Introducción a la Fotografía

(apuntes)

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 Indice

1 La Luz
1.1 Características
1.2 Propiedades

2 La Cámara
2.1 Introducción: el proceso fotográfico
2.1.1. La estenopeica (pin-hole)
2.2 Descripción y tipos de cámaras
2.2.1. Cuerpo y visor
2.2.2. Los controles de la exposición: obturador y diafragma
2.3 El obturador: tipos y características (la velocidad)
2.4 El diafragma: características (número f)
2.5 Uso de velocidad y diafragma
2.6 Los automatismos
2.7 El trípode

3 El Objetivo
3.1 El porqué de las lentes
3.2 Características de las lentes
3.3 Tipos de objetivos:
3.3.1. Normales
3.3.2. Angulares
3.3.3. Teleobjetivos
3.3.4. Especiales
3.4 La elección del objetivo

4 El Enfoque
4.1¿Qué es el enfoque?
4.2 Profundidad de campo
4.3 Hiperfocal

5 La Exposición
5.1 Luz reflejada e incidente
5.2 El fotómetro
5.3 La carta gris
5.4 ¿Dónde y como medir? (el contraste de escena)

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6 La Película y el positivo
6.1 Características de la película
6.2 Tipos de películas
6.2.1. Por sensibilidades:
6.2.1.1. Rápidas
6.2.1.2. Normales
6.2.1.3. Lentas
6.2.2. Por tipo:
6.2.2.1. Negativo B/N
6.2.2.2. Negativo color
6.2.2.3. Diapositivas
6.3 El Revelado:
6.3.1. Características del revelado:
6.3.1.1. Blanco y negro
6.3.1.2. Negativo color
6.3.1.3. Diapositivas
6.3.1.4. Forzados
6.3.1.5. Procesos cruzados
6.4 ¿Qué película usar?
6.5 Tabla comparativa entre películas
6.6 El Positivado:
6.6.1. La idea de “positivo”, la copia final
6.6.2.Tipos:
6.6.2.1.Blanco y negro (FB Y RC)
6.6.2.2. Color
6.6.2.3. R-3 y Cibachrome
6.6.3. Tabla comparativa entre tipos de copias
6.6.4. Otros procesos: virados, retoques, ...

7 Varios
7.1 Archivo: orden y conservación
7.2 Presentación de copias y diapositivas

8 El Flash
8.1 Tipos y características
8.2 El número guía
8.3 Uso del flash
8.3.1. Iluminación
8.3.2. Relleno
8.3.3. Otros

9 Filtros
9.1 Tipos y características
9.2 Uso

3
10 Elementos básicos de iluminación
10.1 Luces y sombras, el porque de la iluminación
10.2 Contraste de escena y de iluminación: los ratios
10.3 La luz solar
10.4 Iluminación artificial
10.5 El flash

11 Elementos básicos de composición

11.1 El encuadre, el uso de los límites
11.2 Líneas y puntos áureos, los tercios
11.3 Geometrías:
11.3.1. Simetrías
11.3.2. Líneas
11.3.3. Puntos
11.3.4. Otros
11.4 Contraste y color en la composición

12 Los géneros fotográficos

12.1 Paisaje
12.2 Bodegón y naturaleza muerta
12.3 Retrato
12.4 Reportaje

13 Nociones de historia de la fotografía

13.1 Introducción al origen de la fotografía
13.2 La aparición de la fotografía
13.3 El siglo XIX
13.4 El siglo XX

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 A modo de introducción
¿ Que es la fotografía ? veamos primero algunas definiciones, según aparece en el
Diccionario de Julio Casares1, la fotografía es “el arte de fijar y reproducir por medio de
reacciones químicas, en superficies convenientemente preparadas, las imágenes obtenidas en
la cámara oscura”. Como enseguida observamos esta es una definición anterior a la irrupción de la
fotografía digital. Veamos ahora una segunda definición, ésta obtenida de la Enciclopedia Focal de
Fotografía: “Literalmente “escritura con luz” (del griego photos, luz + graphos, escritura). El
término se acepta generalmente para referirse a cualquier método de producción de una
imagen visible por la acción de la luz; por ejemplo, sobre las sales de plata sensibles a la luz. El
empleo de esta palabra fue sugerido por sir John Herschel a William Henry Fox Talbot en una
carta fechada el 28 de febrero de 1839.”
Vistas estas dos definiciones, si las combinamos, vemos que fotografía es a la vez un
método y un arte, a través del cual obtenemos una imagen visible por la acción de la luz, sea en un
soporte químico, digital, o lo que el futuro depare.

Desde GrupoFoCo nos planteamos la fotografía como un elemento poliedríco, donde las
múltiples caras son las variadas facetas y elementos que confluyen en el acto fotográfico. Podemos
encontrar: la composición, el tipo de material sensible usado, la iluminación, la óptica elegida, el
enfoque y la profundidad de campo, la velocidad y el movimiento, el color o su ausencia, la
frialdad descriptiva o el calor emotivo, el miedo o la necesidad a acercarse, y así más y más
matices, los distintos lados de nuestro objeto de estudio. Y en el centro un núcleo, eso que
llamamos fotografía, un núcleo que cada uno debe de conformar según sus intereses, sus
necesidades, sus posibilidades y deseos. Nosotros intentaremos hablar de las caras del objeto,
mostrar sus características, parte de sus posibilidades, pero la búsqueda del centro, de lo que es la
fotografía, es cosa de cada uno. Al fin y al cabo el aprendizaje de la fotografía consiste en aceptar
que las fotos no “salen” sino que las hacemos.

1 Citado en “Historia de la fotografía” de Marie-Loup Souguez

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 1 La Luz
1.1 Características. - Para comenzar este curso de introducción a la fotografía2 qué mejor
que hablar de la luz, del elemento básico de la fotografía. Al buscar la definición de la luz
encontramos que nos dicen que la luz es: “simplemente una de las numerosas formas de la
radiación electromagnética que se encuentran en la naturaleza”3 si bien ésta es una descripción
de la luz, de poco o nada nos sirve. Como fotógrafos podemos prescindir de la naturaleza de la luz,
pero nos interesarán sus características más que lo que ésta es en sí. La primera de estas
características es que la luz siempre es emitida por una fuente que puede ser el sol o una fuente
artificial, y se propaga en línea recta en forma de rayos. Estos rayos se desplazan en forma de ondas
a la velocidad (en el vacío) de 300.000 km/seg. Encontramos que las ondas no siempre son iguales,
unas serán más cortas y otras más largas a eso le llamaremos: longitud de onda, la longitud de onda
la mediremos en una unidad llamada nanómetros (una millonésima de milímetro) este aspecto es
realmente importante para nosotros pues el espectro visible, es decir aquello que nuestro ojo es
capaz de distinguir es la franja del espectro electromagnético que se encuentra entre las longitudes
de onda que van de 400 a 700 nanómetros. Las longitudes de onda más cortas, más cercanas a los
400 nanómetros serán las pertenecientes a los llamados colores fríos: violeta y azul, las medias al
verde y al amarillo y las más largas a los colores cálidos: naranja y rojo.

Espectro visible

400 nm 700 nm

Ultravioleta Violeta Azul Amarillo Naranja Rojo Infrarrojos

Fríos Cálidos

Ante la luz solar nos encontramos que normalmente las longitudes de onda más largas son
las del amanecer y el atardecer, por eso la dominante es rojiza y anaranjada y las longitudes de onda
más cortas corresponden a las zonas en sombras, donde solemos encontrar dominantes azules.

1.2 Propiedades. - De la luz nos interesan las propiedades que hacen referencia a cómo se
comporta la luz cuando se encuentra con un cuerpo. Lo primero que nos encontramos es que se
puede encontrar con un cuerpo opaco, entonces o absorbe la luz y la transforma en calor (o
reacciona químicamente, y entonces estamos ante un elemento fotosensible ) esto es la absorción
o la refleja en mayor o menor medida y con un determinado ángulo. Pero si el cuerpo en lugar de
opaco es transparente o translúcido lo atravesará, (dependiendo el grado de transparencia pasará
más o menos cantidad de luz) y el ángulo del rayo se verá afectado al atravesar el objeto.
Recapitulando vemos que al llegar la luz a un cuerpo pueden suceder tres fenómenos:

2 Recordamos que estos apuntes son el complemento del curso de introducción a la fotografía
3 Enciclopedia Focal de la Fotografía

6
 Absorción Transparente o
Reflexión
translúcido

Se crea calor
o una reacción química

Veamos el primer caso: un cuerpo opaco que absorbe la luz normalmente no la absorberá
toda sino que su capacidad de absorción dependerá de las características del cuerpo y de la
longitud de onda. Cuando un cuerpo no absorbe todas las longitudes de onda una parte se refleja, a
ello se le llama reflexión, esa reflexión pude ser de dos tipos: especular cuando es una superficie
lisa, un vidrio, el agua, metal,... en este caso el rayo se reflejará en un ángulo igual al que tenía
cuando llegó a la superficie; en cambio será difusa (muchos rayos en todas las direcciones) cuando
la superficie sea rugosa o mate. Esta característica de la luz nos será muy útil a la hora de utilizar
diferentes superficies para iluminar y poder así controlar la calidad de la luz, y a la hora de analizar
una escena en busca del punto donde medir y de prever el resultado final.

Reflexión

Reflexión especular, Reflexión difusa

(luz dura) (luz suave)

También dependiendo de qué longitudes de onda refleje el cuerpo nos dará el color de dicho
cuerpo. Si por ejemplo un cuerpo absorbe todas las longitudes de onda menos la correspondiente al
azul, que será reflejada, nosotros veremos a ese cuerpo azul. Si no absorbe ninguna longitud de
onda lo veremos blanco y si las absorbe todas negro. El color de un cuerpo es la longitud de onda
que refleja.

En el segundo caso, la luz atraviesa un cuerpo no opaco, encontramos una serie de

circunstancias: transmisión si el cuerpo es transparente la luz apenas se transformará, pero si es

7
translúcido la luz se difunde, se vuelve más suave. También nos encontramos que al atravesar un
cuerpo transparente o difuso puede ser que el cuerpo esté coloreado y entonces deje pasar unas
longitudes de onda y otras no, ese es el principio de los filtros4. Dispersión es la separación de la
luz blanca en los diferentes colores que la forman, suele pasar cuando la luz atraviesa un prisma y
junto a la refracción es muy importante a la hora de construir los objetivos. Refracción es el
cambio de trayectoria que sufre un rayo de luz cuando pasa de un medio a otro con diferente
densidad, por ejemplo aire-agua o aire-vidrio5.

Dispersión Refracción

Azul
Luz blanca
Verde

Rojo Aire Vidrio

Prisma o lente

Por último veremos una ley relacionada con la intensidad de la luz, la ley de la inversa del
cuadrado según la cual la intensidad de una luz aumenta y disminuye de forma directamente
proporcional al cuadrado de la distancia existente entre la fuente y el objeto. Esto quiere decir que
si ante una misma fuente luminosa colocamos un objeto a un metro y un segundo a dos metros, el
segundo no recibirá la mitad de la luz, sino una cuarta parte. Y si lo colocamos a medio metro
recibirá no el doble, sino cuatro veces más luz.

Superficie B
Ley de la inversa del cuadrado:
Superficie A
Con la misma fuente de luz a
un sujeto situado al doble de
Fuente de luz distancia (superficie B) le llega
una cuarta parte de luz. Ya que
esa misma cantidad de luz
ha de cubrir una superficie
(superficie B) que es cuatro veces
la primera (superficie A)

1 metro 1 metro

2 metros

4 Lo veremos más detalladamente en el capítulo 9, dedicado a los filtros.

5 Podemos comprobarlo introduciendo un lápiz en un vaso con agua y viendo como parece que cambia de dirección

8
 2 La Cámara
2.1 Introducción (el proceso de captación). - Veamos sucintamente los pasos básicos del
proceso de captación fotográfica: tenemos primero de todo un objeto, una determinada cantidad de
luz que llega a ese objeto y que es reflejada por él, un objetivo ,un conjunto de lentes, a través del
cual pasan los rayos de luz reflejados por el objeto y que forman una imagen nítida sobre una
película fotográfica. Y por último tenemos también una serie de mecanismos, básicamente
obturador y diafragma, que nos permiten controlar la cantidad y el tiempo en que la luz llega a la
película.

Luz incidente
Cámara
Película
Objetivo

Objeto

Luz reflejada

Diafragma
Obturador Imagen

2.1.1 La estenopeica (pin-hole). - La cámara estenopeica es la cámara más simple que

existe, en realidad es una cámara oscura6 en la que se coloca un material fotosensible. Aunque cada
uno puede construirse una estenopeica tan compleja y elaborada como guste, aquí veremos el caso
más sencillo: una caja de cartón con un agujero. El nombre de pin-hole hace referencia a ello, en
inglés hole es agujero y pin alfiler, en castellano sería “agujero de alfiler”).
El principio óptico en el que se basa la pinhole es el de la formación de imágenes al pasar
los rayos de luz por un agujero muy pequeño, este es el principio con el que funciona el ojo. Dicho
principio dice que de los múltiples rayos de luz que refleja cada punto de un objeto si colocamos un
agujero muy pequeño delante sólo pasará uno por cada punto de dicho objeto y por tanto si se
coloca una superficie a continuación, cada uno de esos puntos únicos dará lugar a un sólo punto y
entre todos formarán la imagen inicial, eso sí invertida y girada.

Imagen formada
Imagen real
Agujero

Cámara oscura
Sólo pasa un rayo por cada punto del objeto

6 En el capítulo 13 se hablará con más detalle de la cámara oscura

9
 Una vez visto el principio óptico de la pinhole, veamos como es esta cámara. En toda
cámara hay un cuerpo que hace las funciones de cámara oscura (un lugar completamente oscuro,
con un pequeño agujero, donde se forma la imagen ) y en él que se ubican los principales controles:
obturador y diafragma. El diafragma en la pinhole, es como indica su nombre un agujero en el
centro de una de sus caras realizado con una aguja, más adelante veremos la relación entre el
tamaño del diafragma y el número f. Y el obturador será una tapa que colocaremos delante del
agujero y que quitaremos el tiempo que consideremos necesario. Un último dato importante en la
pinhole será la distancia focal, ahondaremos en ello al hablar de los objetivos7, la distancia focal
en nuestra pin-hole será la distancia que va del agujero al lugar en el que colocaremos el material
fotosensible, el negativo.
Aunque nos cueste de creer es el mismo principio el que hace funcionar la pinhole y
nuestras sofisticadas cámaras, la diferencia básica es la tecnología aplicada. Es importante
recordar, de vez en cuando, que al final una cámara es una caja oscura, más o menos
compleja, con la que un fotógrafo crea imágenes. Veamos ahora esa herramienta que llamamos:
cámara.

2.2 Descripción y tipos de cámaras. - Como acabamos de ver una cámara es una pinhole
evolucionada, donde encontramos los siguientes componentes:

2..2.1 Cuerpo y visor. - Hay múltiples tipos de cámaras y en cada uno de ellas el cuerpo
será diferente, nada tiene que ver, por ejemplo, el cuerpo de una compacta con el de una cámara de
placas. Por ello dado que éste es un taller de iniciación nos centraremos en el tipo de cámara más
común, la réflex de 35 mm, monocular, de objetivos intercambiables. El cuerpo de una réflex de 35
mm es una caja que suele ser metálica o de plástico y que puede oscurecerse completamente.
Encontramos en dicho cuerpo una bayoneta o rosca para poder acoplarle un objetivo, un sistema de
control del tiempo que entra la luz llamado obturador, que suele ser de tela o metálico, un sistema
manual o automático de carga, paso y rebobinado de la película y un conjunto de elementos que
mantienen la película colocada en el plano focal8, un fotómetro cuyo funcionamiento puede ser
muy simple o realmente elaborado y preciso y un visor réflex, que es un sistema que a través de un
pentaprisma nos da una imagen ya normalizada, (recordemos que la imagen que se forma en la
cámara oscura está invertida y girada),en el visor encontramos el sistema dedicado al enfoque y, en
la mayoría de los casos, información sobre la lectura del fotómetro y la selección de obturador y
diafragma9.
Hay muchos tipos de cámaras, dependiendo del formato del negativo nos encontramos con:
cámaras miniatura, de 35 mm, de formato medio y de gran formato. En cada una de ellas usamos
un negativo cada vez mayor. Otra diferenciación sería por tipo de visor, encontramos réflex de un
solo objetivo, réflex de doble objetivo, de telémetro y sin visor. También hay cámaras automáticas,
subacuáticas, panorámicas, técnicas, instantáneas, etc. etc.

2.2.2 Los controles de la exposición: obturador y diafragma. - Aunque el diafragma

suele estar situado en el objetivo, dado que su función está relacionada con la exposición lo
tratamos junto al obturador. El uso correcto del obturador y el diafragma es la base para conseguir
la imagen deseada, así que los trataremos con un poco más de profundidad. Para entender lo que
son es práctico pensar en un grifo de agua, el diafragma sería la abertura del grifo, la cantidad de
agua que pasa, en fotografía luz, y el obturador es el tiempo que el grifo está abierto.

7 En el capítulo 3
8 El plano focal es el lugar de la cámara oscura en el que se forma la imagen
9 Estas características lo son solo de las réflex monoculares de 35 mm, hay múltiples tipos de cámaras pero aquí sólo
vamos a ver estas

10
 2.3 El obturador: tipos y características (la velocidad). - El obturador como ya hemos
repetido antes es un sistema que permite seleccionar el tiempo que la luz incide sobre la película.
Hay varios tipos de obturadores, los más importantes son el central y el planofocal. Centrándonos
en las cámaras réflex de 35 mm el común es el plano focal, esto quiere decir que el obturador está
justo delante de dicho plano focal. El plano focal es el lugar en el que se forma la imagen y en las
cámaras es el lugar en el que se coloca la película. Los obturadores planofocales son de cortinillas,
esto quiere decir que están formados por cortinillas de tela o metálicas. El funcionamiento es el
siguiente: con el obturador montado, hay una tela o unas láminas que impiden que la luz llegue a la
película, cuando apretamos el disparador sale la tela o las láminas y a continuación la primera
cortinilla y recorre la abertura que hay frente al negativo, a continuación de esta primera sale la
segunda cortinilla y realiza el mismo recorrido. Al salir una detrás de otra dejan una rendija por la
que pasa la luz. Las cortinillas siempre se desplazan a la misma velocidad pero la distancia entre
una y otra varía, dependiendo de esta distancia llegará más o menos tiempo la luz al negativo. Esta
amplitud es el que controlamos con el selector de velocidad, y el resultado es el tiempo que la luz,
la imagen lumínica incide en la película.

Negativo
Primera cortinilla

Segunda cortinilla

Distancia entre cortinillas= velocidad

Cómo hemos visto al “colocar” la velocidad en el obturador lo que decidimos es la

amplitud de la separación entre la primera y la segunda cortinilla, estas velocidades tienen una
secuencia de doble y mitad, así encontramos los siguientes valores:
... 1 seg. 1/2 seg. 1/4 seg. 1/8 seg. 1/15 seg. 1/30 seg. 1/60 seg. 1/125 seg. 1/250 seg. 1/500 seg.
1/1000 seg. y así previa y sucesivamente. Además de estos valores solemos encontrar otras dos
posiciones: B que es una posición en la que el obturador se mantiene abierto mientras oprimamos el
disparador y X o una velocidad en rojo que nos indica la velocidad de sincronización, que es la
velocidad máxima a la que podemos usar el flash, podremos usarlo desde esta velocidad hacia las
más lentas pero no en una más rápida. Normalmente los obturadores de tela sincronizan a 1/60 y
los metálicos a 1/125 ó 1/250.
En las cámaras más clásicas el obturador lo usamos a través de un mando y en las
automáticas a través de una rueda o de una secuencia que varía de unas cámaras a otras. En las
cámaras mas modernas podemos elegir valores de exposición que están entre los citados
anteriormente, normalmente son valores que en lugar de variar en doble y mitad lo hacen en tercios.
Los obturadores llevan un sistema de “carga” que normalmente esta asociado al arrastre de
la película, en las cámaras manuales es la palanca de arrastre y en las automáticas lo realiza la
cámara. De este modo sea manual o automáticamente al pasar la película el obturador queda

11
montado y listo para dispararse10. En las cámaras que permiten exposiciones múltiples es decir dar
más de una exposición al mismo negativo, hay una palanca o mando que impide el paso de la
película mientras se carga el obturador.

