TEMA 5: LA TEORIA DEL ARTE EN EL RENACIMIENTO ITALIANO

La estética es la especialidad dentro del ámbito de la filosofía que se dedica al estudio de la

belleza. La teoría del arte es el corpus de reflexiones técnicas y filosóficas escritas y dirigidas
por un artista a un publico.

A partir del contexto renacentista se convertirá en algo habitual que los individuos que
escriben sobre arte tengan un conocimiento directo sobre la materia, lo que dará una nueva
dimensión a los escritos sobre arte. Presuponen que el principal de sus lectores será también un
artista que sacara partido a esas enseñanzas. Podemos decir que a partir del renacimiento, la
elaboración intelectual sobre arte se va a circunscribir al ámbito del artista. Hasta ahora hemos
visto como los filósofos opinan sobre arte y dan sus visiones, pero en el renacimiento será el
artista el que lleve la voz cantante en el debate intelectual sobre el arte. Se va a intentar por
parte de los artistas que se les reconozca una categoría intelectual. En ese proceso, como un
fenómeno colateral, vamos a ver la transformación del medio en el que se trasbasa el medio
artístico. Pasa de ser la filosofía a ser los artistas y sus escritos los que lleven la voz cantante.
¿No existe la teoría del arte antes del renacimiento? Si que existía, pero a partir del
renacimiento, la belleza será un debate mayoritariamente abordado por la teoría del arte. Uno
de los principios claves es la identificación insoluble de arte y belleza.

Todo esto ocurre en el contexto del renacimiento italiano. En Italia se dan una serie de
circunstancias que permiten que la cultura de un salto hacia la renovación mas decidido, firme
y rápido que en otros territorios europeos. El lugar concreto en el que comenzó ese
movimiento renacentista fue la ciudad de Florencia donde habrá una serie de hechos y
personajes desde principios del siglo XV que gestaran un modo de concebir la cultura que se
trasladara al resto de Italia y después al resto de Europa.

EL RENACIMIENTO

Además de advertirse como nace la teoría del arte en la Italia del siglo XV, podemos advertir
como el contenido de esa teoría difiere de los planteamientos medievales. Los artistas del siglo
XV no van a continuar con los mismos temas que estaban desarrollando los pensadores de
finales del gótico, aunque es cierto que puede haber una continuidad, pero leve. Aunque
siempre solemos hablar con términos que se refieren a periodos, dentro del renacimiento
italiano (siglos xv y xvi) se advierte también un proceso evolutivo de la teoría del arte, lo que
significa que la teoría del arte no se concebirá igual ni se entenderá igual a lo largo de todos
estos siglos.

Hay también que hacer una puntualización interesante sobre el concepto de arte ya que aun en
el renacimiento, aunque pueda parecer contradictorio, el concepto de arte que domino en esa
etapa seguía teniendo que ver con lo que se entendía por arte en el mundo antiguo y la Edad
Media, el arte se concibió como una muestra mas de la habilidad artesanal del ser humano,

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aunque poco a poco se irán dando razones para que el arte se considere como una actividad
intelectual. Las distintas profesiones durante la Edad Moderna, siguen teniendo sus gremios al
igual que en el medievo. En la época de Velázquez, los pintores aun estaban constituidos como
gremios por lo que la consideración institucional que tenían los pintores era igual que la del
cualquier artesano, lo cual no quita que habrá intelectuales que irán intentando desligar el arte
del mundo del artesanado, pero en España tenemos que esperar hasta el siglo XVIII para que
este proceso se dé.
En ese proceso de transformación de lo que seria un debate sobre el arte dentro de la filosofía y
a esa concepción del arte dentro de los artistas encontramos una figura clave: Leon Battista
Alberti.

LEON BATTISTA ALBERTI (1404-1472)

Además de arquitecto fue muchas más cosas, era un artista polifacético. En esta época en la que
muchas de las disciplinas están naciendo y están en demanda, era posible que un mismo
individuo tuviera conocimientos en varios ámbitos del saber humano. Vive íntegramente dentro
del siglo XV. Se le suele relacionar con los intelectuales que ya están operativos en la década de
1420, aunque él será aun muy joven. En esa década encontramos artífices, tanto en el ámbito
del pensamiento como del ejercicio artístico, muy relevantes como Massacio.

En la ciudad de Florencia había una serie de familias aristócratas que pugnaban por el poder.
En este caso serán los Medici los que consigan hacerse con el control absoluto de la ciudad de
Florencia. En el rifirafe entre las familias de la aristocracia, serán algunas expulsadas de la
ciudad por haber perdido la lucha de poder. Entre ellas se encontrara la familia de Alberti, que
son exilados. Se refugiaron en la ciudad de Génova, donde nacerá Alberti. Se le dará una
circunstancia personal, ya que será un hijo ilegitimo, no obstante el padre se compromete en la
educación de su hijo y se compromete a reconocerlo como hijo, lo cual cuando el padre muere
se queda desvalido, sin protección. Como contaba con un respaldo económico importante, se
formara en la universidad de Padua y después estudiara Derecho en la ciudad de Bolonia. Una
vez que tiene esa formación universitaria consiguió un trabajo para el Papa, empezó a trabajar
para la curia romana. Esto no le impidió empezar su carrera como arquitecto tanto en el plano
teórico como en el practico. Esto se producirá sobre todo a partir del año 1428 cuando se
levanta a la familia Alberti la pena de exilio y se les permite regresar a Florencia. Será en ese
contacto con el mundo florentino que retoma, cuando empiece su carrera como arquitecto
practico. En Florencia encontraremos el Palacio Rucellai y la fachada de Santa Maria Novella
que era en aquel momento la iglesia de los españoles en Florencia, por lo que se comprende que
a través de esa comunidad los españoles se interesaran en los trabajos de Alberti. También
realizo el Templo Malatestiano de Rimini y san Andrés de Mantua. Se considera prototipo del
hombre del renacimiento porque se ocupo de una gran multitud de disciplinas. En el Templo
Malatestiano de Rimini fusiona el recuerdo de la arquitectura grecorromana con el culto
cristiano. El templo quedo sin terminar y en el siglo XX la ciudad de Rimini quedó arrasada
con los bombardeos de la II Guerra Mundial. Los habitantes de Rimini durante los
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bombardeos colocaron grandes sacos de arena que acabaron recubriendo el edificio y por eso se
conserva hoy día. Aparte del concepto de renacimiento, tenemos la buena arquitectura en
piedra, los ordenes clásicos, el gusto por los mármoles policromos, tenemos una recuperación
del vocabulario clásico pero en función de una utilidad propia de la época: la de templo
cristiano.

