Vanguardia, Tendencia y Estilo

PENSAMIENTO ARQUITECTONICO UNIDAD I
VANGUARDIA, TENDENCIA Y ESTILO

Vanguardia, Tendencia y Estilo
Vanguardia: En el terreno artístico la vanguardia es la «primera línea» de

creación, la renovación radical en las formas y contenidos para, al mismo
tiempo que se sustituyen las tendencias anteriores, enfrentarse con lo
establecido, considerado obsoleto. Es una postura o tendencia estilística
que pretende negar un movimiento o estilo anterior o que surge a la par,
ya que trata con esto definir lo que debe de ser lo artístico y obviamente
darse poder.
Se define como el conjunto de personas o ideas que están más avanzadas

en relación con las tendencias de su tiempo, desde el punto de vista
artístico, científico, ideológico, etc.
El término vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el desarrollo

del arte en el siglo XX, sea para definir posturas ante el arte y su papel en la
sociedad, sea para ordenar el estudio de la historia del mismo siglo.
Convirtiéndose así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos de la

historia, importante para comprender el arte de nuestra época, y solo en
ésta aparecen expresiones como: Arquitectura de vanguardia, música de
vanguardia, cine de vanguardia, etc.
Tomando literalmente el término implica la idea de lucha, de combate, de

pequeños grupos destacados del cuerpo mayoritario que avanza, que se
sitúan por delante. Efectivamente, la vanguardia artística se manifestó,
como acción de grupo reducido, como élite que se enfrentaba a
situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. Estas
tendencias se enfrentaron al orden establecido, a los criterios asumidos por
las clases altas económicas e intelectuales hablando con ánimo de
ruptura. Fueron en ocasiones y con sus particularidades, movimientos
agresivos y provocadores. La incomprensión inicial y la posterior
aceptación justifican su papel anticipador del futuro.
La Vanguardia con relación al arte aparece por primera vez en el primer

cuarto del siglo XIX, en textos de los socialistas utópicos. No se trataba de
un grupo o de una tendencia artística en particular, sino que el arte se
presentaba en general, como avanzadilla de los sectores fundamentales
que tratan de transformar la sociedad: la ciencia y la industria.
ITCG | INSTITUTO TECNOLOGICO DE LA COSTA GRANDE, ZIHUATANEJO GRO. 1
Esto introduce otro concepto de vanguardia: Vinculación con actitudes

progresistas (implicaba ansia transformadora de la sociedad).
A fines del siglo XIX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario

político y antes de la primera guerra mundial pasó a ser frecuente, en la
crítica artística concretamente se aplicó al Cubismo y Futurismo.
Las Primeras Vanguardias en la Arquitectura
La arquitectura de principios del siglo XX rechazó las tendencias historicistas

del siglo anterior y asumió las transformaciones de un nuevo mundo
caracterizado por el desarrollo técnico e industrial. El culto a la máquina
marcó el signo de lo que se ha llamado Arquitectura del Movimiento
Moderno.
Esta arquitectura del siglo XX responde a las necesidades de la nueva

sociedad surgida de la Revolución Industrial, el desarrollo técnico y el
crecimiento urbano. La arquitectura se globaliza y los arquitectos
participan en concursos por todo el mundo, diseñando y desarrollando sus
obras.
Aparecen nuevos lenguajes arquitectónicos que responden a las nuevas

necesidades que demanda la sociedad: auditorios, salas de Congresos,
estaciones de metro, edificios de oficinas, etc.
Funcionalismo
En el contexto del Movimiento Moderno hizo su aparición el Funcionalismo,

corriente arquitectónica que tiene como máxima “la forma sigue a la
función” es decir cualquier forma arquitectónica debe reflejar las funciones
para lo que fue creada.
Este lema fue acuñado por el arquitecto Louis Sullivan, quien en el marco
de la Escuela de Chicago, a finales del siglo XIX, se preocupó más por las
necesidades y comodidad de los edificios que por su belleza estética.
La Escuela de Chicago
(germen del funcionalismo)
La escuela de Chicago surge después del incendio de 1871 que arrasa con
la ciudad. Chicago era una ciudad floreciente en la que la especulación
hacia elevar los precios de los terrenos enormemente. Se podría decir

entonces que los edificios comerciales en altura surgieron a raíz de la

presión de los precios del suelo. Pero un edificio de oficinas no podía
superar la altura impuesta por las escaleras sin un medio de transporte
vertical. Esta presión actuó sobre el cerebro de los ingenieros mecánicos,
que con su imaginación dieron vida al ascensor.
Escuela de Chicago (1870-1893)
Auditorium Building de Chicago Guaranty Building de Búfalo
Arquitectos Funcionalistas
Esta nueva propuesta llegó rápidamente a Europa, donde se presentó en

clara oposición contra las propuestas excesivamente ornamentales del
Modernismo. Arquitectos:
Adolf Loos
Considerado uno de los precursores del racionalismo o funcionalismo

arquitectónico. Fue el pionero del Movimiento Moderno que suponía
desornamentación y ruptura con el historicismo. También gustó de escribir
artículos de opinión (era muy duro con sus críticas): “Ornamento y delito”
(1908).

La antigua Sastrería también conocido como Casa Loos, (Viena, 1910)
Escuela de la Bauhaus
Fábrica Fagus Walter Gropius Pabellón alemán exposición
Internacional de Barcelona Mies Van

Le Corbusier
El defensor más importante del Funcionalismo, que planteabas sus

viviendas como máquinas para vivir el hombre
Publicó Los cinco puntos de la nueva arquitectura en 1916, libro en el que

sistematizó los principios básicos de la arquitectura funcionalista:
 - El empleo de pilotes
 - La planta libre
 - La fachada libre
 - La ventana a lo largo de toda la fachada (ventana cinta)
 - La terraza jardín plana.
Todos estos postulados se hicieron realidad en la Villa Saboya.

El Organicismo
Corriente arquitectónica nacida en Estados Unidos y derivada del

Funcionalismo, cuyo principal difusor fue Frank Lloyd Wright.
Wright partió de las enseñanzas de Sullivan y la Escuela de Chicago, y por

ello puede afirmarse que en su obra existen planteamientos afines a los
conceptos funcionalistas (“la forma sigue a la función”). Pero Wright
advirtió el peligro que entrañaba un racionalismo frío, por estar falto de
sensibilidad. Por ello buscó soluciones para las necesidades de los usuarios
de sus edificios, es decir, proponer una arquitectura funcional pero de
carácter orgánico.
Características de la arquitectura organicista
 Integración de la arquitectura en el paisaje, cuidando al máximo la

integración de los edificios en el entorno, conseguido por medio de
la articulación de los volúmenes entre los que destacó la estructura
horizontal.
 La Casa Kaufmann o Casa de la Cascada constituye el paradigma

arquitectónico de dicha integración.
 Plasmación, a través de los elementos constructivos, de la psicología

de las personas destinadas a habitar en ella.
 Influencia de la arquitectura japonesa: los espacios internos

continúan y se confunden con los externos.
Casa de la Cascada

Tendencia: Es un movimiento que se orienta en determinada dirección;

una inclinación, un gusto particular repetido en innumerables ocasiones.
Las tendencias están íntimamente relacionadas al contexto, en toda la
extensión de la palabra: físico, político, religioso, económico o social.
Funcionan como elementos, que van conformando o definiendo lo que se
tornará en una próxima tendencia.
En términos generales, éstos suelen ser el reflejo de la sociedad actual,

aunque también existen posturas que afirman, que la mayoría de las
tendencias son modelos impuestos por el gobierno o bien por la sociedad
mercantil, en un afán por crear necesidades inexistentes en la población,
producto de la mercadotecnia o bien la publicidad.
Arquitectura
Para poder hablar específicamente de las tendencias en arquitectura,

primeramente es necesario mencionar el concepto de la misma, la cual
consiste en el arte y técnica de proyectar y construir edificios y otras
estructuras y espacios que forman el entorno humano. Sin embargo es

ambigua, ya que aún hoy en día, no se tiene una definición estandarizada

que complazca a todos los profesionales de la arquitectura.
Vitruvio, el padre de la arquitectura, menciona que la arquitectura

