Historia de las artes decorativas

La evolución histórica de las artes decorativas transcurre en paralelo a la

historia del arte en general, especialmente la arquitectura, a la que ha estado
ligada usualmente la decoración y el interiorismo. Se denomina artes
decorativas a todas aquellas actividades relacionadas con el arte o la artesanía
destinadas a producir objetos con una finalidad a la vez utilitaria y ornamental.
Son por lo general obras realizadas con una elaboración industrial o artesanal
pero persiguiendo una cierta finalidad estética. El concepto es sinónimo de las
llamadas artes aplicadas o artes industriales, también llamadas a veces artes
menores en contraposición a las artes mayores o bellas artes. En cierto sentido,
las artes decorativas es un término aplicado preferentemente a las artes
industriales, así como a lapintura y la escultura, cuando su objetivo no es el de
Interior de estilo modernista de la casa
generar una obra única y diferenciada, sino que buscan una finalidad Vicens (Barcelona, 1883-1888), de Antoni
1
decorativa y ornamental, con una producción generalmente seriada. Gaudí

Las artes decorativas incluyen procedimientos y técnicas como la cerámica, el

mosaico, la ebanistería, la orfebrería, la glíptica, el esmalte, la taracea, la metalistería, el textil, la tapicería, la corioplastia o la
vidriería. También a menudo engloba las artes gráficas (grabado) y la miniatura, así como algunas obras de arquitectura, pintura y
2
escultura destinadas a la ornamentación y concebidas en serie, no como obras individuales.

Las artes decorativas han estado presentes en mayor o menor medida en todos los períodos de la historia del arte en general, bien por
solitario o bien en conjunción con otras artes, especialmente la arquitectura. En muchos casos han marcado de forma determinante
algún período histórico, como el arte bizantino, el islámico o el gótico, de tal forma que no sería posible valorarlo adecuadamente sin
la presencia de este tipo de realizaciones. En otros casos, especialmente el de culturas nómadas, es el único tipo de realización
artística llevado a cabo por estos pueblos, como es el caso de los escitas o de los pueblos germánicos que invadieron el Imperio
romano. En muchas culturas las artes decorativas han tenido un estatus similar al resto de las artes, como es el caso de la cerámica
griega o la laca china. Cabe también valorar la estrecha relación entre las artes decorativas y la cultura popular, que a menudo ha
3
tenido en este medio su principal vía de expresión.

Índice
Prehistoria
Arte antiguo
Mesopotamia
Egipto
Otras manifestaciones
Arte clásico
Grecia
Roma
Arte medieval
Arte paleocristiano
Arte bizantino
Arte germánico
Arte prerrománico
Arte románico
Arte gótico
 Arte de la Edad Moderna
Renacimiento
Barroco
Rococó
Neoclasicismo
Arte contemporáneo
Siglo XIX
Romanticismo
Historicismo
Arts & Crafts
Modernismo
Siglo XX
Técnicas tradicionales
Art déco
Bauhaus
Diseño industrial
Nuevas tendencias
Siglo XXI
Arte no occidental
África
Oceanía
Arte precolombino
Asia
China
Japón
Corea
Sudeste asiático
India
Arte islámico
Véase también
Notas
Referencias
Bibliografía
Enlaces externos

Prehistoria
El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humano primitivo desde la Edad de Piedra (Paleolítico superior, Mesolítico y
Neolítico) hasta la Edad de los Metales, períodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como
artísticas por parte del ser humano. En el paleolítico (25 000-8000 a. C.), el hombre se dedicaba a la caza y vivía en cuevas. Tras un
período de transición (mesolítico, 8000-6000 a. C.), en el neolítico (6000-3000 a. C.) se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura
y la ganadería, con sociedades cada vez más complejas (estratificación social, religión). Comienza entonces la producción de piezas
de artesanía, ya que las obras manufacturadas solían tener una incipiente decoración, si bien no había una conciencia plena de
elaboración de productos artísticos. Por último, en la llamada Edad de los Metales (3000-1000 a. C.), surgieron las primeras
civilizaciones protohistóricas.4

Las primeras manifestaciones que se podrían considerar artes decorativas proceden del neolítico, período en el que aparecen las
primeras decoraciones arquitectónicas y las primeras obras de cerámica, así como el arte textil. Entre las primeras pueden citarse
como más relevantes el friso con decoración de espirales de Hal Tarxien (Malta) o el poste de piedra igualmente decorado con

5
espirales del túmulo de New Grange (Irlanda).5 En el milenio IV a. C. apareció la
llamada cerámica cardial, decorada con impresiones de conchas (cardium),
realizadas en toda la superficie a modo de horror vacui. Ha sido encontrada en
diversos puntos de Europa occidental y oriental.6

El neolítico dio paso a la Edad de

los Metales, pues la utilización de
elementos como el cobre, el bronce
y el hierro supuso una gran
transformación material para estas
antiguas sociedades. La metalurgia
del bronce apareció en Anatolia, Vaso campaniforme de
desde donde pasó a Chipre y Creta Ciempozuelos, de arcilla negra
y, posteriormente, el resto de pulimentada con una capa de barro
Réplica del conjunto deltesoro de El Europa. La mayoría de sus fino y decorada con motivos
Carambolo (siglo VII a. C.-siglo geométricos incisos rellenos de
realizaciones eran de arte mobiliar,
V a. C.), Museo Arqueológico de pasta blanca, Museo Arqueológico
preferentemente joyas y armas,
Sevilla Nacional, Madrid
decoradas con motivos geométricos
abstractos. Surgió entonces la
orfebrería, donde se trabajaba el oro y piedras preciosas como el jade o el ámbar, con realizaciones como el collar de jade de
Poltalloch (Escocia), los vasos de oro de Rillaton (British Museum) y Glenisheen (Irlanda), el casco de oro de Poiana (Rumanía) o la
taza de oro de Borgbjerg (Dinamarca).7 En cerámica surgieron en el calcolítico los vasos campaniformes con motivos ornamentales
inspirados en la cestería, originaria de España y con una difusión posterior por toda Europa.8

En la Edad del Hierro destacaron las culturas de Hallstatt (Austria) y La Tène (Suiza). La primera se dio entre el siglo VIII a. C. y el
siglo V a. C., caracterizada por la cerámicapolícroma, con decoraciones geométricas y aplicaciones de adornos metálicos. La Tène se
desarrolló entre el siglo V a. C. y el siglo I a. C., ligada a la cultura celta. Destacó por sus objetos en hierro (espadas, lanzas, escudos,
fíbulas), con diversas fases de evolución (La Tène I, II y III). Al final de esta era recibió las influencias griega, etrusca y del arte de
las estepas.9 Algunas realizaciones célebres son el caldero de plata de Gundestrup (Dinamarca), las vasijas de bronce de Basse-Yutz
( loucestershire).10 En España cabe mencionar en el seno de la culturatartéssica el tesoro de
(Metz) o el espejo de bronce de Birdlip G
11
El Carambolo, compuesto por diversas piezas de oro y cerámica de depurada factura.

Arte antiguo
Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia,
iniciadas con la invención de la escritura, en las que destacan las grandes
civilizaciones del Próximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. También
englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y
civilizaciones de todos los continentes. En esta época aparecieron las primeras
grandes ciudades, principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandes ríos:
el Nilo, el Tigris y el Éufrates, el Indo y el río Amarillo.

Mesopotamia Cerámica esmaltada de lapuerta de Istar,

que representa un animal fantástico con
El arte mesopotámico se desarrolló en la zona comprendida entre los ríos
cabeza de serpiente y patas de león y
Tigris y Éufrates (actuales Siria e Irak), donde desde el milenio IV a. C. se águila, Museo de Pérgamo, Berlín
sucedieron diversas culturas como los sumerios, acadios, amorritas, asirios,
caldeos, etc. En Mesopotamia la carencia de piedra llevó a la construcción con
ladrillo y adobe, materiales pobres que requerían un revestimiento si se quería construir un edificio más o menos estético, lo que se
lograba con apliques cerámicos.12 Aquí se inventaron las primeras herramientas de alfarería, como el torno y el horno de dos
cámaras, cerca del 3400 a. C.13 Las obras de cerámica esmaltada decoraban las paredes de los palacios y las puertas de las ciudades,
como la de Istar en Babilonia, con dibujos de leones y animales fantásticos. Un buen ejemplo es el templo de Eanna en Uruk, del que
proceden las muestras más antiguas de decoración cerámica, a través de unas piezas de colores rojo, blanco y negro, dispuestas a
modo de mosaico geométrico. Esta decoración evolucionará más adelante a motivos como rosetas o trenzados, como en los templos
de Tell Halaf y El Obeid. En los zigurats sumerios, asirios y babilónicos era tradicional recubrir cada uno de sus pisos de un color
distinto, al tiempo que evolucionaban las ornamentaciones hacia motivos cada vez más complejos, con representaciones mitológicas
14
y escenas historiadas, como en el templo de Eanna en Uruk.

En la evolución de la cerámica decorativa se perciben por primera vez efectos estéticos y simbólicos que denotan una voluntad
creadora alejada de la realización meramente estructural. El aspecto estético se percibe especialmente en el cromatismo, a través de la
búsqueda de entonaciones no degradadas que contrastan entre sí. El aspecto simbólico se manifiesta en los efectos de luz y brillo
conseguidos mediante la cerámica vidriada, que se asocian en templos y palacios con los grandes seres que dominan el mundo, sean
divinos o de la realeza.15 Este rico cromatismo se aprecia asimismo en los mosaicos taraceados y en las obras de orfebrería, donde
abundan el oro y las piedras preciosas, como el nácar y el lapislázuli.16 Los mejores exponentes son los tesoros encontrados en las
tumbas reales de Ur, con obras como el llamado mosaico del Estandarte o las joyas de la reina Shubad, conservadas en el British
Museum.17

En esta región se desarrolló notablemente la glíptica, a través de sellos de forma cilíndrica grabados en mármol, caliza o concha,
decorados con motivos geométricos, animales (reales o fantásticos), inscripciones cuneiformes o escenas históricas, religiosas o de la
vida cotidiana, como un cilindro sumerio del 2800 a. C. grabado con un banquete nupcial.18 En las artes del metal destacan las
puertas de Balawat, en la ciudad asiria de Imgur-Bel, realizadas en bronce entre el 860 y el 849 a.C., decoradas con escenas de las
campañas militares deSalmanasar III.19

Egipto
En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones, con obras de arte
elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del
artista/artesano. Con un sistema político fuertemente centralizado y jerarquizado, su
arte era intensamente religioso y simbólico. Iniciado alrededor del 3000 a. C., el arte
egipcio perduró hasta la conquista de Alejandro Magno, si bien su influencia
persistió en el arte copto y bizantino.20

El arte egipcio se caracteriza por la unidad estilística

Estatua de bronce
damasquinado de la
reina Karomama
Merimut I, Museo
del Louvre, París
(dinastía IV), el collar usej de Imthepy (dinastía VI), la cabeza de oro del dios Horus hallada en Hieracómpolis (dinastía VI), la
mostrada uniformemente durante toda su historia, que
se manifiesta en aspectos como el estatismo y la
rigidez de sus figuras, la minuciosidad del detalle o el
sentido plano de la escena y el color, con una
policromía de colores sin degradaciones, con
contornos marcados. Esto se percibe asimismo en la
orfebrería con el tabicado y embutido de distintos
materiales, o en el vidrio mediante la unión de bandas Máscara funeraria de Tutankamón
onduladas monocromas.21 Una de sus mayores (c. 1354-1340 a. C.), Museo Egipcio
de El Cairo
manifestaciones dentro del marco arquitectónico fue
la pintura y el relieve policromado, que decoraba
tanto interiores como exteriores de edificios, como se percibe en el palacio de Tell el-Amarna (dinastía
XVIII).22
Los egipcios lograron grandes avances técnicos, especialmente en orfebrería, como en el batido del
oro, el cincelado, el grabado a buril, el granulado y la incrustación.23 Algunas realizaciones
sobresalientes son: los brazaletes de la esposa del rey Djer (dinastía I), los brazaletes de Hetepheres I
diadema y el cinturón de la princesa Sit-Hator (dinastía XII), el pectoral de Sesostris II (dinastía XII) y las joyas encontradas en la
tumba de Tutankamón (dinastía XVIII), entre las que destaca su máscara funeraria, de oro batido con incrustaciones de pasta de
vidrio y lapislázuli, cuarzo y feldespato, así como el sarcófago, de1110 kg de oro puro.24

La ebanistería era de maderas importadas (ébano, cedro y ciprés), recubiertas a menudo de oro o marfil, como los muebles de las
tumbas de Yuya y Tuyu (Museo Egipcio de El Cairo).25 En piedra destacan las paletas de esquisto con formas de animales (Paleta
de los perros, Museo del Louvre), o los vasos de caliza, basalto o alabastro de diferentes formas (piriforme, cordiforme, esférica,
cilíndrica, de barrilete).26 La cerámica se dio en dos vertientes: alfarería y loza fina; en la primera, realizada con torno desde el
3200 a. C., se encuentran múltiples formas y motivos decorativos, mientras que la loza es empleada como revestimiento
arquitectónico —como se puede percibir en Saqqarah, Tell el-Amarna o Medinet Habu— y en la elaboración de diversos objetos
(collares, canopes, vasos, vasijas, copas).27 La metalurgia egipcia se centró en el cobre y el bronce, ya que el hierro no se usó hasta
época grecorromana. Los principales objetos realizados eran vasos, espejos, fuentes y jarras, así como estatuillas de bronce a la cera
perdida, como la de la reina Karomama (dinastía XXII), damasquinada en oro.28 El tejido se centró en el lino, tanto en el vestido
como en tapices y alfombras, como en el tapiz decorado con flores de la tumba de Tutmosis IV (Museo de El Cairo) o la alfombra de
la tumba del arquitecto Ja (Museo Egipcio de Turín). Destacan los vestidos hallados en la tumba de Tutankamón, revestidos de
cuentas de cerámica y plaquetas de oro. Los egipcios también trabajaron el cuero, como se denota en las sandalias de Tutankamón, de
cuero verde con hojas de oro, y en la tienda fúnebre de la reina Isimjebdinastía
( XXI).29

Otras manifestaciones
Arte de las estepas: es el correspondiente a los pueblos nómadas que
habitaban las llanuras euroasiáticas (cimerios, escitas, hunos,
sármatas, etc.), principalmente entre el II y el I milenio a. C. Su arte era
preponderantemente mobiliar, fácil de transportar, al ser un pueblo
nómada. Ligado a la metalurgia, destacan los objetos en bronce, hierro
y metales preciosos (armas, escudos, fíbulas, cinturones, joyas), así
como obras en madera, hueso, cuero, telas y alfombras. En sus obras
destacan los motivos animalísticos, posiblemente de origen totémico. El
arte escita influenció al de los pueblos germánicos, vikingos y
paleocristianos.30

Arte hitita: el Imperio hitita se desarrolló en Anatolia, Armenia y Siria

entre los siglos XVII y XII a. C. Recibió influencia mesopotámica y, a su
vez, influenció al arte persa, minoico y etrusco. Los hititas elaboraban
una cerámica monocroma de aspecto brillante y pulimentado, además
de productos más elaborados como vasos teriomorfos y recipientes
policromados con decoración en relieve. De los restos hallados cabe Arte ibérico: arracada de la
destacar unas jarras de pico largo encontradas en Kültepe y Alişar Condomina (siglo VI a. C.), Museo
Hüyük, así como un vaso con forma de león procedente de Kara Hüyük Arqueológico de Villena
que el arqueólogo Georges Contenau definió como «el antepasado de
los aguamaniles».31 También destacaron en orfebrería, principalmente
amuletos y colgantes de oro, y unos rytha teriomorfos en plata
conservados en la colección N. Schimmel.32

Arte fenicio: pueblo de tradición marinera, dedicados principalmente al comercio, navegaron por todo el
Mediterráneo y el norte de África, y fundaron la ciudad de Cartago en la actual Tunicia. Transmitieron la influencia
del arte oriental por todo el Mediterráneo. El arte fenicio se dio también en distintas zonas del Mediterráneo,
especialmente Chipre, Cerdeña e Ibiza. Destacan especialmente en orfebrería, con notables hallazgos
arqueológicos como la copa de oro de Ras Shamra (siglo XIV a. C.) o el pectoral de oro de Byblos (Museo del
Louvre).33

Arte ibérico: la cultura ibérica se desarrolló entre los siglos VI y I a. C. en la península ibérica. Se conservan
diversas piezas de orfebrería, algunas de ellas de influencia griega, como las del tesoro de Jávea (Museo
Arqueológico Nacional, Madrid). En cerámica se distinguen tres escuelas: la andaluza, de influencia griega, con
motivos ornamentales de líneas y círculos; la del sudeste, con escenas figuradas y temas de animales; y la del
Ebro, con representaciones de pájaros y figuras humanas de gran esquematismo. 34

Arte persa: situado en Persia (actual Irán), se prolonga desde el siglo VI a. C. con la dinastía aqueménida hasta el
siglo VII d. C. con la dinastía sasánida. Muchas de sus realizaciones son herederas de las culturas mesopotámicas,
lo que se denota en la arquitectura con el empleo de azulejos, mosaicos y relieves policromados. En Persia tuvieron
especial relevancia las artes textiles, tanto en alfombras y cortinas como en tapices y bordados, que abundaban en
 la decoración interior. El textil persa influyó notablemente en el bizantino e islámico, e incluso en el chino y
japonés.35

Arte clásico
Se denomina arte clásico al arte desarrollado en las antiguas Grecia y Roma, cuyos
adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a la historia del
arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano, donde preponderaba la
armonía y el equilibrio, la racionalidad de las formas y los volúmenes, y un sentido de
imitación (mímesis) de la naturaleza que sentaron las bases del arte occidental, de tal
forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia
en la civilización occidental.36

Grecia
En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado la
evolución del arte occidental. Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica y
micénica, el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico y helenístico.37
Las artes decorativas adquieren por primera vez una autonomía propia, desvinculada del
38
marco arquitectónico que condicionaba las realizaciones egipcias o mesopotámicas.
Heracles en reposo, ánfora del
En el arte minoico fue importante la pintura pintor de Andócides, c. 520 a. C.,
Staatliche Antikensammlung de
decorativa de los edificios, con escenas
Múnich
figuradas de temáticas diversas —
generalmente inspiradas en la naturaleza—,
con una inicial influencia egipcia de la que se desmarca radicalmente en su sentido
rítmico del movimiento (frescos de la Taurocatapsia o los Delfines del megarón de la
reina de Cnosos). Cabe destacar también la cerámica, en dos etapas: la de Kamarés
(siglos XIX-XVIII a. C.), de colores claros sobre fondo oscuro, con representaciones de
motivos geométricos; y la «cerámica de los segundos palacios» (c. 1500 a. C.), más
Cerámica minoica de Gournia
naturalista, de motivos vegetales y marinos.39
(Creta, siglo XVI a. C.)
En el arte micénico se produjeron obras de orfebrería de gran valor artístico, como los
vasos y las máscaras funerarias de oro hallados en los círculos de tumbas de Micenas.37
40
En la cerámica aparece la figura humana, en escenas representadas en bandas horizontales.

Del arte griego propiamente dicho destaca la cerámica decorada con imágenes pictóricas, generalmente alusivas a la mitología griega
pero también a escenas históricas o incluso de la vida diaria, de la que hay dos variantes principales: de figuras negras sobre fondo
rojo y de figuras rojas sobre fondo negro.41 La primera surgió en Corinto en el siglo VII a. C. y, como su nombre indica, las escenas
se pintaban en negro sobre el color original de la arcilla, generalmente de un naranja rojizo. La segunda se atribuye a un pintor
conocido como pintor de Andócides, alrededor del 530 a. C., y consiste en el método contrario, pintar el fondo de negro y dejar la
escena representada del color de la arcilla. Menos usada fue la técnica de fondo blanco, aparecida en Atenas en el siglo VI a. C., en
42 Los griegos idearon numerosas tipologías de objetos
que a la arcilla se le aplicaba un engobe blanco que posteriormente se pintaba.
cerámicos, cada uno para una función concreta, entre las que destacan: alabastrón, ánfora, cáliz, crátera, fuente, hydria, jarra,
kalathos, kantharos, kylix, kyathos, lekythos, lutróforo, pátera, plato, psykter, pyxis, rython, skyphos, stamnos, etc.42 La cerámica fue
una de las principales realizaciones materiales de la cultura griega y su copiosa producción hace que subsista en abundancia en la
actualidad y esté presente en la mayoría de museos europeos, entre los que destacan las colecciones de Atenas y del Louvre.43 Su
equiparación con el resto de las artes le otorgó un prestigio que se denota en la firma en muchas ocasiones de la obra por parte del
pintor; algunos ejemplo son:Amasis, Dúrides, Exequias, Eufronio, Midias, Sófilos, Aristófanes, Nearco, Onésimo, Polignoto, etc.44
Los griegos destacaron también en orfebrería, vidrio y mosaico, con innovaciones técnicas como el camafeo, aparecido en Alejandría
en el siglo II a. C., o el vidrio soplado, que surgió en la misma ciudad en el siglo I a. C.45 En mobiliario se encuentran diversas
tipologías como escabeles, sillas de respaldo inclinado sin brazos (klismos), camas de tablas colocadas sobre caballetes o cajas
ambivalentes que servían como contenedor de objetos o como asiento.46 En metal se empleó preferentemente el bronce, con el que
se elaboraban todo tipo de objetos, desde cascos y escudos hasta muebles, vasos, espejos y estatuillas; destaca la crátera de Vix (c.
47
525 a. C., Museo de Châtillon-sur-Seine), de hojas de bronce batidas con decoración de relieves a la cera perdida en el cuello.

Máscara funeraria Crátera de Vix Hipnos y Ánfora de La caza del ciervo, Medallón de Eros
de Agamenón (c. 525 a. C.), Tánatos, oro de mosaico de la casa (250-200 a. C.),
(siglo XVI a. C.), Museo de lekythos Panagyuris del Rapto de Museo del Louvre,
Museo Châtillon-sur- de fondo hte (siglo Helena (Pella, París
Arqueológico Seine blanco (c. IV a. C.), Macedonia), siglo
Nacional de 440 a. C.) Museo IV a. C.
Atenas , British Nacional
Museum de Historia
(Bulgaria)

Kline y mesa de la
Illustrated History of
Furniture, from the
Earliest to the Present
Time, Frederick
Litchfield (1893)

Roma
Con un claro precedente en el arte etrusco, el arte romano recibió una gran influencia del arte griego. Gracias a la expansión del
Imperio romano, el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa, norte de África y Próximo Oriente, y sentó la
48
base evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas.

