Alquenos

Los alquenos son hidrocarburos insaturados que tienen uno o varios

enlaces carbono-carbono en su molécula. Se puede decir que un alqueno
es un alcano que ha perdido dos átomos de hidrógeno produciendo como
resultado un enlace doble entre dos carbonos. Los alquenos cíclicos
reciben el nombre de cicloalquenos.
Antiguamente se les denominaba como olefinas dadas las propiedades
que presentaban sus representantes más simples, principalmente el
eteno, para reaccionar con halógenos y producir óleos.
Formulación y nomenclatura de alquenos:
La fórmula general de un alqueno de cadena abierta con un sólo doble
enlace es CnH2n. Por cada doble enlace adicional habrá dos átomos de
hidrógeno menos de los indicados en esta fórmula.

Nombres tradicionales:
Al igual que ocurre con otros compuestos orgánicos, algunos alquenos se
conocen todavía por sus nombres no sistemáticos, en cuyo caso se
sustituye la terminación -eno sistemática por -ileno, como es el caso del
eteno que en ocasiones se llama etileno, o propeno por propileno.

Nomenclatura sistemática (IUPAC):

Artículo principal: Nomenclatura de hidrocarburos acíclicos
Artículo principal: Nomenclatura de hidrocarburos monocíclicos
1. Nombrar al hidrocarburo principal: Se ha de encontrar la cadena
carbonada más larga que contenga el enlace doble, no necesariamente la
de mayor tamaño, colocando los localizadores que tengan el menor
número en los enlaces dobles, numerando los átomos de carbono en la
cadena comenzando en el extremo más cercano al enlace doble. NOTA: Si
al enumerar de izquierda a derecha como de derecha a izquierda, los
localizadores de las insaturaciones son iguales, se busca que los dobles
enlaces tenga menor posición o localizador más bajo.
2. Si la cadena principal tiene sustituyentes iguales en el mismo átomo de
carbono separando por comas los números localizadores que se repiten
en el átomo, estos se separan por un guion de los prefijos: di, tri, tetra,
etc. Respectivamente al número de veces que se repita el sustituyente.
3. Los sustituyentes se escriben de acuerdo al orden alfabético con su
respectivo localizador.
4. Si en la cadena principal existen varios sustituyentes ramificados iguales
se coloca el número localizador en la cadena principal separando por un
guion, y se escribe el prefijo correspondiente al número de veces que se
repita con los prefijos: bis, tris, tetraquis, pentaquis, etc. Seguido de un
paréntesis dentro del cual se nombra al sustituyente complejo con la
terminación -IL.
5. Realizado todo lo anterior con relación a los sustituyentes, se coloca el
número de localizador del doble enlace en la cadena principal separada de
un guion, seguido del nombre de acuerdo al número de átomos de
carbono reemplazando la terminación -ano por el sufijo -eno.
6. Si se presentan más de un enlace doble, se nombra indicando la
posición de cada uno de los dobles enlaces con su respectivo número
localizador, se escribe la raíz del nombre del alqueno del cual proviene,
seguido de un prefijo de cantidad: di, tri, tetra, etc. y utilizando el sufijo -
eno. Ej:-dieno, -trieno y así sucesivamente.
 Recomendaciones IUPAC-
Fórmula Recomendaciones IUPAC-1979
199312

