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Música electrónica

Género musical

La música electrónica es aquel tipo de


música que emplea instrumentos
musicales electrónicos y tecnología
musical electrónica para su producción e
interpretación. En general, se puede
distinguir entre el sonido producido
mediante la utilización de medios
electromecánicos de aquel producido
mediante tecnología electrónica, la cual
también puede ser mezclada. Algunos
ejemplos de dispositivos que producen
sonido electro-mecánicamente son el
telarmonio, el órgano Hammond y la
guitarra eléctrica. La producción de
sonidos puramente electrónica puede
lograrse mediante aparatos como el
theremin, el sintetizador de sonido y el
ordenador.
Música electrónica
Orígenes culturales Finales del siglo XIX, a
comienzos del siglo XX
Instrumentos Instrumentos
comunes musicales electrónicos
Popularidad Alta en todo el mundo
Subgéneros
Música electroacústica, musique concrète,
música industrial, wonky, dub, ambient, bass,
breakbeat, chiptune, trip hop, downtempo, drum
and bass, electro, electrónica, EDM, EBM, IDM,
glitch, hardcore, house, synth pop, techno,
jungle dubstep, hardstyle, trance

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La música electrónica se asoció en su


día exclusivamente a una forma de
música culta occidental, pero desde
finales del año 1960, la disponibilidad de
tecnología musical a precios accesibles
propició que la música producida por
medios electrónicos se hiciera cada vez
más popular. En la actualidad, la música
electrónica presenta una gran variedad
técnica y compositiva, abarcando desde
formas de música culta experimental
hasta formas populares como la música
electrónica de baile.

Finales del siglo XIX hasta


comienzos del siglo XX

Telharmonium, Thaddeus Cahill, 1897.


La habilidad de grabar sonidos suele
relacionarse con la producción de
música electrónica, aunque esta no sea
absolutamente necesaria para ello. El
primer dispositivo conocido capaz de
grabar sonido fue el fonoautógrafo,
patentado en 1857 por Édouard-Léon
Scott de Martinville. Podía grabar
sonidos visualmente, pero no
reproducirlos de nuevo.[1]

En 1878, Thomas A. Edison patentó el


fonógrafo, que utilizaba cilindros
similares al aparato de Scott. Aunque se
siguieron utilizando los cilindros durante
algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el
fonógrafo de disco en 1887. Otro invento
significativo que posteriormente tendría
una gran importancia en la música
electrónica fue la válvula audión, del tipo
triodo, diseñada por Lee DeForest. Se
trata de la primera válvula termoiónica,
inventada en 1906, que permitiría la
generación y amplificación de señales
eléctricas, la emisión de radio, la
computación electrónica y otras variadas
aplicaciones.

Con anterioridad a la música electrónica,


ya existía un creciente deseo entre los
compositores de utilizar las tecnologías
emergentes en el terreno musical. Se
crearon multitud de instrumentos que
empleaban diseños electromecánicos,
los cuales facilitaron el camino para la
aparición de instrumentos electrónicos.
Un instrumento electromecánico llamado
Telharmonium (en ocasiones
Teleharmonium o Dynamophone) fue
desarrollado por Thaddeus Cahill entre
los años 1898 y 1912. Sin embargo,
como consecuencia de su inmenso
tamaño, nunca se llegó a adoptar. Se
suele considerar como primer
instrumento electrónico el Theremin,
inventado por el profesor Léon Theremin
alrededor de 1919–1920.[2] Otro primitivo
instrumento electrónico fue el Ondes
Martenot, que se hizo conocido al ser
utilizado en la obra Sinfonía Turangalila,
por Olivier Messiaen. También fue
utilizado por otros compositores,
especialmente franceses, como Andre
Jolivet.

Nueva estética de la música


En 1907, justo un año después de la
invención del triodo audión, Alexander
Iskenderian publicó Esbozo de una Nueva
Estética de la Música, que trataba sobre
el uso tanto de fuentes electrónicas
como de otras en la música del futuro.
Escribió sobre el futuro de las escalas
microtonales en la música, posibles
gracias al Dynamophone de Cahill: «Solo
mediante una larga y cuidadosa serie de
experimentos, y un continuo
entrenamiento del oído, puede hacerse
de este material desconocido uno
accesible y plástico para la generación
venidera y para el arte».

Como consecuencia de este escrito, así


como a través de su contacto personal,
Busoni tuvo un profundo efecto en
multitud de músicos y compositores,
especialmente en su discípulo Edgard
Varèse.

