LA DANZA FOLKLÓRICA

MEXICANA
LA HISTORIA DE LA DANZA FOKLÓRICA MEXICANA

Tenemos la idea de que la danza folklórica viene de México,

es decir, que nosotros los mexicanos los ideamos por eso es
tanta variedad de bailes regionales en el país, cuando la
verdadera historia es que en general al danza folklórica
viene del continente Europeo, según lo indica Saraceron: “El
origen de las danzas folklóricas mexicanas se encuentra en
los tiempos mesoamericanos, cuando la danza ritual se realizó
para apaciguar a los dioses de los Mayas y los Aztecas.
Cuando los españoles llegaron en el siglo XVII, trajeron con
ellos, los bailes al estilo europeo, como el vals, el ballet,
la polka y chotis, lo que influyó en la forma de la danza
indígena.” (Saraceron, 2013).
Al llegar estos españoles al continente Americano, cambiaron
las costumbres de los indígenas, este cambio fue primero en
las danza prehispánicas, que actualmente es muy difícil
encontrar información ya que es muy escasa y poco confiable,
al cambiar estas costumbres cambiaron su forma de vida, sus
comidas, sus tradiciones, su forma de vestir, incluso hasta
se empezó a introducir el idioma castellano, así fue como la
cultura española fue dominando de los pueblos que estaban.
Hablaré un poco de lo que trataban las danzas prehispánicas
antes de la llegada de los españoles, para que los indígenas
pudieran danzar a sus dioses (los cuales ellos representaban
por medio de dibujos o figuras de piedras), tenía que dar una
ofrenda, ya sea una ofrenda de frutas, plumas, objetos,
piedras preciosas u objetos valiosos para que su dios pudiera
enriquecerlos de lo que ellos pedían. Una vez que ya podían
danzar se colocaban por círculos, depende del círculo en el
que se encontraban era el rango que tenían los danzantes por
las batallas y experiencia que tenían adquirida, no
necesariamente podían danzar guerreros, también entraban las
clasificaciones sociales, como sacerdotes, niños, amas de
casa, maestros, etc. Generalmente al danzar se formaban 3 o 4
círculos, si había ocasiones en las que se formaban más
círculos pero era cuando se necesitaba que se curará una
enfermedad, retomando los círculos anteriores, la
jerarquización es la siguiente, el círculo más grande (ósea
el extenso) lo formaban los ancianos, sacerdotes, brujos ya
que ellos por ser los más viejos eran los más sabios y
formaban parte de la base del grupo, el siguiente círculo (el
de en medio) lo conformaban las mujeres, y el más cercano a
la ofrenda eran los guerreros, también para poder pertenecer
al círculo que tu conformabas dependía de tu “copilli”. 1 Ya
que hay distintos tipos de copillis (tenemos mal el concepto
de copilli, ya que los llamamos erróneamente como penacho) en
forma de sol, de una ala, doble ala, representando una cierta
característica de la tierra. Si tú tenías un copilli enorme
con muchas plumas significaba dos cosas que eras sacerdote o
guerrero, pero si tenías un copilli sencillo tu lugar era
entre los círculos de en medio. A continuación les dejo una
lista del nombre que se les dio a la vestimenta que ellos
portaba y su significado:

 Maxtla (taparrabos) símbolo de fertilidad y virilidad.

 Tilma (capa) símbolo alta jerarquía o nobleza.
 Copilli (penacho) símbolo del sol, de una deidad, de
alta jerarquía y conocimiento.
 Copilliquetzalli (Corona preciosa ó emplumada).
 Xicolli (chaleco) símbolo de ritualidad.
 Chimalli (escudo) símbolo del sol y de guerra espiritual
en la danza.
 Coxcapetlatl (pectoral).
 Colcehuas (rodilleras).
 Maitemecas (muñequeras ) símbolo de las insignias
aztecas.
 Huitl (plumas) símbolo de la espiritualidad y
conocimiento y rayos solares. Originalmente de colibrí,
águila, faisán, guacamaya y quetzal.
 Coyollis / Ayoyotls / Tenabares (huesos de fraile ó
cascabeles).
 Huipil, quechquemitl, cuetle y cotontle (prendas
femeninas) según su diseño indica la jerarquía de quien
lo porta.