localizador - prefijo de número átomos prefijo de número átomos C -

C (acabado en -eno) localizador -eno

CH3-CH2-
1-buteno but-1-eno
CH=CH2

Recomendaciones Recomendaciones
Fórmula
IUPAC-1979 IUPAC-1993

localizador - prefijo de prefijo de número

número átomos C átomos C - localizador
(acabado en -eno) -eno

1-penteno pent-1-eno
1-penteno

1-ciclohexeno ciclohex-1-eno

ciclohex-1-eno numerado

2-buteno but-2-eno

but-2-eno
 3-hepteno hept-3-eno

hept-3-eno

1,3-butadieno buta-1,3-dieno

buta-1,3-dieno

1,3,6-octatrieno octa-1,3,6-trieno

octa-1,3,6-trieno

cicloocta-1,3,5,7-
1,3,5,7-ciclooctatetraeno
tetraeno

cicloocta-1,3,5,7-tetraeno

3-metil-1-buteno 3-metil -but-1-eno

3-metil -but-1-eno
Estructura electrónica del enlace doble C=C:
Utilizaremos el eteno como ejemplo de compuesto con doble enlace C=C.
El doble enlace tiene dos componentes: el enlace tipo σ y el enlace tipo π.
Los dos átomos de carbono que comparten el enlace tienen una
hibridación sp2, hibridación resultante de la mezcla de un orbital 2s y dos
orbitales 2p, lo cual conduce a la formación de tres orbitales sp2 de
geometría trigonal plana. Al combinarse estos orbitales sp2 los electrones
compartidos forman un enlace σ, situado entre ambos carbonos.
En la primera figura puede observarse el radical metilo, con un orbital sp2
que enlaza a un átomo de hidrógeno al carbono. En la segunda figura se
aprecia la formación del enlace π (línea de puntos); que se forma
mediante el solapamiento de los dos orbitales 2p perpendiculares al plano
de la molécula. En este tipo de enlace los electrones están deslocalizados
alrededor de los carbonos, por encima y por debajo del plano molecular.
Energía de enlace:
Energéticamente, el doble enlace se forma mediante la edición de dos
tipos de enlace, el σ y el π. La energía de dichos enlaces se obtiene a partir
del cálculo del solapamiento de los dos orbitales constituyentes, y en este
caso el solapamiento de los orbitales sp2 es mucho mayor que los
orbitales p (el primero crea el enlace σ y el segundo el π) y por tanto la
componente σ es bastante más energética que la π. La razón de ello es
que la densidad de los electrones en el enlace π están más alejados del
núcleo del átomo. Sin embargo, a pesar de que el enlace π es más débil
que el σ, la combinación de ambos hace que un doble enlace sea más
fuerte que un enlace simple.
Síntesis:
Artículo principal: Síntesis de alquenos
Los alquenos se pueden sintetizar mediante las siguientes reacciones:
Por cambio de grupo funcional
Deshidrohalogenación
CH3CH2Br + KOH → CH2=CH2 + H2O + KBr
Deshidratación
La eliminación de agua a partir de alcoholes, por ejemplo:
CH3CH2OH + H2SO4 → CH3CH2OSO3H + H2O → H2C=CH2 + H2SO4 + H2O
También por la reacción de Chugaev y la reacción de Grieco.
Deshalogenación
BrCH2CH2Br + Zn → CH2=CH2 + ZnBr2
Pirólisis (con calor)
CH3(CH2)4 → CH2=CH2 + CH3CH2CH2CH3
Propiedades físicas:
La presencia del doble enlace modifica ligeramente las propiedades físicas
de los alquenos frente a los alcanos. De ellas, la temperatura de ebullición
es la que menos se modifica. La presencia del doble enlace se nota más en
aspectos como la polaridad y la acidez.

Polaridad:
Dependiendo de la estructura, puede aparecer un momento dipolar
débil.El enlace alquilo-alquenilo está polarizado en la dirección del átomo
con orbital sp2, ya que la componente s de un orbital sp2 es mayor que en
un sp3 (esto podría interpretarse como la proporción de s a p en la
molécula, siendo 1:2 en sp2 y 1:3 en sp3, aunque dicha idea es
simplemente intuitiva). Esto es debido a que los electrones situados en
orbitales híbridos con mayor componente s están más ligados al núcleo
que los p, por tanto el orbital sp2 es ligeramente atrayente de electrones y
aparece una polarización neta hacia él. Una vez que tenemos polaridad en
el enlace neta, la geometría de la molécula debe permitir que aparezca un
momento dipolar neto en la molécula, como se aprecia en la figura
inferior. Polaridad alquenos.png
'La primera molécula' es cis y tenemos un momento dipolar neto, pero la
segunda trans, pese a tener dos enlaces ligeramente polarizados el
momento dipolar neto es nulo al anularse ambos momentos dipolares.

