Los Niños en el Barroco

El barroco es un movimiento artístico y cultural que se desarrolló en Roma

en el siglo XVII inicialmente creado como estilo arquitectónico y luego ligado
con la escultura y pintura.
Yo voy a hablar de los niños representados en el Barroco para recorrer el
tema.
Voy a empezar por Italia que fue donde surgió este estilo como una
necesidad de la Contrarreforma. Esta surge como respuesta a la reforma
protestante en el Concilio de Trento en 1563. Se busca entonces mediante el
arte hacer la religión más sensible y convencer a la gente de lo grandioso que
era el cristianismo. Entonces surgen temas nuevos como la teatralidad, el
éxtasis, los martirios, etc para atrapar al fiel.
Uno de los precursores del Barroco fue Bernini, junto con Borromini. Fue el
arquitecto de la fachada de la catedral de San Pedro. Como escultor, una de
sus obras más barrocas es:
 El éxtasis de Santa Teresa, para la capilla Cornaro en 1645-52. Ésta,
quien tenía una relación carnal con Dios está en un nicho de mármol
policromado, en éxtasis (con los ojos entre abiertos y la boca abierta)
La flecha que le está por clavar el serafín representa el Amor Divino,
símbolo de la mistica Unión de la santa con Dios, forma una diagonal
característica del Barroco. La iluminación está inspirada en la luz
celestial, representa la iluminación divina del momento del éxtasis
por el cual está atravesando Santa Teresa, enfatizada por los rayos
dorados. El ropaje tiene una violencia bien característica del Barroco
y de Bernini. A los costados del nicho se encuentran representados
los miembros de la familia Cornaros, que contemplan el éxtasis y
refuerzan el tema del teatralismo.
En la mitología griega, los cupidos, que es el dios del amor, son
representados como niños. Es infantil por su inocencia, porque muchas veces
se equivoca al lanzar su flechas. Una de las mejores obras que se me ocurrió
para representar este tema es el techo de la galería Fernesse pintado por
Anibale Carracci cuyo sentido es el amor.
  El cuadro central es el triunfo de Baco y Ariadna, rodeado de
cupidos.
 Algunas de las ocho composiciones son:
 Venus y Anquises. Venus, la diosa del amor se enamora de un
mortal y se convierte en una princesa frígida. Le pide a Anquises que
no diga nada y como lo cuenta, Zeus lo deja ciego con un rayo.
 Diana y Endimion, como también se enamora de un mortal, logra que
Zeus lo haga eternamente joven pero también lo termina durmiendo
para toda la eternidad.
Mismo Caravaggio pintó a un cupido en una de sus obras. La novedad de
su pintura es el tratamiento de las luces y sombras, representadas en
situaciones realistas y cotidianas.
Pinta niños y jóvenes:
 Muchacho con cesto de frutas. Es un autorretrato, de sus primeras
obras. Realismo de la cesta de frutas. Fondo negro. Tenebrismo
 Niño pelando frutas
 Niño tocando el laúd

En España, en la primera mitad del siglo XVII, la pintura tiene un tono

realista y cotidiano en las composiciones religiosas, como resolución de la
Contrarreforma. Luego del Concilio de Trento, el arte es utilizado como medio
de propaganda para llegar al fiel. Entonces se recurre a los temas realistas y
cotidianos, poniéndole especial atención al sentimiento, como motor de la
vida religiosa.
Al no haber una demanda del arte por la sociedad, ya que no había una
burguesía establecida, la Iglesia se convierte en el único cliente de los
artistas, además de la corte.
Los niños en el ámbito artístico resultan entonces la perfecta representación
de la vida cotidiana. Éstos son representados tanto como íconos religiosos,
en forma de el Niño Jesús y la Virgen niña; y también representados, por
Murillo, para dar una imagen esperanzadora tras la peste de 1650 en Sevilla.
 Los artistas sevillanos describen todo tipo de episodios de la infancia de
Jesús, con escenas premonitorias de su pasión y muerte. Las primeras
pinturas del Niño Jesús aparecen en los retablos. Roelas pintó el primero en
la iglesia de la Casa Profesa de los jesuitas de Sevilla en 1604. Se trata de
un Niño rubio y mofletudo, mostrando una cruz como iconografía de su futura
resurrección.
En las pinturas de la Sagrada Familia pintadas en el barroco sevillano, el
niño Jesús representa el centro compositivo. La obra más prominente es la
de la Sagrada Familia del Pajarito, de Murillo, pintada en 1655, donde el
artista logra plasmar lo divino en la vida doméstica.
Además hay numerosas escenas donde aparecen las figuras infantiles de
Jesús con San Juan Bautista. Una de las más conocidas es la de Murillo:
Niños de la concha, obra donde ambos primos profetizan la futura escena del
bautismo de Cristo. Murillo fue quien elevó estos temas a unos niveles de
ternura y amabilidad… Otra representación de Murillo es el Buen Pastor,
donde el Niño Jesús mira al espectador con cierto aire melancólico sentado
en un paisaje de ruinas clásicas.
Según la iglesia, en las representaciones de la virgen Niña había que
transmitir la premonición de que sería la futura madre de Dios. Francisco de
Zurbarán, destacado por su pintura religiosa, pintó la Familia de la Virgen en
1645. En ella aparece la Virgen Niña con sus padres, quienes aceptaron la
voluntad divina de entregar a la niña al templo de Jerusalén para ser
consagrada por Dios. LA madre le ofrece un plato de frutas para darle fuerzas
y aparece en la pintura una taza con agua y una rosa, símbolo de pureza y
amor.
Otras de las pinturas de Zurbarán en donde representa a la Virgen Niña es
la Virgen Niña Rezando, pintada en 1660 y la Virgen Niña dormida, donde la
niña está dormida en el medio de una penumbra que se desvanece por el
resplandor de su figura. Está vestida con una túnica roja, símbolo de amor a
Dios.

