hindemith op. 11 nº 4, a cargo de Borys Kroyt, suntuoso de sonoridad, y el siempre excelente Artur Balsam.

R.A.
PAUL HINDEMITH (1895-1963): Sonata para viola y piano, op. 1 nº. 4. JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Trío para violín, trompa y piano en Mi bemol Mayor. op. 40. DMITRI
SHOSTAKOVICH (1906-1975): Quinteto para piano y cuerdas en sol menor, op. 57 / The Budapest String Quartet / BRIDGE / Ref.: BRIDGE 9175 (1 CD) D2

( 17 )
 TESTAMENT insiste en el legado discográfico de Otto Klemperer

Beethoven intemporal Magia mahleriana

H
ace más o menos un año y medio, Testament nos ofreció la

D
entro del grupo de directores «históricos» nacidos en el
grabación del reencuentro, en los años 60, de Klemperer con
último cuarto del siglo XIX que conocieron la música de
la Filarmónica de Berlín. Beethoven fue entonces
Mahler de primera mano, destacan, tanto por su
protagonista con su Sinfonía Pastoral y volvió a serlo en esta
excepcional calidad como por la
ocasión con las Sinfonías Cuarta y
importancia de su legado
Quinta, la primera de las cuales nos la
discográfico mahleriano, Bruno
brindaba Andante hace un mes, con
Walter (1875-1962) y Otto
Klemperer frente a la Radio de
Klemperer (1885-1973). Las diferen-
Colonia en 1954. Digamos ya que este
cias de su concepto de la música en
nuevo CD es una gran fiesta musical
general -no solo la de Mahler- son
aun para los no incondicionales de
conocidas, pero en esta Cuarta
Klemperer, enorme artista, desigual en
Sinfonía que hoy nos ocupa hay
sus últimos años, marcados por graves
incluso afinidades sorprendentes.
enfermedades y accidentes; pero que
Cierto que la obra, diáfana de
en todas estas ocasiones a las que me
estructura y optimista en su
refiero dio una lección imperecedera
mensaje, que trata del mundo
de cómo hacer sonar la música de
infantil, pero también de la muerte y
Beethoven.
de la vida celestial -un «collage»
En la fecha de este concierto berlinés, 12 de mayo de 1966,
sorprendente incluso para un músico como Mahler, que defendía
Klemperer tenía ya 81 años y su tendencia a los «tempi» amplios se
que una sinfonía debía contener el mundo entero- no propicia
había acentuado. La comparación de las duraciones de la Cuarta
grandes divergencias de enfoque. Aún así, ese «ritardando»
Sinfonía en Colonia (1954) y Berlín (1966) da una diferencia de
extático en la Coda del primer tiempo y en la del Adagio, o la
cuatro minutos, uno por movimiento, lo que entiendo no beneficia
delicadeza exquisita con que la cuerda frasea este movimiento
a la obra. Además, la mayor potencia de los berlineses produce
parecen proceder más de la batuta de Bruno Walter. En 1955, año
auténticas avalanchas sonoras no del todo idóneas para esta
de este registro, Klemperer tenía ya 70 años pero aún conservaba
Sinfonía. Y pese a ello, el enfoque grave y noble de Klemperer, que
una energía que los problemas de salud que sufrió en 1959 (unas
va directo a la esencia de la música, acentuando los contrastes de
gravísimas quemaduras) quebrantaron muy seriamente. Como
dinámica y articulación, y buscando que todas las líneas orquestales
otras veces he dicho, estamos aun ante un Klemperer «joven»
sean audibles, acaba por ganarnos, aunque la escucha comparada
capaz de obtener buen rendimiento de una Sinfónica de Viena
nos haga añorar el planteamiento más fresco de doce años atrás. En
todavía convaleciente de las heridas de la guerra, que supera con
la Quinta berlinesa los resultados son plenamente convincentes,
mucho esfuerzo las grandes dificultades del segundo tiempo pero
porque la obra admite -y hasta se podría decir que agradece- toda
se desquita -bajo la guía segura e inspirada de la batuta- en el
la carga sonora que aplica Klemperer. El Andante entero y la
bellísimo Adagio o, como lo designa Mahler, «Ruhevoll». La toma
transición al final son momentos realmente inolvidables,
de sonido, aceptable a secas, tampoco contribuye a atenuar las
emocionantes, en una versión atípica pero que resulta un
limitaciones de los Wiener Symphoniker. Pero por encima de
impresionante testimonio de cómo puede sonar la música de
todo, destacan la concepción noble, solemne, equilibrada, el
Beethoven dirigida por un artista grande de verdad a una orquesta
conocimiento profundo y el afecto por una música que, sin duda,
gloriosa como la Filarmónica de Berlín.
significó algo muy especial para el gran Otto Klemperer.
Muy buena toma de la Radio alemana. Un Beethoven de los de
Estupenda contribución de Teresa Stich-Randall, radiante de voz,
antes, pero intemporal. Un gran disco.
en el Lied que cierra la Sinfonía.
R.A.
R.A.
KLEMPERER dirige BEETHOVEN (1770-1827): Sinfonía No. 4 en Si bemol Mayor, op.
60; Sinfonía No. 5 en Do menor, op. 67 / Berliner Philharmoniker. Dir.: Otto Klemperer OTTO KLEMPERER conducts GUSTAV MAHLER (1860-1911): Sinfonía No. 4 en Sol
(Grabación en directo, Berlín 12 de Mayo de 1966) / TESTAMENT / Ref.: SBT 1387 (1 Mayor / Teresa Stich-Randall, soprano / Wiener Symphoniker. Dir.: Otto Klemperer
CD) D2 (Grabación en directo, Viena, 21 de Junio de 1955) / TESTAMENT / SBT 1397 (1 CD)
D2

Regresa el gran violinista Henryk Szeryng dentro de la colección que BRIDGE dedica a los fondos fonográficos
de la Biblioteca de Congreso de Washington

Perfecto equilibrio

H
ace muy poco comentaba en este Boletín el registro de unos conciertos que Henryk Szeryng y Gary
Graffman habían ofrecido en la Biblioteca del Congreso en Washington, en diciembre de 1970 y
1971. Como continuación de aquél, Bridge publica ahora un CD de duración algo más corta pero
de contenido musical aún más hermoso. Szeryng fue, sin disputa posible, uno de los grandes violinistas
del siglo XX por varios motivos: la perfección de su técnica, su gran personalidad musical, su bello sonido
aplicado a un «legato» ejemplar y una amplitud de repertorio realmente enciclopédica. Pero no siempre
en sus registros de estudio o en sus conciertos fluía su arte con la espontaneidad que transforma una
ejecución perfecta en una gran experiencia musical, cosa que sí ocurrió en estos conciertos.
Probablemente la presencia de un colaborador de su talla impulsó a Szeryng a dar lo mejor de sí mismo
en la memorable versión de la Primera Sonata de Schumann Op. 105 aquí incluida, una de las mejores
de la discografía. Desde la bellísima frase inicial, que Szeryng desgrana con precioso sonido y con la
pasión contenida que Schumann pide, todo fluye cálido, espontáneo y emotivo, en perfecto diálogo con el piano. No menos bella es la
Primera Sonata de Brahms (que ya conocíamos gracias al registro RCA que Szeryng realizó con Rubinstein). Versión lírica, cantada de
principio a fin, diáfana en la presentación de la compleja trama melódica, ambos artistas se entregan sin reserva alguna a la causa
brahmsiana y, a más de treinta años de distancia, nos hacen revivir una velada memorable. Primorosas las dos propinas: el delicioso
Andante de la Sonata op. 12 nº 2. de Beethoven y el Rondó de la K.296 de Mozart.

R.A.
HENRYK SZERYNG & GARY GRAFFMAN interpretan Johannes Brahms, Robert Schumann, Ludwig van Beethoven & Wolfgang Amadeus Mozart / Henryk Szeryng, violín. Gary
Graffman, piano (Grabado en el Auditorio Coolidge, Librería del Congreso, Washington, 1970-1971) / BRIDGE / Ref.: BRIDGE 9179 (1 CD) D2

( 18 )
Felix Weingartner y Richard Wetz, protagonistas de sendas ediciones CPO

W&W
Felix Weingartner (1863-1942) y Richard Wetz (1875-1935), claro, de los que CPO ha hecho coincidir en
el mercado dos nuevos lanzamientos que ayudan a profundizar un poco más en la obra de estos -hasta hace
muy poco- ilustres desconocidos. Editadas ya sus tres sinfonías, el Concierto para violín, op 57 y algunas
breves páginas sinfónico-corales, CPO se atreve a hincarle el diente al ambicioso Réquiem en si menor, op.
50 de Wetz, cuyo triunfal estreno en Berlín valió a su autor una nominación para la Academia de las Artes,
después rechazada.
Sorprende el anonimato actual de esta importante página coral del lenguaje decimonónico superviviente
al nuevo siglo. Fechado entre 1923 y 1925 -el libreto olvida mencionarlo-, el Réquiem del músico de
Gleiwitz afincado (o mejor, arrinconado) en Erfurt, capital de Turingia, nos recuerda que por esas fechas en
que la revolución atonal confinaba al baúl de los recuerdos a tantos músicos anclados aún en un lenguaje
tardorromántico seguían viendo la luz obras como Del alma alemana (1920-21) de Hans Pfitzner o El libro
de los siete sellos (1935-37) de Franz Schmidt.
El despojamiento en la escritura coral de este Wetz tardío que ya parece de vuelta de todo, la fuerza de
su «Dies Irae», el misterio que envuelve páginas como el «Sanctus», los inequívocos toques mahlerianos y
parsifalescos que asoman en el «Domine Jesu» o, sobre todo, el desolado y magistral interludio orquestal
que precede al canto de la soprano en el «Benedictus» merecen dar otra oportunidad a este músico que,
gracias al apoyo de Weingartner, obtuvo en 1900 el puesto de director de orquesta en el teatro de Stralsund.
Weingartner es, precisamente, el protagonista de la tercera entrega que con tanto acierto dedica a su ciclo
sinfónico la espléndida Orquesta de Basilea, ciudad adoptiva del legendario director-compositor que
sucediera a Mahler al frente de la Ópera de Viena. La obra de creación de Weingartner es, aún más que la
del bohemio, música «de director» (Kapellmeistermusik en la despreciativa expresión de la época) que
acusa un sinfín de influencias y deudas contraídas con los maestros a los que habitualmente servía desde el podio orquestal. Si en la Primera
Sinfonía de 1898, los ecos de Mendelssohn, Grieg, Franck, Chaikovski o, sobre todo, Liszt asomaban sin excesivos roces por sus elaboradas
costuras, la Segunda, estrenada por su autor en Bremen el 27 de mayo de 1900, se sumerge sin rebozo en las fuentes wagneriano-
brucknerianas (alusiones a Maestros Cantores o la Cuarta Sinfonía del austríaco) que saltan al oído en el vibrante «Allegro mosso» inicial.
El «Allegro giocoso» nos da una idea bastante certera de la singular habilidad del músico: es como si el «Scherzo» de la Séptima de
Bruckner lo hubiera reescrito Mahler, pero suministrándole los timbres de su período Wunderhorn: fascinante en verdad. Y si en el hermoso
«Adagio, ma non troppo» Weingartner retrotrae su mirada a los nobles tiempos lentos beethovenianos, el final nos recuerda que Wagner
(Tannhäuser, Maestros) dominó siempre su inspiración.
El decadentismo finisecular del poema sinfónico Das Gefilde der Seligen, recreación del cuadro homónimo del suizo Arnold Böcklin
que Weingartner estrenara en 1897 (precedido del Zarathustra straussiano que dirigió Reznicek), completa el retrato de un músico, sin
duda, a recuperar. Seguro que el próximo volumen de la serie (Tercera Sinfonía y Obertura alegre) nos depara nuevas sorpresas.

