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INSTITUTO DE EDUCACIÓN SUPERIOR VILLA ÁNGELA

Movimiento Madí

Con la aparición de «Arturo, Revista de Artes Abstractas», en la Argentina de 1944, se


inician en este país no sólo las primeras manifestaciones de un arte abstracto de corte
geométrico, sino también un movimiento cultural sin precedentes hasta entonces. Los
artistas plásticos que la impulsan, formarán luego movimientos rivales, dentro de los
alcances del arte concreto. Esta es una aproximación a aquel momento histórico de
ruptura con el pasado que establece un hito dentro del panorama de la estética en
Latinoamérica.
El Movimiento Madí es una de esas corrientes artísticas, fundada en 1946 por el plástico
y poeta argentino-checoslovaco Gyula Kosice. Se trata de una propuesta para todas las
ramas del arte (dibujo, pintura, escultura, música, literatura, teatro, arquitectura, la
danza, etc.) basada en la extremación de los conceptos de "creación" e "invención", con
el fin de liberar la creación artística de las limitaciones "externas" a la obra misma y
expandir ilimitadamente todas las posibilidades que derivan de la continuidad de la obra
de arte.
En el mismo año de su fundación, se realiza una exposición en una de las más
importantes galerías de Buenos Aires y, como es de rigor en todo movimiento de
renovación artística, lanza su Manifiesto 21. En 1947, aparece también la revista «Arte
Madí», dirigida por el mismo artista.
La segunda exposición auspiciada por el movimiento es de carácter individual, se halla
a cargo de Kosice quien presenta en esa oportunidad una serie de piezas y poemas
entre las cuales figuran esculturas articuladas, algunas de ellas desarmables,
sobrerrelieves y estructuras realizadas en vidrio y en madera.
El grupo parece cristalizar las aspiraciones de la vanguardia ligada a la estética de la
máquina, pero ahonda las diferencias con el Diseño Industrial, apuntando a cierta
poetización individualista, y es menos ideologizada que el arte concreto ortodoxo.
En los últimos años, se ha concedido a Madí el nivel de «legendario». Se lo considera
el precursor de grupos de vanguardia como Fluxus en Europa, y de hecho, el comienzo
de una reacción total contra el arte que es demasiado sólido, demasiado ansioso por
pasar a formar parte de la gran Historia del Arte.
No obstante las ideas de Madí fueron por lo general más interesantes que los objetos
que produjo. La ambigüedad de las actitudes de Madí está en cierto modo resumida en
el propio nombre. Se han hecho una cantidad de intentos para encontrarle una
derivación. Una sugerencia es que representa una contracción de la frase «Matérialisme
Dialectique». No obstante esto parece ser una mistificación deliberada. Es probable que
Madí sea una palabra inventada, —según asegura el propio Kosice—, al igual que Dadá.
Lo intencionado de este gesto es lo que sorprende en el análisis, puesto que la
orientación general del grupo era antisurrealista y tomaba su iniciativa de la obra hecha
por el grupo Abstracción-Creación de Paris, en el período de entreguerras.
No obstante, comparado con los productos típicos del neoplasticismo y constructivismo
europeo, se podría llegar a decir que el Arte Madí pone énfasis en elementos más
sensibles.
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Las pinturas, según su manifiesto, iban a tener «marcos desiguales e irreguIares» y


«superficies articuladas con movimientos lineales, giratorios y cambiantes». Las
pinturas realizadas por otros miembros del grupo como Juan Ray o Diyi Laañ, eran de
formas excéntricas o tenían elementos movibles.