Entre las artes decorativas romanas destaca el mosaico, elaborado generalmente en opus sectile, opus vermiculatum u opus
tessellatum, entre los que destacan la Batalla de Isos en Nápoles, el Sacrificio de Ifigenia en Ampurias o Los músicos ambulantes de
la villa de Cicerón en Pompeya, firmado por Dioscórides de Samos.49 También destacó la terra sigillata, un tipo de cerámica roja
decorada con estampación o mediante relieves hechos a molde.50 Los romanos avanzaron notablemente en el arte lapidario, como
sus vasos realizados en ágata, sardónice y pórfido, así como en la glíptica, tanto en piedras grabadas como en camafeos, con temas
que van desde la mitología y el retrato hasta la animalística y las escenas de género; entre ellas cabe destacar el Gran Camafeo del
tesoro de la Sainte-Chapelle, que representa la glorificación deGermánico.51

Vasija de Portland
(siglo I), British Museum
En el seno de la arquitectura tuvo también
gran importancia la pintura ornamental,
como se evidenció tras el hallazgo de los
restos de Pompeya. En las villas romanas la
pintura asumió una nueva finalidad, la
modificación de lo tectónico a través del
carácter ilusionista de la pintura, tanto a
través de escenas figurativas como
mediante la imitación de otros materiales,
Mosaico de la Batalla de Isos (c. siglo
como el mármol, recreado pictóricamente
I a. C.), Museo Arqueológico Nacional de
para tapar el uso edilicio de materiales Nápoles
pobres.52 También fue corriente el uso del
estuco, una técnica en la que se consiguió
un alto grado de refinamiento en el modelado de
figuras y enmarques, como se percibe en la casa de
Livia, en La Farnesina y en la bóveda delColiseo.53

En el vidrio se generalizó la técnica del soplado, con variantes como el soplado en

moldes, y se obtuvo el vidrio transparente. La decoración se hacía con hilos de vidrio de
diferentes colores. Uno de los mejores exponentes es el vaso Portland (siglo I), con dos
capas de cristal, azul y blanco, imitando un camafeo.54 La orfebrería destacó por su
suntuosidad, con gusto por los contrastes cromáticos, en piezas de gran valor y pericia
técnica destinadas solo a las élites con gran poder adquisitivo.55 Un buen exponente es
Gemma Augustea (c. 10-
el busto de oro de Marco Aurelio hallado en Avenches (Suiza), del siglo II.56 El trabajo
30 d. C.), camafeo de sardónice,
del metal tuvo su máxima expresión en los vasos de bronce, a veces con incrustaciones
Museo de Historia del Arte de
de oro o plata; un buen ejemplo es el vaso de Cornelia Chelidoni procedente de Viena
Pompeya, en forma de sístula con asas de plata y trípode de monstruos aladosMuseo
( de
Nápoles).57

En mobiliario destaca el triclinium —de origen etrusco—, lecho donde los romanos se recostaban a comer. En época imperial se
dieron muebles con decoración helenística de gran lujo, con patas de mármol en forma de leones, grifos, esfinges y otros animales, a
menudo con adornos de bronce. Los muebles más usados eran: sillas de respaldo inclinado (cathedra), escabeles de sección redonda
con patas de tijera (sella) y armarios con estantes interiores cerrados por dos batientes.46 En el textil destacó el uso de la seda,
importada de China, que a menudo se decoraba con dibujos de hilos de oroaurum
( phrygium).58

Arte medieval
La caída del Imperio romano de Occidente marcó el inicio en Europa
de la Edad Media, etapa de cierta decadencia política y social, pues la
fragmentación del imperio en pequeños estados y la dominación
social de la nueva aristocracia militar supuso la feudalización de
todos los territorios anteriormente administrados por la burocracia
imperial. Las nuevas culturas dominantes —de origen germánico—
reinterpretaron el arte clásico, mientras que la nueva religión, el
cristianismo, impregnó la mayor parte de la producción artística
medieval.59
Mosaico de la Pastoral celeste (primera mitad del
siglo V), Mausoleo de Gala Placidia, Rávena
Arte paleocristiano
 Es el arte de los primeros tiempos del cristianismo, surgido en el seno del Imperio romano, primero en la
clandestinidad y posteriormente de forma oficial, tras la adopción del cristianismo por el emperador
Constantino I el año 313. Se desarrolló notablemente el mosaico, generalmente con temas bíblicos y de los
santos. Unos primeros ejemplos destacables se dan en las basílicas de Santa Pudenciana y Santa María la
Mayor en Roma, tras los que destacan por su excelencia los de Rávena, que influirán en el arte bizantino:
en el siglo V destaca el mosaico de la Pastoral celeste en el Mausoleo de Gala Placidia, así como las
escenas evangélicas y las procesiones de santos deSan Apolinar el Nuevo.60

Cátedra de Destacó igualmente la miniatura, de la que se distinguen dos escuelas: la helenístico-alejandrina, de formas
Maximiano (c. clásicas y cuidada ambientación (Rollo de Josué, Biblioteca Vaticana); y la siria, que otorga gran
547), Museo
importancia a la figura humana, generalmente sobre fondos purpúreos (Evangeliario de Rábula,
Arzobispal de
Florencia).61
Rávena

Del resto de artes aplicadas destacó la eboraria, cuya iconografía, de origen helenístico-alejandrino, influyó
en el arte carolingio; uno de los mejores ejemplos es la cátedra de Maximiano en Rávena, así como la
lipsanoteca (caja de reliquias) de Brescia. Otro exponente destacable son las ampollas con que los peregrinos traían agua del río
Jordán, conservadas en la catedral de Monza, con temas evangélicos de iconografía siria.62 El vidrio se dio especialmente en los
vasos, copas y cálices a menudo destinados a la liturgia, a veces con fondo de oro y grabados con escenas religiosas.63 El bronce fue
empleado principalmente en lámparas, como la de Florencia con forma de barco que simboliza la Iglesia, del siglo IV.64 El tejido se
desarrolló especialmente en elarte copto, con telas de lana y trama de lino en puntogobelino.65

Arte bizantino
Pese a la caída del Imperio romano de Occidente, en Oriente perduró —conocido
como Imperio bizantino— hasta la conquista de Constantinopla en 1453 por los
turcos otomanos. Heredero del arte helenístico, el arte bizantino recogió las
principales tradiciones artísticas orientales, de las que fue puerta de entrada en
Europa, donde el arte bizantino influyó en elarte prerrománico y románico.66

El arte bizantino heredó del paleocristiano sus dos tradiciones musivarias, la

helenística y la siria; esta última, caracterizada por la concepción plana de las
escenas y la idealización de las figuras, es la que acabaría imponiéndose. Destacan
los mosaicos de San Demetrio de Salónica, los de Santa Sofía de Constantinopla Justiniano y su séquito, mosaico de
San Vital de Rávena (siglo VI)
(Cristo Pantocrátor del mosaico de la Déesis, escena de El emperador León VI
prosternado ante Cristo) y los de San Vital de Rávena, especialmente la escena de
Cristo entrega la corona del triunfo a san Vital y las representaciones de Justiniano y Teodora con sus séquitos. Los mosaicos de la
Italia bizantina ejercieron una notable influencia en el arte medieval europeo, especialmente los de la escuela veneciana (San Marcos
de Venecia, Torcello) y los de la siciliana (Cefalù, Monreale, capilla palatina de Palermo).67

Del resto de artes aplicadas sobresalieron las textiles, de inspiración sasánida, caracterizadas por las escenas enmarcadas en círculos;
y la orfebrería, en la que destaca el empleo del oro en abundancia y del esmalte tabicado o alveolado, con realizaciones como la Pala
de oro de San Marcos de Venecia o el tesoro del Monte Athos.68 El mobiliario era más lujoso que en Occidente, con incrustaciones
de oro, plata y nácar, y revestimientos con paños y cojines.46

Arte germánico
Los pueblos germánicos se asentaron en el antiguo Imperio romano de Occidente tras su caída en el año 476, fecha en que se crearon
numerosos reinos regidos por diversas tribus, como los ostrogodos en Italia, los visigodos en España o los francos en Francia, cada
uno con su propia cultura y diversidad de estilos artísticos.69 Las principales realizaciones de estos pueblos eran de arte mobiliar,
generalmente de carácter suntuoso (fíbulas, armas, espuelas, broches de cinturón) y con motivos ornamentales alejados del
naturalismo, por lo general formas geométricas y de entrelazo.70 Entre las obras realizadas por estos pueblos en el terreno de las
artes aplicadas destacan las piezas de orfebrería, en las que abunda la técnica del
esmalte en frío, unos trozos de pasta fría que se introducían en celdillas; otras
técnicas eran la decoración por entalladura y cuña, la taracea alveolar, el burilado y
cincelado, la filigrana y el damasquinado.71 Merecen destacarse en este terreno el
tesoro de Childerico (Biblioteca Nacional de París) y el tesoro de la reinaTeodolinda
(catedral de Monza).72

En la península ibérica, el arte visigodo destacó en orfebrería, sobre todo en fíbulas,

Corona de Hierro de la reina
coronas y cruces, como los hallados en los tesoros de Guarrazar (Museo Teodolinda (c. 590-600, catedral de
Arqueológico Nacional) y Torredonjimeno (Museos Arqueológicos de Madrid, Monza), realizada según la tradición
Barcelona y Córdoba), de influencia bizantina.73 con el hierro de uno de los clavos de
la crucifixión de Cristo

Arte prerrománico
Se denomina así a los múltiples estilos
desarrollados en Europa desde la coronación de
Carlomagno (año 800) hasta alrededor del año
1000, donde la aparición del románico supondrá
la divulgación de un mismo estilo unitario a lo
largo de todo el continente europeo. Esta
Altar de San Ambrosio de Milán(c. acepción es simplemente una forma de englobar
850), de Vuolvinus una serie de estilos independientes y con pocos o
ningún factor común, con el único aglutinante de
ser predecesores de la internacionalización del
Corona de Recesvinto
románico.59
del tesoro de Guarrazar,
Museo Arqueológico
Arte carolingio: es el desarrollado en el Sacro Imperio Romano-Germánico desde la
coronación de Carlomagno el año 800. Se desarrolló notablemente la miniatura, en Nacional, Madrid
la que se distinguen varias escuelas: la palatina, ligada a los scriptoria del
emperador, de figuras majestuosas y solemnes y abundante empleo de oro y plata
(Evangeliario de la Coronación, Viena; Evangeliario de Godescalco, Biblioteca Nacional de París); la de Tours,
vinculada al miniaturista Alcuino, de influencia irlandesa; la de Reims, de fuerte carácter expresivo que apunta ya al
románico (Salterio de Utrecht, Biblioteca de la Universidad de Utrecht; Evangeliario de Ebo, Biblioteca de Épernay);
y la de Saint-Denis, que recoge todos los avances de la miniatura carolingia.74 También destacó la orfebrería, con
diversas técnicas, desde el esmalte en frío hasta la filigrana y el nielado, con cierta influencia bizantina (cáliz de
Tassilo, Kremsmünster; altar de San Ambrosio de Milán, obra de Vuolvinus; tapa del Evangeliario de Lindau, The
Morgan Library & Museum; relicario de Sainte-Foy de Conques).75

Arte otoniano: se denomina así al desarrollado en el Sacro Imperio Romano-Germánico durante el reinado de la
dinastía otoniana (siglos X-XI). La miniatura fue heredera de la carolingia, especialmente de la escuela de Reims, de
nuevo con influencia bizantina. Destacan los scriptoria de Corvey, Echternach, Tréveris, Hildesheim, Salzburgo y,
especialmente, Reichenau, donde trabajó el miniaturista Liutardo (Evangeliario de Otón III, Biblioteca de Múnich) y
donde se realizó el Codex Egberti (Biblioteca de Tréveris). En orfebrería continuó la tradición del esmalte, con obras
como el altar de Basilea (Museo de Cluny), la cruz de la abadesa Matilde (Essen) y la corona de Conrado II (Viena).
También cabe mencionar el manto de Enrique II (Bamberg), recamado en oro y seda y decorado con motivos
religiosos y del zodiaco.76

Arte celta: desarrollado en las islas británicas, se desarrolló una escuela de miniatura de influencia carolingia, con
un principal centro de producción en Winchester (Pontifical de San Aethelwold, British Museum). En orfebrería
merecen destacarse la llamada joya del rey Alfredo (Ashmolean Museum, Oxford) y el estuche de la campana de
san Patricio (Museo de Dublín).77

Arte vikingo: los pueblos de Escandinavia elaboraron principalmente arte mobiliar, por lo general armas, fíbulas y
cinturones, de los que destacan las fíbulas con largas agujas y las espadas con botón terminal y anillos en la
empuñadura, decorados en damasquinado, tabicado y filigrana. 78

Arte asturiano: con la invasión musulmana de la península ibérica (711-726) los cristianos se vieron reducidos a la
región de Asturias. El arte asturiano se dio en el siglo IX, en tres etapas: prerramirense, ramirense y posramirense,
en función del reinado de Ramiro I (842-850). Sobresale igualmente la orfebrería, donde se denota la influencia

carolingia. Algunos exponentes son: la cruz de los Ángeles (Cámara Santa de la

 carolingia. Algunos exponentes son: la cruz de los Ángeles (Cámara Santa de la
Catedral de San Salvador de Oviedo), donada en 808 por Alfonso II el Casto a la
catedral ovetense, con labores de filigrana, camafeos y piedras engastadas; la cruz
de la Victoria (Cámara Santa de la Catedral de Oviedo), donada por Alfonso III el
Magno en 908, con piedras preciosas y placas de esmalte, símbolo representativo
del Principado de Asturiasal figurar tanto en su bandera como en su escudo; la caja
de las Ágatas (Cámara Santa de la Catedral de Oviedo), donada en 910 por el
infante Fruela de Asturias, de planchas de oro recortadas en arquerías y láminas de
ágata y ónice; y la arqueta de San Genadio (Museo de la Catedral de Astorga), de
plata dorada en repujado e incrustaciones de vidrio.79

Arte mozárabe: se denomina mozárabes a los cristianos que vivían bajo la

dominación islámica y que, al pasar de nuevo a territorio reconquistado por los
cristianos, practicaban un tipo de arte de gran influencia islámica. Se desarrolló
sobre todo en el siglo X, principalmente al norte del Duero, en el alto Ebro, sur de
Galicia, Cantabria y Pirineos. Cabe destacar en miniatura los beatos, ilustraciones
del Comentario al Apocalipsis del Beato de Liébana, con ilustraciones expresivas y
de carácter eminentemente fantástico. Su iniciador fue el miniaturista Magio (Beato
La cruz de los Ángeles
Morgan, The Morgan Library & Museum, Nueva York), al que siguieron Emeterio
(Beato de Tábara, Archivo Histórico Nacional) y la monja Ende (Beato de Gerona, (arriba), la cruz de la
catedral de Gerona, en colaboración con Emeterio). Otras obras de artes aplicadas Victoria y la caja de las
son: la cajita del obispo Ariano (catedral de Oviedo), lacruz de Santiago de Peñalba Ágatas, Cámara Santa
(Museo Arqueológico de León), la campana del abad Sansón (Museo de Córdoba), de Oviedo
el ara de plata de San Pedro de Roda (Selva de Mar) y el cáliz de Santo Domingo
de Silos.80

Arte románico
El arte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura
europea occidental, con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latín a
las lenguas vernáculas. De carácter eminentemente religioso, casi todo el arte
románico estaba dirigido a la exaltación y divulgación del cristianismo. Surgido a
mediados del siglo XI, se desarrolló fundamentalmente durante el siglo XII, a finales
del cual empezó a coexistir con el incipiente gótico. En el románico culminaron los
diversos estilos producidos por el prerrománico, a la vez que se denota la influencia
oriental del arte bizantino.81

En la miniatura predominaron dos escuelas: la italiana, de influencia bizantina, Tapiz de la Creación (siglo XI), Museo
realizada sobre todo en rollos de pergamino; y la inglesa, caracterizada por sus Catedralicio de la Catedral de
elaboradas iniciales y por sus imágenes expresionistas, donde descuella la escuela de Gerona
Winchester. En España se percibe aún la influencia mozárabe, aunque se van
introduciendo los cánones europeos, en obras como la Biblia de San Pedro de Roda
(Biblioteca Nacional de París), la Biblia de Ripoll (Biblioteca Vaticana), el Libro de los feudos (Archivo Histórico de la Ciudad de
Barcelona ) y el Libro de los testamentos (catedral de Oviedo).82

Dentro del marco arquitectónico tuvo una gran relevancia la escultura ornamental, especialmente la de los tímpanos de fachadas de
iglesias y la de los capiteles de columnas, decorados con motivos geométricos, vegetales, animales o monstruos, o bien con escenas
religiosas, con una fuerte influencia oriental.83 El mosaico continuó utilizándose especialmente en pavimentos, como el de la
Ascensión de Alejandro de la catedral de Orvieto (1163-1166) o los signos del zodíaco de la basílica de San Miniato al Monte
(Florencia, 1207).84

En esta época sobresalió la orfebrería, con empleo abundante de oro y piedras preciosas, como en el Relicario de los Tres Reyes
Magos (catedral de Colonia), obra de Nicolás de Verdún, y el Cáliz de doña Urraca (San Isidoro de León). También destacó el
esmalte, con un importante centro productor en Limoges, donde se desarrolló la técnica del campeado, con ejemplos como la lauda
funeraria de Godofredo Plantagenet (Museo de Tessé, Le Mans) o los frontales de Santo Domingo de Silos (Museo Provincial de
Burgos), de la catedral de Orense y de San Miguel in Excelsis (Huarte-Araquil). También tuvieron relevancia las labores textiles,
especialmente los bordados, como el Tapiz de Bayeux (siglo XI), con escenas de la conquista de Inglaterra por los normandos, o el
Tapiz de la Creación de la catedral de Gerona (siglo XI), con escenas del Génesis.85

La vidriería se desarrolló como cerramiento de vanos entre finales del e inicios del XII, cuando fue objeto igualmente de soporte para
la plasmación de programas iconográficos relacionados con el cristianismo. Uno de los primeros exponentes es la Cabeza de Cristo
de la iglesia de San Pedro y San Pablo de Wissembourg (Musée de l'Œuvre Notre-Dame, Estrasburgo), a la que siguieron los vitrales
de las catedrales de Le Mans, Poitiers, Angers, Bourges, Chartres, etc.86

En metalistería predominó el uso del bronce, como en las puertas de la iglesia de San Miguel de Hildesheim, decoradas con escenas
del Génesis y de la vida de Cristo,87 o de la catedral de Verona, obra de Vigilelmus.88 Este material también se dio en lámparas,
cruces, candelabros, cálices, aguamaniles y pilas bautismales, como la de la iglesia de San Bartolomé de Lieja, obra de Renier de
Huy.89 El hierro se dio principalmente en las rejas para coros, como los de la iglesia abacial de Sainte-Foy de Conques, la colegiata
de San Isidoro de Leóno de las catedrales deAngers, Durham, Winchester, Jaca y Palencia.90

En ebanistería predominó la simplicidad y la severidad, como correspondía a la religión preponderante, el cristianismo, que
propugnaba la pobreza y la austeridad. En los monasterios nació el escritorio, mesa con puertecillas y estantes, con atriles y repisas
para libros. Proliferaron los arcones, que servían para guardar ropa y, a la vez, como asiento. Las camas ganaron en altura y se
aislaron del suelo, a menudo decoradas con baldaquinos con cortinas. Las mesas (mensae) eran largas y apoyadas en trípodes. Las
sillas eran plegables con patas curvadas f(aldistorium).91

Cáliz de La Batalla de Hastings (c. 1066- Pila bautismal de la iglesia de Libro de los
doña 1082), escena del tapiz de Bayeux, San Bartolomé de Lieja (1107- testamentos
Urraca Museo del Tapiz de Bayeux, Bayeux 1108), obra de Renier de Huy (c. 1118),
(siglo XI), catedral de
Colegiata Oviedo
de San
Isidoro de
León

Relicario de los Tres Reyes Olifante de Saint-Arnoul de

Magos (c. 1180-1181), obra Metz, tallado en marfil del
de Nicolás de Verdún, siglo XII del sur de Italia
catedral de Colonia

Arte gótico
El arte góticonota 1 se desarrolló entre los siglos XII y XVI, época de gran desarrollo económico y
cultural. El fin de la época feudal supuso el afianzamiento de los estados centralizados, con mayor
predominio de las ciudades sobre el campo, al tiempo que un sector cada vez mayor de la
sociedad tenía acceso a la cultura, que dejó de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia. El auge de
las universidades comportó un aumento de los estudios científicos, filosóficos y literarios, y sentó
las bases de la cultura moderna. Las artes decorativas tuvieron gran relevancia durante el gótico,
favorecidas por las nuevas clases urbanas demercaderes y artesanos.93

La miniatura gótica se desarrolló especialmente en Francia, con miniaturas caracterizadas por

encuadramientos de corte arquitectónico, influidas por las vidrieras de las catedrales, con un rico
cromatismo, empleo abundante del oro y orlas de tipo vegetal (Salterio de la reina Blanca de
Castilla, Biblioteca del Arsenal, París).94 Se pusieron de moda los libros de horas, decorados con
gran suntuosidad, como en las obras de Jean Pucelle o los hermanos Limbourg, con escenas de
gran realismo y minuciosidad que apuntan ya a lapintura renacentista.95