2.4 El diafragma: características (número f). - El diafragma es el sistema que nos permite
controlar la cantidad de luz que llega al negativo, es un mecanismo compuesto por unas láminas de
metal situadas en el interior del objetivo que forman una abertura circular y que mediante algún
mecanismo externo, manual o automático, podemos controlar de tal modo que aumentamos o
disminuimos dicha abertura circular, y por tanto la cantidad de luz que pasa.

Aberturas de diafragma

Máxima abertura Abertura media Mínima abertura

La cantidad de luz que llega a la película dependerá de dos factores, la abertura del
diafragma, es decir el diámetro del diafragma, llamamos abertura efectiva al diámetro del haz de
luz que llega al negativo y de la longitud del objetivo, cuanto más largo sea un objetivo menos luz
pasa, recuérdese la ley de la inversa del cuadrado11. A nosotros lo que nos interesa es un sistema
con el que poder darle la luz necesaria a la película sin importarnos que objetivo estamos usando y
a la vez que nos permita intercambiar objetivos sin que eso afecte a la exposición final. Por eso se
crearon los números f:, los números f: son un valor que indica una cantidad de luz constante
independientemente de la abertura efectiva del objetivo y de su distancia focal12, y surgen de la
siguiente fórmula:

Número f: = Distancia focal

Abertura efectiva

Serie de números f

f 1 - f 1.4 - f 2 - f 2.8 - f 4 - f 5.6 - f 8 - f 11 - f 16 - f 22 - f 32 - f 45 - ....

10 La segunda cortinilla lleva también un sistema de tela o láminas que impide que al cargarse el obturador entre luz
11 Al doble de distancia llega sólo una cuarta parte de la luz inicial.
12 Distancia focal es la que hay entre el plano focal y el centro óptico del objetivo

12
 Veamos cómo funciona esta secuencia: f 1 será un valor de partida cercano a la luz del
exterior, con el diafragma f 1.4 llegará la mitad de luz que con f 1, con f 2.8 llegará la mitad que
con f 2 y el doble que con f 4 y así sucesivamente. Es importante ver que tanto el diafragma como
el obturador funciona con valores de doble o mitad, (iremos viendo que es una constante en
fotografía). Según la modernidad y complejidad de la cámara además de los ajustes de doble y
mitad hay ajustes más finos de medios pasos o en tercios. Al tomar una decisión y colocar un valor
dado en el diafragma y en el obturador no sólo elegimos la cantidad de luz que entra y el tiempo
que exponemos la película sino que también tomamos decisiones que tendrán que ver con la
estética y la expresividad de la imagen.
La razón de estos valores 1.4, 2,, 4, 5.6 ... es debido a que se obtienen a través de la
siguiente forma:

La fórmula de la superficie es S = π . r 2

π . r2 = π . r
2
Si A = π . r 2
y B = π . r2 2
2

π . r2 = π.r
2

Superficie A Superficie B ;
B=1/2A
Raíz cuadrada de: 2 = 1.4

Así vemos que el valor para la mitad de superficie, y por tanto de luz, de 1 es 1.4, ya que la
raíz cuadrada de 1 es 1.4, si en lugar de la mitad es una cuarta parte vemos que la raíz cuadrada de
4 es 2, siendo una octava parte vemos que la raíz cuadrada de 8 es 2.8, y la raíz cuadrada de 16 es 4,
la de 32 es 5.6, la de 64 es 8 y así sucesivamente toda la escala de diafragmas13.

2.5 Uso de velocidad y diafragma. - Hemos de partir en este capítulo de un acto de fe que
es el de creer en el fotómetro de la cámara14, el fotómetro es un aparato al que nosotros “decimos”
que sensibilidad tiene nuestra película (el número ISO) y él nos da una información sobre la
luminosidad de una escena en valores de velocidades de obturación y números f. Aunque estos
valores concretos nos sirven para darle una exposición al negativo correcta, no son la única
combinación correcta que podemos usar. Veamos esto con un ejemplo:

Primero el fotómetro nos da la siguiente medición. 1/125 f 8, esto quiere decir que para
captar con nuestra película esa escena en concreto hemos de exponerla durante 1/125 de seg. con
una abertura de f 8, pero sabemos que f 8 es el doble de luz que f 11, así que si le damos a la misma
película una exposición el doble de larga 1/60 y la dejamos pasar una cantidad de luz f 11, el
resultado será que llega la misma luz. Lo mismo sucederá si exponemos la mitad de tiempo 1/250
con el doble de luz f 5.6, y así sucesivamente15. Así resumiendo veamos en nuestro ejemplo la

13 Cuando el valor tiene decimales se normaliza según un estandart aceptado internacionalmente.

14 Veremos el fotómetro con más detalle en el capítulo 5
15 Esto sólo sucede en un determinado rango de valores cómo veremos en el capítulo 5

13
siguiente secuencia.
1/15 f 22 = 1/30 f 16 = 1/60 f 11 = 1/125 f 8 = 1/250 f 5.6 = 1/500 f 4 = 1/1000 f 2.8
Nos encontramos con una secuencia donde cualquier conjunto de valores que tomemos nos
dará una exposición correcta. Correcta, pero diferente, veamos esas diferencias.
Cuando colocamos una velocidad en el obturador tomamos una decisión que tiene las
siguientes consecuencias: la primera es que por debajo de la velocidad equivalente a la distancia
focal es recomendable usar un trípode pues es posible que queden movidas, es decir si usamos un
objetivo de 50 mm, por debajo de 1/60 puede quedarnos la imagen movida, si es un teleobjetivo de
200 mm lo ideal será disparar como mínimo a 1/250. La segunda consecuencia es la congelación o
no del movimiento, esto dependerá de la dirección del móvil y de la distancia a la cámara. Así
dependiendo de la velocidad y la situación podremos congelar un movimiento extremo o hacer
desaparecer a todo lo que se mueva. (todo esto, y el uso del diafragma, lo veremos extensamente a
través de los ejercicios prácticos)
Al colocar el valor en el diafragma actuamos sobre la profundidad de campo que es la zona
que estará enfocada y sobre la calidad de la imagen. Por ello hemos de ser conscientes siempre de
la gama de combinaciones que nos dará una exposición correcta y así tomaremos la decisión de
usar aquella que se adapta a nuestros intereses expresivos.

2.6 Los automatismos. - Los automatismos son unos sistemas electrónicos que permiten
que la cámara tome decisiones en lo referente al uso de obturador y diafragma, existen distintos
tipos, desde el automatismo total donde la cámara toma todas las decisiones, hasta los de prioridad
al diafragma donde nosotros colocamos el diafragma y la cámara la velocidad y el de prioridad a la
velocidad donde la velocidad la seleccionamos nosotros y el diafragma nos lo da la propia cámara.
El funcionamiento de los automatismos, si bien es práctico, para ser efectivo necesita ser usado con
conocimientos fotográficos, normalmente su fiabilidad va asociada al sistema de medición de la
cámara y ante ello lo mejor es seguir el principio de: “mientras más selectivo es el sistema, más
conocimiento fotográfico necesita para su uso correcto”.

2.7 El trípode. - Un elemento importante en fotografía es el trípode, lo introducimos en esta

sección dado que lo consideramos una herramienta básica que, asociado a la cámara, nos permite
mejorar algunos resultados y obtener otros que sin él serían imposibles. Como veremos un trípode
es básicamente un elemento que sostiene firmemente la cámara, esto nos permite varias opciones,
la primera es poder tomar fotos por debajo de velocidades críticas con la seguridad de que no
quedarán movidas, y la segunda es enlentecer el tempo fotográfico. Si hemos de sujetar mucho rato
la cámara aunque parezca una perogrullada nos cansamos, el trípode nos permite mantener la
cámara fija mientras nos recreamos mirando y componiendo, pensando sobre la composición, la
iluminación, la intencionalidad de la imagen. Esto es lo que entendemos cuando decimos un tempo
lento.
El trípode ha de ser estable y con un cabezal que nos permita el mayor número posible de
movimientos. En los trípodes siempre nos encontraremos en la encrucijada del peso y la
estabilidad, los trípodes pesados casi siempre son más estables que los ligeros, pero transportarlos
durante un rato requieren un esfuerzo físico considerable. Este es un tema en el que cada uno debe
analizar sus necesidades antes de comprarse uno.

14
 3 El Objetivo
3.1 El porqué de las lentes. - Volvamos a nuestra cámara pinhole, ya hemos visto cómo
funciona el diafragma y el obturador, así como que hay un sistema complejo llamado visor gracias
al cual vemos la imagen. Ahora hablaremos de la calidad de la imagen16. Si nuestra cámara
funcionase sólo con un pequeño agujero, que nos permitiese la formación de una imagen,
tendríamos dos grandes problema: el primero sería el de la calidad, la imagen tendría muy poca
definición y el segundo aspecto sería que el agujero debería ser pequeñísimo y eso nos daría un
numero f muy alto y por tanto velocidades muy lentas, además nos limitaría a un único número f
con las consecuencias en el enfoque que más adelante veremos. Es debido a esto que desde el
principio de la historia de la fotografía17 se ha trabajado mucho en la construcción de los objetivos
Ellos son los ojos de la cámara, que no es poco. Así que vale la pena que nos preguntemos ¿Qué es
un objetivo? Es un dispositivo óptico, formado por un conjunto de lentes y un sistema
mecánico, el enfoque, que nos permite formar una imagen con un mínimo de calidad.

3.2 Características de las lentes. - Hay dos grandes grupos de lentes: las positivas o
convexas (son más gruesas en el centro que en los bordes) y las negativas o cóncavas (más
delgadas en el centro que en los bordes). Hay una gran diferencia entre ambos grupos: las positivas
forman una imagen en un punto detrás de la lente mientras que las negativas la forman por delante
de la lente.

Lente positiva

Lente negativa

Dentro de las positivas hay tres grupos de lentes: biconvexas, planoconvexas y

concavoconvexas, y dentro de las negativas encontramos otros tres grupos: bicóncavas,
planocóncavas, concavoconvexa. Los objetivos se construyen combinando lentes de diferentes
tipos, esto se hace porque cada tipo de lente provoca algún tipo de aberración y al combinarlas
entre ellas se corrigen unas a otras.
Un objetivo es un elemento realmente complejo dado que se han de construir de tal modo
que estén corregidos el mayor número de aberraciones, que posean la máxima definición, y a la vez
que sean lo más luminosos posible. Algunas de las aberraciones más comunes son: aberración
cromática, esférica, astigmatismo, coma, barrilete, etc. etc.
En un objetivo, independientemente del tipo que sea encontramos los siguientes elementos:
16 Entendemos por calidad la nitidez, definición y falta de aberraciones ópticas y cromáticas de la imagen final
17 Incluso antes, en la construcción de las cámaras oscuras ya se desarrollaron ópticas con el fin de mejorar la imagen
final.

15
una montura que es el sistema a través del cual acoplamos el objetivo al cuerpo de la cámara,
suelen ser del tipo bayoneta, y en algunos casos de rosca. Aunque parezca fútil, la montura es un
elemento importante dado que de ella depende la compatibilidad entre objetivos y cámaras. En los
objetivos autofocus y automáticos también encontramos en la montura conexiones electrónicas a
través de la cual el objetivo y el microordenador de la cámara intercambian información. Justo a
continuación suele estar el diafragma y su sistema de abertura y cierre. La siguiente parte que
vemos es el cuerpo del objetivo, que es el lugar donde se alojan las lentes que lo forman y donde
encontramos un sistema de enfoque, con el que tal como su nombre indica enfocamos y en el caso
de los zoom un sistema de elección de focal, con él que recorremos, y seleccionamos, las
posibilidades focales de dicho zoom. Por último encontramos el frontal del objetivo donde hay una
rosca, y en algunos también un sistema externo de semirosca, que nos permite acoplarle tanto
filtros como parasoles u otros artilugios. Hay objetivos donde el parasol está incorporado en el
cuerpo y es retráctil, pero en la mayoría es independiente y se acopla al frontal.

3.3 Tipos de objetivos. - Podemos dividir los objetivos en tipos dependiendo de su

distancia focal, cómo ya dijimos cuando hablamos de la pinhole, la distancia focal es la distancia
que va desde el centro óptico del objetivo hasta el plano focal (el plano focal es el lugar en el que se
forma la imagen, en nuestras cámaras es donde está colocada la película). La distancia focal
considerada como “normal” es decir aquella que reproduce la realidad aproximadamente como
nosotros la vemos es la formada por una distancia igual a la diagonal del negativo, en nuestro caso
eso es 50 mm, por eso llamamos al objetivo de 50 mmm el normal, pero claro esta hay muchos
otros objetivos con distintas distancias focales.

Veamos que pasa al variar la distancia focal:

Distancias focales

Angular Normal Tele

Distancia Distancia media: Distancia

corta la diagonal del negativo larga

Ante un mismo objeto mientras mas corta es la distancia focal menor será la imagen
formada, y mientras más larga es la distancia mayor la imagen. Esto es lo que nos lleva a decir
vulgarmente que los angulares alejan las cosas y que los teles las acercan.

3.3.1 Normales. - Como acabamos de explicar son aquellos cuya medida es igual o muy
próxima a la diagonal del negativo, de 35 mm en nuestro caso. Este objetivo tiene un ángulo de
cobertura, es decir lo que “ve” el objetivo, entre 45 y 55 grados, es un objetivo que transmite la

16
misma perspectiva que nuestra vista, por eso las fotos tomadas con el suelen parecernos más
naturales.
3.3.2 Angulares. - Son aquellos cuya medida es igual o inferior al lado corto del negativo,
en nuestro caso eso sería un 24 mm, dado que el negativo de 35 mm es de 24 mm X 36 mm, no
obstante en la práctica consideramos angular a cualquier óptica con una distancia focal inferior a
35mm18. Son objetivos que tal como hemos visto en el dibujo anterior reducen el tamaño de los
objetos y su ángulo de cobertura es de 70 grados en adelante, cuanto más pequeña es la distancia
focal mayor es el ángulo y mas disminuye el tamaño del objeto. En el uso de los angulares
encontramos que primero nos cambia la profundidad de campo, es decir la zona enfocada de la
imagen, dado que es mayor que en el caso de un objetivo normal y muchísimo mayor que en un
tele19 y también nos modifica la perspectiva. Ya no tenemos esa perspectiva similar a nuestra visión
sino que es mucho más exagerada, más dramática. Cambia la perspectiva20 de la imagen, la
diferencia entre el tamaño de los objetos en primer y segundo plano se acentúa y nos transmite una
sensación de mayor separación entre ellos que la real. Un detalle importante es que en realidad los
angulares para cámaras réflex de un sólo objetivo no lo son, dado que el espacio que ocupa el
espejo del sistema réflex impide que el centro óptico pueda colocarse tan cerca, (a 28, 24, 20 ó
menos milímetros de la película) su sistema de construcción es el de teleobjetivos invertidos, se
llaman por tanto angulares de retrofoco.

3.3.3 Teleobjetivos. - Son aquellos cuya distancia focal es como mínimo el doble del lado
más largo del negativo, es decir 70 mm o más. Su ángulo de cobertura es de 35 grados o menor.
Como hemos visto en el gráfico los teleobjetivos aumentan el tamaño de las cosas, las acercan. Y
cuanto mayor es la distancia focal mayor es su capacidad de aumento. Al usar un tele perdemos la
perspectiva normal, los objetos se aplanan comprimiéndose en la imagen, la sensación es de que
apenas hay distancia entre ellos. Un aspecto muy importante es que esta perspectiva en los teles
corto-medios es decir entre 85 mm y 135mm es la perfecta para reproducir rostros humanos, es
decir para el retrato. Por el contrario el normal deforma los rostros ligeramente, a no ser que nos
separemos bastante, y el angular acentúa esa distorsión. Con el uso del tele la profundidad de
campo se nos reduce considerablemente, mas se reducirá cuanto mayor sea la distancia focal.

3.3.4 Especiales. - Veamos primero los zooms, un zoom es un objetivo que a través de una
serie de mecanismos permite variar su distancia focal. Es importante pensar que si es complicado y
difícil construir un buen objetivo fijo, esa complejidad se multiplica por mucho en el caso de un
zoom. Otro tipo de objetivo son los macroobjetivos especialmente útiles para macrofotografía
dado que nos permiten acercarnos muchísimo al objeto y gracias a ello conseguir unas
ampliaciones sorprendentes. Los objetivos descentrables son aquellos que nos permiten a través de
un descentramiento del eje óptico corregir las convergencias de las líneas verticales, son
especialmente útiles en arquitectura. Los duplicadores si bien no son propiamente objetivos si que
son un conjunto de lentes que permiten aumentar la distancia focal del objetivo al que acompañan.
Los duplicadores multiplican la focal por 1.4 o por 2 y se colocan entre la cámara y el objetivo. Los
catadriópticos son un tipo de objetivo, teles de distancia focal muy alta que funcionan por espejos
internos; son objetivos de no muy alta calidad óptica y con diafragma fijo. Otros tipos de objetivos
son los ojos de pez, ....

3..4 La elección del objetivo. - Cómo fotógrafos hemos de ser muy conscientes de que
cuando elegimos usar una determinada distancia focal, estamos tomando una decisión compleja
donde entran en juego la siguiente serie de factores:
18 Hay quienes ya consideran al objetivo de 35mm un angular
19 Lo vemos con más detalle en el capítulo 4
20 Esto no es exactamente cierto, lo que cambia es nuestra distancia hacia el objeto y con ello la perspectiva

17
 • La distancia a la que nos colocamos
• La perspectiva de la imagen que deseamos
• La profundidad de campo
• La velocidad mínima que podemos usar sin la ayuda del trípode

Hemos de valorar todos estos aspectos cuando colocamos el objetivo en la cámara, pues es
un aspecto expresivo muy importante.

18
 4 El Enfoque
4.1 ¿Qué es el enfoque?. - Hemos visto que a través del objetivo se forma una imagen en el
plano focal, es decir en nuestro caso la película, pero dicha imagen puede ser más o menos nítida,
cuando es completamente nítida decimos que está enfocado. Para entender el enfoque hemos de
recordar que teóricamente la imagen que forma nuestro objetivo está compuesta de múltiples
puntos de luz rebotada, uno por cada punto del objeto. Pero en la realidad no pasa un sólo punto
sino varios por cada uno de la imagen real y entre ellos forman un círculo, cuanto menor sea ese
círculo más enfocada estará la imagen. Hay un valor en fotografía que es del círculo de confusión
y es debido a que el ojo humano es incapaz de distinguir entre un punto y un círculo si el diámetro
del círculo es inferior a 0.25mm y se observa a partir de 25 cm (será de 0.1mm observada desde 10
cm, 0.05mm desde 5 cm etc. etc.)21

Diámetro del círculo de confusión

Punto del objeto

Objetivo Zona enfocada

Que esté o no enfocada la imagen dependerá de la distancia de la imagen al objetivo, de la

distancia focal de este y de dicho objetivo a la película; por ello los objetivos llevan un sistema que
nos permite acercarlos y separarlos de la cámara, que es el mecanismo de enfoque, en algunos
objetivos modernos el enfoque es interno y no apreciamos movimiento en el exterior del objetivo.