Acidez:
El carbono alquenílico tiene mayor acidez frente a los alcanos, debido
también a la polaridad del enlace. Así, el etano (alcano) tiene un pKa de 50
(o un Ka de 10-50) frente al pKa = 44 del eteno. Este hecho se explica
fácilmente considerando que, al desprenderse un protón de la molécula,
queda una carga negativa remanente que en el caso del eteno se
deslocaliza más fácilmente en el enlace π y σ que en el enlace σ simple
que existe en un alcano. De todas formas, su acidez es menor que la de los
alcoholes o los ácidos carboxílicos.
Reacciones:
Artículo principal: Reacciones de alquenos
Los alquenos son más reactivos que los alcanos. Sus reacciones
características son las de adición de otras moléculas, como haluros de
hidrógeno, hidrógeno y halógenos. También sufren reacciones de
polimerización, muy importantes industrialmente.
Hidrohalogenación:
se refiere a la reacción con haluros de hidrógeno formando alcanos
halogenados del modo CH3-CH2=CH2 + HX → CH3CHXCH3. Por ejemplo,
halogenación con el ácido HBr: AlkeneAndHBrReaction.png
Estas reacciones deben seguir la Regla de Markovnikoff de enlaces dobles.
Hidrogenación: se refiere a la hidrogenación catalítica (usando Pt, Pd, o Ni)
formando alcanos del modo CH2=CH2 + H2 → CH3CH3.
Halogenación:
se refiere a la reacción con halógenos (representados por la X) del modo
CH2=CH2 + X2 → XCH2CH2X. Por ejemplo, halogenación con bromo:
AlkeneAndBr2Reaction.png
Polimerización: Forman polímeros del modo n CH2=CH2 → (-CH2-CH2-)n
polímero, (polietileno en este caso).
 Música del romanticismo

En la música, el Romanticismo fue un periodo que transcurrió,

aproximadamente, entre principios de los años 1820 y la primera década
del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las
normas y formas de dicho período. El Romanticismo musical es un período
de la música académica que fue precedido por el Clasicismo y seguido por
el Impresionismo.
El Romanticismo musical está relacionado por supuesto con el
Romanticismo en otras disciplinas: la corriente de cambios en Literatura,
Bellas Artes y Filosofía, aunque suele haber ligeras diferencias temporales,
dado que el Romanticismo en aquellas Artes y en la Filosofía se suele
reconocer entre los años 1780 y 1840. El Romanticismo como movimiento
global en las Artes y la Filosofía tiene como precepto que la verdad no
podía ser deducida a partir de axiomas, y que en el mundo había
realidades inevitables que solo se podía captar mediante la emoción, el
sentimiento y la intuición. La música del Romanticismo intentaba expresar
estas emociones.
Ópera romántica (1800-1924):
En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar entre sí, las formas
establecidas en el barroco o el clasicismo. Este proceso alcanzó su apogeo
con las óperas de Wagner, en las cuales las arias, coros, recitativos y
piezas de conjunto, son difíciles de distinguir. Por el contrario, se busca un
continuo fluir de la música.
También ocurrieron otros cambios. Los castrati desaparecieron y por tanto
los tenores adquirieron roles más heroicos, y los coros se tornaron más
importantes. A finales del período romántico, el verismo se popularizó en
Italia, retratando en la ópera escenas realistas, más que históricas o
mitológicas. En Francia la tendencia también se acogió, y quedaron
ejemplos populares como Carmen de Bizet.
Muchos compositores del Romanticismo, a partir de la segunda mitad del
siglo XIX, escribieron música nacionalista, que tenía alguna conexión
particular con su país. Esto se manifestó de varias maneras. Los temas de
las óperas de Mijaíl Glinka, por ejemplo, son específicamente rusos,
mientras que Bedřich Smetana y Antonín Dvořák utilizaron ritmos y temas
de las danzas y canciones populares checas. A finales del siglo XIX, Jean
Sibelius escribió Kullervo, música basada en la épica finlandesa (el
Kalevala) y su pieza Finlandia se convirtió en un símbolo del nacionalismo
finés.

El elemento vocal en la música romántica:

La época romántica no fue ya un siglo de grandes composiciones vocales.

Subsistieron todavía una serie de compositores a capella, exquisitos y
refinados, como Mendelssohn y Brahms, que lograron efectos de armonía
y cromatismo inconcebibles en el siglo XVI, que fue la edad florida del
estilo a capella. Especialmente, en Alemania, el medio para conseguir este
refinamiento fueron las composiciones corales para hombres, las cuales,
sin embargo, debieron su impulso no a razones puramente artísticas, pues
se convirtieron en expresión del nacionalismo o de las actividades
partidistas, mientras que el resto de las manifestaciones de base vocal
cayeron en desuso. Los grandes adalides del período romántico no
pensaron ni por un momento en componer obras para la iglesia y
contribuir así a que se escucharan los versículos de la Biblia.
Se escribieron oratorios, como El paraíso y la peri, de Schumann. Brahms
escribió Un Requiem alemán, obra religiosa con texto totalmente en
alemán. También se escribieron misas y otras obras religiosas. El Ave
María de Schubert, es un lied para canto y piano.