Una de las principales especialidades del gótico fue la vidriera, que a su función iluminadora unió
un aspecto simbólico de trascendencia divina. La arquitectura gótica tuvo una gran evolución
desde el siglo XII: ganó altura gracias a nuevos diseños y a la introducción de nuevos elementos
arquitectónicos como el arco ojival y la bóveda de crucería, junto al uso de contrafuertes y Custodia de la catedral
arbotantes para sustentar el peso del edificio, lo que permitió la apertura de amplios ventanales de Toledo (1517-1524),
que colmaron de luz el interior, que ganó en transparencia y luminosidad. Esta luz física cobró de Enrique de Arfe
igualmente una trascendencia metafísica, dado el carácter simbólico de los templos cristianos:
para los teólogos, la iglesia era la ciudad de Dios, la Nueva Jerusalén.96 Los amplios ventanales
cubiertos de cristales de colores permitían matizar la luz que entraba por ellos, creando fantásticos juegos de luces y colores,
fluctuantes en las distintas horas del día, que se reflejaban de forma armónica en el interior de los edificios. Se realizaban sobre
cristales engarzados en madera, yeso, oro o plomo, los cuales se iban encajando con láminas de plomo. Desde 1340 ya no se hicieron
cristales de colores, sino que se coloreaba sobre cristal blanco.97 Algunos exponentes fueron los vitrales de las catedrales de
Chartres, Reims, Amiens o la Sainte-Chapelle de París, obra de Pierre de Montereau.98

En la orfebrería destacaron especialmente las custodias y los relicarios, donde

sobresale el nombre de Enrique de Arfe (custodia de la catedral de Córdoba,
1518; custodia procesional de la catedral de Toledo, 1517-1524). También
continuaron con éxito las obras en esmalte —en particular las procedentes de
Limoges—, con una variedad de esmalte traslúcido sobre plata u oro surgida
en el siglo XV (Tablas alfonsíes de la catedral de Sevilla, Ajedrez de
Carlomagno de Roncesvalles, retablo de la catedral de Gerona).99 La
cerámica destacó en Faenza y Manises, y el vidrio en Venecia y Cataluña.99

La metalistería se dio especialmente en servicios de mesa, como platos,

La geometría (1200-1210), vitral del
rosetón del transepto norte de la Catedral
de Laon
bandejas y aguamaniles, en los que destacó el taller de Dinant (Bélgica).
También cabe citar como obra destacada las puertas de bronce del baptisterio
de Florencia, de Andrea Pisano.87 Se desarrolló notablemente la rejería, sobre
todo en España, con dos escuelas: la catalana, de un solo cuerpo con remates
de motivos florales; y la castellana, de varios cuerpos con frisos y remates de
placas recortadas, como en las obras del toledanoJuan Francés.100

A finales del siglo XII surgió en en las regiones italianas del Lacio y Campania
el llamado mosaico cosmatesco, un tipo de taracea realizado con mármoles de colores, pastas vítreas, pórfidos rojos, serpentinas
verdes y teselas doradas. Algunas de las mejores obras en este campo fueron los claustros de San Lorenzo Extramuros, San Juan de
Letrán, Santa María in Aracoeliy Santa María in Cosmedin, en Roma.101
También se desarrolló notablemente el tapiz, con dos principales talleres en París y
Arrás. Una de las mejores producciones es el Tapiz del Apocalipsis (castillo de
Angers), elaborado entre 1375 y 1379 por Nicolas Bataille a partir de un cartón de
Jean Bondol. Desde finales del siglo XV descollaron los talleres flamencos, como los
de Bruselas, Tournai, Brujas, Valenciennes, Lille y Gante, confeccionados con
mayor riqueza cromática y gran variedad de temáticas.102 El bordado alcanzó cotas
de gran calidad en Inglaterra, donde surgió una técnica llamadaopus anglicanum, así
Capa pluvial Butler-Bowden (c. 1330-
como en Florencia, cuya técnica es conocida comoopus florentinum.103 1350), bordado de opus anglicanum,
Victoria & Albert Museum, Londres
En la ebanistería gótica se puso de moda una decoración inspirada en la arquitectura
de las catedrales, con ojivas, rosetas y ventanillas polilobuladas. Cabe destacar
igualmente la riqueza decorativa desarrollada en las sillerías de los coros de catedrales y monasterios.104 El mueble más usado fue el
105
arcón, que servía tanto de armario como de banco o mesa, confeccionados generalmente en roble y armados con herrajes.

De este período proceden los primeros grabados en Europa, realizados con xilografía: el primero conservado es el San Cristóbal del
Museo Germánico de Núremberg, de 1423. En la década de 1430 apareció lacalcografía. El grabado contribuyó a la popularización y
106
abaratamiento del arte, y permitió al artista un nuevo medio de expresión.
 Moisés en el monte Sinaí y Puertas de Tapiz del Apocalipsis (1375- Las muy
Moisés ante el faraón bronce del 1379), de Nicolas Bataille, ricas horas
(siglo XIII), catedral de Colonia baptisterio de castillo de Angers del duque
Florencia de Berry:
(1329), de Junio
Andrea (1412-16),
Pisano de los
hermanos
Limbourg

Arcón nupcial florentino Trofeo Jarrón de

con la Batalla de de vidrio mayólica
Anghiari (segunda mitad venecian de
del siglo XV), Museo o (c. Manises
Arqueológico Nacional, 1450- (c. 1465-
Madrid 1500), 92), British
Kunstge Museum
werbemu
seum,
Berlín

Arte de la Edad Moderna

El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno, que se suele emplear como sinónimo de arte contemporáneo—nota 2
se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político, económico, social y cultural: la
consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo; los nuevos descubrimientos geográficos —
especialmente el continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial, y supusieron el inicio del
colonialismo; la invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura, que se abrió a todo tipo de público; la religión
perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que coadyuvó el sur
gimiento del protestantismo; a la vez, el humanismo
108
surgió como nueva tendencia cultural, dando pasoa una concepción más científica del hombre y del universo.

Renacimiento
El Renacimiento fue un estilo surgido en Italia en el siglo XV (Quattrocento), que se expandió por el resto de Europa desde finales de
ese siglo e inicios del siglo XVI (Cinquecento). Los artistas se inspiraron en el arte clásico grecorromano, por lo que se habló de
«renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval. Estilo inspirado en la naturaleza, surgieron nuevos modelos de
representación, como el uso de la perspectiva. Sin renunciar a la temática
religiosa, cobró mayor relevancia la representación del ser humano y su
entorno.108

En esta época el artista empezó a tener

conciencia de sí mismo como creador y a
firmar sus obras, fenómeno presente
igualmente en las artes decorativas.
Surgieron diversas escuelas y talleres
artesanales que darían nombre a sus
realizaciones, como en cerámica los talleres
de Faenza, Gubbio, Urbino, Delft, Saint- Salero de Francisco I de Francia(1539-
Porchaire, Talavera o Manises.109 Por otro 1543), de Benvenuto Cellini,
lado, surgió una nueva conciencia de Kunsthistorisches Museum, Viena
estudio, investigación y difusión de los
La nef Burghley (1527-
oficios artísticos; así, por ejemplo, el
1528), de Pierre Le
Flamand, nautilus con orfebre Juan de Arfe publicó los tratados Quilatador de oro y plata (1572) y De varia
montura de plata conmesuración para esculptura y architectura (1587).110 Jacques Androuet du Cerceau publicó
semidorada, Victoria & en 1566 su Livre des grotesques, donde exponía diseños para todo tipo de oficios artísticos.111
Albert Museum, Londres Igualmente, Hans Vredeman de Vries publicó varias colecciones de grabados con diseños de
decoración arquitectónica y mobiliario.112 De igual manera, comenzó el estudio histórico de las
artes decorativas, como en Relación del descubrimiento y conquista de Nueva España de Bernal
Díaz del Castillo (1568), donde relata los trabajos de orfebrería realizados por los aztecas.110 Cabe también destacar que muchos
artífices de «artes mayores» realizaron obras de las consideradas decorativas: muchos pintores hacen dibujos para grabados, como
Durero, Tiziano o Gentile Bellini; Benvenuto Cellini o Hans Holbein hacen diseños de orfebrería; Rafael confecciona cartones para
tapices.113

Las artes decorativas tuvieron un gran auge debido al gusto por el lujo de las nuevas
clases adineradas. La arquitectura tuvo un marcado componente ornamental, por lo
que se desarrollaron ampliamente la pintura y escultura aplicadas a la construcción.
En los edificios renacentistas abundaban las guirnaldas, los grutescos, los florones,
los candelieri, los putti, los bucráneos, las cartelas, los clípeos, los motivos
heráldicos y mitológicos, y otros elementos ornamentales. También se desarrolló
ampliamente la pintura en paredes y techos, a menudo con efectos de perspectiva y
trompe-l'œil.114 En España, la arquitectura plateresca —cuyo nombre deriva de la
platería— puso una especial atención en los elementos decorativos, principalmente
candelabros, grutescos, festones y columnas abalaustradas. Un buen exponente son
los relieves de mármol del trascoro de la catedral de Barcelona, de Bartolomé
Ordóñez.115 La dama y el unicornio, tapiz
flamenco de finales del siglo XV,
El estuco tuvo un nuevo renacer desde la época romana, especialmente en el taller de Museo Nacional de la Edad Media
de París
Rafael, donde fue magistralmente utilizado por uno de sus discípulos, Giovanni da
Udine. Posteriormente fue también utilizado asiduamente en la escuela de
Fontainebleau, especialmente por Primaticcio.116 En Florencia surgió en el siglo XVI el llamado «mosaico florentino», un tipo de
embutido de piedras duras colocadas sobre una placa mediante masilla o cola, con una pulimentación final que le otorgaba un brillo
como de espejo; las piedras más utilizadas eran el cuarzo, la calcedonia, el granito, el pórfido, el jaspe y el ágata. Esta técnica estuvo
de moda hasta el sigloXIX.117

La tapicería destacó en Flandes, con obras basadas en bocetos desarrollados por pintores como Quentin Metsys o Bernard van Orley.
En la técnica de mille-fleur (milflores) se realizó a finales del siglo XV el ciclo de La dama y el unicornio.118 Entre 1515 y 1519 se
realizó para el papa León X la serie de tapices de Los Hechos de los Apóstoles, según cartones de Rafael.119 En España destacó el
bordado popular, con varios centros de producción, los principales en laprovincia de Toledo.120

El vidrio continuó con cotas de gran calidad en Venecia (Murano), decorado a veces con hilos de oro o con filamentos de vidrios de
colores. En España destacó en Andalucía y Cataluña. La cerámica se elaboró en Italia con barnices vidriados, consiguiendo tonos
brillantes de gran efecto y rico cromatismo, como la cerámica decorada alla madreperla de Deruta, la de reflejos rojos de Gubbio, la
veneciana de color azul semejante a la porcelana o la de Urbino, de color sobre fondo blanco con motivos frecuentemente
rafaelescos. En Francia, Bernard Palissy creó una cerámica con relieves de motivos vegetales y animales.121 En España, el italiano
Francisco Niculoso introdujo la cerámica vidriada pintada (retablo del oratorio del Alcázar de Sevilla), de la que surgirá un
importante taller en Talavera de la Reina. En Manises continuó la tradición de cerámica de reflejos dorados al estilo morisco, y
destacó también la loza catalana.122

La orfebrería fue cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti, Andrea del
Verrocchio o Benvenuto Cellini, con piezas de gran virtuosismo y elevada calidad,
como el salero de Francisco I de Francia de Cellini, de traza escultórica. El esmalte
pervivió en Limoges con la familia Penicaud, autores de plaquetas esmaltadas que
eran auténticos cuadros.123 En España, la familia Arfe (Antonio, hijo de Enrique, y
su hijo Juan) continuaron la confección de custodias, ahora en estilo plateresco
(custodias de Santiago de Compostelay Medina de Rioseco, de Antonio, y de Ávila,
Sevilla y Valladolid, de Juan).122

En metalistería continuó el trabajo

Arcón con escenas delNacimiento y
la Epifanía (c. 1525-1550), Museo
del Diseño de Barcelona
en bronce especialmente en puertas
decoradas con relieves escultóricos, Júpiter y Leda (c. 1530-1540), de
como las segundas y terceras Guido Fontana, mayólica del género
puertas del baptisterio de Florencia, istoriato, Metropolitan Museum of
Art, Nueva York
obra de Lorenzo Ghiberti, o las
puertas de los pies de la catedral de
Pisa, de Giambologna.87 La rejería continuó en España con motivos platerescos,
como en la obra de fray Francisco de Salamanca (reja del presbiterio de la catedral
de Sevilla) y Cristóbal de Andino (reja de la capilla del Condestable de la catedral de
Burgos); o puristas, como la reja del presbiterio de la catedral de Toledo, de
Francisco de Villalpando.124

La ebanistería incorporó materiales preciosos como el marfil y la madreperla, apliques en hueso, pinturas al temple con motivos
heráldicos o alegóricos, o relieves con panes dorados y plateados. Buen ejemplo de ello eran losstudioli, las estancias que los grandes
magnates renacentistas de vocación humanista dedicaban al estudio y al coleccionismo, como el del duque Federico de Urbino, con
paredes revestidas de grandes estanterías con trabajos de taracea, realizado hacia 1450 por Baccio Pontelli según un boceto de
Botticelli. Cabe remarcar que en esta época se introdujo el uso de bocetos para el diseño del mueble, claro ejemplo del carácter a la
vez intelectual y artístico de este trabajo. Destacaron especialmente los diseños de Francesco Salviati. Continuaron las mismas
tipologías que en el periodo medieval (camas, mesas, arcones, armarios), pero con una composición basada en paneles y molduras, y
una decoración de estilo clásico. En el Cinquecento predominó el entallado, con mesas y sillas en forma de X, como la sella curulis
romana.125

Se desarrollaron notablemente las artes gráficas, especialmente gracias a la invención de la imprenta. Aparecieron o se
perfeccionaron la mayoría de las técnicas de grabado: calcografía (aguafuerte, aguatinta, grabado al buril, grabado a media tinta o
grabado a punta seca), linograbado, xilografía, etc. En Italia se desarrolló el grabado en metal, practicado especialmente por los
orfebres florentinos durante los siglos XV y XVI, mientras que en el Cinquecento se perfeccionó el aguafuerte gracias a la obra del
Parmigianino. En Alemania destacó la obra de Durero, especialista en la técnica del buril, aunque también realizó xilografías. En
Francia, el grabado fue practicado por la escuela de Fontainebleau, en la que destacó Jean Duvet, famoso por su serie del Apocalipsis
(1561). En Flandes surgieron notables grabadores en la ciudad de Amberes, como los hermanos Wierix, autores de estampas de
excelente técnica y detallismo, aunque basadas en composiciones ajenas; o Hieronymus Cock, que reprodujo numerosas obras de
Brueghel.126

Puerta del Cáliz de Melancolía I Jarra de Tapiz de La batalla de Pavía (1528-1531), de

Paraíso del plata (1514), vidrio Bernard van Orley, Museo de Capodimonte,
baptisterio sobredorada grabado de veneciano Nápoles
de Florencia de Saint- Alberto Durero, (1520),
(1425- Jean-du- Galería dorado y
1452), de Doigt Nacional de esmalte
Lorenzo (siglo XVI) Arte de sobre vidrio
Ghiberti Karlsruhe soplado,
Museo del
Louvre,
París

Ilustración Jarra de loza Custodia de la

del vidriada de catedral de
Apocalipsis plomo con Sevilla (1587),
(1561), de decoración de Juan de
Jean Duvet aplicada (1580- Arfe
1600), de
Bernard Palissy,
Victoria & Albert
Museum,
Londres

Barroco
El Barroconota 3 se desarrolló entre el siglo XVII y principios del XVIII. Fue una época de grandes disputas en el terreno político y
religioso, en la que surgió una división entre los países católicos contrarreformistas, donde se afianzó el estado absolutista, y los
países protestantes, de signo más parlamentario. El arte se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto
racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y efectistas, con gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones
ópticas y los golpes de efecto.128
Tal como se inició en el período anterior, el artista fue cobrando una mayor
relevancia como creador, y se fue forjando la figura del artista polifacético que
intervenía en todos los aspectos de una obra. Así, muchos arquitectos se
ocuparon de la decoración interior de sus edificios, faceta realizada incluso por
pintores como Velázquez o Charles Le Brun, que dirigieron la decoración de
los palacios reales en sus respectivos países.129 En la época del absolutismo y
de la normativización de las artes a través de las academias, se produjo el
fenómeno de la intervención real en las manufacturas de muchas
especialidades decorativas: en Francia se crearon la Manufactura Real de
Muebles de la Corona, la Manufactura Real de Tapices de los Gobelinos y la La fábula de Aracne (Las hilanderas) (c.
Manufactura Nacional de Porcelana de Sèvres; en España, la Real Fábrica de 1657), de Diego Velázquez, Museo del
Prado, Madrid. La escena representa el
Cristales de La Granja, la de porcelana del Buen Retiro, la de tapices de Santa
trabajo de unas bordadoras de la fábrica
Bárbara y el Real Laboratorio de Mosaicos y Piedras Duras del Buen Retiro; de tapices de Santa Isabel de Madrid
en Dos Sicilias, la Real Fábrica de Porcelanas de Capodimonte, la Real Fábrica
de Tapices de Nápoles, la Real Fábrica de Mayólicas de Caserta y el Real
Laboratorio de Piedras Duras de Nápoles; y, en Rusia, la Fábrica Imperial de Porcelana de San Petersburgo.130

En general, las artes decorativas barrocas destacan por su recargamiento, suntuosidad y carácter pomposo, con predominio de la línea
curva frente a la recta, gusto por los contrastes lumínicos y los efectos ilusionistas, un cierto carácter escenográfico y de apariencia,
minuciosidad del detalle, uso de materiales diversos y mixtificación de técnicas, y un gusto por lo exótico que se pone de manifiesto
en la importación de productos del Lejano Oriente y, posteriormente, en su imitación (chinoiseries y japonesairies).131 En algunos
países surgieron variedades estilísticas concretas, como los estilos Luis XIV y Regencia en Francia o los estilos jacobino,
Restauración, Guillermo y María y Reina Ana en Inglaterra.

Las artes decorativas tuvieron una gran expansión en el siglo XVII, debido
principalmente al carácter decorativo y ornamental del arte barroco, y al
concepto de «obra de arte total» que se aplicaba a las grandes realizaciones
arquitectónicas, donde la decoración de interiores tenía un papel protagonista,
como medio de plasmar la magnificencia de la monarquía o el esplendor de la
Iglesia contrarreformista. En Francia, el lujoso proyecto del palacio de
Versalles conllevó la creación de la Manufacture Royale des Gobelins —
dirigida por el pintor del rey, Charles Le Brun—, donde se manufacturaban
La batalla de Zama (1688-1690), tapiz todo tipo de objetos de decoración, principalmente mobiliario, tapicería y
gobelino diseñado por Giulio Romano,
orfebrería. La confección de tapices tuvo un significativo incremento en su
Museo del Louvre, París
producción y se encaminó a la imitación de la pintura, con la colaboración en
numerosos casos de pintores de renombre que elaboraban cartones para
tapices, como Simon Vouet, el propio Le Brun o Rubens en Flandes —país que también fue un gran centro productor de tapicería,
que exportaba a todo el continente, como los magníficos tapices de Triunfos del Santo Sacramento, confeccionados para las
Descalzas Reales de Madrid—.132

La orfebrería también alcanzó niveles de elevada producción, especialmente en plata y piedras preciosas. En Italia surgió una nueva
técnica para revestir telas y objetos como altares o tableros de mesa con piedras semipreciosas como el ónice, el ágata, la cornalina o
el lapislázuli. En Francia, como el resto de manufacturas fue objeto de protección real y fue tal la profusión de objetos de plata que en
1672 se promulgó una ley que limitaba la producción de objetos de este metal. La cerámica y el vidrio continuaron generalmente con
las mismas técnicas de elaboración que en el período renacentista: destacaron la cerámica blanca y azul de Delft (Holanda) y el vidrio
pulido y tallado de Bohemia.133 El vidriero de Murano Nicola Mazzolà fue artífice de un tipo de vidrio que imitaba la porcelana
china. También continuó la elaboración de vidrieras para iglesias, como las de la iglesia parisina de Saint-Eustache (1631), diseñadas
por Philippe de Champaigne.134 En metalistería destacaron los trabajos de forja franceses, especialmente rejas y barandillas,
decoradas con motivos como zarcillos, roleos, guirnaldas y flores de lis, como en los palacios de Versalles, Saint-Cloud y Chantilly.
En bronce destacan elbaldaquino de San Pedroy la cátedra de San Pedro, ambos de Gian Lorenzo Bernini. También se emplearon en
decoración escultórica el estaño y el plomo.135

En esta época destacó especialmente la ebanistería, que se caracterizó por las

superficies onduladas (cóncavas y convexas), con volutas y diversos motivos
como cartelas y conchas. En Italia destacaron: el armario toscano de dos
cuerpos, con decoración de taracea de piedras duras; el escritorio ligur de dos
cuerpos, con figuras talladas y superpuestas (bambochos); y el sillón entallado
veneciano (tronetto). En España surgió el bargueño, cofre rectangular con
asas, con numerosos cajones y compartimentos, así como el sillón llamado
frailero (o misional en Hispanoamérica). A finales del siglo XVII se desarrolló
en los Países Bajos la técnica del revestimiento, finas planchas de madera
empelechada que forman una taracea decorativa, llamada marquetería. Esta
técnica se difundió gracias al aumento del comercio transoceánico, que Diseños de mobiliario deAndré-Charles
Boulle
permitió la llegada de maderas exóticas, como el amaranto, la caoba, el
sicomoro, etc. La edad de oro de la ebanistería se produjo en la Francia de los
Luises, donde se alcanzaron altos niveles de calidad y refinamiento, sobre todo gracias a la obra de André-Charles Boulle, creador de
una nueva técnica de aplicación de metales (cobre, estaño) sobre materiales orgánicos (carey, madreperla, marfil) o viceversa. Entre
las obras de Boulle destacan las dos cómodas del Trianón, en Versalles, y el reloj de péndulo con el Carro de Apolo en
Fontainebleau.136 Además de Boulle, cabe citar como ebanistas de renombre a Charles Cressent, Antoine Gaudreaux, Pierre Migeon
y Jean-François Oeben.137