4.2 Profundidad de campo. - Lo que hemos visto en el punto anterior es lo referente al

enfoque de un sólo punto de la imagen pero en cada imagen hay muchos puntos y unos estarán a al
misma distancia que el enfocado y estarán ellos mismos también enfocados pero la mayoría estarán
más cerca o lejos de la cámara y unos estarán enfocados y otros no. Llamamos profundidad de
campo a la zona de la imagen que estará enfocada, ello dependerá de la distancia focal, del
diafragma usado y de la distancia a la que se enfoca. Veamos estos aspectos uno a uno:
La distancia focal afecta de modo que a igual diafragma y la misma distancia de enfoque la
profundidad de campo de un objetivo normal será mayor que la de un tele y menor que la de un
angular
Punto de enfoque

Angular

Normal

Tele
Distancia en mts. 0 5 10 15 20 25 ...
21 Este es un aspecto importante a la hora de ampliar las imágenes y calcular a que distancia deben de ser observadas, en
situaciones como por ejemplo una exposición

19
 Un aspecto que podemos observar en el gráfico anterior es que la profundidad de campo no
está repartida por igual delante y detrás de la línea de enfoque. La profundidad de campo es de un
tercio por delante y de dos tercios por detrás del punto de enfoque, esta proporción se mantendrá en
casi todos los aspectos que influyen en la profundidad de campo.

El diafragma usado influye en la medida que a menor abertura mayor profundidad de

campo. Obviamente también sucede lo opuesto, a una mayor abertura menor profundidad de
campo. Con diafragmas muy abiertos, f4, f2.8, f2, f1.4,... la profundidad de campo es realmente
crítica22.

La distancia de enfoque nos influye debido a que mientras mas alejado esté el objeto
enfocado del objetivo tendremos una mayor profundidad de campo y mientras más cerca menor
será la profundidad de campo, es por esto que normalmente en fotografía de paisaje, que solemos
enfocar un poco lejos todo está a foco, y que en macrofotografía la profundidad de campo es muy
pequeña.

4.3 Hiperfocal. - “ Si se enfoca el objetivo sobre la distancia hiperfocal, la profundidad

de campo se extiende desde la mitad de la distancia hiperfocal hasta el infinito ”
Esta es la definición que nos da la Enciclopedia Focal de la Fotografía, pero si lo traducimos
a nuestro lenguaje más común vemos que esta técnica consiste en ver cual es el punto de enfoque
para que con una determinada abertura, un objetivo concreto, enfoque desde infinito hasta el punto
más próximo posible. Veamos cómo lo realizamos:
Hemos de ser conscientes que esta técnica sólo se puede realizar con objetivos que lleven
impresos la escala de profundidad de campo y diafragmas. Lo primero que hacemos es observar qué
diafragma vamos a usar, a continuación hacemos coincidir el signo de infinito ( con la marca,
del diafragma que estamos usando colocada a la izquierda (de cada diafragma hay dos marcas).
Una vez realizada esta operación, observamos que distancia en metros coincide con la marca del
mismo diafragma a la derecha. El campo enfocado será el que se encuentra entre dicha distancia y
el infinito, es decir entre las dos marcas.

Distancia hiperfocal

Cámara Punto de enfoque Infinito

Zona enfocada

22 Si además usamos una focal larga, un tele, es aún más crítica. Para muchos autores con un tele medio el diafragma
ideal es f8 en retrato por que da foco en el rostro y desenfocará el fondo.

20
 5 La Exposición
5.1 Definición y características. - Según la Enciclopedia Focal de Fotografía: “La
exposición, científicamente, es el producto de la intensidad de la luz por el tiempo durante el
cual actúa. En términos de fotografía práctica, significa la combinación particular de la
abertura del diafragma y la velocidad del obturador que el fotógrafo debe elegir para obtener
un buen negativo”. En esta somera descripción se encuentran englobados todos los aspectos
importantes de la exposición, veámoslos: intensidad de la luz que manejamos a través del
diafragma y el tiempo que actúa esa determinada intensidad sobre el negativo y que manejamos a
través del obturador. Pese a que entendemos que los alumnos ya saben usar correctamente el
diafragma y el obturador dedicaremos unos segundos a recordar su uso.
Cuando nos enfrentamos a una escena nos encontraremos ante la necesidad de tomar una
serie de decisiones de carácter subjetivo: de punto de vista, de material usado, compositivas, de
intencionalidad comunicativa.... pero además hemos de tomar una decisión que ha de ser más
objetiva y es la exposición a dar23. Independientemente de nuestros deseos sólo hay una cantidad
determinada de luz en la escena, y la película necesitará una cantidad de luz concreta para plasmar
correctamente dicha escena. Para decidir la cantidad de luz que dejamos pasar, la exposición,
usaremos el fotómetro y nuestros conocimientos. Para actuar sobre la cámara lo haremos sobre los
dos sistemas que poseemos, es decir el obturador y el diafragma.
El obturador es un dispositivo que nos permite controlar el tiempo que pasa la luz a través
del objetivo y del diafragma incidiendo sobre la película. El obturador nos permite modificar ese
tiempo en las cámaras manuales, o en las automáticas de hace unos años, en secuencias de doble y
mitad de tiempo. Normalmente encontramos la siguiente escala:
...8 seg. 4 seg. 2 seg. 1 seg. 1/2 seg. 1/4 seg. 1/8 seg. 1/15 seg. 1/30 seg. 1/60 seg. 1/125 seg. 1/250
seg. 1/500 seg. 1/1000 seg. 1/2000 seg. 1/4000 seg. 1/8000 seg...
En esta escala la cantidad de luz que entra en cada caso es la mitad de la anterior y el doble
de la posterior; por ejemplo a 1/30 entra el doble de luz que a 1/60 y la mitad que a 1/15.
En las cámaras automáticas más modernas se nos permite afinar más y además de las
velocidades anteriores acepta modificaciones de 1/3 en 1/3 entre cada velocidad. Es decir tenemos
secuencias como:
... 1/15 seg. 1/20 seg. 1/25 seg. 1/30 seg. 1/40 seg. 1/50 seg.
1/60 seg. 1/80 seg. 1/100 seg. 1/ 125 seg. ...

El diafragma es un dispositivo que nos permite controlar la cantidad de luz que pasa a
través de él y que llega a la película24, también está graduado en una escala de dobles y mitades que
llamamos números f, la escala clásica es la siguiente:
f 1, f 1.4, f 2, f 2.8, f 4, f 5.6, f 8, f 11, f 16, f 22, f 32, f 45, f 64
En esta escala cada número f deja pasar la mitad de luz del anterior y el doble del posterior,
por ejemplo a f 4 pasa la mitad de luz que a f 2.8 y el doble que a f 5.6. Al igual que con el
obturador en las cámaras más clásicas encontramos medios pasos entre los diafragmas y en las
automáticas más modernas podemos seleccionar hasta tercios de diafragmas

Un valor de exposición en realidad lo que nos da es una relación entre un tiempo,

(velocidad en el obturador) y una cantidad de luz que pasa a través del diafragma (número f). Esta
relación al ser una cantidad de luz y un tiempo de paso es equivalente a otras relaciones que
mantengan la misma proporción entre luz y tiempo.
Recordemos el ejemplo del cubo de agua: tenemos un cubo determinado y llenándolo con
23 Si bien es cierto que al decidir la exposición, tenemos un abanico de posibilidades, donde cada opción tiene sus
particularidades expresivas, el margen es muy estrecho
24 Recordemos que el diafragma está en el objetivo.

21
un grifo tardamos una hora, si usamos un grifo que sea el doble tardaremos sólo media hora, con un
grifo que fuese el doble del segundo tardaríamos un cuarto de hora, y así sucesivamente. Lo mismo
sucede con la película, sólo que el tamaño del grifo es el diafragma y el tiempo que tarda en
llenarse es la velocidad del obturador.
En fotografía a esta equivalencia, a la posibilidad de usar distintas combinaciones de
diafragmas y velocidades obteniendo el mismo resultado lumínico se le llama ley de la
reciprocidad. Veámoslo con un ejemplo: tenemos un valor de 1/60 con un f 5.6, si ahora a esta
combinación le modificamos el diafragma y colocamos f 4, resultará que está entrando el doble de
luz si entonces a esa cantidad de luz que es el doble le dejamos pasar la mitad de tiempo 1/125
encontraremos que la proporcionalidad se mantiene y que tan correcto será 1/60 f 5.6 como 1/125
f4. Igualmente si partiendo de nuevo de 1/60 f 5.6 cerramos el diafragma un paso, a f 8, con lo cual
nos entrará la mitad de luz pero le damos el doble de tiempo 1/30, volvemos a tener un valor
equivalente. Así vemos que 1/60 f 5.6 y 1/125 f4 y 1/30 f 8 son valores equivalentes, con todos la
escena nos quedará bien expuesta. Y podemos modificar la exposición a lo largo de esta escala
cuanto queramos o necesitemos, dependiendo de las características de nuestra cámara y objetivos, y
siempre que mantengamos la proporcionalidad, o reciprocidad.
La exposición será correcta siempre que nos hallemos dentro de unos valores que
son los comprendidos entre las velocidades de 1 seg. y 1/1000 seg. Por debajo de 1 seg. y por
encima de 1/1000 nos encontramos con otra escala. En situaciones donde la exposición necesaria
es más lenta de 1 seg. o más rápida que 1/1000 seg. la reciprocidad no funciona, hablamos del fallo
de la ley, en ambos caso nos encontramos con una subexposición pero hemos de indicar que en las
velocidades altas en las películas modernas apenas si notaremos esa subexposición, (sobretodo en
negativo), ademas existen películas preparadas para altas velocidades en las que la reciprocidad se
eleva hasta 1/4000 de seg. y más. Pero donde es realmente importante es en las velocidades
inferiores a 1 seg. Debido a este fallo en la ley de la reciprocidad si usásemos la medición que nos
da el fotómetro para esa sensibilidad concreta nos quedará la imagen subexpuesta, más a medida
que se prolonga la exposición. Cada fabricante da unos valores para corregir la reciprocidad en sus
películas y como norma general podemos seguir los valores de corrección que da la casa Kodak
para películas modernas (TMAX) en los casos de 100 y 400 ISO, aunque sea como valor
informativo esta escala puede usarse también en película en color:

Fotómetro a 100 ISO 2 4 6 8 10 12 14 16 18 20 30 40 50 60

Exposición real 4 9 15 22 29 37 45 54 62 71 119 172 229 289
Fotómetro a 400 ISO 2 4 6 8 10 12 14 16 18 20 30 40 50 60
Exposición real 3 7 11 16 20 25 31 36 41 47 76 106 139 172
(los valores son en segundos)

Para valores superiores a 60 segundos se pueden consultar otras tablas.

5.2 El fotómetro. - En fotografía siempre nos confundimos y damos el nombre de

fotómetro a lo que realmente es un exposímetro. Dado que ya es imposible corregir esta confusión,
seguiremos llamándolo “fotómetro” aunque a lo que nos referiremos será al exposímetro. La
diferencia consiste en que el fotómetro es un instrumento usado para medir la iluminación mientras
que el exposímetro es el instrumento que mide la intensidad de la iluminación y la indica en
términos de graduaciones de exposición25 para una cámara. Una vez dada esta explicación,
volveremos al error y a partir de ahora hablaremos del exposímetro con el nombre de fotómetro.
25 Es debido a esto que se llama exposímetro

22
 Encontramos muchos tipos dependiendo de su construcción y del sistema que usan para
medir la intensidad de la luz, siendo el más común el que usa una célula fotoeléctrica, en las
cámaras actuales la célula es de silicio. Pero para nuestros intereses nos basta con diferenciar dos
tipos, el que va incorporado a la cámara y el autónomo. La razón de esta diferenciación es
básicamente la dirección en que mediremos y el modo en el que lo usaremos, junto a que en el
fotómetro de la cámara nunca tendremos la medición directa de la luz incidente, siempre será luz
reflejada. Pero eso lo veremos en su momento, ahora nos basta con saber que en cualquier escena
podemos medir la luminosidad de dos modos:
a) luz reflejada - aquella que reflejan los objetos y sujetos
b) luz incidente - aquella que llega a los objetos

Luz Incidente

Luz Reflejada

Y que contamos, básicamente, con dos tipos de fotómetros: uno el que lleva incorporado la
cámara y otro que es externo e independiente a la cámara.

Otro elemento importante en los fotómetros es que ángulo de la escena miden, por ello los
fotómetros pueden ser, según el ángulo de medición, de tres tipos:
a) Matricial. -Mide toda la superficie de la imagen, aunque discierne entre unas zonas más
importantes que otras26.
b) Central. - El 80% , aproximadamente, de la medición se toma en el centro de la imagen,
dicho centro de la imagen suele estar indicado como un círculo marcado en el cristal del
enfoque27.
c) Puntual. - La medición se centra en un punto situado en el centro de la imagen.

5.3 La carta gris. - la carta gris es una cartulina de color gris medio. El gris medio es el que
obtenemos con un objeto que refleja exactamente un 18% de la luz que recibe. Que la carta gris sea
así no es por casualidad sino debido a que todos los fotómetros están calibrados para que través de
la medida que nos dan nosotros obtengamos como resultado dicho gris medio. Es fácil de
comprobar si medimos una pared blanca con el fotómetro de la cámara (luz reflejada) y
exponemos como tal, el resultado será una pared gris medio (18% de luz reflejada) y si exponemos
una tela negra con la medición del fotómetro el resultado es el mismo gris medio. Esto es así por
que de este modo se consiguen asegurar más fotografías que de ningún otro, (claro está con
fotómetros de luz reflejada y sin grandes conocimientos de fotografía). La carta gris nos permite
tener un fotómetro de luz incidente a muy buen precio, dado que si medimos la luz que ella refleja,
al estar igualado su tono con el que busca el fotómetro lo que obtenemos es la luz que le llega, es
decir la luz incidente. (lo veremos con detalle en las prácticas)
26 La medición matricial suele estar en cámaras automáticas e ir asociada a un microordenador que analiza la escena y la
compara con su base de datos.
27 Este suele ser el sistema existente en las cámaras manuales

23
 5.4 ¿Dónde y cómo medir? (el contraste de la escena). - Antes de nada comenzaremos con
un concepto: la escena. Entenderemos por escena cualquier situación que intentamos fotografiar
sea un retrato, un paisaje, un objeto, una acción, etc. Hasta ahora hemos visto que ante una escena
cualquiera que deseamos fotografiar tenemos dos sistemas de control en la cámara: el obturador y
el diafragma con los que podemos controlar la cantidad de luz que llega al negativo y durante
cuánto tiempo está incidiendo sobre dicho negativo, y un aparato que llamamos fotómetro, que nos
traducirá la luminosidad de la escena a términos fotográficos, es decir una relación entre velocidad
de exposición y abertura de diafragma (número f)
Si bien hasta aquí todo parece sencillo el problema surge cuando al medir en una escena
determinada vemos que no hay una sola medición, sino varias28 y de todas ellas sólo una será la
correcta, ¿cuál?. Supongamos que medimos con nuestro fotómetro incorporado en la cámara, la
medición que obtenemos es la de la luz que reflejan los objetos, es a esto a lo que llamamos luz
reflejada. Pero claro, supongamos una situación donde en una escena dada aparezca una persona,
con una camiseta negra, apoyada sobre una pared blanca. Llegándole a toda la escena la misma luz
no será igual la cantidad que refleje la pared blanca que la reflejada por la camiseta negra. Por tanto
dependiendo de donde midamos tendremos valores muy diferenciados. Para intentar solventar estos
problemas los fabricantes igualan los fotómetros para que dé unos valores que reduzcan la escena a
un gris medio, al famoso 18% de luz reflejada. Pero aunque este sistema es bastante eficaz con las
escenas medias no nos permite un control sutil de todas las situaciones, sean normales o más
extremas. De momento lo que nos interesa es captar la idea de que en toda escena habrá diversos
elementos que reflejen distintas intensidades de luz, llamaremos contraste de escena a la
diferencia de luminosidad que hay entre el punto que menos luz refleja y el que más luz refleja de
la escena que queremos fotografiar. (Recordemos que esa luz reflejada es la que llegará al
negativo.)

Una vez entendido esto veamos como mediremos la luz, partiremos de la premisa de que
sólo contamos con el fotómetro de la cámara. Vamos a ver tres modos de medir la escena:

A) Primer método: analizaremos la escena, es decir intentaremos localizar el lugar más

luminoso y el más oscuro de la escena, mediremos ambos y exponemos con el valor que se
encuentre en el centro, entre el valor de la zona más oscura y la más clara. Usamos el valor
promedio.

B) El segundo método es: tomar un valor referente que sabemos que cantidad de luz refleja
en relación con la carta gris, por ejemplo la piel o una superficie blanca o negra, entonces medimos
sobre dicho elemento y a continuación corregimos la medición y exponemos. Si fuese la piel
cerraríamos un punto, por ejemplo si al hacer un retrato medimos el rostro y nos da 1/60 a f11,
exponemos a 1/60 f8, que es la luz incidente.

C) Y por último el tercer método es: exponemos a través de la luz incidente. Para buscar la
luz incidente lo haremos o con una carta gris, medimos la luz que nos refleja la citada carta gris y
exponemos con dicha medición.

Es muy importante, en los tres casos29, ser consciente de que hemos de medir el plano que
fotografiaremos, es decir colocándonos siempre en la misma posición que luego ocupará la cámara
y nunca darnos sombra en la zona que medimos.

28 Ante cualquier escena si vamos midiendo en distintos puntos veremos que nos da distintas mediciones
29 Recordemos que medimos con el fotómetro de la cámara, es decir de luz reflejada, por tanto nos interesa la luz que
“sale” de la escena y “va” hacia la cámara.

24
 6 La Película y el positivo
6.1 Características de la película. -Antes de entrar de lleno en el tema de la película,
recapitulemos sobre lo que hemos visto hasta ahora. Tenemos una escena en la que hay unos
objetos y sujetos a los que les llega luz, es la luz incidente. Tenemos que esos objetos dependiendo
de su composición reflejan una determinada cantidad de luz, y unas longitudes de onda (el color),
es la luz reflejada. Ante esa luz reflejada colocamos una cámara oscura, nuestra cámara
fotográfica, y en ella un sistema óptico complejo: el objetivo. Gracias a dicho objetivo formamos
una imagen nítida en la cámara y contamos con un fotómetro que nos dirá que exposición necesita
dicha imagen y dos sistemas de control, uno de la cantidad de luz que llega: el diafragma y el otro
del tiempo que esta luz incide: el obturador. Sabemos que gracias a un sistema óptico: el visor
podemos ver la imagen que se está formando en la cámara y con el sistema de enfoque enfocarla.
Dependiendo del objetivo que usemos la imagen tendrá unas características u otras: deformaciones,
perspectivas, dramatismos,... y la relación entre el tipo de objetivo, el diafragma y la distancia de
enfoque nos dará una determinada profundidad de campo. Con todo esto lo que tenemos, es una
imagen, pero es una imagen luminosa formada en nuestra cámara y que hemos de captar sobre
alguna superficie para poder fijarla. Está superficie que nos permitirá captar la imagen es la
película. Como veremos cuando hablemos de la historia de la fotografía, podemos decir que la
fotografía nace con la primera posibilidad de captar y fijar a una superficie una imagen luminosa.
Nuestra película30 tiene un tamaño, (el mismo sea negativo o diapositiva), este tamaño es de
24 mm el lado corto por 36 mm el más largo. Nuestro formato, el famoso 35 mm es ese rectángulo
de 24 X 36 mm. Cabe destacar que hay muchos otros tamaños de película: algunos menores que el
35 mm como el 110 mm , la subminiatura, y otros mayores como el 4,5 X 6 cm, el 6 X 6 cm, el 6
X 7 cm, el 6 X 9 cm, y los formatos mayores: 9 X 12 cm, 13 X 18cm , ....