descansa en tres principios: la Belleza (Venustas), la Firmeza (Firmitas) y la
Utilidad (Utilitas). Por otro lado Le Corbusier, la define como “el juego sabio,
correcto, magnífico de los volúmenes bajo la luz”.
La arquitectura se puede definir, entonces, como un equilibrio entre los

tres elementos de Vitruvio, sin sobrepasar ninguno a los otros. No tendría
sentido tratar de entender un trabajo de la arquitectura sin aceptar estos
tres aspectos.
Tendencias.
En cuanto a tendencias arquitectónicas, se encuentran muchas a lo largo

de la historia, sin embargo destacan las siguientes:
• Modernismo o art nouveau: Orgánico
• Funcionalismo/racionalismo: Función.
• Neoplasticismo: Abstracto.
• Constructivismo: Volúmenes y tecnología.
• Expresionismo: Dinamismo
• Organicismo: Adecuación dentro y fuera.
• Regionalismo: Adecuación geográfica.
• Posmodernismo: Ironía.
• Deconstructivismo : Caos geométrico, rompiendo función y forma.
• Minimalismo : Simpleza.
• High tech: Tecnología y materiales aparentes.
Modernismo o Art Nouveau
El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la

arquitectura todo el arte y todas las artes. Es una corriente esencialmente

decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Se

desarrolla entre los siglos xix y xx.
Este movimiento utiliza las soluciones que la revolución del hierro y del
cristal aportan a la arquitectura, aunque se sirve de la industria para la
decoración de interiores y las forjas de las rejerías, etc.. Sus formas son
blandas y redondeadas, aunque no es esto lo único característico del
modernismo sino la profusión de motivos decorativos. La influencia del
modernismo arquitectónico se deja sentir aún en la arquitectura actual.
Fachada de la casa Batlló, Barcelona, de Antonio Gaudí.
Funcionalismo/racionalismo
Se designa como funcional, en general, al arte que manifiesta un interés

específico por el uso al que se destinan las construcciones.
Coincide con el Neoplasticismo en el afán de combinar espacios

cuadrados y rectangulares, coincide con el Cubismo porque ambos
intentan representar a los objetos desde varios ángulos de forma
simultánea: tratan de obtener la simultaneidad de los volúmenes.

Las formas verticales se alternan con las horizontales, se abandona el

concepto de fachada principal, todos los planos importan. Su afán de
espacio interior se refleja en las cristaleras: el cristal fue el gran asociado del
racionalismo.
En la arquitectura racional está presente el humanismo: el hombre y su

bienestar son el motor de las ideas arquitectónicas.
Como principio básico se adopta la afirmación de L. SULLIVAN (Escuela de

Chicago): "La forma sigue a la función". Para el Racionalismo la belleza de
un edificio radica en su funcionalidad y en el empleo apropiado y eficaz
de los materiales utilizados en su construcción.
 Predominio de las líneas rectas y de los volúmenes elementales.

 Conjuntos asimétricos.
 Estructuras vistas.
 Materiales: hierro, hormigón armado, vidrio, incorpora materiales
nuevos como el aluminio, los plásticos, etc.
 En los edificios el muro deja de ser elemento de soporte, los techos
son bajos, las ventanas apaisadas, horizontales, se emplean azoteas
en vez de tejados, los interiores aparecen pintados de blanco.
LE CORBUSIER Es el arquitecto contemporáneo más internacional: existen

obras suyas en Francia, Estados Unidos, Brasil, lndia, etc., y el que más ha
influido en la arquitectura moderna.
Fue un gran teórico difundiendo sus ideas y proyectos mediante artículos y

manifiestos, lo que ha contribuido a la divulgación de los principios de la
arquitectura racionalista.
Investigó nuevas soluciones: idea suya fue el "rompesol" (brise-soleil), lámina

que permite la entrada de la luz pero no del rayo solar.
Principios básicos:
 el volumen simple es el elemento arquitectónico primordial.

 construcción de los edificios sobre "pilotis" (pilotes), quedando de
este modo el suelo libre y pudiendo ser utilizado por la comunidad.
 planta libre: cada piso puede ser distribuido independientemente
del superior y del inferior.
 fachada libre: puede diseñarse en función de las necesidades de

cada piso al no estar sujeta a una ordenación regular impuesta por
los muros de carga.
 uso de ventanas apaisadas continuasen desarrollo horizontal, mayor
iluminación.
 terrazas en lugar de azoteas: allí se ubican solarios, pistas de tenis,
piscinas, jardines.
Su objetivo es tomar al hombre como medida de todos los objetos,

inclusive de las viviendas. Por esto escribe su obra "El Modulor".
Considera que la vivienda es una "máquina de habitar", se elimina todo lo

superfluo y se aumenta al máximo la comodidad, condición necesaria
para una existencia adecuada del hombre.
Construcciones en Chandigarh. India. (1950) Le Corbusier
Neoplasticismo
Es un movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet Mondrian.

También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo

con el constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte

abstracto y las demás vanguardias (especialmente al cubismo y al
futurismo).
Proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de

llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como
consecuencia, universal. Artistas y arquitectos agrupados alrededor de la
revista Stijl defendieron el orden claro y geométrico del movimiento
aplicando sus principios también en la construcción de edificios.
Un ejemplo claro de arquitectura neoplasticista es la Casa Schröder del

arquitecto holandés Gerrit Rietveld en colaboración con la Sra. Truus
Schröder-Schrader, quien encargó el proyecto para lo que fue su
residencia, y la de sus tres hijos, hasta su muerte en 1985. El requisito
principal era un diseño preferiblemente sin paredes. En esta obra podemos
constatar a simple vista los elementos esteticos que caracterizan a esta
vanguardia, ya sea por el manejo de lineas horizontales y verticales, el
manejo de planos, ademas del uso de colores primarios,negro,blanco,y
grises.
La casa Rietveld Schröder 1924 Gerrit Rietveld

Constructivismo
El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió

en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la
Revolución de Octubre. Sostiene que el artista debe buscar la renovación
artística, y dedicarse a actividades útiles para la comunidad, como ser: la
arquitectura, la producción industrial, el diseño publicitario, la tipografía,
etc.
Vladimir Tatlin - Monumento a la III Internacional (maqueta) 1917
El Constructivismo se destacó por su carácter utilitario y al servicio de la

revolución. Los artistas buscaron producir cosas útiles, en las áreas de
diseño industrial, comunicación visual y artes aplicadas al servicio de la

nueva sociedad comunista. La imagen más representativa del movimiento

fue el Monumento a la III Internacional de Tlalín.
El Constructivismo coincide con las características de diferentes

vanguardias como el Cubismo, el Futurismo, el Suprematismo y el
Dadaísmo.
Se destacó por:
- Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso

para elaborar el producto son de gran importancia.
- Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño

industrial.
- Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas

matemáticamente.
- Se dedicaron a l diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía,

arquitectura interior, propaganda, ilustraciones, etc.
- La obra se comunica con el espacio que la rodea o penetra. Se valora la

simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz.
- La misma consta de elementos (frecuentemente transparentes) de formas

geométricas, lineales y planas.
- Hace hincapié en lo abstracto, pero relacionado con la industria y la

técnica.
- Estilo basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas.
- Los objetos son geométricos y funcionales.
- Rechaza al arte burgués. Se evitó el ornamento.
- Materiales simples: madera, metal, yeso, alambre, plástico, cartón, vidrio y

elementos modernos que simbolizan el progreso.
- Uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (tanto en
afiches como en objetos).

- Para la decoración se emplean motivos suprematistas, o sea formas

geométricas sobre un fondo blanco y plano (como en el caso de la
cerámica).
Los constructivistas se dedicaron al diseño de muebles e indumentaria,

decorados teatrales, exposiciones y todo lo relacionado con la ingeniería y
la arquitectura. El constructivismo llegó a Europa occidental gracias al
Lissitzky, e influenció al movimiento De Stijl, al desarrollo del arte concreto,
del minimalismo y de la arquitectura moderna (particularmente en las
construcciones de hormigón armado).
Expresionismo
La arquitectura expresionista fue un movimiento arquitectónico que se

desarrolló en Europa durante las primeras décadas del siglo XX, en paralelo
al Expresionismo.
A pesar de que la arquitectura expresionista fue individualista y,

generalmente, carente de dogmas, se pueden establecer una serie de
criterios objetivos que la definen. Dentro de las múltiples obras
expresionistas que hoy se conocen, e independientemente de las grandes
diferencias que entre ellas hay, también se pueden ver aspectos comunes:
 Distorsión de las formas para suscitar la emoción.