Perceptismo
Al dejar la Asociación Arte Concreto Invención, Lozza creó en 1949 el "Movimiento
Perceptista". En su Manifiesto su autor dice "La pintura perceptista exalta los elementos
de la percepción visual de la plástica, el plano color, y crea una verdadera relación del
espectador con la pintura en el orden práctico. De la Abstracción del objeto representado
a la Invención de un objeto estético con propiedades reales".
Participan de él Tomás Maldonado, Hlito, Iommi, entre otros. Maldonado creó la revista
"Nueva Visión" donde se encuentran artículos sobre el arte nuevo y se reproducen
trabajos de argentinos como también de extranjeros.
De poca trascendencia, el perceptismo, constituye una modificación del arte concreto y
se asemeja al Madí.
La crítica que el Perceptismo formula a estos dos tipos de arte, es terminante. Al
yuxtaponer planos de color o al situar formas sobre un plano los artistas no figurativos
crean, contra su propósito, un espacio ilusorio, es decir la representación del espacio.
Esta limitación, insuperable dentro de los modos de realización de esas concepciones,
ha sugerido al perceptismo la necesidad impostergable de liberar de tales sujeciones
los elementos del cuadro, es decir, la forma y el color. Con estas dos abstracciones, —
el color y la forma— el Perceptismo concreta una realidad nueva, el plano de color o la
forma color, que es una realidad en si misma y que se organiza en estructuras situadas
no sobre un «falso fondo», sino directamente, sobre otra realidad incontrovertible: la
pared.

Arte abstracto
El movimiento abstracto argentino recibe la influencia del arte abstracto europeo que se
inicia en 1910 con Kandinsky, el cual deja de lado los elementos figurativos o ilustrativos,
extraños a su expresión de la sensibilidad y de sus ideas. En cambio, lleva al máximo la
expresión de formas y colores sin relación con la realidad objetiva.
El iniciador de este movimiento en la Argentina es Juan del Prete.
Con el correr de los años surgen dos nuevos movimientos. Carmelo Arden Quin funda
la "Agrupación del Arte Concreto-Invención", y Tomás Maldonado funda "Asociación
Arte Concreto-Invención". A partir de estos grupos se fueron formando y transformando
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en otros, como por ejemplo: Perceptismo, Artistas Modernos de la Argentina, Arte


Geométrico, Arte Generativo, Asociación del Nuevo Arte, Movimiento Madi,
Informalismo y Arte Constructivo arquitectual.

Informalismo
El informalismo argentino incorporó a las prácticas artísticas locales, procedimientos
reñidos con el considerado “buen gusto” francés. Basado en las poéticas existenciales,
a través de la espontaneidad gestual y el empleo de materiales de desecho, violentó los
límites de los géneros artísticos tradicionales y abrió el camino al objeto, las
instalaciones y al arte de acción.
La concepción del arte predominante era la de una manifestación que partía de cero, en
oposición al academicismo abstracto y en favor de un arte donde “la expresión sólo
ordena”. No era suficiente abandonar la geometría y recurrir a las formas libres, por el
contrario, resultaba imprescindible romper con los problemas plásticos, para refugiarse
en el “hacer” sin control, en la espontaneidad total.
La expansión de las tendencias informales partió desde Francia y tuvo un gran
acogimiento en Argentina. Diversos grupos y artistas independientes en se inclinaron
por una pintura que no parecía admitir límites nacionales y sólo recogía algunas
características propias de nuestras tradiciones locales.

Arte pop
En la década del 60, el pop llegó a nuestro país para quedarse. Esta revolución del gusto
sacudió el mundo del arte e insufló nuevos aires a una sociedad ávida de modernidad,
mientras adoptaba formas, lenguaje y estilo propios.
Podríamos citar como nacimiento del Arte Pop en la argentina una franja entre los años
1961 y 1962, cuando Rubén Santantonín presentó una serie de objetos al público y
Marta Minujín expuso "cuadro-objetos" con planos en relieve que avanzaban hacia el
espectador. Al poco tiempo, la artista exhibió unos coloridos colchones que hicieron
trastabillar las convenciones del mundillo del arte local.
"El pop anticipó el modo en que el dinero iba a regular el ámbito de diversas disciplinas,
conductas y hábitos en este mundo globalizado en el que vivimos actualmente –comenta
Laura Batkis, licenciada en historia del arte–. El contenido del pop manifestó muy
tempranamente los hábitos de consumo y la unión tan extrema entre arte y dinero que
existe hoy. Se habla de la venta de una muestra como si fuera un criterio de éxito. El
éxito comercial no tiene nada que ver con la calidad de la obra. Hoy el mercado del arte
regula las tendencias del arte."
"En la Argentina se hizo un pop con más incidencia en los objetos que en la pintura –
explica Laura, directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires–. Otro de los
rasgos que caracterizaron al pop local fue el uso de la parodia."
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El gran impulsor de las vanguardias plásticas en general y del arte pop en particular fue
el Instituto Di Tella, que en 1963 abrió las puertas de sus centros de arte contemporáneo.
Estaban instalados sobre la calle Florida, próximos a la Galería del Este. La intensa
actividad y la circulación de artistas y público ávido por conocer lo más nuevo de la
creación contemporánea hicieron que pronto la zona fuera conocida como "la manzana
loca".