Jean Marie Viardot

FELIX WEINGARTNER (1863-1942): Sinfonía No. 2 en Mi bemol Mayor, op. 29; Das Gefilde der Seligen, poema sinfónico / Sinfonieorchester Basel. Dir.: Marko Letonja / CPO /
Ref.: 777099-2 (1 SACD) D2

RICHARD WETZ (1875-1935): Requiem en Si menor, op. 50 / Marietta Zumbült, soprano. Mario Hoff, barítono / Dombergchor Erfurt. Philharmonischer Chor Weimar.
Thüringisches Kammerorchester Weimar. Dir.: George Alexander Albrecht / CPO / Ref.: 777152-2 (1 CD) D2

También disponible:
FELIX WEINGARTNER (1863-1942): Sinfonía nº4 en Fa mayor op.61; Der Sturm (Obertura); Der Sturm (Suite); Serenata para orquesta de cuerda / Sinfonieorchester Basel. Dir.:
Marko Letonja / CPO / Ref.: 777098-2 (1 SACD) D2

Regresa el pianista Miguel Baselga, ahora incorporado al sello COLUMNA con un original programa
repleto de sorpresas

Valses de intenso cromatismo

C
on su liviandad y dinamismo rítmico, el vals imperó en los salones vieneses a lo largo del siglo
XIX; es a este mundo para siempre desaparecido al que nos transporta en su última producción
el pianista Miguel Baselga, quien no deja por cierto de cosechar todo tipo de parabienes por
parte de la crítica, en razón principalmente de sus celebrados volúmenes dedicados a la música de
Falla o Albéniz. Y en este nuevo programa integrado por valses -o
piezas de aromas inequívocamente valsísticos- de Brahms, Johann EDVARD GRIEG (1843-1907): Suite
Strauss o Schubert, entre otros, no podía dejar de brillar el arte Holberg; Obras para orquesta de cuerda /
pianístico de Baselga, caracterizado muchas veces por su nítida Bergen Philharmonic Orchestra. Dir.: Ole
Kristian Ruud / BIS / Ref.: BIS SACD 1491
digitación y elegancia, por su refinada sensibilidad melódica, rasgos (1 SACD) D2
que se avienen como anillo al dedo con el espíritu de las
composiciones recogidas en el presente Vals Café.
No se puede pasar sin destacar por otra parte sus meritorias versiones
de piezas como La plus que lente de Debussy o La Valse de Ravel (en
arreglo del propio Baselga), ya tan en las postrimerías de la época
dorada del vals que realmente vuelan a instalarse en otra época
histórica y musical, más compleja y agitada: el intérprete se sumerge
en ellas armado con su afinado sentido para el contraste y el ritmo,
ofreciéndonos unas lecturas de intenso cromatismo. Claro que quizá
sea en las cadencias transparentes del Concert Arabesque de Aschulz/Evler, sobre un célebre tema de
J. Strauss, donde mejor resalte ese inefable gusto por la iridiscencia y la delicada ornamentación,
rozando incluso el preciosismo, pero sin que ello vaya definitivamente en detrimento de una sutil
BEDRICH SMETANA (1824-1884): Trio
musicalidad. con piano en Sol menor, op.15; JOSEF
SUK (1874-1935): Trio con piano en Do
Luis José Rodríguez Viejo menor, op.2; Elegía, op.23; VÍTEZSLAV
NOVÁK (1870-1949): Trio en Re menor
quasi una ballata, op.27 / Trio Smetana /
VALS-CAFÉ: Obras para piano de Liadov, Schulz-Ever, Brahms, Johann Strauss, Schubert, Debussy & Ravel / Miguel Baselga, SUPRAPHON / Ref.: SU 3810-2 (1 CD)
piano / COLUMNA MUSICA / Ref.: 1CM 0144 (1 CD) D2 D2

( 19 )
 Mackerras dirige las tres páginas más populares de Dvorák

Sobredosis a los 80

D
vorák, ese personaje cuyo apellido nadie coincide al pronunciar, escribió para dos pianos estas
Danzas Eslavas en 1878, inspirado en la idea de las Húngaras de Brahms, y bajo sugerencia de su
editor Fritz Simrock. Un año más tarde orquestó este libre compendio de fantasías sobre motivos
típicos de Ucrania y Bohemia, dividido en dos sets de ocho danzas, festivo, vistoso y espectacular el
primero, más sosegado en temperamento y expresión el segundo. Esta versión en estudio con un
Mackerras, profeta de la música checa, y una Filarmónica Checa que parecen haber tomado todo tipo de
anfetaminas minutos antes del concierto, es quizá la más perfecta, vibrante y al mismo tiempo salvaje
que jamás hemos escuchado. A la lógica precisión y conocimiento de nuestro Sir, responsable de que
Janacek sea ahora uno de los compositores de moda en los coliseos, se une un instrumento que Talich, Ancerl y Neumann han convertido
en una de las mejores orquestas del planeta, pero que como no ha acostumbrado a grabar con los «grandes sellos» permanece
considerado en una discreta modestia.
De nuevo radiante, o más bien incandescente, está Sir Charles en estas epigonales versiones en directo de las dos últimas sinfonías
de Dvorák, grabadas hace dos meses en Praga. La Octava, a pesar de haber recibido a veces el epíteto de Inglesa debido al origen de su
primera edición, es sin embargo la sinfonía Pastoral del genial compositor. Y aunque escrita en los idílicos paisajes de Vysoka, no todo
en ella es pureza y armonía. Es un caleidoscopio de reflexiones que van desde la embriaguez con la naturaleza hasta el afianzamiento
de la confianza en uno mismo y la responsabilidad de la madurez, todo ello con colores pastel muy sabiamente aplicados. Esta vez con
la segunda orquesta de Praga, la Sinfónica, no tan potente como la Filarmónica Checa pero sí más minuciosa para hallar nuevos perfiles
y ángulos sonoros, la versión debió resultar un festín para los emocionados asistentes a este concierto.
Resulta dudoso que Dvorák escuchara, durante su estancia en los Estados Unidos, algún fragmento de música original de las tribus
indias. Parece ser que más bien se basó en el curioso poema épico de Wadworsth La Canción de Hiawatha para componer un tipo de
música que ha pasado a la historia como el modelo a seguir por todos los compositores cinematográficos cuando tenían que escribir la
banda sonora en el momento en que los indios se disponían a cortarle la cabellera a la damisela y el galán cincuentañeros de turno. Lo
que sí es cierto es que se impregnó de blues a través de sus alumnos de raza negra, y de allí el conmovedor Largo, que ya ha pasado a
los anales de la historia.
La interpretación que tenemos entre manos, ajena a la galería, despojada de falsos efectismos, con una Sinfónica de Praga afinada
hasta lo inhumano, decidida a ofrecer la versión que marcará un antes y un después entre las centenares que nos ofrecen anualmente
las marcas discográficas más conocidas, cuenta con un Mackerras que no produce música, sino que nos comunica telepáticamente toda
su devoción y todo su amor por un músico, un pueblo y sus gentes con los que ha comulgado durante 80 años, y nos hace partícipes de
este ritual con tal sinceridad que logra lo imposible: que escuchemos la sinfonía del Nuevo Mundo como si fuera la primera vez.

Mel Smith-Window
ANTONIN DVORÁK (1841-1904): Sinfonía No. 8 en Sol Mayor, op. 88; Sinfonía No. 9 en Mi menor, op. 95 Del Nuevo Mundo / Orquesta Sinfónica de Praga. Dir.: Charles
Mackerras (Grabación en directo, Praga 2005) / SUPRAPHON / Ref.: SU 3848-2 (1 CD) D2

ANTONÍN DVORÁK (1841-1904): Danzas Eslavas / Czech Philharmonic Orchestra. Dir.: Charles Mackerras / SUPRAPHON / Ref.: SU 3808-2 (1 CD) D2

El piano de Gabriel Fauré, en manos de Jean-Paul Sevilla

Si la belleza fuese pecado...