 Subordinación del realismo de las expresiones simbólicas y estilísticas,
frente a la experiencia interior.
 Búsqueda implícita de la novedad, la originalidad y el visionismo.
 Profusión de los esquemas y trabajos en papel o maquetas, con una
exploración y representación del concepto más profunda que la
construcción misma.
 Soluciones híbridas, no necesariamente simplificables a un único
concepto.
 Temática romántica de los fenómenos naturales, como las grutas, las
montañas, los rayos, el cristal o las rocas, dotando a la arquitectura
expresionista de un carácter más mineral que vegetal o animal,
característica presente también en el modernismo.
 Uso del potencial creativo del artesano.
 Cercanía del estilo gótico, románico y rococó frente al clasicismo.

 Simbiosis entre el carácter de las culturas occidental y oriental, visible

en el empleo de influencias de culturas tan variadas como el
islámico, Egipto, la India, o las arquitecturas romana o griega.
 Concepción artística de la arquitectura.
La arquitectura expresionista se desarrolló principalmente en Alemania,

Países Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca. Se caracterizó por el
uso de nuevos materiales, suscitado en ocasiones por el uso de formas
biomórficas o por la ampliación de posibilidades ofrecida por la
fabricación en masa de materiales de construcción como el ladrillo, el
acero o el vidrio. Muchos arquitectos expresionistas combatieron en la
Primera Guerra Mundial, y su experiencia, combinada con los cambios
políticos y sociales producto de la Revolución alemana de 1918,
desembocaron en perspectivas utópicas y un programa socialista
romántico. La arquitectura expresionista recibió la influencia del
modernismo, sobre todo de la obra de arquitectos como Henry van de
Velde, Joseph Maria Olbrich y Antoni Gaudí. De carácter fuertemente
experimental y utópico, las realizaciones de los expresionistas destacan por
su monumentalidad, el empleo del ladrillo y la composición subjetiva, que
otorga a sus obras cierto aire de excentricidad.
Pabellón de Cristal para la Torre Einstein (1919-22), de Erich

Exposición de Colonia de 1914, de Mendelsohn, Potsdam.
Bruno Taut.

Organicismo
La arquitectura orgánica u organicismo arquitectónico es una filosofía de

la arquitectura que promueve la armonía entre el hábitat humano y el
mundo natural. Mediante el diseño busca comprender e integrarse al sitio,
los edificios, los mobiliarios, y los alrededores para que se conviertan en
parte de una composición unificada y correlacionada. Los arquitectos
Gustav Stickley, Antoni Gaudí, Frank Lloyd Wright, Alvar Aalto, Louis Sullivan,
Bruce Goff, Rudolf Steiner, Bruno Zevi, Hundertwasser, Samuel Flores Flores,
Imre Makovecz y Antón Alberts son los mayores exponentes de la
denominada arquitectura orgánica.
El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del

funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse promovido
fundamentalmente por los arquitectos escandinavos en la década 1930-40
y por el arquitecto americano Frank Lloyd Wright. El movimiento acepta
muchas de las premisas del racionalismo, como son la planta libre, el
predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incorporación a la
arquitectura de los adelantos de la era industrial, pero procura evitar
algunos de los errores en que cae el racionalismo y aportar nuevos valores
a la arquitectura.
Pueden considerarse a Erik Gunnar Asplund en Suecia y a Alvar Aalto en

Finlandia como los principales propugnadores de esta corriente, cuyas
ideas fundamentales podrían resumirse de la forma siguiente:
1) Una mayor preocupación por la vida del hombre. Se mira más al

hombre, al que ha de servir la arquitectura, que a la propia arquitectura.
La atención del arquitecto no debe limitarse a las estructuras y a la
disposición de los ambientes, sino que debe extenderse a los problemas
psicológicos y vitales del hombre.
2) Una nueva conciencia de los espacios internos: aunque la arquitectura

racionalista propugna una adaptación de los volúmenes a las necesidades
de planta, esos volúmenes están dominados por un estilo cubista, de
formas tetraédricas, en- las que se encajan las necesidades, buscando
además con ello una simplificación estructural y constructiva. Asplund,
Aalto y sus escuelas comienzan por el estudio de los ambientes, de los
recorridos, de los movimientos del hombre y llegan a la creación de los
espacios que consideran más indicados, a los que se les proporciona una

envolvente apropiada. Las soluciones técnicas y estructurales deben

ceñirse a esos espacios, dando lugar normalmente a formas más
complicadas, no repetidas, económicamente más costosas y difíciles de
industrializar. En este aspecto, el organicismo abandona uno de los
postulados del racionalismo, creando en cambio, cuando es bien
interpretado, realizaciones más jugosas y humanas. Las obras de los
grandes arquitectos orgánicos son mucho más personales y difíciles de
imitar, y por lo tanto es más propio hablar de un planteamiento que de un
estilo de arquitectura orgánica. Como obras maestras de la arquitectura
orgánica podemos citar la biblioteca de Viipuri (1930) y el pabellón
finlandés en la Exposición de Nueva York de 1939, ambos de Aalto; la
ampliación del Ayuntamiento de Goteborg (1937) de E. Asplund, y la casa
de Taliesin West, en Arizona, de F. Lloyd Wright.
Museo Guggenheim de Nueva York, diseñado por Frank Lloyd Wright 1959

Casa de la cascada (Residencia Kaufmann) Frank Lloyd Wright 1939
Regionalismo
La arquitectura regionalista es una corriente arquitectónica que aparece

en España en un periodo que comprende finales del siglo XIX y comienzos
del siglo XX. Corre pareja a otras corrientes historicistas en las que se
emplean, a modo de recuerdo evocador, modelos arquitectónicos del
pasado. En muchos casos es entendido como un historicismo localista. Se
caracteriza por plasmar arquitectónicamente una característica estética
de un lugar. A comienzos de siglo XX la arquitectura española se
encontraba en pleno debate de elegir un estilo arquitectónico que diera
una identidad nacional. Entre estos debates existían ejemplos de
arquitecturas que buscaban igualmente la identidad de las regiones de

España. La tendencia dominante de esta corriente se mostró durante el

primer cuarto del siglo XX y finalizó con la Guerra Civil española.
La idea era la de plasmar arquitectónicamente la esencia artística de las

regiones. Uno de sus promotores iniciales fue el arquitecto e historiador de
la arquitectura Vicente Lampérez y Romea, presidente de la Academia de
Arquitectos Españaoles. Surge como rechazo al modernismo
arquitectónico. La acepción tuvo diferente difusión en las regiones
españolas. En cada caso se adoptan estilos populares arquitectónicos,
bien sea inspirándose en la estética lugareña o regional (bien sea en el
estilo constructivo como en el la ornamentación), bien sea mediante el
empleo de los materiales constructivos. La Exposición Universal de París de
1900 expuso en el Pabellón Español (diseñado por José Urioste) lo que sería
un primer intento nacional de marcar una tendencia estilística. Dando
lugar a un neoplateresco inspirado en elementos constructivos de palacios
salmantinos.
Alcanza su punto álgido en las exposiciones intenacionales de 1929: la

exposición Iberoamericana de Sevilla, y la internacional de Barcelona. El
primero dio lugar a un ensalzamiento del regionalismo historicista en
Andalucía, así como de otras regiones españolas.
Plaza de España (Sevilla) Aníbal González 1929
Posmodernismo
La Arquitectura postmoderna es una tendencia que se inicia en los años