Futurismo
En Italia, el futurismo se acercó a la
estética musical en transformación
desde un ángulo diferente. Una idea de la
filosofía futurista era la de valorar el
"ruido", así como dotar de valor artístico y
expresivo a ciertos sonidos que
anteriormente no habían sido
considerados como musicales. El
Manifiesto Técnico de la Música Futurista
de Balilla Pratella, publicado en 1911,
establece que su credo es: «Presentar el
alma musical de las masas, de las
grandes fábricas, de los trenes, de los
cruceros transatlánticos, de los
acorazados, de los automóviles y
aeroplanos. Añadir a los grandes temas
centrales del poema musical el dominio
de la máquina y el victorioso reinado de
la electricidad».
El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi
Russolo publicó su manifiesto El arte de
los ruidos (original en italiano, L'arte dei
Rumori). En 1914, organizó el primer
concierto del "arte de los ruidos" en
Milán. Para ello utilizó su Intonarumori,
descrito por Russolo como
"instrumentos acústico ruidistas, cuyos
sonidos (aullidos, bramidos,
arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran
manualmente activados y proyectados
mediante vientos y megáfonos". En junio
se organizaron conciertos similares en
París.

1920-1930
Esta década trajo una gran riqueza de
instrumentos electrónicos primitivos, así
como las primeras composiciones para
instrumentación electrónica. El primer
instrumento, el Theremin, fue creado por
Léon Theremin (nacido como Lev
Termen) entre 1919 y 1920 en
Leningrado. Gracias a él se realizaron las
primeras composiciones para
instrumento electrónico, opuestas a
aquellas realizadas por los que se
dedicaban a crear sinfonías de ruidos. En
1929, Joseph Schillinger compuso su
Primera Suite Aerofónica para Theremin y
Orquesta, interpretada por primera vez
por la Orquesta de Cleveland y Leon
Theremin como solista.
Además del Theremin, el Ondes Martenot
fue inventado en 1928 por Maurice
Martenot, quien debutó en París.[3] El año
siguiente, Antheil compuso por primera
vez para dispositivos mecánicos,
aparatos productores de ruidos, motores
y amplificadores en su ópera inacabada
Mr. Bloom.

La grabación de sonidos dio un salto


cualitativo en 1927, cuando el inventor
estadounidense J. A. O'Neill desarrolló
un dispositivo para la grabación que
utilizaba un tipo de cinta recubierta
magnéticamente. No obstante, fue un
desastre comercial. Dos años más tarde,
Laurens Hammond abrió una empresa
dedicada a la fabricación de
instrumentos electrónicos. Comenzó a
producir el Órgano Hammond, basado en
los principios del Telharmonium, junto a
otros desarrollos como las primeras
unidades de reverberación.

El método foto-óptico de grabación de


sonido utilizado en el cine hizo posible
obtener una imagen visible de la onda de
sonido, así como sintetizar un sonido a
partir de una onda de el mismo.

En la misma época, comenzó la


experimentación del arte sonoro, cuyos
primeros exponentes incluyen a Tristan
Tzara, Kurt Schwitters y Filippo
Tommaso Marinetti entre otros.
1940-1950
Música concreta

Desde aproximadamente el año 1900 se


utilizaba el magnetófono de alambre
magnético de baja fidelidad, y a
comienzos de 1930 la industria
cinematográfica comenzó a convertirse a
los nuevos sistemas de grabación de
sonido ópticos basados en células
fotoeléctricas.[4] En esta época la
empresa alemana de electrónica AEG
desarrolla el primer magnetófono de
cinta práctico, el Magnetophon K-1,
revelado en el Berlin Radio Show en
agosto de 1935.[5]
Durante la Segunda Guerra Mundial,
Walter Weber redescubrió y aplicó la
técnica AC Bias, que incrementó
drásticamente la fidelidad de las
grabaciones magnéticas al añadir una
alta frecuencia inaudible. Extendió en
1941 la curva de frecuencia del
Magnetophon K4 hasta 10 kHz y mejoró
la relación señal/ruido hasta 60 dB,
sobrepasando cualquier sistema de
grabación conocido en aquel tiempo.

En 1942, AEG ya estaba realizando


pruebas de grabación en estéreo.[6] No
obstante, estos dispositivos y técnicas
fueron un secreto fuera de Alemania
hasta el final de la guerra, cuando varios
de estos aparatos fueron requisados y
llevados a Estados Unidos por Jack
Mullin. Estos sirvieron de base para los
primeros grabadores de cinta
profesionales que fueron
comercializados en Estados Unidos,
entre ellos el Model 200 producido por la
empresa Ampex.