Volviendo a Murillo…
En España había alta mortalidad infantil, el 40-50% de los niños no llegaban
a mayores. Más que el país estaba pasando por una crisis política y
económica. Sumado a todo esto, en 1650 se desata una peste en Sevilla que
acaba con la mitad de la población. Quedan muchas casas abandonadas,
hay falta de mano de obra, de actividad comercial y sobre todo niños
huérfanos que vivían en la calle.
Murillo se da cuenta que a través de la pintura se puede dar una imagen
esperanzadora a la sociedad que había quedado devastada. Como los
nobles, los banqueros, los comerciantes y sacerdotes, básicamente los
clientes de Murillo, habían sobrevivido, éste empieza a retratar escenas
religiosas donde los personajes del cielo sonreían a los de la tierra. Murillo
buscaba apaciguar la situación mediante lo religioso, quitarle dramatismo a
los santos y que abran los brazos a los pobres. Entonces comienza una
transición donde se elimina el rigor de la pintura religiosa y se hace simpática.
Una de las características de la pintura de Murillo es la presencia de los
niños. Con la peste, quedaron muchos niños huérfanos. El tipo de población
de niños que habitaban en Sevilla eran pícaros, inteligentes, astutos y
habilidosos. Estaban todo el día comiendo, jugando y divirtiéndose. La vida
cotidiana era algo agradable. Por lo que Murillo decide retratarlos para dar
esta imagen esperanzadora a la sociedad.
Algunas de sus obras más conocidas son:
 Niño espulgándose. Pintada en 1650. Representa a un niño
mandadero que ha ido por agua, y como no quiere que lo vean con
pulgas en la calle se mete en una de las casas abandonadas, donde
se encuentra tristemente iluminado sacándose las pulgas. Se denota
una falta de higiene en él, los pies descalzos y sucios. La jarra nos
denota que viene o va a hacer un recado. Tiene una cesta con
comida, posiblemente robada, casi vacía.
 Niños comiendo uvas y melón. La pintura denota picardía de los
niños, que se encuentran en las afueras de la ciudad. Por la belleza
de la cesta con naturaleza muerta se puede asumir que Murillo fue
un gran pintor de bodegones, a pesar de que no se hayan
encontrado obras que lo confirmen.
 Niños jugando a los dados. Por ley estaba prohibido jugar a los
dados en lugares públicos. Pero estos niños están jugando en las
 afueras de la ciudad. La expresión de uno de los niños es de agrado
por lo que debe haber salido en los dados, y el del otro es más bien
de disgusto. A su lado, un tercero, que mira a cámara sin prestar
atención al juego, mientras come. Un perro espera paciente ligar
algo de lo que está comiendo el niño, y a su lado hay un canasto de
mimbre repleto de membrillos y una jarra vacía.