1950, y comienza a ser un movimiento a partir de los años 1970,
continuando su influencia hasta la arquitectura de nuestros días. El

postmodernismo se dice que está anunciado por el regreso de "el ingenio,

el ornamento y la referencia" de la arquitectura, en respuesta al formalismo
causado por el Estilo Internacional del movimiento moderno. Al igual que
con muchos movimientos culturales, algunas de las ideas más
pronunciadas y visibles del postmodernismo se pueden ver en la
arquitectura. Las formas y espacios funcionales y formalizados del estilo
modernista se sustituyen por diversas estéticas: los estilos colisionan, la
forma se adopta por sí misma y abundan las nuevas formas de ver estilos
familiares y espacios. Quizás siendo lo más obvio, los arquitectos
redescubrieron el valor expresivo y simbólico de los elementos
arquitectónicos y las formas que se habían desarrollado través de siglos de
construcción, que habían sido abandonados por el estilo moderno.
Ejemplos de influencias a gran escala en la arquitectura postmoderna son

el Edificio Portland de Michael Graves en Portland (Oregón), y el Edificio
Sony (originalmente Edificio AT&T ) de Philip Johnson, en la Ciudad de
Nueva York, que toman prestados elementos y referencias del pasado y
vuelven a introducir el color y el simbolismo de la arquitectura.
La arquitectura postmoderna también es definida como "neoecléctica"

donde la referencia y el ornamento han vuelto a la fachada, en sustitución
de los estilos agresivos modernos sin ornamentos. Este eclecticismo se
combina frecuentemente con el uso de ángulos no ortogonales y
superficies inusuales. Las más destacadas en estos aspectos son la Nueva
Galería Estatal de Stuttgart de James Stirling y la Piazza d'Italia de Charles
Willard Moore. El Edificio del Parlamento de Escocia en Edimburgo también
se han citado como de moda posmoderna.
Los objetivos de la posmodernidad, incluyen la resolución de los problemas

del Modernismo, la comunicación de los significados con ambigüedad, y
la sensibilidad para el contexto del la construcción, están
sorprendentemente unidos por un período de edificios proyectados por
arquitectos que nunca colaboraron en gran medida entre sí. Los objetivos,
sin embargo, dejan espacio para diversas implementaciones que pueden
ser ilustradas por los diversos edificios creados durante el movimiento. Las
características del postmodernismo permite su propósito de ser expresado
de diversas maneras. Estas características incluyen el uso de formas
esculturales, adornos, antropomorfismo y materiales que llevan a cabo un
trampantojo. Estas características del significado son el pluralismo, la doble

codificación, los arbotantes y los techos altos, la ironía y la paradoja, y el

contextualismo.
Las formas esculturales, no necesariamente orgánicas, se han creado con

mucho ardor. Estos se pueden ver en el Museo Abteiberg(1972-1982) de
Hans Hollein. El edificio se compone de unidades de construcción diversas,
todas muy diferentes. Las formas de cada edificio no son como las que
conforman rígidas el modernismo. Estas formas son esculturales y son un
poco juguetonas. Las mismas no se reducen a un mínimo absoluto, sino
que se construyen y se forman por sí mismas. Las unidades de construcción
encajan entre sí de una manera muy orgánica, que realza el efecto de las
formas.
Vanna Venturi House, Robert Venturi 1964
Deconstructivismo
El deconstructivismo es un movimiento arquitectónico que nació a finales

de la década de 1980. Se caracteriza por la fragmentación, el proceso de
diseño no lineal, el interés por la manipulación de las ideas de la superficie
de las estructuras y, en apariencia, de la geometría no euclídea,1 (por
ejemplo, formas no rectilíneas) que se emplean para distorsionar y dislocar
algunos de los principios elementales de la arquitectura como la estructura

y la envolvente del edificio. La apariencia visual final de los edificios de la

escuela deconstructivista se caracteriza por una estimulante
impredecibilidad y un caos controlado. Tiene su base en el movimiento
teórico-literario también llamado deconstrucción. El nombre también
deriva del constructivismo ruso que existió durante la década de 1920 de
donde retoma alguna de su inspiración formal.
Algunos acontecimientos importantes en la historia del movimiento

deconstructivista fueron el concurso internacional del parisino Parc de la
Villette (especialmente la participación de Jacques Derrida y Peter
Eisenman2 y el primer premio de Bernard Tschumi), la exposición de 1988
del Museo de Arte Moderno de Nueva York Deconstructivist Architecture,
organizada por Philip Johnson y Mark Wigley, y la inauguración en 1989 del
Wexner Center for the Arts en Columbus, diseñado por Peter Eisenman. En
la exposición de Nueva York se exhibieron obras de Frank Gehry, Daniel
Libeskind, Rem Koolhaas, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Coop Himmelb(l)au
y Bernard Tschumi.
Desde dicha exposición muchos de los arquitectos asociados al

deconstructivismo se han distanciado del término. Sin embargo esta
denominación cuajó y su uso actual abarca una tendencia general de la
arquitectura contemporánea.
Originalmente, algunos de los arquitectos conocidos como

deconstructivistas estaban influidos por las ideas del filósofo francés
Jacques Derrida. Eisenman mantuvo una relación personal con Derrida,
pero de todas formas desarrolló su aproximación al diseño arquitectónico
mucho antes de hacerse deconstructivista. Según él, el deconstructivismo
debe considerarse una extensión de su interés por el formalismo radical.
Algunos seguidores de la corriente deconstructivista estaban también
influidos por la experimentación formal y los desequilibrios geométricos de
los constructivistas rusos. Hay referencias adicionales en el
deconstructivismo a varios movimientos del siglo XX: la interacción
modernismo/postmodernismo, expresionismo, cubismo y el arte
contemporáneo. El intento del deconstructivismo es liberar a la
arquitectura de las reglas modernistas, que sus seguidores juzgan
constrictivas, como «la forma sigue a la función» (“form follows function”),
«la pureza de la forma» y la «verdad de los materiales» (“truth on
materials”).

El deconstructivismo incluye ideas de fragmentación, procesos no lineales,

procesos de diseño, geometría no euclídea, negando polaridades como la
estructura y el recubrimiento. La apariencia visual de los edificios de este
estilo se caracteriza por un caos controlado. Muchos críticos del
deconstructivismo ven esto como un mero ejercicio formal con poco
significado social.
El Museo Guggenheim de Bilbao, España, de Frank Gehry, es uno de los

edificios más espectaculares del deconstructivismo. De contornos
orgánicos, trata de parecerse a un barco. Sus paneles brillantes de titanio,
que recuerdan a las escamas de un pez, reflejan el río Nervión.
Minimalismo
El concepto de minimalismo proviene por una tendencia donde se rescata

el concepto de lo “minimo“. Mies Van Der Rohe fue el pionero en esta
tendencia al proponer su famosa frase: “less is more” o “menos es mas” de
ahi deriva el termino y la tendencia de conseguir mucho con lo minimo
indispensable.
El minimalismo es la tendencia de reducir a lo esencial, sin elementos

decorativos sobrantes, para sobresalir por su geometria y su simpleza. Es la

recta, las transparencias, las texturas, es la funcionalidad y la espacialidad,

es la luz y el entorno.
La Arquitectura minimalista se expande con gran rapidez, gracias a la

simpleza de sus lineas. Una arquitectura simbolo de lo moderno que utiliza
la geometria elemental de las formas.
El minimalismo es un signo de nuestro tiempo, la arquitectura minimalista no

es fria es humana, pues destaca la naturaleza y la luz. En casi todos los
desarrollos modernos esta presente este estilo.
Vidrio, piedra, revoques rusticos, y maderas. Todo un conjunto de

materiales naturales combinados en composiciones de lineas rectas y
racionales.
En estas fachadas, hay una economica del lenguaje y los medios,

austeridad y sencillez en respuesta al momento actual. Pero no por ello las
fachadas minimalistas pierden protagonismo. Las casas minimalistas son
protagonistas por ellas mismas y no por una decoracion recargada.
El uso de la luz y la espacialidad son muy particulares en este estilo. La

armonia de materiales y formas distinguen a esta corriente presente en
todas las manifestaciones del arte.
En todas las fachadas sobresalen las lineas rectas y bloques de formas

puras y simples. Desde el color se tiende a la monocromia de tonos suaves
predominando el blanco y el crudo. Siempre creando contrastes de
materiales y texturas diferentes.
La arquitectura minimalista utiliza ambientes monocromáticos. Una ruptura

en el minimalismo puede estar dada por pintar una pared en un tono más
subido que el resto de la ambientación, aunque no permite cambios tan
osados como colores brillantes o muy alejados de los neutros (marrones,
beiges, tostados).