Neofiguración
En la Argentina el momento de la explosión informalista es alrededor de 1958, con el
grupo formado por Kenneth Kemble, Alberto Greco, Mario Pucciarelli y Fernando Mazza.
La llegada del informalismo y las noticias del grupo CoBRA, tendrán una influencia
decisiva en la Argentina. Macció y Noé dirán que con “Otra figuración” se colocan más
allá de la discusión entre abstractos y figurativos. El movimiento de la nueva figuración
después será muy amplio y abarcará a Dávila, a Demirjián y a muchos otros.
La nueva figuración preconiza un retorno al objeto y a la realidad cotidiana. Se vuelve a
representar la realidad, en particular la figura humana, pero con las técnicas del
informalismo. Suele tener un sentido de denuncia social. Se aprecian tendencias
expresionistas, en la que se adoptan formas orgánicas deformadas o monstruosas.

Grupo Espartaco
En 1959, el mundo de la cultura –y especialmente, el de la plástica– en la Argentina se
conmueve por el lanzamiento del Grupo Espartaco. Lo integran Ricardo Carpani, Juan
Manuel Sánchez, Mario Mollari, Carlos Sessano, Espirilio Butte, Juana Elena Diz y
Pascual Di Bianco. Con él, los trabajadores –proscriptos de la escena política y gremial
por la contrarrevolución– ingresan al arte, con sus gestos airados, su mirada
amenazante, sus puños de hierro.

La exposición del grupo se acompañó con la fundamentación ideológica a través de la


cual estos jóvenes pintores planteaban la síntesis entre la vanguardia formal y los
contenidos populares y latinoamericanos. El manifiesto fue redactado, en sus partes
fundamentales por Ricardo Carpani y sostenía un arte revolucionario y ubicado en
latinoamericana.
Espartaco se disolvió en 1968. La mayoría de los artistas se exilió en los 70 en Europa,
Bolivia y Canadá. Según el crítico de arte y curador Alberto Giudici: "La irrupción del
grupo fue un hito histórico. Aun cuando tenemos figuras ligadas a la política como
Antonio Berni o Castagnino, ellos no actuaron como grupo. El único antecedente de
formación de un movimiento de arte y política fue el de Espartaco, que difundió su
Manifiesto en 1959".
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Arte y Política
Las búsquedas de nuevos medios de expresión, el cuestionamiento de los medios
tradicionales empleados y la finalidad del arte y la adopción de tendencias de vanguardia
que venían de Nueva York o París adoptan en Buenos Aires el canal de la protesta. Las
tendencias llamadas de vanguardia empezaron a delimitar la realidad y divulgar sus
percepciones en el seno de un vasto público, pero la pintura no les parece ser el mejor
medio para conseguirlo. Para ellos, la imagen pintada es una ficción y plantean un
retorno hacia la vida, apropiándose de otras formas de expresión artísticas. En la
plástica argentina de ese período surgen artistas que rebasan sus fronteras para
conquistar una trascendencia internacional.