Las artes gráficas tuvieron una gran difusión durante el Barroco, continuando el auge que este sector tuvo durante el Renacimiento.
La rápida profusión de grabados a todo lo largo de Europa propició la expansión de los estilos artísticos originados en los centros de
mayor innovación y producción de la época: Italia, Francia, Flandes y Países Bajos, decisivos, por ejemplo, en la evolución de la
pintura española. Las técnicas más empleadas fueron el aguafuerte y el grabado a punta seca.138 En el siglo XVII los principales
centros de producción de grabados estaban enRoma, París y Amberes. En Italia fue practicado por Guido Reni, con un dibujo claro y
firme de corte clasicista; y Claude Lorrain, autor de aguafuertes de gran calidad. En Francia destacaron: Abraham Bosse, autor de
unos 1500 grabados, generalmente escenas de género; Jacques Bellange, autor de representaciones religiosas, influido por
Parmigianino; y Jacques Callot, formado en Florencia y especializado en figuras de mendigos y escenas de la novela picaresca y la
commedia dell'arte (su serie de Grandes miserias de la guerra influyó en Goya).139 En Flandes, Rubens fundó una escuela de
burilistas para divulgar más eficazmente su obra, entre los que destacó Lucas Vorsterman I; también Anton van Dyck cultivó el
aguafuerte. En España el grabado fue practicado principalmente por José de Ribera, Francisco Ribalta y Francisco Herrera el
Viejo.126 Uno de los artistas que más empleó la técnica del grabado fue Rembrandt, que alcanzó cotas de gran maestría no solo en el
138
dibujo sino también en la creación de contrastes entre luces y sombras.
 Baldaquino de Historia de La educación Cristo curando a un Cómoda Mazarino, de
San Pedro Semíramis de Luis IX enfermo (1648-1650), André-Charles Boulle,
(1623-1634), (1627-1638), (1631), vitral aguafuerte de Rembrandt, palacio de Vaux-le-
de Gian tapiz flamenco de la iglesia Rijksmuseum, Ámsterdam Vicomte
Lorenzo de Abraham de Saint-
Bernini, van Eustache,
Basílica de Diepenbeeck, París
San Pedro, Museos
Ciudad del Capitolinos,
Vaticano Roma

Victoria de la Eucaristía Vista de varias de las Reloj

sobre el Paganismo, vitrinas en las que se alemán de
tapiz sobre un cartón de expone el Tesoro del bronce y
Rubens, monasterio de Delfín, Museo del Prado, latón
las Descalzas Reales Madrid dorado,
(Madrid) Museo
Nacional de
Artes
Decorativas
, Madrid

Rococó
El rococónota 4 se desarrolló en el siglo XVIII —en convivencia a principios de siglo con el Barroco y, a finales, con el neoclasicismo
—, y supuso la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del Barroco, con un sentido más enfatizado de la decoración
y el gusto ornamental, que son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia. El progresivo auge social de la
burguesía y los adelantos científicos, así como el ambiente cultural de la Ilustración, conllevaron el abandono de los temas religiosos
a favor de nuevas temáticas y actitudes más mundanas, en las que destacaban el lujo y la ostentación como nuevos factores de
prestigio social.141 Algunos historiadores del arte como Fiske Kimball establecen la génesis del rococó en diversos decoradores
franceses, como Claude Audran III, Pierre Lepautre y Gilles-Marie Oppenordt.142 Estilísticamente, en Francia se dieron los estilos
Luis XV y Luis XVI. En 1766 se fundó en Francia la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, el primer centro de formación
en artes decorativas de renombre.
Las artes decorativas tuvieron especial relevancia, ya que, como se ha
señalado, el rococó fue un arte de aire burgués dedicado a la ostentación y el
lujo. Uno de los recursos principales de ornamentación fue la rocalla, unos
motivos que imitaban rocas, caracolas u otros elementos naturales, usados
profusamente en arquitectura y jardinería. Su carácter móvil y asimétrico hizo
que se adaptasen a todas las formas de arte, por lo que se encuentran en casi
todas las obras rococó.143 Se desarrolló notablemente el interiorismo, con
especial énfasis en el mobiliario, los espejos, las sedas, los tapices y los objetos
de porcelana. Esta última tuvo una gran difusión, sobre todo la de Meissen y la
de Sèvres, con delicados motivos ornamentales, preferentemente de estilo
Gabinete de Porcelanadel Palacio Real
oriental. Otros centros de producción de relevancia fueron los deViena, Berlín,
de Aranjuez, de Giuseppe Gricci (1765)
Nymphenburg, Chelsea, Capodimonte y, en Madrid, la Real Fábrica del Buen
Retiro. En porcelana se fabricaron también pequeñas tallas escultóricas con
motivos galantes, pastorales o de la Commedia dell'arte.144 En España continuó la producción de cerámica en Talavera, Alcora y
145
Manises, donde se puso de moda un tipo de zócalo de azulejos con escenas de caza o paisajes.

El vidrio tuvo igualmente un gran auge, con Venecia todavía al frente de la

producción, así como Bohemia, donde se consiguió un vidrio transparente e incoloro
que sustituyó al cristal de roca usado desde el Renacimiento. En España se creó la
Real Fábrica de Cristales de La Granja (1734), especializada en espejos, lámparas y
piezas de vajilla. El tapiz tuvo un gran centro de producción en Lyon, donde se
pusieron de moda los motivos orientales y exóticos (chinescos, indianos,
turquescos).146 En España adquirieron notoriedad los tapices de la Real Fábrica de
Tapices de Santa Bárbara(creada en 1720), algunos de ellos diseñados porGoya.147

Pareja de bustos de porcelana de La orfebrería tuvo igualmente un centro difusor en Francia, donde se encuentra la
Alcora (c. 1750), de Julián López, obra de Juste-Aurèle Meissonnier, que destaca por la profusión de la línea curva; se
Museo del Diseño de Barcelona
conservan pocas obras suyas, pero su labor es conocida gracias a los grabados
realizados de sus diseños. Otros orfebres de relevancia fueron: Thomas Germain, su
hijo François-Thomas Germainy François Joubert.148 En metalistería destacan las rejas de hierro para la plaza Stanislas de Nancy,
obra de Jean Lamour (1750-1758).149

En ebanistería, el estilo Luis XV francés fue una etapa de transición entre Barroco y rococó, de carácter más íntimo y reservado, con
proliferación de saloncitos y tocadores con mobiliario de líneas suaves y tamaño más reducido, decorados con bronce y palisandro,
con motivos ornamentales de conchas, palmetas y hojas de acanto, y marqueterías de formas geométricas de color claro sobre fondo
oscuro; uno de sus mejores exponentes fue Jean-Henri Riesener.150 En el Reino Unido destacó la obra de Thomas Chippendale,
quien dio origen al llamado «estilo Chippendale» (segunda mitad del siglo XVIII), caracterizado por el eclecticismo, con mezcla de
elementos góticos, rococó, palladianos y chinescos. Era un mobiliario en maderas exóticas como la caoba, adornadas con
incrustaciones de otras maderas o con guarniciones de bronce dorado, con motivos decorativos de diversa procedencia, desde las
ojivas y rosetones góticos hasta las máscaras y conchas rococó, pasando por motivos chinescos como pagodas y aves. Las sillas y
151
sillones estaban revestidos deterciopelo o brocados en seda, mientras que las camas eran con dosel y cabeceros esculpidos.

En esta época apareció la litografía, nueva modalidad de grabado sobre piedra caliza, inventada por Aloys Senefelder en 1796. Fue
usada por pintores comoGoya, Gainsborough o Géricault.152 Continuó la calcografía, a la que se dedicó incluso el regente Felipe de
Orléans, quien ilustró en 1718 el libro Dafnis y Cloe. Muchos de los libros de la época eran ilustrados por grabadores partiendo de
diseños de pintores, como las obras deMolière, ilustradas con dibujos deFrançois Boucher y grabados de Laurent Cars.153
 Cornucopia Jarra de Escritorio Candelabro de Plato de
con espejo cerámica de Chippendale Juste-Aurèle porcelana de
decorado, Talavera, de madera Meissonnier Vincennes (1749-
Real Museo del pintada y (1745), 1753), Museo de
Fábrica de Diseño de dorada con Metropolitan las Artes
Cristales de Barcelona motivos Museum, Nueva Decorativas de
La Granja chinescos York París

Fuente de Anfítrite con rejería Bureau du Roi, Vista de Bermeo (c. 1783), según una
de Jean Lamour (1750-1758), escritorio de Luis XV pintura de Luis Paret, Real Laboratorio
plaza Stanislas, Nancy de Francia (1760), de de Mosaicos y Piedras Duras del Buen
Jean-François Oeben Retiro
y Jean-Henri
Riesener

Neoclasicismo
El auge de la burguesía tras la Revolución francesa favoreció el resurgimiento de las
formas clásicas, más puras y austeras, en contraposición a los excesos ornamentales del
Barroco y rococó, identificados con la aristocracia. A este ambiente de valoración del
legado clásico grecorromanoinfluyó el hallazgo arqueológico de Pompeya y Herculano,
junto a la difusión de un ideario de perfección de las formas clásicas efectuado por
Johann Joachim Winckelmann, quien postuló que en la antigua Grecia se dio la belleza
perfecta, lo que generó un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún
condiciona la percepción del arte hoy día.154 En Francia se dieron los estilos Directorio
e Imperio, mientras que en el Reino Unido se desarrolló el estilo georgiano —llamado
así por los reinados de Jorge I, Jorge II y Jorge III—, seguido por el estilo Regencia. Su
equivalente en Estados Unidos fue el estilo federal. Las artes decorativas vuelven a los
temas clásicos (laurel, guirnaldas, esfinges) y al colorido austero, muchas veces
155
monocromo, con volúmenes compactos y formas sencillas.
Trono de Napoleón en el Senado
En el marco arquitectónico, la escultura y pintura ornamentales estaban regidas por la
francés (1804, François-Honoré-
sobriedad y la sencillez clásicas. El propio Napoleón manifestó en una ocasión a sus Georges Jacob-Desmalter),
artistas: «simplificad la ornamentación, es para el Emperador». En 1785, Jean-Baptiste exponente del estilo Imperio
Réveillon fundó una manufactura de papeles pintados que tuvo mucho éxito y que
156
permitió una decoración parecida a la pictórica accesible para todos los bolsillos.
 En cerámica destaca la obra de Josiah Wedgwood, que creó un tipo de loza de color crema que
tuvo gran éxito internacional —realizó una vajilla de 452 piezas para la emperatriz Catalina II de
Rusia—; también imitó motivos de la tradición grecorromana, como la vasija de Portland, de la
que hizo varias copias. Continuó también la porcelana de Sèvres, esta vez imitando temas
antiguos.157 En vidrio, la francesa Vidriería Real de San Luis elaboró piezas de cristal potasa a
imitación de la cristalería bohemia (façon de Bohême), mientras que en la propia Bohemia
continuó con éxito su producción de cristalería de gran calidad, con un estilo más sobrio que en la
época rococó. También prosperó el vidrio veneciano, especialmente con unasopalinas blancas que
imitaban la porcelana.158

Detalles de Derby House
en Grosvenor Square, un
ejemplo de los diseños
realizados por los
hermanos Robert y
James Adam
La orfebrería evolucionó como el resto de las artes a formas más austeras y temáticas de
inspiración clásica. Destacó la obra de Robert Auguste, su hijo Henri Auguste y Martin-
Guillaume Biennais, quien fue proveedor oficial de Napoleón. En 1742,Thomas Bolsover inventó
el chapado de cobre recubierto de plata, lo que puso la platería al alcance de las clases menos
pudientes.159 En las artes del metal cabe destacar la reja del Palacio de Justicia de París (1783-
1785) y la reja del coro de Notre-Dame de París (1809), mientras que en el cobre destaca la obra
de Pierre Gouthière y Pierre-Philippe Thomire, fundidores-doradores.160

La ebanistería retornó a formas más clásicas, representada principalmente en el Reino Unido por Robert Adam, George Hepplewhite
y Thomas Sheraton. El primero diseñó interiores inspirados en la tradición grecorromana, con cierto aire arqueológico, como en Syon
House (Middlesex, 1762) y Home House (Portman Square, Londres, 1777). Hepplewhite tiene un estilo más ligero y elegante, y
Sheraton sigue el estilo Luis XVI con formas más áridas y moderadas.161 En Francia, con el llamado estilo Directorio (1795-1805)
se volvió a un tipo de mueble más sobrio, con preponderancia de lo constructivo sobre lo decorativo y el uso de los colores puros de
la madera frente a los tonos pastel del rococó. El estilo Imperio se desarrolló en la Francia napoleónica, de donde pasó al resto de
Europa, sustituyendo la sobriedad por la ostentación y el lujo, con un estilo suntuoso, con preferencia por temas exóticos y orientales,
preferentemente egipcios (égyptiennerie), debido a la campaña napoleónica en Egipto(1798-1801).162

En el tapiz, diseñado cada vez más a imitación de la pintura, se puso de moda el retrato, así como las escenas de historia,
preferentemente la antigua. También estuvieron de moda las telas estampadas, a imitación de las de India y Persia.163 En el grabado
descolló la obra de Jean-Michel Moreau, quien ilustró las obras de Rousseau de 1774 a 1783, con dibujos tomados del natural que
muestran la sociedad de su época con un estilo elegante y veraz. ambién
T cabe destacar la colección de grabados de la Descripción de
164
Egipto (1809-1828), realizada por diversos autores que acompañaron a Napoleón en su expedición.

Arte contemporáneo
Entre finales del sigloXVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por
el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución francesa— y, en lo
económico, por la Revolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo, que tendría respuesta en el marxismo y la lucha de
clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor
celeridad, que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se
enfrentan.

En esta época se inicia en el terreno de las artes decorativas el diseño moderno. La nueva era industrial había puesto al alcance de la
población multitud de objetos que antes eran manufacturados, construidos en serie sin un especial interés en su ornamentación. En
reacción a ello, movimientos como el Arts & Crafts y el modernismo revalorizaron de nuevo el objeto como obra singular e iniciaron
una nueva forma de elaboración de los mismos basada en un diseño previo, lo que les confería, pese a su posterior fabricación
industrial en muchos casos, un nuevo valor de origen intelectual. Uno de los factores que propiciaron la rápida difusión del diseño fue
el gran aumento de los medios de comunicación de masas, junto a la celebración de eventos especiales como las exposiciones
universales. Estos factores, unidos al incremento de un número cada vez mayor de público capaz de adquirir obras de arte y artesanía,
propició un ambiente cada vez más dinámico e interrelacionado que comportó un aspecto de popularización del gusto, propiciando
las corrientes de moda que tanta importancia tendrían en el sigloXX.166
Siglo XIX

Romanticismo
El romanticismo fue un movimiento de profunda renovación en todos los campos
artísticos, con una especial valoración de la cultura popular, lo exótico y el retorno a
formas artísticas menospreciadas del pasado, especialmente las medievales. En
Francia coincidió con el estilo Restauración y el Luis Felipe, en el Reino Unido con
el primer victoriano, en Alemania el Biedermeier y en España con el fernandino y
primer isabelino. Habitación egipcia, del libro
Household Furniture & Interior
En Francia, el estilo Restauración (1815-1830) sucedió al estilo Imperio, con el que Decoration, de Thomas Hope,
mantuvo una cierta línea de continuidad, como se denota en la labor de muchos de Londres (1807). En esta obra Hope
acuñó el término «decoración de
sus artífices que pasaron de uno al otro, como Pierre-François-Léonard Fontaine,
interiores», dando inicio al
François-Honoré-Georges Jacob-Desmalter, Jean-Baptiste-Claude Odiot y Félix
interiorismo165
Rémond. Su principal rasgo estilístico continuó siendo el clasicismo, aunque de
líneas más pesadas y toscas, como se
denota en el mobiliario de Louis-Édouard
Lemarchand. Los principales motivos
ornamentales fueron cisnes, liras, flores y
roleos de acanto, de colores vivos y
chillones. En mobiliario se dio la variedad
conocida como estilo Duquesa de Berry, de
maderas claras con incrustación de
arabescos de maderas oscuras.167 Le
sucedió el estilo Luis Felipe (1830-1848),
que heredó sus premisas pero con un aire
Salón estilo Biedermeier (c. 1825), de
más pesado y ostentoso, más
Leopold Zielcke, Berlín
Sillón de haya dorada declaradamente burgués. El mobiliario era
estilo Restauración (c. de inspiración gótica y renacentista, y sus
1830), Museo del mejores exponentes siguieron siendo Jacob-Desmalter y Lemarchand. En platería destacaron
Louvre, París Jacques-Henri Fauconniery François-Désiré Froment-Meurice.168

Se denomina estilo victoriano al arte realizado durante el reinado de Victoria I (1837-1901),

aunque estilísticamente fue evolucionando del romanticismo al neogótico y Arts & Crafts. Durante este primer momento se
mantuvieron en buena medida las premisas del estilo Regencia, aunque con tendencia a una ornamentación más compleja y
169
recargada, con gusto por el brillo (de vidrio o latón) y, en mobiliario, predilección por la curva y las superficies mullidas.

En Alemania y Austria surgió el estilo Biedermeier (1820-1840),nota 5 inspirado en estilos anteriores como el gótico, el
Renacimiento, el rococó, el pompeyano y el Luis XVI.171 En mobiliario presentó un diseño más práctico y cómodo, de líneas
sencillas y hogareñas, con predilección por las maderas claras como la delcerezo y ornamentos sobrios como palmetas y columnillas.
Sus principales exponentes fueron Josef Danhauser, Johann Nepomuk Geyer y Michael Thonet. Se dio también en alfombras,
porcelanas, vidrios y otros objetos.170

En España los estilos fernandino e isabelino coincidieron con los reinados de Fernando VII e Isabel II. Se dieron sobre todo en
mobiliario. El primero recibió la influencia del Restauración francés y el Regencia inglés, aunque más pesado y con mayor énfasis
por la practicidad, y gusto por las formas rectangulares.172 El segundo se inspiró en el Biedermeier, con gusto por el lujo y la
ostentación, aunque sin renunciar al confort y la funcionalidad. En una segunda fase se inspiró más en el victoriano inglés y el
Segundo Imperio francés.173

Historicismo
La arquitectura historicista se basó en el eclecticismo y en el revival de estilos
anteriores reinterpretados según conceptos modernos, lo que produjo movimientos
como el neorrománico, el neogótico, el neobarroco, etc. La inspiración en estos
estilos del pasado llevó a una mayor preocupación por la exactitud histórica, por
imitar a la máxima perfección todos los detalles del estilo replicado. Para ello se
acudió con asiduidad tanto a referencias bibliográficas como a exponentes
museísticos de esos estilos. En 1857 se fundó el Victoria & Albert Museum de
Londres con el objetivo de establecer los parámetros fundamentales para definir las
174
premisas fundamentales del diseño contemporáneo.
Armario de roble tallado con escudos
Una de las mayores fuentes de
pintados y paneles y manijas de
inspiración fue el pasado medieval, latón, diseñado por Augustus Welby
como se denota en la decoración Northmore Pugin (1850)
del castillo de Neuschwanstein,
promovido por el rey Luis II de
Baviera.174 El neogótico surgió en Reino Unido ya a mediados del siglo XVIII, pero
se desarrolló especialmente en el XIX, con variedades locales como el estilo
Troubadour y Segundo Imperio en Francia y el isabelino en España. Se dio
especialmente en el mobiliario, pero también en otros detalles ornamentales
Indiscret estilo Segundo Imperio,
aplicados a la arquitectura. El mobiliario era de formas macizas y severas, con una
Museo del Louvre, París
ornamentación a base de arcos y formas polilobuladas, con profusión de pináculos y
elementos verticales. El neogótico influyó en el modernismo de finales de siglo,
especialmente en Cataluña.175

Uno de los mayores teóricos de este movimiento fue Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc, mientras que como diseñador destacó el
arquitecto Augustus Welby Northmore Pugin, quien diseñó muebles, joyas y platería basados estrictamente en precedentes
medievales.175 También cabe mencionar la obra de los ebanistas Ferdinand Barbedienne, Louis-Auguste-Alfred Beurdeley y Luigi
Frullini, los orfebres François-Désiré Froment-Meurice, Charles Christofle, Antoine Vechte y Carl Wagner, y los vidrieros Antonio
Salviati y Georges Bontemps.174

En Reino Unido hubo a mediados de siglo un revival del estilo Reina Ana, que consistió en la elaboración de reproducciones —
especialmente mobiliario y platería— de aquel período, como se denota en las sillas y mesas de patas cabriolé.176 Uno de sus
máximos exponentes fue Edward William Godwin, arquitecto y diseñador vinculado al movimiento esteticista, muy influido por el
177
arte japonés, hasta el punto que diseñó un tipo de mobiliario llamado «anglo-japonés».

Arts & Crafts

En el último tercio del siglo XIX tuvo especial relevancia el movimiento británico Arts & Crafts (Artes y Oficios), promovido por
John Ruskin y William Morris. Esta corriente defendía una revalorización del trabajo artesanal y propugnaba el retorno a las formas
tradicionales de fabricación, estipulando que el arte debe ser tan útil como bello.178 En 1857, Morris amuebló su propia casa (Red
House, Bexley Heath, Kent), en un estilo austero, primitivista, remarcando el carácter práctico y sencillo de las obras. Tras los
planteamientos de Ruskin y Morris,Charles Robert Ashbee fue el principal organizador del movimiento. En 1888 fundó la Guild and
School of Handicraft en Toynbee Hall (Londres), donde diseñó mobiliario, platería y metalistería en un estilo cercano al
modernismo.179 Otro propagandista del movimiento fue el pintor Walter Crane, quien escribió que «la raíz y base auténtica de todo
180
arte está en la artesanía» y que había que «convertir a nuestros artistas en artesanos y a nuestros artesanos en artistas».

En la órbita de Morris trabajó Arthur Heygate Mackmurdo, fundador del taller Century Guild de decoración de interiores, donde
elaboró muebles que destacaron por las líneas y ángulos rectos, como su famosa silla de 1881.181 En Estados Unidos, este
movimiento —llamado allí American Craftsman— estuvo representado por Gustav Stickley, diseñador de un tipo de mobiliario
182
sencillo y funcional, sin adornos, que empezó a construir en serie, con vistas a una mayor comercialización de sus productos.
En general, estos artistas abandonaron el neogótico por un estilo más sencillo, ligero y elegante,
inpirado en parte en el estilo Reina Ana. En la década de 1890 se recibió la influencia modernista,
pero poco después Philip Webb retornó a un estilo más rústico y austero. Hacia 1900 el movimiento
se fue diluyendo, principalmente por la contradicción generada por el hecho de que su producción
artesanal encarecía el producto y solo podían vender a clientela selecta, lo que chocaba con su ideario
cercano al socialismo utópico, mientras que para llegar a las masas habrían tenido que recurrir a la
180
fabricación seriada, lo que contravenía su defensa de la artesanía manual.