La Casa Farnsworth Ludwig Mies van der Rohe 1951
High tech
El high-tech (alta tecnología) es un estilo arquitectónico que se desarrolló

durante los años setenta. Toma su nombre del libro: The Industrial Style and
Source Book for The Home, publicado en 1978 por Joan Kron y Suzanne
Slesin. El libro muestra abundantes ejemplos de obras donde priman los
materiales industrializados particularmente utilizados en techos, pisos y
muros.
Otro término utilizado para identificar este estilo es el de Tardo Modernismo,

de cualquier forma, inicialmente la arquitectura High Tech implicó una
revitalización del Movimiento Moderno; un desarrollo natural de las ideas
precedentes pero apoyado en la innovación y la tecnología. Este período
hace de puente entre el Movimiento Moderno y el Postmodernismo; se
insinúa en uno de esos períodos grises donde no hay un límite claro entre el
fin de un período y el inicio de otro. Podría decirse que se retoma un estilo
que agonizaba como el Movimiento Moderno, se lo reinterpreta a partir de
darle una fuerte imagen tecnológica y se lo lanza persistiendo hasta el
presente.

Había una desilusión creciente en la arquitectura moderna sobre el

progreso y evolución de dicho estilo. La concreción de los proyectos de
desarrollo urbano propuestos por Le Corbusier, condujo a una ciudad
terriblemente monótona. Más cuando eran realizados en forma
estandarizada. El entusiasmo por la construcción de edificios económicos
condujo a la concreción de edificios con calidad de terminaciones
extremadamente bajas. Muchos de los barrios residenciales diseñados
degeneraron en sitios donde reinaba la disgregación social, la violencia y
la delincuencia a lo largo del mundo. Como consecuencia la gente se
desilusiona respecto de la imagen de progreso que se le proponía y en el
mundo occidental comenzó a reconocerse el error que se había
cometido.
De cualquier forma el desarrollo de la Arquitectura Moderna prevaleció y

la sociedad se apropió de la estética moderna. Tomó además elementos
del Movimiento Metabolista de los ´60 donde la tecnología llegaba al
extremo de imaginar edificios y ciudades de Ciencia ficción. En estas ideas
destacaron el grupo Archigram y arquitectos japoneses enrolados en el
Metabolismo, como Kenzō Tange, Kiyonori Kikutake, Kishō Kurokawa y otros.
Esto era de esperarse ya que los edificios modernos eran muy blandos y
flexibles y la novedad de su aspecto estético se había adoptado. El High
Tech es una respuesta a esto y crea una estética muy nueva: glorificando
la fascinación por la continua innovación tecnológica.
La Sede central del HSBC

(Hong Kong) de Norman
Foster, es un ejemplo de
arquitectura High Tech 1985

Definitivamente existen factores importantes rescatables en cada una de

las anteriores tendencias, como por ejemplo en el racionalismo son la
función y el orden; en el regionalismo por su adaptación al medio, siendo
éste último. Dentro del Neoplasticismo y el Minimalismo, los cuales retoman
y conjugan el arte y la limpieza respectivamente, resulta indispensable
mencionarlos, ya que esto hace que el conjunto de nuestras ideas y
pensamientos se caractericen por una heterogeneidad invisiblemente
unificada por la sólida estructura intelectual de un discurso, indagando en
torno a nuestra propia búsqueda de la arquitectura.
Sin embargo, la mayoría de las tendencias suelen caer en los extremos y

se pierde el equilibrio, que por definición se busca en la arquitectura,
cuando se considera que dicho equilibrio debiera buscarse, más que en
los colores o la volumetría del proyecto. La arquitectura debe plantearse
como un discurso o bien como un diálogo entre el mundo, el cliente, y su
propio creador, en donde se pretende jugar con las sensaciones que
producen los espacios, entre elementos tales como la luz, sombras, alturas,
formas, texturas etc., creando todo esto un ambiente particular.
Todos y cada uno de los elementos que componen la creación

arquitectónica, son importantes, pero no se deben dejar de lado los
principios básicos de la arquitectura mencionados anteriormente, (función,
limpieza, arte y orden), al final de cuentas la arquitectura es la fusión de
todos esos detalles. No se busca una categoría más, sino resaltar la
arquitectura misma, se busca ser arquitectos de la modernidad, de
ninguna manera representantes paradigmáticos de las tendencias, bajo
las que se ha intentado definir el comportamiento de la arquitectura en los
últimos tiempos. Es importante hacer esfuerzos por hacer una arquitectura
permanente. El ejercicio del oficio debe ser un antídoto contra la
insensibilidad y el afán mercantilista, que al final de cuentas eso es lo que
siguen las tendencias.
Sobre la Tendencia Arquitectónica. Cuatro puntos nodales.
1. La arquitectura no es sólo construcción, se compone de memoria, de

sonido, del movimiento de las personas, de luz, del crecimiento de
vegetación o el curso del agua…. La arquitectura es operar técnica e
intelectualmente desde el conocimiento arquitectónico para reflexionar y
obrar sobre él.

2. La arquitectura no distingue si el lugar está construido o no, la forma de

cada uno de sus edificios son consecuencia de la conclusión de un
proceso de trabajo con todos los ingredientes y argumentos que integran
su condición específica. Esto hace que el conjunto de nuestras ideas y
pensamientos se caractericen por una heterogeneidad invisiblemente
unificada por la sólida estructura intelectual de un discurso, indagando en
torno a nuestra propia búsqueda de la arquitectura.
3. Es importante encaminar nuestros esfuerzos a producir una arquitectura

preocupada por encontrar obras permanentes, proyectos sólidos, que
trasciendan en el tiempo; que verdaderamente resuelvan problemas. El
ejercicio de nuestro oficio debe constituirse en antídoto contra la
insensibilidad y el afán mercantilista.
4. Estoy en contra de hacer una categoría más que la de la arquitectura

misma. Somos arquitectos de la modernidad, no somos el representante
paradigmático de las tendencias bajo las que se ha tratado de definir el
comportamiento de la arquitectura de las últimas décadas.
Estilo: Los estilos arquitectónicos es la clasificación arquitectónica en los

términos de forma, técnicas, materiales, período, región, etc. Surgen del
estudio de la evolución y la historia de la arquitectura. El estilo
arquitectónico es una manera de clasificar la arquitectura que da énfasis a
las características del diseño.
Antigüedad Divisiones
 Arquitectura de Mesopotamia / Sumeria

 Arquitectura egipcia
 Arquitectura asiria
 Arquitectura de Babilonia / Caldea
 Arquitectura etrusca
 Arquitectura minoica
 Arquitectura micénica
 Arquitectura egea
 Arquitectura medo-persa
Antigüedad Clásica Divisiones
 Arquitectura griega clásica

 Arquitectura romana

Estilos Medievales
 Arquitectura paleocristiana
 Arquitectura visigoda
 Arquitectura merovingia
 Arquitectura islámica
 Arquitectura mozárabe
 Arquitectura bizantina
 Arquitectura mudéjar
 Arquitectura románica
 Arquitectura cisterciense
 Arquitectura gótica
Edad Moderna estilos
 Arquitectura renacentista
 Arquitectura barroca
 Arquitectura rococó
 Arquitectura neoclásica
Edad Contemporánea estilos
 Arquitectura historicista
 Arquitectura del hierro y Arquitectura de cristal
 Arquitectura ecléctica
 Arts & Crafts
 Modernismo o Art nouveau
 Escuela de Chicago
Siglo XX estilos
Primera mitad del siglo:
 Art decó
 Arquitectura moderna
 Bauhaus
 Constructivismo ruso
 Arquitectura orgánica
 Estilo Internacional
 Arquitectura brutalista
Segunda mitad del siglo hasta la actualidad:

 Arquitectura postmoderna
 Arquitectura deconstructivista
 Arquitectura High Tech
Neoclasicismo
Al Clasicismo que floreció entre 1750 y 1830, se lo conoce como