¿Por qué ocupa este lugar tan primordial Alberti en el renacimiento moderno de la teoría del
arte? Porque ademas de arquitecto practico y funcionario, fue escritor muy fecundo en temas
artísticos. En estos escritos que Alberti realiza sobre el arte, lo que le preocupa principalmente
es hablar de arte. Los filósofos usan el arte como un recurso colateral para corroborar algún
sentido, y pocos se ocuparon de forma exclusiva del arte. Alberti hablara exclusivamente de
arte como un tema exento y en si mismo, ademas desde un punto de vista filosófico. Esa
prioridad en el hecho de hablar de arte redactara tres obras dedicadas a las disciplinas
principales en las bellas artes, serán redactadas en latín:

- De pintura (1435): analiza la importancia de la perspectiva y el aplicarla de forma

convincente. Ademas, trata la observación del natural. En lo que se refiere a la observación
de la naturaleza, hará mucho hincapié en el tema de la luz y cómo ésta debe ser interpretada
de manera coherente por la pintura.
- De re aedificatoria (1450-1452): va a ser un ejercicio muy interesante que hará de referencia
de un texto del propio Vitruvio, el cual era el único texto de arquitectura que había llegado
hasta nuestros días procedente de la antigüedad clásica, de la Roma Republicana. El caso es
que el manuscrito de Vitruvio aflora en Italia y se dará a conocer. Alberti va a hacer un
tratado de arquitectura que de alguna forma renueve los escritos de Vitrubio. El trabajo de
Vitruvio se llama “Los 10 libros de arquitectura” y De re aedificatoria tiene 10 tomos, lo cual
viene a significar la vinculación que tenia con Vitruvio. Intentara traer a Vitruvio al siglo
presente a través de una actualización. Entre los puntos mas interesantes que defiende
Alberti tenemos cómo los lenguajes arquitectónicos de la antigüedad romana, los ordenes
clásicos, siguen teniendo vigencia y sentido en el siglo XV.
- De statua (1464): donde usa lo natural como modelo.

ALBERTI Y EL ARTE

En su tratado quiere trasladar que el arte tiene que obedecer a un sistema lógico, quien aborda
la creación de una obra ha de guiarse por un sistema iluminado por la razón. En esa razón tiene
que buscar el mayor parecido con la naturaleza. En el renacimiento se va a conseguir que lo que
dicen los teóricos del arte tenga que ver con lo que esta pasando en los talleres, se van a poner
en practica todo lo que esta en su mano para que el arte imite y parta de la observación directa
de la naturaleza. La principal finalidad del arte es crear belleza y eso, aunque parezca sencillo,
va a tener una fuerza enorme porque al compararlo con el medievo, el arte tiene que crear unas
imágenes adecuadas, decorosas de la divinidad, lo principal para el arte medieval era ser un arte
correcto en cuanto a la transmisión de los valores religiosos, en el momento que se quita ese
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factor, el artista tiene mayor libertad. Lo principal no es tanto la devoción como la belleza en si
misma. Esta afirmación no se va a llevar a la realidad al 100% ya que tenemos en Florencia
pinturas quemadas por indecorosas, que no están de acuerdo con la moral.

En el siglo xvi el Concilio de Trento dirá que todas las imágenes religiosas ha de recuperar ese
principio devoto. Alberti seria, sobre todo en la pintura y en la escultura, un seguidor de la
historia de la Chicas de Crotona. Es de los que piensa que si se actúa de este modo, la
naturaleza puede acabar siendo superada por el arte. El arte puede superar en belleza a la
naturaleza si lleva a cabo ese proceso selectivo. Aun así, Alberti dice que ese carácter
convincente de la obra como imitación de la naturaleza por si sola no estará, sino que hay que
añadir un ingrediente mas. Dice que es fundamental que el arte imite la naturaleza pero no es
solo eso, sino que ademas hay que añadir armonía. Ve la armonía como una proporcionalidad y
como un ritmo presente en la pintura, la escultura y la arquitectura.

Botticelli compone un tipo de rostro del que cada elemento ha sido tomado de individuos
diferentes y las composiciones de sus cuadros están sometidos a una cierta geometrización.
Hay que imitar la naturaleza pero seleccionando, y además que ésta esté dominada por una
armonía, un ritmo, una proporcionalidad matemática en todos sus elementos. Botticelli es un
pintor que defiende el tardogótico en algunos factores pero nos sirve para entender la órbita
que Alberti intenta crear en el ámbito de las artes bellas.

ALBERTI Y LA BELLEZA.

La belleza es un elemento consustancial pero asociado al arte. Partimos de la idea de que el arte
aparte de verosímil para Alberti ha de ser armónico, por tanto, si el arte ha de cumplir la
armonía y a su vez ha de ser bello, la belleza ha de ser armónica también. Ese principio de
armonía será para Alberti unos de los que domine la idea de belleza. Como redacta en latín usa
un termino que ya se había usado los romanos: concinnitas, que se traduce como armonía.
Realmente para elaborar esa idea de armonía recurre a Vitruvio y también usa el recuerdo de
Aristoteles, esa belleza armónica va a cumplir una proporcionalidad matemática, va a respetar,
cuando proceda, la simetría, y por otro lado todo esto provocaría según Alberti un placer en la
vista, retomando esta idea de Aristoteles. Afirma que la experiencia pictórica es placentera para
nosotros porque estimula la vista. La pintura será la que mas impresione a la visión por el uso
del cromatismo. El cumplimiento de los principios matemáticos ha de estar en todo tipo de
artes pero son realmente imprescindibles y oblongos en el ámbito de la arquitectura, que
necesariamente ha de aplicar estos conocimientos.

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LEONARDO DA VINCI (1452-1519)

Leonardo fue un hombre con intereses y con capacidades que iban mucho mas allá del mundo del arte.
Aprovechara el conocimiento de otros ámbitos muy distintos al de la pintura para enriquecer su propios
conocimientos como pintor.

Se educa en la ciudad de Florencia, pero esa educación que va a llevar a cabo por decisión de su padre
que dará el visto bueno para que se forme como artista, no será de carácter altamente intelectual sino
que será fundamentalmente practica, tendrá una formación en el taller de Verrochio orientada hacia la
practica lo que nos puede situar en un punto peculiar, ya que en el momento en el que Leonardo se
forma en Florencia, en la ciudad tiene presencia una corriente: la neoplatónica que triunfa en el
panorama florentino de la segunda mitad del siglo XV. Pero sin embargo Leonardo no será, al menos en
su etapa de juventud, alguien que este influenciado por el neoplatonismo. Va a optar por una formación
no tanto intelectual sino que será mucho mas cercana y basada en la experiencia practica de los talleres.

Con la etiqueta de neoplatonismo se habla de un resurgimiento de las ideas de Platón, pero dentro de
esa linea de vuelta a lo platónico, vemos como habrá autores que dan matice precisos. Por lo tanto, el
neoplatonismo es muy amplio y dependiendo del contexto en el que nos movamos debemos hacer una
matización u otra. En este caso, el neoplatonismo florentino consistía en crear una hermandad entre el
cristianismo y la antigua tradición clásica. El uso de la tradición clásica va a ser algo que de alguna
manera caracterice ese neoplatonismo de la Florencia del siglo XV.