1
Copilli: Así se le llama a la corona que usaban los danzantes, es decir la base donde van colocadas las
plumas de faisán.
Regresando al tema de la danza folklórica en México, debido a
la llegada de los españoles empezaron haber cambios en la
danza haciendo surgir la esencia de cada estado de la
Republica Mexicana de los cuales lo más reconocido son los
Huapangos, las Polkas, Sones, etc. Los estados más conocidos
debido a sus bailes regionales, a su música, a su ambiente y
cultura son: Veracruz, Yucatán, Hidalgo, Nayarit, Jalisco,
Guerrero entre otros. De los cuales se platicará un poco
acerca de algunos de estos estados.

ESTADO DE VERACRUZ
El Estado de Veracruz, representa una fuente interesantísima
de tradiciones, creencias y costumbres populares, que han
sido transmitidas a través del tiempo por medio de la danza.
En esta región además de sus danzas se baila el huapango que
es un género musical y dancístico denominado también "Son
Huasteco", el cual surge en la época colonial de bailes y
trovas populares de influencia española pero con una
expresión propia de los sectores mestizo e indígena y que se
identifica como una cultura regional. Una expresión que sobre
el huapango emite Patricia del Carmen Florencia Pulido en su
Crónica Histórica del Huapango Huasteco Veracruzano es:
"El Huapango es el producto de un sentimiento que se
manifiesta bajo acordes musicales, trovos y retumbar de las
tarimas por un taconeo suave y armonioso que simbolizan a
nuestra raza Huasteca".
En ésta región, el son jarocho es la principal manifestación
de la fiesta veracruzana cuyo origen se dice, es una mezcla
de aires españoles influenciados por ritmos africanos ya que
quienes lo practicaban eran mulatos, marineros y las personas
de los pueblos que convivían con ellos. Es un género requinto
(y también presumiblemente con flauta) y que con el tiempo,
se les unieron el violín y el arpa. Como manifestación
musical popular, está musical que originalmente se ejecutaba
con jarana y íntimamente asociado al modo de vida regional,
lo cual imprime variantes muy significativas. En algunas
comunidades el son y el fandango (su baile) fungen todavía
como fuertes elementos de cohesión social.
INDUMENTARIA:

 El traje femenino tiene una marcada influencia Cubana,

pero incluye muchas variantes de origen Español: El
abanico, la Sevillana (mantilla), el tocado, el mandil y
las zapatillas.
 Los varones visten la Cubanísima "guayabera", llamada
así por sus enormes cuatro bolsas en las que caben
varias guayabas. Usan sombrero de paja, mascada al
cuello y botín Español.

ESTADO DE YUCATÁN
En un hecho considerado como histórico a nivel nacional, el
término jarana, entendido como "alboroto", se refiere al
principal baile de las fiestas populares en Yucatán.
Auténtica muestra del mestizaje artístico, la jarana atrae y
conquista; ya sea por la cadencia y elegancia de los pasos,
por la alegría de la música, o por la actitud solemne de los
bailadores que zapatean sobre el suelo.

La música, estrepitosa y sonora, está generalmente a cargo de

una típica orquesta jaranera, integrada por dos clarinetes,
dos trompetas, dos trombones, un güiro y los timbales,
derivada de antiguos sones regionales, la música es también
una mezcla peculiar de las canciones y ritmos europeos con
expresiones milenarias del alma musical del pueblo maya.

INDUMENTARIA:

Aunque en término estricto no se necesitaría prenda alguna en

especial para bailar jarana.

 Generalmente las mujeres visten el típico hipil yucateco

o, mejor aún, el terno de gala. Calzan zapatos blancos y
se envuelven con un rebozo de Santa María.
 Por tradición, los hombres también deben vestir de
mestizos, con pantalón de dril y guayabera de seda o
lino, ambos de color blanco. Sobre la cabeza llevan un
sombrero tejido, en los bolsillos un paliacate rojo y
calzan alpargatas yucatecas o sandalia con tacón.

Estos trajes se lucen mucho en los bailes de vaquería que

generalmente son la primera noche de baile de las fiestas
tradicionales que se realizan con corridas de toros o en su
caso, también se realizan ahora en fiestas sociales a donde
los invitados acuden con esos trajes que los hacen ver
elegantes y las mujeres acompañan esos trajes con alhajas
algunas de oro y otras de fantasía con aretes y collares de
filigrana y diversos pulsos en las manos como los llamados
media caña que son unos aros.

