El miedo escénico es un tema bastante peculiar y muy común a nivel

interpretativo, cuando comenzamos hacer teatro nos enfrentamos a la existencia

del público y a su poderosa fuerza. Motivo por el cual decidido investigar los
procesos y técnicas de algunos autores y actores que hablan sobre el tema,
también aprovechare de esta investigación como proceso de autoayuda, para
mediante las técnicas entender cómo funciona y como vencerlo. Un actor al salir
al escenario y enfrentarse a un público numeroso puede perder el autocontrol ya
que las miradas nos ponen nerviosos es entonces donde debemos enfrentarnos
a la cuarta pared; la cuarta pared es la línea que delimita al actor del espectador,
nuestro mayor temor.

Acontecen preguntas que debemos cuestionarnos como : ¿Porque nos da

miedo la interpretación frente a un público? ¿Podemos controlar nuestros nervios?
¿Qué técnicas o métodos podemos utilizar para abordar esta problemática?

¿Por qué tenemos tanto miedo a las actuaciones en público?” “El llamado miedo escénico
está asociado a la angustia que produce el hacer el ridículo en público y compromete el
autoestima y la confianza”

1.- Visión general Cualquier situación en la que se toque y se esté nervioso es una actuación y
debe tratarse como tal. Se esté interpretando para una multitud de trescientos o de tres, para
el profesor o para un amigo, o incluso para una grabadora o audiencia imaginaria, en el
momento que es consciente de que se está siendo escuchado, se está actuando y se tiene la
oportunidad de practicar las habilidades de actuación. Actuar es una habilidad como cualquier
otra, y hay que aprenderla. Negar esto nos convierte en músicos incompletos. Una cosa es la
capacidad que se tiene de actuación y otra es la capacidad de tocar el instrumento; una
siempre va a la zaga de la otra. La parte negati va es que casi nunca se interpreta tan
bien en el escenario como en la habitación de estudio. La parte positiva es que conforme se
aumenta la capacidad de tocar en la habitación de estudio, la capacidad de actuación sobre el
escenario también se incrementa proporcionalmente. No hay que esperar que toda actuación
sea la mejor, es cierto que en cada ocasión hay que esforzarse, aunque no tanto para
alcanzar la perfección sino para conseguir consistencia. Hay que procurar conseguir un buen
nivel constante, llegando ocasionalmente a niveles de grandeza. Hay que esforzarse mucho
para mantener y mejorar el nivel medio de actuación, y hay que tener siempre muy presente
que sobre el escenario no hay ninguna pieza fácil. Si se intenta tocar por encima de la
capacidad de actuación (aunque se esté dentro de los límites de dominio del instrumento)
nunca se progresará como intérprete sobre el escenario. Se puede aprender a tocar en el
escenario haciendo una escala. Cuando se actúa, la audiencia no sabe (a menos que se
proyecte el descontento) si se está en una parte fácil o difícil, algo que además no le
preocupa.

CUARTA PARED, la línea que delimita al público.

La cuarta pared es técnicamente ese velo invisible que separa la obra

representada del publico, y salvo condiciones muy precisas no debe
romperse para asi evitar que la atención del espectador se distraiga o el
actor pierda su personaje. No debemos ni ser conscientes de ella ni
hacerla consciente al espectador.

El termino La cuarta pared nace en el siglo XIX, en un momento de

cambios en el teatro, se buscaba la concentración del espectador para que
vivencie una obra de teatro como una realidad frente a él. aunque no
siempre fue así, en la historia del teatro hay diversas busquedas.

El teatro griego se presentaba en grandes anfiteatros, al aire libre donde

los actores provistos con mascaras que cumplian funciones de megafono,
recitaban o cantaban un texto. El teatro griego buscaba del espectador la
katarsis ese momento donde el espectador entendia de forma organica la
obra causando una emoción aleccionadora, de espanto nos dice
Aristoteles. Es asi como Euripides desarrolla obras donde busca algo
mas, busca la identificación del espectador con la obra, generando una
vivencia, pero no conocemos si buscaban crear la cuarta pared.