¿Cómo funciona una película? Vamos a intentar entender el funcionamiento de la película

a partir del material más sencillo: el negativo en B/N y después explicaremos como funciona el
color. Cuando la luz incide sobre un cuerpo vimos que una parte de la energía de esa luz es
absorbida por dicho cuerpo (era el fenómeno de la absorción) y esa energía se transforma
dependiendo de las características del objeto en calor o en reacciones físico-químicas. Cuando un
elemento al recibir luz produce una reacción química que altera su estado inicial decimos que es
fotosensible. Uno de los elementos fotosensibles es la plata, que combinada con un “halógeno”
(cloro, bromo, yodo,...) forma sales de plata: cloruro de plata, bromuro de plata, yoduro de
plata,... Estas sales de plata al ser expuestas a la luz se convierten en plata metálica
(completamente negra). Una vez tenemos un elemento que es fotosensible, que reaccionará ante
nuestra imagen luminosa (la que forma el objetivo dentro de la cámara) formando una imagen de
plata, hemos de colocarlo sobre un soporte. El soporte ha de ser completamente transparente
porque si es un negativo, más tarde tendremos que pasar luz a través de él para ampliarlo, y si es
una diapositiva también necesitaremos pasar luz a través de ella para proyectarla. El soporte más
usado es el triacetato de celulosa que es transparente y muy estable31. Así vemos que para hacer
una película necesitamos:

a) un soporte estable y transparente: el triacetato de celulosa

b) una sustancia fotosensible: la emulsión

La emulsión no es sólo el haluro de plata, (haluros son el cloruro, el yoduro y el bromuro)

sino que es un elemento bastante complejo y con un proceso de fabricación largo. El proceso de

30 Recordemos que en este taller nos centramos en el formato de 35 mm.

31 En el inicio de la fotografía se usaban placas de vidrio

25
fabricación de un negativo, diapositiva u otro soporte fotográfico es el siguiente:

1. Los haluros (cloruro potásico, bromuro potásico,...) se disuelven en gelatina caliente

líquida y se le añade nitrato de plata. Aquí ya tenemos haluro de plata se han combinado el
cloruro o el bromuro con la plata, y a la vez se ha formado nitrato potásico.

Formación de los haluros de plata

Formación del Cloruro de Plata (AgCl) Fórmulas Químicas

KCl + AgNO3 AgCl + KNO3 KCl = Cloruro Potásico
AgNO3 = Nitrato de Plata
AgCl = Cloruro de Plata
KNO3 = Nitrato Potásico
Formación del Bromuro de Plata (AgBr) KBr = Bromuro Potásico
KBr + AgNO3 AgBr + KNO3 AgBr = Bromuro de Plata

Ya tenemos una emulsión aunque muy poco sensible a la luz.

2. La emulsión se madura, se le aumenta la sensibilidad y se reduce el contraste,

calentándola durante varias horas.
3. Se enfría la emulsión se tritura y se lava en agua fría, así se eliminan los productos
solubles, principalmente el nitrato de plata que vimos como se formaba en el primer paso.
4. Se vuelve a calentar para aumentar la sensibilidad, en esta nueva maduración ya se le da
la sensibilidad final.
5. Aún caliente se le añaden colorantes que aumentaran la sensibilidad ante diferentes
longitudes de onda.
6. Por último la emulsión liquida se extiende uniformemente sobre el triacetato de celulosa.

Una vez visto como se fabrica la película, veremos que ademas se le añaden dos elementos
más: la capa antihalo y una capa superior de gelatina para proteger la emulsión.

Estructura de la película

Capa protectora
de gelatina Emulsión

Triacetato de celulosa
Capa de gelatina antihalo
y anticurvado

26
 Las películas en color son básicamente películas en B/N pero con tres capas de emulsión es
el sistema conocido como tripack integral, estas tres emulsiones son cada una de ellas sensibles a
uno de estos tres colores:
azul
verde
rojo

Entre la primera y la segunda emulsión hay una capa de filtro amarillo (no deja pasar el
espectro azul y si el verde y el rojo). La primera capa es sensible al azul llegan todos los colores
(longitudes de onda) reacciona sólo al espectro azul y pasan todos los espectros menos el azul (es
decir el verde y el rojo). La segunda capa es sensible a la luz verde y absorbe dicho espectro y la
última es sensible sólo a la luz roja. Puede haber más capas pero eso es en caso muy concretos y
específicos32. Es importante indicar que las películas en color se equilibran para una determinada
temperatura de color, es decir o para luz día o para luz de tungsteno. La película en color funciona
con unos colorantes-copulantes asociados a los haluros de plata que veremos más adelante con
detenimiento.

6.2 Tipos de películas. - Hay distintos tipos de películas, vamos a ver las más comunes en
35mm

6.2.1 Por sensibilidades: antes de comenzar con la clasificación veamos que es la

sensibilidad, llamamos sensibilidad a la capacidad de una película de reaccionar ante la luz. La
sensibilidad se mide en números ISO, antes existían dos grandes sistemas: ASA y DIN, pero se
normalizaron en uno, el ISO. Como todo en fotografía los números ISO avanzan y disminuyen en
dobles y mitades y el significado es directamente ese, una película de 100 ISO necesita el doble de
luz que una de 200 ISO y la mitad que una de 50 ISO.
La secuencia más habitual es:

25/15 ISO 50/18 ISO 100/21 ISO 200/24 ISO 400/27 ISO 800/30 ISO 1600/33 ISO 3200/36 ISO

Vemos que hay dos números ello es debido a que se tomó el primero de ellos de la escala
ASA y el segundo de la escala DIN. Si volvemos a recordar lo que vimos en el capítulo en el que
tratábamos la exposición, podemos añadir un valor más que es la sensibilidad de la película. Así
en un momento dado podemos tener que para una sensibilidad de 100 ISO el fotómetro nos da un
valor de 1/125 f 8, si cambiamos la película y colocamos una de 200 ISO nos dará 1/125 f 11, si es
de 50 ISO el resultado será 1/125 f 5.6 y así sucesivamente. Por ello la elección de la película
muchas veces se verá determinada por la luz existente. Con la sensibilidad de la película también
van asociadas tres características técnicas:

La primera es el tamaño del grano, a mayor sensibilidad mayor tamaño tendrá el grano
recordemos el círculo de confusión, a mayor tamaño del grano menor definición tendrá la imagen.
La segunda característica es el contraste, llamamos contraste a la diferencia entre las zonas
claras de la imagen (luces) y las zonas oscuras (sombras), generalmente a mayor sensibilidad menor
contraste y a menor sensibilidad mayor contraste. El contraste viene reflejado por la “curva”.
La tercera de las características: la latitud. Latitud es el margen de error con el que
podemos exponer y revelar la película y obtener un resultado aceptable, y esta directamente
relacionada con la “porción recta” de la curva característica de la película. Tanto la latitud como el
contraste están reflejados en dicha curva, a mayor sensibilidad la recta suele ser mayor y por tanto
32 En el capítulo de los filtros veremos con detalle como funciona el filtrado

27
menor contraste y mayor latitud, y a menor sensibilidad menor latitud y mayor contraste.
Veamos qué es la curva característica de una película:

Curva característica
de una película
Hombro
Densidad
negativo

Recta

Talón o pie
0 Exposición

Todos los materiales fotográficos, película o papel, tienen una curva característica, veamos
sucintamente dicha curva en el caso de la película. Lo primero es recordar que la curva es una
representación gráfica de la relación entre la exposición, (la intensidad de la luz que llega al
material fotosensible), y el ennegrecimiento de la película, es decir la densidad de la plata que
reacciona ante dicha luz.
Primero encontramos el talón, que es el punto en el que comenzamos a encontrar densidad,
será la parte más oscura de la escena. En el negativo a partir de el talón aparece la parte recta que
es la porción aprovechable dado que en ella por el doble de exposición encontramos el doble de
densidad, es decir la exposición y la densidad se relacionan de manera directamente proporcional,
aquí en la parte recta está toda la gama de densidades reproducibles ya sea en B/N o en color, y así
hasta llegar al hombro donde un aumento de la luz deja de influir, la película ya está saturada y no
puede conseguir más densidad. Es la zona blanca de la película, las luces.

La cuarta característica es el poder resolutivo. El poder resolutivo es la capacidad de una

emulsión de diferenciar los detalles, se suele medir en las líneas por milímetros que esa emulsión es
capaz de diferenciar, una emulsión lenta puede llegar a una resolución de 150 líneas por mm, una
media anda sobre las 80 líneas por mm y las rápidas por las 50 líneas por mm. El poder resolutivo
total es una combinación entre la capacidad resolutiva del objetivo usado y de la película, si
usamos filtros también se ha de contar con su capacidad resolutiva. Es por esto que hay un
principio fotográfico que dice: “ la calidad final la marca el peor elemento que usamos”.

Veamos ahora los tipos de películas:

6.2.1.1 Rápidas. - Son películas con un índice de más de 400 ISO, suelen tener un
contraste bajo y son óptimas para trabajar en condiciones de poca luz, el resultado estará marcado
por esa suavidad (falta de contraste) y un grano evidente. En ellas la recta es muy larga y por tanto
tienen un margen de error considerable y poco contraste.

6.2.1.2 Normales. - Con las emulsiones modernas consideramos películas normales las que
están entre 100 y 400 ISO, mantienen un equilibrio entre el tamaño del grano, bastante pequeño, el
contraste normal y las condiciones luminosas en las que se pueden usar. Son el tipo más común de

28
película y en la franja en la que encontramos más variedad de tipos y fabricantes. La recta en estas
películas es normal y poseen un margen de error o latitud aceptable y un contraste equilibrado
6.2.1.3 Lentas. - Son aquellas cuyo índice es inferior a 100 ISO. Son películas que necesitan
mucha luz y que ofrecen un grano ultrafino y por tanto una altísima definición. Tienen una recta
muy corta y por ello un contraste bastante elevado y un margen de error casi que reducido a cero.

6.2.2 Por tipo. - Esta otra clasificación no se tiene en cuenta la sensibilidad de la película
sino otras características:

6.2.2.1 Negativo B/N. - Es el negativo monocromo, reproduce la realidad en tonos de grises

más el blanco y el negro, a ellas se les aplica todo lo anterior dependiendo de la sensibilidad. En el
negativo encontramos que la imagen está reproducida lumínicamente al contrario de la realidad, es
decir las zonas oscuras en el negativo corresponden a los puntos de luz en la realidad y viceversa.
Podemos encontrar dentro de este grupo tres tipos dependiendo de su sensibilidad al espectro
luminoso. Las monocromáticas son solamente sensibles al azul y el violeta, se usan para
reproducción de planos o fines técnicos; las ortocromáticas son películas sensibles a todo el
espectro excepto el rojo, se pueden manipular bajo luz roja, (luz inactínica) este principio se usa
con el papel en B/N para poder usarlo en el laboratorio; y por último las más habituales que son las
pancromáticas sensibles a todas las longitudes de onda y que son las de uso habitual.

6.2.2.2 Negativo color. - Al igual que en las negativas en B/N, en el negativo color y en las
diapositivas aplicamos todo lo que hemos hablado sobre la sensibilidad, definición, contraste, etc.
etc. En los negativos en color encontramos dos grandes grupos diferenciados por la temperatura
de color para las que están normalizadas: las películas de luz de día, que están normalizadas para
dicha luz, y para el flash, y las de luz de tungsteno equilibradas para las bombillas de tungsteno (las
normales). Veamos brevemente qué es la temperatura de color. Llamamos Temperatura de color
a un valor en grados Kelvin que nos indica la dominante de color que tiene una luz. (este valor se
obtiene de los grados que se ha de calentar un cuerpo metálico negro para que alcance un
determinado color). A 5.600 grados Kelvin la luz es blanca, es la luz del sol a mediodía un día
despejado, o la luz del flash. En cambio una bombilla tiene una temperatura de color de unos 2.600
grados Kelvin y esta temperatura tan baja es rojiza, muy rojiza. Un día nublado o una zona en
sombras tiene una temperatura de color de 6.500 grados Kelvin y es por tanto azul. Las películas
están normalizadas para: 5.600 grados Kelvin y las llamamos Películas de luz Día o para 3.200
grados Kelvin y las llamamos Películas de Luz de Tungsteno.
El negativo en color reproduce los colores opuestos a la realidad así el rojo de la realidad
será cían en el negativo, el verde real será magenta y el azul de la realidad será amarillo en nuestro
negativo33.

6.2.2.3 Diapositivas. - También llamadas películas inversibles, son una emulsión en la que
el resultado es directo, ya vemos la realidad tal cual será en color o en B/N. Las diapositivas tienen
una serie de características particulares, una de ellas es su elevada calidad de imagen, así como la
saturación y reproducción de los colores, aunque a cambio su latitud es muy pequeña, apenas
admiten margen de error y en el caso de películas profesionales casi que el margen de error es cero.
Al igual que con el negativo color encontramos diapositivas calibradas para luz de día y para
tungsteno. Cabe destacar que existen diapositivas en B/N.

33 Veremos el porqué en el positivado

29
 6.3 El Revelado:

6.3.1 Características del revelado. - Para entender el revelado hemos de comenzar viendo
que sucede en la exposición, dado que hay características comunes comenzaremos por el B/N y
después añadiremos en cada caso las peculiaridades propias.

6.3.1.1 Blanco y negro. - Cuando la luz llega a la película cada punto de luz que llega lo
hace con un determinado grado de intensidad y con una determinada longitud de onda34. Cuando
este punto de luz incide sobre la película “activa” a los granos de haluros de plata sobre los que
incide. En la exposición se forma ya una imagen en el negativo, pero esa imagen que conocemos
como imagen latente es muy débil, si retirásemos los haluros de plata intactos y dejásemos sólo
los “activados” necesitaríamos un microscopio para poder ver esa imagen, la imagen latente.

Rayo de luz

Exposición
Cuando un rayo de luz llega a la
emulsión afecta a un grupo de granos,
activándolos. Dependiendo de la
intensidad del rayo de luz,
profundiza más o menos en la
Emulsión emulsión

En el revelado en B/N hay seis pasos igualmente importantes todos ellos, los tres primeros
se han de hacer completamente a oscuras por ello la película está en un tanque especial que la
mantiene fuera de la luz, pero en el que podemos introducir y sacar líquidos:

1. El revelado en sí es un proceso en el que a través del químico revelador reducimos los

haluros de plata que recibieron luz en la exposición a plata metálica (de color negro) mientras los
haluros que no recibieron luz se quedan tal cual. El revelador es un compuesto que suele incluir
fenidona e hidroquinona y dependiendo de su composición será suave, normal, duro, ... Los haluros
afectados, que vimos que eran muy pocos y apenas formaban la imagen latente, reaccionan con los
que están justo junto a ellos y amplifican la imagen latente del orden de 10 millones de veces. Una
vez se llega al nivel óptimo de ampliación de dicha imagen latente hemos de parar el revelado.

2. El paro es un baño en el que neutralizamos al revelador, se suele hacer con ácido acético
diluido. El revelador sólo actúa en un medio alcalino, es decir con un pH superior a 7, al añadirle
ácido neutralizamos la alcalinidad y el revelador deja de actuar. Su función es únicamente detener
al revelador en el momento que decididamos.

34 Recordemos el fenómeno de la reflexión.

30
 Ácido Neutro Alcalino

pH 1 pH 7 pH 14

En este medio
actúa el revelador

3El fijado es un baño compuesto por hiposulfito sódico en el que los haluros de plata que
no recibieron luz se transforman en sales solubles al agua. Así podremos lavar el negativo y nos
quedará sólo la imagen. Una vez se ha fijado la película, ésta deja de ser sensible a la luz y una vez
lavada ya podemos sacarla del tanque y exponerla sin peligro a la luz.

4. El lavado35, como acabamos de ver el fijador ha convertido los haluros no expuestos en

sales solubles, así que al lavar el negativo las quitamos de la emulsión. Hay quien antes del lavado
da un baño de eliminador de hiposulfito, y quien a continuación del lavado da un baño de
humectador que sirve para evitar que queden gotas y por tanto manchas sobre el negativo.

5 y 6. El secado y archivado, es importante secar la película en un lugar cerrado y sin

polvo, dado que en la emulsión húmeda se pegan todas la partículas. A la hora de archivar los
negativos es importante usar materiales con un pH neutro a fin de no contaminar los negativos, y
lo suficientemente suaves para que no los rayen.

Objeto real
Mucha luz Poca luz Mucha luz Poca luz

Formación del negativo

Negativo

Mucha plata Poca plata Mucha plata Poca plata

6.3.1.2 Negativo color. - Antes de entrar en el revelado recordemos cómo es el negativo en

35 En contra de lo que se suele pensar el lavado es uno de los pasos más importantes del revelado, de él dependerá en
mucho la duración del material.

31
color. Es una negativo con tres capas de emulsión donde cada una de ella es como una emulsión de
B/N y han sido sensibilizadas para los espectros azul, verde y rojo. En la emulsión hay unos
colorantes llamados copulantes que van asociados a la plata, así según se produce más o menos
plata se producen proporcionalmente colorantes. En la capa sensible al azul los colorantes son
amarillos, en la capa sensible al verde son magentas y en la sensible al rojo es cían.

Nombre y abreviatura
de los colores en
Objeto Real Negativo fotografía:

Azul Amarillo
Rojo R Red
Verde Magenta Verde G Green
Azul B Blue
Rojo Amarillo Y Yellow
Cían
Magenta M Magenta
Cían C Cyan

Una vez recordado esto veamos el revelado del negativo. El proceso de revelado del
negativo de color se llama C-41, y es un proceso que se suele hacer mecánica y automatizadamente,
mientras que el revelado del B/N se suele realizar de modo manual. Esto es debido a que las
variaciones en el revelado del B/N nos da resultados útiles e interesantes, mientras que en el
negativo y la diapositiva apenas si es posible realizar variaciones. El C-41 es un proceso que consta
de cuatro pasos más el lavado, el secado y el archivado, veamos estos pasos:

1. El revelado de color en el que se produce en cada capa una imagen de plata y otra de
colorante, tal como hemos dicho antes ambas imágenes son proporcionales.

2. El paro, al igual que en B/N

3. Lavado, un primer lavado durante como mínimo cinco minutos

4. Baño de blanqueo y fijado con el se elimina la imagen de plata y queda sólo las tres
imágenes de color

5. Por ultimo el lavado y el secado

A la hora de revelar los negativos en color hemos de pensar que casi siempre lo haremos en
un laboratorio y que existen varios métodos siendo los más comunes el automático y el manual. Es
importante que elijamos un laboratorio36 que mantenga bien sus máquinas y que renueve
regularmente los químicos sino nos encontraremos alguna que otra vez con sorpresas bastante
desagradables. Esto es valido para todo aquellos procesos que no realicemos personalmente.

36 Es importante elegir bien el laboratorio que usamos, ya que seremos sus clientes a lo largo de muchos años y vamos a
depositar en ellos muchas ilusiones. A veces después de toda la inversión en equipo, en ilusiones, en tiempo, en
carretes,... es poco inteligente arriesgarse a perder las fotos por un ahorro mínimo.

32
 6.3.1.3 Diapositivas. - El proceso de la diapositiva es conocido como E-6, y al igual que el
anterior suele hacerse de modo mecánico y automatizado. Aquí encontramos los siguientes pasos:

1. Revelado monocromo, es decir en B/N

2. Lavado y paro, igual que los anteriores

3. Inversión química en este paso lo que hacemos es convertir un negativo en un positivo,

antes esto se hacia reexponiendo la película a la luz, pero ahora se realiza a través de un proceso
químico

4. Revelado de color este proceso es similar al del negativo en color, se revelan las sales de
plata activadas y con ellas los colorantes

5. Paro, como en todos los anteriores

6. Blanqueo y fijado, se elimina la plata y ya solo quedan los colorantes. Y a continuación

el lavado y secado igual que en los casos anteriores.