La cinta de audio magnética abrió un


gran campo de posibilidades sonoras
para músicos, compositores,
productores e ingenieros. Esta era
relativamente barata y su fidelidad en la
reproducción era mejor que cualquier
otro medio de audio conocido hasta la
fecha. Cabe señalar que, a diferencia de
los discos, ofrecía la misma plasticidad
que la película: puede ser ralentizada,
acelerada o incluso reproducirse al revés.
Puede editarse también físicamente e
incluso pueden unirse diferentes trozos
de cinta en loops infinitos, que
reproducen continuamente
determinados patrones de material
pregrabado. La amplificación de audio y
el equipo de mezcla expandieron aún
más allá las posibilidades de la cinta
como medio de producción, permitiendo
que múltiples grabaciones fueran
grabadas a la vez en otra cinta diferente.
Otra posibilidad de la cinta era su
capacidad de ser modificada fácilmente
para convertirse en máquinas de eco,
produciendo así de modo complejo,
controlable y con gran calidad, efectos
de eco y reverberación, lo que es
prácticamente imposible de conseguir
por medios mecánicos.

Pronto los músicos comenzaron a


utilizar el grabador de cinta o
magnetófono para desarrollar una nueva
técnica de composición llamada música
concreta. Esta técnica consiste en la
edición de fragmentos de sonidos de la
naturaleza o de procesos industriales
grabados conjuntamente. Las primeras
piezas de esta música fueron creadas
por Pierre Schaeffer, con la colaboración
de Pierre Henry. En 1950, Schaeffer dio el
primer concierto de música concreta en
la École Normale de Musique de Paris.
Posteriormente, Pierre Henry colaboró
con Schaeffer en la Symphonie pour un
homme seul (1950), la primera obra
importante de música concreta. Un año
más tarde, RTF creó el primer estudio
para la producción de música
electrónica, lo que se convertiría en una
tendencia global. También en 1951,
Schaeffer y Henry produjeron una ópera,
Orpheus, para sonidos y voces
concretos.

Elektronische Musik
Karlheinz Stockhausen en el Estudio de Música
Electrónica de WDR, Colonia, en 1991

Karlheinz Stockhausen trabajó


brevemente en el estudio de Schaeffer en
1952 y posteriormente, durante muchos
años, en el Estudio de Música Electrónica
de la WDR de Colonia, en Alemania.

En Colonia, el que se convertiría en el


estudio de música electrónica más
famoso del mundo, inició actividades en
la radio de la NWDR en 1951, después de
que el físico Werner Meyer-Eppler, el
técnico de sonido Robert Beyer y el
compositor Herbert Eimert convencieran
al director de la NWDR, Hanns Hartmann,
de la necesidad de dicho espacio. En el
mismo año de su creación fueron
transmitidos los primeros estudios de
música electrónica en un programa de la
propia radio y presentados en los Cursos
de Verano de Darmstadt. En 1953 hubo
una demostración pública en la sala de
conciertos de la Radio de Colonia, donde
se dejaron escuchar siete piezas
electrónicas. Los compositores de los
estudios electrónicos eran Herbert
Eimert, Karel Goeyvaerts, Paul Gredinger,
Henry Pousseur y Karlheinz
Stockhausen.
El programa comprendía las siguientes
piezas:

Karlheinz Stockhausen: Estudio II


Herbert Eimert: Glockenspiel
Karel Goeyvaerts: Composición No. 5
Henry Pousseur: Sismogramas
Paul Gredinger: Formantes I y II
Karlheinz Stockhausen: Estudio I
Herbert Eimert: Estudio sobre mezclas
de sonido

En su tesis de 1949, Elektronische


Klangerzeugung: Elektronische Musik und
Synthetische Sprache, Meyer-Eppler
concibió la idea de sintetizar música
desde señales producidas
electrónicamente. De esta manera, la
Elektronische Musik se diferenciaba a
gran escala respecto a la Musique
concrète francesa, que utilizaba sonidos
grabados a partir de fuentes acústicas.

Con Stockhausen y Mauricio Kagel como


residentes, el estudio de música
electrónica de Colonia se convirtió en un
emblema del avant-garde o vaguardismo,
cuando se empezó ya a combinar
sonidos generados electrónicamente con
los de instrumentos tradicionales.
Ejemplos significativos son Mixtur (1964)
y Hymnen, dritte Region mit Orchester
(1967). Stockhausen afirmó que sus
oyentes decían que su música
electrónica les daba una experiencia de
"espacio exterior", sensaciones de volar,
o de estar en "un mundo de ensueño
fantástico".

Música electrónica

Aunque los primeros instrumentos


electrónicos como el Ondes Martenot, el
Theremin o el Trautonium eran poco
conocidos en Japón con anterioridad a la
Segunda Guerra Mundial, algunos
compositores habían tenido
conocimiento de ellos en su momento,
como Minao Shibata. Años después,
diferentes músicos en Japón
comenzaron a experimentar con música
electrónica, a lo que contribuyó el apoyo
institucional, lo que permitió a los
compositores experimentar con el último
equipamiento de grabación y
procesamiento de audio. Estos esfuerzos
dieron lugar a una forma musical que
fusionaba la música asiática con un
nuevo género y sembraría las bases del
dominio japonés en el desarrollo de
tecnología musical durante las
siguientes décadas.