U
n lienzo de Kroyer nos sirve de frontispicio para adentrarnos en gran parte de la producción pianística de
Gabriel Fauré (1845-1924): las dos mujeres paseando por la playa conducen nuestro recuerdo directamente
al imaginario de Sorolla, al igual que el apellido de nuestro pianista, Jean-
Paul Sevilla nos refiere inequívocamente a su origen español. Las piezas elegidas
son los Nocturnos, los Preludios, el Tema y variaciones op.73 y las Piezas breves
op.84. Salvo las Barcarolas, aquí está casi todo el gran piano de Fauré, cuya
Gabriel Fauré

discografía no es tan amplia como merece. Si la creación de belleza fuese

considerada pecado, las obras para teclado de monsieur Fauré serían motivo más
que suficiente para su eterna condenación. El piano fin de siècle francés tiene
como cima a Debussy, pero el segundo puesto lo comparten sin duda Fauré y
Ravel, maestro y discípulo. Resulta curioso que Fauré y Debussy amasen a la
misma mujer, Emma Bardac, lo cual dice mucho del bueno ojo de la dama en cuanto a conquistas.
Cada pequeña composición de Fauré es un mundo a visitar, un paisaje del alma que cada oyente
debe hacer suyo. No es música que engatuse desde el primer instante como la de Debussy, ni posee la
elocuencia de la de Ravel, pero su denso aunque límpido entramado dibuja espacios que atraen
suavemente, irremisiblemente, como las nubes de Monet. Esta seducción lenta funciona tanto en sus
piezas de juventud como en sus composiciones postreras, cuando la sordera se aferraba al anciano ante
el papel pautado. Es música introvertida, pura, meditativa, alejada de su leyenda de ser piezas de salón,
y con una gran variedad de registros.
Los pianistas, incluso el gran Liszt, afirman que Fauré es difícil de tocar, pero Jean-Paul Sevilla consigue obviar esta sensación. Teclea
las notas en una lectura en voz alta, sin perderse en densidades o altitudes; deposita a Fauré a ras de teclado y deja patente su oficio y su
capacidad analítica, consciente del origen organístico del compositor. La expresión de Sevilla es potente y neutra, más cercano a Gilels
que a Arrau. Son manos que enseñan, que muestran y demuestran, antes que esbozar o susurrar; en esta interpretación la belleza no se
sugiere, se dice. Su fraseo es riguroso pero no frío; canónico sin quebrar la flexibilidad. Sevilla remarca las volutas de humo de Fauré, toca
de manera tajante y declama la sensualidad. No hay medias tintas, es música a bocajarro pero con mucho gusto. Del sentimiento ya se
encarga el mismo Fauré. Menos incisivo y punzante que Paul Crossley, otro gran faureano de líneas más blandas y sensuales pero igual de
límpidas, Sevilla añade a la arrebatadora melancolía del inglés una sonrisa mansa, una esperanza allí donde en Crossley no la había. Una
última nota: si algún día se enamoran, escuchen el duodécimo Nocturno.

José Velasco
GABRIEL FAURÉ (1845-1924): Pièces breves, op. 84; Thème et variations, op. 73; Nocturnes núms. 1 - 13; Préludes, op. 103 / Jean-Paul Sevilla, piano / TIMPANI / Ref.: 2C2083
(2 CD) D2 x 2

( 20 )
 Se nos fué un querido amigo, colaborador de primera hora del Boletín de Diverdi

José Luis Gómez Lozano: el último adiós

V
iendo la fotografía que ilustra estas líneas, obtenida en el la creación artística y musical, el marco desde el que comprender el
Grinzing vienés a finales del pasado verano, en el último de por qué de tantas composiciones: las angustias de Tchaikovski frente
los peregrinajes a la ciudad del Danubio que tenía por al prepotente machismo de la aristocracia zarista o sus cuitas con la
costumbre realizar todos los años, nadie hubiera imaginado un final Von Meck, los terrores y humillaciones de Shostakovich ante la
tan próximo: José Luis Gómez Lozano, uno de los colaboradores dictadura cultural estalinista o las humildes composiciones de
que han honrado las columnas de nuestra músicos judíos que vieron la luz en los
Hoja Parroquial desde sus primeros campos de exterminio nazis.
balbuceos, y que nos ha venido Y no sólo lo eslavo. Aquí somos testigos
acompañando desde entonces con la de su conocimiento detallado y jugoso de
infatigable dedicación y el exquisito rigor la música francesa del pasado siglo, por
que tanto hemos admirado, nos ha dejado no hablar de la cultura vienesa de la gran
víctima de una enfermedad tan impla- estación que se extiende a ambos lados
cable como inesperada. Con él son ya del anterior cambio de siglo... y suma y
cuatro los grandes amigos y colegas que sigue, pues su erudición venía teñida de
perdemos en los últimos dos años y un cosmopolitismo ajeno al encasilla-
medio, cada uno de ellos dotado de una miento y a la superespecialización. En sus
voz personalísima en su estilo literario, en puntuales visitas mensuales para
los temas de su predilección, en el entregarnos sus trabajos -era uno de
enfoque impreso a sus crónicas, en el nuestros pocos colaboradores que tenía a
inmenso saber de sus respectivas gala el traérnoslos personalmente- rara
competencias y en el entusiasmo en era la ocasión en que no se iniciaba una
hacernos partícipes de sus descubri- o varias líneas de fuga sobre los temas
mientos: tras Ángel-Fernando Mayo, Gian más diversos; siempre aprendíamos de él,
Castelli y Federico González, es ahora de su saber, su discreción y su cortesía de
José Luis quien enmudece, dejándonos otra época; como los lectores de la
más empobrecidos, algo más huérfanos colección Clásica El País aprendieron de
de ese saber que tantas ventanas nos ha su estudio dedicado a Tchaikovski, y los
abierto y tantos rincones nos ha asistentes a los conciertos de la Orquesta
iluminado. Lo suyo, lo saben todos muy bien, era el inmenso mundo de RTVE se ilustraban regularmente con sus exhaustivas notas a los
de la cultura, la vida y la música eslava, que desde su familiaridad programas de mano. Por tu compañía de tantos años nos vas a faltar
con el idioma él conocía como pocos en nuestro país. Y, en sus mucho, José Luis. Descansa en paz.
trabajos, los avatares histórico-políticos eran siempre el correlato de

BRIDGE revela, en un hermoso CD, el sutil universo lírico de la americana Amy Beach (1867-1944)

Intimando con Amy

H
ace tres años un bello disco de BIS nos ponía sobre aviso, en deliciosa interpretación de la versátil Emma Kirkby con
acompañamiento del trío (violín, cello y piano) The Romantic Chamber Group of London, acerca de la obra lírica y de cámara de
la americana Amy Beach (1867-1944), de soltera Amy Marcy Cheney (esperemos que no pariente del actual Vice americano), una
dotada y precoz compositora de New Hampshire que, si a los 4 años ya era capaz de repetir al piano las melodías que brotaban en su
cabeza, y a los 16 años ya daba conciertos en Boston con la Sinfónica, a los 18 abandonó una
dedicación profesional intensa como intérprete por su matrimonio con el doctor Henry Beach, afamado
médico y aficionado a la música 25 años mayor que ella, para concentrarse en la composición y la
interpretación de sus creaciones, entre las que figuran obras de gran formato (Sinfonía Gaélica, Misa
en mi bemol, Concierto para piano en do sostenido menor y la ópera Cabildo), instrumentales, de
cámara, y más de 120 canciones -acompañadas unas con piano solo y otras, además, por instrumentos
de cuerda- cuyo arco creativo se extiende durante más de medio siglo. A la muerte de su esposo en
1910 reanudó en Europa una intensa actividad concertística, que el estallido de la Gran Guerra
interrumpió. Durante las décadas de los veinte y treinta su estilo tardorromántico evolucionó hacia un
uso progresivo del cromatismo y la disonancia con fines expresivos, y se vinculó durante largas
estancias veraniegas a la colonia fundada por Edward MacDowell en Peterborough, NH, donde hallaba
el ambiente adecuado para componer, hasta que una grave insuficiencia cardiaca le confinó durante
los años de la Segunda Guerra Mundial en su apartamento de Nueva York, donde falleció al finalizar
el año 1944.
El disco del sello americano BRIDGE que aquí se comenta sirve de perfecto complemento y
contraste respecto del de BIS: de complemento, por incluir 22 canciones, todas, salvo dos, diferentes de las de aquel registro, ofrecidas
cronológicamente, desde la más antigua, Twilight, de 1887, hasta la más reciente, I shall be brave, de 1932; y de contraste, porque si en
aquél las canciones (que incluían textos franceses y alemanes) eran interpretadas por una voz femenina con acompañamiento
camerístico, aquí es una voz masculina, la del excelente barítono Patrick Mason, de voz extensa, poderosa, de bello color y homogénea
en todos sus tramos, que recuerda al joven Thomas Hampson, y de exquisita artistry como liederista -no en vano ha grabado para el
mismo sello el Winterreise, recitales franceses (Ravel, Fauré, Poulenc) y americanos (Sondheim, Carter), y alguna ópera-, la que traduce
la enormemente variada gama de estilos: el arcaizante O Sweet Content, basado en el poeta isabelino Thomas Dekker, el folk escocés
de Shena Van, el sentimentalismo de Within my Heart, no muy remoto del futuro Cole Porter; el himno simple, de ecos religiosos, de
Golden Gates, la canción de cuna de Baby, el vals vienés de Wouldn´t that be Queer y las más elaboradas canciones próximas al espíritu
de mélodies de Gounod, Massenet o Hahn (Anita) o a lieder de Schumann o Strauss (Sweetheart, sigh no more o Good Morning), las
muy personales canciones sobre textos de Browning, quizá su ciclo más famoso (aquí falta, incomprensiblemente, la pieza que cierra el
tríptico), y, por último, las más graves y modernas piezas de los años veinte y treinta. Un expresivo acompañamiento de Joanne Polk
termina de redondear el alto interés de esta grabación realizada a finales de 2004.