6.3.1.4 Forzados. - Forzamos una película cuando la exponemos por encima de su

sensibilidad nominal, es decir usamos una película de 100 ISO como si fuese de 200 ISO37, por
cada paso que pasamos es un paso de forzado. Cuando hacemos esto al revelar hemos de aumentar
el tiempo de revelado, este aumento está indicado en tablas que facilita el fabricante en caso de ser
B/N. En el caso del color o la diapositiva hemos de indicarle al laboratorio cuanto hemos forzado la
película.
A nivel práctico lo ideal es no forzar exactamente el doble de la sensibilidad, es decir si
usamos una película de 100 ISO, en lugar de forzarla a 200 ISO, lo más óptimo suele ser usarla
como 160 ISO, si es de 200 ISO usarla como 360 ISO, y si es de 400 ISO como 640 ISO. Aunque
esto suele ser válido es necesario hacer pruebas previamente para asegurar el resultado.

6.3.1.5 Procesos cruzados. - Llamamos procesos cruzados a revelar negativo como si fuese
diapositiva, proceso E-6 y a revelar diapositiva como si fuese negativo proceso C-41. El resultado
es una transformación de los colores y del contraste muy acentuado, el proceso de revelar negativo
como diapositiva apenas se usa, en cambio la diapositiva revelada como negativo es bastante
común en moda, publicidad, expresión personal,...

6.4 ¿Qué película usar?. - A la hora de elegir una película hemos de respondernos una serie
de preguntas, unas técnicas y otras expresivas. Esta es una lista de algunas de las preguntas que
pensamos es necesario plantearse antes de elegir una película:

1 ¿B/N o color?

2 En caso de ser color ¿diapositiva o negativo?

3 ¿Que sensibilidad?

4 ¿Qué revelado le vamos a dar?

37 Al forzar una película le estamos dando menos luz de la que necesita.

33
 Para responder a cada una de estas preguntas nos hemos de plantear cuestiones técnicas
como la cantidad de luz, los objetos o sujetos que vamos a fotografiar y sus características, si
necesitaremos mucha o poca velocidad, mucha o poco profundidad de campo, si lo importante será
la forma o el color, si buscamos más o menos dramatismo, más o menos realismo, ....

6.5 Tabla comparativa entre películas. - Hemos realizado una tabla con algunas de las
características que pensamos son más útiles de cada tipo de película:

Tipo Sensibilidad Resultado Definición Contraste Prof. de Velocidad Saturación

campo de color
B/N Baja Copia Alta Alto Baja Baja /
B/N Media Copia Media Medio Media Media /
B/N Alta Copia Baja Bajo Alta Alta /
Color Baja Copia Alta Alto Baja Baja Alto
Color Media Copia Media Medio Media Media Medio
Color Alta Copia Baja Bajo Alta Alta Bajo
Diapositiva Baja Transparencia Muy Alta Muy Alto Baja Baja Muy Alto
Diapositiva Media Transparencia Alta Alto Media Media Alto
Diapositiva Alta Transparencia Media Medio Alta Alta Medio

6.6.El Positivado:

6.6.1 La idea de “positivo”, la copia final38. - Llamamos positivo a la fotografía en sí, a la

copia fotográfica. Cómo acabamos de ver, exceptuando las diapositivas, el modo en el que
captamos la imagen es a través de un negativo. Si es en B/N tenemos las zonas claras de la realidad
oscuras en el negativo y las zonas oscuras de la escena claras; y si es en color con amarillos en
lugar de azules, magentas en lugar de verdes y cíanes por los rojos. Así para ver la imagen final
hemos de positivar ese negativo, cuando lo positivamos lo que hacemos es invertir el negativo y
volver a los valores de la escena inicial.

6.6.2 Tipos.- antes de comenzar con los positivos hemos de dedicarle unos minutos a la
ampliadora, la ampliadora es el instrumento con el que positivamos los negativos, es una cámara
fotográfica al revés.

Cabezal, fuente
de luz
Estructura básica Portafiltro
de una Portanegativos
ampliadora
Objetivo

Columna

38 La idea de copia final es la referente al resultado final, a la copia que ya mostramos y que es el resultado óptimo de
nuestro fotográfico, tendremos muchas fotos que no llegarán a ser copias finales

34
 Al positivar colocamos el negativo en el portanegativos, este negativo es atravesado por la
luz que proviene del cabezal y proyecta una imagen sobre una superficie, el marginador, en la que
colocamos el papel fotográfico. Hay distintos tipos de ampliadora, dependiendo del cabezal las hay
de luz dura, de luz suave, de luz fría,... La ampliadora posee al igual que la cámara un diafragma y
un sistema que controla el tiempo que la luz está encendida y llegando al papel, el temporizador.
El otro elemento importante es el papel, los papeles fotográficos tienen una estructura muy
parecida a los negativos, hay una base o soporte de color blanco y sobre este soporte se encuentra
la emulsión. Es importante ser consciente de que el positivo lo vemos por reflexión, esto quiere
decir que la luz atraviesa la emulsión, rebota sobre el soporte blanco y al salir es cuando vemos la
imagen. Un aspecto importante en los positivos es los tamaños, Hay unos tamaños standard que son
anteriores a la fotografía y que son los que usamos, por razones históricas unos son proporcionales
a nuestro negativo o diapositiva, es decir al formato de 24 X 36 cm y otros no

Medidas no proporcionales Medidas proporcionales

al 35 mm al 35 mm

9 X 13 cm 13 X 19,5 cm
13 X 18 cm 15 X 22 cm
18 X 24 cm 18 X 26 cm
24 X 30 cm 20 X 30 cm
30 X 40 cm 24 X 36 cm
40 X 50 cm 30 X 45 cm
50 X 60 cm 50 X 75 cm
60 X 80 cm 60 X 100 cm

6.6.2.1 Blanco y negro (FB Y RC). - En blanco y negro encontramos dos tipos de positivos
dependiendo del papel usado, el baritado (FB) que es papel con una base de cartón y plástico (RC)
que como indica su nombre tiene la base de plástico. El proceso del positivado es muy similar al
del revelado del negativo. La primera característica es que el papel fotográfico al contrario que la
emulsión no es sensible a todo el espectro lumínico, sino que es ortocromático39 y la luz inactínica
roja no le afecta, por ello podemos positivar bajo la luz roja. El proceso consiste primero en
proyectar la imagen del negativo una vez ampliada sobre el papel en tres baños un primer baño de
revelado en el que al igual que en el negativo reducimos los haluros de plata impresionados a plata
metálica y además activamos este proceso hasta tener una imagen bien definida, ademas podemos
ver como sucede. Un segundo baño de paro, que consiste en el consabido ácido acético que detiene
el revelado y un último baño de fijado donde los haluros no expuestos se transforman en sales
solubles y con el baño posterior las eliminamos completamente.

6.6.2.2 Color. - El positivado del color normalmente se realiza de modo automatizado y

mecanizado40, no obstante se puede realizar manualmente, el proceso es muy similar al revelado del
negativo en color aunque con algunas peculiaridades. El proceso ha de realizarse a oscuras o con
39 Hay papeles pancromáticos, pero son muy poco comunes y específicos
40 Es igual que con los negativos color y las diapositivas

35
unas luces muy especiales y de muy poca intensidad. Lo primero que se debe encontrar es el
filtrado correcto a través de pruebas, una vez ajustado el filtrado exponemos el papel y el primer
baño es el revelado en color, a continuación el blanqueo-fijado y por último el lavado y
estabilizado.
Como el positivado del color rara vez lo haremos nosotros mismos hemos de ser muy
conscientes que en el laboratorio nos ofrecerán distintos tipos de ampliado los más comunes son
automático y semi o manual, la diferencia suele ser considerable a nivel económico y de acabado,
en los modos semi y manual nos han de dar la oportunidad de ver tiras de pruebas de color para que
elijamos el filtrado. También encontraremos que varía mucho el resultado y el precio dependiendo
del papel que usen, para simplificarlo diremos que hay dos tipos el papel normal y los especiales
que suelen tener un acabado metálico y mejor resolución tanto por definición como por color

6.6.2.3 R-3 y Cibachrome. - El R-3 es un proceso con el que podemos obtener un positivo a
partir de una diapositiva. Hay muchos tipos de procesos, aunque los dos de más alta calidad son el
R-3 y por encima de todos el cibachrome. El cibacrome se caracteriza porque es un sistema en el
que los tintes van incluidos en la emulsión en lugar de ser colorantes que se forman químicamente,
eso le da un brillo y calidad excepcional, así como una resistencia y estabilidad muy superior al
resto de los procesos en color. (Actualmente el cibachrome se llama ilfordchrome). Otros procesos
más económicos son los tipos “digiprint” donde obtenemos un resultado aceptable aunque alejado
de los anteriores. En el R-3 el resultado varia mucho dependiendo del papel usado.

6.6.3 Tabla comparativa entre tipos de copias. - Hemos realizado esta tabla con la
intención de mostrar las diferencias en algunos detalles dependiendo de que tipo de copia queramos
como resultado final

Tipo Acabado Definición Contraste Gradación de grises Saturación Precio

color
B/N Plástico Calidad Alta Variable Buena / Alto
Media
B/N Baritado Calidad Alta Variable Excelente / Muy Alto
muy Alta
Color normal Calidad Media Normal / Media Bajo
Media-baja
Color Especial Calidad Alta Alta Alto / Alta Muy Alto
“Digiprint” Calidad Media Alto / Media Bajo
Baja
R-4 Calidad Alta Alto / Alta Alto
Alta
Cibachrome Calidad Muy Alta Alto / Alta Muy Alto
muy Alta

6.6.4 Otros procesos: virados, retoques, ... - Además de los procesos que acabamos de ver
hay muchos otros menos comunes, algunos son los llamados procesos antiguos: al carbón, goma
bicromata etc., además nos encontramos con los procesos cruzados como seria positivar negativos
como si fuesen diapositivas (es decir con el R-3 o similar), y los distintos virados: al selenio, cobre,

36
oro, azul, etc. Por último las copias finales se pueden retocar41 para eliminar imperfecciones,
arañados, motas de polvo,... e incluso colorear con anilinas total o parcialmente.
7 Varios
7.1 Archivo: orden y conservación. - Puede parecernos un poco tonto pero es muy
importante que desde el inicio de nuestra actividad fotográfica nos acostumbremos a mantener un
archivo ordenado y estructurado. Pensemos que en un carrete tenemos 36 negativos, en diez
carretes, 360, en cien carretes tenemos ya 3600 negativos y no es tan difícil como parece
encontrarnos en esa situación y si no los tenemos ordenados tendremos un verdadero problema. Si
bien cada uno ha de estructurar su archivo como considere más apropiado lo más común es separar
los materiales, es decir: negativos en B/N, color, diapositivas y positivos. Y a continuación
agruparlos por temas y dentro de los temas colocarlos por orden cronológico.

Tipo de Material

Temas tratados

Orden cronológico

En lo referente a la conservación, como hemos visto los negativos, diapositivas y positivos

están formados por o una capa de triacetato, o una base de papel baritado o plástico y una fina
emulsión de plata metálica y/o colorantes. Esta estructura es muy frágil y sobre todo sensible a los
arañados y erosiones. Si se nos malogra una copia siempre podremos hacer otra pero si lo que
perdemos es un negativo o una diapositiva la imagen es irrecuperable, por ello hemos de ser
cuidadosos con todos los materiales fotográficos y sobretodo con negativos y diapositivas. A la hora
de guardar los negativos y diapositivas lo más común y práctico son las hojas archivadoras, es
importante que elijamos materiales neutros42 y lo suficientemente suaves como para que no los
rayen.
Las diapositivas se suelen proyectar para mostrarlas, si bien es el modo en el que mejor se
aprecia el color y la definición de este material, hemos de contar que el proyectarlas las desgasta.
Directamente el calor y la luz se comen la imagen. Cada diapositiva tiene unas horas de vida
proyectada, así que mientras más rato la tengamos ante la luz menos durará con todas sus
cualidades. Hay quien si piensa proyectarlas muy a menudo tiene dos juegos, las copia y proyecta
sólo uno de ellos. Lo mismo le sucede a los positivos en color, ademas la resistencia de las copias
en color es bastante limitada (sólo hay que ver una copia de hace diez o quince años y ver como se
ha desgastado el color), un problema añadido es que si las guardamos a oscuras se desgastan unos
colorantes y si las colocamos a la luz otros distintos. Diferente es el cibachrome que tiene una
estabilidad muy alta y una larga vida, al igual que el B/N, un buen positivo en B/N sobre papel
baritado y virado al selenio puede tardar cien años en comenzar a envejecer. No obstante todas las
copias se han de conservar con unos mínimos cuidados que son :

• evitar la luz directa, sobre todo del sol

• evitar que estén sometidas a la humedad
• evitar los cambios bruscos de temperatura
• no colocarlas nunca en contacto con materiales que no sean neutros, mucho cuidado con
pegamentos y celos (los hay especiales para fotografía)
41 El retoque, sobre todo en B/N, es realmente importante para conseguir un acabado elegante , y es un proceso
laborioso pero muy efectivo
42 Si usamos materiales ácidos o alcalinos con el tiempo afectarán a la emulsión contaminándola

37
 • proteger su superficie de arañazos y erosiones

7.2 Presentación de copias y diapositivas. - La mejor forma de presentar las diapositivas es

proyectándolas, aunque ya hemos visto el peligro que esto conlleva. Una opción menos dañina para
este material es visionarlas sobre una caja de luz43 y observarlas con una lupa pero ello nos obliga a
visionarlas una a una. Si las proyectamos es importante que la sala esté a oscuras, resaltará más la
imagen y que la superficie sea de color blanco neutro, completamente lisa y mejor si es ligeramente
brillante. Aspectos importantes son : el orden, la cadencia y la cantidad.
• El orden para darle un sentido y una intencionalidad ya sea narrativa o emocional a la
secuencia.
• La cadencia para marcar un ritmo, que nos ayudará en la expresividad
• La narrativa y la cantidad para no cansar a la audiencia, es mejor dejarlos con ganas que
saturados y confusos.

Las copias, tanto en color como en B/N, lo mejor es presentarlas sobre algún tipo de
soporte, el ideal es el tipo passe-partout y así a la vez que la protegemos la encuadramos,
dependiendo de si es B/N o color, del motivo y de la intencionalidad elegiremos el tamaño y el
color del cartón del passe-partout. Para fijarlas si bien existen pegamentos y celos especiales para
fotografías un sistema sencillo y práctico es el de las cantoneras.
Será distinto si lo que presentamos es una selección de imágenes individuales o si es una
secuencia con intencionalidad, en el segundo caso nos podemos plantear usar distintos tamaños de
imagen para reforzar las que consideramos más importantes, y tomaremos en cuenta los tres puntos
que veíamos en la presentación de las diapositivas: el orden, la cadencia y la cantidad.

En copias o diapositivas es muy importante que el acabado sea lo mejor posible, parece
mentira como una buena imagen se puede diluir con un mal passe-partout, o como una excelente
copia queda deslucida por una serie de puntitos blancos.

43 También les afecta, pero bastante menos

38
 8 El Flash
8.1 Tipos y características. - EL flash es un mecanismo que nos permite conseguir una gran
cantidad de luz en una fracción de tiempo muy reducida. Hay varios tipos de flashes, pero del que
vamos a hablar en este taller es del portátil, del ligero flash de mano. Esto es, aquel que podemos
acoplar a nuestra cámara, ya sea mediante la zapata de la cámara o a través del zócalo de conexión.
El flash portátil es un equipo de iluminación con unas grandes ventajas: es ligero y podemos
llevarlo con nosotros, suele tener una fuente de alimentación independiente de la red ya sea por
pilas o baterías, en relación a su tamaño poseen una potencia de iluminación elevadisima, su
temperatura de color es estable y normalizada a luz día (recordemos los tipos de película), apenas
desprenden calor, y podemos sincronizarlo con algunas velocidades del obturador. Si bien hay
varios tipos de flashes los más comunes son los de bombilla y los electrónico, los de bombilla
apenas se usan aunque aún los llevan algunos equipos de polaroid o aplicaciones especiales, y los
que realmente usamos son los electrónicos. En los flashes electrónicos la luz se produce por una
descarga de tensión en un tubo relleno de gas xenón, esto es lo que permite que consigamos tanta
potencia con un sistema de tamaño tan reducido.
Entre los flashes encontramos, al igual que con las cámaras, que los hay muy sencillos con
un único modo de funcionamiento: el manual y donde siempre se produce la misma intensidad de
luz; y los hay realmente complejos y con extraordinarias funciones tanto de medición como de
exposición y sincronización, estos flashes varían la intensidad de la luz en escalas muy amplias.
Como veremos su uso es muy distinto.

8.2 El número guía. - Ante cualquier flash el primer dato realmente importante es el
número guía, este es en realidad un valor que nos indica la potencia del flash medida para un valor
de 100 ISO, lo que nos indica en concreto es el número f que hemos de usar para un objeto a un
metro de distancia con el flash a máxima potencia, es decir para un número guía 32 si iluminamos
un sujeto a un metro de distancia y usamos película de 100 ISO deberemos colocar el diafragma en
f 32. Esto nos lleva a la fórmula de cálculo del diafragma a partir del número guía.

Número guía
Número f =
Distancia entre el flash y el sujeto

En esta fórmula vemos que se relacionan tres elementos, el diafragma que usaremos en la
cámara y que es el valor que a nosotros nos interesa averiguar, el número guía del flash, que es un
valor que nos da el fabricante y recordemos que está normalizado para 100 ISO y a un metro de
distancia, y la distancia entre el flash y el objeto que hemos de medirla nosotros. Antes de seguir
veamos uno ejemplo: usamos un flash de número guía 32, para iluminar un objeto a dos metros,
aplicamos la fórmula y resulta que dividimos f 32 entre 2 y el resultado es f 16, (32 : 2 = 16), así
que el diafragma que hemos de usar es f 16. Pero esto puede parecernos extraño pues la mitad de
luz de un diafragma f 32 sería un diafragma f 22 y no un f 16. Además estamos hablando de
diafragmas, de distancias, de números guías, pero ¿ y la velocidad de obturación ?, por que ya
hemos visto en varias ocasiones que una exposición consiste en una combinación entre una
determinada velocidad y un determinado diafragma. Para entender el uso del flash hemos de ver
previamente dos conceptos: la sincronización y la ley de la inversa del cuadrado. La ley de la
inversa del cuadrado ya la vimos entre las propiedades de la luz, pero recordemos que es un

39
principio de iluminación que nos dice: “La iluminación de un sujeto es inversamente
proporcional al cuadrado de la distancia del foco emisor de luz”

Superficie B
Ley de la inversa del cuadrado:
Superficie A Con la misma fuente de luz a
un sujeto situado al doble de
Fuente de luz distancia (superficie B) le llega
una cuarta parte de luz. Ya que
esa misma cantidad de luz
ha de cubrir una superficie
(superficie B) que es cuatro veces
la primera (superficie A)

1 metro 1 metro

2 metros

Esta ley nos dice a nivel práctico que si a un objeto situado a un metro de una fuente de luz
le llega una intensidad luminosa que nos permite fotografiarlo a f32, si está a dos metros el
diafragma será f16 y no f22. Es importante recordar que la relación es entre el objeto y la fuente de
luz, la distancia entre el objeto y la cámara no influye en nada44. Veamos ahora que es la velocidad
de sincronización. Hasta ahora no hemos tenido en cuenta para nada la velocidad de obturación
esto es debido a que el flash suele dispararse a una velocidad de mas de 1/4000 de seg. con lo que
siempre estará a esa velocidad, pero lo que nos interesa es la sincronización, esto es las
velocidades en las que el negativo puede ser expuesto es su totalidad. Recordemos como
funcionaba el obturador, eran dos cortinillas que salían una detrás de otra, hasta una determinada
velocidad hay un momento en que todo el negativo está destapado, eso es la sincronización, el flash
se dispara cuando todo el negativo está descubierto y la luz llega a todo el negativo igualmente. Si
disparamos a una velocidad más rápida, el negativo nunca llega a estar descubierto completamente
y nos quedará una franja sin iluminar, mayor será la franja mientras mas rápida sea la velocidad. En
la mayorías de las cámaras la velocidad de sincronización viene marcada en rojo o con cualquier
sistema y suele ser de 1/60 para cámaras de obturador de tela y de 1/125 y 1/250 para obturadores
metálicos. Recordamos que a partir de la velocidad de sincronización, la cámara sincroniza con
todas las velocidades inferiores.