Tras la creación de la compañía Sony


(conocida entonces como Tokyo Tsushin
Kogyo K.K.) en 1946, dos compositores
japoneses, Toru Takemitsu y Minao
Shibata, de modo independiente,
escribieron sobre la posibilidad de
utilizar la tecnología electrónica para
producir música hacia finales de los
años 1940. En 1948, Takemitsu concibió
una tecnología que pudiese traer "ruido"
dentro de tonos musicales atemperados
dentro de un pequeño y complejo tubo,
una idea similar a la musique concrète
que Pierre Schaeffer había aventurado en
el mismo año. En 1949, Shibata escribió
sobre su concepto de "un instrumento
musical con grandes posibilidades de
actuación" que pudiera "sintetizar
cualquier tipo de onda de sonido" y que
sea "manejado muy fácilmente,"
prediciendo que con un instrumento tal,
"la escena musical sería cambiada
drásticamente". Ese mismo año, Sony
desarrolló el magnetófono magnético G-
Type.

En 1950, el estudio de música


electrónica Jikken Kobo sería fundado
por un grupo de músicos que querían
producir música electrónica experimental
utilizando magnetófonos Sony. Entre sus
miembros se encontraban Toru
Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji
Yuasa, y estaba apoyado por Sony,
empresa que ofrecía acceso a la última
tecnología de audio. La compañía
contrató a Takemitsu para componer
música electroacústica electrónica para
mostrar sus magnetófonos. Más allá del
Jikken Kobo, muchos otros
compositores como Yasushi Akutagawa,
Saburo Tominaga y Shiro Fukai también
estaban experimentando con música
electroacústica entre 1952 y 1953. La
música electrónica se asoció en su día
exclusivamente con una forma de
música culta occidental, pero desde
finales de los años 90 la disponibilidad
de tecnología musical a precios
accesibles permitió que la música por
medios electrónicos se hiciera cada vez
más popular.

Música electrónica
estadounidense
En Estados Unidos, se utilizaban sonidos
creados electrónicamente para
diferentes composiciones, como
ejemplifica la pieza Marginal Intersection
de Morton Feldman. Esta pieza está
pensada para vientos, metales,
percusión, cuerdas, dos osciladores y
efectos de sonido.

El Music for Magnetic Tape Project fue


formado por miembros de la Escuela de
Nueva York (John Cage, Earle Brown,
Christian Wolff, David Tudor y Morton
Feldman) y duró tres años hasta 1954.
Durante esta época, Cage completó su
Williams Mix, en 1953.
Música estocástica

Un importante desarrollo lo constituyó la


aparición de ordenadores utilizados para
componer música, en contraposición de
la manipulación o creación de sonidos.
Iannis Xenakis comenzó lo que se
conoce como musique stochastique o
música estocástica, un método
compositivo que emplea sistemas
matemáticos de probabilidad
estocásticos. Se utilizaban diferentes
algoritmos de probabilidad para crear
piezas bajo un set de parámetros.
Xenakis utilizó papel gráfico y una regla
para ayudarse a calcular la velocidad de
las trayectorias de los glissandos para su
composición orquestal Metástasis
(1953-1954), utilizando posteriormente
ordenadores para componer piezas
como ST/4 para cuarteto de cuerda y
ST/48 para orquesta.

Desde mediados hasta finales


de 1950

En 1954, Stockhausen compuso


Elektronische Studie II, la primera pieza
electrónica en ser publicada como banda
sonora.

En 1955 aparecieron más estudios


electrónicos y experimentales. Fueron
notables la creación del Estudio de
Fonología, un estudio en el NHK de Tokio
fundado por Toshiro Mayuzumi y el
estudio de Phillips en Eindhoven,
Holanda, que se trasladó a la Universidad
de Utrecht como Instituto de Sonología
en 1960.

La banda sonora de Forbidden Planet,


producida por Louis y Bebe Barron, fue
compuesta únicamente mediante
circuitos caseros y magnetófonos en
1956.[7]

El primer computador del mundo en


reproducir música fue el CSIRAC,
diseñado y construido por Trevor
Pearcey y Maston Beard. El matemático
Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar
melodías de música popular. No
obstante, este computador reproducía un
repertorio estándar y no pudo utilizarse
para ampliar el pensamiento musical o
para tocar composiciones más
elaboradas.

El impacto de los computadores


continuó durante 1956. Lejaren Hiller y
Leonard Isaacson compusieron Iliac
Suite para un cuarteto de cuerda, siendo
la primera obra completa en ser
compuesta con la asistencia de un
computador utilizando un algoritmo en la
composición. Posteriores desarrollos
incluyeron el trabajo de Max Mathews en
Bell Laboratories, quien desarrolló el
influyente programa MUSIC I. La
tecnología del vocoder fue otro
importante desarrollo de esta época.