Instrumentación y escala:
Como en otros períodos, la instrumentación se adaptó a los
requerimientos musicales del período. Compositores como Hector Berlioz
orquestaron sus obras de una forma nunca antes escuchada, dándole una
nueva prominencia a los instrumentos de viento. El tamaño de la orquesta
estándar aumentó, y se incluyeron instrumentos tales como el piccolo y
corno inglés, que antes se utilizaban muy ocasionalmente. Mahler escribió
su octava sinfonía, conocida como la Sinfonía de los mil, por la masa
orquestal y coral que se requiere para interpretarla.
Además de necesitar una orquesta más grande, las obras del
Romanticismo se tornaron más largas. Una sinfonía típica de Haydn o
Mozart, compositores del clasicismo, puede durar aproximadamente
veinte o veinticinco minutos. Ya la tercera sinfonía de Beethoven, que se
suele considerar como del Romanticismo inicial, dura alrededor de
cuarenta y cinco minutos. Y esta tendencia creció notablemente en las
sinfonías de Anton Bruckner y alcanzó sus cotas máximas en el caso de
Mahler, con sinfonías que tienen una hora de duración (como es el caso
de la primera y la cuarta) hasta sinfonías que duran más de una hora y
media (como la tercera u octava).
Por otro lado, en el Romanticismo creció la importancia del instrumentista
virtuoso. El violinista Niccolò Paganini fue una de las estrellas musicales de
principios del siglo XIX. Liszt, además de ser un notable compositor, fue
también un virtuoso del piano, muy popular. Durante las interpretaciones
de los virtuosos, solían destacar más ellos que la música que estaban
interpretando.
Estos son algunos de los instrumentos que aparecen en el Romanticismo:
VIENTO
Contrafagot: Especie de fagot de grandes dimensiones, cuyos sonidos se
producen a la octava grave del fagot ordinario.
Saxofón: Instrumento de viento compuesto de un tubo cónico de metal
encorvado en forma de U, con varias llaves y una boquilla de madera y
caña. Los hay de varios tamaños.
Corno inglés: Instrumento de viento, más grande y de sonido más grave
que el oboe.
Tuba: Instrumento de viento de grandes proporciones y de sonoridad
voluminosa y grave.
TECLADO
Piano: Aunque ya existía en el Clasicismo, el piano es el gran instrumento
del romanticismo. Permite la mayor expresividad a los compositores, que
son, muchas veces, virtuosos de este instrumento.
Primeros compositores románticos (1815-1850):
Ludwig van Beethoven (1820), por Joseph Karl Stieler.
En la segunda década del siglo XIX, el cambio a nuevas fuentes para la
música, junto a un uso más acentuado del cromatismo en las melodías y la
necesidad de más expresividad armónica, produjeron un cambio estilístico
palpable. Las razones que motivaron este cambio no fueron meramente
musicales, sino también económicas, políticas y sociales. El escenario
estaba preparado para una nueva generación de compositores que podía
hablarle al nuevo ambiente europeo post-napoleónico.
En el primer grupo de compositores se suele agrupar a Beethoven, Louis
Spohr, E. T. A. Hoffmann, Carl Maria von Weber y Franz Schubert. Estos
compositores crecieron en medio de la dramática expansión de la vida
concertística de finales del siglo XVIII y principios del XIX, y esto le dio
forma a sus estilos y expectativas. Muchos saludaron a Beethoven como el
modelo a seguir, o al menos a aspirar. Las melodías cromáticas de Muzio
Clementi y las óperas de Rossini, Cherubini y Mehul, también ejercieron
cierta influencia. Al mismo tiempo, la composición de canciones para voz y
piano sobre poemas populares, para satisfacer la demanda de un
creciente mercado de hogares de clase media, fue una nueva e
importante fuente de entradas económicas para los compositores.
Los trabajos más importantes de esta ola de compositores románticos
fueron quizás los ciclos de canciones y las sinfonías de Schubert, las óperas
de Weber, especialmente Oberon, Der Freischütz y Euryanthe. Para la
época, las obras de Schubert solo se interpretaron ante audiencias
limitadas y solo pudieron ejercer un impacto notable gradualmente. Por el
contrario, las obras de John Field se conocieron rápidamente, en parte
debido a que era capaz de componer pequeñas y "características" obras
para piano y danzas.
La siguiente cohorte de compositores románticos incluye a Franz Liszt,
Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin y Hector Berlioz. Ellos nacieron en el
siglo XIX e iniciaron pronto la producción de composiciones de gran valor.
Mendelssohn fue particularmente precoz, escribiendo sus primeros
cuartetos, un octeto para cuerdas y música orquestal antes de cumplir los
veinte años. Chopin se abocó a la música para piano, incluyendo etudes
(estudios) y dos conciertos para piano. Berlioz compondría la primera
sinfonía notable luego de la muerte de Beethoven, la mencionada Sinfonía
fantástica. Liszt compuso música orquestal, pero es conocido por innovar
en la técnica del piano, sus estudios trascendentales están entre las obras
que requieren mayor virtuosismo.
Al mismo tiempo se estableció lo que ahora se conoce como "ópera
romántica", con una fuerte conexión entre París y el norte de Italia. La
combinación del virtuosismo orquestal francés, las líneas vocales y poder
dramático italianos, junto a libretos que se basaban en la literatura
popular, establecieron las normas que continúan dominando la escena
operística. Las obras de Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti fueron
inmensamente populares en esta época.
Un aspecto importante de este parte del Romanticismo fue la amplia
popularidad alcanzada por los conciertos para piano (o "recitales", como
los llamaba Franz Liszt), que incluían improvisaciones de temas populares,
piezas cortas y otras más largas, tales como las sonatas de Beethoven o
Mozart. Una de los exponentes más notables de las obras de Beethoven
fue Clara Wieck, que luego se casaría con Robert Schumann. Las nuevas
facilidades para viajar que se ofrecían en la época, gracias al tren y luego
al vapor, permitieron que surgieran grupos internacionales de fanáticos de
pianistas virtuosos, como Liszt, Chopin y Thalberg. Estos conciertos se
transformaron en eventos por sí mismos. Niccolò Paganini, famoso
virtuoso del violín, fue pionero de este fenómeno.
Entre finales de los años 1830 y los años 1840, los frutos de esta
generación fueron presentados al público, como por ejemplo las obras de
Robert Schumann, Giacomo Meyerbeer y el joven Giuseppe Verdi. Es
importante notar que el Romanticismo no era el único, y ni siquiera el más
importante, género musical de la época, ya que los programas de los
conciertos estaban en gran medida dominados por un género post-clásico,
ejemplificado por el Conservatorio de París, así como la música cortesana.
Esto comenzó a cambiar con el auge de ciertas instituciones, tales como
las orquestas sinfónicas con temporadas regulares, una moda que
promovió el mismo Felix Mendelssohn.
Fue en este momento cuando Richard Wagner produjo su primera ópera
exitosa, e inició su búsqueda de nuevas formas para expandir el concepto
de los "dramas musicales". Wagner gustaba llamarse a sí mismo
revolucionario, y tenía constantes problemas con sus prestamistas y con
las autoridades; al mismo tiempo se rodeó de un círculo de músicos con
ideas parecidas, como Franz Liszt, con quienes se dedicó a crear la "música
del futuro".
Suele indicarse que el romanticismo literario terminó en 1848, con las
revoluciones que ocurrieron ese año y que marcaron un hito en la historia
de Europa, o al menos en la percepción de las fronteras del arte y la
música. Con el advenimiento de la ideología "realista", y la muerte de
figuras como Paganini, Mendelssohn y Schumann, y el retiro de Liszt de los
escenarios, apareció una nueva generación de músicos. Algunos
argumentan que esta generación debería llamarse victorianos más que
románticos. De hecho, los años finales del siglo XIX suelen describirse
como Romanticismo tardío.
Romanticismo tardío (1850-1870):
Al llegar a la segunda mitad del siglo XIX, muchos de los cambios sociales,
políticos y económicos que se iniciaron en la era post-napoleónica, se
afirmaron. El telégrafo y las vías ferroviarias unieron a Europa mucho más.
El nacionalismo, que fue una de las fuentes más importantes del principio
de siglo, se formalizó en elementos políticos y lingüísticos. La literatura
que tenía como audiencia la clase media, se convirtió en el objetivo
principal de la publicación de libros, incluyendo el ascenso de la novela
como la principal forma literaria.
Muchas de las figuras de la primera mitad del siglo XIX se habían retirado