Neoclasicismo para distinguirlo de la arquitectura clásica de la antigua
Roma del Renacimiento.
Este período se caracteriza por la grandilocuencia de escala, la geometría

organizacional muy estricta, la simplicidad de las formas geométricas, el
uso de detalles Greco- romanos, el uso dramático de las columnas para
articular los espacios interiores y una preferencia por las paredes desnudas
de ornamentación y el contraste de volúmenes formales y texturas.
Fue un estilo que poseía nostalgia por las civilizaciones pasadas y su

intención era recrear el orden y la razón a través de la adopción de formas
clásicas.
Capitolio de los Estados Unidos Frederick Law Olmsted 1800
Barroco
El término Barroco, se aplica al arte Europeo del período que va desde el

siglo XVII a mediados del XVIII.
El arte Barroco estaba esencialmente involucrado con lo dramático y lo

ilusorio, con los colores vivos, con recursos de iluminación, con los
materiales lujosos y elaborados y con superficies de texturas contrastantes

que se utilizaban para contrarrestar la sensualidad.
A través de la arquitectura, se propagaban la fe en el estado y en la

iglesia.
El Barroco, se desarrolló en dos corrientes diferentes en función de las

religiones imperantes: las Católicas y las Protestantes.
Durante el período que se da entre el 1700 y 1780, se dieron varias

corrientes de arte post Barroco como el Rococó. Se reemplazaron los
colores vívidos por los colores pastel, la luz difusa inundó los edificios y
relieves violentos fueron reemplazados por otros más suaves remarcando
solo puntos determinados.
Basilica de San Pedro 1506: Bramante, en colaboración con Giuliano da

Sangallo.

LA CONFORMACIÓN DE UN ESTILO PERSONAL EN EL DISEÑO

¿Para qué un estilo personal para diseñar?
Cómo conformar un estilo personal
DISEÑO CANÓNICO
Qué son los cánones
Se conoce con el nombre de canon a ciertos preceptos, disposiciones o

catálogos. Este vocablo latino de origen griego suele hacer referencia a un
modelo de características perfectas (“Actuó de acuerdo a los cánones de
la empresa”) y a los pagos de obligación periódica que gravan servicios o
productos. Por citar un ejemplo práctico: “El canon impulsado por el
gobierno español para gravar los productos digitales es rechazado por una
gran parte de la población”.
Canon, por otra parte, es un concepto con múltiples aplicaciones dentro

del ámbito de la religión. Por canon, por ejemplo, se conoce a la
reglamentación que un concilio de la Iglesia católica fija en relación al
dogma, al catálogo de las obras sagradas para el culto católico, al libro
que usa el obispo al dar misa y a la parte de la misa que concluye con el
rezo del Padre Nuestro.
El canon de belleza, en cambio, engloba a los rasgos que una sociedad

considera como atractivos, deseables o bonitos. Así como la moda, estos
estándares cambian constantemente, y tienden a volver a sus raíces; un
estilo de ropa usado en los años cincuenta es considerado antiguo hasta
que, medio siglo más tarde vuelve a imponerse.
Para el derecho, el canon constituye el precio que se debe abonar a

cambio del arrendamiento rústico de un inmueble y la cantidad que se
debe aportar al Estado de manera periódica por una determinada
concesión.
Canon Inc., por último, es una reconocida compañía japonesa fundada

en 1933 y especializada en la producción de cámaras fotográficas,
impresoras y otros dispositivos tecnológicos.
Entre los fanáticos del cine y los videojuegos, por otro lado, es muy común
oír el término “canónico” para referirse a aquellos eventos que son
considerados como parte de la historia original, que responden a los

orígenes de una saga o serie de títulos, y que no fueron incluidos a la
fuerza, sea por cambio de guionistas o por cuestiones de mercado. Se
refiere a un dato cuya pertenencia al universo de una determinada obra
no pueda ser negada de ninguna forma, por excelente que sea el
argumento utilizado.
El canon musical
En la música, por canon se entiende a la composición polifónica en la cual

las voces se introducen de manera sucesiva, cada una imitando al canto
que le antecede. La voz original se denomina propuesta; a una cierta
cantidad de compases de distancia, comienzan las voces que se conocen
como respuesta.
A fines del siglo XVII, el compositor alemán Johan Christoph Pachelbel

escribió una de sus obras más recordadas: el Canon en Re mayor para tres
violines y bajo continuo. Esta pieza goza de gran popularidad tanto en el
ambiente académico como en el popular, y sin duda colaboró
considerablemente con la aceptación del canon como tipo de
composición.
Otros grandes compositores, como Haydn y Mozart, han escrito cánones

en sus obras, aunque Bach llevó esta forma a su esplendor, el cual se fue
perdiendo con la llegada del romanticismo, donde el texto y el mensaje
cobraron más importancia que las melodías.
Según las transformaciones que sufran las voces, se distinguen varios tipos
de canon, entre los que se encuentran:
* Canon circular: también llamado infinito, es aquél donde la repetición

podría no acabar jamás, dada su estructura;
* Canon en espiral: en cada respuesta, se produce una modulación con

respecto a la voz anterior, dificultando mucho su ejecución, sobre todo si
se trata de una pieza cantada;
* Canon de movimiento contrario: la repetición es la inversión de cada

intervalo del tema canónico, donde en general se mantiene el tipo de
intervalo diatónicamente, lo cual no garantiza que la distancia tonal
resultante sea la misma. Un claro ejemplo es tomar la línea DO RE y generar

el canon DO SI, donde la segunda mayor se convierte en una segunda

menor, ya que entre DO y RE hay dos semitonos y entre DO y SI, uno solo.
El Hombre de Vitrubio de Leonardo da Vinci
El Hombre de Vitrubio es un famoso

dibujo acompañado de notas
anatómicas de Leonardo da Vinci
realizado alrededor del año 1490 en
uno de sus diarios. Representa una
figura masculina desnuda en dos
posiciones sobreimpresas de brazos
y piernas e inscrita en una
circunferencia y un cuadrado (Ad
quadratum). Se trata de un estudio
de las proporciones del cuerpo
humano, realizado a partir de los
textos de arquitectura de Vitrubio,
arquitecto de la antigua Roma, del
cual el dibujo toma su nombre.
También se conoce como el Canon
de las proporciones humanas.
El interés por las proporciones

humanas fue una de las primeras
preocupaciones estéticas del arte
clásico. Para afrontar este reto
artístico se establece una
proporción entre la altura total del
cuerpo humano y el alto de su
cabeza. Esta proporción o canon
puede entenderse como cuantas
cabezas cabe en la altura del
cuerpo.
Para los artistas griegos del periodo clásico, el canon trascenderá la

observación empírica y llegara hacer un concepto ideal, es decir, una

norma que indicaba como debían ser las proporciones de un cuerpo

humano ideal y armónico.
Pueden apreciarse el canon de Policleto, que varia entre 7 y 8 cabezas

sobre la estatura. Sin desarrollar el concepto en tratados escritos, ya los
egipcios utilizaron en la práctica el canon para la representación
escultórica de la figura humana, pero en lugar de tomar la cabeza como
módulo, lo hicieron con el puño, de forma que los cuerpos tenían de alto
18 veces el tamaño del puño, distribuido proporcionalmente en distintas
partes del cuerpo (dos para el rostro, diez
desde los hombros a la rodillas y seis desde
éstas hasta los pies).
En la edad contemporánea, el arquitecto

francés Le Corbusier creó un nuevo canon
de proporciones humanas al que denominó
modulor (2,26 metros de altura), para aplicar
tanto en la construcción de edificios como
en el diseño de mobiliario y objetos
comunes.
Canon de belleza
El canon de belleza es el conjunto de aquellas características que una

sociedad considera convencionalmente como bonito, atractivo o
deseable, sea en una persona u objeto. Es históricamente variable y no es

común a las diferentes culturas. Esta belleza del atractivo personal es lo
que ha atraído el interés de múltiples pensadores a lo largo de toda la
historia.
Canon de perfil
El Canon de perfil es la denominación de la manera característica

empleada por los antiguos egipcios en
las representaciones de figuras humanas
y dioses en bajorrelieves, frescos o
papiros.
Es una de las convenciones más

singulares del arte del antiguo Egipto
consistente en dibujar de perfil la
cabeza, brazos y piernas, mientras que
los ojos y el tronco son representados de
frente.
Aparentemente esta forma de

representación podría asociarse a la
incapacidad o ingenuidad del
dibujante, pero en realidad existen
razones simbólicas para comprender
esta técnica pictórica.