En 1956, Stockhausen compuso Gesang


der Jünglinge, la primera gran obra del
estudio de Colonia, basada en un texto
del Libro de Daniel. Un importante
desarrollo tecnológico fue la invención
del sintetizador Clavivox por Raymond
Scott, con ensamblaje de Robert Moog.

El sintetizador RCA Mark II Sound


Synthesizer apareció en 1957. A
diferencia de los primeros Theremin y
Ondes Martenot, era difícil de usar, pues
requería una extensa programación y no
podía tocarse en tiempo real. En
ocasiones denominado el primer
sintetizador electrónico, el RCA Mark II
Sound Synthesizer utilizaba osciladores
de válvula termoiónica e incorporaba el
primer secuenciador. Fue diseñado por
RCA e instalado en el Columbia-
Princeton Electronic Music Center, donde
sigue en la actualidad. Posteriormente,
Milton Babbitt, influenciado en sus años
de estudiante por la "revolución en el
pensamiento musical" de Schoenberg,
comenzó a aplicar técnicas seriales a la
música electrónica.

1960-1970
Estos fueron años fértiles para la música
electrónica, no solo para la académica,
sino también para algunos artistas
independientes a medida que la
tecnología del sintetizador se volvía más
accesible. En esta época, una poderosa
comunidad de compositores y músicos
que trabajaba con nuevos sonidos e
instrumentos se había establecido y
estaba creciendo. Durante estos años
aparecen composiciones como Gargoyle
de Luening para violín y cinta, así como
la premiere de Kontakte de Stockhausen
para sonidos electrónicos, piano y
percusión. En esta última, Stockhausen
abandonó la forma musical tradicional
basada en un desarrollo lineal y en un
clímax dramático. En este nuevo
acercamiento, que él denominó como
"forma momento", se recuerdan las
técnicas de cinematic splice del cine de
principios del siglo XX.

El primero de estos sintetizadores en


aparecer fue el Buchla, en 1963, siendo
producto del esfuerzo del compositor de
música concreta Morton Subotnick.

El Theremin había sido utilizado desde


los años 20, manteniendo una cierta
popularidad gracias a su utilización en
numerosas bandas sonoras de películas
de ciencia ficción de los años 50 (por
ejemplo: The Day the Earth Stood Still de
Bernard Herrmann). Durante los años 60,
el Theremin hizo apariciones ocasionales
en la música popular.
En el Reino Unido, durante este período,
el BBC Radiophonic Workshop (creado
en 1958) emergió como uno de los
estudios más productivos y
renombrados del mundo, gracias a su
labor en la serie de ciencia ficción Doctor
Who. Uno de los artistas electrónicos
británicos más influyentes de este
período fue Delia Derbyshire. Es famosa
por su icónica ejecución en 1963 del
tema central de Doctor Who, compuesto
por Ron Grainer y reconocida por algunos
como la pieza de música electrónica
más conocida en el mundo. Derbyshire y
sus colegas, entre los que se encuentran
Dick Mills, Brian Hodgson (creador del
efecto de sonido TARDIS), David Cain,
John Baker, Paddy Kingsland y Peter
Howell, desarrollaron un amplio cuerpo
de trabajo que incluye bandas sonoras,
atmósferas, sinfonías de programas y
efectos de sonido para BBC TV y sus
emisoras de radio.

El compositor israelí Josef Tal en el Electronic Music


Studio de Jerusalén (~1965). A la derecha, el
sintetizador Hugh Le Caine.

En 1961, Josef Tal creó el Centre for


Electronic Music in Israel en la
Universidad Hebrea, y en 1962 Hugh Le
Caine llegó a Jerusalén para instalar su
Creative Tape Recorder en el centro.[8]

Milton Babbitt compuso su primer


trabajo electrónico utilizando el
sintetizador, que fue creado mediante el
RCA en el CPEMC. Las colaboraciones se
realizaban superando las barreras de los
océanos y continentes. En 1961,
Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-
Princeton Studio (CPEMC), siendo
asistido por Mario Davidovsky y Bülent
Arel. La intensa actividad del CPEMC,
entre otros, inspiró a la creación en San
Francisco del Tape Music Center en
1963, por Morton Subotnick junto a otros
miembros adicionales, como Pauline
Oliveros, Ramón Sender, Terry Riley y
Anthony Martin. Un año después tuvo
lugar el Primer Seminario de Música
Electrónica en Checoslovaquia,
organizado en el Radio Broadcast Station
de Plzen.