Modernismo
El modernismo fue un movimiento arquitectónico que surgió hacia 1880 en varios países, en función
del cual recibió distintos nombres: Art Nouveau en Francia, Modern Style en Reino Unido, Jugendstil
en Alemania, Sezession en Austria, Liberty en Italia y modernismo en España, país en el que destacó
Silla de Arthur
el modernismo catalán. Perduró hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.183 Este estilo, por su Heygate Mackmurdo
carácter ornamental, supuso una gran revitalización de las artes decorativas, con una nueva (1883), Museo de
concepción más enfocada en el acto creador y en la equiparación con el resto de artes plásticas, hasta Arte del Condado de
el punto de que sus artífices plantearon por primera vez la «unidad de las artes». El diseño modernista Los Ángeles
planteaba en general la revalorización de las propiedades intrínsecas de cada material, con unas
formas de tipo organicista inspiradas en la naturaleza.184 Se solían utilizar motivos ornamentales
como flores, hojas, zarcillos tentaculares, curvas sinuosas y figuras humanas —preferentemente
mujeres— de aspecto delicuescente. Se valoraba la asimetría, la originalidad y el trabajo artesanal,
concepto este último heredado del Arts & Crafts. Aunque teóricamente se oponía al historicismo,
se inspiraron en numerosos estilos del pasado, especialmente el arte medieval, el celta, el oriental
y el rococó. Por otro lado, algunos diseños de Hector Guimard apuntaban al arte abstracto,
mientras que Henry Van de Velde, iniciado en el modernismo, supone la transición entre el
modernismo y el diseño industrial.185

Un claro exponente de arquitecto preocupado por el interiorismo fue Antoni Gaudí, que diseñó
muchos de los muebles para sus obras, tanto civiles como religiosas (casas Vicens, Calvet, Batlló
y Milà, del palacio Güell y de la torre Bellesguard, mobiliario litúrgico de la Sagrada Familia). Alegoría de la III
Exposición de Bellas
También realizó diseños de forja, como su famoso dragón de los pabellones Güell, mientras que
Artes e Industrias
innovó en el terreno del mosaico con su técnica del trencadís, un tipo de aplacados de cerámica
Artísticas de Barcelona
hecha con piezas de desecho que disponía en combinaciones originales y fantasiosas, como su (1890-1903), de Antoni
banco ondulante del parque Güell.186 Rigalt, vidrio emplomado
con pintura de grisalla y
Otro arquitecto que diseñó mobiliario para esmalte, Museo del
sus proyectos constructivos fue Victor Diseño de Barcelona
Horta, del que son características las
lámparas con forma de flor de tallo largo
con corolas de pétalos de vidrio o metal, que influyeron poderosamente en
otros creadores modernistas.187 Hector Guimard fue otro arquitecto referente
del modernismo, hasta el punto que algunos contemporáneos denominaron a
este movimiento style Guimard. Diseñó muebles, mamparas metálicas y
paneles de lincrusta (un revestimiento de paredes de linóleos).188 Fue el
creador de la reja para las estaciones demetro de París, que se convirtió en uno
Muebles del salón principal de lacasa
de los iconos visuales del art nouveau.189 También influyó en este estilo el
Calvet (1898-1900), de Antoni Gaudí,
escocés Charles Rennie Mackintosh, fundador de la llamada escuela de
Casa-Museo Gaudí
Glasgow, quien en sus construcciones diseñaba desde el mobiliario hasta la
cubertería, con un estilo de fuerte influencia celta. Otros miembros destacados
de la escuela de Glasgow fueron Margaret MacDonald, Frances MacDonald y Herbert McNair.190 Josef Hoffmann, uno de los
fundadores de la Secesión vienesa, apostó por un estilo más severo y funcional, que apuntaba ya al diseño industrial; diseñó muebles,
vidrio, joyas y metalistería.191 Otro de los fundadores de la Secesión fue Joseph Maria Olbrich, autor de muebles, lámparas, platería
192
y metalistería de líneas fluidas y formas irregulares y redondeadas de tendencia abstracta.

Otros referentes procedieron de la pintura y la ilustración, como Alfons Mucha,

quien diseñó vestuario, joyas, muebles y papeles pintados de estilo naturalista,
exuberante y estilizado;193 Koloman Moser, uno de los fundadores con Josef
Hoffmann de los talleres Wiener Werkstätte, fue ilustrador de libros y diseñador de
joyas, muebles, vidrio, cerámica, platería y tejidos de estilo clasicista;194 y Émile-
Victor Prouvé, escultor y diseñador de muebles, joyas y vidrio.195

En vidrio, Émile Gallé realizó piezas con incrustaciones de hojas de oro o plata,
placas de mica y fibras de asbesto, inspiradas en la naturaleza. Elaboró obras
individuales y en serie, especialmente servicios de mesa y tulipas para lámparas El ángel de la Resurrección(1904),
eléctricas.196 Louis Comfort Tiffany recibió la influencia de Gallé, desde la que vidriera de Louis Comfort Tiffany,
First Presbyterian Church,
innovó técnica y estilísticamente, como en su Favrile Glass, una técnica de vidrio
Indianapolis
soplado y posteriormente irisado por exposición a humos de metal fundido. Realizó
vidrieras, opalinas y vasos ligeros policromos.197 René Lalique elaboró obras más
sencillas, lejos de las formas sinuosas de moda hasta entonces, generalmente con una producción seriada; se centró sobre todo en
vasos, vajillas, lámparas, candelabros y, especialmente, frascos de perfume, cuyo éxito obligó a los perfumistas desde entonces a
197
presentar sus productos en recipientes de diseño artístico.

En orfebrería destacó Peter Carl Fabergé, creador de piezas de gran fantasía entre las cuales destacan sus «huevos de Pascua», que
confeccionaba para la familia real rusa.198 René Lalique, también orfebre además de vidriero, elaboró piezas de formas ondulantes
inspiradas en la naturaleza —uno de sus motivos más empleados fue el pavo real—, especialmente peines y broches de cinturón de
oro, plata, piedras preciosas y semipreciosas, con decoración de esmalte.199 Georg Jensen destacó en platería, con un estilo de líneas
sencillas y sólidas, con perfiles netos y gran sentido del equilibrio, y con una característica superficie recocida en un baño de ácido
sulfúrico.200 En España, destacó la obra deLluís Masriera.

El mobiliario destacó por su diseño armonioso y proporcionado, con predominio de las formas ondulantes. Algunos de sus mejores
exponentes fueron: Arthur Liberty —quien dio nombre al modernismo italiano—, Henry Van de Velde, Gustave Serrurier-Bovy,
Émile Gallé, Eugène Vallin, Louis Majorelle, Carlo Bugatti y Gaspar Homar.201 En cerámica destacó Auguste Delaherche, autor de
porcelana y jarrones de gres decorados con barnices,202 así como Lluís Bru y Paco Durrio. En tapicería, Hermann Obrist diseñó
El látigo.203
bordados de formas vegetales que tuvieron gran éxito, especialmente el conocido como
 Estufa Vaso con Biscuits Huevo de la Coronación Tiara con forma de gallo
ornamental lirios y Lefèvre-Utile imperial (1897), de (1897-1898), de René
alemana margaritas (1896), Peter Carl Fabergé, Lalique, Fundación Calouste
(1890-1900), (1896), de litografía de Museo Fabergé, San Gulbenkian, Lisboa
Museo del Émile Gallé, Alfons Mucha Petersburgo
Diseño de Petit Palais,
Barcelona París

Entrada a la Dragón de trencadís del Libélula (1902), colgante y Colgante de

estación de parque Güell (1900-1903), broche de esmalte, oro, oro y plata
metro de Antoni Gaudí rubí, ópalo y diamante, de con esmalte
Abbesses en Philippe Wolfers y piedras
París (1900- preciosas,
1913), de de Lluís
Hector Masriera
Guimard

Siglo XX
En el siglo XX las artes decorativas tuvieron una rápida evolución, marcada por
el uso de nuevos materiales y tecnologías más avanzadas. Con una clara
apuesta por el diseño como base creadora, en esta centuria se remarcó el
aspecto intelectual de estas creaciones frente a la mera realización material
otorgada tradicionalmente a la artesanía. Sin embargo, la producción en serie
de los objetos ornamentales llevó a afirmar a expertos como Gérald Gassiot-
Talabot que «las artes decorativas han muerto», circunstancia que sitúa en los
años 1930, con movimientos como la Bauhaus y los primeros diseños
industriales.204 Un elemento coadyuvante sería el factor moda resultante del
consumismo como motor de cambio y evolución del nuevo diseño industrial, Póster de la Prima Esposizione
que resultaría en el nuevo concepto del styling —representado Internazionale d'Arte Decorativa Moderna
fundamentalmente porRaymond Loewy—, que incide en el aspecto comercial (Turín, 1902)
del producto.205

Técnicas tradicionales
 Las artes decorativas tradicionales continuaron en más o menos medida, aunque a menudo
relegadas al concepto de artesanía frente al nuevo diseño industrial. El mosaico tuvo un nuevo
renacer en Italia gracias a la obra del escultor Gino Severini, quien fundó un taller en París en
1951 que posteriormente se convertiría en la Escuela de Bellas Artes Gino Severini; algunas de
sus obras más remarcables son los mosaicos de la iglesia de Tavannes en Suiza (1930) y los de la
Universidad de Padua (1930-1950).206

En cerámica también se exploraron nuevas técnicas y materiales. Como en otros campos, se

Silla roja y azul, de Gerrit
Thomas Rietveld (1923)
vinculó con artistas de reconocido prestigio, como Georges Rouault, Raoul Dufy, Pablo Picasso y
Joan Miró. Este último, en colaboración con el ceramista Josep Llorens i Artigas, realizó grandes
murales cerámicos como los de la sede de la Unesco en París, la Universidad de Harvard, la
Fundación Maeght y el aeropuerto de Barcelona.207 Otro nombre destacado es Antoni Cumella,
autor también de murales y de vasijas de gres de gran calidad. Cabe citar igualmente como
ceramistas de renombre aBernard Leach, Michael Cardew y Shōji Hamada.208

La vidriera seguió dos vías: la tradicional y la que utiliza nuevas técnicas y materiales, como el
cemento armado en vez del emplomado y el plástico o el poliéster en vez del vidrio. Sus representaciones también varían de la
temática figurativa —ligada a menudo a obras de artistas actuales— o la abstracción, en la que se busca la combinación de luces y
colores. Fueron figuras destacadas:Jean Bazaine, Nicolas Untersteller y Alfred Manessier.209

En cuanto a cristalería, perduró el vidrio de Murano (Venecia), así como el de Bohemia, que hizo un esfuerzo de renovación a través
del vidrio tallado. En Finlandia, Tapio Wirkkala fabricó vidrios con burbujas y, en Suecia, se elaboró vidrio con decoración grabada
210
figurativa o abstracta. En el Reino Unido se creó un tipo de vidrio con tallas en motivos geométricos.

En la orfebrería el material más utilizado fue el diamante, así como las piedras preciosas. Las nuevas tendencias se decantaron por
formas sobrias y geométricas, depuradas de toda ornamentación superficial, aunque esta línea convivió con otra de formas más
barrocas. Cabe citar a Edmond Henri Becker, Niel Steenbergen, Raymond Templier, Georges Fouquet y Manuel Capdevila.211 El
pintor surrealista Salvador Dalí también diseñó joyas, como El ojo del tiempo (1949), de esmalte, diamantes y rubíes; Los labios
color rubí (1950), de rubíes, perlas y oro; yEl corazón real (1953), de oro, rubíes, diamantes y esmeraldas.212

El mobiliario siguió un diseño más funcional, con utilización de nuevos materiales como el acero, el aluminio y el plástico. Algunos
exponentes, como la silla cantilever de Mart Stam, el sillón de acero tubular de Marcel Breuer o la silla-corola de plástico diseñada
por Eero Saarinen, iniciaron el diseño industrial en mobiliario. Un claro ejemplo del nuevo mobiliario de diseño innovador fue la
famosa silla roja y azul de Gerrit Thomas Rietveld (1923), de formas geométricas y colores primarios. La madera fue nuevamente
revalorizada en los países nórdicos, con artífices como Alvar Aalto, Kaare Klint y Børge Mogensen, así como en Estados Unidos con
Charles Eames.213 Salvador Dalí también diseñó algún mueble, como el famoso Mae West Lips Sofa (1936-1937), un sofá de
Mae West.214
armazón de madera y tapizado de color rosa inspirado en los labios de la actriz

En hierro forjado destacó la obra de Raymond Subes, quien introdujo la soldadura autógena y otras técnicas modernas, combinando
en ocasiones distintos metales en una sola pieza, como el hierro, el bronce y el acero; fue autor principalmente de apliques y rejas de
gran sentido decorativo y perfección formal.189

La tapicería se acercó notablemente a la pintura, ya que muchas obras de pintores como Georges Rouault, Pablo Picasso, Georges
Braque, Raoul Dufy, Henri Matisse, Fernand Léger o Joan Miró fueron llevadas al telar. Por contra, Jean Lurçat renovó el tapiz y lo
devolvió a su concepto inicial, ligado a la arquitectura —que es su marco original— y alejado de la pintura. Así, limitó los colores a
los básicos de la lana, suprimió las orlas y eliminó los efectos de perspectiva o volumen. Sus obras se basan en su mundo interior, con
un gran componente onírico y poético. A lo largo del siglo se fueron incorporando a la tapicería nuevos materiales como el nylon, el
lino y los hilos sintéticos. También se han realizado tapices sin temática, donde se remarca la textura y la forma, con obras cercanas a
la escultura, como en las obras deMagdalena Abakanowicz, Jagoda Buić y Josep Grau-Garriga.215
El grabado fue practicado por numerosos pintores, como Pierre Bonnard, Maurice Denis, André Derain, Max Slevogt, Henri Matisse,
Marc Chagall, Vasili Kandinski, Paul Klee, Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí, Willem de Kooning, Jackson Pollock, Andy
Warhol, Roy Lichtenstein, Eduardo Chillida y Antoni Tàpies. Los métodos más empleados fueron la xilografía, la litografía y el
serigrafía, así como la impresión offset.216
aguafuerte, y se desarrollaron nuevas técnicas como el aguatinta al color y la

Art déco
En 1925 se celebró en París la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et
Industriels Modernes, que supuso el punto de arranque del art déco.nota 6 En
realidad, la exposición de 1925 fue la oficialización de un movimiento que se
llevaba gestando hacía unos años —desde el fin de la Primera Guerra Mundial—
como estilo sucesor del modernismo: en 1919 Louis Süe y André Mare crearon la
Compagnie des Arts Français, caracterizada por un mobiliario de inspiración
tradicional pero exuberante decoración, como su sala de música para el pabellón Un
Musée d'Art Contemporain de la exposición de 1925. Este estilo, que perduró hasta
el inicio de la Segunda Guerra Mundial, supuso una revolución para el interiorismo
y las artes gráficas e industriales. Se caracterizó por la predilección por la línea
curva y el floreado simétrico en artes gráficas, y las formas cuadradas y geométricas
en mobiliario y decoración interior. Dirigido principalmente a un público burgués,
destacó por la ostentación y el lujo, y se desarrolló notablemente en ilustración
publicitaria (Erté) y cartelismo (Cassandre).218 Sin embargo, el aspecto kitsch de
muchas de sus producciones provocó que fuese denostado por las corrientes de
vanguardia y no fue hasta los años 1960 cuando fue revalorizado por movimientos
como el pop art, que buscó inspiración en algunas de sus obras.219
Diseño de objetos de usoart déco
Uno de los terrenos donde más floreció este estilo fue el mobiliario, donde destacó Pal-Bell, de Maurice Ascalon
Jacques Émile Ruhlmann, decorador y diseñador de muebles de gran sentido
comercial, siempre atento en captar lo último en tendencias de moda. Realizó piezas
de aspecto chic, formas sencillas y materiales costosos, con predilección por el ébano y embutidos de marfil.220 Otros exponentes
fueron Pierre Chareau, Paul Follot, André Groult, Eileen Gray, Pierre Legrain, Paul Iribe y Armand-Albert Rateau.221

En orfebrería destacan algunas producciones del modernista René Lalique realizadas en esta época, mientras que otro nombre
destacable fue Jean Puiforcat, que realizó piezas de platería de gran calidad, de aspecto austero pero lujoso.222 En metalistería cabe
citar a Jean Dunand, autor de piezas de metal y laca, con un diseño geométrico, generalmente jarrones incrustados de oro, plata,
esmalte u otros materiales.223 En vidrio, Maurice Marinot realizó preferentemente cuencos y frascos de concepción más ornamental
que práctica, con formas escultóricas de aspecto macizo, con o sin color, a veces esmaltados y, en ocasiones, con dibujos realizados al
aguafuerte.224

Cuando este estilo languidecía ya en Europa floreció con éxito en Estados Unidos entre finales de los años 1920 y principios de los
1930. Su mejor representante fue el diseñador Donald Deskey, autor de la decoración del Radio City Music Hall del Rockefeller
Center de Nueva York (1930-1932), donde diseñó desde el mobiliario y el papel pintado hasta los apliques de luz, con utilización de
nuevos materiales como lafórmica, la baquelita, el aluminio y el cromo.225

Bauhaus
Uno de los movimientos más innovadores en el terreno del diseño fue la Escuela de la Bauhausnota 7 que, frente a la excesiva
ornamentación del art déco, introdujo un concepto de diseño más racional y funcional, más adaptado a las necesidades reales de la
gente. Esta escuela pretendía romper las barreras entre arte y artesanía, con una clara apuesta por la producción industrial. Nació en
1919, cuando el arquitecto Walter Gropius asumió la dirección de la Escuela de Artes y Oficios de Weimar, que rebautizó como Das
Staatliche Bauhaus Weimar. Su objetivo era «la obra de arte colectiva, el Edificio, dentro de la cual no haya barreras que separen las
artes estructurales de las artes decorativas».227 Los estudiantes de la escuela aprendían teorías de la forma y del diseño, así como
talleres de piedra, madera, metal, barro, vidrio, tejido y pintura. Gropius rechazaba la
producción industrial, con una postura cercana al movimiento Arts & Crafts, y
defendía el trabajo cooperativo, así como la responsabilidad social del diseñador. La
Bauhaus se trasladó a Dessau en 1925 y a Berlín en 1932. A Gropius sucedió en la
dirección Hannes Meyer en 1928 y, a este, Ludwig Mies van der Rohe en 1930. La
escuela fue cerrada por losnazis en 1933.227

Su diseño se basaba en la simplicidad, la abstracción geométrica y el uso de colores

primarios y de nuevas tecnologías, como se hizo patente en el mobiliario de acero
tubular creado por Marcel Breuer, la silla Barcelona de Ludwig Mies van der Rohe,
los muebles de conglomerado de Alvar Aalto, o las lámparas diseñadas por
Marianne Brandt. En esta escuela destacaron creadores como László Moholy-Nagy, La silla Wassily, de acero cromado,
Oskar Schlemmer, Johannes Itten, Paul Klee, Josef Albers, Vasili Kandinski, Lilly diseñada por Marcel Breuer en 1925

Reich, Gerhard Marcks o Wilhelm Wagenfeld.228

Diseño industrial
En el siglo XX el diseño industrial llevó al interiorismo a la vía de la creación
intelectual y el diseño funcional, con un progresivo aumento de la experimentación
con nuevos materiales (plástico, fibra de vidrio) y una mayor atención a las
necesidades de mercado.229 Aunque no hay una definición unánimemente aceptada,
por lo general se considera el diseño industrial como el diseño de productos
concebidos para ser fabricados en serie mediante procesos mecánicos (cadenas de
montaje). De forma intrínseca, un diseño industrial debe ser planificado en su
totalidad antes de entrar en el proceso de fabricación, sin posteriores
manipulaciones.230 Sillón Eames Lounge, de Charles y
Ray Eames (1955)
La base del diseño industrial se encuentra en el funcionalismo, teoría que argumenta
que un objeto que cumple su función y está elaborado con economía de materiales es
intrínsecamente bello. Ello excluiría la estética en el diseño de objetos, aunque tal extremo rara vez se lleva a la práctica en su
totalidad. Uno de los precedentes de esta teoría fue el arquitecto Louis Sullivan, quien afirmaba que «la forma se sigue de la
función», así como Otto Wagner, quien estipuló que «nada que no sea práctico puede ser hermoso».231 En Alemania, arquitectos y
diseñadores como Peter Behrens, Richard Riemerschmid y Bruno Paul, y talleres y asociaciones como Deutsche Werkstätten y
Deutscher Werkbund, sentaron las bases del diseño industrial en una primera fase. Tomó el relevo la Bauhaus, donde el diseño
industrial pasó al ámbito académico, y sus postulados fueron igualmente adoptados por la arquitectura racionalista (o Estilo
Internacional). Tras la clausura de la Bauhaus por los nazis en 1933 la mayoría de sus componentes se trasladó a Reino Unido o
Estados Unidos, países que recogieron el testigo del diseño industrial. Tras la Segunda Guerra Mundial, los ideales de la Bauhaus
fueron retomados en Alemania porMax Bill, fundador de la Hochschule für Gestaltungen Ulm (1951).232

En el Reino Unido el diseño tenía su precedente en los talleres de Arts & Crafts. En 1915 se fundó la Design and Industries
Association con el objetivo de fomentar el diseño y, en 1930, se creó la Society of Industrial Artists para agrupar a los profesionales
del sector.233 En Francia el pionero fue el arquitecto Le Corbusier, quien proclamó la «absoluta autonomía expresiva de los objetos
producidos industrialmente» y señaló como aspectos básicos del nuevo diseño la pureza de líneas, la funcionalidad de los materiales
y la luminosidad de las superficies.234 También cabe citar a Charlotte Perriand, colaboradora de Le Corbusier y una de las
impulsoras de la arquitectura interior moderna. En la Unión Soviética, en 1920 se fundó el Vjutemás (Talleres de Enseñanza Superior
del Arte y de la Técnica), una escuela de formación artística e industrial de corte multidisciplinar, mientras que en 1962 se creó el
235
VNIITE (Instituto Científico y de Investigación de Estética Técnica), para la enseñanza del arte aplicado a la industria.