Santiago Salaverri
AMY BEACH (1867-1944): Canciones / Patrick Mason, barítono. Joanne Polk, piano / BRIDGE / Ref.: BRIDGE 9182 (1 CD) D2

( 21 )
Ravel, Tailleferre y Milhaud, en las cuerdas de Cuarteto Leipzig

Magia armónica y cromática

E
l Leipziger Streichquartett nos ofrece un interesante programa basado en los cuartetos de Maurice Ravel
(1875), Germaine Tailleferre (1892) y Darius Milhaud (1892); los tres compusieron estas obras en
periodos relativamente tempranos de sus carreras, si bien sus lenguajes musicales estaban ya hasta
cierto punto bien consolidados. Desde luego la pieza más famosa y lograda es sin duda la de Ravel, ese
extraordinario cuarteto, el único que escribiría, del cual existen innumerables versiones pero que en ésta
de los de Leipzig parece emitir un brillo especial, irradiar un encanto muy particular gracias sobre todo a
la profunda comprensión de una partitura que aquí se despliega alcanzando un notable equilibrio entre
transparencia y opacidad, entre exaltación y pudor. Y es que el Leipziger Streichquartett demuestra una sensibilidad muy acusada para
la sugestión, para la evocación fugitiva, para un lirismo que como el de Ravel tiene en la contención y la sutileza sus mejores recursos.
Esta interpretación destaca los contrastes y los giros rítmicos imprevistos, como los del Scherzo del segundo movimiento, adentrándose
con audacia en la densa organización armónica que caracteriza todo el cuarteto. Algo de esta magia armónica y cromática comparece
también en la pieza de Germaine Taillaferre, admiradora de Ravel; en ella, las nítidas líneas van entrelazándose hasta configurar un rico
tejido de variaciones, a manera de refinado divertimento, generando formas inaprensibles y climas cambiantes que recuerdan también a
los del autor de Ma mère l’Oye. Por su parte, el Cuarteto nº 4 de Milhaud resulta por comparación mucho más directo. La lectura del
Leipziger Streichquartett acentúa su carga emocional, su rotundidad expresiva, su gesto nervioso, su pathos dramático, en especial en el
segundo movimiento, justamente titulado Fúnebre. En cualquier caso, el conjunto hace gala en las tres obras de una perfecta calibración
tímbrica y de la más refinada musicalidad, cualidades que resaltan en la plasmación de atmósferas tan mutables como evanescentes.

Antón Piedrahita Tirado

MAURICE RAVEL: Cuartetos para cuerdas; GERMAINE TAILLEFERRE: Cuartetos para cuerdas; DARIUS MILHAUD: Cuartetos para cuerdas nº. 4 / Leipziger Streichquartett /
MDG / Ref.: MDG 1359 (1 CD) D2

El gran pianista sueco nos abre el laboratorio del padre de la dodecafonía ACCENTUS, bajo la dirección de Eric Ericson,
se adentra en el universo coral de Escandinavia
Schönberg por Pontinen Suculenta exhibición
C coral
omo a menudo se ha dicho, la obra pianística de Arnold Schönberg ocupa
un lugar especial dentro de su producción, como si fuera espacio de
experimentación, el laboratorio donde se ponen a prueba las nuevas

P
oniendo de manifiesto la sabiduría del
concepciones musicales en momentos ciertamente significativos dentro de su maestro Ericson, este doble cd hará las
trayectoria. A pesar de su escaso número, tan solo delicias de cualquier amante de la música
cinco composiciones, bien puede decirse que coral. En él se ofrece una selección de música
conforman uno de los catálogos pianísticos más escandinava compuesta para voces a cappella,
relevantes del siglo XX por sus decisivas representativa de los autores que desde el siglo
implicaciones tonales y armónicas, que modificarán XIX hasta nuestros días han alimentado el
durante mucho tiempo la fisonomía de la música repertorio
occidental. A él se enfrenta ahora Roland Pöntinen, nacionalista de
que hasta el momento había grabado otros dos la Europa del
celebrados discos en el sello BIS dedicados al Norte. Como es
maestro vienés, y de entrada hay que señalar que lógico, el itine-
estamos ante una integral basada en una meditación rario comienza
muy profunda de esta música, reveladora de una con Jean Sibe-
altísima comprensión de sus líneas de fuerza y lius, autor bien
configuraciones internas más secretas, de sus conocido por su
tensiones y torbellinos. Pöntinen circula entre las sinfonismo y
abruptas disonancias, elaboradas variaciones y erupciones dinámicas de las Tres del que resulta,
piezas op. 11 (1909), manifestación de una época de búsqueda febril, con así, muy revela-
seguridad y virtuosismo (sobre todo en la tercera, de intensidades tan exigentes), dor descubrir
mostrándonos su sinuosa coherencia estructural. En Seis pequeñas piezas op. 19 sus obras para coro, como la deliciosa
(1911), sintomáticas del periodo caracterizado por la atonalidad libre, el intérprete Drömmarna («Sueños»), sobre poema de Jonatan
consigue conectar con el caudal de emoción oculto de estas miniaturas de Reuter. Fabulosas también las piezas del que
naturaleza casi aforística, exponiendo al tiempo con nitidez sus sutiles fuera «rival» del autor del Vals Triste, Torvo
arquitecturas armónicas. Cinco piezas para piano op. 23 (publicada en 1923) Kuula, fallecido tristemente a la misma edad que
contiene la primera obra desarrollada a partir de una serie dodecafónica completa lo hiciera Mozart y que nos regala en este álbum
(la titulada Vals), método que encuentra expresión más depurada en la rigurosa y cinco hermosas piezas (deliciosa la llamada
muy abstracta Suite para piano op. 25 (1921), donde Pöntinen se desempeña con Naku, una nana). Einojuhani Rautavara, Hugo
propiedades iluminadoras. Las Piezas para piano op. 33a y 33b (1931), impulsiva Alfvén o Jan Sanström, entre otros, completan
y estrictamente serial una, más lenta y lírica la otra, ambas de una radical este suculento menú de obras corales, no exento
condensación, son aquí traducidas con matizada y versátil expresividad, pero antes de creadores de avanzadas concepciones
que nada con esa claridad y fluidez requerida expresamente por el compositor. armónicas, perfectamente moldeadas por Eric
El disco se completa con dos obras de Alban Berg, Sonata nº 1, muy influida por Ericson y magníficamente cantadas por las
la Sinfonía de cámara de Schönberg, y el breve Fragmento de sonata (Wozzeck- jóvenes voces del Coro Accentus, que demuestra
Fragment), no demasiado representativas de su genio pero que funcionan como así, una vez más, su calidad.
interesante complemento a este difícil y fundamental programa pianístico,
dominado siempre por un Pöntinen de impecable articulación, riguroso aunque sin Caronte
renunciar al más inmaterial aliento lírico.
ACCENTUS: North. Obras corales de Jean Sibelius, Einojuhani
Rautavaara, Toivo Kuula, Wilhelm Stenhammar, David
Conde Fosco Wikander, Hugo Alfvén, Kurt Nystedt, Jørgen Jersild, Jan
Sandström & Lars Johan Werle / Choeur Accentus. Dir.: Eric
ARNOLD SCHOENBERG (1874-1951) & ALBAN BERG (1885-1935): Obras para piano / Roland Pöntinen, Ericson / NAIVE / Ref.: V 5037 (2 CD) D1 [2 CD al precio de
piano / BIS / Ref.: BIS 1417 (1 CD) D2 1]

( 22 )
Regresa el Cuarteto Lindsay con un magistral monográfico dedicado a Borodin

El grado de veteranía

D
icen que la veteranía es un grado, aserto que muchas veces no se cumple, porque sabemos de casos
en los que el paso del tiempo lo que provoca es sobre todo decrepitud. Se gana en experiencia, sí,
pero luego ésta no se llega a traducir en resultados sonoros plausibles por atonía general y falta de
presteza física. Por eso es admirable el caso de un conjunto como Los Lindsays, uno de los cuartetos
modernos que conservan en mayor medida la forma y que siguen manteniendo, y aun mejorando, sus
constantes interpretativas, en la línea expresiva, no exenta de altos niveles de reflexión, de conjuntos
históricos, señeros, a cuya sombra e influencia se cobijaron, el ya lejano y siempre admirado Cuarteto Busch
y el Cuarteto Végh, que mantuvo enhiesto su pabellón hasta la vejez de su famoso primer violín, el entusiasta
Sándor Végh, que en los últimos años de su vida pudo trasladar sus conocimientos e inquietudes a la dirección de orquesta: ofreció
estupendas actuaciones, pasadas en gran parte al disco, al frente de la Camerata Academica de Salzburgo.
Los Lindsays, que llevan algo así como 40 años frotando las cuerdas de sus instrumentos, nos ofrecen, en plena sazón, y estos dos discos
-grabados, en todo caso, hace tres y cuatro años- son la mejor prueba, una sonoridad más anchurosa, rica, densa y compacta que la de
lustros atrás. El paso del tiempo ha penetrado en su arte como en los buenos vinos y ha contribuido a que la música salga de sus arcos con
una naturalidad, un peso y una solidez indiscutibles. Sólo así puede conseguirse una exposición tan tersa y a la vez tan vigorosa, tan
delicada y firme, de estos maduros cuartetos de la op. 74 de Haydn. El fugato del Finale del nº 2 está tocado con una ligereza y una claridad
polifónica, una animación y una disposición rítmica sensacionales. La música mana con fluidez, con un amenidad y, diríamos, una alegría
contagiosas, llevándonos en volandas, impulsándonos gracias a la sabia gradación de dinámicas, que observamos en todo momento.
La acentuación violenta de las primeras partes del compás en la introducción del nº 4, el célebre El jinete, está magníficamente
realizada, como los sforzandi que animan todo este robusto Allegro, que tiene un desarrollo de una potencia espectacular. En el Allegro
con brio, naturalmente, el ritmo galopante que justifica el remoquete, aparece particularmente resaltado por los instrumentistas, que se
lanzan a tumba abierta, como lo hacían en su día los Végh, sin temor a perder en algún instante el equilibrio, de trastabillar. El primer
violín, Peter Cropper, mantiene de principio a fin una pulsión intensa e incansable, con escaladas al agudo irreprochables. Se alcanzan
puntos en los que la sonoridad llega a ser incluso ruda, lo que no importa: después de todo, Haydn era de pueblo y en su música hay con
frecuencia esa crudeza tímbrica, ese colorido subido de tono que elimina cualquier tipo de edulcoramiento. Es muy justa la reproducción
de los movimientos lentos, en los que no falta la expresión lírica, trasladada sin exageraciones, sin arrobamientos, sin melifluidades. Porque
así, en el Largo de este último cuarteto, sorprende la austeridad en la exposición, el escaso pulimento de un sonido que nos trae las notas
en su dimensión más pura, sin gangas ni impostados embellecimientos. Con alto grado de concentración.
Y cuando se necesita recurrir al lirismo intenso, al arrebato romántico, estos instrumentistas británicos nos sorprenden con una
expresividad a flor de piel, con una densidad en el discurso muy elocuente, aunque siempre dentro de esa línea de la máxima sobriedad
que tanto alabamos. La consecuencia es un Notturno de la calidez, la efusión y la penetración como el que percibimos aquí, en esta
interpretación del tercer movimiento del Cuarteto nº 2 de Borodin, autor al que se da lo que precisa: contundencia de arcos, vibración
tardorromántica, acentuación y colorido muy sensuales, como los que se advierten en esa sonora segunda mitad del movimiento. De
excelente factura son también las recreaciones del Cuarteto nº 1 y del Sexteto, obra de juventud de la que se conservan sólo dos
movimientos y que fue recuperada en 1946. Aquí colaboran a satisfacción otros dos estupendos instrumentistas: la violista Louise Williams
y el chelista Raphael Wallfisch.