Va a crecer en una ciudad en la que hay multitud de intelectuales y creadores fascinados por el
neoplatonismo, pero el no entrara en esa fascinación sino que se mantendrá en una órbita mucho mas
independiente y se centrara en los conocimientos que le ofrecía el taller, se centrara mucho en la parte
técnica del arte, sobre todo en su etapa de juventud. Esa independencia de Leonardo respecto a lo que
era la corriente filosófica de moda en ese momento, va a llevar a que durante el resto de su vida continue
siendo un pensador con una gran autonomía, madurando y reflexionando desde su propia interioridad,
lo que llevara a que su legado tenga un valor autónomo respecto a su época. Sobre todo se va a guiar por
su propia experiencia, por lo que es el principio científico mas básico que se puede seguir a la hora de
indagar o conocer un nuevo campo. Aunque el renacimiento supone un salto muy importante con
respecto a la época del gótico, aun quedaba mucho por investigar y por saber, por lo que los nuevos
artistas se encontraran ante disciplinas que casi están naciendo. Es por ello que la experiencia del ser
humano, sobre todo basada en la observación, será en lo que base Leonardo en todo su pensamiento,
será la propia experiencia de él como individuo la que va a unir todo su pensamiento.

Del pensamiento de Leonardo conservamos bastantes testimonios. En esto tuvo mucho que ver por una
parte la admiración que la propia gente de su época tuvo hacia él y, por otro lado, el cierto cuidado que
sus herederos pusieron en cuidar su legado. Hoy en día, distribuidos por diversos museos de Europa se
conservan 16.000 paginas escritas por Leonado, en las cuales son abundantes sobre todo los dibujos,
mediante los cuales expone gráficamente sus observaciones y estudios. Los estudiosos de Leonardo nos
dan una mayor cifra, ya que apuntan que durante su vida Leonardo llego a llenar con sus pensamiento en
torno a 50.000 paginas. Este material por lo general se ha conservado reunido en cuadernos, los cuales a
veces abordan una única temática, y otras veces abordan múltiples temas.

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De Florencia va a Milán donde sirve a los Sfroza y de ahí pasa a Francia donde sirve al rey Francisco I.
Finalmente muere en Paris.

Leonardo tuvo un interés casi obsesivo por captar la atmósfera en la pintura, su deseo de introducir en
la pintura una reflexión de como la atmósfera incide sobre los cuerpos y en los ambientes. Esto para el
era algo primordial. En la Adoración de los Magos (1481), podemos ver como aborda técnicamente la
realización de una pintura ambiciosa con múltiples personajes y una arquitectura de fondo. Esto nos
enseña el interés que tenía en terminar los fondos, es lo que aborda con mayor inmediatez, lo cual nos
pone en la órbita de que Leonardo estudió las plantas y fue un gran conocedor del comportamiento de
la vegetación. Será esa faceta naturalista de Leonado uno de los pilares que podemos apreciar tanto en
su obra teórica como pictórica.

LEONARDO Y LA PINTURA

Hemos visto como intenta captar de una forma precisa la atmósfera, algo que a primera vista se nos
escapa de la visión, ademas de la apariencia inmediata de los seres vivos. De alguna forma, observando la
propia obra de Leonardo y leyendo los fragmentos de sus obras en los que Leonardo habla sobre arte y
fundamentalmente sobre pintura, podemos sacar una conclusión primera pero fundamental para
entenderlo, ya que considero que la pintura era un tipo de actividad científica, que debía responder a un
comportamiento propio de una ciencia. Para ello siempre tiene que haber unos principios que den
solidez a esta disciplina. En este caso, entre los puntos que dan el carácter científico de la pintura seria
el uso de la perspectiva, el usarla según las leyes de las matemáticas. Sabemos que para dibujar sobre dos
dimensiones hay que trabajar con los llamados puntos de fuga. El otro elemento en el que Leonardo
basa el carácter científico de la pintura es el estudio de la propia naturaleza, el llegar a comprender de
una forma profunda cada una de los seres o cosas que pueden aparecer en una cierta obra. Él cree que la
pintura tiene que fundamentarse en un científico que sean puramente sólidos o contractables haciendo
eco del concepto de ciencia.

Alberti decía que primero había que iniciarse en la practica y luego conocer la teoría. Ante esto,
Leonardo da en cierta medida, un giro a este pensamiento ya que el nos sitúa en una órbita mucho mas
cercana a lo que hoy día se mantiene como método de aprendizaje en nuestra disciplina: primero la
teoría y luego la practica. “El pintor que pinta sólo por la practica y el uso de sus ojos, pero sin el
entendimiento, es como un espejo que refleja sin comprender nada de lo que tiene frente a él”. Esto
tiene sentido en un sistema en el que la observación previa y la matemática es tan importante.

Otra valoración que Leonardo hace a propósito de las artes y fundamentalmente de la pintura, que fue
la que mas le intereso, fue la superioridad de ésta frente a la escultura. Las razones que de alguna manera
usaba para defender esa superioridad de la pintura frente a la escultura era que la pintura trabaja con el
color mientras que la escultura trabaja con los materiales, por lo general, en un solo tono (bronce o
piedra). Esto le lleva a afirmar que la pintura es algo mas complejo y cercano a la naturaleza y por lo
tanto es superior. Para él, la pintura ha de intentar acercarse lo máximo posible a una experiencia
creíble, que se identifique con la propia visión de la naturaleza. Este factor será el que nos sirva para
juzgar el éxito o el fracaso de una obra de arte. Esto no deja de ser algo problemático en la obra de
Leonardo pero es lo que él sobre el papel nos dice. Como ejemplo tenemos la obra Santa Ana, la Virgen y
el Niño (1510-13) donde podemos ver la creación de la atmósfera, la creación de marcos lejano y cercanos

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al espectador, la captación de personajes y cosas que aparecen en el plano, defiende una pintura que es
una captación casi fotográfica, aunque esta obra dicta mucho de ser una instantánea fotográfica.

También tenemos la cuestión del paisaje que ha posibilitado el debate sobre si el paisaje que pinta esta
basado en la realidad o es ficticio. Hay algunos que piensan que estas formaciones rocosas tan
exuberantes y llamativas que pinta en muchas de sus pinturas son una respuesta a la llanura italiana de
la zona que une Florencia con Milán; pero hay también autores que dicen que esa elaboración es
fantástica. Por tanto tenemos una incógnita entre lo que nos dice Leonardo en sus escritos, la defensa
de la pintura como una experiencia de verosimilitud y realidad, pero después en los estudios no tenemos
constancia de qué quería crear exactamente.

Al contrario de sus dibujos de los cuales tenemos miles, las pinturas de Leonardo son pocas, no pasa de
las 25 obras, es un catalogo limitado que nos habla de su carácter perfeccionista. Si nos atenemos a sus
escritos, Leonardo se muestra en contra de la selección de parte, para el arte no debe construir figuras
idealizadas, no debe construir seres idealizados compuestos de elementos escogidos ya que esto haría
que sus puntos de vistas sean poco naturales. Parece que en cierta medida flexibiliza sus propuestas
teóricas a la hora de ponerlas a la practica en sus obras.

Con respecto a sus dibujos, podemos decir que son muy detallistas, muy profundos, la curiosidad llegaba
a limites extremos. Ese conocimiento de carácter experimental luego va a revertir en su propio arte. En
este momento de la Italia del siglo XV, no solo Leonardo sino otros muchos intelectuales y artistas
gozaban de mucha libertad ya que se les permita hacer cosas que en otros sitios estaban prohibidas
como por ejemplo la disección de cadáveres. Estamos ante un individuo que primero quiere conocer a
fondo y después quiere pintar. Curiosidad por conocer basado en la experiencia, que después revierte en
el arte.