La vaquería consiste en unos bailes llamados jarana y es

amenizada por unas orquestas o unos grupos llamados Charanga
que poseen menos instrumentos musicales que las orquestas
quienes tocan lo mejor de su repertorio.

HUAPANGOS

El Son Huasteco, baile mestizo de gran tradición en la zona

Huasteca de la República Mexicana en la cual se encuentran
cuatro regiones principales, Hidalguense, Tamaulipeca,
Potosina y Veracruzana. Lugares poblados por gente de
temperamento alegre y bullanguero haciendo de su
manifestación artística la principal expresión en la
interpretación del Son Huasteco. "Huapango", palabra que pro
sus raíces indígenas significa "tronco de madera" (sobre él)
y que por motivos folklóricos se define de la siguiente
manera, "baile sobre tarima". En los días de fiesta tales
como: bautizos, bodas, confirmaciones o la llegada de un
personaje importante al lugar, es común encontrar en las
rancherías y municipios de la Huasteca amenizando la fiesta,
un conjunto de alegres Huapangueros que al sonar de sus
instrumentos y de sus voces, entonan los tradicionales Sones
Huastecos, los cuales existen en gran cantidad y variedad por
los que mencionaremos lo siguientes: El Sonsolito, El
Taconcito, El Gusto, El Sombrerito, La Azucena Bella, El
Querreque, El Caiman y muchos más. Desgraciadamente en la
actualidad muy pocas personas, y la mayor parte de ellas de
edad, se animan a bailar el Huapango, tradición que tiende a
desaparecer. El lugar donde se ejecuta este baile puede ser
bajo una enramada, en el patio de una casa o bien en amplios
locales llamados "galeras", cabe hacer notar que el vestuario
utilizado en este tipo de ocasiones, era el usado comúnmente
por la mujer, pudiendo ser falda floreada o bien lisa y su
blusa en color claro, sus zapatos de uso diario. El hombre
pantalón claro y algunas veces oscuro no habiendo una regla
exclusiva para ninguno de estos dos vestuarios así como el
uso del sombrero. Posteriormente por motivos de unificar
criterios y presentar algo representativo del Estado de San
Luis Potosí, aproximadamente por año de 1959 se realizaron
reuniones con maestros de danza del estado para determinar la
confección y prendas que formarían este vestuario.
El huapango tradicional se interpreta utilizando tres
instrumentos: jarana, guitarra quinta o huapanguera, y
violín. Este último exige un virtuosismo técnico y una
ejecución llena de sentimiento, pues lleva la melodía y
realiza los floreos que adornan el son.

INSTITUTO NACIONAL DE LAS BELLAS ARTES (INBA)

El arte, expresión total de un carácter meramente humano,

manifestación de un proceso intelectual, estético, creativo y
manual, y, al mismo tiempo, reflejo de una sociedad que no
escapa del devenir de procesos históricos y políticos de la
comunidad en la que se encuentra inmerso. El arte es, por
consecuencia, reflejo del cambio. Toda creación artística,
así como las actividades humanas, no cesan ni conocen el
descanso. Bajo esta premisa podemos ubicar la labor del
Instituto Nacional de Bellas Artes, que, a través del tiempo,
ha conformado un tejido cultural que atañe tanto actividades,
como la difusión e investigación de todos los procesos
histórico-artístico-culturales de nuestro país, así como una
red de museos con una amplia gama de manifestaciones dentro
de sus colecciones.