El gran Williams Shakespeare en una época que tampoco sabemos si

eran conscientes del término cuarta pared, presenta de forma literaria
una ruptura de esta cuarta pared, con ello le da una voz más directa al
autor, lo que despues con Bertold Bretch seria conocido como el
distanciamiento, el monologo de Hamlet es un ejemplo de esta forma de
ruptura. En este famoso monologo, hay un ruptura de la historia que se
sucede frente a nuestros ojos para traernos un reflexión intima del
personaje. Con ello segun la posición del director podría tomarse como
un loco que habla solo, pero Hamlet no esta loco ni desvariando, ni
disertando, nos habla a nosotros, el personaje se hace consciente del
público, nos cuenta no actua. Bertold Bretch buscando romper con el
teatro donde el espectador vea la obra como una vivencia, y romper con
la identificación establece el distanciamiento, buscando en el espectador
antes que una catarsis, una reflexión. Muchos pensaron en que el maestro
creo un método, una forma de actuar, pero fue realmente un recurso
directorial.

Definida la CUARTA PARED, observamos que nada de lo establecido

habla realmente del significado para el actor de este velo divisor - que en
teatro lo marca el público presente en sala,teatro o cualquier otro espacio
donde se represente la obra,exterior o interior- La visión de la
CUARTA PARED del lado del público, genera los consabidos reclamos
de :no den la espalda, busquen un mejor ángulo para ubicar la escena.
Debo acotar que para el cine y la televisión tambien existe la CUARTA
PARED, definida por la camara o camaras, y toda la línea donde se ubica
el equipo técnico pudiendo ser un espacio entre la camara y el actor o
más amplia dependiendo del plano, pudiendo ampliarse desde el close up
a un plano general. En mis comienzos incurrí en un error al no definir
bien los limites en una escena de TV, pensando que la linea de las
camaras definia mi escena, olvide una puerta y solo sali de cuadro
tropezando con una pared, y me preguntaron ¿por qué no usas la puerta?

LA CUARTA PARED para un actor genera otras preguntas y problemas,

que no se resuelven solo con ser consciente de ella, evadirla o no dar la
espalda. Utah Hagen, quien fue una gran actriz y docente actoral decidio
llamarla EL CUARTO LADO, pues aquello que para un director termina
en el proscenio para el actor puede ir mas alla o estar mas adentro. El
CUARTO LADO que representa para el actor ese espacio donde esta el
público, viene determinado por el espacio escenico y la traducción que el
actor le da a ese espacio a fin de lograr un trabajo organico y que es lo
que realmente definirá como enfrenta LA CUARTA PARED. La Cuarta
pared es la que mira el director, el CUARTO LADO es lo que mira el
actor en escena .
"supongamos que ustedes miran hacia esa inexistente cuarta pared. Esta
situada muy cerca¿como deben sus ojos enfocar la visión?Casi en el
mismo ángulo que si se tratará de la punta de su nariz... Y sin embargo
¿qué es lo que hacen los actores? Pretenden mirar a esa imaginaria pared,
enfocan su visión en alguien de la luneta ¿ piensan Uds que el actor
mismo, o su interlocutor, o el espectador, saca una efectiva satisfación de
tal error fisiológico? "Constantin Stanislavski.

Stanislavski en su libro llamado en español un Actor se prepara,

establece los multiples problemas generados por la CUARTA PARED ,
entre ellos miedo escénico, ignorar EL CUARTO LADO, la actuación
forzada. Y definió que todos los problemas partían de la atención del
Actor , en responder la pregunta : ¿En qué estaban enfocados sus
sentidos? Y establecio el concepto de Círculos de Atención. Aqui no
seamos literales pues nuestro círculo puede variar en tamaño y forma.
Ahora tambien establese que esta atención debe hacerse organica, no
fingida o imitada, sino que debemos alcanzar a traves de la
concentración, nuestra experiencia sensoria y la imaginación ocupar
nuestros sentidos a fin de crear un espacio donde alcancemos una FE en
la Realidad escenica, una Fe en la Verdad escenica. Esto permite que el
actor alcance un estado que Stanislavski denominó SOLEDAD EN
PÚBLICO.

