TRABAJO PRÁCTICO N°1

ARTE POP

Materia: Arte y Diseño

Profesora: Susana Crosa
Alumnos: Victoria Cunto, Camila Balbin
Carrera: Comunicación Periodística
Comisión: 1°B
Año: 2010
 Trabajo Práctico: Arte y Diseño
Arte Pop

El termino pop art es una expresión de origen inglesa que Leslie Frieldler y
Reyner Banhaun propusieron en 1955 como alusión a un tipo de arte que tomaba su
temática y sus técnicas del arte comercial: carteles, tiras cómicas, packaging,
programas de televisión, películas, revistas y publicidad. Fue utilizado por primera vez
por el crítico ingles Lawerence Alloway en un número de 1958 de Architectural Digest
haciendo alusión a las pinturas que exageraban el consumismo posterior a la guerra y
veneraban al materialismo. Asimismo, el arte pop aspiraba a proporcionar a través de
las imágenes, una visión caótica y fragmentaria de ciertos aspectos simbólicos de
nuestro tiempo en las grandes ciudades. Es un arte que logro el rechazo de la
seguridad decorativa y demostró los aspectos más comunes de la vida cotidiana
consumista.

Surgió a mediados de los años 50 en Inglaterra pero desarrollo su potencial en

los años 60 en Estados Unidos, ubicándolo en un primer plano en las artes visuales.
Después de la Segunda Guerra Mundial Europa perdió a manos de Estados
Unidos su supremacía en el arte. En los años 40 se inicio un movimiento que impuso a
Nueva York como la nueva capital mundial del arte. Fue el expresionismo abstracto
norteamericano el pionero de una nueva etapa. En la siguiente década imperaron las
ideas de Marcel Duchamp que dieron origen al neo dadaísmo. El Pop Art surge de una
rebelión contra un estilo aceptado, el expresionismo abstracto, puesto que lo
consideraban demasiado pretencioso e intenso. Además, adopto del arte dadá la
utilización de los ready-made (objetos encontrados) a los que les confiere un sentido
artístico. Combinaron el arte figurativo con el abstracto reflejando los desarrollos
técnicos del movimiento que lo había precedido.

El Arte Pop es uno de los fenómenos artísticos y sociológicos que refleja un

amplio repertorio de imágenes populares integradas por la cultura urbana de masas.
Es una corriente que aspira a ser la expresión de ciertos aspectos de la realidad de
nuestro tiempo, especialmente en las ciudades. Estos aspectos se presentan a través
de elementos como las técnicas industriales, los instrumentos de la publicidad, los
medios de transporte, las revistas, periódicos y publicaciones populares, el cine, el
teatro, la radio, la televisión, los personajes reales y ficticios, la tiras cómicas, los
dibujos y la fotografía. Todos estos elementos son la fuente de inspiración del pop art,
que busca hacer una réplica fiel de la vida cotidiana haciendo uso de exageradas
proporciones y materiales tecnológicos. Aunque, se pueden llegar a utilizar
reconstrucciones exactas, con objetos reales y figuras a escala humana, con el
objetivo de representar hasta que punto las cosas han agobiado al hombre. En este
contexto, podemos observar, como la pintura pasa a segundo plano, dejando de ser el
lenguaje fundamental. Se puede recurrir a la misma para un mejor empleo del color
que acentuaría los aspectos destacables del objeto representado.

Dicho movimiento se caracteriza por tres rasgos:

 • Se trata de un arte realista. El trabajo del artista consiste en
reflejar la realidad que le ha tocado experimentar, es decir, debe utilizarlo como
un elemento testimonial.
• Es una tendencia que surge en las grandes ciudades, es decir,
en la urbes en donde la separación entre arte de elite y arte popular estaba
desapareciendo para dar lugar a un arte de masas. Por eso, los artistas buscan
inspiración en el mundo que rodea a todas las personas por igual, los
productos comerciales y el espectáculo.
• Es de importancia el motivo representado, así también como la
técnica que supone ser casi fotográfica.

Los artistas del pop art emplearon en sus obras, materiales industriales como lo
son el cromo, la pintura de aluminio, el plástico, y la luz de neón. Valoraban la
inmediatez y la planimetría, cuyo signo más frecuente era la elección de temas
bidimensionales, como los comics. Sus realizaciones consistían en relacionar los
conceptos más inesperados a partir de los recortes, las reproducciones y las
representaciones. Empleaban técnicas mecánicas, como las serigrafías fotográficas
de Warhol o las plantillas de Roy Lichtenstein para representar imágenes tomadas del
arte comercial. El color pop que utilizan es el mismo que usa la industria en las
producciones en serie: puro, brillante, anti naturalista. Es estrictamente artificial con
una tendencia a los tonos fluorescentes y a los colores oscuros y llamativos que
denotan violencia.

Cada artista desarrollo estilos independientes, no obstante, todos compartían

una cultura común y todos respondieron a los mismos estímulos estéticos y sociales.
Esta actitud influyo en gran medida no solo a las artes plásticas, sino también a la
arquitectura, la literatura y el cine.

Los artistas Pop son los últimos que se inspiraron en los objetos cotidianos y en
la cultura popular, pero también, son los últimos artistas que interpretaron ambos
motivos. Por ello, el movimiento es considerado como el primer estilo realista desde el
predominio de la abstracción.

El movimiento artístico en Europa, se desarrollo un tiempo después que en

Estados Unidos. La tendencia pop europea se relaciona con la Norteamérica en
algunos elementos, entre ellos, el color y el predominio de los objetos. Sin embargo,
poseía desigualdades ya que sus características eran intelectuales, menos inmediatas
y vinculadas con la tradición europea.