o habían muerto. Muchos otros siguieron otros caminos, aprovechando
una mayor regularidad en la vida concertística, y recursos financieros y
técnicos disponibles. En los anteriores cincuenta años, muchas
innovaciones en la instrumentación, incluyendo el piano de acción de
doble escape (double escarpment), los instrumentos de viento con
válvulas, y la barbada (chin rest) de los violines y violas, pasaron de ser
algo novedoso a estándar. El incremento de la educación musical sirvió
para crear un público más amplio para la música para piano y los
conciertos de música más sofisticados. Con la fundación de conservatorios
y universidades se abrió la posibilidad a los músicos de hacer carreras
estables como profesores, en vez de ser empresarios que dependían de
sus propios recursos. La suma de estos cambios puede verse en la titánica
ola de sinfonías, conciertos, y poemas sinfónicos que fueron creados, y la
expansión de las temporadas de óperas de muchas ciudades y países,
como París, Londres o Italia.
El período romántico tardío también vio el auge de los géneros llamados
"nacionalistas" que estaban asociados con la música popular (folclórica) y
la poesía de determinados países. La noción de música alemana o italiana,
ya estaba largamente establecida en la historia de la música, pero a partir
de finales del siglo XIX se crearon los subgéneros ruso (Mijaíl Glinka,
Músorgski, Rimski-Kórsakov, Chaikovski y Borodin); checo, finlandés y
francés. Muchos compositores fueron expresamente nacionalistas en sus
objetivos, buscando componer ópera o música asociada con la lengua y
cultura de sus tierras de origen.
Post-romanticismo (1870-1949:
El compositor alemán Richard Strauss.
Se puede considerar un movimiento de finales del siglo XIX y principios del
XX que se diferencia del Romanticismo por la exuberancia orquestal y la
desmesura en los desarrollos sinfónicos, también se caracteriza por un
intenso cromatismo que supera a Richard Wagner. En los compositores
postrománticos se observa la melancolía que les produce la pérdida de la
cultura romántica.
Los compositores más representativos de este estilo fueron Anton
Bruckner, Erik Satie, Gustav Mahler y Richard Strauss
El músico romántico:
Por la actitud ante la sociedad y el mundo, Beethoven se convirtió en el
modelo del movimiento romántico, que a la vez no dejaba de ser un
modelo peligroso. Fue, ciertamente, la figura de éste la que proporcionó a
la era romántica el paradigma para su concepto de "Artista". Esto no hizo
desaparecer la idea que se tenía de "músico" que prestaba a la sociedad
un servicio directo, es decir, el canto, organista de iglesia, cantante de
coro, director de orquesta de teatro y un largo etcétera.
Lo que sí está claro es que la etapa romántica dio lugar al enfrentamiento
entre el "artista" y el "filisteo", como decía Robert Schumann
musicalmente en su obra Carnaval. Con Beethoven se inició un período en
el que las sinfonías, oratorios, música de cámara, coral y lírica, de todo
tipo, e incluso las óperas, se componían sin que nadie las encargara, para
un público imaginario, para el futuro, y para la eternidad.
El aislamiento del músico romántico no se produjo sin un efecto
retroactivo en su personalidad y en el carácter de su obra. Con
anterioridad a 1800 toda composición tenía que ser susceptible de una
valoración inmediata; si la desviación de las viejas costumbres, de la
tradición, era excesiva, no quedaba exenta de peligros, como más de un
compositor tuvo ocasión de aprender por propia experiencia. Este fue el
caso de Monteverdi, Gluck, o Haydn entre otros.
Por otro lado, competir en originalidad era, más la excepción que la regla.
Así pues, las generaciones se sucedían. Los músicos románticos plantaron
cara a la tradición, y no solo dejaron de evitar la originalidad, sino que la
persiguieron y cuanto más libre de ideas preconcebidas estuviera una
obra, tanto mayor era la estimación que despertaba.
La música romántica, la música del siglo XIX, aparece repleta de una
sucesión de personalidades de lo más variadas, con una serie de perfiles
mucho más acusados y diferenciados que en los siglos precedentes, y
resulta una tarea muy difícil trazar con nitidez la trayectoria de su
evolución.
Mauro Giuliani