Para intentar comprender las puertas que Leonardo abre de cara al futuro de la teoría del arte, debemos
decir que Leonardo será el primer autor que nos hable de la llamada teoría de la expresión. Él como
escritor sobre arte, va a intentar indagar en algo que de forma intuitiva los artistas habían ensayado a lo
largo del tiempo pero que no se había redactado por escrito hasta el propio Leonardo. Esta teoría de la
expresión seria el intento por parte de lar artes, concretamente por parte de la pintura en este caso, de
encontrar mediante las expresiones faciales y mediante los gestos, la expresión adecuada del carácter de
ese hombre o mujer que esta siendo representado, es decir, que la pintura mediante la representación de
los rostros y de los gestos pueda dibujar de una forma científica y exacta el carácter de un ser vivo. “El
buen pintor debe pintar, sobre todo, dos cosas: el hombre y las ideas del espíritu humano. lo primero es
fácil, lo segundo difícil, porque las ideas no se pueden expresar mas que con los gestos y los
movimientos de los miembros”. Leonardo nos dice que hay que pintar a los hombres, lo cual es simple, y
al espíritu humano, lo cual es mas complejo, ya que hay que mirar que correspondencia hay entre el
rostro, es decir, entre los gestos y el temperamento de cada ser humano. Este estudio de Leonardo se
pondrá en practica a partir del siglo XVIII. En relación a esto tenemos los dibujos sobre estudio de
rostros de ancianos, donde dibuja a seres singulares, rostros que pueden transmitir una cierta idea: que
el alma humana se va cargando de una cierta negatividad, pesimismo, malicia, etc. El pintor ha de ser un
anticipador del psicólogo captando el temperamento del personaje a través del rostro.

Otra cuestión que Leonardo saca en sus escritos es la del decoro. Esta es una idea que esta presente en
Europa desde la Edad Antigua pero que en el renacimiento retoma fuerza. Es la idea de que cada cual ha

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de ser representado conforme a su condición social, a su dignidad y a su edad, cada individuo ha de ser
representado según su situación social. Los elementos que están involucrados en esto son los gestos, los
movimientos y las vestimentas. Esta es una idea que estuvo muy arraigada hasta hace poco tiempo.

Concibe al pintor no solo como un sabio, que tenia que serlo ya que tenia que tener uno conocimientos
básicos, pero al mismo tiempo también tenia que ser un creador. Al pintor se le pide reproducir con
nuevos elementos episodios sagrados, de la antigüedad.

Los reyes de Inglaterra, desde el siglo XVIII, se dedican a coleccionar dibujos, entre los cuales se
encuentran algunos de Leonardo. Entre esos dibujos de Leonardo, el mas importante es el Libro de la
Tormenta, donde mediante varios dibujos Leonardo estudio la evolución de una tormenta.

EL TRATADO DE LA PINTURA

El tratado de pintura de Leonardo es un libro que cuenta con traducciones prácticamente en todos los
idiomas. Este tratado en realidad es algo engañoso porque ese libro no fue organizado ni publicado por
Leonardo en vida, sino que correspondido a un discípulo suyo organizar los materiales de Leonardo
después de su muerte. Cuando Leonardo se va a la corte de Francia con el rey Francisco I se lleva
consigo a un discípulo llamado Melzi, que será el principal heredero de Leonardo. De hecho, le deja en
herencia la propia Gioconda. Por lo tanto puede ser que este mismo Melzi organizara los papeles que
Leonardo tenia escritos, que realizara una catalogación de los escritos de Leonardo. Esto no es del todo
certero per es una posibilidad.

Mucho tiempo mas tarde de su muerte, se retomaron esos apuntes de Leonado ordenados y con ello se
creo un libro que llevo por titulo el Tratado de Pintura de Leonardo da Vinci. El responsable de sacarlo
impreso fue Raffaello Du Fresne en 1651. Lo que si tenemos es un testimonio de su vida que habla del
interés que tenia estando vivo por crear un libro sobre pintura. Luca Pacioli fue uno de los principales
matemáticos del renacimiento y amigo de Leonardo, al cual le dijo que estaba terminando un tratado
sobre la pintura y movimientos humanos, por tanto, con lo que seria su teoría de la expresión incluida.

La finalidad de los escritos de Leonardo seria subrayar la pintura como una ciencia. El libro resultante,
el que se publica, cuenta con dos secciones que se puede diferenciar: una primera teórica en la que se
van analizando los principios del arte de la pintura según Leonardo, que tiene que ver con lo que
pensaba de que primero se tiene que aprender la teoría y después la practica; y una segunda parte de
vigor practico donde se habla de como preparar los lienzos, los pigmentos, los pinceles, da una serie de
consejos a los jóvenes pintores de como se puede ir haciendo con la técnica de la perspectiva y la
proporción a la hora de realizar una obra.

MIGUEL ÁNGEL (1475-1564)

Es uno de los grandes protagonistas del arte occidental. Representa unos de los mayores episodios de
renovación en la historia del arte europeo y su contribución a las artes hace que su legado se constituya
como una etapa genuina dentro del renacimiento.

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Tuvo una vida bastante longeva lo cual tendrá implicaciones en su pensamiento a propósito del arte y a
propósito de la belleza. Al se un individuo que ya en su momento gozo de una admiración, muchos de
sus testimonios han sido preservados con cierto mimo por la gente desde su propia época hasta
nosotros. Esa admiración hacia Miguel Ángel ya en su propia vida, han contribuido a que nos lleguen
muchos testimonios de él. Contamos con unos materiales que nos serán de especial utilidad y en
concreto la colección de poemas que se le deben. Miguel Ángel fue un continuado escritor de poesía a
lo largo de su vida, la cual tuvo una temática amorosa y que contó con dos destinatarios principales, una
mujer y un hombre con los cuales mantuvo vínculos estrechos a lo largo de su vida: Vittoria Colonna y
Tommaso de Cavalieri. En esos poemas amorosos a menudo se encuentran valoraciones de la idea de
belleza puesto que en ellos aborda el sentido del amor desde una visión muy amplia y no solo desde un
punto de vista estrictamente amoroso. Aparte de estos poemas hay dos biografías que dan información
sobre el pensamiento de Miguel Ángel: la primera es la de Giorgio Vasari (1550) y por otro lado
contamos con una biografía redactada por un discípulo de Miguel Ángel, Ascanio Condivi (1553).
También se conservan, repartidas en distintas bibliotecas y archivos, numerosas cartas de Miguel Ángel
tiene muchísima correspondencia cruzada sobre todo cuando estaba viviendo en Roma con sus
parientes que viven siempre en Florencia. En esa correspondencia puede ser muy rica lo que en ella se
dice para comprender los particulares de su vida privada pero no aporta ninguna dato sobre el
pensamiento de bella o de la historia del arte.