Todo esto lo reafirma la directora general del INBA María

Cristina García Zepeda. “Debido a que el tiempo no se
detienen y la producción artística se encuentra en constante
desarrollo, experimentación y elaboración, es necesario que
todos los acervos de una institución cultural, como es el
caso del INBA, se nutran conforme las actividades plásticas
lo demanden, con miras a actualizar sus contenidos y
enriquecer sus fondos con el único objetivo de nutrir una
colección de arte perteneciente a la nación, y por ende a los
mexicanos, misma que se convertirá en fiel testigo de las
transformaciones ideológicas y estéticas. El Instituto
Nacional de Bellas Artes, a lo largo de su historia, es un
ejemplo loable. Su trayectoria se ha visto forjada por un
patrimonio que da cuenta de la riqueza cultural de su país,
asimismo es un punto de encuentro, donde las colecciones
públicas de arte se han concentrado mediante un formato
federal, para así dar pie y origen a uno de los acervos
artísticos más valiosos.” (El INBA como parte de la historia
de México, 2012).
Previo a su instauración, el INBA, se encontraba a cargo de
la Secretaría de Educación Pública -creada, formulada y
planteada por José Vasconcelos en 1921 con parámetros
metodológicos que harían crecer al pueblo mexicano-, bajo el
departamento de Bellas Artes, misma que posteriormente se
transformaría en la Dirección General de Educación
Extraescolar y Estética, desde aquel entonces se tenía la
premisa de adquirir obras, en su mayoría pintura y escultura,
de las nuevas propuestas artísticas que se incorporaban al
país en la época, tales como las escuelas de pintura al aire
libre y los centros populares de pintura. De esta manera se
formó la primer colección del estado, la cual incluyó obras
de pintura, dibujo y escultura de artistas que iban iniciando
su trayectoria, como lo fueron: José Clemente Orozco, Manuel
Rodríguez Lozano, Rufino Tamayo, María Izquierdo y Abraham
Ángel, entre otros.

Con el tiempo, la Dirección General de Educación Extraescolar

y Estética se vio en la necesidad de aumentar sus
capacidades, puesto que su vocación se había expandido, ya no
únicamente a la adquisición de obras, sino a fortalecer el
carácter y la identidad nacionalista, al tiempo de proteger e
impulsar el naciente arte mexicano. Fue así como durante la
gestión de Miguel Alemán y mediante un decreto presidencial,
el 31 de diciembre de 1946, bajo el cargo de Carlos Chávez
como director general, ve la luz por primera vez, durante el
inicio del periodo de posguerra, el Instituto Nacional de
Bellas Artes.

La fecha de la fundación del instituto sirve como referente

para explicar el por qué la mayor parte de su colección son
obras modernas, tomando como punto de partida las propuestas
de vanguardia que comenzaron a migrar de Europa a nuestro
país. Asimismo, es relevante mencionar que sus acervos no
sólo se limitan a la producción del periodo que abarca su
consolidación, sino que también abarcan importantes obras de
arte europeo, colonial y del siglo XIX mexicano.

Ana Garduño, hace fiel referencia al contexto que rodeo su

fundación al exponer: “Fundado en diciembre de 1946 como un
organismo clave para el diseño e instrumentación de políticas
culturales de un régimen que decidió intervenir activamente
en la fabricación de un imaginario artístico, el instituto en
sus comienzos lideró los discursos visuales sobre el arte
local, y en cierta medida, global, direccionados en cuatro
ejes: el fortalecimiento de una burocracia cultural
oficializada, unificar el patrimonio plástico, operar una
galería artística de la nación (entre 1947 y 1964, el
centralizado recinto de exhibición oficial tuvo como sede el
republicano Palacio de Bellas Artes) y desplegar una
estratégica campaña propagandística, mediante exposiciones
temporales, algunas de ellas itinerantes, para públicos
nacionales e internacionales.” (El INBA como parte de la
historia de México, 2012).

De la misma forma cabe resaltar que el INBA se trata de

institución relativamente joven, no por ello dejándola
apartada del sector cultural universal, pero si tomamos como
punto de reflexión a los museos e instituciones culturales
europeas, podemos notar que la mayoría de ellos han venido
conformando sus acervos desde finales del siglo XVII, lo que
significa que sus colecciones datan de 300 años, y en algunos
casos, inclusive más, lo cual nos lleva a analizar el gran
trabajo que ha realizado el INBA al conformar un patrimonio
nacional de su magnitud en un lapso relativamente corto de
tiempo. Como depositario de una suma de arte, el INBA ha
conformado un acervo heterogéneo en sí, en gran medida,
producto de su perfil pluralista, al tiempo de buscar
incorporar piezas que sean un reflejo de los procesos
artísticos e históricos que han enriquecido, y trascendido en
nuestra historia, hasta el punto en que el acervo, poco a
poco, ha adquirido importancia como un conjunto que
trasciende fronteras, al tiempo de explicar el origen de cada
uno de sus museos. Su vocación democrática lo ha impulsado a
la apertura de la contemplación pública, defendiendo siempre
los derechos del pueblo por el disfrute y conocimiento de su
patrimonio.