Mauro Giuliani.

Mauro Giuliani (Bisceglie, 27 de julio de 1781 – Nápoles, 8 de mayo de 1829) fue

un compositor y guitarrista italiano.

En 1806 se desplazó a Viena, donde junto a los pianistas Johann

Nepomuk Hummel e Ignaz Moscheles, el violinista Joseph Mayseder y el
violonchelista Joseph Merk dio una serie de conciertos en los jardines
del Palacio de Schönbrunn, componiendo algunas obras conjuntamente.
Desarrolló una reputación de pedagogo, y entre sus alumnos se
encontraban Jan Nepomucen Bobrowicz y Felix Horetzky. Fue nombrado
virtuoso honorario de la cámara de la segunda esposa de Napoleón, la
emperatriz María Luisa. En 1819 volvió de nuevo a Italia,
estableciéndose sucesivamente en Venecia, Roma y finalmente en
Nápoles. En 1828 su salud comenzó a deteriorarse y murió en esta
ciudad en 1829.

Giuliani compuso 151 número de opus para guitarra más un número de obras considerable
sin número de opus, destacando los tres Conciertos para guitarra y orquesta, opus 30, 36
y 70; las seis Rossinianas, opus 119-124, La Sonata, op. 15; La Sonata Eroica, op. 150, la
Serenata, op. 19 para violín, cello y guitarra así como un importante número de obras para
para violín o flauta y guitarra.
 Anton Diabelli

Anton (o Antonio) Diabelli (Mattsee, cerca de Salzburgo; 6 de septiembre de 1781-

Viena, 7 de abril de 1858) fue un músicoaustriaco, pianista y compositor, además de editor
de música y profesor de piano y guitarra. Más conocido en su tiempo como editor, nos es
conocido hoy en día por ser el compositor del vals sobre el que Ludwig van
Beethoven escribió sus 33 Variaciones "Diabelli".

Primeros años
Diabelli nació en Mattsee cerca de Salzburgo. Recibió educación para entrar al sacerdocio,
pero tomó también clases con Michael Haydn. Se trasladó a Viena para enseñar piano y
guitarra antes de asociarse con Pietro Cappi en 1818 para establecer una firma de
publicación de música, la firma Cappi & Diabelli (que se convertiría en Diabelli & Co. en
1824), que fue muy popular por publicar arreglos de piezas musicales que pudiesen ser
tocados por los aficionados en sus casas. La firma se hizo también muy conocida entre los
círculos musicales más serios por ser la primera en publicar obras de Franz Schubert, un
compositor que después la firma promovió.

Obra
Diabelli produjo un modesto número de obras como compositor, entre ellas
una opereta llamada Adam in der Klemme, variasmisas y canciones y un amplio número
de piezas para piano y guitarra. Entre ellas hay piezas para cuatro manos (dos pianistas
tocando en un piano), que son populares entre los pianistas aficionados.
Quizás irónicamente, la composición por la que Diabelli es bien conocido hoy fue parte de
una aventura editorial. En 1819, decidió probar a publicar un volumen de variaciones sobre
un vals que escribió expresamente con ese propósito, con una variación por cada
compositor austriaco importante vivo en aquel tiempo, así como varios no austriacos
significativos. 50 compositores respondieron con piezas, entre ellos Schubert, Franz
Liszt y Johann Nepomuk Hummel. Carl Czerny fue enlistado para escribir unacoda, y
fueron publicadas como Vaterländische Künstlerverein.
Sin embargo Beethoven, en lugar de ofrecer una sola variación, dio treinta y tres, y fueron
publicadas en un solo volumen aparte en 1824. Estas constituyen lo que generalmente es
considerada como una de las obras para piano más grandes de Beethoven y el mayor
conjunto de variaciones de su tiempo, y generalmente son conocidas simplemente
como Variaciones "Diabelli".
La casa de publicación de Diabelli se expandió a lo largo de su vida, antes de que se
retirase en 1851, dejándola al mando deCarl Anton Spina. Cuando Diabelli murió en 1858,
Spina continuó adelante con la firma y publicó mucha música de Johann Strauss II y Josef
Strauss. En 1872, la firma fue tomada por Friedrich Schreiber y en 1876 se unió con la
firma de August Cranz, que compró la compañía en 1879 y le puso su nombre.
Placeres de la Juventud: Seis Sonatinas de Diabelli fue una colección de
seis sonatinas escritas y compuestas por él. Placeres de la juventud podría ser descrita
como una siempre cargada batalla entre el bien y el mal, notando que la canción siempre
varía entre las dinámicas de forte y piano. El fortesugiere el mal, el enemigo, mientras que
el piano sugiere el bien.
Su música religiosa es muy conocida en Austria y la calidad de sus piezas de piano es
muy apreciada.
 El impresionismo

Corriente musical del siglo XX

Vaslav Nijinsky bailando el Preludio a la siesta de un fauno de Claude Debussy.