En Estados Unidos el pionero fue el arquitecto Frank Lloyd Wright, hasta la eclosión del diseño en los años 1930 con figuras como
Henry Dreyfuss, Raymond Loewy y Walter Dorwin Teague. En esa década se establecieron también algunos maestros de la Bauhaus
como Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius y László Moholy-Nagy, quienes enseñaron a una nueva generación de diseñadores.
 Posteriormente destacaron Charles Eames, George Nelson y Harry Bertoia. En 1944 se fundó la
Society of Industrial Designers, en 1948 la National Association of Schools of Design y, en 1957,
la Industrial Design Educational Association.233

Posteriormente, en Europa el diseño industrial tuvo dos corrientes principales: la escandinava y la

italiana. La primera, representada por Arne Jacobsen, Alvar Aalto, Eero Saarinen y Poul
Kjærholm, tenía sus raíces en el arte popular y se basaba en la naturalidad y sencillez de las
formas como premisa fundamental del diseño, así como en la utilización de materiales naturales,
aunque sin desdeñar el acero, que empleaban con asiduidad. Los principales campos tratados por
el diseño escandinavo fueron el mobiliario, la cerámica, la orfebrería y el vidrio. Por su parte, el
Reloj de cocina diseñado diseño italiano era más audaz y extravagante, con predilección por el colorido vivo, uso de
por Max Bill en la materiales artificiales como la resina, el plástico y el conglomerado, así como el acero y
Hochschule für materiales más «nobles» como el mármol, y con una libertad creativa que iba desde la austeridad
Gestaltung de Ettore Sottsass, pasando por el racionalismo de Joe Colombo, hasta el refinamiento de Gae
Aulenti.236

En España, el principal centro del diseño industrial fue Barcelona, donde en 1903 se fundó el FAD (Fomento de las Artes
Decorativas), una asociación de decoradores y artesanos que en 1959 impulsó una escuela y, al año siguiente, el ADIFAD
(Agrupación de Diseño Industrial del FAD), que posteriormente creó sucursales en Madrid y Valencia. En los años 1930 el
GATCPAC (Grupo de Artistas y Técnicos Catalanes para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea), cuyo principal exponente
fue Josep Lluís Sert, también se internó en el diseño de estilo funcionalista. En 1973 se fundó la Fundación Barcelona Centro de
237
Diseño (BCD), más vinculada a la política industrial del estado. En 1977 se fundó la Asociación de Diseñadores Profesionales.
 Sillón de Le Corbusier, Pierre Silla Paimio, de Alvar Silla Útero Sillón (1940),
Jeanneret y Charlotte Aalto (1929-1933) (1947-1948), de de Frank
Perriand (1928) Eero Saarinen, Lloyd Wright,
Museo Brooklyn Nelson-Atkins
Museum of
Art, Kansas
City (Misuri)

Coconut Chair (1958), de 12° Triennale de Milán Silla de hamaca PK24 Boby 3
George Nelson, Brooklyn (1960), muebles para (1965), de Poul Kjærholm (1969),
Museum, Nueva York interiores diseñados por sistema de
Ettore Sottsass almacenamie
nto portátil, de
Joe Colombo,
MoMA, Nueva
York

Nuevas tendencias
Desde la Segunda Guerra Mundial las artes decorativas tradicionales y el diseño industrial han
convivido con nuevas corrientes de la vanguardia artística que, ocasionalmente, han hecho
incursiones en el campo del diseño. Uno de los estilos artísticos que se internaron en este terreno
fue el pop art, surgido en Reino Unido y Estados Unidos en torno a 1955 como movimiento de
rechazo al expresionismo abstracto, con un marcado componente de inspiración popular
(publicidad, fotografía, cómic, medios de comunicación de masas). Aunque su principal vía de
expresión fue la pintura, también destacaron en artes gráficas —como las famosas serigrafías de
Andy Warhol— y en diseño, con cierta influencia del Arts & Crafts y el art déco. Así, por
ejemplo, destaca el mobiliario diseñado por Verner Panton o el del equipo italiano formado por
Jonathan de Pas, Donato d'Urbino y Paolo Lomazzi, creadores de la silla inflable Blow (1967) y el Silla diseñada por Verner
Sofá de Joe (1971), con forma de guante debéisbol, inspirado en el jugadorJoe DiMaggio.238 Panton (1960)

Otro movimiento interesado por el diseño fue el arte abstracto orgánico, que se caracteriza por la
utilización de formas redondeadas inspiradas en la naturaleza. En realidad, no fue una escuela o estilo, sino una tendencia presente en
artistas de distinto signo, remontable incluso a la obra de Vasili Kandinski o Constantin Brâncuși, pero que se suele aplicar a varios
artistas de los años 1940 y 1950. Uno de sus principales representantes fue Isamu Noguchi, autor de muebles, lámparas y otros
239
objetos elaborados con una concepción escultórica, como su famosa mesa de café con base madera y tablero de cristal (1947).
 Entre las décadas de 1950 y 1960 se
dio el Italia el estilo llamado
Neoliberty —en alusión al
modernismo italiano, llamado
Liberty en ese país—, inspirado
tanto en ese precedente como en el
pop art, con predominio de las Sofá Superonda (1967), de
líneas curvas, representado por Gae Archizoom, Indianapolis Museum of
Aulenti, Franco Albini, Vittorio Art
Gregotti y Carlo Mollino.240
También en esas fechas se dio en
Mesita de Isamu Noguchi (1947-49),
Milwaukee Art Museum Italia el llamado techno-chic, un estilo lujoso y brillante aplicado sobre todo al
mobiliario y la iluminación, con empleo de materiales como el cuero, el cromo y el
plástico.241

Entre los años 1960 y 1970 hubo una tendencia en la arquitectura y el diseño conocida como «antidiseño» (también «contradiseño» o
«diseño radical»), representada por el estudio británicoArchigram y los italianos Archizoom y Superstudio. Influidos por el pop art y
el kitsch, y con un antecedente en el art déco, rechazaban los principios del Estilo Internacional y el diseño estético por encima del
funcional, así como la injerencia política o económica en el diseño. Una de sus mejores realizaciones fue la silla Mies de Archizoom
(1969).242

Desde 1975 predominó el arte posmoderno, llamado así por oposición al arte moderno, ya que se asume el fracaso de los
movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno. Este movimiento supone el retorno a las formas y estilos
tradicionales del arte que, sin embargo, son reinterpretados y mezclados de forma libre y arbitraria. Se rechazan los postulados
racionalistas derivados de la Bauhaus y se experimenta de nuevo con las texturas y los colores, así como se adoptan motivos
ornamentales del pasado, una tendencia conocida igualmente como «adhocismo». Destacaron diseñadores como Ettore Sottsass,
Alessandro Mendini, Michele de Lucchi y Philippe Starck, así como en las artes gráficas Wolfgang Weingart, Neville Brody y Javier
Mariscal.243

Siglo XXI
El nuevo milenio se inició con un hilo de continuidad con la centuria anterior, tanto en la
pervivencia de las técnicas tradicionales, cada vez más relegadas a la consideración de artesanía,
como en la evolución del diseño industrial. Estilísticamente, al inicio del siglo continuó
predominando el arte posmoderno, aunque también se notó la influencia de movimientos
arquitectónicos como el high-tech y el deconstructivismo. Un fenómeno social de la transición de
siglo fue el nuevo concepto de mobiliario automontable y venta de productos de diseño por
catálogo o en grandes almacenes, que tuvo su paradigma en la empresa sueca Ikea, fundada en
1943 por Ingvar Kamprad. En general, la tendencia del nuevo milenio ha sido la del eclecticismo,
la mezcla de estilos, así como la búsqueda de la sencillez y el confort. En el interiorismo se denotó
Silla Clover (2006), de
asimismo una mayor preocupación por la sostenibilidad medioambiental y un gran auge del uso
Ron Arad, Indianapolis
de nuevas tecnologías. Entre los diseñadores más destacados de la transición de siglo cabe citar a
Museum of Art
Ron Arad, cercano al deconstructivismo, quien elabora obras de materiales reciclados con una
apariencia escultórica; y Andrée Putman, diseñadora de estilo ecléctico que mezcla elementos
rococó, high-tech y posmodernos.244

Arte no occidental

África
 El arte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso, destinado más a ritos y
ceremonias de las diversas creencias animistas y politeístas africanas que no a fines estéticos,
aunque también hay producciones de signo ornamental. La mayoría de producciones en el terreno
de las artes decorativas se han dado en cerámica, joyería y tejidos, así como objetos de
metalurgia.245

En la región sudanesa (desde la sabana de la costa hasta el Chad) destacan las urnas funerarias,
vasos de terracota y joyas de bronce (pendientes, pectorales, brazaletes y anillos). El arte de la
madera fue practicado por los dogon de Malí, los bobo de Burkina Faso y los senufo,
246
especialmente unos taburetes con patas con forma de figuras humanas.
Cabeza moldeada en
En la región guineana (Costa de Marfil, Ghana, Benín, Nigeria y Camerún) se han producido
bronce (siglo XII), obra
del pueblo yoruba, Ife, interesantes obras de cerámica, especialmente en Benín, con vasijas modeladas a mano y cocidas
Nigeria de forma precaria —por lo que son muy frágiles—, de color rojo o blanqueadas con cal y
decoración lineal. También destaca en esta región la orfebrería, especialmente en las tribus
ashanti, como la máscara funeraria del rey Kofi Kalkali (1870, Colección Wallace, Londres), de
oro fundido a la cera perdida de 1,5 kg de peso, o un anillo con la figura en bulto redondo de un león conservado en el British
Museum. Otros objetos eran pendientes, anillos, cascos, collares, brazaletes, platos, vasos, etc. También elaboraban objetos de hierro,
cobre, bronce y latón. En cuanto a la madera, fue practicada en todo tipo de objetos y mobiliario, especialmente los tronos y asientos
rituales de Camerún y Benín, como el trono del rey Glelé de Dahomey (Musée de l'Homme, París). Otras artes practicadas en la
región fueron la eboraria, el tejido y la cestería.247

En el área congoleña (República Centroafricana, Congo, República Democrática del Congo y Angola) se practicó la metalistería, en
la que destacan los jarros mangbetu (Congo central) de forma globular y cuello en forma de cabeza humana femenina. Destacó
también el trabajo de la madera, presente en máscaras, tambores, cabeceras, asientos, copas, peines, cofres, cubiletes y otros objetos.
En el tejido destaca el llamado «terciopelo de Kasai» practicado por los bakuba, elaborado con palma y decorado con cuadrados,
bakwele del Congo.248
rombos y triángulos. En cestería son remarcables las canastillas para plátanos de los

Oceanía
El arte oceánico está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el océano Pacífico,
donde destacan las islas de Australia y Nueva Zelanda, así como tres principales áreas de islas y
archipiélagos: Polinesia, Melanesia y Micronesia. La primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita
(1500-500 a. C.), originada enNueva Caledonia y extendida por Nueva Guinea y Polinesia occidental (islas
Salomón, Vanuatu, Fiyi, Tonga y Samoa, principalmente). Se caracteriza por su cerámica decorada con
motivos dentados hechos con peines o púas, así como objetos de obsidiana y conchas. Entre el 500 a. C. y
el 500 d. C. continuó la colonización hacia Micronesia, Melanesia y Polinesia oriental (islas Sociedad,
Marquesas, isla de Pascua, Hawái), aunque en estas primeras fases no se han hallado numerosos vestigios,
249
excepto algunos utensilios y abalorios, principalmente de conchas.

Con posterioridad, cada área regional desarrolló distintas formas de arte: en Nueva Guinea se producía un
tipo de cerámica decorada con espirales incisas, así como muebles de madera, mosaicos de plumas de ave, Hei tiki de
cajas de bambú y calabazas pirograbadas; en las islas Salomón se han encontrado pendientes de concha con Nueva Zelanda
incrustaciones de nácar, maderas talladas usadas como adorno en piraguas y vasos de madera con dibujos
grabados; en Nueva Zelanda era característico en los objetos ornamentales el uso de espirales y el horror
vacui, encontrados en maderas talladas usadas en piraguas, cajas y bajorrelieves de las casas, así como los pendientes de jade
llamados hei tiki; en las islas Samoa destaca la producción de tejidos de corteza vegetal (tapa) decorados con dibujos, generalmente
losanges o ajedrezados; en las islas Hawái se confeccionaban cuencos y platos de madera sostenidos por cariátides, así como vestidos
y cascos adornados con plumas, como el manto del rey Kamehameha, de3,50 m de largo por 2,50 m de ancho.250
En sus viajes por el océano Pacífico (1768-1780), James Cook reunió una serie de obras de arte que incluían tejidos, esculturas,
251
joyas, muebles, armas, herramientas, instrumentos musicales y otros productos manufacturados.

Arte precolombino
Se denomina arte precolombino al producido en el continente americano antes del
descubrimiento de Américapor Cristóbal Colón en 1492. Aquí florecieron a lo largo
del tiempo diversas culturas, entre las que destacan los mayas y aztecas en México y
los incas en Perú. Estos pueblos trabajaron la piedra con finalidad ornamental, como
se denota en el templo tolteca de Coatepantli, decorado con un friso de serpientes
devorando hombres, o el templo mixteca de Mitla, con decoración de relieve en
forma de grecas; también son remarcables los altorrelieves deUxmal y Chichén Itzá.
Estas culturas también trabajaron piedras preciosas y semipreciosas como turquesa,
jade, ónice, ágata, jaspe, serpentina y cristal de roca, así como nácar, coral y
obsidiana.252

Una de sus principales Cerámica escultórica con motivos

Colgante tairona de tumbaga
(aleación de oro y cobre),Museo del
Oro, Bogotá
manifestaciones fue la cerámica, eróticos de la cultura moche, Museo
realizada sin torno, en modelado o Larco Herrera, Lima, Perú
vaciado. Presenta diversas
morfologías —una de las más
típicas la de trípode—, con decoración por incisión con punzón, mediante estampado
con bloques de piedra o terracota grabados, pintada o bien mediante alveolado o
ahuecado. En México se han hallado urnas funerarias y vasos con cabeza de forma
caricaturizada entre los toltecas, vasos mixtecas, vasos y trípodes mayas o las
máscaras de terracota totonacas. Pero las mejores realizaciones son del Perú, con
unos primeros exponentes en la cultura de Chavín, en la de los mochicas, los chimús
y en Nazca, hasta desembocar en los mayas, entre los que destacan las ánforas
253
puntiagudas con dos asas, con decoración pintada de tipo geométrico.

La orfebrería tuvo gran relevancia en las culturas precolombinas, especialmente en

Perú, donde está constatado el trabajo del oro desde el siglo IX a. C. y la plata desde el siglo V a. C.254 Dominaban diversos
procedimientos, como el repujado, el batido en frío, el cincelado, el ahuecado, el recocido, el estampado sobre alma de madera y la
soldadura. En México destaca el tesoro hallado en la tumba 7 de Monte Albán, donde se halló un pectoral de oro que representa al
dios de los muertos Mictlantecuhtli, junto a un conjunto de unas quinientas piezas de oro. En Colombia, donde se halla una buena
muestra en el Museo del Oro de Bogotá, floreció notablemente la orfebrería, donde destacan los pectorales antropomorfos de la
cultura quimbaya, así como figuras zoomorfas, anillos, alfileres, collares, cascabeles, etc. También hacían piezas de tumbaga, una
aleación de oro y cobre. EnEcuador se trabajó por primera vez elplatino.255

En Perú surgió una notable industria textil, quizá la primera del mundo —hay
vestigios del siglo VII a. C.—, hilada con telar con hilos de casi doscientos colores
distintos.256 En Paracas se elaboraban mantos de lana de guanaco, alpaca o vicuña,
adornados con escenas mitológicas. Además de tejidos se elaboraban tapices, gasas
y brocados. Los tapices eran de urdimbre de algodón y trama de lana, coloreados en
tonos amarillos y pardos de base vegetal, azul de índigo y rojo de cochinilla, así
como verde y violeta por combinación de los anteriores y negro por inmersión del
rojo en barro. Los motivos ornamentales eran tanto figurativos como abstractos y
geométricos.257 También se elaboraron obras notables de plumería, especialmente
Cerámica mimbre
entre los olmecas, los mayas y los aztecas, por lo general mosaicos de plumas
elaborados por costura o ensamblaje. Se conservan algunos regalos de Moctezuma a
258
Carlos V, como un escudo ceremonial, un casco, un estandarte y un abanico.
En América del Norte vivieron diversas tribus adaptadas a los múltiples hábitats de este continente, tales como regiones árticas,
selvas, desiertos, bosques y praderas. Aunque cada una de ellas tenía su propia idiosincrasia artística, en general practicaban un arte
mobiliar confeccionado con materiales como pieles, fibras vegetales, plumas, piedra, madera, cobre, mica, conchas, púas de puerco
espín, etc. Las principales técnicas practicadas eran la cerámica, el textil y la cestería. En Florida algunas tribus elaboraban delantales
confeccionados de musgo y liquen. Uno de los elementos típicos de las tribus nómadas eran los tipis, unas tiendas realizadas
generalmente de piel de búfalo y dibujadas con emblemas tribales y familiares. La cerámica se desarrolló especialmente en el
suroeste americano, con piezas notables entre la tribu de los mimbres, autores de unos cuencos decorados con pinturas de pájaros,
animales y seres humanos.259

Asia

China
El arte chino ha tenido una evolución más uniforme que el occidental, con un
trasfondo cultural y estético común a las sucesivas etapas artísticas, marcadas por
sus dinastías reinantes. Como la mayoría del arte oriental tiene una importante carga
religiosa (principalmente taoísmo, confucianismo y budismo) y de comunión con la
naturaleza. Al contrario que en Occidente, los chinos valoraban por igual la
caligrafía, la cerámica, la seda o la porcelana, que la arquitectura, la pintura o la
escultura, a la vez que el arte está plenamente integrado en su filosofía y cultura. Las
artes decorativas chinas tienen en general ciertos rasgos comunes: gusto por el Vasija china de porcelana de la
colorido y los materiales bellos, amor por el trabajo bien realizado, sentido del ritmo, dinastía Qing (1723-1735), British
estilización y persistencia de ciertas formas y motivos en todas las técnicas Museum, Londres
decorativas, generalmente de carácter simbólico: cielo, tierra, sol, estrellas, animales
míticos como el dragón o el fénix, signos del zodíaco, flores y otros elementos de la
naturaleza; los colores y algunos caracteres o palabras también pueden tener un significado simbólico.260 Cabe mencionar que las
chinoiseries.261
manufacturas chinas influyeron en la decoración del rococó europeo, las llamadas

El arte en China se suele periodificar según sus dinastías gobernantes: Shang (1600-1046 a. C.), Zhou (1045-256 a. C.), Qin (221-
206 a. C.), Han (206 a. C.-220 d. C.), período de las Seis dinastías (220-618), Tang (618-907), Song (960-1279), Yuan (1280-1368),
Ming (1368-1644) y Qing (1644-1911).

Una de las principales expresiones de las artes decortivas chinas es la cerámica: los
primeros vestigios son de época neolítica, alrededor del 2500 a. C., en que se
elaboraban urnas y vasijas decoradas con pinturas de varios motivos, como espirales,
triángulos y zigzags. En época Shang se hacían vasijas de arcilla fina decorada por
incisión, con adornos generalmente de grecas. Durante la dinastía Zhou apareció una
protoporcelana de gres vidriado con feldespato y un caolín impuro. En época Han se
dio un tipo de cerámica esmaltada con un barniz plomífero y coloreada en verde con
óxido de cobre, como el típico vaso hu, que se decora en su parte superior con un
relieve de frisos. En el período Tang se elaboraban vasos, tiestos, jarros, ánforas y
Placa de cinturón de jade con
escudillas, algunos de influencia occidental, así como figurillas votivas, y surgió un
dragón, dinastía Yuan (siglo XIV)
tipo de porcelana blanca y gruesa. Durante el período Song destacan dos tipologías:
la cerámica de esmalte blanco de Ting-cheu y la cerámica de esmalte rosa o azul de
Kin-cheu. La época Yuan fue de mantenimiento de las formas anteriores, quizá con menos calidad; la principal innovación fue la
introducción del azul cobalto. La dinastía Ming supuso un renacimiento de la cerámica y el arte en general, favorecida por la creación
de la manufactura imperial de Jingdezhen. La porcelana se elaboró en grandes cantidades, un tipo de porcelana blanca translúcida de
gran perfeccionamiento técnico, decorada con vivos colores. Por último, en época Qing continuó una producción abundante —en
Jingdezhen había tres mil hornos trabajando continuamente—, y se recuerda a Tang Ying como el más grande ceramista de su
tiempo, director de la fábrica imperial de 1736 a 1749. En este período se introdujo el azul zafiro, y se elaboraron piezas tanto
262
monocromas como policromas, con una predilección temática por las escenas pintorescas.

El trabajo de las piedras duras está representado sobre todo por el jade, que se trabaja en China desde el milenio III a. C. Suele ser de
color verde o azul, aunque hay variedades en amarillo o blanco. Se solía pulir con piedras abrasivas como el corindón, aunque su
dureza conllevaba un trabajo de varios años para una sola pieza. El sello imperial chino, grabado en época Han, era de jade. Los jades
eran usados como objetos rituales, como el disco Bi (símbolo del cielo) o el bloque Tsong (la tierra), o bien como ornamentos,
263
generalmente joyas, amuletos, adornos de espadas o hebillas de cinturones.