Papageno
ALEXANDER BORODIN (1833-1887): Cuartetos Nos 1 & 2: Sexteto en Re menor / The Lindsays. Louise Williams, viola. Raphael Wallfisch, violonchelo / ASV / Ref.: DCA 1143
(1 CD) D2

WERGO da comienzo, con un extenso retrato del compositor alemán, a su propia y prometedora linea DVD

Wolfgang Rihm: territorio audiovisual

L
a obra de Wolfgang Rihm (Karlsruhe, 1952), desde la década de los setenta, cuando dio comienzo su andadura compositiva,
y hasta el momento presente, no ha dejado de dar prueba de una sorprendente facultad inventiva, diversidad formal y
hondura expresiva, configurándose como una referencia insoslayable a la hora de abordar y entender la creación musical
contemporánea. Seguramente por esta razón WERGO ha querido dedicar a Rihm el primer DVD editado hasta la fecha por el
sello, Moment-aufnahme. Ein porträt, instrumento de gran alcance para valorar y conocer sus aportaciones en
un territorio de lo sonoro que, en su caso, no deja de entablar fructuosos diálogos con otros campos de la
cultura, como por ejemplo la literatura, la plástica, la filosofía o incluso la psicología. A lo largo de
aproximadamente 260 minutos este Retrato del compositor concebido por Dieter Rexroth, Susanne Laßwitz y
Wolf Seesemann nos presenta distintos acercamientos a la producción de Rihm, tanto a las composiciones
propiamente dichas como a un ideario que en muchas ocasiones suele adoptar forma de exposición,
conferencia o ensayo.
Verdaderamente estamos ante una propuesta sugestiva que vale la pena ir descubriendo, explorando, poco a
poco. Para comenzar se nos ofrecen amplios y representativos fragmentos de trabajos de Rihm, divididos en
apartados como obras orquestales (In doppelter Tiefe, IN-SCHRIFT o Über die Linie II), música para piano
(Zwiesprache, Klaviertü eqzr. 6), camerística (Interscriptum, Vier Male), vocal (Hölderlin-Fragmente, Rilke: 4
Gedichte) o lírica (Die Eroberung von Mexico, Séraphin), existiendo en algún caso además la posibilidad de
seguir las partituras a medida que se desarrolla la pieza. Se trata en su mayor parte de ensayos, estrenos o
representaciones a cargo de directores e intérpretes de la envergadura de Claudio Abbado, Christoph
Eschenbach, Christoph Prégardien, la Filarmónica de Berlín, la Sinfónica de la NDR, el Minguet Quartet, Ingo
Metzmacher, Jörg Widmann o Siegfried Mauser. Continuando dentro del capítulo «vídeo» conviene por
supuesto destacar esa interesante entrevista de más de una hora y media, subtitulada en inglés y francés, donde
el autor se extiende sobre temas de indudable relevancia relacionados con su obra, entre ellos expresión,
construcción, acontecimiento y energía, armonía y tensión, texto y literatura, conversación con Rexroth que viene a completarse con los
comentarios de algunos de los músicos citados. Contiene también esta parte un perfil del compositor y un importante repertorio
iconográfico. Por último, se incluye una sección DVD-ROM, en la que cabe encontrar desde ficheros MP3 con muestras de su discografía
y, esto sólo en alemán, algunos textos de Rihm.

A.P.T.
WOLFGANG RIHM: Instantánea: un retrato. Documental y material sonoro en formato MP3 / Dieter Rexroth, dirección / WERGO / Ref.: MV 0803 5 (1 DVD) D3 x 2

( 23 )
 Una buena muestra del arte singular del suizo
Frank Martin (1890-1974)
A su aire
S P
ólo desde el campo de la autodidáctica se
puede comprender la personalidad única que
emana de los pentagramas del insigne
compositor suizo Frank Martin. Nunca asistió a un
conservatorio, pero estudió y analizó
concienzudamente las obras de Bach como si de
un profesor particular se tratase. Al mismo tiempo
se licenció en matemáticas y física por la
Universidad de Ginebra. Estas dos materias no son
irrelevantes para comprender más aún cuál es el
estilo de Martin: las matemáticas son
fundamentales para
comprender la música
de Bach, y ya en este
Concierto para chelo
apreciamos la geo-
metría aplicada al
ritmo de los compases
y las proporciones de
volumen de los instru-
mentos. Se trata
abiertamente de un
verdadero concierto
para orquesta, en el
que el chelo, que entra a solo esbozando un
motivo de franco orientalismo, dialoga
apaciblemente con el resto de instrumentos,
muchos de ellos agraciados también por momentos
de verdadero protagonismo, sobre todo el arpa, el
piano y el saxofón, instrumento este último que
dota a la pieza de un carácter casi jazzístico. Fue
estrenado por Fournier en 1965, fecha en la que los
experimentos sonoros desplazaban a composi-
ciones completamente tonales como esta.
Las Tres Danzas para oboe y arpa destacan en
primer lugar por su orquestación, pues a los ya de
por sí inusuales solistas se les unen un quinteto de
cuerda separado por completo de una orquesta de
cuerda. Además, estas Seguiria (¿se referirá Martin
a Seguidilla?), Soledad y Rumba , que a pesar de
sus nombres no tienen nada de españolismo en sus
venas, muestran una lírica vitalidad en un
compositor de ochenta años. La Balada para chelo
y orquesta de cuerda es una más del grupo de
baladas compuestas por el autor para diversos
instrumentos solistas, acompañados de un piano o
de una orquesta completa; el instrumento solista es
sólo una excusa, ya que las partes protagonizadas
por instrumentos como el corno inglés o el arpa
son tan importantes como las del chelo. Lo que
resulta más destacable de las obras recogidas en
este singular CD es el equilibrio de volúmenes y
esa «democracia martiniana» entre los
instrumentos de la orquesta, que hacen único el
arte de este suizo ignorado.
El casi expresionista Pasacalle para orquesta de
cuerda , pieza que por sí sola merecería la
adquisición de este CD, podría figurar al lado del
Adagio de Barber si algún ejecutivo de marketing
de Deutsche Grammophon se hubiera dado cuenta
de su existencia allá por 1962, y si Karajan hubiese
grabado por esos tiempos alguna composición
procedente de un país neutral en la Segunda
Guerra Mundial. Sencillamente devastador.
M.S.W.
FRANK MARTIN (1890-1974): Concierto para violonchelo y
orquesta (1965); Tres Danzas para oboe y arpa (1970); Balada
para violonchelo y orquesta de cámara (1949); Pasacalles para
cuerdas [versión original para órgano] (1962) / Quirine Viersen,
violonchelo. Henk Swinnen, oboe. Kerstin Scholten, arpa /
Netherland Radio Chamber Orchestra. Dir.: Kenneth Montgomery
/ ETCÉTERA / Ref.: KTC 1290 (1 CD) D2
Continúa el ciclo sinfónico Shostakovich por Mark Wigglesworth, en BIS
Una visión del mundo
oco a poco, sin prisa, continúa el británico Mark Wigglesworth su ciclo
Shostakovich para BIS. Un ciclo que del que ya han visto la luz las sinfonías
Quinta, Sexta, Séptima y Decimocuarta con la
que fue su orquesta, la Sinfónica de la BBC de Gales.
Ahora, para la Octava, el actual titular de la Sinfónica
de Detroit se sirve de la Orquesta Filarmónica de la
Radio de Holanda, una excelente formación que ha
tenido como responsables en los últimos años a Edo
de Waart y Jaap van Zweden. Como ya demostró en
anteriores ocasiones, Wigglesworth es un gran
traductor de la música de Shostakovich, que ha
tratado de indagar en la circunstancia del autor ruso
pero siempre desde el hoy, desde lo que la
sensibilidad de quien no vivió un momento reciente,
moderno, bien vivo todavía, puede aportar a su
reproducción sonora. Su Octava es ese «poema del
sufrimiento» que él mismo cita como definición en unas espléndidas notas al
programa que le muestran como un verdadero estudioso de lo que lleva entre
manos. Resulta especialmente brillante ese sentido que da a la sinfonía como la
visión del mundo que su autor tenía en el preciso momento de su composición.
Desde ahí, y desde la tradición que también cita y tantas veces se olvida al hablar
de Shostakovich -Beethoven, Bruckner, Mahler-, su lectura, magnífica en lo
técnico, es también reveladora en lo expresivo. Un gran disco.
Pablo Batallán
D. SHOSTAKOVICH: Sinfonía nº 8 / Orquesta Filarmónica de la Radio de Holanda. Dir.: M. Wigglesworth
/ BIS / Ref.: BIS SACD 1483 (1 SACD) D2
Programa Fin de siècle del Viena Piano Trio, en MDG
Gran Noche transfigurada
L
os nombres de los tres compositores vienese más representativos hacia el año
1900, es decir, Alexander Zemlinsky, Gustav Mahler y Arnold Schönberg,
aparecen reunidos en este programa del Viena Piano Trio, conjunto cuya
reputación no ha hecho sino crecer sin pausa desde su creación en 1988; de
Wolfgang Redik (violín), Matthias Gredler
(violonchelo) y Stefan Mendl (piano), sus
componentes, se recuerda especialmente la integral
de tríos para cuerdas y piano de Schubert, recibida
con una auténtica catarata de estrellas por parte de
las revistas especializadas, al igual que sus discos
dedicados a Haydn, Mendelssohn o Schnittke, entre
otros. Sus interpretaciones se caracterizan antes que
nada por su muy precisa articulación y excepcional
lirismo, como puede comprobarse a lo largo de la
presente grabación que recoge obras de juventud de
los autores citados. Comencemos por La noche
transfigurada de Schönberg, aquí en feliz
transcripción para trío efectuada en 1932 por
Eduard Steuermann, que conocía bien el estilo camerístico de su maestro y pudo
traducir con frescura y originalidad las ricas sonoridades del sexteto original. En
esta versión se basa el Vienna Piano Trio para entregar una lectura en verdad
incandescente, poética hasta el frenesí, de raigambre por completo romántica,
más brahmsiana que wagneriana, para entendernos, donde en el menor cambio
de color o dinámica, donde hasta en los silencios, resuenan emocionantes
implicaciones expresivas. El mejor trabajo del lote, a mi juicio, aunque seguido
bien de cerca por la interpretación del Trío op. 3 de Zemlinsky, composición en
gran parte deudora -tanto por concepción temática como por organización- del
Trío op. 114 de Brahms. El Vienna Piano Trio acentúa cuanto puede los contrastes
y consigue una versión poderosa, de exacerbada elocuencia. Finalmente el
Cuarteto de 1876 de Mahler, inacabado, escrito en su segundo año de estudios,
no es sin duda la mejor pieza de su autor a causa de ciertas elecciones
desconcertantes (cambios de tono, desaprovechamiento de algunos materiales,
etc); nuestro trío de intérpretes, con la colaboración de Johannes Flieder a la viola,
extrae pese a todo varios momentos de gran belleza.
C.F.
ALEXANDER VON ZEMLINSKY (1871-1942): Trío para violín, violonchelo y piano, op. 3. GUSTAV
MAHLER (1860-1911): Cuarteto para violín, viola, violonchelo y piano. ARNOLD SCHÖNBERG (1874-
1949): Verklärte Nacht, op. 4 (arr. para violín, violonchelo y piano por Eduard Steurmann) / Vienna Piano
Trio / MDG / Ref.: MDG 1354 (1 CD) D2
( 24 )
 Variado programa español a cargo de una de las orquestas capitales en nuestro panorama musical