Arte conceptual

Un progresivo énfasis en los aspectos significativos y comunicativos derivó en el arte


conceptual. Desde mediados de la década del 60 varios artistas subordinaron la
visualidad y, a veces la propia existencia de un objeto, a la mostración de ideas,
actitudes y gestos. De tal forma, la obra coexistió con la exhibición de procesos,
informaciones, situaciones o intervenciones que actuaron sobre distintos ámbitos de la
realidad. Estas tendencias analíticas desplazaron el tradicional goce sensual por otro
más ligado a la reflexión, donde el contexto es decisivo para la interpretación de la obra.
La sociología, la antropología y la semiótica actuaron como marco de estas experiencias
algunas efímeras, otras proyectuales, cuya perduración actual se da a través de
fotografías, diagramas y publicaciones. También la pintura se involucró en esta vía
analítica reflexionando sobre sus propias condiciones y códigos de representación.
El arte conceptual, como tendencia internacional, tuvo distintas vertientes. Bajo la
denominación de conceptualismo ideológico se enmarca a las experiencias estético-
políticas que desde los años sesenta caracterizan el conceptualismo argentino.

Arte Ecológico

El Arte ecológico o Land art (arte de la tierra), aparece en el mundo artístico visual hace
ya varias décadas, tenía como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales,
los que son "transformados" por la acción del artista. El land art se revela y niega el
papel preponderante de los museos y galerías de arte como institución-arte, llevando la
práctica del arte a lugares inusuales e inéditos. Este movimiento utiliza el propio espacio
natural como soporte de la obra. Los artistas del land art manipulan y transforman el
paisaje.
Los movimientos de protección a la naturaleza de los años 60, activistas y artistas
pusieron la mirada en los problemas medio ambientales, su soporte era el Land Art y
así se comienza a distinguir el ecological-art, environment-art, para expresar un tema
tan tristemente celebre en estos días.
Ecological-art, land-art, environment-art, son todos manifestaciones que focalizan a un
punto en común: la tierra, el planeta, la naturaleza, el medio ambiente.
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Algunos artistas pioneros del Land Art son: Walter De Maria, quien dio nombre a esta
manera de crear (imagen der.), Robert Smithson, Michael Heizer, Christo & Jeann-
Claude, Jan Dibbets.
No obstante, algunas acciones de la manifestación de esta tendencia artística no
llevaron un buen camino, por el contrario, se conocen algunos vandalismos ecológicos
en nombre del arte, donde la invasión de la obra en el entorno natural fue francamente
dañino.

Arte Cinético

Movimiento estético con bases en la abstracción, que comienza a desarrollarse después


de la I Guerra Mundial, pero que adquiere más fuerza a partir de los años cincuenta,
cuándo se investiga con mayor precisión el factor cinético de la visión en la creación
plástica, para lo cuál se eligieron tres caminos distintos:

1.- Formando en la impresión óptica del espectador la ilusión de un movimiento virtual


que realmente no existe.

2.- Induciendo al espectador a desplazarse en el espacio para que así se organice en


su mente la lectura de una secuencia.

3.- Realizando movimientos reales de imágenes mediante motores u otras fuentes.


Entre las características del arte cinético se destacan: el rechazo a cualquier
referente narrativo, literario o anecdótico; la desvinculación de la obra de arte con
respecto a su creador, la abolición del soporte tradicional del cuadro, la incorporación
de materiales inéditos para la creación artística, (plásticos, circuitos eléctricos, fléxit,
etc.) y la intención de insertarse en la vida pública de la ciudad, formando parte del
urbanismo.
El Arte cinético-lumínico es, de hecho, uno de los desarrollos del arte óptico. La novedad
radica en la introducción del movimiento real como uno de los componentes de la obra.
En la modalidad "lumínica" se introduce también la luz (artificial generalmente). Aquí la
materia artística ya no es la tela, el pigmento, etc., sino el espacio, la luz y el tiempo.
Como el proceso de fabricación es objetivo, tecnológico, la obra puede repetirse,
serializarse, careciendo de importancia la idea de "unicidad". Muchas discotecas,
escaparates y ambientes comerciales son, en realidad, aplicaciones "prácticas" de
experiencias artísticas cinético-lumínicas. Tiene su auge entre las décadas del 60 y 70.
Cada artista muestra un estilo particular en el momento de diseñar sus trabajos. Es un
movimiento difícil de definir ya que da lugar a obras muy diferentes, haciendo hincapié
más que en un estilo en una búsqueda cuasi científica por provocar determinados
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efectos perceptivos en el espectador. Aúna el racionalismo, el aspecto lúdico, la