Al igual que vimos cuando hablamos de Platón, el pensamiento de Miguel Ángel va a ir mutando a lo
largo del tiempo. Una persona tan longeva y que lleva una actividad intelectual tan intensa, sus puntos
de vistas no se van a mantener firmes a lo largo del tiempo sino que irán sufriendo modificaciones según
pasan los años. Tenia una personalidad muy característica, era rudo, violento y serio pero estaba dotado
de una gran genialidad. Los psicólogos concluyen, analizando la vida de Miguel Ángel, que tal vez pudo
sufrir el síndrome de asperje.

Miguel Ángel comienza a formarse en Florencia, ciudad natal, en la que comienza a formarse como
pintor, aunque luego será la escultura su vocación autentica. Se formo en el taller de Ghirlandaio.
Siendo joven se dará algunas tensiones entre el y su maestro, lo que le encaminara a buscar formación
fuera de ese taller. Esto tendrá mucho que ver con su teoría del arte. El lugar donde encontrara el medio
adecuado para poder desarrollar su capacidad como artista será el Giardina di San Marco, también en la
ciudad de Florencia. La familia Medici tenia entre sus muchas propiedades un jardín conocido con este
nombre en el cual había una serie de esculturas, fundamentalmente romanas y griegas, que estaban
abiertas al publico. Se permitía a los jóvenes artistas que entraran para ver y dibujar esas esculturas.
Miguel Ángel aprovecho esa oportunidad y acudió a ese jardín para estudiar y dibujar esas esculturas
que la familia Medici tenia. Ese jardín, ademas de ser un museo al aire libre también era un sitio de
reunión de los filósofos seguidores del movimiento neoplatónico en la Florencia del siglo XV. La propia
familia Medici había protegido y adoptado parte de ese pensamiento, con lo cual, abrieron una de sus
propiedades para que estos filósofos pudieran allí reunirse. Esto recuerda a la Academia de Platón en
Atenas. Es por tanto un esquema que quiere seguir lo que Platón había hecho años atrás.

¿Por que se da en Florencia ese brote de pensamiento neoplatónico? Hay un factor, que no podemos
decir que sea el único, pero que tiene sin duda mucho que ver con ese brote de pensamiento
neoplatónico en la ciudad de Florencia durante el siglo XV. En el año 1453, en el mediterráneo, ocurre la
caída de Constantinopla, la gran capital del oriente mediterráneo, en manos de los turcos. Desde el
punto de vista intelectual se produce un fenómeno interesante y es que muchos de los grandes

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pensadores que aun existen en Constantinopla trabajando sobre la herencia de Platon y Aristoteles se
refugiaran en Europa, sobre todo en Florencia y Venecia, por tanto se dará un trasvase de todo el
pensamiento filosófico que aun sigue vivo en Italia. Venecia será la ciudad que mas abrirá sus puertas a
esos exiliados del mundo bizantino. Antes de 1453 se da en Italia la curiosidad del saber de lo antiguo y a
ello se une la circunstancia de la llegada d esos refugiados que son personas que trabajan en el ámbito
del pensamiento. Ademas, tenemos a unos gobernantes, la familia de los Medici, muy interesados en la
promulgación de la cultura, son gente culta y preparada que da cabida en su ciudad al desarrollo
intelectual.

¿Que figura es la que domina en ese jardín de San Marco de los Medici? Marssilio Ficino. El propio
Miguel Ángel tendrá ocasión de interactuar con ellos y algunos le protegerán, de manera que será
instruido de forma directa por todos estos pensadores de la academia neoplatónica de Florencia. A
partir de esa experiencia, entenderemos como Miguel Ángel estará marcado por lo que ahí se pudo
suscitar a su pensamiento y a su reflexión desde un punto de vista mas teórico.

El gran fin que perseguía el neoplatonismo florentino era que en un sistema de pensamiento general
dominado por el cristianismo dar cabida a muchos pensamientos y planteamientos procedentes del
mundo pagano. Esto funciono durante una serie de años, los cuales fueron los de la juventud de Miguel
Ángel, ya que esta hermandad entre cristianismo y paganismo encontró, no mucho tiempo mas tarde,
unas contestaciones mas fuertes procedentes del fraile Savonarola, el cual combatió esa paralización del
mundo cristiano, saliéndose con la suya ya que la sociedad florentina, a finales del siglo XVI, se
convierte en mas conservadora y cerrada de lo que había sido en el siglo XV.

¿En que podemos resumir la teoría neoplatónica? Ademas de su deseo de hacer hermandad entre el
mundo cristiano y el mundo pagano, el pensamiento neoplatónico florentino concibe al ser humano
como un ente que asocia un cuerpo y un alma. En este sistema filosófico se le llama al ser humano de
una forma muy curiosa porque se le considera un resultado de una cúpula realizada en el propio mundo,
en el propio universo, la cúpula mundi: es un individuo que cuenta con un alma y un cuerpo. Aparte del
carácter espiritual, el ser humano cuenta con la razón. Dice el sistema de pensamiento neoplatónico
florentino que gracias a la razón, el ser humano podrá paulatinamente ir subiendo los distintos niveles
del universo desde la tierra hasta el nivel superior en el que se encuentra el dios cristiano. Este
neoplatonismo florentino nos dice que el ser humano gracias a la razón tiene la posibilidad de ascender
en la búsqueda a Dios. Los neoplatónicos florentinos creen en un sistema hiperuránico, ellos todavía,
por influencia de los geógrafos griegos de la antigüedad, piensan que el universo aun esta concebido
como una serie de esferas concéntricas, una dentro de otras. Dentro de ese sistema de esferas, la
interior seria la tierra y la mas superior seria Dios. En este sistema, el hombre podría ascender en la
búsqueda de la divinidad guiado por la razón. También habrá otros elementos que le ayude en ese
ascenso hacia la búsqueda de dios: la belleza. Este sistema neoplatónico florentino cuenta con alguna
peculiaridades que lo diferencia de otros neoplatonismo que ya hemos visto.

MIGUEL ANGEL Y LA BELLEZA.

A la hora de hablar de Miguel Ángel no solo consideraremos la teoría del arte sino también la estética.
Esa dimensión del pensamiento estético de Miguel Ángel, lo encontramos expresado
fundamentalmente en sus poemas. Dentro de los poemas van a ser aquellos dirigidos a Tomasso de

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Cavalieri donde se exprese de forma mas clara lo que seria ese concepto. Lo que si esta claro es que
Miguel Ángel va a impregnar todo su pensamiento de un fuerte neoplatonismo, ya que es su formación y
origen, es su escuela, algo muy distinto de lo que ocurre con da Vinci que habiendo nacido en este
ambiente se mantiene al margen del neoplatonismo.

Dentro de ese sistema neoplatónico de las esferas hiperuránicas y del ser humano que asciende hacia
Dios, la belleza tendrá un gran papel y será algo digno, algo valioso. Dentro del ámbito físico, de lo
material, la máxima belleza Miguel Ángel la va a reconocer en el ser humano, lo cual no sorprende, tan
solo hay que mirar los cuerpos de la capilla Sixtina. Exaltar esa belleza va a ser uno de los grandes temas
de su arte, pero será una exaltación peculiar, muy propia, porque al contrario de la mayor parte de
artista que le había precedido en el renacimiento, Miguel Ángel no intenta igualar a la naturaleza sino
que intentara superarla. Cuando pinta los cuerpos de la capilla Sixtina o cuando pinta las Sibilas, está
intentando dar una respuesta a ese deseo de que el arte supera a la propia naturaleza, propone a unos
seres imposibles en los cuales esa imposibilidad nace de superar lo que la propia naturaleza puede crear.