La JONDE activa

L
a JONDE (Joven Orquesta Nacional de
España) es uno de los grandes proyectos
realizados por la Administración de
nuestro país en el terreno musical. Buenas son
José Luis Temes
ciertamente redondo tanto por los textos de la autora de Perdida
como por la música del maestro madrileño, buena parte de cuya
obra se desconoce.
Habrá quien me diga, con razón, que lo de menos es que el

las recuperaciones de antiguos teatros en repertorio sea conocido (no lo es

lamentable estado o amenazados por la
especulación inmobiliaria. Bueno es construir
modernos y capaces auditorios, pero si falta la
base para hacer buenas orquestas, si no hay
cantera, si no es posible la práctica
instrumental dentro de un conjunto sinfónico
¿qué música vamos a tener?
No es esta la primera grabación comercial que realiza la JONDE,
pero tiene unas especiales características. En primer lugar, obedece
a una idea: la de grabar músicas inspiradas por lo español a músicos
extranjeros, por una parte, y ofrecer, puesto que de una orquesta
española se trata, música de nuestro país. Se ha reflejado en dos
discos compactos con más de dos horas de música de primera
calidad. Cada una de las obras incluidas tiene méritos suficientes
para ocupar el tiempo de la JONDE y ser ofrecida en concierto con
éxito. Por supuesto, si la versión es tan buena como las que aquí se
escuchan; y no dudamos de ambas cosas, del éxito y de la buena
versión. Sin embargo, reduce ese mérito llevar al disco obras
grabadas en numerosas ocasiones y escuchadas con frecuencia en
los conciertos. Y eso es lo que ocurre con la Sinfonía española de
Lalo y con el Capricho español de Rimsky-Korsakov. Del primer
disco conserva interés para los aficionados a la versión de Luciano
Berio de La Ritirata Nocturna di Madrid, en excelente interpretación
dirigida por José Luis Temes. Él sabe bien cuántas obras de género
«español» se compusieron fuera de España, desde Lully y Rameau,
pasando por Weber, Romberg, Arensky, Debussy, Ibert, Petrassi o
Nono y muchos más.
En cuanto al segundo CD le ocurre algo parecido, pero ahí la
cosa es más grave porque las cinco piezas de Rodríguez Albert se
publicaron ya en un estupendo disco de la propia JONDE dedicado
al maestro alicantino. Y en la misma versión.
No digo nada sobre las innumerables grabaciones de las Diez
melodías vascas de Guridi o de Vistas al mar de Toldrá. De nuevo
para los aficionados sólo ofrece interés la de los Seis poemas líricos
de Juana de Ibarbourou, de Julio Gómez, uno de los ciclos de
canciones más hermosos y peculiares de la música española,
para muchos, por supuesto). Lo
importante es la calidad de las
obras y su interpretación y a esto
no cabe poner objeción alguna
en ambos discos. La JONDE ha
cumplido con su misión al
presentar a una serie de jóvenes
solistas de gran calidad. Se
aprecia especialmente en la
primera de las obras incluidas, la
Sinfonía española, en la que
Leticia Moreno (antes Muñoz),
deja constancia de una musica-
lidad y una técnica realmente excepcionales para sus veinte años de
edad. También destaca en los solos del Capricho español la
violinista Catalina Sureda y en las piezas de Rodríguez Albert la
pianista Cristina Lucio-Villegas. Preciosa la versión de las canciones
de Julio Gómez, tanto por parte del joven director Xavier Puig como
de la soprano Susana Cordón. Han contado con la brillante y
delicada orquestación del compositor Manuel Angulo (1930), un
tiempo discípulo del autor de la Suite en La.
José Luis Temes es suficientemente conocido y valorado en
Madrid y no sorprenden sus buenas lecturas de Lalo, Boccherini-
Berio y Toldrá. Menos popular, aunque ya empieza, por fortuna, a
tener presencia en importantes foros de nuestro país, Josep Vicent,
cuyas versiones de Rimsky y de Guridi están llenas de vida,
aunando fuerza y emotividad. Y con notables cartas de presentación
y resultados, otro joven maestro, José Antonio Pascual, del que son
de esperar buenas cosas, como de la JONDE, al menos mientras que
José Luis Turina sea su director artístico.
A.R.T.
ESPAÑA, DE DENTRO A FUERA: Obras orquestales de Lalo, Rimsky-Korsakov,
Boccherini / Berio, Guridi, Gómez, Toldrà & Rodríguez Albert / JONDE. Dirección: José
Luis Temes, Xavier Puig, Josep Vicent, José Antonio Pascual / VERSO / Ref.: VRS 2033
(2 CD) D10 x 2

Danzas de pastores, danzas de lobos, un nuevo jalón en la serie Les chants de la terre de ALPHA

El rítmico frenesí de la cornamusa

S
imilar a la gaita, la cornamusa fascinaba a los hombres y mujeres de siglos pasados, según puede
leerse en el clarificador libreto de Danzas de pastores, danzas de lobos. Músicas tradicionales
desde el corazón de Francia, por su sonoridad continua e inagotable y su apariencia algo
animalesca; tenían la impresión de que el buche de esa extraña bestia era llenado por el aliento del
tañedor, que de este modo le insuflaba vida. Se decía también que su
sonido penetrante servía para amansar a los lobos, e incluso para
hacerles bailar. Pero quienes seguro bailaban a su ritmo
ANTHONY GILBERT: ...Into the Gyre of a
antiguamente, en cualquier caso, eran las gentes de la Auvernia, y no Madder Dance; Certain Lights Reflecting;
resulta extraño cuando se escucha este repertorio tradicional en el que Unrise; On Beholding a Rainbow / Anthony
Marwood (violín), Susan Bickley (mezzo) /
abundan las melodías sencillas y por eso mismo abiertas a múltiples RNCM & BBC Symphony Orchestras, Dirs.:
posibilidades de variación, las cadencias invariables capaces de Andrew Davis & Garry Walker / NMC / Ref.:
producir incluso ciertos estados cercanos al trance hipnótico. Y la NMC D105 (1 CD) D2
danza por excelencia de la Auvernia era la bourrée, de orígenes
AR RE SE

seguramente cortesanos pero con el tiempo profundamente arraigada

en el folklore de la región, que le aporta mayor vigor y frenesí rítmico.
No es con todo la de la cornamusa una sonoridad que se caracterice,
claro está, por su extraordinaria musicalidad o melodismo. Pero esa
misma falta de refinamiento constituye quizá su mayor atractivo,
como si fuéramos acompañados por una voz rugosa y aguda, vitalista y festiva, surgida de las entrañas
de la tierra, tal como pone muy bien de manifiesto François Lazarevitch (cornamusas, canto y
dirección) al frente de su grupo Les Musiciens de Saint-Julien en este interesante disco del sello
ALPHA, el primero de la serie 1000 años de cornamusa en Francia.