Dibujado de perfil, el rostro muestra mejor sus rasgos más característicos y

reveladores, que si fuese representado de frente. Igual sucede con el resto
de las partes del cuerpo humano, como los ojos y el tórax, que se
representan de frente, y los brazos y piernas de perfil.
Cánones históricos
El diseño formal o Formalismo
 La forma. es la apariencia sensible de las cosas y la forma artística es la

que surge de las manos del artista creador. En el proceso de creación, la
forma se une a la materia sin la cual, como dijimos anteriormente, la
primera no existiría.
 El formalismo. intenta enfatizar la arquitectura como trabajo intelectual,
una arquitectura con premisas formales y por tanto resultados formales.
Se trata de una neutralización estilística, evitando la expresión simbólica.
Esta arquitectura no debe tener significado.
Filosofía del Formalismo
Este concepto intenta enfatizar la

arquitectura como trabajo intelectual,
una arquitectura con premisas formales
y por tanto resultados formales. Se trata
de una neutralización estilística,
evitando la expresión simbólica. Esta
arquitectura no debe tener significado.
En esta primera etapa de Eisenman,
hay una exploración profunda de la
disciplina, persiguiendo ansiosamente
la estructura interior de una arquitectura atemporal y autónoma, donde
por ejemplo: las primeras
casas se distanciaban de
sus emplazamientos y se
daban a conocer en
fotografías en blanco y
negro. La arquitectura,
como todas las artes
plásticas, presenta unas
determinadas formas físicas
plasmadas en diferentes materiales. En la arquitectura estas formas son

puras, no figurativas, salvo en el caso de elementos decorativos, por lo que
han de ser valoradas por ellas mismas, sin cabida para la interpretación a
base de identificadores con la realidad y la apariencia, como Ocurre con
determinadas tendencias de la pintura y la escultura.
Rudolf Arnheim, por ejemplo, propone un análisis

basado en la mera percepción: «Un edificio es
en todos sus aspectos un hecho del espíritu
humano. Una experiencia de los sentidos, de la
vista y del sonido, tacto y calor, frío y
comportamiento muscular, así como de los
pensamientos y esfuerzos resultantes». En
definitiva, para Arnheim las formas tienen un
determinado efecto psicológico sobre quien las
contempla, efecto derivado de sus intrínsecas
cualidades expresivas: así, la línea horizontal comunica estabilidad, la
vertical es símbolo de infinitud, de ascensión.
Otro sistema de análisis formal es el de la visibilidad

pura de Heinrih Wölffin:
Quien realiza el análisis de cualquier obra de
arte a partir de cinco pares de conceptos
opuestos. Las parejas de conceptos mencionados
son las siguientes: lineal-pictórico, superficial-
profundo, forma cerrada-forma abierta,
pluralidad-unidad, claridad absoluta-claridad
relativa.
Arquitectura Lineal
La arquitectura lineal es aquella cuyas superficies están dominadas por la

línea, por las formas de contornos limpios y precisos. Nos hallamos frente a
una arquitectura lineal, por cuanto las formas están perfectamente
definidas, sin desdoblamientos ni sombras.

Parthenon, 448-431 a. C.
Atenas (Grecia).
Arquitectura Pictórica
La arquitectura pictórica, por su parte, actúa

en el interior, los elementos estructurales y
decorativos se articulan alcanzando una
perfecta continuidad visual. El estilo pictórico
en arquitectura logra su mayor intensidad en
los interiores.
Iglesia San Juan

Arquitectura Superficial Nepomuceno, 1733-1735.
Munich
La arquitectura superficial o plana es aquella que no ofrece sensación
alguna de profundidad, aun cuando verdaderamente la posea, dado que
se trata de una profundidad estructurada en
una serie de zonas, de diferentes planos
situados simplemente unos tras otros
Arquitectura con Profundidad
Podemos hablar de una arquitectura con

profundidad que evita las impresiones planas y
busca el efecto de relieve mediante la
intensidad de las perspectivas. Para
acentuarlas, utiliza la luz y las cesuras en los
ritmos del trayecto
Palacio neoclásico, siglo
XVII, Londres

Construcción que data del Siglo XVII, y

que diera el nombre a la región, "
Ciudadela".
Arquitectura con Forma Cerrada
Se caracteriza por la importancia dada a

la estructura, por la imposibilidad absoluta
de desplazamiento y por el uso de formas
delimitadas, bien cerradas. Todo ello
produce una sensación de plenitud, de
satisfacción. Es propio de este tipo de
arquitectura el elemento geométrico y
proporcionado, al igual que las formas
rígidas que les confieren impresión de
quietud y reposo.
Capilla de la familia Pizzi, obra de

Brunelleschi, siglo XV, Florencia
Arquitectura con Forma Abierta

Es la que, sin prescindir totalmente
del orden, quiere dar apariencia
de libertad. Juega con la
irregularidad y disfruta ocultando
la regla que la rige y que la
arquitectura cerrada, su opuesta,
gozaba en comunicar. Son formas
fluidas que parecen tomadas del
mundo orgánico, formas que
parecen haberse ablandado
totalmente, llenas por una nueva Casa Batlló, Barcelona
vida interior.

Arquitectura Plural
En la arquitectura plural cada forma se

expresa con autonomía y su belleza se
manifiesta con clara individualidad. Es
obvio que entre las diversas formas, aun
individualizadas, existe siempre una cierta
complicidad que les permite formar un
conjunto.
Actelion centro de negocios, Allschwil,

Suiza, 2005-2010. Herzog & de Meuron
Arquitectura Unitaria
La arquitectura unitaria es aquella en la que prima el efecto de conjunto

por encima de las formas singulares.
Las diversas partes de la composición
arquitectónica se funden en una sola
masa, en el seno de la cual es difícil
individualizarlas. Este tipo de
arquitectura tiende a acentuar
algunas de sus partes, como por
ejemplo un elemento preferente al
cual quedan subordinados los
motivos restantes.
Museo Guggenheim, obra de F.L. Wright, 1956-1959, Nueva York
Claridad Absoluta
La forma se presenta de manera abierta, en

un contexto ordenado, de proporciones
geométricas fácilmente, de inmediata
comprensión. Un ejemplo de este tipo de
arquitectura nos los brinda aquella para la
cual la belleza es sinónimo de formal.

Claridad Relativa
En estas arquitecturas, la luz, el color,

las sombras y las formas complejas
forman un todo unitario que dificulta
su inmediata comprensión.
Teatro de la Residencia, de François

Cuvilliés, 1751-1753, Munich
Elementos Formales y Compositivos
Siguiendo a Wölfflin, hemos visto que pueden hacerse diversas lecturas de

las formas arquitectónicas y de la manera en que se articulan, pero
¿cuáles son estas formas?, ¿configuran lenguajes diferentes?, ¿cuáles son
éstos?. El lenguaje arquitectónico más antiguo, mejor codificado y más
extendido, tanto temporal como geográficamente, es el lenguaje clásico.
El Lenguaje clásico surge con la arquitectura griega y romana, por mínima
que ésta sea, a los órdenes antiguos. Orden es la sucesión de las diversas
partes pertenecientes al soporte y a la cubierta, según reglas referidas a la
forma, a la escala y a la decoración. En Grecia aparecieron los órdenes
dórico, jónico y corintio, que Roma complementó más tarde con el
toscano y el compuesto.