Con base en lo anteriormente mencionado, podemos ver que la

misión que se ha impuesto el INBA al resguardar y difundir
sus acervos se ha enfocado en servir a generaciones enteras
de mexicanos para que se acerquen a las diversas
manifestaciones del arte, de igual forma, cada una de sus
piezas ha representado un rescate patrimonial, el cual ha
conllevado una vocación direccionada a la conservación del
patrimonio nacional y a generar un compromiso social con el
Estado, mismo al cual se la han sumado nuevas formas
expositivas y de investigación para mejorar su entendimiento
y apreciación a las Ana Garduño ha definido haciendo
referencia a ellas como parte de responsabilidades del
Instituto.
En el cual dejare las siguientes Instituciones (escuelas) que
ofrecen una licenciatura en danza:

 ACADEMIA DE LA DANZA MEXICANA. (ADM)

 CENTRO DE INVESTIGACIÓN COREÓGRAFICA. (CIC)
 ESCUELA NACIONAL DE DANZA CLÁSICA Y CONTEMPORÁNEA.
(ENDCC)
 ESCUELA NACIONAL DE DANZA FOLKLÓRICA. (ENDF)
 ESCUELA NACIONAL DE DANZA “NELLIE Y GLORIA
CAMPOELLO”.(ENDNGC)
 ESCUELA SUPERIOR DE MÚSICA Y DANZA DE MONTERREY.
(ESMDM)
 ESCUELA SUPERIOR DE ARTES DE VERACRUZ (ESAV)

BALLET FOLKLÓRICO DE MÉXICO DE AMALIA HERNÁNDEZ

En el año de 1952, Amalia Hernández tomó la decisión de

formar su propia compañía de danza folklórica, su experiencia
como bailarina, maestra y coreógrafa, adquirida en la
Academia de la Danza Mexicana (ADM), la motivo a crear un
pequeño taller dancístico que comenzó con apenas ocho
integrantes, este grupo se hizo llamar como “Ballet Moderno
de México” donde las coreografías fueron hechas por la misma
Amalia, a partir de su primer éxito como grupo independiente
decidieron seguir experimentando la creatividad y evolución
hacía el folklór.

El grupo logró permanecer vigente gracias a que en poco

tiempo se le presentó la oportunidad en un proyecto que
patrocino y apoyo Don Emilio Azcárraga Vidaurreta con la
responsabilidad de mostrar su espectáculo debido a estas
presentaciones llamo la atención del Departamento de Turismo
el cual solicito que el grupo de Amalia se dieran a conocer
en otros países del continente, recién echo esto viajaran a
Cuba, Canadá y a Los Ángeles, California. En 1959 el Lic.
Miguel Álvarez Acosta director del Organismo de Promoción
Internacional de Cultura (OPIC), preparará un programa
especial para que el grupo represente a México en los juegos
Panamericanos de Chicago en USA, dando una gira de 50
bailarines adoptando el nombre de Ballet Folklórico de
México. Al regresar a México debido a su gira por varios
países el presidente actual en su tiempo Adolfo López Mateos
se interesó mucho en el Ballet, haciendo el mejor Ballet del
Mundo, haciendo que los espectáculos del Grupo Folklórico de
México de Amalia Hernández se presentarán en el Palacio de
Bellas Artes cada Domingo ya fuera en la mañana o en la
noche, tanto fue el éxito que logro convertirlo en el mejor
Ballet de México reconocido por el mundo.

En resumen, la labor del Instituto Nacional de Bellas Artes,

así como sus colecciones, se mantiene abierta con una
propuesta que le otorgue identidad a la Nación, así como
visibilidad y un poder discursivo al arte en sí, que, a
grandes rasgos, es el resultado de un complejo devenir
histórico en el cual resaltan los roles que han jugado los
principales protagonistas de nuestra historia y que a su vez
se han reunido bajo el mismo nombre con la misión de
custodiar, conservar, investigar y difundir nuestro
patrimonio artístico, riqueza y grandeza del pueblo mexicano