mecánica y la tecnología posterior a la segunda guerra mundial.
Asimismo la frontera entre el arte cinético y el op art es difusa ya que ambos se centran
en el efecto de movimiento, ya sea real o ilusorio. Las obras cinéticas están compuestas
de partes móviles que se ponen en movimiento por medio de corrientes de aire o de un
mecanismo, jugando también con la luz y con la participación del espectador.
El arte cinético fue una de las corrientes más importantes, por su producción y
proyección internacional. En Paris, los argentinos Julio Le Parc y Horacio García Rossi
junto a Francisco Sobrino, Francois Molleret, Joël Stein e Yvaral fundaron el GRAV
(Groupe de Recherche d’Art Visuel) en 1960. Su trabajo fue acompañado por el de otros
artistas argentinos independientes como Gregorio Vardánega, Martha Boto y Hugo
Demarco, cuya obra sería considerada un importante punto de referencia para el arte
cinético. El GRAV adoptó la producción de “multiplicidad”, en reemplazo de la obra única
e individual, e interesados en la creación colectiva y anónima, desarrollaron una
variedad de eventos públicos que denominaron Laberintos. Para ellos, el contexto de
exhibición y el lugar del espectador eran fundamentales. Esta convicción los llevó a
experimentar con efectos ópticos y cinéticos dirigidos al “ojo humano”, denunciando el
elitismo del arte tradicional que apela al “ojo cultivado”. A través de la tecnología, el
GRAV buscaba una vía hacia la erosión de los límites entre arte y vida.

Arte Óptico

El interés de un grupo de artistas por plasmar sensaciones de movimiento en una


superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas, dio
lugar a una corriente artística que se denominó Arte Óptico, conocida mayormente por
su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art.
El Arte Óptico apareció hacia finales de los años 50, consolidándose en la primera mitad
de la década siguiente.
La palabra Op Art se empleó por primera vez en 1964 en la revista Times, que publicó
un artículo sobre un grupo de artistas cuyo objetivo principal era crear ilusiones ópticas
a través de sus obras. La revista bautizó la tendencia con el nombre de Op Art. En 1965,
el Museo de Arte Moderno de Nueva York albergó una exposición de artistas de todo el
mundo consolidando el estilo.
El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica
de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie
bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan
estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el
Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos
visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a
veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge
como una derivación de la abstracción geométrica.
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de
movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una
respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia
sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede
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fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que
comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y
círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o
confusión.
Caracterizaron al Arte Óptico las creaciones compuestas por patrones de repetición de
líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la
contraposición de colores complementarios.
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y
sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento,
brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el
ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.
El Arte Óptico se caracteriza por varios aspectos:

 La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas,
lo cual lo diferencia del Arte cinético.

 Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración,


parpadeo o difuminación.

 Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes
cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño,
combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa
también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y
circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.

 En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o


desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.

 Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.

 El artista del Arte Óptico no pretende plasmar en su obra sensaciones o


situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

Abstracción Sensible

Tras la dictadura militar y con el retorno de la democracia, se potenciaron las búsquedas.


A principios de la década del ’80 surgió el Grupo de la Abstracción Sensible (Carlos
Silva y Raúl Masón) que impulsó el retorno al arte figurativo y al trabajo artesanal,
enfatizando los elementos pictóricos decorativos y ornamentales que habían sido
desvalorizados por el arte conceptual. Hacia 1982 el Grupo IIIII (Guillermo Kuitca,
Osvaldo Monzo y Pablo Bobbio, entre otros) y el Grupo Babel (Nora Dobarro, Juan
Lecuona y Gustavo López Armentía, por citar sólo a algunos) cuestionaron el concepto
de unidad artística y comenzaron a usar elementos extraídos de la historia del arte como
lenguaje.