¿Por que en ese camino del ser humano hacia Dios, atravesando las distintas esferas, resulta tan
importante la belleza? Porque la belleza nos hace despertar en ciertas ocasiones el sentimiento del amor.
Piensa Miguel Ángel que el amor si que nos condiciona, de una forma directa, a lo que serian las esferas
superiores. Por tanto, la belleza lleva al amor y éste a Dios y por tanto, casi el circulo se cierra porque
Miguel Ángel considera también que Dios es la propia belleza, la esencia de la belleza en si misma y que
de ella parte toda la belleza verdadera. El propio Dios es la fuente de toda belleza. De este modo, la
belleza ayuda al ser humano a saldar todo el camino de elevación hacia Dios. Esto es lo referido a la
belleza externa. A pesar de esto, considera también que existe una belleza espiritual pero no por la
presencia de ésta no considera la belleza visible, sino que le adquiere una gran importancia.

MIGUEL ANGEL Y EL PROCESO CREATIVO

Esto ya seria teoría del arte, puesto que Miguel Ángel hará aportación a ambas disciplinas: estética y
teoría del arte.

El arte de Miguel Ángel pretende superar a la naturaleza en perfección y estaba convencido de ello,
estaba convencido de que el artista puede con su obra superar a la naturaleza en cuanto a la superación
de belleza. Pero, ¿como puede llevar a cabo esto el artista? Según Miguel Ángel, eso es posible gracias al
uso adecuado de la imaginación, de aquello que nuestra mente puede idear y puede imaginar sobre lo
que no existe, puede mentalmente crear aun cuando esto no existe. Por tanto, lo decisivo en el proceso
creativo de Miguel Ángel es que el artista tenga una idea suprema en su mente y que esa idea la sepa
transmitir tanto en la pintura como en la escultura. Miguel Ángel en sus poesías, considera que esa idea
de la que parte el proceso va a ser siempre superior en belleza a la obra final. La idea es mas fuerte en la
obra final que en la idea mental. Lo que subyace en su pensamiento es que cree que verdaderamente el
arte esta en condiciones de superar la naturaleza y acaba dando una demostración de ello con su obra de
la Sixtina, donde se exalta ante todo la belleza del cuerpo humano.

Miguel Ángel afirma a lo largo de su vida que era ante todo escultor y que la escultura era su verdadera
pasión, lo cual no quita que se viera condicionado a abordar proyectos de pintura y arquitectura. Es por
eso que hablara mas de su concepto de cómo se gesta y se desarrolla el proceso de creación de una

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escultura. Miguel Ángel reelabora un concepto aristotélico, el cual piensa que hay en toda la materia un
momento de transformación y un momento de resultado de esa transformación. Hay cosas que pueden
ser otras, que pueden transformarse en cosas diferentes, son los procesos de potencia y los procesos de
actos. Lo que hace Miguel Ángel será aplicar estas ideas viejas, pero no por ello inútiles, de Aristoteles al
arte de la escultura. Lo que hay que buscar es una forma definida que se encuentra en la masa informe
por la que el escultor empieza a trabajar. Sobre todo trabaja el mármol y el bronce, pero lo mas habitual
era el mármol ya que el bronce era costoso y se tardaba mucho en trabajar. Sobre todo llegaba mármol
de Carrara, muy blanco, que aun se sigue utilizando. Recibían en su taller un bloque de piedra que venia
de Génova y lo empieza a trabajar. En el bloque de piedra bruta, Miguel Ángel dice que hay una forma
oculta y que el escultor es el encargado de sacar esa forma que esta oculta. El escultor debe ser
capacitado para reconocer o imaginar cual es la forma que esta oculta en ese bloque y con su trabajo
sacar a la vista esa forma oculta. Un ejemplo de esto es el David (1501-1504).

La escultura esta existiendo en potencia en el propio bloque de piedra, potencialmente la escultura esta
tapada dentro de ese bloquee y el escultor con su trabajo lo que hace es sacar a la luz esa forma oculta.
Miguel Ángel dice que al igual que la escultura esta en potencia en el bloque, la idea del artista también
esta atrapada en el bloque. La finalidad es descubrir esa idea que esta tapada, lo cual lo hace mediante el
proceso de talla que lo va corrigiendo sobre la marcha. Comienza sin saber que va a hacer, tiene una idea
aproximada, pero será sobre la marcha cuando decide los detalles porque realmente no solo está
descubriendo una forma sino que esta descubriendo una idea sobre la marcha. Esto es una habilidad que
pocos genios han tenido a lo largo de la historia, aunque se parece algo a Bernini en el siglo XVII pero
no llega al nivel de audacia de Miguel Ángel. De esta manera, ese acceso sobre la marcha, va a ser algo
que este purificado teóricamente al decir Miguel Ángel que esta descubriendo una idea sobre la marcha.

En su etapa final llegara a un estado de cansancio psicológico, donde ademas de trasformarse su

pensamiento se van a confirmar también muchas de las lineas de lo que había sido su propia vida. Un
ejemplo de su ultima etapa es la Pietà Rondanini, de la cual no se sabe el destinatario y estuvo trabajando
durante muchos años. Aparece en Roma en manos de una familia particular en 1960, la familia
Rondanini, no se sabe exactamente de donde le llega a esta familia esa obra y el caso es que esta familia
la pone a la venta y la ciudad de Milán que no tenia ninguna obra de Miguel Ángel en su patrimonio
hace una colecta y con eso se compra para la ciudad de Milán esta obra. Esta piedad resume
perfectamente cómo el artista va a ir buscando la idea durante el propio proceso de talla. En ella
podemos ver como Miguel Ángel se va corrigiendo a lo largo del tiempo. Es una escultura misteriosa
pero si podemos ver muchos arrepentimientos: a la virgen le hace la cara en un sitio y luego lo hace en
otro, iba a tener los brazos anchos y luego los acortas, Cristo iba a tener una inclinación y luego lo hace
mas erguido, esto nos pone de manifiesto como va a ir buscando la propia idea durante el proceso de
talla.

LA ETAPA FINAL (1545-1565)

Fue un hombre bastante longevo y eso le llevo a modificar su percepción y entendimiento del arte con el
paso de los años. Es bastante curioso que en sus últimos años va a vivir un acercamiento muy extenso
hacia el cristianismo mas estricto. Algunos autores piensan que ese pensamiento de Miguel Ángel
también puede relacionarse con todo lo que había sido las predicaciones de Savonarola en Florencia, las
cuales quedaban atrás, pero podría quedar una reminiscencia en la mente del Miguel Ángel anciano.

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También hay algunos biógrafos que tienen en cuenta el auge que en Europa tiene en esas fechas el
protestantismo. En el siglo XVI, lo que hasta el momento era unidad de la iglesia cristiana, al final se
rompen en tres partes. Esto provocara en el pensamiento de Miguel Ángel en sus últimos 20 años, una
metamorfosis. Se va a expresar esa metamorfosis en un interés mucho mas acentuado por lo espiritual y
sobre todo por un acercamiento intenso hacia el cristianismo mas tradicional. Miguel Ángel llega a
cuestionarse si verdaderamente el arte merece la pena.