L.J.R.V.
DANSES DES BERGERS, DANSES DES LOUPS: Musiques traditionnelles du coeur de la France / Les Musiciens de Saint-Julien. NICOLAI MEDTNER (1880-1951): Mélodies
François Lazarevitch, cornamusas, canto y dirección / ALPHA / Ref.: ALPHA 516 (1 CD) D2 oubliées & Arabesques / Elena Filonova,
piano/ AR RE SE / Ref.: ARRESE 2005-9 (1
CD) D2
( 25 )
 Marc Johnson, Gary Thomas & Paul Motian

Ángel Gómez Aparicio Culmina la colección JMT

Marc Johnson había pasado escasamente la veintena cuando Bill Evans lo observó con la orquesta de Woody
Herman y le invitó a unirse a su trío. Permaneció en él hasta la muerte del pianista. El reguero de directos de
la época final de Evans lo muestra como un sideman atento y elegante; Evans consideraba su formación a la
altura de la que mantuvo con Scott LaFaro y Paul Motian; Johnson como la fuente de todo lo que sabe. Y es
mucho, pues hoy Johnson es uno de los contrabajistas más solicitados por su sonido cálido, imaginación
melódica y limpia entonación, alguien que ha contribuido no poco al logro de obras de pilares como Lee
Konitz, John Abercrombie o Enrico Pieranunzi, por solo poner algunos ejemplos de sus decenas de créditos.
Con continuas desapariciones en los catálogos, su obra como líder es casi desconocida por más que incluya
discos significativos, como los dos de sus Bass Desires, con Bill Frisell y John Scofield como solistas, o The
Sound of Summer Running, con Frisell de nuevo y Pat Metheny a bordo. Johnson, como se ve, tiene querencia
por la guitarra. Para la segunda edición de sus Right Brain Patrol escogió una de las mejores, la de Wolfgang
Muthspiel, recién salido de la Electric Be Bop Band de Paul Motian. Magic Labyrinth es el resultado de una poco previsible colaboración
de tres caracteres musicales diferentes, salpimentada por la percusión y la voz del irreprimible Arto Tunçboyaciyan. Con una suave
dirección jazz-ethno, Johnson confeccionó un álbum ecléctico en el que cabe desde su tema-estrella, «Samurai Hee-Haw», a
dedicatorias a Paco de Lucía, cortes centrados en los cantos encantatorios del músico armenio, o personales versiones de «Solar» o «Ne
Um Talvez». Johnson acaba de retornar a la palestra como líder con un álbum soberbio. Es hora de reconsiderar su obra en la que Magic
Labyrinth, algo inubicable, se mantiene como uno de sus trabajos más personales.
MARC JOHNSON’S RIGHT BRAIN PATROL: Magic Labyrinth / Marc Johnson, contrabajo, Wolfgang Muthspiel, guitarras, guitarra sintetizada, Arto Tunçboyaciyan, batería,
percusión, voz / WINTER & WINTER JMT EDITION / Ref.: JMT 919073- 2 (1 CD) D1

A mediados de los noventa el cruce de jazz y hiphop parecía uno de los siguientes pasos evolutivos en el
jazz. Max Roach, a la sazón patriarca de la batería moderna, llegó a decir que el hip hop era el nuevo bop.
Lo que el cruce sí introdujo fue una nueva forma vernácula que hablaba al público afroamericano como no
ocurría desde tiempos del soul-jazz. Los adelantados fueron los músicos pertenecientes al M-Base: Steve
Coleman, Greg Osby y Gary Thomas. Hoy la influencia del hiphop se ha filtrado en el jazz de una manera
muy distinta a como se planteaba entonces y puede encontrarse en múltiples esquemas rítmicos. Gary
Thomas fue entonces quien lo intentó con más ahínco, y en ningún trabajo tanto como en Overkill , aunque
no quien consiguiese los resultados más duraderos por más que la característica general de estos intentos ha
sido lo pasajero. El obstáculo principal con el que se enfrentaban estos músicos no sólo era acomodar el
solismo jazzístico y las largas tiradas rapeadas en un patrón rítmico flexible, sino además algo más sutil: la
producción en superposiciones del hip hop choca casi radicalmente con el espacio de la jazzística. Para
Overkill Gary Thomas se hizo con los servicios de un nutrido grupo de raperos, uno incluso italiano, Jovanotti, pero no existe integración
entre su discurso y un grupo duro que no muestra identidad jazzística; de hecho ni el solismo, ni la interacción jazzística encuentran lugar
en momento alguno. No hay duda de qué es lo que atrae a Thomas de esta estética, su idea de la supervivencia del más fuerte y su aspecto
opresivo y desnudamente muscular están por ejemplo muy en la línea del aplastante dominio que persigue el saxofonista con su estilo
instrumental y sus composiciones, pero no cabe encontrar aquí sus virtudes como jazzman. Una muestra de un momento de búsqueda de
hibridaciones en el jazz reciente.
GARY THOMAS: Overkill / Gary Thomas, saxo tenor y soprano, Ransom, trompeta, George Colligan, teclados, Marvin Sewell, guitarra, John Lamkin III, batería, Maysa, voz,
Jovanotti, Barrikade, Ransom, Pork Chop, Godfaddah, No Name, Mustapha, Lean-Nut, rap / WINTER & WINTER JMT EDITION / Ref.: JMT 919079-2 (1 CD) D1

Son más de veinte años los que Paul Motian, Joe Lovano y Bill Frisell llevan encontrándose, en quinteto,
cuarteto y, sobre todo y más significativamente, en trío. La obra amasada es numerosa y en ningún momento,
hasta su último álbum, datado en el pasado año, ha dejado de ser creativa y distinguida como única. No hay
en ella apenas puntos muertos, aunque puede afirmarse con rotundidad que la cúspide de su colaboración
la alcanzaron con algunas de las piezas que registraron para JMT, como sus tres On Broadway, sus discos
dedicados a Monk y Bill Evans, y sus directos en el Village Vanguard, el segundo para Winter & Winter. A la
hora de escoger la perla de entre ellos optaría por este You Took the Words Right out of My Heart por la
absoluta concordancia de los músicos en la creación de una música enormemente suelta basada en la
formulación de un gran espacio libre para la construcción intuitiva de melodías y atmósferas, la mayor parte
de las veces por medio de la sugerencia, las restantes como repentinas meleés post-free. La interacción
bordea lo extrasensorial y hay momentos sublimes entre lo lírico, en el tema-título o en el pensativo «5 Miles
to Wrenthan» , lo soñador, en la flotante «Folk Song for Rosie», la creación instantánea, en «Abacus», el juego rítmico en «The Owl of
Cranston», la exploración de líneas quebradas de «The Sunflower», o la aplastante sencillez de «Circle Dance»... aunque los dos cortes
claves están en los extensos «Folk Song for Rosie», de lirismo soñador, y en el paso gradual de «Yallah», dos de las mejores creaciones
jamás recogidas por el trío. La riqueza en las texturas de Frisell, el tacto percusivo de Motian en su toque lleno de implicaciones, y un
Lovano que hace dentro de esta agrupación lo que difícilmente se oye en sus propios trabajos, hacen de este directo uno de los discos
inevitables del jazz contemporáneo. Música inmaterial, con la ingravidez y las evoluciones de un funambulista, con la frescura de lo que
se hace frente a nuestros ojos y, sin embargo, perenne.
PAUL MOTIAN TRIO: At the Village Vanguard. You Took the Words Right out of my Heart/ Joe Lovano, saxo tenor, Bill Frisell, guitarra, Paul Motian, batería / WINTER & WINTER
JMT EDITION / Ref.: JMT 919080-2 (1 CD) D1

HILDA PAREDES (1957): Listen how they
talk (Música de Cámara) / Arditti String
Quartet. Ian Pace, piano. Ensemble
Modern. Die Neue Vokalsolisten Stuttgart
/ MODE / Ref.: MODE 149 (1 CD) D1
WALTER ZIMMERMANN (1949): The
Echoing Green (Obras de cámara) / Peter
Rundel, violín. Hermann Kretzschmar,
piano. Michael Bach, violonchelo.
Dietmar Wiesner, flauta baja / MODE /
Ref.: MODE 150 (1 CD) D1 ( 26
FRANK DENYER (1943): Faint Traces
(Música de cámara) / The Barton
Workshop / MODE / Ref.: MODE 151 (1
CD) D1
)
IANNIS XENAKIS (1922-2001): Música
para cuerdas / John Eckhardt, contrabajo.
Ensemble Resonanz. Johannes Kalitzke,
dirección / MODE / Ref.: MODE 152 (1
CD) D1