8.3 Uso del flash. - Con lo que acabamos de ver ya nos podemos hacer una idea del
funcionamiento básico del flash de mano. Vamos a ver tres tipos de casos:

8.3.1 Iluminación. - hay veces en las que iluminamos sólo con el flash, esto es cuando el
flash es la única fuente de luz o la más fuerte con mucha diferencia, en estos casos lo que haremos
será ver el diafragma que nos marca el flash para la distancia a la que está del objeto colocamos
44 Observemos que si fotografiamos una montaña, o el horizonte situado a decenas de kms queda igualmente de bien
expuesto que un objeto cercano

40
dicho número f y la velocidad en un valor que nos sincronice. Aunque es obvio no esta de más
recordar que el número guía esta dado para un 100 ISO, y lo variaremos en función de nuestros
habituales dobles y mitad, veamos un ejemplo:

25 ISO - Número Guía 16

50 ISO - Número Guía 22
100 ISO - Número Guía 32
200 ISO - Número Guía 45
400 ISO - Número Guía 64
.....

8.3.2 Relleno. - Usamos el flash de relleno cuando tenemos otra u otras fuentes de
iluminación y usamos el flash para rellenar las sombras, en este caso lo que primero que hacemos
es medir la luz que hay en la escena y luego colocar el flash de modo que igualemos la iluminación
o subexpongamos el flash un punto. Por ejemplo la medición de la luz ambiente nos da 1/60 f16 y
nuestro flash es un número guía de 32, veamos que podemos hacer:
Antes de nada es ser conscientes de que vamos a sumar dos luces, entonces si la luz
ambiente es 1/60 f16, si igualamos el flash45 deberemos colocar en la cámara un diafragma mayor,
en este caso sería 1/60 f22 ya que las dos luces se suman. En cambio si el flash lo dejamos un paso
por debajo, no es necesario que sumemos las luces, el incremento no se notará en el resultado.
Dejaríamos en la cámara 1/60 f16 y al flash le daríamos la orden de exponer para 1/60 f11
La primera opción podría ser colocar el flash a dos metros del sujeto, como hemos visto al
colocarlo a esa distancia, su número guía es de 32 a un metro, por tanto a dos metros da cuatro
veces menos luz, y eso es f16, Así colocando el flash a dos metros de distancia y tenemos que da la
misma luz que la luz ambiente, colocamos en la cámara 1/60 f22 y la escena nos quedará
perfectamente expuesta, aunque muy plana y sin “carácter”, lo ideal sería colocar el flash a 3
metros, lo cual nos dará un f11, y exponemos a 1/60 f16, las luces quedarían correctas y las
sombras las rellenaría el flash colocándolas en f11, así la escena tendrá más volumen.
La segunda opción es variar la velocidad del obturador, si tenemos 1/60 a f16 como
sabemos como funciona la reciprocidad sería lo mismo disparar a 1/30 f22, o a 1/15 f32, así si
colocamos el flash a 2 metros, que nos da f16, si disparamos a 1/15 f22 ya hemos igualado la luz.
Por último una tercera opción es modificar el flash, usando los automatismos o las
reducciones de potencia.

8.3.3 Otros. - Hay otros usos para el flash los más habituales son: reducir o aumentar el
contraste de una imagen, congelar el movimiento, mezclar movimiento congelado y barrido,
corregir dominantes, con filtros colorear la imagen,...

45 Es decir hacemos que de luz para exponer a 1/60 f 16, recordemos que el flash es una fuente de luz

41
 9 Filtros.

Llamamos filtros a unos elementos de material traslúcido, es decir que dejan pasar la luz
variándola en alguna de sus características, que normalmente son de vidrio, gelatina, acetato de
celulosa o poliéster y que solemos colocar en el objetivo de la cámara, en la ampliadora o delante
de una fuente de luz. Hay un tipo de filtro difusor que a veces está dentro el objetivo o entre el
objetivo y la película.

9.1 Tipos y características. - Hay muchos tipos de filtros y podemos ver tres grandes
grupos: los filtros para B/N, los filtros para el color y otros.

Filtros para blanco y negro:

* Filtros de control de contraste (aclara los objetos de su color y oscurece el
complementario)
* Filtros de control del contraste en la ampliación (aumentan o disminuyen el
contraste de la copia final)
Filtros para el color:
* Filtros para el equilibrio del color (sirve para corregir dominantes indeseadas)
* Filtros para conversión de color (sirve para cambiar la temperatura de color con
la que la luz llega a la película)
* Filtros para al ampliación del color(sirven para filtrar los negativos en color y que
las copias tengan la neutralidad o la dominante
que nosotros deseemos)
Otros:
Aquí vemos aquellos que son o comunes a color y B/N o se usan en la fuente de
iluminación:
Comunes:
* Skylight y ultravioleta (aportan nitidez al absorber las radiaciones
ultravioletas)
* Densidad neutra (quitan la luz que nos sobra)
* Polarizador (evita los reflejos de los objetos pulidos y aumenta con
ello la saturación de los colores)
* Flou, spot, múltiple, .... (el flou suaviza la imagen, el múltiple repite las
imágenes y hay otros de efectos: estrellitas, estelas,
bicolores,....)
En la fuente de iluminación:
* Polarizador
* De color
* Nidos de abeja
* Spot
* Degradados, ....

Los filtros pueden ser de rosca, y se enroscan en el frontal del objetivo o pueden ser láminas
cuadradas más o menos grandes que se colocan en un portafiltros, siendo este portafiltros el que
enroscamos en el frontal del objetivo. Los filtros si bien se usan para corregir a su vez influyen en el
resultado óptico final, por ello volvemos a la ley no escrita que nos dice: “ la calidad final la
marca el peor elemento que usamos”. Así que dependiendo del filtro que estamos usando
rebajamos o no la calidad óptica final.
Para entender el funcionamiento de los filtros de color hemos de comprender como

42
funcionan los colores, aunque este es tema de un taller más avanzado veámoslo brevemente: en
fotografía trabajamos sobre dos grupos de colores: los primarios: rojo, verde y azul (RGB) y los
secundarios: amarillo, magenta y cían (YMC) y la idea de complementarios: dos colores son
complementarios cuando al sumarlos obtenemos luz blanca.

Veamos esto a través de un gráfico:

ROJO

AMARILLO MAGENTA

VERDE
AZUL

CIAN

Los colores marcados con círculos son los primarios

Los colores marcados con rectángulos son los secundarios

Para cada color su complementario es el opuesto en el gráfico:

Rojo y Cían
Verde y Magenta
Amarillo y Azul

Sumas de colores:

Rojo + Verde + Azul = Blanco

Rojo + Verde = Amarillo
Rojo + Azul = Magenta
Azul + Verde = Cían

Como podemos observar la suma de los colores primarios de dos en dos nos da los
secundarios y el color obtenido al sumar dos primarios es el complementario del primario que no
participa en la suma.

43
 Ahora veamos un poco como funciona un filtro: el filtro si es de un color lo que hace es
absorber y por tanto impedir el paso a su complementario, veámoslo:

Color del Filtro Color que absorbe (complementario) Color que pasa
Rojo Cían (Verde y Azul) Rojo
Verde Magenta (Rojo Y Azul) Verde
Azul Amarillo (Rojo y Verde) Azul
Amarillo Azul Amarillo (Verde y Rojo)
Magenta Verde Magenta (Azul y Rojo)
Cían Rojo Cían (Azul y Verde)

Funcionamiento de
un filtro
Azul Azul
Luz de color Cían

Luz blanca Verde Verde

Rojo Absorbe el Rojo

Filtro cían

9.2 Uso. - Para usar los filtros en la mayoría de los casos sólo hemos de colocar estos
delante del objetivo y a continuación hacer la foto, pero hemos de ser conscientes de que como todo
objeto traslúcido absorbe cierta cantidad de luz, A la luz que nos resta el filtro se le llama factor
de filtro y es un valor que suele venir indicado en el mismo filtro de una de las siguientes maneras:
+... ó X.... en el primer caso nos indica el número de pasos que hemos de abrir, por ejemplo si
antes del filtro nos daba 1/60 f 16, y el filtro es +2, expondremos a 1/60 f 8. En el segundo caso nos
dice cuanta luz mas necesita la película, por ejemplo X2 es que necesita el doble de luz, es decir
abrimos un diafragma, por ejemplo si la medición antes del filtro nos da 1/30 f 16, y el filtro es X2,
exponemos a 1/30 f 11, si el filtro fuese X4 expondríamos a 1/30 f 8.

44
 10 Elementos básicos de iluminación
10.1 Luces y sombras, el porqué de la iluminación. - ¿Qué es la iluminación? Si
consultamos la enciclopedia focal vemos que nos define la iluminación como: “la distribución de
la luz de una o más fuentes luminosas sobre el sujeto que se va a fotografiar y sobre la
superficie del material sensible” En esta acertada definición nos encontramos una serie de
elementos muy interesantes como son el destacar la existencia de una o varias fuentes de luz, el
indicar que es distinta la luz que llega a la escena de la que llega al interior de la cámara (la que
incide sobre la película), es decir lo que conocemos como luz incidente y reflejada y los
contrastes de escena y de iluminación.
La iluminación de una escena dependerá de una serie de características, algunas de las más
importantes son:

Tipo de fuente (luz dura, suave, directa, rebotada,...)

Intensidad de cada una de las fuentes de luz (que nos dará el contraste de iluminación),
Posición de dichas fuentes (que nos marcará la direccionalidad de la luz y la distribución de
luces y sombras)
Color de la luz, ...

Estas características son válidas tanto si partimos de una o varias fuentes de iluminación
artificiales o si por el contrario son naturales, o si combinamos ambas. El conocimiento de la
iluminación nos permitirá básicamente dos opciones:

La primera exponer correctamente o lo que no es poco, exponer para obtener el resultado

que deseamos

La segunda que nos ofrece este conocimiento es ser consciente de cómo afectará al
resultado y usarlo con fines expresivos e incluso en algunas ocasiones46 modificar la iluminación en
busca de poder expresarnos mejor.

(Antes de pasar a ver los contrastes vamos a definir algunos conceptos básicos)

Tipos de iluminación:

Dura - Llamamos dura a una luz muy direccionada y concentrada que sale de la fuente y
llega directamente al sujeto, es una luz que provoca sombras muy profundas ya que la luz al tener
una única dirección sólo ilumina un plano, un ejemplo sería un foco dirigido directamente sobre un
objeto, o el mismo sol a las 12 un día despejado.

Suave o difusa - Luz suave o difusa es la que tiene múltiples direcciones, llega entonces al
objeto desde muchos ángulos e ilumina varios planos a la vez, provoca pocas sombras, un ejemplo
sería la luz de un foco rebotada en el techo, o la luz de un día nublado.

46 Podemos modificar de muchos modos la iluminación, aunque la fuente sea el sol como ya veremos en las prácticas

45
 Luz Dura Luz Difusa

Dirección de la luz:

(Para denominar la dirección de la luz, partimos del punto de vista de la cámara, es decir
todas las referencias las hacemos pensando que estamos tras la cámara)

Cenital - Esta es la luz que nos llega desde arriba, es la luz del sol.

Frontal - Es una luz que llega siguiendo la dirección cámara -sujeto

45º y lateral - Tal como su nombre indica la luz a 45ª es la que llega desde ese ángulo, sea
desde la derecha o desde la izquierda, también tenemos ese tipo de iluminación pero desde arriba o
abajo. La luz lateral es cuando el ángulo de la iluminación es de 90 grados.

Contraluz - Es cuando la luz esta tras el objeto, es decir el objeto o sujeto fotografiado está
entre la fuente de luz y la cámara.

Luz principal y secundaria, (luz de relleno) - Un concepto importante en la iluminación es

el de luz principal y el de secundarias. Luz principal es aquella que “manda” en la iluminación, la
más importante, es la que en realidad ilumina el sujeto y secundarias son el resto de las luces que
llegan a la escena.

46
 Luz Cenital Luz Frontal

Luz a 45º Luz a 90º

Contraluz

10.2 Contraste de escena y de iluminación: los ratios. - El contraste en iluminación es la

diferencia que hay entre las zonas iluminadas y las zonas en sombras, pero a la hora de analizar una
iluminación hemos de tener en cuenta los contrastes, la diferencia entre sombras y luces, de la luz
que llega a la escena, es decir el contraste de iluminación y el contraste entre las luces reflejadas,
las que llegan a la película, el contraste de escena. De ambos el más importante es el de escena,

47
dado que la luz que nos interesa realmente es la que llega a la película. (el de iluminación nos
interesará más si iluminamos artificialmente como modo de control y manipulación)

Para medir y controlar el contraste tenemos un sistema que es el de ratios, en este sistema lo
que hacemos es colocar en un mismo valor los datos de la parte más iluminada (o que refleja más
luz) y la menos iluminada (o la que refleja menos luz). Esta relación la hacemos a través de dos
valores que comparamos y en el que nos movemos con dobles o mitades.

Ratios:

• 1:1 (donde todas las luces reflejadas o incidentes son iguales)

• 1:2 (donde una luz es el doble de la otra)
• 1:4 (donde una luz es cuatro veces más fuerte que la otra)
• 1:8 (donde una luz es ocho veces más fuerte que la otra)
• 1 : 16 (donde una luz es dieciséis veces más fuerte que la otra)
... Y así sucesivamente

Si vemos esto en nuestras mediciones de cámara tenemos que por ejemplo en una escena
donde las luces nos dan 1/125 f11 y las sombras 1/125 f5.6 entre una y otra hay dos pasos, es decir
una es cuatro veces más potente que la otra es por tanto un ratio de 1:4, si por el contrario en otra
escena las mediciones son 1/60 f16 y 1/60 f4 hay entre ambas cuatro pasos, es decir dieciséis veces
más luz y por tanto un ratio de 1:16, no obstante para simplificarlo podemos seguir la siguiente
tabla:

Pasos entre luces y sombras 0 1 2 3 4 5 6 7 8 9

Ratio 1:1 1:2 1:4 1:8 1:16 1:32 1:64 1:128 1:256 1:512

10.3 La luz solar. - En fotografía hay básicamente dos tipos de luces: la solar y la artificial,
la fuente de iluminación que más usamos es la luz solar ya sea directa o indirectamente, ante la luz
solar nos podemos encontrar con distintas situaciones veámoslas por características: por tipo puede
ser muy dura si el objeto está bajo el sol directamente un día sin nubes y en las horas centrales del
día, es una luz dura muy direccionada que provoca muchísimo contraste, si por el contrario es un
día nublado la luz será mucho más suave, más a medida que esté más nublado, y por último si
además estamos en una zona en la sombra un día nublado aún será más suave la iluminación.
También habrá mucha diferencia entre la luz de la madrugada y el atardecer (donde el sol está más
inclinado sería tipo 45º, mientras que a mediodía es cenital) frente a la luz de la parte central del
día. Es importante ser consciente de que además de la dirección de la luz variará la temperatura
de la luz a lo largo del día47. También podremos usar la luz del día calculando el recorrido desde el
que el sol incide a la escena a lo largo del día y tomando nuestra imagen a la hora que más oportuna
sea para nuestros intereses estéticos y expresivos

10.4 Iluminación artificial. - Toda aquella luz que no sea la luz del sol la llamamos

47 A nivel expresivo será muy importante la hora del día en la que tomamos la imagen.

48
artificial, normalmente será la luz producida por un foco o por un flash, aunque en fotografía
podemos usar o ayudarnos de cualquier tipo de fuente luminosa, ya sea un fuego o una vela, o los
faros de un vehículo. El uso de fuentes de luz artificial es muy importante en fotografía dado que
nos permite un control total de la situación ya que podemos colocarlas como nos parezca mejor y
graduar su intensidad. Al usar luces artificiales debemos tener en cuenta su temperatura de color
que dependerá del tipo de fuente, de modo muy simplificado diremos que las luces de tungsteno
normales, (las bombillas clásicas) nos darán una dominante rojiza muy fuerte, tienen una
temperatura de color muy baja, sobre los 2.600 grados Kelvin. En cambio si usamos fluorescentes
tendremos una dominante verde o en algunos casos con fluorescentes especiales dominantes de
otros colores, si usamos película en color esto será muy importante.

10.5 El flash. - Aunque el flash es también una luz artificial merece siempre una mención a
aparte porque es un instrumento muy importante a la hora de iluminar ya que como vimos nos da
movilidad, potencia, temperatura de luz constante, repetibilidad, etc. A la hora de usar el flash
veremos que su uso es muy similar al de la luz artificial sobre todo en aquellos modelos que poseen
luz de modelado y nos permiten ver cómo resultará la iluminación.

49
 11 Elementos básicos de composición.

A la hora de hablar de composición lo primero es indicar que en este taller tomaremos la

composición como: “el modo en el que colocamos o disponemos los objetos y sujetos dentro de
la fotografía con el fin de transmitir una sensación, concepto, idea,...”.
Es decir hablamos de la composición como un acto voluntario y planificado gracias al cual
relacionamos los elementos de la imagen con la finalidad de expresarnos, de contar algo o de
reproducir o transmitir unas sensaciones o emociones. Hay una idea en composición que es básica:
la idea de la unidad, al componer lo que hacemos es crear una unidad a través de las relaciones que
establecemos entre los objetos y/o sujetos de la imagen, normalmente habrá un elemento principal
que es el que destacamos y el resto serán secundarios y estarán supeditados al primero a través de
todos los elementos compositivos. En fotografía a través de la composición realizamos la distinción
entre figura y fondo. Veamos brevemente algunos de estos elementos compositivos:
Punto de vista. - Es el de la cámara, desde donde hacemos la foto, puede ser a nivel de la
escena, picado que es cuando la cámara está más alta que la escena y contrapicado si la cámara
está por debajo del centro de la escena.
El tono y la luz. - A la hora de componer (como veremos detalladamente) es importante
contar con los elementos de la escena más luminosos pues destacarán más que el resto y con la
dirección de la luz pues creará una dirección de lectura de la imagen.
La nitidez. - En fotografía como hemos visto podemos elegir, más o menos, qué área de la
imagen está enfocada y qué área no, obviamente la parte enfocada destacará poderosamente sobre
el resto.
La escala y la proporción. - Al ordenar los sujetos y colocar unos delante y otros más atrás
por la pura ley de la perspectiva veremos que los objetos más cercanos serán proporcionalmente
mayores y por tanto destacarán mas que los más atrasados. Esta proporcionalidad la podremos
aumentar o disminuir mediante el uso de angulares o teleobjetivos.
La disposición y el equilibrio. - La disposición de los elementos de la imagen es muy
importante dado que como veremos a continuación hay en nuestro rectángulo puntos que tienen
más fuerza visual que otros y sólo por colocar allí un elemento lo estaremos realzando. Relacionado
con esto hemos de contar que podemos recargar mucho una parte de la imagen y dejar la otra vacía
por tanto el conjunto estará desequilibrado, es importante al componer pensar en el conjunto de la
imagen e intentar crear una imagen donde destaque aquello que deseamos pero en un conjunto
equilibrado y armonioso.
Ritmo. - El ritmo en una imagen se crea por la repetición y es un elemento compositivo muy
importante y efectivo.