LA TEORIA DEL ARTE DEL SIGLO XVII: ROMA Y PARIS

Cuando nos acercamos a esta etapa, en lo que se refiere al siglo XVII podemos advertir como la
primaria cultural que había reinado en la teoría del arte en la ciudad de Florencia, ahora va a se
transferida a otra ciudad italiana que era muy activa también en mecenazgo y producción artística:
Roma, que será la gran cuna del pensamiento a propósito del arte. Pero esta primaria no durara durante
toda la época barroca sino que a mediados del siglo XVII aparecerá otra capital que pugnara con Roma
por ser la capital del arte: hablamos de París. Se dará una serie de circunstancias en el contexto político
y cultural de París que harán de la ciudad en un epicentro de primera magnitud. Esa primaria cultural
artística e intelectual, París la va a conservar durante todo el siglo XVIII.

Dentro de este panorama cultural del barroco, y sobre todo de la primera mitad del siglo XVII vamos a
encontrar, muy especialmente en Italia pero también en otros lugares del continente europeo un par de
especialidades que van a contribuir mucho al debate, la reflexión y la formulación de nuevas teorías.
Estas dos especialidades van a ir ligadas al mundo, no tanto de los creadores, sino muy especialmente de
los aficionados y amantes de las bellas artes. Estas dos especialidades son: la figura del anticuario que
debemos de entenderla de una manera diferente a como se entiende hoy día, ya que se refería al
individuo que siente una profunda pasión por conocer el mundo antiguo y muy especialmente el mundo
griego y romano en toda la especialidad que tuviera a su alcance. Es un gran erudito que intenta ampliar
su conocimiento a conciencia del mundo antiguo, habrá deseo de aprender por parte de los antiguos
igual que lo había en el renacimiento. La otra de las característica es la institución de la Academia, pero
también debemos hacer una puntualización ya que actualmente solemos pensar en academia como un
lugar de enseñanza pero en el siglo XVII, la academia se entiende como una reunión de eruditos, de
amantes del arte, entre ellos habría anticuarios, pintores o escultores que tienen una formación
intelectual bastante alta. Por tanto, la academia es un lugar de debate, de intercambio, de reflexión.
Estas academias no estaban asociadas a ninguna tipo de organismo publico sino que por lo general eran
sostenidas y pronunciadas por personajes acomodados de la alta sociedad, como podían ser cardenales,
aristócratas que en sus propias casas o palacios facilitaban las reuniones. Según avanza el siglo XVII la
academia ira cobrando el sentido que actualmente le damos. Este fenómeno de las academias no será
algo privativo de Italia sino que será algo que se de en múltiples lugares del mundo europeo. Estas
academias ayudaran a ir forjando una teoría de la historia del arte propia de la etapa en consonancia con
las aptitudes artísticas del momento.

GIAMPIETRO BELLORI (1615-1696)

Fue pintor pero se le recuerda mas que nada por ser teórico del arte puesto que fue ahí donde mas
sobresalió. La obra que le consagra como una figura clave de este periodo es una recopilación de

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biografías de artistas, seria como un continuador de Vasari. Concretamente su obra lleva por titulo Vite
de Pittori, escultor ed architetti moderni.

Ademas de narrar las vidas de diversos artistas que se desarrollan en torno a la ciudad de Roma, también
hace valoraciones con un sentido global para la historia del arte. Algo interesante que aporta Bellori
seria el análisis que hace de la actitud manierista y la actitud naturalista del arte. Del naturalismo opina
que los pintores no tienen ideas en su miente porque lo que hacen es trasponer lo que ven en la
naturaleza a su obra, mientras que del manierismo advierte del peligro de alejar al creador del ejemplo
de los grandes maestros. Da, en su obra, valoraciones negativa y positivas de cada una de ellas, no se
define por ninguna de ellas.

Algo interesante que introduce en su libro biográfico es que considera la belleza como “aquello que hace
a las cosas como son en su correcta y perfecta naturaleza”, admitiendo al mismo tiempo que “las formas
de la belleza son variadas”.

NICOLÁS POUSSIN (1594-1665)

En el proceso de trasvase de la capital de Roma a París influyeron varios factores, pero uno de ellos fue
el encontrar a diversos pintores y escultores trabajando y formandose en Roma, los cuales llevarían a
París todo lo que habían aprendido en la capital italiana.

Uno de ellos es Poussin, quien ademas de ser un celebrado pintor es una figura muy internacional, será
uno de los artistas que servirán de puente entre París y Roma y ademas va a redactar una serie de cartas
en las cuales expresa su concepción sobre el arte de la pintura, que era el que realmente el practicaba. Se
va a poner incluso de moda entre los jóvenes artistas franceses del siglo XVII pasar una serie de años en
Roma formandose, aprendiendo lo que allí se puede aprender en cuanto a enseñanza artística. Fue
también teórico del arte, escribió cartas con la intención de que las leyera mucha gente, que se
difundieran casi como un libro. En esas cartas aborda su concepto de pintura y lo que cree que la
pintura tiene que hacer.

Un ejemplo de su obra es los Pastores de Arcadia, muy simbólica de su estilo ya que quiere crear
atmósferas que sean los mas fieles a como serian algunas escenas en el mundo romano antiguo. Se
documenta muy bien de como era la vestimenta, el calzado, la joyería que usaban los antiguos romanos y
crea con sus obras escenas muy fieles a lo que seria el mundo clásico en Italia. En este sentido, entronca
con ese gusto por crear un pasado antiguo, lo que seria su pensamiento general a través del arte
pictórico. El cuadro nos representa un sepulcro construido en piedra y los pastores están mirando que
hay en el sepulcro, lo que suscita un deseo de intentar revelar el misterio, hay esa atmósfera de misterio,
de incertidumbre. Dice que la mayor finalidad de este arte es el deleitar, esta seria la clave del arte de la
pintura. En una de las cartas que escribe nos dice el propio teórico que todo lo que hay bajo el sol es
digno de ser imitado mediante el arte, aunque las acciones humanas son las superiores de todas en
cuanto a dignidad. Por tanto, hay algo de la idea de la pankalia, que la belleza esta en toda la creación y
el gusto aristotélico que subyace en el pensamiento de Poussin.

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Otro de los elementos que encontramos en su teoría del arte, es la defensa de que el arte de la pintura
ha de saber suscitar un estado anímico en el espectador. Esta es una idea relacionada con la teoría de las
expresiones de Leonardo.