Es relevante también mencionar a Velazquez, uno de los pintores más

prestigiosos, por no decir el más prestigioso, de España en el Barroco.
Quien fue el autor de un montón de retratos de niños de la corte.
Velazquez era el pintor del rey? Y retrató al hijo del rey de España, a
Baltasar Carlos en dos ocasiones:
 Baltasar Carlos con enano, pintado luego del viaje a Italia del
pintor, en 1632
 Y tres años después a Baltazar Carlos a Caballo, con colores
vibrantes en 1635
Uno de los cuadros que perteneces a la serie de retratos de infantes del
Museo de Viena es el de:
 El príncipe Felipe Prospero pintado a los 3 años. Las campanitas
son amuletos porque en esa época había mortalidad infantil para
que sobrepasara a la juventud, murío a los al año de ser
retratado.
 Otro de los cuadros pertenecientes a esta serie son los retratos
de Margarita la Infanta hija de Felipe IV, pintada a los 4 y 11
años, de lo más delicado de su periodo final
 Margarita es una de las figuras retratadas en su obra maestra,
Las Meninas pintada en 1656 y que hoy se encuentra en el
Museo del Prado. Se retrata una escena cotidiana donde las
meninas la están atendiendo a la entonces heredera de la
dinastía, Margarita. Velázquez se pintó a sí mismo retratando al
Rey la Reina que figuran en el espejo de atrás que centra la
composición.
 Volviendo al tema de la Sagrada Familia, Nicolas Poussin, un pintor
francés barroco que reúne las cualidades del clasicismo francés pintó dos
casos donde el niño Jesús es el centro de sus composiciones:
 La Sagrada Familia de la Escalera: pintada en 1648. Se puede
relacionar con el arte del Alto Renacimiento, específicamente en
un cuadro de Rafael, donde el niño y la Virgen son la inspiración
de Poussin para este cuadro. El espacio del cuadro está
organizado en términos puramente geométricos.
 La Sagrada Familia en Egipto, ya posterior, del año 1655 es ya
mucho más tranquila: con poca acción y movimiento. Incluso la
expresión facial de las figuras es tranquila. Está basada en líneas
horizontales.

El caso de Holanda era completamente distinto al de Italia, Francia y

España, se trataba de un Estado descentralizado. Donde la demanda
artística provenía más que nada de la burguesía, estaba al alcance de la
clase media. Mismo los predicadores religiosos pertenecían a la clase
media. La pintura era predominante sobre la arquitectura y la escultura por
la falta de patrones. No había grandes señores que requirieran esculturas
o arquitecturas monumentales.
Las características de la pintura holandesa son, además del carácter
burgués, el interés por los efectos espaciales y luminosos, la inclinación
por el paisaje y las escenas de interior.
Rembrandt, considerado uno de los grandes maestros por su arte
moderna y realista. Dominaba cualquier técnica que quisiera, es
reconocido también por los dibujos, aguafuertes y grabados que hizo. Su
trazo es el primer indicio que se registra del impresionismo del siglo XIX.
Algunas de sus obras donde hay presencia de niños son:
 Jacob Bendiciendo a los Hijos de José, ya de su etapa madura
como pintor, de 1656. Donde Rembrandt utiliza el claroscuro que
lo define para crear dramatismo y emociones profundas. Las
luces y sombras son independientes de cualquier foco exterior,
 no son realistas. Es el cuadro más grande que pintó de tema
bíblico. Tiene poca acción para tratarse de un cuadro barroco ya
que Rembrandt se concentra más en la vida interior de las figuras
y en su espiritualismo.
 Retrato de familia. Además de la presencia de niños me pareció
oportuna porque representa una familia burguesa típica de
Holanda. Es una de sus obras más coloristas.
 Ya que estoy enumerando las obras por la aparición de niños, me
pareció oportuno mencionar su obra más famosa: La Ronda de
Noche. Está en Que en realidad está pintada al atardecer, no a
la noche. De esto se dieron cuenta cuando la limpiaron y le
sacaron kilos de barniz, que oscurecía la pintura. Pero nos damos
cuenta por como están iluminadas las figuras, inspiradas en
Caravaggio. Es un grupo de milicias de Ámsterdam destinado a
defender la ciudad, donde los participantes le pagaban al artista
para formar parte de el cuadro. Es barroca por la sensación de
movimiento que transmite y las diagonales que posee. Las líneas
de los pies en forma de zigzag, es un recurso barroco que se
utilizaba para que la mirada del espectador recorra hacia afuera y
hacia adentro y así pueda recorrer toda la composición con la
mirada. Tiene un claroscuro característico de Rembrandt, con
una paleta de colores intensa, que la utiliza como herramienta
para darle más protagonismo a unos personajes sobre otros.
Hay dos niñas, aunque una no se vea. Tiene una gallina colgando
que hace alusión al grupo de milicia representado.