Estos son algunos de los elementos compositivos más comunes y usados en fotografía. Pero
antes de pasar a verlos con más detalles hemos de ser conscientes de que hay un concepto muy
importante que es el de lectura de la imagen. Hay muchas y diferentes teorías de cómo vemos una
imagen, y puede que cada una de ellas tenga parte de razón pero hay algunos conceptos en las que
todas coinciden y es en la importancia del aprendizaje a la hora de leer una imagen, En este caso
entendemos leer y aprendizaje en el sentido más amplio posible y no entraremos en detalles pues
ello sería materia de un curso completo de composición, aquí nos basta con llamar la atención
sobre: la necesidad de ver imágenes, de aprender mirando; la importancia que tiene en nuestros
gustos las imágenes que nos rodean, que vemos diariamente, que nos dicen si son “buenas” o
“malas” y por último lo más importante en nuestro caso recordar que leemos de izquierda a
derecha y de arriba a abajo, esto que puede parecer una nimiedad no lo es, siempre, o casi
siempre, que nos enfrentamos a un texto o una imagen encuadrada (una fotografía siempre lo es)
tendemos a leer la imagen de izquierda a derecha y de arriba a abajo, y cuando compongamos

50
hemos de pensar que los demás leerán la imagen en ese orden.
11.1 El encuadre, el uso de los límites. - Lo primero que hemos de contar a la hora de
plantearnos cualquier composición es el encuadre, es decir qué hay dentro y qué fuera. Encuadrar
en fotografía es decidir que porción de la realidad vamos a fotografiar, y no sólo eso sino que es el
primer acto voluntario que tomamos a la hora de hacer una fotografía. Al encuadrar lo primero que
nos encontramos es con el marco, la forma que tendrán los límites de la imagen, en nuestro caso
será normalmente rectangular, en concreto un rectángulo de 36 X 24 mm. No obstante en fotografía
hay muchos otros formatos, y no sólo eso sino que hemos de tener en cuenta que si bien nuestro
formato de toma será rectangular a la hora de ampliar la imagen podemos elegir que sea
rectangular, cuadrada, redonda, ovalada, desestructurada o de cualquier otra forma, y en el caso de
ser rectangular que tenga otras proporciones diferentes. Pero esto también será una decisión
compositiva.
Una vez visto esto veamos cuales son los tamaños más usuales de ampliación, es decir del
papel de la copia final. Sobra decir que esto es válido para negativos ya que en diapositivas el
resultado final será la citada diapositiva. Los tamaños más usuales, en centímetros, son: 9 X 13, 10
X 15, 13 X 20, 18 X 24, 20 X 25, 24 X 30, 30 X 40, 40 X 50, 50 X 60,....
Cuando encuadramos lo primero que hemos de ser conscientes es en la idea de campo y
fueracampo, es decir qué está dentro y qué fuera, y a partir de ahí ya veremos cómo ordenamos lo
que está dentro. Una consideración básica en nuestro formato rectangular, normalmente la primera
que tomamos, será si componemos en apaisado o en vertical.

Vertical Apaisado

11.2 Líneas y puntos áureos, los tercios. - Las líneas áureas son las líneas que dividen a un
espacio en tercios, los puntos áureos los cruces de esas líneas.

Líneas aúreas Puntos aúreos

Líneas aúreas

La importancia de las líneas y puntos áureos es debida a que son uno de los principales

51
recursos compositivos, ya los griegos usaba la proporción de los tercios como modo compositivo en
la arquitectura y la escultura, los romanos lo llevaron más allá incluyéndolo en uno de los primeros
manuales que se conocen sobre composición. Para nosotros normalmente un elemento colocado en
una de las líneas áureas tiene más importancia que uno que esté fuera de ellas, y por tanto si
además está en un punto áureo aún más dado que se suma el poder de dos líneas.
A la hora de componer con las líneas o tercios hemos de pensar que también aquí influye la
dirección de la lectura, así leeremos los puntos en el siguiente orden:

1 2

3 4

Los tercios son un recurso muy sencillo de usar y muy efectivo, le da a la imagen una
estructura muy intensa y facilita la creación de un orden interno y su lectura.

11.3 Geometrías:

11.3.1 Simetrías. - Las composiciones con una base geométrica son aquellas donde los
elementos que aparecen en la imagen forman, o recuerdan, una imagen geométrica. Dentro de este
grupo el primer recurso que observamos es la simetría, entendiendo por tal que si doblamos la
imagen por el centro, sea vertical u horizontal, ambos lados son muy similares. Este es un recurso
interesante que nos da imágenes muy estáticas, muy compensadas.

11.3.2 Líneas. - Al contrario que la simetría, las líneas son un elemento compositivo que
implica movimiento, los objetos forman o son parte de líneas que van de un lugar a otro. Estas
líneas pueden ser de muchos tipos y cada uno de ellos tendrá unas connotaciones diferentes,
veamos algunos tipos:
Líneas verticales
Lineas horizontales
Diagonales
Curvas
Es importante ser consciente de las combinaciones entre todos estos elementos, por ejemplo

52
 si el formato es apaisado o vertical, si las verticales se combinan con una simetría, si además están
en puntos áureos, etc. etc.

Líneas Diagonales
verticales

Líneas Curvas
horizontales

11.3.3 Puntos. - El punto es uno de los grandes elementos compositivos, es el que más
fuerza posee, hablamos de punto cuando la imagen tiene un centro visual (éste centro puede estar
situado o no en el centro de la imagen), un punto que está por encima de todos los demás. Es un
elemento muy fuerte. Hay una combinación muy efectiva que es la de unir la idea de linea y punto,
así podemos crear una línea que nos lleva a un punto, o un punto del que parte una línea hacia otro
punto, etc. etc.

Punto Línea a punto

11.3.4 Otros. - Podemos encontrar diversas ordenaciones de los elementos en la imagen,

formando triángulos, óvalos, cuadrados,... En realidad cualquier estructura geométrica sirve para
ordenar un grupo de elementos dentro de una imagen, sólo hemos de ser conscientes de las
sensaciones que transmitirá y de si ello es lo que deseamos, por ejemplo si componemos colocando
tres objetos que forman un triángulo no será lo mismo si el vértice está abajo que si está arriba.

53
 11.4 Contraste y color en la composición. - Otro de los recursos que tenemos a la hora de
componer es el uso del contraste en B/N, imaginemos por ejemplo una pared negra y un rostro
blanco, el contraste nos sirve para destacar unos elementos sobre otros. Algo muy parecido
encontramos en el uso del color, imaginemos el ejemplo de antes pero con una pared azul, donde se
apoya una persona con una camiseta roja, la diferencia de los colores hará que la figura destaque
mucho sobre el fondo.

54
 12 Los géneros fotográficos
Aquí vamos a ver algunos detalles48 de un grupo de géneros fotográficos, entendiendo por
tales temas clásicos de la fotografía, si bien en el manual solo veremos algunas características, los
repasaremos con cierto detalle al visionar las diapositivas.

12.1 Paisaje. - Por fotografía de paisaje entendemos aquellas imágenes tomadas en el

exterior y donde el elemento principal, el protagonista de la imagen es dicho exterior. De entrada
podemos observar que hay distintos tipos de paisajes: natural, agrícola, urbano, industrial. etc.
Obviamente el primero, el natural, es el referente a espacios naturales más o menos vírgenes, el
segundo, agrícola, es el referente a imágenes tomadas en el exterior agrícola, el urbano como
indica su nombre es el tomado en las ciudades y el industrial hace referencia a zonas industriales,
fábricas, naves,....
Algunas características de la fotografía de paisaje es la amplitud de la toma, son tomas
generales, donde lo importante es el conjunto. Normalmente se realizan con angulares u objetivos
normales, aunque algunos autores suelen usar los teleobjetivos. En el paisaje la composición tiene
un peso especial, y el tempo de trabajo suele ser lento, el trípode es un elemento importante al igual
que el control de la luz y del ciclo solar, la elección de la hora para la toma será nuestro modo de
controlar la iluminación.
En cuanto a la composición veremos que en la fotografía de paisajes las composiciones con
líneas son muy importantes, tanto las horizontales como las verticales. En lo referente a las
horizontales hemos de ser muy conscientes de la que forma el horizonte, una buena foto desaparece
si el horizonte se “cae”. Igual sucede con las líneas verticales con más fuerza en la imagen, la
imagen de un edificio con una pared inclinada es muy poco creíble. Es muy difícil hacer fotografía
de paisajes a “pulso”, precisamente por lo que mencionábamos de la importancia del horizonte y
del resto de las líneas, por eso es importante el uso del trípode para permitirnos mirar la escena con
calma y componer con seguridad. En este tipo de imágenes el foco49 es un tema básico, en la
mayoría de las imágenes buscamos tener foco desde el primer plano hasta el infinito, por lo que
solemos usar diafragmas muy cerrados. Un aspecto que, usualmente, buscamos destacar es la
sensación de la perspectiva y de profundidad de escena, para ello contamos con la perspectiva que
nos dan los angulares y con la composición, colocando un elemento en primer plano que nos
aporte la sensación de profundidad y perspectiva.
No obstante veremos, en fotografía de paisaje o en cualquier otro género, que todas las
combinaciones entre composiciones, uso de objetivos, profundidad de campo, velocidades, etc. etc.,
son válidas si al final conseguimos nuestro propósito de transmitir lo que deseamos.

12.2 Bodegón y naturaleza muerta. - Primero diferenciaremos ambos géneros, lo que

diferencia, a nivel teórico, un bodegón de una naturaleza muerta es que el primero, el bodegón, es
una composición que creamos en un estudio. Es decir tomamos los elementos y nosotros los
colocamos creando la imagen y a continuación lo iluminamos según nuestros intereses. La
naturaleza muerta es más un encuentro, sería un detalle de un paisaje o de una situación, por
supuesto que podemos intervenir reordenando los elementos, pero la base de la imagen ya nos la
hemos encontrado. (esta diferenciación es tan sólo una de las muchas posibles, es más algunos
autores no diferencian entre bodegones y naturaleza muerta, y otros lo hacen en función de los
objetos, para ellos bodegón haría referencia a objetos inanimados y naturaleza muerta como su
nombre indica sería la referente a seres vivos que ahora están muertos, sean animales, peces, aves,
plantas,...)
48 Tan sólo esbozaremos unos detalles dado que las diferencia entre géneros son mínimas y en ocasiones unos y otros se
confunden.
49 La parte de la escena enfocada

55
 Como vemos la mayor diferencia estriba en que en el bodegón nosotros creamos la escena,
nuestro trabajo es de ordenación de una imagen, de iluminación, de imaginarnos una escena y
“fabricarla”, por el contrario en la naturaleza muerta nuestro esfuerzo es de búsqueda, nos
encontramos con una escena que ya existe y lo que hacemos es “reconocerla” como imagen
fotográfica. Estas dos actitudes son básicas en la fotografía, tanto la capacidad de recorrer nuestro
entorno identificando las escenas fotografiables, la capacidad de “ver” como fotógrafos y la
posibilidad de crear, de “imaginar” una situación inexistente, crearla y fotografiarla.
Tanto en el bodegón como en la naturaleza muerta las imágenes son “cerradas”, con
composiciones muy equilibradas, en estas imágenes la iluminación suele ser básica, así como los
pequeños detalles, es el mundo de la sutileza. Normalmente se realizan con el uso de teleobjetivos
medios, largos o especiales del tipo macro50. Simplificándolo mucho podríamos decir que en el
bodegón y la naturaleza muerta damos uno o dos pasos hacia el objeto, acercándonos, mientras que
en paisaje damos esos dos pasos hacia atrás, alejándonos. De todos modos como veremos hay
autores que hacen todo lo contrario obteniendo unos resultado espléndidos.
El bodegón y la naturaleza muerta es el campo de los detalles,de la sutilezas y al igual que
en el paisaje el tempo de trabajo suele ser lento y el trípode imprescindible. Bodegones son la
mayor parte de la fotografía publicitaria e industrial.

12.3 Retrato. - Obviamente el retrato es un género que no necesita ser definido, no obstante
indicaremos que para hablar de retrato se supone que el sujeto retratado es consciente de que se le
está fotografiando y que colabora en ello. Hay una relación directa entre el sujeto y el fotógrafo.
(Las imágenes “robadas” estarían más dentro del género del reportaje.)

En el campo del retrato se suelen utilizar unos valores de encuadre estandarizados que son
los siguientes:

Plano General. - .................. Es una imagen donde el sujeto principal está envuelto
de un paisaje.

Plano Conjunto. - .................. Es la imagen donde el sujeto central está rodeado de su

espacio personal, entendemos por dicho espacio
personal, su entorno, lo que le rodea más
cercanamente, pero no obstante es el sujeto el gran
protagonista de la imagen, el resto es información que
le acompaña.

Plano Americano. - .................. Es un plano donde cortamos la imagen del sujeto por
debajo de las rodillas, es un plano muy común en el
cine y en la fotografía de moda.

Plano Medio. - ................... Es un busto, cortamos por encima de la cintura.

Primer Plano. - ................... Es una imagen donde lo que aparece es el rostro del
sujeto.

Primerísimo Primer Plano. - ..... Es una porción del rostro, un detalle.

50 Recordemos que los teleobjetivos ayudan a aislar los objetos debido al aplanamiento de la perspectiva, los junta y
destaca del resto

56
 (Esta terminología también se usa para el resto de los géneros.)

En retrato encontramos que las ópticas más apropiadas (siempre dependiendo de la decisión
expresiva del fotógrafo), son los teleobjetivos cortos, en concreto la gama que va desde el 75 mm
al 135 mm, esto es debido a que la perspectiva que nos dan estás ópticas a una distancia entre
medio y tres metros, que son las distancias clásicas del retrato, es la que mejor reproduce las
proporciones del rostro humano. Esto es especialmente válido para los casos en los que el encuadre
va de primerísimo primer plano a plano medio, en el resto de los planos se puede usar el objetivo
normal, el 50 mm.
En retrato es muy importante el uso de la luz, de las sombras y las luces, así como el tema
del fondo, hemos de ser muy conscientes de sobre que fondo realizamos el retrato, así como en el
caso del color de los colores que van a aparecer en la imagen. Mención aparte merece la atención
que debemos de prestar a los ojos, en el 90 % de los casos los ojos son el centro visual, que no
espacial, de los retratos. Antes de hacer un retrato, debido a esta fuerza visual de los ojos, hemos de
plantearnos la dirección de la mirada, no será lo mismo si el sujeto tiene su rostro dirigido hacia la
derecha o la izquierda, si esta frontal a la cámara o ligeramente escorado. Si está a nivel o no, y si
mira directamente o no a la cámara51.
En retrato es importante antes de comenzar a fotografiar plantearnos algunas cuestiones
básicas, tales como el uso de color o B/N, si el fondo participa o no en la escena, el encuadre, la
mencionada dirección de la mirada, la iluminación, etc. etc. En lo referente a la iluminación hay
algunos detalles que son básicos, el primero es la dirección de la luz, si iluminamos directamente al
sujeto, hemos de tener cuidado de que la luz no le moleste de tal modo que entrecierre los ojos,
siguiendo con los ojos hemos de procurar que si la luz viene de arriba no le provoque sombras en
los ojos, quedarían oscuros. En general hemos de contar que el rostro humano es bastante anguloso
y es fácil que se formen zonas de sombras y luces y si no se vigila el resultado puede ser desastroso,
mientras que si es usado intencionadamente conseguimos resultados muy expresivos.
El uso del trípode en retrato depende del tipo de fotografía que queramos hacer así como el
tempo, que puede ser lento o ágil. No será lo mismo si buscamos un retrato espontáneo, que si lo
que estamos realizando es un retrato elaborado.

12.4 Reportaje. - Éste es uno de los géneros estrellas de la fotografía, entendemos como
reportaje aquellas imágenes que se toman de un modo espontáneo, es decir a personas “reales”, no
actores, y en el que se intenta contar un suceso a través de una serie de imágenes. En el reportaje
hay un aspecto básico que en ocasiones suele pasar desapercibido y es el de narrativa. Al hablar de
narrativa nos referimos a que en el reportaje si bien cada foto tiene su propia esencia, es el conjunto
lo importante, estamos contando una historia y para ello usamos el principio de: “el todo es más
que la suma de sus partes” y al referirnos a narrativa lo que hacemos es destacar que no son, tan
sólo, un conjunto de fotos si no que forman una secuencia, hay un intento narrativo, una voluntad
expresiva al seleccionar las imágenes, el orden en el que las colocamos e incluso el tamaño de cada
una. La idea de narrativa nos lleva a que cuando nos planteamos un reportaje solemos estructurarlo
en función de como queremos contar la historia. Hacemos una planificación del modo en el que
ordenaremos las imágenes ya sea de modo lineal, cronológico o espacial, o a través de elipsis,o de
cualquier otra forma narrativa. Intentamos planificar también las combinaciones entre imágenes de
detalle y generales, si habrá retratos, si bodegones, si paisajes, si arquitectura. En contra de lo que
pueda parecernos planificar por adelantado un reportaje no es un trabajo extra sino un auténtico
ahorro de tiempo y de material. Por experiencia podemos afirmar que decidir hacer un reportaje y
llegar sin tener nada claro y comenzar a hacer fotos para luego decidir, es un enorme gasto de
energía, ilusiones y carretes (por tanto económico) que suele acabar en una desilusión y con suerte
51 Destaquemos que la mirada a la cámara se traduce en la copia en una mirada hacia el espectador.

57
en un volver a empezar.
En un reportaje encontramos todo tipo de imágenes: retratos, paisajes, situaciones,
bodegones,... AL igual podemos encontrarnos con todo tipo de situaciones luminosas y espaciales,
es por ello que se usan todo tipo de ópticas.52 El equipo usado en un reportaje suele basarse en las
focales cortas, nos permitirán acercarnos mucho más al sujeto y transmitirán una perspectiva que
nos da una sensación de cercanía y proximidad. Apoyamos a estas ópticas con otras largas,
recordemos que hay retrato, paisaje, etc. etc.
Las composiciones en reportaje suelen ser muy dinámicas, aunque al ser un género tan
complejo todo está permitido siempre que cumpla con el objetivo principal, contar esa historia o
transmitir esa sensación. El tempo de trabajo suele ser muy rápido, aunque se parta de una
planificación previa que facilita la búsqueda de imágenes, recordemos que buscamos la
espontaneidad. En reportaje más que en ningún otro género es importante la paciencia del
fotógrafo, su capacidad de empatía con los protagonistas del reportaje, y lo que destacábamos en la
naturaleza muerta como la capacidad de reconocer escenas como posibles imágenes fotográficas.

52 Como en todo hay excepciones, hay reportajes maravillosos realizados con un 50 mm y nada más, todo dependerá del
tema, el planteamiento y la habilidad del fotógrafo

58
 13 Nociones de historia de la fotografía
13.1 Introducción al origen de la fotografía. -La razón de incluir en este taller unas pocas
líneas sobre la historia de la fotografía, es porque consideramos, y creemos, que conociendo un
poco de dicha historia podremos entender mucho mejor el por qué la fotografía es hoy lo que es, y
no sólo eso sino que observando el desarrollo técnico y estético desde 181653, cuando se supone que
Niepce realiza la primera fotografía, podemos aprender muchísimo sobre estética, sobre técnica y
sobre la capacidad comunicativa y expresiva de éste medio tan mágico que es la fotografía.
Obviamente tan sólo incluimos unas pinceladas sobre la compleja y apasionante evolución del
hecho fotográfico a lo largo de cerca de 180 años de vida.