Creación y orígenes

Lugar de origen Francia, con especial relevancia en París

Momento de Finales del siglo XIX

creación

Actividad

Periodo de desde 1875 hasta 1925 aproximadamente

popularidad
 Zonas de Francia, con especial relevancia en París, yEuropa, con especial
popularidad relevancia en España

Instrumentación Piano solo, o acompañando voz solista u otros instrumentos de viento

típica madera; arpa; orquesta de cámara y orquesta sinfónica.

Legado

Géneros Minimalismo, Futurismo,Dodecafonismo, Serialismoy Neoclasicismo entre

derivados otros

Autores Igor Stravinsky, Béla Bartók,Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich,

influenciados entre otros

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La música impresionista es la tendencia musical que surgió en Francia a finales del siglo
XIX. El nombre Impresionismo ya se usaba antes para denominar a la pintura de los años
1860 - 1870, ya que las características de ambas artes eran muy similares. Los dos únicos
autores a los que podemos llamar impresionistas en aquella época son Claude
Debussy y Déodat de Séverac, aunque este último no está tan reconocido como gran parte
de autores posteriores. Sin embargo, Claude Debussy es el autor impresionista más
notorio, junto con los también franceses Maurice Ravel y Erik Satie.

Inicios del Impresionismo

La música, ya dotaba de complejos sistemas armónicos desde la Antigua Grecia, donde se
usaban aproximadamente 7 escalas. Estas escalas pasaron de Grecia a Roma y
sucesivamente a la Iglesia Católica. Estas eran frecuentemente utilizadas en el canto
llano y en la música medieval. Pero al llegar el período barroco, solo se conservaron dos
de estas escalas (con sus respectivas variaciones): la escala mayor (o jónica) y la menor
(o eólica). Pero los años pasaron, y al llegar el posromanticismo, autores comoGabriel
Fauré o Camille Saint-Saëns experimentaron con estas escalas y con el timbre (aspecto
que más tarde sería esencial en el impresionismo) de una manera pionera, pero sin
profundizar demasiado.

A finales del siglo XIX, la vanguardia y el progreso nunca habían tenido tanta repercusión,
tanto en política y en sociedad como en el ámbito artístico. En música, como en pintura,
surgió el impresionismo, la libertad absoluta armónica y ritmicamente (respetando unos
parámetros previamente fijados, pero manipulables en cualquier momento) y la
experimentación fueron las dos características principales de este movimiento. Sin
duda, Claude Debussy es en gran parte el creador, y autor por excelencia del
impresionismo, y Francia la cuna de este movimiento.

Aspectos del Impresionismo

Obra del pintor francés Claude Monet donde se retrata Parlamento británico.

El impresionismo, tanto en música como en otras artes, surge a partir de la idea de

expresar las ideas de una manera en cierto modo insinuada. De cerca se ven manchas y
de lejos crea una figura por decirlo así. Por ejemplo, En la primera fotografía, se puede
observar el Parlamento británico retratado de un modo en el que apenas se puede intuir su
forma.

Aspectos de la música del impresionismo:

Syrinx de Claude Debussy

 Un tempo más libre, y con capacidad de un rubato a gusto del intérprete (siempre
respetando las indicaciones del autor).
 Utilización de los modos, introduciendo numerosas variaciones de cada uno, e incluso
inventándolos (como en la obra Syrinx para solo de flauta, de Claude Debussy). No
sólo se utilizan modos clásicos, ya que también es muy frecuente encontrar escalas
propias de diferentes etnias (Como en el tercer movimiento de Ma mère
l'oye de Maurice Ravel, Laideronnette, l'impératrice des Pagodes).
 Experimentar con el timbre, convirtiendo a este en el factor más importante de la
música impresionista. De esta manera, se conseguían efectos nunca vistos antes en la
música. El preludio de Claude Debussy La Cathédrale Engloutie es un claro ejemplo
de los diferentes timbres y sensaciones que pueden escucharse en una misma obra,
interpretado aquí por Maurizio Pollini.
No existe una teoría. Sólo tienes que escuchar. El placer es la ley. Me gusta la música con pasión. Y porque me gusta
trato de liberarla de las tradiciones estériles que la ahogan. Es un arte libre que brota - un arte al aire libre, sin límites,
como los elementos, el viento, el cielo, el mar. En ningún caso debe ser cerrado y convertido en un arte académico.

Autores como Gabriel Fauré o Camille Saint-Saëns se atrevieron a experimentar con la música de su época, y a crear

algo diferente a las obras de entonces. Pero fue Claude Debussy el primero en crear una música totalmente diferente a

la anterior, y nunca antes escuchada.