¿Que ocurre para que París en poco tiempo se convierta en el gran epicentro europeo? Dos nombres
fundamentales para comprender ese proceso de trasvase de la capitalidad del arte desde Roma a París
son: Luis XIV y G.B. Colbert. En la década de 1660 ya asume el control de la monarquía francesa Luís
XIV. En Francia, antes hay una reina regente, Ana de Austria, viuda de Luís XIII y madre de Luís XIV.
Esa regencia es una época de muchos conflictos ya que ella intenta favorecer al bando de nobles
apegado a la iglesia católica, pero hay otro bando que se enfrenta con la propia reina. Ella se encarga de
ir relentizando las tareas de gobierno de su propio hijo, hasta tal punto que hay una relación pésima
entre ellos. Cuando su madre muere, Luis XIV alcanza la mayoría de edad y va a querer asumir
plenamente las funciones del reino, las funciones propias de un gobernante. Dejara de lado a los
antiguos colaboradores de su madre y quiero asumir las riendas del poder en solitario. Toma con
decisión las tareas de gobierno y proyecta para si mismo una imagen publica dirigida a sus súbditos pero
también dirigida a las otras cortes de Europa grandiosa y espectacular. Dentro de esa nueva etapa en la
cual Luis XIV quiere relanzar la imagen de la monarquia francesa a través del arte, se advierte unas
deficiencias, se advierte que los artistas de la corte no tiene el talento de los que trabajan en la corte de
Roma. El rey quiere, en la medida de lo posible, paliar esa deficiencia con lo cual se plantea que la
corona francesa aumente su protección de las bellas artes, lo que no significa que los anteriores reyes no
lo hayan hecho pero Luis XIV querrá aumentar el patrocinio de las bellas artes.

Es aquí cuando entra en escena Colbert, que era el ministro de economía y hacienda. Tenia una
preocupación en lo que al arte se refiere, ya que le preocupaba que tanto la corona como las clases alta
(nobleza) gastasen autenticas fortunas comprando arte en el extranjero. Ya que Francia no producía un
arte del todo satisfactorio para estos clientes, muchos de ellos gastaban ingentes cantidades de dinero
en el extranjero. Se gastaban muchísimo dinero en la tapicería, que en aquel momento eran hasta mas
caros que las pinturas o la escultura. Colbert quiso cortar esa perdida de dinero que el estado francés
alimentaba con los gastos que se hacían fuera de la frontera de Francia. El rey y el ministro se ponen de
acuerdo y crean las condiciones adecuadas para que en Francia se produzca un arte que sea satisfactorio.
Pondrán en marcha los mecanismos necesarios, primero para que los artistas se forman y luego para que
el arte se redirija a un estilo mucho mas del gusto de los mecenas que lo reclamaban. En todo este
proceso, la figura crucial será la de le Brun.

CHARLES LE BRUN (1619-1690)

Fue el elegido por Luís XIV para llevar a cabo toda la política de creación de las condiciones adecuadas
en Francia para que allí, fundamentalmente en la corte de París, se pueda producir un arte que rivalizara
con el que ya había.

Era pintor pero al margen de esto desarrollo también una tarea como teórico del arte. Fue el
responsable de la gran renovación de las artes en París durante el reinado de Luís XIV y fue el creador
de un cierto sistema de enseñar el arte que tendrá una vigencia bastante larga en toda la cultura
occidental. Con anterioridad a Luís XIV, los reyes de Francia ya habían ofrecido una protección a las

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bellas artes pero no había sido tan intensa. En París existía una academia dedicada a las bella artes pero
esta va a ir dejando de ser un lugar de tertulia para poco a poco convertirse en un lugar de enseñanza.
Esta Academia Real de París será la primera que se convertirá en un lugar de enseñanza. Ese paso
definitivo a ser un lugar docente se dará gracias a Charles le Brun, que será durante varios años director
de la Academia Real de París. Durante los años en los que el dirige la academia, aquello que
fundamentalmente va a dejar hecho será el implantar un sistema docente extremadamente meticuloso.
Todo esto tiene que ver con su propia convicción personal ya que le Brun no creía tanto en el talento
como en la formación. El talento sin instrucción muchas veces no llega a ninguna parte. Inclina en su
pensamiento la balanza mas tradicional, invierte los platillos de la balanza y creerá que aquello que pesa
mas es la formación. Cree que aprendiendo y cumpliendo una serie de normas cualquier individuo
puede ser un artista de nivel.

Para le Brun todo se confía a la técnica y todo se confía a la normativa. En su programa de estudios, en
realidad todo esta gobernado por la razón, por una razón que cree que todo se puede aprender y que se
puede perfeccionar con el esfuerzo y la técnica. Ademas de implantar este método va a realizar unas
especies de cartillas o cuadernos de aprendizaje para que los artistas se ejercitaran desde los niveles mas
inferiores. En lo que seria sus programas de estudios, los artistas empezaran en el primer curso
dibujando por separado todos los elementos del rostro humano. En el segundo curso emparejaran a
dibujar los rostros humanos y en el tercer curso empezaran a dibujar la expresiones. Para cada estado
anímico habrá un rostro milimétrico para cómo ha de ser. Le Brun dice que esto se aprende con un
proceso extremado y minucioso. El siguiente paso seria el empezar a dibujar la figura humana externa, el
cuerpo humano en su totalidad, primero estático y luego con poses dinámicas. Al final, lo que es el
método educativo de le Brun estuvo vigente en Europa durante casi 200 años, hasta 1914 prácticamente.
Una vez que el artista se convertía a todo este proceso, se comprendía que se pudiera llegar al tipo de
pintura que el mismo realizaba y practicaba. Un ejemplo de sus obras es la entrada de Alejandro en
Babilonia (1664), obra para resaltar la figura de Luis XIV, comparado con el héroe antiguo.

¿Ha de conformarse el pintor en transponer de forma exacta la realidad? Aunque ha de dominar esa
realidad, ha de mejorarla en su proporción, en sus lineas, en su belleza etc. La realidad para le Brun ha
de ser mejorada, aunque no desviándose de lo que seria creíble. Esto es lo que el llama beau idéal, es
decir, la belleza ideal.

ROGER DE PILES (1635-1709)

Pertenecía a la academia de eruditos. Fue un teórico centrado a las bellas que provoco ciertos debates
en el seno de la academia francesa y en general en la sociedad de aquel tiempo. En cierto medida,
intenta enmendar en la plana a le Brun, ya que lamenta que en la enseñanza de la pintura se le dedique
tanta importancia al dibujo, cuando el elemento consustancial de la pintura, aquel que la distingue como
arte, es el colorido. El va a empeñarse durante varios años de su vida en defender esa academia tan rígida
y exacta, que lo primordial de la pintura no es tanto el dibujo sino el manejo del color. Esto generó una
especie de polémica que se llamo débat dur le coloris.

Llama la atención sobre el sentimiento, la emotividad y considera que ese sentimiento y emotividad se
debe en buena mediad al colorido. Afirma que la diferencia especifica de la pintura es el color, el dibujo
es también necesario, pero que el color es lo esencial. Para dejar por escrito todo lo que había defendido

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en tertulias y debates, publica una obra, el Dialogo sobre el colorido (1673) donde introduce un elemento
que a partir de ese momento empezara a madurar en la cultura europea y que llegara a su punto máximo
con Kandinsvki. Dice que hay posibilidad de suscitar una serie de sensaciones y pensamiento en el alma
del ser humano a través del color. En función del uso del color, se dará una cualidad espiritual u otra.

De Piles triunfa y en 1699 la Academia de París acaba reconociendo que el elemento supremo de la
pintura es el color, que es lo consustancial de la obra de arte.

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