Excepcional 5 de Goldberg
Diapason d’Or Parade
SCHERZO GOLDBERG
DIAPASON RITMO
La prensa
Es el gran mérito del director de Cantica
Symphonia el de ofrecer esos sonidos
picantes de Dufay, los acentos angulosos
muy cercanos al estilo de Machaut con todo
su ardor aun cuando se deshacen en la sutil
métrica y zozobran en la armonía untuosa,
lírica avant la lettre, que actúa, verdadero
bálsamo, como el tiramisu apaciguando el
ardor de los strozzapreti. SCHERZO
GUILLAUME DUFAY (c.1397-1474): Quadrivium
(Motetes, vol. 1) / Cantica Symphonia. Dir.:
Giuseppe Maletto / GLOSSA / Ref.: GCD P31902 (1
CD) D2
La Misa en do menor de Mozart resulta una
pieza de interpretación particularmente
difícil, antes que nada por su carácter de
inacabada. Los instrumentos de época
suenan aquí espléndidamente al generarse
alguna fricción entre cierta agitación barroca
y la solemnidad del tema. Tal agitación viene
a aligerar la densa escritura contrapuntística
vocal (en esta versión, bien es verdad,
particularmente clara y estructurada). Los
cantantes solistas manifiestan una técnica
perfecta, un timbre personal y ajustado. LE
MONDE DE LA MUSIQUE
W.A. MOZART: Misa en do menor / Sandrine Piau,
Paul Agnew, Frédéric Caton. Coro Accentus. La
Chambre philarmonique. Dir.: Emmanuel Krivine /
NAÏVE / Ref.: V 5043 (1 CD-Libro) D1
Una hermosa bienvenida para el retorno al
mundo discográfico de la gran Philadelphia
Orchestra. Eschenbach ha reunido un
provocativo y conmovedor programa de tres
compositores profundamente (y trágicamente
en uno de los casos) afectados por el
nazismo. Grabado en la impresionante sede
de la orquesta, Verizon Hall, marca una
nueva era para las futuras grabaciones de
orquestas estadounidenses. GRAMOPHONE
B. MARTINU (1890-1959): Memorial to Lidice
H.296; G. KLEIN (1919-1945) Partita para cuerdas
(arr.Saudek); B. BARTÓK (1881-1945): Concierto
para orquesta Sz.116 / The Philadelphia Orchestra.
Dir.: Christoph Eschenbach / ONDINE / Ref.: ODE
1072-5 (1 SACD) D1
En esta suntuosa aventura Vivaldi no conoció
más límites que los de su imaginación. Tenía
a su disposición un libreto con cuarenta y
una arias, de las más serias a las más trágicas,
y un lujurioso instrumentarium dominado a
la perfección por la Accademia Bizantina,
elegante y refinada. El arte de Ottavio
Dantone reside precisamente en encontrar
siempre la armonía justa: las escenas
dramáticas constituyen momentos tan
mágicos como inolvidables los de las arias.
Las sorpresas que destila este opulento Tito
Manlio parecen inagotables. DIAPASON
Menos de una semana necesitó Vivaldi para
escribir esta auténtica obra maestra: Tito
Manlio es una de las mejores óperas de su
autor y al mismo tiempo de instrumentación
más lujuriante. La Accademia Bizantina y
Dantone aportan un precioso
acompañamiento a esta sucesión arias, a cual
más exuberante. (...) Un espléndido jalón
dentro de la integral que está llevando a cabo
el sello Naïve. CLASSICA-RÉPERTOIRE
A. VIVALDI: Tito Manlio / Nicola Ulivieri, Karina
Gauvin, Ann Hallenberg. Accademia Bizantina.
Dir.: Ottavio Dantone / NAÏVE / Ref.: OP 30413 (3
CD) D6 x 3
( 27 )
10 de Classica
Repertoire Recomendado Choc
Choice
CLASSICA REPERTOIRE CD COMPACT LE MONDE DE LA MUSIQUE
GRAMOPHONE
No es muy habitual la lujosa publicación de
un libro-disco de tapa dura con 274 páginas
con textos de Francisco Rico, además de los
textos de los discos. Tampoco es habitual una
edición tan cuidada en los contenidos. Savall
establece una secuencia que recorre el
Quijote de manera cronológica. La música
aquí escogida y tañida no «ameniza» o
«ambienta», sino que además ayuda al texto,
lo explica, le aporta calidad y entendimiento.
CD COMPACT
DON QUIJOTE DE LA MANCHA: Romances y
Música. Obras musicales de Luys de Narváez, Luys
Milán, Juan Vasquez, Francisco Guerrero, Alonso
Mudarra y compositores anónimos. Romances
anónimos. Recitaciones de fragmentos de Don
Quijote de la Mancha / Jesús Fuente, Francisco
Rojas & Josep Piera, recitantes. Montserrat Figueras,
soprano. Begoña Olavide, psalterio. Andrew
Lawrence-King, arpa barroca. Xavier Díaz-Latorre,
vihuela de mano, guitarra. Arianna Savall, arpa
doppia. Hespèrion XXI. La Capella Reial de
Catalunya. Jordi Savall, dirección / ALIA VOX /
Ref.: AVSA 9843 (2 SACD + Libro) P.V.P.: 34,95
euros.-
Durante mucho tiempo inaccesibles, las
imágenes del Cuarteto Amadeus salen por fin
de la oscuridad. Con fecha de septiembre de
1977, estos documentos nos muestran al
célebre conjunto, por entonces en la cumbre
de su gloria y madurez, en concierto durante
el Festival de Aldeburgh. Todo está aquí, esa
pulsión física del primer violín Norbert
Brainin que contrasta con la sobriedad del
segundo, Sigmund Nissel, la formidable
prestancia del altista Peter Schidlof,
verdadera piedra angular del grupo, y la
elegancia del violonchelista Martin Lovett.
Dos volúmenes en los que vuelan muy alto a
partir de obras de Schubert y Britten.
DIAPASON
CUARTETO AMADEUS: Obras de Schubert y
Britten / TESTAMENT / Ref.: SBDVD 1001 (1 DVD)
D2 x 2 y SBDVD 1002 (1 DVD) D2 x 2
El volúmen 10 contiene siete cantatas
grabadas en Potsdam y Wittenberg. Como en
todas las cantatas de Bach, un aspecto aún
minusvalorado de su colosal producción,
hay una increíble inventiva e imaginación en
cada página. De nuevo el Coro Monteverdi
es la joya de la corona en la interpretación
de cada cantata (...) añadiéndole a la música
la dramática y eléctrica respuesta de
Gardiner. GRAMOPHONE
J. S. BACH (1685-1750): Cantatas Vol. 10: BWV
48, 5, 90, 56, 79, 192 & 80 / Joanne Lunn, soprano.
Wiliam Towers, alto. James Gilchrist, tenor. Peter
Harvey, bajo. Monteverdi Choir. The English
Baroque Soloists. Dir.: John Eliot Gardiner / SOLI
DEO GLORIA / Ref.: SDG 110 (2 CD) D2 x 2
Este primer DVD producido y publicado por
Alpha marcará un hito. Se trata de uno de los
acontecimientos más importantes de estos
últimos años. Todas las versiones anteriores
han quedado definitivamente superadas, (...)
La iluminación con velas, la restitución de
una declamación de época que da a la
palabra toda su sensual corporalidad y la
gestualidad, (...) todo ello funciona a la
perfección y hace justicia a una obra maestra
que logró la mas perfecta ósmosis entre las
artes. GOLDBERG
JEAN BAPTISTE LULLY (1632-1687): Le
Bourgeois Gentilhomme (Comèdie-ballet de
Molière & Lully) / Olivier Martin Salvan, Nicolas
Vial, Louise Moaty, Benjamin Lazar, Anne-
Guersande Ledoux. Lorenzo Charoy, Alexandra
Rübner, Jean-Denise Monory, Julien Lubeck / Le
Poème Harmonique. Dir.: Vincent Dumestre /
ALPHA / Ref.: ALPHA 700 (2 DVD) D1 x 2
 VERSO celebra el 75 aniversario de Cristóbal Halffter
con un monográfico dedicado a algunas de sus obras
para conjunto instrumental

Sonidos en libertad
por Germán Gan Quesada

E
l sello discográfico VERSO, tras su apuesta por creadores más
jóvenes, como César Camarero, Tomás Garrido o Santiago
Lanchares -de quienes ha editado recientemente registros
monográficos ya reseñados en Diverdi-, vuelve los ojos en esta
ocasión a un miembro de una generación anterior, cuyo 75 aniversario
había pasado hasta su propuesta inadvertido desde el punto de vista
fonográfico.
Nos referimos a Cristóbal Halffter (1930), de quien se reúnen, en un
arco cronológico que se extiende de 1971 a 1991, varias obras grabadas
en estudio entre 1992 y 2004 y representativas de su quehacer en el
terreno de la música instrumental; y todo ello bajo la iniciativa de un gran
conocedor de su música -la ha programado muy a menudo y fue director,
por ejemplo, del estreno español de su celebérrimo Tiento del primer tono
y batalla imperial- como es José Luis Temes, impulsor hace quince años de
otras dos grabaciones dedicadas al compositor madrileño por el Grupo
Círculo.
Planto por las víctimas de la violencia (1970/71) muestra la convivencia entre la música
puramente instrumental y su modificación electrónica -si bien la versión planteada (una revisión

Edita y realiza: DIVERDI, S.L. - Imprime: ESTUDIO - Dep. legal: M-10066-94

estrenada por los mismos intérpretes de esta grabación en 1999) sustituye la parte de live
electronics por una parte fijada de antemano-, en un festín de sonoridades inusitadas y de creación
de resonancias llevado con buen pulso y control dinámico por el director; la audición de la obra,
propia de un período de singular compromiso humanista del compositor, lleva a lamentarse de la
inexistencia de registros de otros acercamientos de Halffter al mundo electroacústico de la relevancia
de Líneas y puntos (1966) o Noche activa del espíritu (1972/73).
Como señala Temes en las precisas notas que acompañan al disco, Pourquoi (1974/75), presentado en
primicia discográfica, reelabora un material beethoveniano que ya aparecía en el Cuarteto de cuerda n.
2 (1970); su título, traducción francesa -por cierto, sin la interrogación conclusiva con que aparece en el
disco- del epígrafe de uno de los Desastres de la guerra de Goya, concilia a ambos artistas como
inspiración de una agresiva ‘pregunta sin respuesta’ ante al ambiente represivo del último franquismo, en
una denuncia cuya rotundidad sonora queda bien delineada en la versión de la Orquesta de Cuerda A.
Webern.
Por su parte, tanto la Fantasía sobre una sonoridad de G. F. Händel (1981) como la Canción callada. In
memoriam Federico Mompou (1988) participan de una similar dimensión intertextual, la primera en su
ubicua cita de un concierto para órgano de Händel y la segunda en su voluntad de homenaje a Mompou,
dentro de una serie de obras destinadas al Trío Mompou en ocasión del fallecimiento del compositor
gerundense. Si de la Canción callada disponemos de la grabación del Trío Arbós para el Instituto Cervantes de
Bremen (2003), la Fantasía… goza de mayor fortuna, ya que cuenta con dos versiones dirigidas por el hijo del
compositor, Pedro Halffter Caro, para NAXOS (1998) y ENSAYO (2000), sin descartar la dirigida por el propio
Temes para HI-FI ELECTRONICA (1991), respecto de la cual esta nueva versión se revela más reflexiva y de sonido
e interpretación más concentrados y solventes en manos de la JONDE.
Tanto el Grupo Manon en Canción callada como el cuarteto de saxofones del Sax Ensemble en Fractal ofrecen
interpretaciones matizadas y plenas de sentido formal, que recrean el complejo tejido polifónico de ambas piezas y
el carácter evocador, no ayuno de lirismo en su decisión
expresiva, que invade la obra de Halffter hasta la
actualidad, como confirman sus Cuatro piezas
para orquesta, presentadas este mes en Madrid, o
el dilatado trabajo en Lázaro, ópera que
esperamos pronto ver llevada a la escena.

N.B. Pese a lo anunciado en la carátula del

CD, el registro de Fractal no es la
‘primera grabación mundial’ de esta
obra, ya llevada al disco por el
Raschèr Quartett en junio de 2000
para el sello BIS (BIS CD 501
153); asimismo, de las dos
versiones anteriores del Planto…
(1971, 1976) se han publicado
las grabaciones de sus respectivos
estrenos en dos recopilaciones
aparecidas en 1996 en COL
LEGNO (WWE 1 CD 31903) y SWF-
Metzler.

CRISTÓBAL HALFFTER (1930): Works for instrumental ensemble / Grupo Modus Novus. Orquesta de Cuerda Anton Webern. Joven Orquesta Nacional de España.
Grupo Manón. Cuarteto de Saxofones Sax-Ensemble. Dir.: Jose Luis Temes / VERSO / Ref.: VRS 2034 (1 CD) D2

La discografía incluida en este Boletín se puede adquirir en los centros de El Corte Inglés, Fnac y en las principales tiendas del país.
www.diverdi.com