La orfebrería es escasa, debido a la pobreza del territorio chino en oro y plata. De

época Zhou se conservan diversas piezas de plata, como copas y alfileres para el
pelo. En época Han se hacían objetos de plata para uso ritual o doméstico, mientras
que en oro destaca un broche de cinturón con turquesas incrustadas hallado en una
tumba de Loland (Pyongyang). Un punto álgido de la orfebrería china fue durante la
dinastía Tang, donde se denota la influencia del Próximo Oriente debido a la llegada
de orfebres sasánidas expulsados de Irán por los musulmanes; también se denota la
influencia india en la introducción de la forma de flor de loto. Eran frecuentes los
collares, pendientes y brazaletes con abundancia de perlas. De época Song destacó el
uso de la filigrana, y los Yuan destacaron en platería. De época Ming destaca el
tesoro hallado en la tumba del emperador Wanli (1572-1620). La dinastía Qing
mantuvo los estilos anteriores, en piezas de gran suntuosidad con abundancia de
perlas, jade, coral y otros materiales preciosos.264 Incensario de cloisonné con forma
de qilin, dinastía Qing
En el trabajo del metal sobresalen las obras en
bronce, del que se crearon notables realizaciones
ya desde el 1700 a. C. Durante la dinastía Shang se produjeron vasijas decoradas en relieve, como
las halladas en la zona de Chengdu, en el alto Yangtsé, de alrededor del 1200 a. C. Además de
vasos, se elaboraban cascos y armas, campanas, calderos-trípode (jue), espejos, cuchillos y
cubiertos, con una rica decoración gráfica de la que destacan los motivos zoomorfos. En época
Zhou proliferó el vaso hu, de grandes dimensiones, así como espejos redondos con decoración en
el reverso. En época Han el bronce se volvió más suntuoso, con incrustaciones de oro, turquesa,
malaquita y otros materiales preciosos. Durante la dinastía Ming comenzó la decoración de vasijas
de bronce en esmalte cloisonné.265

El mobiliario presenta dos tipologías principales: el cofre o caja y el bastidor, generalmente con
Bodhisattva Manjusri de un diseño de corte arquitectónico y estructura rectangular, de formas simples y austeras. En época
porcelana, dinastía Ming
Han se encuentran sillas, mesas, taburetes, camas y otros tipos de muebles, de formas sencillas y
(siglo XVII)
con decoración ocasional de motivos geométricos. Los Tang tenían un mobiliario más lujoso, con
incrustaciones de oro, plata, nácar o marfil, en ocasiones lacados. Durante las dinastías Ming y
Qing se emplearon maderas como elsándalo, la teca, el cedro y el palo de rosa, con utilización de ébano para incrustaciones.266

Otro gran exponente de las artes decorativas chinas es la laca, que se remonta tradicionalmente al mítico emperador Shu (c.
2850 a. C.) Los objetos más antiguos conservados son de época Zhou, aunque el apogeo de la laca fue durante la dinastía Han,
período en el que se perfeccionó la técnica, con barnizados de más de treinta capas que requerían semanas de trabajo. Se hacían
lacados en color blanco, negro, rojo, verde, azul, amarillo, marrón y otras tonalidades, y se empleaban también el oro y la plata, así
como incrustaciones de nácar. Se crearon varios talleres imperiales en los que trabajaron artesanos mcuhas veces conocidos, ya que
solían firmar sus obras. La laca floreció también en época Song, período en el que se exportó al sudeste asiático y el Próximo Oriente,
267
así como durante la dinastía Ming, en que las manufacturas imperiales llevaban un sello de oro incrustado.
En cuanto al arte textil destaca la seda, descubierta en China en el milenio III a. C., cuya invención se atribuye a Lei-Tsu, concubina
del emperador Huang-Ti. La sedería floreció especialmente desde la dinastía Han, período en el que comenzó a exportarse a través de
la ruta de la seda. Ya en aquel entonces había diversas técnicas, como el damasco, el muaré, el piqué, la gasa, el tapiz y el bordado.
La decoración solía ser de losanges, celosías, motivos animales y vegetales, dragones y otros animales míticos, con policromía de
ricos colores. La seda también destacó en las dinastías aTng, Song, Yuan y Qing.268

Vaso de cerámica Zhou, Describiendo Celadón Jue dorado de la dinastía Caja de laca con con
siglos IV-III a. C. la doctrina de la Ming (1411-1441) incrustaciones de
bajo un árbol, dinastía nácar, dinastía Ming
pintura sobre Song
seda (siglo XIII),

(siglo VIII), colección

British Nantoyōsō
Museum , Japón

Cuenco de cloisonné, dinastía Ming Cama de la dinastía Ming Túnica

imperial de la
dinastía Qing

Japón
El arte japonés ha estado marcado por su insularidad, aunque a intervalos ha ido
recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales, sobre todo de China y
Corea. Gran parte del arte producido en Japón ha sido de tipo religioso: a la religión
sintoísta, la más típicamente japonesa, formada alrededor del siglo I, se añadió el
budismo en torno al siglo V, forjando un sincretismo religioso que aún hoy perdura.
Como el arte chino, el japonés está imbuido de un profundo amor a la naturaleza, lo
que se ha traducido en ocasiones en algunos objetos artísticos en una austeridad
decorativa motivada por su imitación de los objetos naturales. Otras muestras son el
gusto por la jardinería y el arte del ikebana. Otros elementos perceptibles en las artes
decorativas son el gusto por materiales bellos, la repetición de motivos ornamentales
y la ausencia de profundidad.269
Porcelana de Imari (siglo XVIII)
El arte japonés se divide en períodos históricos: Jōmon (5000-200 a. C.), Yayoi
(200 a. C.-200 d. C.), Kofun (200-600), Asuka (552-646), Nara (646-794), Heian
(794-1185), Kamakura (1185-1392), Muromachi (1333-1573), Momoyama (1573-1615), Edo (1615-1868) y Meiji (1865-1911).
 En Japón, durante el período Jōmon, se produjo la cerámica más antigua producida
por el ser humano (7000 a. C.), hecha a mano y decorada con incisiones o
impresiones de cuerda.270 En época Kofun (hacia el siglo V) aparece el trabajo en
torno, probablemente por influencia coreana. En época Asuka aparece la cerámica
Sue, elaborada con esmalte ceniciento. Del período Nara son características las
piezas de tres colores, copiadas de la cerámica china Tang. Durante el período
Kamakura se inició la producción de la que sería la cerámica más típicamente
Biombo de seis paneles del sigloXVII japonesa, con un centro productor de gran relevancia, el taller Seto en Owari. En
época Muromachi los conflictos bélicos con Corea provocaron la llegada a Japón de
numerosos alfareros coreanos, que llevaron la cerámica japonesa a cotas de gran
calidad. En ese período la influencia del budismo zen y la estética wabi-sabi conllevaron a la creación de la ceremonia del té, que
motivó un gran auge de la cerámica: para esa ceremonia se utilizan cuencos, botes, jarras de agua, platos, floreros, cajas y
quemadores de incienso. En el período Momoyama la cerámica alcanzó un momento de gran apogeo: Seto continuó siendo uno de
los primeros centros de producción, mientras que en Mino nacieron dos escuelas muy importantes: Shino y Oribe. Como autor
destaca Ōgata Kenzan. En el período Edo la cerámica tuvo uno de sus mayores centros de producción en Kioto, con influencia del
arte chino y coreano; su principal artista es Nonomura Ninsei. En este período se produjeron las primeras porcelanas, con un primer
centro productor en Arita; destacan las escuelas de Kakiemon, Nabeshima yKutani.271

En orfebrería, los japoneses utilizaron el oro y la plata principalmente para dorar o platear el
bronce, ya que lo tenían en pequeñas cantidades. En época Nara se utilizó la plata para
confeccionar aureolas de estatuas búdicas. En cambio, destacaron notablemente en el trabajo del
bronce, empleado desde la época Yayoi en la elaboración de campanas, armas, espejos y otros
objetos litúrgicos y utilitarios. En los períodos Asuka y Nara se empleó preferentemente en
objetos dedicados al culto budista. En esta época apareció una aleación llamada shakudo,
compuesta por un 95 % de cobre, un 4 % de plata y un 1 % de oro.272 El trabajo del hierro se dio
principalmente en armas: florecieron especialmente en el período Kamakura, en que se elaboraban
armaduras y espadas (katana) confeccionadas con dos capas de hierro y acero sometidas a
ignición e inmersión, con una característica marca templada al vapor denominada ni-e.273
Armadura samurái
Algunos de los principales fabricantes fueron los Goto, los Myochin y los Humetada. Las épocas datada entre la segunda
Momoyama y Edo marcaron el apogeo del hierro, cada vez más ornamentado, con decoración por mitad del siglo XVIII y la
274
calado, cincelado o con incrustación de cobre, oro, plata o esmalte. primera del XIX, con
kabuto del siglo XVI,
La madera se usó escasamente para muebles, ya que la tradición japonesa es sentarse o estirarse hierro lacado con
en esteras de paja de arroz, aunque se dan mesas de escasa altura, cofres, estanterías, escritorios y aplicaciones de bronce,
seda y algodón
otras modalidades menores.275 Un elemento relevante es el biombo, una mampara movible de
armazón de madera y paneles de tapicería, papel, cuero, laca u otros materiales, decorados con
pinturas de paisajes o escenas costumbristas.276 Como en China, el arte japonés destacó en la
laca, confeccionada generalmente con una madera recubierta de cáñamo (en ocasiones metal, cuero, barro o papel) sobre la que se
aplica una laca basta y, sobre esta, unas treinta capas de barniz fino; posteriormente se decora con diversas técnicas: dorado (maki-e),
espolvoreado (togidashi maki-e), relieve (taka maki-e), incrustación de nácar (raden), metal (hypomon) o pintura (shitsuga).
Aplicadas sobre la laca húmeda, estas técnicas crean dibujos de gran finura y sutil tonalidad. Se solían elaborar armarios, relicarios,
biombos, cajas y cofres, máscaras, instrumentos musicales, etc. Como autores, en época Momoyama destaca el nombre de Honami
Kōetsu y, en el período Edo, Ōgata Kōrin.277

En arte textil destaca el trabajo de la seda. Aunque se introdujo procedente de Corea hacia el año 200, parece ser que hacia el siglo XI
se perdió la técnica y no se recuperó hasta el XVI, importándose entre mientras sedas chinas. El principal centro productor se
estableció en Nishijin, un suburbio de Kioto. La principal tipología es el kimono.278 Hay que citar también en Japón el abanico,
donde ya en el siglo XII se decoraban con pinturas o poemas. Durante el período Heian se decoraban con textos de los sūtras budistas
y con escenas de género.279 Posteriormente, el abanico pasó a China y, en el siglo XVI, a España y Portugal, desde donde pasó a toda
Europa.280
 Recipiente de terracota Vaso Yayoi (c. siglos I-III), Vasija negra chawan Porcelana de Kutani
del período Jōmon (hacia Museo Nacional de Tokio estilo raku utilizada para (siglo XVII)
3000-2000 a. C.) té grueso (siglo XVI),

Museo Nacional de Tokio

Incensario de cerámica Tarro de té de Nonomura Kimono Furisode

esmaltada con Ninsei (c. 1660-1670)
decoración de flores,
hierbas y mariposas, de
Honami Kōetsu
(siglo XVII), Museo
Metropolitano de Arte

Corea
El arte coreano ha recibido en numerosos períodos de su historia la influencia china, aunque
también ha dado pruebas de gran maestría en la producción autóctona. Su mejor aportación a las
artes decorativas ha sido en el terreno de la cerámica, con unas primeras muestras de relevancia en
el reino Silla entre los siglos V y VIII, tanto en tejas y baldosas como en urnas funerarias, vasos y
lámparas, generalmente con decoración floral. La mejor producción fue durante la dinastía Koryo
(936-1392), con obras de gran refinamiento comparables a la cerámica Song, tales como
celadones, vasos, boles, teteras y pebeteros, a veces con forma de flores o frutos. En esta época se
inventó una técnica ornamental de incrustación por vaciado de la pasta y relleno de arcilla blanca
llamada punch'ong (en Japón, donde fue muy admirada, la llamaron mishima). Durante la dinastía
Joseon se inició la producción de porcelana (sigloXVII), de color opaco y formas macizas, un tanto
Incensario de cobre y
rudas, con decoración de tipo abstracto.281
oro del antiguo reino de
En orfebrería hubo una copiosa producción de piezas de oro, relativamente abundante en el país. Baekje (c. 538-660),
Museo Nacional de
En las tumbas reales se han encontrado coronas, pendientes, cinturones, collares, alfileres,
Buyeo
brazaletes, pomos de espada y otras piezas de gran habilidad técnica, con motivos ornamentales
en los que predominan flores, pájaros y dragones. También trabajaron el bronce, especialmente en
estatuillas budistas, espejos, coronas y campanas.282
Sudeste asiático
En el sudeste asiático el arte estuvo a caballo entre la tradición hinduista y budista, así como el islamismo, introducido en el siglo XV
principalmente en Indonesia. En las culturas autóctonas de la edad del bronce y del hierro —de las que se conservan escasos restos—
se denota la influencia china, mientras que a partir del sigloVI comienza progresivamente la influencia india.

Arte indonesio: se recibió una primera influencia india, principalmente gupta. En la decoración arquitectónica se
dieron bajorrelieves que denotan un gran detallismo y amor a la naturaleza, como en el templo de Borobudur. En
metalistería destacan las campanas y tambores de bronce, así como los puñales kris, de hoja adamascada y mango
tallado, a veces con incrustaciones de oro, plata, marfil o piedras preciosas. En orfebrería se practicó especialmente
el oro cincelado, como el adorno de tres ruedas, el sol y la serpiente nāga de la dinastía Madjapahit (Java, siglo XIV).
Quizá la principal manifestación de las artes decorativas indonesias sea la textil: aquí se inventó el batik, realizado
con un tejido impregnado de cera al que luego se le da un baño de colorante, preservando el fondo o el dibujo para
conseguir distintos efectos y combinaciones cromáticas. Otra técnica, usada principalmente en Bali y Sumatra, es el
ikat, en que se tiñen los hilos que luego se tejen en forma de dibujo. Cabe mencionar también las marionetas
wayang, en tres modalidades: wayang golek, de madera; wayang kulit, de piel; o wayang klitik, de madera con
brazos de piel.283

Arte thai: es el desarrollado enSiam (Tailandia), de corte principalmente

budista. La cerámica fue inicialmente monocroma, en tonos blanco,
verde, gris y marrón, mientras que posteriormente pasó a la policromía.
Se dieron varios tipos: Ban Chiang, de época prehistórica, cocida sin
horno y con decoración elaborada con cuerdas; Sawankhalok (siglos
XIV-XV), de influencia china y vietnamita, realizada con gres duro
recubierto a veces de un vidriado de celadón de tono verde o azul;
Sukhothai, contemporánea de la anterior y bastante parecida, aunque
de calidad inferior; y Bencharong, de los siglos XVIII-XIX, elaborada en
China para comercializarse en Siam, generalmente con motivos
budistas.284 Destacó la orfebrería, en la que se elaboraron notables
obras como adornos de Buda, principalmente coronas. En el Museo de Soporte de gong, Mandalay,
Bangkok se conserva el tesoro de la pagoda de Ayuhya (siglo XV), que Birmania (siglo XIX), Museu de
contiene sortijas, brazaletes y pectorales formados por tablillas de oro,
plata y estaño con formas de animales (cisne, caballo, vaca y elefante). Cultures del Món, Barcelona
En el trabajo del bronce se dieron objetos ceremoniales y estatuillas de
Buda. En madera se elaboraron en el siglo XVIII armarios y cofres de
laca negra con decoración de flores y personajes en oro. 285

Arte jemer: el reino jemer se situó en Camboya y tuvo su apogeo entre los siglos VIII-XII. Su principal manifestación
es el magnífico conjunto deAngkor Wat (1113-1150), una ciudadela-templo dedicada a Vishnú, de la que destaca la
decoración esculpida en relieve. También se dieron objetos de bronce como adornos de carros, cascabeles de
elefante y estatuillas de dioses hindúes. En orfebrería destacan los collares de apsaras con ornamentación floral de
Angkor Wat. En el textil destaca la tipología del sampot, un tipo de vestido realizado en ikat de aspecto
suntuoso.286 La cerámica destacó entre los siglos XI-XII, contemporáneamente a la cultura de Angkor, época en que
se dieron unos jarros con forma de cabeza de elefante y barniz de color chocolate. 287

Arte cham: se dio en el reino de Champa (Vietnam). En los siglos VIII-IX recibió la influencia hindú, mientras que en el
siglo XII predominó la influencia jemer. Destacó la cerámica, de influencia china pero con una fuerte personalidad
propia: los primeros vestigios son de los siglos I-III, aunque su mejor época fue entre los XIV-XVII, con varios tipos de
gres y semiporcelana en tonos azul y blanco o con colores al esmalte en rojo y verde, de gran refinamiento. 288

Arte birmano: en Birmania es más palpable la influencia china, así como del budismo Theravada. Destacaron
especialmente en orfebrería, al ser un país con abundancia de oro y piedras preciosas, sobre todo zafiros,
esmeraldas y rubíes. Pese a la austeridad budista, la nobleza birmana gustaba de hacer ostentación de joyas y
abalorios, como se denota en el fabuloso tesoro del reino de Mandalay. También cabe mencionar los recipientes
esmaltados, las tallas de madera, las latas lacadas y las marionetas yokthe-pwe, realizadas en madera y ataviadas
con ricos tejidos y metales preciosos.289
 Cerámica de Ban Jarra con forma Matraz de Porcelana de Paño del altar de Contenedor de
Chiang, Tailandia de elefante, peregrino Bencharong, batik de nueces, oro
(2300 a. C.), Camboya (siglos de Tailandia Peranakan, con rubíes y
Museum für XI-XII), Art Gallery Vietnam (siglo XIX), Jim Indonesia (finales esmeraldas,
Indische Kunst, of New South (siglo XV), Thompson del siglo XIX) Mandalay
Dahlem (Berlín) Wales gres con Museum, Bangkok (Birmania,
vidriera siglo XIX),

azul, Victoria &

Honolulu Albert
Academy Museum,
of Arts Londres

Marionetas Bailarina jemer

wayang golek de vestida con un
Java sampot
(Indonesia),
Asian Art
Museum, San
Francisco
(California)

India
El arte indio tiene un carácter principalmente religioso, que sirve como vehículo de
transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo,
budismo, islamismo y cristianismo, principalmente. El subcontinente indio no ha
dado una producción tan copiosa en artes decorativas como las vecinas China o
Japón, por un lado por su historia de división en pequeños reinos, a menudo con
ocupaciones extranjeras, así como el hecho de que la mayoría de la población no
podía permitirse la posesión de productos suntuosos, reservados a una élite
aristocrática; y, por otro lado, por el carácter perecedero de muchas de sus
producciones, especialmente madera y tejido, en unas condiciones climatológicas no Olla y bandeja con estampado de
muy favorables, debido a losmonzones.290 flores, cristal de roca, oro y gemas
(c. 1800), Museo Walters, Baltimore
La cerámica es de escasa relevancia, principalmente utensilios de barro de carácter
utilitario. Lo más renombrable son los vasos pintados de la cultura del Indo
(Harappa, Mohenjo-Daro), con una decoración en friso de motivos geométricos o animales. En época Gupta se dieron relieves y
 a en época mogol se introdujo la porcelana de tipo islámico.291
baldosas de terracota para decorar templos. Y

Destacó más la orfebrería: en la cultura del Indo se hallan collares y brazaletes de oro y perlas; era
frecuente adornar las estatuas de la diosas con collares, pendientes y cinturones de oro y plata. Las
joyas y piedras preciosas eran usadas con abundancia porque, según la tradición, protegían de los
malos espíritus, especialmente cinturones, brazaletes y diademas. También se hacían objetos
domésticos de metales preciosos, como vasos, espejos, abanicos y palmatorias. En Gandhāra se
han encontrado joyas de influencia helenística, realizadas por incisión, repujado, alveolado,
incrustación o filigrana. En la India también hubo una gran producción de jade que, a diferencia
292
del chino, suele llevar incrustaciones de esmalte o piedras preciosas con una montura de oro.

El bronce fue trabajado desde la época de la cultura del Indo: en Mohenjo-Daro se halló una
estatuilla de bailarina de bronce vestida de joyas. Desde el siglo II a. C. se trabajó también el
Jarra de la cultura del
acero, principalmente en armas, a veces damasquinadas de oro y plata. En época Gupta se
Indo (c. 2500-
1900 a. C.), Royal elaboraban estatuillas deBuda de bronce, a veces con aleaciones de plomo, cinc, antimonio, oro y
293
plata. Otros objetos habituales eran vasos, lámparas y peines.
Ontario Museum

La madera se empleó poco en mobiliario, ya que eran más

habituales las esteras o los asientos de caña o bambú. La presencia del mueble se dio más en el
ámbito religioso, especialmente mesas y cofres, donde se denota una cierta influencia del Oriente
Próximo. En época Gupta destacan los tronos, de teca, ébano o sándalo, con incrustaciones de oro,
plata, marfil o gemas. Durante la dinastía mogol la madera se dio sobre todo en puertas, ventanas
y paneles de madera calada, con taraceas o incrustaciones de nácar o latón. En época colonial se
dio un tipo de mobiliario de estilo indoportugués, caracterizado por el empleo de maderas oscuras
con incrustaciones de oro o marfil, así como el indoholandés, de ébano y maderas claras lacadas,
también en ocasiones con incrustaciones de oro. También se practicó la eboraria, especialmente
placas para cofres y asientos, trabajados en alto o bajorrelieve, con representación de plantas y Shah Jahan cazando un
león, camafeo de ónice,
monstruos, así como escenas cortesanas. También se hacían en marfil estatuillas, cofrecillos,
oro y esmalte, siglo XVIII
piezas de ajedrez, mangos de espejo y otros objetos.294

En cuanto al tejido, se trabajó la lana y el algodón para vestidos y tapices, mientras que la seda se
importaba de China. También se hacían bordados, en ocasiones con incrustaciones de hilos de seda, plata y oro. Los tejidos se solían
teñir, con batik o con algodón grabado por impresión con planchas de madera. En el arte textil se denota la influencia irania,
especialmente saris y chales de Cachemira con adornos florales.295

Cabe destacar también de época mogol laminiatura, que se desarrolló en libros lujosamente decorados, que eran considerados objetos
de gran valor. Por lo general se dibujaba sobre el papel con grafito o con tinta, se recubría con una capa de pintura blanca translúcida
y se aplicaba la pintura, confeccionada con pigmentos vegetales o minerales mezclados con aglutinante o goma arábiga. Uno de los
mejores miniaturistas fue Basawan, creador del estilo clásico de la miniatura mogol, de corte narrativo. El emperador Akbar fue un
gran mecenas de la miniatura, especialmente de crónicas e historias ilustradas, como las 1400 ilustraciones del Hamzanama
(Historias de Hamza). Más adelante, Abu'l Hasan creó un estilo más refinado y aristocrático, de menor tamaño. También aparecieron
entonces las escenas de género y la representación de animales y plantas, donde destacó la princesa Sahifa Banu, autora por ejemplo
de un Retrato del shah Tahmasp (principios del siglo XVII).296