Se siguieron desarrollando nuevos


instrumentos, y uno de los más
importantes avances tuvo lugar en 1964,
cuando Robert Moog introdujo el
sintetizador Moog, el primer sintetizador
analógico controlado por un sistema
integrado modular de control de voltaje.
Moog Music introdujo posteriormente un
sintetizador más pequeño con un
teclado, llamado Minimoog, que fue
utilizado por multitud de compositores y
universidades, haciéndose así muy
popular. Un ejemplo clásico del uso del
Moog de gran tamaño es el álbum
Switched-On Bach, de Wendy Carlos.

En 1966, Pierre Schaeffer fundó el


Groupe de Recherches Musicales (Grupo
de Investigación Musical) para el estudio
y la investigación de la música
electrónica. Su programación está
estructurada a partir de un compromiso
en los procesos de difusión,
investigación y creación de la música
contemporánea y las tendencias en
videoarte e imagen más actuales. Sus
exhibiciones y conciertos son
reproducidas en tiempo real mediante
dispositivos electrónicos, interfaces de
audio-vídeo y una plantilla de músicos y
videoartistas nacionales e
internacionales abiertos al uso de
tecnologías punta.

Música por ordenador

CSIRAC, el primer computador en


reproducir música, realizó este acto
públicamente en agosto de 1951.[9] Una
de las primeras demostraciones a gran
escala de lo que se conoció como
computer music fue una emisión
nacional pre-grabada en la red NBC para
el programa Monitor el 10 de febrero de
1962. Un año antes, LaFarr Stuart
programó el ordenador CYCLONE de la
Universidad del Estado de Iowa para
reproducir canciones sencillas y
reconocibles a través de un altavoz
amplificado adherido a un sistema
originalmente utilizado para temas
administrativos y de diagnóstico.

Los años 50, 60 y la década de los 70


presenciaron también el desarrollo de
grandes marcos operativos para síntesis
informática. En 1957, Max Mathews, de
Bell Labs, desarrolló el programa MUSIC,
culminando un lenguaje de síntesis
directa digital.
En París, IRCAM se convirtió en el
principal centro de investigación de
música creada por computador,
desarrollando el sistema informático
Sogitec 4X,[10] que incluía un
revolucionario sistema de procesamiento
de señal digital en tiempo real. Répons
(1981), obra para 24 músicos y 6 solistas
de Pierre Boulez, utilizó el sistema 4X
para transformar y dirigir a los solistas
hacia un sistema de altavoces.

Electrónica en vivo

En Estados Unidos, la electrónica en


directo fue llevada a cabo por primera
vez en los años 60 por miembros del
Milton Cohen's Space Theater en Ann
Arbor, Míchigan, entre los que estaban
Gordon Mumma, Robert Ashley, David
Tudor y The Sonic Arts Union, fundada en
1966 por los nombrados anteriormente,
incluyendo también a Alvin Lucier y David
Behrman. Los festivales ONCE, que
mostraban música multimedia para
teatro, fueron organizados por Robert
Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor
entre 1958 y 1969. En 1960, John Cage
compuso Cartridge Music, una de las
primeras obras de electrónica en vivo.

Los compositores y músicos de jazz,


Paul Bley y Annette Peacock, fueron de
los primeros en tocar en concierto
utilizando sintetizadores Moog hacia
finales de 1960. Peacock hacía un uso
regular de un sintetizador Moog
adaptado para procesar su voz tanto en
el escenario como en grabaciones de
estudio.

Sintetizadores

Véanse también: Minimoog y Korg.

Robert Moog (también conocido como


Bob Moog), a finales de 1963, conoció al
compositor experimental Herbert
Deutsch, quien, en su búsqueda por
sonidos electrónicos nuevos, inspiró a
Moog a crear su primer sintetizador, el
Sintetizador Modular Moog.[11]
El Moog, aunque era conocido con
anterioridad por la comunidad educativa
y musical, fue presentado a la sociedad
en el otoño de 1964, cuando Bob hizo
una demostración durante la Convención
de la Sociedad de Ingeniería de Audio,
celebrada en Los Ángeles. En esta
convención, Moog ya recibió sus
primeros pedidos y el negocio despegó.

La compañía Moog Music creció de


forma espectacular durante los primeros
años, haciéndose aún más conocida
cuando Wendy Carlos editó el álbum
Switched on Bach. Bob diseñó y
comercializó nuevos modelos, como el
Minimoog (la primera versión portátil del
Moog Modular), el Moog Taurus (teclado
de pedales de una octava de extensión,
con transposición para bajos y agudos),
el PolyMoog (primer modelo 100%
polifónico), el MemoryMoog (polifónico,
equivalía a seis MiniMoog's en uno), el
MinitMoog, el Moog Sanctuary, etc.