Realismo de los años 70’ y 80’


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Las irónicas imágenes del Pop Art ayudaron a despejar el camino para un renacimiento
de la pintura realista. El realismo es un estilo continuo, pero muy individualista, en el
arte de América, y abarca a pintores tan dispares como Thomas Eakins, Sloan, Hopper,
Andrew Wyeth y Fairfield Porter. Los realistas que se destacaron en las décadas de
1970 y 1980 fueron aquellos que habían asumido algunos de los conceptos estéticos
del arte abstracto. El fotorrealismo se basaba en la fotografía para conseguir una
variedad de pintura realista impersonal, con detalles precisos, como en los meticulosos
paisajes urbanos de Richard Estes. Los desnudos rigurosamente estructurados de
Philip Pearlstein y las composiciones planas de Alex Katz y Wayne Thiebaud conferían
también al realismo un tono frío y abstracto. Mientras tanto, en América Latina
empezaban a brillar figuras como el ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, que acude a las
aristas pronunciadas y a la deformación para expresar a menudo un contenido político.

Neoexpresionismo

En la década de 1980 varios artistas jóvenes, europeos y americanos, se rebelaron


contra la pureza formalista, impersonal y austera, de gran parte del arte abstracto. El
resultado fue un resurgimiento de la pintura figurativa y narrativa llamado
neoexpresionismo. Muchos de los seguidores de este movimiento evitaron la
representación realista, empleando en su lugar pinceladas toscas y colores fuertes para
plasmar sus visiones subjetivas, por lo general ambiguas y enigmáticas.

Neo-Pop

El arte pop tiene, en Buenos Aires , un desarrollo breve pero contundente, que marca a
fuego uno de los episodios más activos de la historia del arte argentino. Con raíces en
las corrientes simultáneas que se desarrollan en New York, Paris y Londres, producto
de un fluido intercambio de información, artistas y críticos entre estas ciudades y la
metrópolis porteña, el pop invadió con sus imágenes, su espíritu y su ideología un
circuito artístico en expansión que se alineó detrás de las políticas desarrollistas con
que se inauguraba la década de 1960.
El núcleo de todo este fenómeno fue el Instituto Di Tella, una institución de vanguardia
que se puso como meta hacer de Buenos Aires una de las capitales artísticas del mundo.
De la mano de Jorge Romero Brest, director de su Centro de Artes Visuales, un grupo
de jóvenes artistas iba a encarnar las aspiraciones de una generación “frenéticamente
decidida a ir adelante”, como lo expresara Germaine Derbecq, otra figura clave del
florecimiento pop desde la dirección de la Galería Lirolay. Voluntad de internacionalismo,
ansias de exposición y necesidad de establecer una clara separación con la herencia
pictórica informalista alimentan esta explosión rebelde, cuya verdadera significación en
el desarrollo del arte local no ha sido establecida aún.
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Marta Traba los hace partícipes de lo que denomina “la década de la entrega”, el período
en que las artes latinoamericanas ceden la búsqueda de su singularidad e identidad a
las presiones de las agendas europeas y norteamerican. Pero su interpretación es
necesariamente simplista, porque no termina de comprender el particular juego de
fuerzas que se produce en la importación de una estética foránea al ámbito particular
de una Argentina que crece con dificultad, en medio de un fervor cultural inusitado, una
industrialización desorganizada e incompleta y la intermitencia de gobiernos
democráticos débiles enmarcados por el avance decidido de las intervenciones
militares.
El pop argentino agregó, además, un fuerte interés por la moda y el diseño, y una
singular incorporación del arte de acción, las performances y los happenings, a toda
esta mezcla.
El pop argentino tuvo un entusiasmo único, que fue tan efímero como lo fue todo
entusiasmo en una década tan controvertida.