Cuando alcanzamos ese estado de concentración donde el público deja de

ser el centro de atención, y comenzamos a crear , a dar vida a un
personaje con nuestros sentidos.

El cuarto lado no termina donde comienza el público, pues este puede ser
un lugar,un objeto, una persona. Puede estar más alla de la camara, o
alcanzar la salida del teatro. Activar el cuarto lado como parte de la
escena no siempre será necesario, pero trabajar de este lado requerirá
trabajar nuestra atención, para ello Strasberg creó los ejercicios
sensoriales, afin de despertar los sentidos como fuente de creación, crear
una realidad que estimule la organicidad del actor, dar vida al personaje
,lo que ocurre en escena y así deje de siluetear LA CUARTA PARED.
Cada elemento,espacio o persona que este dentro de nuestro espacio
escénico debe cobrar vida a través de nuestros órganos de atención, esto
lo hacemos sensorialmente conectados a nuestra vivencia- un libro
especial para el personaje puede ser un objeto personal afectivo para
nosotros, y por lo cual lo recreamos o recreamos un espacio que nos
aporta la sensación que vive el personaje. Debemos darnos permiso a ser
afectados por estos elementos sensoriales recreados, por ello un actor
debe experimentar, estar atentos con sus sentidos a todas sus vivencias.
Un actor ensimismado que en su vida no se deja afectar por el entorno
tendrá recursos limitados.

No siempre la cuarta pared es respetada o ignorada en la acción escenica,

es muy común en las obras tipo monologo, el público forme parte de la
escena porque es allí el interlocutor. El actor trabaja mas como un
narrador, el personaje cuenta su historia. En otra obras,mas teatrales, el
público es un personaje que recibe la acción o También puede ocurrir
que dentro de la obra un personaje involucra al público, o habla
directamente a la camara. En todos los casos solo implica que el cuarto
lado abarca el público y este forma un elemento que debe trabajarse para
alcanzar la traducción orgánica correcta a traves de la atención. Hacemos
contacto real pero seguimos dentro de nuestra realidad escénica.

Utah Hagen aconseja que al usar una recreación sensorial para activar EL
CUARTO LADO e involucre una visualización anclemos nuestra imagen
a elementos concretos del espacio físico real, no coloquemos imágenes
suspendidas pues nos hace perder el foco puesto que debemos,si por
ejemplo,damos vuelta reenfocar donde colocamos la imagen, haciendo
consciente al público de la CUARTA PARED. Un ejemplo muy comun
de esta ruptura de la CUARTA PARED ocurre en el cine o la televisión
cuando vemos el boom, la camara, el reflejo en un espejo del equipo
técnico, o hay saltos de eje o de secuencia, el primero es cuando la
posición de la camara genera que los personajes, objetos o espacio de
una toma a otra salten de posición o dirección, si la mirada estaba hacia
la izquierda en la siguiente cambia a la derecha, este efecto de salto
genera la confusión del espectador; el segundo caso ocurre con vestuario,
objetos, clima, hora del día,iluminación sino hay una trancisión lógica o
si hay un cambio intermedio se observa un salto.El personaje entra en la
toma vestido de azul, luego en otra toma del mismo tiempo, viste de rojo,
y luego vuelve al azul. Hay muchos de estos errores que son
desapercibidos otros afectan al espectador perdiendo conexión con la
historia que ve.

Finalmente es importante el trabjar en elementos sensoriales que

sepamos tienen gran poder en nosotros,nos afecten y ayuden a crear la
realidad que vive el personaje. Es común banalizar, Laurence Olivier en
su biografia, despectivamente habla de que a Marilyn, su coach del
método, le decía Marilyn piensa en Cocacola. Al final termina
reconociendo que nadie le importó su trabajo sino el de Marilyn.

Los espacios, objetos y personas tienen significados para los

persona segun lo que hayan vivido y estos son los elementos de
creación de un actor. Solo hay que darse permiso para creer, el
resto es magia.