Moog no supo gestionar bien su


empresa y esta pasó de tener listas de
espera de nueve meses a no recibir ni un
solo pedido. Agobiado por las deudas
perdió el control de la empresa, la cual
fue adquirida por un inversionista. Aun
así continuó diseñando instrumentos
musicales hasta 1977, cuando abandonó
Moog Music y se mudó a un pequeño
poblado en las montañas Apalaches. Sin
él, la Moog Music fue a pique poco
después.

En 1967, Kato se acercó al ingeniero


Fumio Mieda, quien deseaba iniciarse en
la construcción de teclados musicales.
Impulsado por el entusiasmo de Mieda,
Kato le pidió construir un prototipo de
teclado y, 18 meses después, Mieda le
presentó un órgano programable. La
compañía Keio vendió este órgano bajo
la marca Korg, hecha de la combinación
de su nombre con la palabra órgano, en
inglés Organ.

Los órganos producidos por Keio fueron


exitosos a finales de los años 60 y
principios de los 70 pero, consciente de
la competencia con los grandes
fabricantes de órganos ya establecidos,
Kato decidió usar la tecnología del
órgano electrónico para construir
teclados dirigidos al mercado de los
sintetizadores. De hecho, el primer
sintetizador de Keio (MiniKorg) fue
presentado en 1973. Después del éxito
de este instrumento, Keio presentó
diversos sintetizadores de bajo costo
durante los años 70 y 80 bajo la marca
Korg.

1970-1980
En 1970, Charles Wuorinen compuso
Time's Encomium, convirtiéndose así en
el primer ganador del Premio Pulitzer por
ser una composición completamente
electrónica. Los años 70 también vieron
cómo se generalizaba el uso de
sintetizadores en la música rock, con
ejemplos como: Pink Floyd, Tangerine
Dream, Yes y Emerson, Lake & Palmer,
etc.

Nacimiento de la música
electrónica popular

Véanse también: Rock progresivo, Escuela de Berlín,


Krautrock, Space rock y Synthpop.
A lo largo de los años 70, bandas como
The Residents y Can abanderaron un
movimiento de música experimental que
incorporaba elementos de música
electrónica. Can fue uno de los primeros
grupos en utilizar loops de cinta para la
sección de ritmo, mientras The Residents
crearon sus propias cajas de ritmos.
También en esta época diferentes
bandas de rock, desde Genesis hasta
The Cars, comenzaron a incorporar
sintetizadores en sus arreglos de rock.

En 1979, el músico Gary Numan


contribuyó a llevar la música electrónica
a un público más amplio con su hit pop
Cars, del álbum The Pleasure Principle.
Otros grupos y artistas que
contribuyeron significativamente a
popularizar la música creada exclusiva o
fundamentalmente de modo electrónico
fueron Kraftwerk, Depeche Mode, Jean
Michel Jarre, Mike Oldfield o Vangelis.

Nacimiento del MIDI

En 1980, un grupo de músicos y


fabricantes se pusieron de acuerdo para
estandarizar una interfaz a través de la
que diferentes instrumentos pudieran
comunicarse entre ellos y el ordenador
principal. El estándar se denominó MIDI
(Musical Instrument Digital Interface). En
agosto de 1983, la especificación 1.0 de
MIDI fue finalizada.

La llegada de la tecnología MIDI permitió


que con el simple acto de presionar una
tecla, controlar una rueda, mover un
pedal o dar una orden en un micro
ordenador, se pudieran activar todos y
cada uno de los dispositivos del estudio
remotamente y de forma sincronizada,
respondiendo cada dispositivo de
acuerdo a las condiciones prefijadas por
el compositor.

Miller Puckette desarrolló un software


para el procesamiento gráfico de señal
de 4X llamado Max, que posteriormente
sería incorporado a Macintosh para el
control de MIDI en tiempo real, haciendo
que la composición algorítmica estuviera
disponible para cualquier compositor
que tuviera un mínimo conocimiento de
programación informática.

Síntesis digital

Véase también: Sample

En 1979, la empresa australiana Fairlight


lanzó el Fairlight CMI (Computer Musical
Instrument), el primer sistema práctico
de sampler polifónico digital. En 1983,
Yamaha introdujo el primer sintetizador
digital autónomo, el DX-7, el cual
utilizaba síntetis de modulación de
frecuencia (síntesis FM), probada por
primera vez por John Chowning en
Stanford a finales de los años 60.

1980-1990
Crecimiento de la música
dance

Véanse también: Música electro, Techno, Música


house y Acid house.

Véanse también: Rave, Jungle, Drum and Bass y


Música trance.

Hacia finales de los años 80, los discos


de música de baile que utilizaban
instrumentación exclusivamente
electrónica se hicieron cada vez más
populares. Esta tendencia ha continuado
hasta el presente, siendo habitual
escuchar música electrónica en los clubs
de todo el mundo.