En el caso de Argentina, en la década del 60 se creó en la ciudad de Buenos

Aires el instituto de Artes Visuales “Torcuato Ditella” que sirvió de marco a las primeras
manifestaciones del Pop Art en nuestro país buscando la creatividad, la investigación y
la participación activa del público.

El arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la
iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las
mismas imágenes neutras y estáticas. El Hiperrealismo es una corriente nacida en
Norteamérica a fines de los sesenta e inspirada por el pop art, que aspira a la
representación neutral de un hecho visual sin implicación emotiva
personal. En general, los artistas hiperrealistas trabajan sobre temas absolutamente
banales, escrupulosamente reproducidos, que proceden de imágenes previas, propias
o ajenas, con las que nos invitan a reflexionar sobre la percepción de la realidad.

Entre los artistas más destacados podemos encontrar:

• Andy Warhol (Andrew Warhola; Pittsburgh, EE UU 1928-

Nueva York, 1987)

Hijo de emigrantes checos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie

de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, comenzó su carrera como
dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen
y The New Yorker.

Asimismo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen

del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en
diversas galerías. Paulatinamente elimino de sus trabajos cualquier rasgo
expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular
procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de
comunicación.

En 1962, comenzó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de

serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad
contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a
Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung.

El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo

de públicos se convierte en uno de los rasgos más esenciales de su producción. Así
como la fuerza visual de sus obras, que en buena parte procede de sus conocimientos
sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que
se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground
neoyorquina.

• Roy Lichtenstein (Nueva York, 1923 – 1997)

Escultor, pintor y grabador estadounidense reconocido mundialmente por sus
interpretaciones a gran escala del arte del comic.

Se formo en el Art Student's League y después en la Universidad estatal de

Ohio. Trabajo en un comienzo como artista del Expresionismo Abstracto mas en 1961
empezó a pintar viñetas en grandes formatos con las que se destaco por su
exageración. Su trabajo se caracterizo por las figuras aparecen encerradas en gruesos
trazos negros, se exageran los puntos que traman los fotograbados, las rayas que
indican las sombras y grandes superficies de color liso organizan estrictamente el
espacio.
 Su obra ironiza sobre la pintura de los grandes maestros o estilos artísticos
como el Action Painting en la serie "Brochazos", en la que aparecen enormes y
precisas pinceladas como en Little big painting (La pequeña gran pintura) (1965) del
Whitney Museum of American Art.

En 1977 realiza la serie llamada "Sculptures", son siluetas abiertas de bronce

pintadas con intensos amarillos y azules que representan objetos de la vida diaria
como tazas, lámparas o platos. Estas piezas combinan la calidad formal, característica
de su pintura, con un virtuosismo técnico extraordinario.

• Claes Oldenburg (Estocolmo, 1929)

Artista americano, una de las figuras más destacadas del arte Pop. A los cinco
años se trasladó con su familia a Chicago. En 1950 se graduó en Yale y pasó a
estudiar en la Escuela de Arte del Instituto de Chicago. En 1956 se trasladó a Nueva
York, donde pronto conoció a otros artistas del happening y del environment.

Presentó su primera exposición individual en la Judson Gallery (1960) bajo el

título de La calle. En ella reunía figuras y objetos realizados con materiales baratos
(tela, cartón, papel), formando una singular evocación del paisaje urbano.

A partir de 1962 introdujo un cambio en el modo de reconstruir los objetos

cotidianos y empleó materiales cuyas formas no eran estables y a la vez que
agigantaba sus tamaños.

Más tarde vendría la monumentalización de objetos cotidianos como el Botón

roto (1981, Universidad de Pensilvania, Filadelfia) o la gran Piqueta que clavó en un
jardín de Kassel (1982).Ha colaborado desde 1976 con la escultora pop neerlandesa-
estadounidense Coosje van Bruggen. Se casaron en 1977.

Además de proyectos independientes, en ocasión contribuye a proyectos

arquitectónicos, en particular para la sede principal de la agencia de publicidad
Chiat/Day en el distrito de Venice, en Los Ángeles, California. La entrada principal está
formada por un par de binoculares gigantes.

En 1989 recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén y en

1995 obtuvo el Premio Schock, otorgado por un comité de la Real Academia Sueca de
Música.
 “Díptico de Marilyn” ( Andy Warhol – 1962)

'Sergeant Pepper's Lonely Hearts Club Band' album cover (Sir Peter
Blake- 1967)
“Drowning gril” (Roy Liechtenstein – 1963)

“Spoonbridge and cherry” (Claes Oldenburg- 1985/1988)

Bibliografía
• Revista La Nación, especial Arte. 25 de Abril de
1999.

• Diccionario de Arte. Sin Datos.

• Ferreras, Cristina; Labastía, Alejandro;

Nicolini, Cecilia. Culturas y Estéticas Contemporáneas.
Buenos Aires. Puerto de Palos. 2002

• Burillo Ramirez, Pablo; Cairo, Graciela Carlota.

Educación Plástica 3. Buenos Aires. Santillana. Marzo 1990

• Iturburu Córdova. Como ver un cuadro, del arte

tradicional al cinetismo. 6 a. ed. Buenos Aires. Atlántida S.A.
Abril 1971.

• Beckett, Wendy. Historia de la pintura, guía

esencial para conocer la historia del arte Occidental. Buenos
Aires. La isla. 1995.