Frente a la constatación de la existencia de un lenguaje perfectamente

codificado que denominamos clásico, y a la no menos clara evidencia de
la realidad de otras manifestaciones arquitectónicas realizadas a partir de
otros códigos.
Gótico Futurismo Modernismo
Expresionismo Deconstrucción Minimalismo
Los teóricos se han planteado la necesidad de definir esos sistemas

formales, lo que permitiría la posibilidad de seguir construyendo «nueva
arquitectura» con más alternativas que las derivadas del lenguaje clásico.
Los lenguajes no clásicos única manera de referirnos a ellos de manera
global, presentan unas determinadas características que los diferencian
del clásico. Las más remarcables son las siguientes:
Las arquitecturas no clásicas: toman en consideración todas y cada una

de las soluciones posibles para cada elemento (ventanas, soportes,
cubiertas…) y eligen en cada ocasión la más idónea. Tratan los elementos
arquitectónicos como accidentes individuales sin preocuparse por la

igualdad ni por la simetría entre

ellos, remitiéndose únicamente a
sus necesidades específicas.
Perteneciente a la última época

de producción de Le Corbusier,
Nôtre-Dame-du-Haut (1950 – 1955.
Ronchamp, Francia) es una obra
profundamente personal.
Concebida como una inmensa
escultura, su influencia sobre el lenguaje moderno, no clásico, de la
arquitectura ha sido importantísima. Así por ejemplo, sus ventanas, por su
número y variedad ejemplifican uno de los invariantes de la arquitectura
moderna: la del catálogo o posibilidad de disponer de numerosas
soluciones entre las que elegir la solución adaptada a cada caso en
particular, sin estar obligados a la repetición o a
la simetría.
A lo largo de la historia los lenguajes no clásicos

han mostrado una clara tendencia a la asimetría
(Torre Einstein, de Erichi Mendelson, de 1920, en
Postdam,) frente a la rígida simetría del lenguaje
clásico (Palacio de Versalles, siglo XVII, Versalles).
Frente a la «bidimensionalidad» de los edificios

del lenguaje clásico, que por influencia de la
perspectiva «quattrocentista» parecen
construidos para ser contemplados desde un exclusivo punto de vista
frontal, los edificios no clásicos apuestan decididamente por la
tridimensionalidad. Estos edificios buscan los escorzos, las inclinaciones, se
rechaza el culto al ángulo de noventa grados (Casa Tasel, Bruselas, 1892-
1893, de Victor
Horta).
Durante el
Modernismo y
en especial en
las obras de
Víctor Horta, el
hierro es
utilizado como material estructural y decorativo. Hierro y vidrio permiten

estructuras de gran ligereza constructiva y de notable belleza formal, en la
que se imponen las formas sinuosas y ligeras de la denominada línea látigo.
En la Casa Tassel, Horta trata el hierro como si se tratara de una cinta o un
filamento vivo serpenteante, que halla su contrapartida en el carácter
macizo de los muros y de los volúmenes heredados de la tradición
arquitectónica de la primera mitad del siglo.
Si los volúmenes del lenguaje clásico son bloques macizos, rotundos,

recordemos por ejemplo Santa María Novella, los volúmenes en los edificios
que no utilizan el vocabulario clásico tienden a «descomponerse». Cada
parte del edificio, definido por su función, puede cobrar una cierta
independencia volumétrica, que se articula a posterior con las demás. Es el
caso del edificio de la Bauhaus, en Dessau, construido por Walter Gropius
en 1925, en el que los volúmenes correspondientes a habitaciones,
estudios, bibliotecas, etc. se articulan siguiendo una directriz quebrada. La
descomposición puede referirse asimismo a la planimetría del edificio,
como ocurre en el Pabellón Alemán de la Exposición Universal de
Barcelona de 1929, obra de Mies van der Rohe.
La descomposición planimétrica o volumétrica de los edificios conlleva

otro factor: al no disponer de un punto de vista único desde el cual se
pueda aprehender, comprender todo el edificio, el observador se ve
obligado a moverse, a desplazarse para captarlo en su totalidad. Este
movimiento o recorrido implica un tiempo y éste constituye la denominada
«temporalidad del espacio», identificable con la cuarta dimensión
aportada a la pintura por los cubistas. En el lenguaje clásico el movimiento
era innecesario, siempre existe un punto que nos da una visión completa y
clara del edificio.

En la actualidad los lenguajes no clásicos se ven auxiliados por las

innovaciones tecnológicas que permiten construir, por ejemplo, audaces
voladizos, desafiando la gravedad, y cubiertas a base de caparazones y
membranas (Pabellón Alemán de la Exposición de Montreal de 1967, por
Frei Otto), alternativas a las cubiertas planas o abovedadas.
Si bien es posible que estas características se den simultáneamente en un

mismo edificio, no es lo habitual. Estos rasgos son, en definitiva, unas reglas
contrarias a las que rigen la sintaxis del lenguaje clásico y que, por tanto,
están en la base de cualquier código no clásico.

Vanguardia, Tendencia y Estilo

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Vanguardia, Tendencia y Estilo

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PENSAMIENTO ARQUITECTONICO UNIDAD I

VANGUARDIA, TENDENCIA Y ESTILO

Vanguardia: En el terreno artístico la vanguardia es la «primera línea» de

Se define como el conjunto de personas o ideas que están más avanzadas

El término vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el desarrollo

Convirtiéndose así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos de la

Tomando literalmente el término implica la idea de lucha, de combate, de

La Vanguardia con relación al arte aparece por primera vez en el primer

Esto introduce otro concepto de vanguardia: Vinculación con actitudes

A fines del siglo XIX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario

Las Primeras Vanguardias en la Arquitectura

La arquitectura de principios del siglo XX rechazó las tendencias historicistas

Esta arquitectura del siglo XX responde a las necesidades de la nueva

Aparecen nuevos lenguajes arquitectónicos que responden a las nuevas

En el contexto del Movimiento Moderno hizo su aparición el Funcionalismo,

ITCG | INSTITUTO TECNOLOGICO DE LA COSTA GRANDE, ZIHUATANEJO GRO. 2

entonces que los edificios comerciales en altura surgieron a raíz de la

Escuela de Chicago (1870-1893)

Auditorium Building de Chicago Guaranty Building de Búfalo

Esta nueva propuesta llegó rápidamente a Europa, donde se presentó en

Considerado uno de los precursores del racionalismo o funcionalismo

ITCG | INSTITUTO TECNOLOGICO DE LA COSTA GRANDE, ZIHUATANEJO GRO. 3

La antigua Sastrería también conocido como Casa Loos, (Viena, 1910)

Fábrica Fagus Walter Gropius Pabellón alemán exposición

Internacional de Barcelona Mies Van

ITCG | INSTITUTO TECNOLOGICO DE LA COSTA GRANDE, ZIHUATANEJO GRO. 4

El defensor más importante del Funcionalismo, que planteabas sus

Publicó Los cinco puntos de la nueva arquitectura en 1916, libro en el que

 - La ventana a lo largo de toda la fachada (ventana cinta)

 - La terraza jardín plana.

Todos estos postulados se hicieron realidad en la Villa Saboya.

ITCG | INSTITUTO TECNOLOGICO DE LA COSTA GRANDE, ZIHUATANEJO GRO. 5

Corriente arquitectónica nacida en Estados Unidos y derivada del

Wright partió de las enseñanzas de Sullivan y la Escuela de Chicago, y por

Características de la arquitectura organicista

 Integración de la arquitectura en el paisaje, cuidando al máximo la

 La Casa Kaufmann o Casa de la Cascada constituye el paradigma

 Plasmación, a través de los elementos constructivos, de la psicología

 Influencia de la arquitectura japonesa: los espacios internos

ITCG | INSTITUTO TECNOLOGICO DE LA COSTA GRANDE, ZIHUATANEJO GRO. 6

Tendencia: Es un movimiento que se orienta en determinada dirección;

En términos generales, éstos suelen ser el reflejo de la sociedad actual,

Para poder hablar específicamente de las tendencias en arquitectura,

ITCG | INSTITUTO TECNOLOGICO DE LA COSTA GRANDE, ZIHUATANEJO GRO. 7

ambigua, ya que aún hoy en día, no se tiene una definición estandarizada

Vitruvio, el padre de la arquitectura, menciona que la arquitectura

La arquitectura se puede definir, entonces, como un equilibrio entre los

En cuanto a tendencias arquitectónicas, se encuentran muchas a lo largo

• Modernismo o art nouveau: Orgánico

• Constructivismo: Volúmenes y tecnología.

• Organicismo: Adecuación dentro y fuera.

• Regionalismo: Adecuación geográfica.

• Deconstructivismo : Caos geométrico, rompiendo función y forma.

• High tech: Tecnología y materiales aparentes.

Modernismo o Art Nouveau

El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la

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decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Se

Fachada de la casa Batlló, Barcelona, de Antonio Gaudí.

Se designa como funcional, en general, al arte que manifiesta un interés

Coincide con el Neoplasticismo en el afán de combinar espacios

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