Avances en la musica

En los años 90, comenzó a ser posible


llevar a cabo actuaciones con la
asistencia de ordenadores interactivos.
Otro avance reciente es la composición
Begin Again Again de Tod Machover (MIT
y IRCAM) para hyper chelo, un sistema
interactivo de sensores que miden los
movimientos físicos del chelista. Max
Methews desarrolló el programa
Conductor para control en tiempo real
del tempo, la dinámica y el timbre de un
tema electrónico.
2000-2010
A medida que la tecnología informática
se hace más accesible y el software
musical avanza, la producción musical
se hace posible utilizando medios que no
guardan ninguna relación con las
prácticas tradicionales. Lo mismo ocurre
con los conciertos, extendiéndose su
práctica utilizando ordenadores
portátiles y live coding. Se populariza el
término Live PA para describir cualquier
tipo de actuación en vivo de música
electrónica, ya sea utilizando ordenador,
sintetizador u otros dispositivos.

En las décadas de 1990 y 2000 surgieron


diferentes entornos virtuales de estudio
construidos sobre software, entre los que
destacan productos como Reason, de
Propellerhead, y Ableton Live, que se
hacen cada vez más populares. Estas
herramientas proveen alternativas útiles
y baratas para los estudios de
producción basados en hardware.
Gracias a los avances en la tecnología de
microprocesadores, se hace posible
crear música de elevada calidad
utilizando poco más que un solo
ordenador. Estos avances han
democratizado la creación musical,
incrementándose así masivamente y
estando disponible al público en internet.
El avance del software y de los entornos
de producción virtuales ha llevado a que
toda una serie de dispositivos,
antiguamente solo existentes como
hardware, estén ahora disponibles como
piezas virtuales, herramientas o plugins
de los software. Algunos de los
softwares más populares son Max/Msp y
Reaktor, así como paquetes de código
abierto tales como Pure Data,
SuperCollider y ChucK.

Los avances en la miniaturización de los


componentes electrónicos, que en su
época facilitaron el acceso a
instrumentos y tecnologías usadas solo
por músicos con grandes recursos
económicos, han dado lugar a una nueva
revolución en las herramientas
electrónicas usadas para la creación
musical. Por ejemplo, durante los años
90, los teléfonos móviles incorporaban
generadores de tonos monofónicos que
algunas fábricas usaron no solo para
generar los Ringtones de sus equipos,
sino que permitieron a sus usuarios
algunas herramientas de creación
musical. Posteriormente, los cada vez
más pequeños y potentes computadores
portátiles, computadores de bolsillo y
PDA´s, abrieron camino a las actuales
Tablets y teléfonos inteligentes que
permiten no solo el uso de generadores
de tono, sino el de otras herramientas
como samplers, sintetizadores
monofónicos y polifónicos, grabación
multipista, etc. que permiten la creación
musical en casi cualquier lugar.

Véase también
Géneros de música electrónica
Música clásica electroacústica
Lista de teclistas que utilizaron el
sintetizador Moog

Referencias
1. Rosen, Jody. 2008 "Researchers Play
Tune Recorded before Edison" New York
Times
2. Theremin, BBC
3. Entre los compositores que utilizaron el
instrumento se incluyen Boulez,
Honneger, Jolivet, Koechlin, Messiaen,
Milhaud, Tremblay y Varèse. En 1937,
Messiaen escribió Fête des belles eaux
para 6 Martenot, y escribió partes solistas
para este instrumento en su Trois petites
Liturgies de la Présence Divine (1943–44)
y en la Sinfonía Turangalîla (1946–48/90).
4. Tyson, Jeff. «How Stuff Works - "How
Movie Sound Works" » .
Entertainment.howstuffworks.com.
Consultado el 20 de octubre de 2010.
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septiembre de 2006. Archivado desde el
original el 8 de febrero de 2013.
Consultado el 20 de octubre de 2010.
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el 18 de noviembre de 2010.
8. Gluck, Robert J.: Fifty years of
electronic music in Israel, Organised
Sound 10(2): 163–180 Cambridge
University Press (2005)
9. Doornbusch, Paul. «The Music of
CSIRAC» . Melbourne School of
Engineering, Department of Computer
Science and Software Engineering.
Archivado desde el original el 29 de
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10. Schutterhoef 2007 .
11. Libro: In estéreo. La industria de la
música actual:valor económico y social.
el caso México.

Bibliografía
Blánquez, J. Morera, O. (eds.). ¡Loops!.
Una Historia de la Música Electrónica.
Barcelona. Mondadori, 2002 (ISBN 84-
397-0901-3).
Eimert, Herbert y otros. ¿Qué es la
Música Electrónica?. Buenos Aires.
Ediciones Nueva Visión, 1973.
Enlaces externos
Discovering electronic Music
Documental de 1983, en inglés.
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