Arte islámico
Con la Hégira de Mahoma en el año 622 surgió una nueva religión, el islamismo, que tuvo una rápida difusión desde el Próximo
Oriente por el norte de África hasta la península ibérica, así como por la zona de los Balcanes tras la caída del Imperio bizantino en
1453. Con el tiempo, la nueva religión aglutinó a una gran diversidad de pueblos y culturas, por lo que su arte fue el reflejo de esta
disparidad, lo que produjo numerosas manifestaciones y variantes estilísticas según la región donde se produjese.297 Los principales
períodos históricos y artísticos dentro del Islam fueron el omeya, abásida, selyúcida, timúrida,
safávida y otomano en Próximo Oriente; tuluní, fatimí, ayubí y mameluco en Egipto; y omeya,
almorávide, almohade y nazarí en Al-Andalus.298

En el arte islámico tuvieron un gran desarrollo las artes decorativas, debido principalmente a la
prohibición de la representación de seres vivos, que restó uno de los motivos principales de la
pintura y la escultura. A ello se añade la consideración de la arquitectura como un mero oficio, no
como un arte, por lo que las artes decorativas se convirtieron en la principal manifestación
artística islámica.299 Por otro lado, el arte islámico sigue la premisa de que «solo Dios
permanece», por lo que sus realizaciones artísticas tienen una cierta apariencia de fragilidad,
debido a lo cual se suelen emplear únicamente materiales modestos; por ello, apenas existe
orfebrería o piezas suntuosas.299 Los motivos decorativos islámicos se centran en la
representación geométrica o vegetal, frecuentemente abstractizada (arabesco), o en la epigrafía — Bote de Zamora (964),
generalmente versos coránicos—, con dos modalidades: caligrafía cúfica (formas rectas) y nasji píxide de marfil omeya,
(formas curvas).300 Todos estos motivos suelen repetirse de forma rítmica y simétrica, con un Museo Arqueológico
sentido lineal que excluye los efectos plásticos, y con una cierta tendencia al horror vacui, lo que Nacional, Madrid
da por resultado un cierto recargamiento y abarrocamiento de las artes. En cambio, se persiguen
efectos estéticos como el brillo y los reflejos de luz, y se valora positivamente la policromía y el
contraste de colores.301

En arquitectura se empleó mucho el estuco, que llegó a cotas de gran perfección técnica,
especialmente en la época abásida y en el norte de África, así como en la España musulmana,
donde se encuentra en la Aljafería de Zaragoza y en la Alhambra de Granada, y donde influyó en
el arte mudéjar.116

Vaso sirio o egipcio de
vidrio, dorado y esmalte
(c. 1350), Victoria &
Albert Museum, Londres
La cerámica fue heredera del ladrillo esmaltado del Próximo Oriente, al tiempo que también
denota la influencia china. Los abásidas importaron cerámica Tang y Song, e impulsaron un tipo
de cerámica monocroma y brillante, de reflejos metálicos conseguidos con esmalte de estaño y
una decoración de arabescos, follaje o palmetas. En época safávida se hizo más evidente la
influencia china, con tonos azules y blancos y motivos ornamentales de dragones y aves fénix.
Dentro del arte otomano la cerámica es heredera de la irania: en el siglo XV se dio una loza fina
con decoración de flores o inscripciones cúficas, seguida en el XVI por una cerámica de rica
policromía con motivos florales. Destaca también la azulejería, empleada profusamente en las
mezquitas de Estambul. En Al-Andalus se da una loza fina de reflejo metálico, con una especial
calidad en los talleres de Málaga de los siglos XIII-XIV. Destacan también los platos de Paterna y
Manises, centros de producción activos entre los siglos XIV-XV, donde se entronca con el arte
mudéjar.302

El vidrio islámico fue de mucha mayor calidad que el elaborado coetáneamente en la

Europa medieval, al ser heredero de los talleres de soplado de Egipto y Siria, de
tradición helenística. Se elaboraban vasos, copas, botellas, lámparas y frascos para
perfume, translúcidos o esmaltados de colores, con decoración pintada o incisa.
También se hacían jarrones decristal de roca, como el llamado de al-Aziz del Tesoro
de San Marcos (Venecia), del siglo X.303

La orfebrería fue escasa, principalmente sortijas y pendientes, de influencia irania.

En platería se elaboraban cofres de plata dorada sobre madera, como el conservado
en la catedral de Gerona, confeccionado para Hišām II en 976. También se dio el Arqueta de Hišām II (976), de
esmalte, como la jofaina de cobre esmaltada en alveolado del Museo de Innsbruck madera recubierta de plata repujada,
nielada y dorada, catedral de Gerona
(siglo XII).304 La metalistería se dio principalmente en cobre y bronce, en menor
medida en hierro. En cobre se elaboraban lámparas, vasos, jarras, cajas, bandejas,
pies de candelabro y jofainas. En bronce destacan los espejos, cofres, lámparas y aguamaniles, a veces con incrustaciones de plata. El
hierro se usó principalmente para las armas, como la espada de Boabdil, con pomo de oro esmaltado y marfil, y funda de cordobán
con esmalte, plata, seda y oro.305

El mobiliario ha sido escaso en el ámbito musulmán, debido a su predilección por la alfombra. La mayoría de muebles eran para el
ámbito religioso, como mesas, pupitres para la lectura del Corán y púlpitos (almimbares). La madera también se trabajaba para el
ámbito arquitectónico (puertas, paneles), generalmente con forma de lacerías. También se practicó la eboraria, especialmente en
cofres y urnas, como el llamadobote de Zamora (964, Museo Arqueológico Nacional, Madrid).306

Otra de las artes de relevancia en el mundo islámico fue la textil, heredera del arte bizantino y sasánida. Desarrollaron y
perfeccionaron numerosas técnicas, como el damasco, el tiraz, el terciopelo y la muselina.307 Elaboraban vestidos, alfombras,
tapices, telas estampadas y otros tejidos, con decoraciones generalmente geométricas, epigráficas, medallones con forma de media
luna o motivos de origen vegetal o animal pero llevados casi a la abstracción. En Siria también elaboraban brocados de seda. En
Bagdad —antiguamente Baldac— se creó el baldaquín, un dosel hecho de seda. También destacó la seda de Al-Andalus, como el
tiraz de Hišām II (Real Academia de la Historia, Madrid) o un tapiz de seda y oro originario de Almería conservado en el Museo
Cooper Union de Nueva York.308 Otro terreno de relevancia fue la corioplastia, especialmente en Córdoba, donde se creó la técnica
del cordobán, que junto al guadamecí fueron las principales modalidades producidas en la España musulmana y exportadas a toda
Europa.309

Colgante en forma Aguamanil fatimí Aspersorio de Tiesto de las aves, Siria Azulejo esmaltado
de media luna con con leones, cristal vidrio soplado (principios del siglo XIII), del camello, Irán
pájaros de roca y oro ayúbida (siglos Museo del Louvre, (siglo XIV), Museo
enfrentados, oro, esmaltado (siglos XII-XIIII), Museo París del Louvre, París
esmalte cloisonné, X-XI), Museo de del Louvre,
turquesa y filigrana Pérgamo París
(siglo XI)

Plato mudéjar del Silla persa Alfombra

siglo XV, Burrell del persa de
Collection, Glasgow siglo XIX, seda, Museo
Doris Duke Metropolitano
Foundation de Arte,
, Diamond Nueva York
Head
(Hawái)
Véase también
Portal:Arte. Contenido relacionado conArte.
Historia del arte
Teoría del arte
Artesanía
Museos de Artes Decorativas
Artes decorativas del Museo del Prado

Notas
1. La denominación «gótico» fue introducida por los artistas italianos del Renacimiento, en sentido despectivo, pues lo
veían como algo bárbaro y atrasado, como las realizaciones de los «godos» que acabaron con el Imperio
romano.92
2. El término arte moderno proviene del concepto de modernidad, una teoría filosófico-cultural que postula la actual
vigencia de un período histórico marcado en lo cultural por la Ilustración, en lo político por la Revolución Francesa y
en lo económico por la Revolución Industrial, y que supondría la raíz social propia de la Edad Contemporánea. El
proyecto moderno se caracteriza por el fin del determinismo y de la supremacía de la religión, sustituidos por la
razón y la ciencia, el objetivismo y el individualismo, la confianza en la tecnología y el progreso, en las propias
capacidades del ser humano. Esta «era moderna» habría llegado hasta la actualidad y estaría plenamente vigente
según unos expertos, mientras que otros defienden que es actualmente una fase superada en la evolución de la
humanidad y postulan unaposmodernidad como período sucesor de este proyecto moderno. 107

3. El término «barroco» proviene de un vocablo de origen portugués, donde a las perlas que tenían alguna deformidad
se las denominaba perlas barruecas, siendo en origen una palabra despectiva que designaba un tipo de arte
caprichoso, grandilocuente, excesivamente recargado. 127

4. El término rococó se formó con la conjunción del italiano barocco y rocaille, elemento decorativo parecido a una
concha, muy usado en la ornamentación durante este período. 140

5. El nombre proviene de un personaje de ficción llamado Gottlob Biedermeier, inventado por los escritores Ludwig
Eichrodt y Adolf Kussmaul en algunas poesías satíricas publicadas por un diario deMúnich en 1855.170
6. Diminutivo de arts décoratifs, «artes decorativas» en francés. De hecho, el término art déco no empezó a usarse
hasta los años 1960, cuando fue revalorizado por el pop art; contemporáneamente era conocido como style
moderne o estilo París 1925.217
7. Literalmente, «casa de construcción», aunque en alemán bau puede querer decir también crecimiento o
educación.226

Referencias
9. Onians, 2008, pp. 30- 16. Borrás Gualis, Esteban 23. Borrás Gualis, Esteban
1. Fatás y Borrás, 1990, 31. Lorente y Álvaro Lorente y Álvaro
pp. 30-31. Zamora, 2010, p. 446. Zamora, 2010, p. 443.
10. Morant, 1980, pp. 37-
2. Diccionario de Arte I, 38. 17. Azcárate Ristori, Pérez 24. Morant, 1980, pp. 166-
p. 159. Sánchez y Ramírez 170.
11. Azcárate Ristori, Pérez
3. Borrás Gualis, Esteban Sánchez y Ramírez Domínguez, 1983, 25. Borrás Gualis, Esteban
Lorente y Álvaro Domínguez, 1983, pp. 36-40. Lorente y Álvaro
Zamora, 2010, pp. 439- p. 48. 18. Morant, 1980, p. 181. Zamora, 2010, pp. 443-
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12. Borrás Gualis, Esteban 19. Borrás Gualis, Esteban
4. Azcárate Ristori, Pérez Lorente y Álvaro Lorente y Álvaro 26. Morant, 1980, pp. 156-
Sánchez y Ramírez Zamora, 2010, p. 444. Zamora, 2010, pp. 359- 157.
Domínguez, 1983, 360.
p. 24. 13. de la Plaza Escudero y 27. Morant, 1980, pp. 162-
Morales Gómez, 2015, 20. Azcárate Ristori, Pérez 163.
5. Morant, 1980, p. 35. p. 25. Sánchez y Ramírez 28. Morant, 1980, pp. 171-
6. Nougier, 1968, pp. 153- 14. Borrás Gualis, Esteban Domínguez, 1983, 173.
154. Lorente y Álvaro pp. 29-34.
29. Morant, 1980, pp. 177-
7. Morant, 1980, pp. 35- Zamora, 2010, pp. 444- 21. Borrás Gualis, Esteban 179.
36. 445. Lorente y Álvaro
Zamora, 2010, pp. 442- 30. Morant, 1980, pp. 38-
8. Azcárate Ristori, Pérez 15. Borrás Gualis, Esteban 40.
Sánchez y Ramírez Lorente y Álvaro 443.
Domínguez, 1983, Zamora, 2010, p. 445. 22. Borrás Gualis, Esteban 31. Morant, 1980, p. 185.
p. 28. Lorente y Álvaro 32. Lara Peinado y
Zamora, 2010, p. 441. Córdoba Zoilo, 1989,
 Sánchez y Ramírez
pp. 105-106. 54. Morant, 1980, p. 232. Domínguez, 1983, 98. Borrás Gualis, Esteban
33. Morant, 1980, p. 191. 55. Borrás Gualis, Esteban p. 116. Lorente y Álvaro
34. Azcárate Ristori, Pérez Lorente y Álvaro 76. Azcárate Ristori, Pérez Zamora, 2010, p. 341.
Sánchez y Ramírez Zamora, 2010, p. 457. Sánchez y Ramírez 99. Azcárate Ristori, Pérez
Domínguez, 1983, 56. Morant, 1980, p. 234. Domínguez, 1983, Sánchez y Ramírez
p. 55. p. 119. Domínguez, 1983,
57. Morant, 1980, p. 235.
35. Borrás Gualis, Esteban 77. Azcárate Ristori, Pérez p. 336.
58. Morant, 1980, p. 237. Sánchez y Ramírez
Lorente y Álvaro 100. Azcárate Ristori, Pérez
Zamora, 2010, p. 447. 59. Azcárate Ristori, Pérez Domínguez, 1983, Sánchez y Ramírez
Sánchez y Ramírez p. 120. Domínguez, 1983,
36. Azcárate Ristori, Pérez Domínguez, 1983,
Sánchez y Ramírez 78. Azcárate Ristori, Pérez p. 335.
p. 95. Sánchez y Ramírez
Domínguez, 1983, 101. Borrás Gualis, Esteban
p. 64. 60. Azcárate Ristori, Pérez Domínguez, 1983, Lorente y Álvaro
Sánchez y Ramírez p. 121. Zamora, 2010, p. 334.
37. Azcárate Ristori, Pérez Domínguez, 1983,
Sánchez y Ramírez 79. Azcárate Ristori, Pérez 102. Borrás Gualis, Esteban
pp. 100-101. Sánchez y Ramírez
Domínguez, 1983, Lorente y Álvaro
p. 66. 61. Azcárate Ristori, Pérez Domínguez, 1983, Zamora, 2010, pp. 371-
Sánchez y Ramírez p. 129. 373.
38. Borrás Gualis, Esteban Domínguez, 1983,
Lorente y Álvaro 80. Azcárate Ristori, Pérez 103. Morant, 1980, p. 315.
p. 101. Sánchez y Ramírez
Zamora, 2010, p. 450. 104. Enciclopedia del Arte
62. Azcárate Ristori, Pérez Domínguez, 1983,
39. Borrás Gualis, Esteban Garzanti, p. 646.
Sánchez y Ramírez pp. 131-135.
Lorente y Álvaro Domínguez, 1983, 105. Morant, 1980, p. 303.
Zamora, 2010, pp. 448- 81. Azcárate Ristori, Pérez
p. 102. Sánchez y Ramírez 106. Borrás Gualis, Esteban
449. Lorente y Álvaro
63. Morant, 1980, pp. 249- Domínguez, 1983,
40. Borrás Gualis, Esteban 250. Zamora, 2010, pp. 390-
p. 187.
Lorente y Álvaro 391.
Zamora, 2010, p. 449. 64. Morant, 1980, p. 252. 82. Azcárate Ristori, Pérez
Sánchez y Ramírez 107. Valeriano Bozal:
41. Azcárate Ristori, Pérez 65. Morant, 1980, p. 254.
Domínguez, 1983, Modernos y
Sánchez y Ramírez 66. Azcárate Ristori, Pérez postmodernos, Historia
p. 233.
Domínguez, 1983, Sánchez y Ramírez 16, Madrid, 1993.
p. 75. Domínguez, 1983, 83. Morant, 1980, p. 263.
108. Azcárate Ristori, Pérez
42. de la Plaza Escudero y p. 144. 84. Morant, 1980, p. 265. Sánchez y Ramírez
Morales Gómez, 2015, 67. Azcárate Ristori, Pérez 85. Azcárate Ristori, Pérez Domínguez, 1983,
p. 121. Sánchez y Ramírez Sánchez y Ramírez pp. 347-348.
43. de la Plaza Escudero y Domínguez, 1983, Domínguez, 1983, 109. Borrás Gualis, Esteban
Morales Gómez, 2015, pp. 148-152. pp. 233-234. Lorente y Álvaro
p. 120. 68. Azcárate Ristori, Pérez 86. Borrás Gualis, Esteban Zamora, 2010, pp. 478-
44. Borrás Gualis, Esteban Sánchez y Ramírez Lorente y Álvaro 479.
Lorente y Álvaro Domínguez, 1983, Zamora, 2010, p. 340. 110. Borrás Gualis, Esteban
Zamora, 2010, p. 451. p. 156. 87. Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro
45. Borrás Gualis, Esteban 69. Azcárate Ristori, Pérez Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 479.
Lorente y Álvaro Sánchez y Ramírez Zamora, 2010, p. 360. 111. Morant, 1980, p. 320.
Zamora, 2010, p. 453. Domínguez, 1983, 88. Morant, 1980, pp. 279-
p. 103. 112. Morant, 1980, p. 343.
46. Enciclopedia del Arte 280.
70. Borrás Gualis, Esteban 113. Borrás Gualis, Esteban
Garzanti, p. 645. 89. Morant, 1980, p. 280. Lorente y Álvaro
Lorente y Álvaro
47. Morant, 1980, p. 214. Zamora, 2010, p. 467. 90. Morant, 1980, p. 278. Zamora, 2010, pp. 479-
48. Azcárate Ristori, Pérez 91. Enciclopedia del Arte 480.
71. Borrás Gualis, Esteban
Sánchez y Ramírez Lorente y Álvaro Garzanti, pp. 645-646. 114. Borrás Gualis, Esteban
Domínguez, 1983, Zamora, 2010, pp. 467- 92. Chilvers, 2007, p. 419. Lorente y Álvaro
p. 78. 468. Zamora, 2010, p. 480.
93. Azcárate Ristori, Pérez
49. Morant, 1980, p. 229. 72. Azcárate Ristori, Pérez Sánchez y Ramírez 115. Morant, 1980, p. 321.
50. Azcárate Ristori, Pérez Sánchez y Ramírez Domínguez, 1983, 116. Borrás Gualis, Esteban
Sánchez y Ramírez Domínguez, 1983, p. 243. Lorente y Álvaro
Domínguez, 1983, p. 106. 94. Azcárate Ristori, Pérez Zamora, 2010, p. 348.
p. 88. 73. Azcárate Ristori, Pérez Sánchez y Ramírez 117. Borrás Gualis, Esteban
51. Morant, 1980, p. 228. Sánchez y Ramírez Domínguez, 1983, Lorente y Álvaro
52. Borrás Gualis, Esteban Domínguez, 1983, pp. 304-305. Zamora, 2010, pp. 335-
Lorente y Álvaro p. 110. 95. Borrás Gualis, Esteban 336.
Zamora, 2010, pp. 455- 74. Azcárate Ristori, Pérez Lorente y Álvaro 118. Morant, 1980, p. 346.
456. Sánchez y Ramírez Zamora, 2010, p. 476. 119. Borrás Gualis, Esteban
53. Borrás Gualis, Esteban Domínguez, 1983, 96. Albert de Paco, 2007, Lorente y Álvaro
Lorente y Álvaro p. 115. pp. 233-238. Zamora, 2010, p. 373.
Zamora, 2010, p. 346. 75. Azcárate Ristori, Pérez 97. Eco, 2004, p. 117.
Sánchez y Ramírez
120. Fleming y Honour, 143. Borrás Gualis, Esteban 171. Morant, 1980, p. 471. 204. Morant, 1980, p. 483.
1987, p. 291. Lorente y Álvaro 172. Fleming y Honour, 205. Morant, 1980, p. 485.
121. Azcárate Ristori, Pérez Zamora, 2010, p. 485. 1987, p. 307. 206. Morant, 1980, p. 454.
Sánchez y Ramírez 144. Azcárate Ristori, Pérez 173. Fleming y Honour,
Domínguez, 1983, Sánchez y Ramírez 207. Borrás Gualis, Esteban
1987, p. 410. Lorente y Álvaro
pp. 406-408. Domínguez, 1983,
174. Fleming y Honour, Zamora, 2010, p. 491.
122. Azcárate Ristori, Pérez p. 618.
1987, p. 390. 208. Morant, 1980, p. 460.
Sánchez y Ramírez 145. Azcárate Ristori, Pérez
175. Fleming y Honour, 209. Borrás Gualis, Esteban
Domínguez, 1983, Sánchez y Ramírez
1987, p. 582. Lorente y Álvaro
p. 444. Domínguez, 1983,
pp. 639-640. 176. Fleming y Honour, Zamora, 2010, p. 490.
123. Azcárate Ristori, Pérez
1987, p. 687. 210. Morant, 1980, pp. 463-
Sánchez y Ramírez 146. Azcárate Ristori, Pérez
Domínguez, 1983, Sánchez y Ramírez 177. Fleming y Honour, 464.
p. 408. Domínguez, 1983, 1987, p. 348. 211. Morant, 1980, p. 469.
124. Azcárate Ristori, Pérez pp. 618-619. 178. Dempsey, 2002, pp. 33- 212. Descharnes y Néret,
Sánchez y Ramírez 147. Azcárate Ristori, Pérez 37. 2007, pp. 759-765.
Domínguez, 1983, Sánchez y Ramírez 179. Fleming y Honour, 213. Morant, 1980, pp. 474-
pp. 443-444. Domínguez, 1983, 1987, pp. 44-45. 475.
125. Enciclopedia del Arte p. 640. 180. Fleming y Honour, 214. Descharnes y Néret,
Garzanti, p. 303. 148. Morant, 1980, pp. 389- 1987, p. 44. 2007, p. 754.
126. Diccionario 391. 181. Fernández Polanco, 215. Borrás Gualis, Esteban
Enciclopédico 149. Borrás Gualis, Esteban 1989, pp. 60-62. Lorente y Álvaro
Larousse, p. 1393. Lorente y Álvaro 182. Fleming y Honour, Zamora, 2010, pp. 489-
127. Chilvers, 2007, p. 83. Zamora, 2010, p. 364. 1987, p. 799. 490.
128. Azcárate Ristori, Pérez 150. Enciclopedia del Arte 183. Chilvers, 2007, p. 61. 216. Morant, 1980, p. 456.
Sánchez y Ramírez Garzanti, p. 304.
184. Borrás Gualis, Esteban 217. Dempsey, 2002, p. 135.
Domínguez, 1983, 151. Tarabra, 2009, p. 270. Lorente y Álvaro
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152. Borrás Gualis, Esteban Zamora, 2010, p. 488. Garzanti, p. 59.
129. Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro 185. Fleming y Honour,
Lorente y Álvaro Zamora, 2010, p. 393. 219. Fleming y Honour,
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155. Borrás Gualis, Esteban 187. Fleming y Honour, 221. Fleming y Honour,
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