La fotografía nace en el siglo XVIII, pero como es lógico el deseo de un sistema para captar
la realidad es casi tan antiguo como la misma cultura. A lo largo de este manual hemos hablado
repetidas veces de la cámara oscura, como el primer elemento que permitía la formación de una
imagen a partir de la luz, se suele mentar que ya Aristóteles mencionaba la cámara oscura, y que
dicha cámara oscura es descrita por un óptico árabe, Alhazán, en el siglo XI. Otros ilustres
interesados en la formación de las imágenes a través de la cámara oscura serán Roger Bacon en
1.267, el ilustre Leonardo Da Vinci en 1.515, el astrónomo Kepler en el siglo XVII, y así una larga
lista de famosos y desconocidos cautivados con las posibilidades que ofrecía, o podía ofrecer
nuestra humilde cámara oscura.
Si bien a lo largo de todos estos siglos la cámara oscura fue usada, principalmente, por
dibujante y pintores, a través de ingeniosos mecanismos se colocaba una hoja donde poder copiar la
imagen proyectada y se incluyó una óptica, con el fin de mejorar la imagen formada. Pero pese a
todo durante siglos todos los que usaban la cámara oscura se preguntaban: “¿si podemos conseguir
una imagen, cómo la podemos captar, y sobre todo fijar?” y éste fue un reto que la química, la
física y la técnica no consiguieron resolver completamente hasta ese día de 1816 en el que Niepce
realiza la primera toma fotográfica. Hasta llegar a este momento en el que se unieron los
conocimientos de óptica, de física y de química hay una larga carrera de investigadores y
científicos, de apasionados en busca de la escritura de la luz54 a los que se les debe las bases
científicas, y los esfuerzos, que dieron lugar al nacimiento de la fotografía.

13.2 La aparición de la fotografía. - Leemos en La fotografía, sus fundamentos científicos

sobre la aparición de la fotografía lo siguiente: “Tres hombres fueron principalmente los
responsables de su nacimiento a partir del conocimiento científico de la época: Joseph
Nicéphore Niepce (1765 - 1833); Louis Jacques Mandé Daguerre (1789 - 1851), y William
Henry Fox Talbot (1800 - 1877). Cada uno de ellos buscó la manera de aplicar el conocimiento
científico de la época a la fijación de la imagen formada por una lente -una imagen familiar
durante mucho tiempo en la cámara oscura.”
Como hemos comentado en la introducción desde hacía mucho tiempo científicos y
aficionados buscaban un sistema que permitiese captar y fijar a una superficie la imagen creada por
la cámara oscura, el primero que lo logró fue el francés Niepce. Niepce pertenecía a la burguesía
acomodada de provincias, en esa época, principios del XIX, muchos burgueses acomodados
desarrollaban aficiones artístico-científicas, una de esas aficiones era la litografía, pero para hacer
litografías se ha de saber dibujar y Niepce no sabía, así que era su hijo quien realizaba los dibujos
por él, de esa necesidad surgió su deseo de encontrar un sistema a través del cual fuese la cámara
oscura la que dibujase por él. Niepce pronto consigue un sistema que le proporciona una imagen,

53 Algunos autores dan esta fecha, otros la de 1822 y por último algunos creen que la fecha es 1826
54 Recordemos que es exactamente esto lo que significa “fotografía”

59
pero claro es una imagen invertida y negativa y curiosamente él desdeña esta solución55 y sigue
investigando hasta encontrar un sistema, el betún de judea, que le ofrezca una imagen positiva,
Niepce llamaba a sus imágenes Heliografías. A Niepce se le debe no sólo la creación de la
fotografía sino el perfeccionamiento de la cámara lúcida, él crea el diafragma de iris,y un sistema
que fue el precursor de los carretes de fotografías. Niepce había desarrollado su trabajo con el
apoyo y la compañía de su hermano Claude, pero Claude murió en 1828, y eso dejo sólo a Niepce y
ademas en una crisis económica bastante seria, es entonces cuando aparece Daguerre.
Daguerre era el propietario de un Diorama, un espectáculo en el que al espectador se le
presentaba un escenario pintado y donde se combinaba con los dibujos y las pinturas el uso de la
iluminación de tal modo que parecía un espacio real en lugar de un escenario. En diciembre de
1829 Niepce y Daguerre formalizan su sociedad, Daguerre visita a Niepce y aprende el método y se
familiariza con él, después vuelve a París y ya no volverán a verse. Pocos años después, en 1833,
con solo 68 años, Niepce muere, aún la fotografía era sólo cosa de él y Daguerre, nunca supo la
transcendencia que tendría su descubrimiento. Aprovechando la mala situación económica en la
quedó la familia de Niepce56 Daguerre fue modificando las condiciones del contrato hasta que en
1837 consigue que el procedimiento pase a llamarse Daguerrotipo57 y conste sólo su nombre como
descubridor y creador, a la vez en estos años ha perfeccionado la técnica y el proceso con el
yoduro de plata. A partir de este momento comienza a hacer público el invento: campañas, tomas
en la calle y por fin una presentación en la Academia de las Ciencias en agosto de 1839. El
gobierno francés le compró la patente del invento y el Daguerrotipo se expandió por el mundo
como la pólvora. En pocos años se abrieron estudios de daguerrotipistas en todos los países
europeos y en América, Había nacido la fotografía, aunque el daguerrotipo era un procedimiento
costoso, lento y que proporcionaba una sola copia.
Aproximadamente a la vez que Niepce y Daguerre desarrollaban el daguerrotipo un inglés,
llamado Fox Talbot, creaba un sistema de obtención de imágenes a través de la luz del sol que el
llamaría Calotipo58. Talbot sabiendo de los descubrimientos de Daguerre, presentó su invento en
Londres en enero de 1839, pero su invento daba imágenes negativas e invertidas y con una calidad
bajísima al lado del daguerrotipo, por ello paso desapercibido. En 1941 Talbot patentó un sistema
para positivar el negativo que obtenía, había creado la imagen fotográfica multiplicable.
Hubo muchos otros investigadores, con mayor o peor fortuna, involucrados en la aparición
de la fotografía, pero el inicio de nuestra actividad fue el nacimiento del complejo y bello
daguerrotipo y del más humilde, pero prometedor, calotipo.

13.3 El siglo XIX. -Una vez aparece el daguerrotipo comienza una impresionante carrera
para construir cámaras, ópticas, emulsiones, combinaciones químicas y todo lo referente a la
obtención de imágenes. Si bien en esta época fotografiar no tenía nada que ver con lo que hacemos
ahora, los tiempos de exposición eran larguísimos 8 de horas en muchas ocasiones), los químicos y
las emulsiones eran cosas de los fotógrafos, las cámaras eran enormes, (hablamos de bastantes
kilos), etc. etc. Como es de suponer el daguerrotipo contó con detractores y defensores, y supuso
una verdadera revolución, tan sólo como detalle indicaremos que en 1850, sólo en Estados Unidos
había cerca de dos mil daguerrotipistas trabajando, y entre 1840 y 1860 sólo en los Estados Unidos,
se hicieron más de treinta millones de fotos.
El primer campo en el que se desarrolló el daguerrotipo fue en el retrato, pese a lo
dificultoso de las tomas, recordemos los largos tiempos de exposición, se usaban unas sillas
especiales para que la persona soportase tanto rato quieta, la moda de retratarse se propagaba a
velocidad de vértigo, uno de los estudios de París realizó, sólo, en el año de 1841, 1.500 retratos.

55 Veremos que éste fue al final el camino que la fotografía tomó.

56 Herederos de su parte de la asociación
57 “Daguerréotype”
58 Del griego “kalos”, bello. (citado por Marie-Loup Souguez)

60
En seguida comenzó a desarrollarse otro de los géneros clásicos de la fotografía, el paisaje,
enseguida muchos viajeros comienzan a viajar con sus máquinas y a fotografiar los paisajes que
recorren, rápidamente comenzaron a publicarse libros con láminas obtenidas a partir de los
daguerrotipos, Colombia, Egipto, los países árabes, el Niagara o el Yucatán, París y España, pese a
lo heroico de transportar equipos de decenas de kgs, pronto comienzan a publicarse vistas de todo
el planeta. Por último comenzó a usarse el daguerrotipo con funciones científicas, ya en 1840 se
usaba un microscopio-daguerrotipo, o se fotografiaba la luna.
A la vez que sucedía todo esto, los defensores del calotipo, de un modo más discreto
también realizaban tomas de todo tipo, a la vez que mejoraban el sistema, personajes famosos son
el mismo Talbot con su “Lápiz de la Naturaleza” que eran verdaderos calotipos pegados a mano59.
En el campo del retrato destacó David Octavius Hill. En el campo técnico, se pasó de exposiciones
de 30 minutos a 75 segundos y poco después a 30 seg. A partir de aquí comienza una serie de
mejoras que acabaran por dar la primacía al calotipo frente al daguerrotipo.veamos algunos de los
pasos de este desarrollo: en 1847, aparece el negativo sobre vidrio, en 1847 se comienza a usar el
papel a la albúmina en los positivos, en 1851 se introduce el colodión húmedo.
El colodión revolucionó la fotografía dado que redujo en más de 15 veces los tiempos de
exposición, se bajaron los tiempos hasta 2 seg. Comenzaba el camino hacia la instantánea,
Gustave le Gray en 1855 ya hacía instantáneas de oleajes. En esta época hay un gran desarrollo de
las ópticas, en búsqueda de objetivos más nítidos y luminosos. Aparecerán una serie de fotógrafos
que desarrollaran estéticamente el arte de la fotografía, a la cabeza de todos ello Nadar, pero
también Carjat, Julia Margaret Cameron, Oscar Gustave Rejlander, Lewis Carol, Henry Peach
Robinsón, etc. etc. Con estos fotógrafos se comienza a usar la iluminación artificial, la linterna de
proyección60, se desarrolla la fotografía aérea, etc. etc.
Será también con el colodión húmedo cuando aparezca el primer esbozo de reportaje,
Roger Fenton que en 1855 retrató la guerra de Crimea, otro de los primeros reporteros fue James
Robertson que fotografió la rebelión de los Cipayos en la India en 1857. Mathew B. Brady
fotografió la Guerra de Secesión americana entre 1861 y 1865, reuniendo cerca de 7000 negativos
de la contienda.
En la búsqueda de la instantánea Edward Muybridge en 1878 hizo las primeras series que
detenían el movimiento de los animales, y más tarde lo realizaría con las personas.
La siguiente evolución fue la placa seca, el gelatino-bromuro 61en 1871, y en 1876 el
celuloide como soporte fotográfico, a partir de aquí el material fotográfico dejara de ser preparado
por los fotógrafos y comenzará a desarrollarse la industria fotográfica tanto para material sensible
como para cámaras y objetivos, AGFA fue fundada en Alemania en 1873. Este proceso culminará
con el lanzamiento en 1888 de la primera cámara “Kodak 100 vistas” que llevaba un rollo de
papel. El lema de la casa Kodak fue el inicio de la fotografía actual “Usted apriete el botón,
nosotros hacemos el resto” Al año siguiente, 1889, el rollo en lugar de papel era de celuloide,
aparecía el carrete fotográfico.
A finales de siglo continúa la evolución estética de la fotografía, aparecerá el pictorialismo,
como una tendencia que reclamaba el status de arte para la fotografía y para ello buscaba que las
imágenes fotográficas semejaran cuadros, tanto en las composiciones como en el acabado. Para ello
se crearán los llamados métodos nobles: carbón, goma bicromata, bromóleo,... Y al mismo
tiempo aparece el reportaje social, de la mano de dos fotógrafos: Jacob August Riis y Lewis
Wickes Hine. Riis fue el primero en usar un flash de magnesio y tomó fotos de los barrios bajos de
Nueva York, publicó con esas imágenes un libro llamado “Cómo vive la otra mitad del mundo”.

59 Los albunes creados a partir de daguerrotipos lo que tenían eran grabados obtenidos a partir del daguerrotipo
original.
60 La ampliadora con luz propia y no solar
61 Con el colodión húmedo el fotógrafo debía preparar la emulsión justo antes de usarla, con la placa seca se podían
fabricar, almacenar y usar más tarde.

61
Por su parte Hine fotografió la situación de explotación laboral de los niños de su época, sus
imágenes contribuyeron a la creación de una ley para la protección laboral de los menores.
13.4 El siglo XX. - El siglo XX se inicia como una continuación del XIX, aunque muy
pronto un grupo de fotógrafos americanos encabezados por Alfred Stiegliz comenzaron desde el
pictorialismo pero poco a poco comenzaron a imponer la idea de una fotografía más “limpia” y fiel
a si misma, será el movimiento de la Photo-Secession. El gelatino-bromuro abrió las puertas de la
fotografía a la mayoría de la población, los primeros años del siglos son un continuo desarrollo
técnico y estético que se verá truncado por el inicio y el desarrollo de la primera guerra mundial
(1914 - 1918).
En lo referente al apartado estético vemos que la fotografía se va separando del concepto
pictorialista, y comienza a acercarse a las tendencias artísticas de principios de siglo, los ismos. Es
destacable que en la famosa Galería 291 de Nueva York se alternarán exposiciones de fotografía
con la obra de pintores como Picasso, Braque, Renoir, Cezane, Matisse, ... esculturas de Rodin, de
Brancussi, estampas japonesas y arte africano.
En esta época, los primeros años del siglo, hubo también muchos intentos de crear un
sistema fiable y económico para conseguir fotografías en color, desde el inicio de la fotografía este
había sido un deseo constante. En 1908 los hermanos Lumière lanzan el sistema Autocrome, pero al
igual que otros sistemas contemporáneos eran muy costosos y complejos, será en 1911 cuando
Rudolf Fischer creo un sistema de superposición de tres emulsiones con revelado cromógeno que
fue el precursor del Agfacolor. Y en 1935 Leopold Mannes y Leopold Godowski culminaron el
Kodacrome.
Durante la primera Guerra mundial, la fotografía se usa profusamente como elemento
táctico y militar62, aunque en prensa las imágenes, aún, son de dibujantes. Pero es al acabar la
guerra cuando hay un surgir de las revistas ilustradas gracias a los avances en fotomecánica, con el
aparecerán revistas ilustradas con fotografías. El retrato también crece de un modo abrumador. Hay
que contar que tras la guerra, Europa es un hervidero cultural y artístico, el dadaísmo, el futurismo,
el cubismo, el surrealismo,... Aparecerán grandes autores como Man Ray, y los rusos Rodchendko y
El Lissitki, ambos asociados al movimiento constructivista. En esta época destacó como conjunto ,
durante la República de Weimar, la escuela de la Bauhaus, Fue Lazlo Moholy-Nagy quien
introdujo la fotografía en la Bauhaus, de la bauhaus saldrá toda una serie de fotógrafos como
Haerbert Bayer, Walter Peterhans o Paul Citroën, que alcanzarán un enorme prestigio.
Aparecerán en esta época fotógrafos que habiéndose iniciado en el pictorialismo y en la
Photo-secesión, dejarán atrás esa estética para hacer imágenes limpias, con mucha definición y una
altísima calidad, algunos de los más conocidos serán Edward Steichen y Paul Strand, que había sido
alumno de Hine. Sus imágenes eran directas, sin buscar parecerse a una composición pictórica, ni
en la forma ni en el contenido. Pero quienes revolucionaron la fotografía, convirtiéndola en
completamente independiente de la pintura fue el grupo F 64, con Edward Weston a la cabeza.
F-64, lo fundaron en 1932 Weston, Ansel Adams, William Van Dyke, Imogen Cunningham,
y otros. El grupo eligió este nombre por su significado, el máximo diafragma, la máxima definición
y nitidez. Si bien el grupo duró poco, su mensaje se transmitió rápidamente, la fotografía no era
pintura, tenía su propio lenguaje y sus propias características y eran estas las que la hacían un arte
tan digno como cualquier otro, y no el parecerse más o menos a la pintura.
la vez que sucedía todo esto en Estados Unidos en Europa surgía un movimiento similar
llamado Nueva Objetividad, en 1928 Renger-Patzch publica el libro de fotografías "El mundo es
bello” donde reivindica “...para la fotografía la posibilidad de crear con sus propios medios
imágenes que existan por si mismas, sin tener que deberle nada a la pintura63” De esta época
son fotógrafos como August Sander, Enmanuel Souguez, André Kertesz, Brassai, Gisèle Freund,...
Con estos movimientos aparecen también nuevos géneros y se experimenta con nuevas
62 Recordemos que ya desde 1859 en la campaña de Italia se usaban las fotografíaas aéreas como información militar.
63 En “Historia de la Fotografía” de Marie-Loup Souguez

62
visiones de los ya conocidos, la profusión de los desnudos, los retratos expresivos, las escenas
nocturnas, los bares y lumpens, etc. etc.
Técnicamente veremos que la fotografía no ha dejado de avanzar pero hay en 1925 un hito
realmente destacable, y es la aparición de la primera cámara de 35 mm, la Leica y con ella la
aparición del formato universal, nacía el fotoperiodismo tal como lo conocemos. En Estados
Unidos el primer gran reto del fotoperiodismo fue la Farm Security Administratión (creada en
1937), que consistió en una recopilación fotográfica de la vida de los campesinos norteamericanos
que se encontraba en crisis debido a la Gran Depresión, el principal fotógrafo del grupo será
Walker Evans, y junto a él destacaron Margaret Bourke-Wite, Arthur Rothstein, Dorothea Lange y
muchos otros. La importancia de este trabajo es tal que aún podemos seguir sus huellas estéticas en
algunos reportajes sobre la situación tras la guerra en Kosovo, o Ruanda, o...
A la vez que en E.U.A. Se desarrolla el grupo anterior, en Europa aparecerán una serie de
fotógrafos que como Cartier-Bresson, intentarán contar el mundo que les rodea conjugando estética
y contenido, Doisneau, William Klein, Robert Franck, Eugene Smith, y un largo etcétera hasta
llegar a Koudelka o Salgado en la actualidad. Cartier- Bresson fundó junto a Robert Capa, David
Seymur “Chim” y George Rodger la famosísima agencia “Magnum”.
La guerra civil española será el inicio del fotoperiodismo con mayúsculas, y la segunda
guerra mundial su confirmación, a partir del final de la segunda guerra mundial, las revistas
ilustradas con fotografías como Life, se convertirán en habituales en casi todos los hogares, y con
ellas aparece un gran desarrollo de la fotografía, no sólo en el campo del reportaje, sino también en
el de la publicidad y el retrato.
Dentro del fotoperiodismo otros grandísimos fotógrafos serán: Weegee, en quien se basa el
personaje de la película “El ojo público”, Werner Bischof, Marc Riboud, y sobre todos ellos
destacará la figura de Eugene Smith, el gran reportero de Life y el creador de los “ensayos
fotográficos”
Tras la guerra aparecieron una serie de fotógrafos dedicados al retrato con nombres como
Avedon, Arnold Newman, Diane Arbus, Robert Mapplerthorpe,.... A la vez una serie de creadores
se lanzan a crear fotografías abstractas como Aaron Siskins, Minor Wite,... Aparecen fotógrafos
difíciles de clasificar como Duane Michels. Jan Saudek, Jean.loup Sieff, Joel Peter Witkin, etc. etc.
Desde finales de la guerra hasta la actualidad la fotografía ya no debe nada a la pintura, se
ha desarrollado en todos los campos, es indispensable en investigación y ciencia, desde la
microfotografía, o la fotografía molecular, hasta la exploración de universo. En el campo expresivo
hemos visto desarrollarse el color y seguir existiendo, cada vez con mejor salud, el blanco y negro.
Hay fotógrafos clásico y vanguardistas, paisajistas, retratistas, reporteros, etc. etc.

La fotografía evoluciona, y sigue evolucionando, elevando cada vez más el listón de calidad
y su capacidad expresiva y narrativa. A la vez la industria da pasos de gigante, aparecen las cámaras
asiáticas y los precios bajan en picado, la fotografía se populariza y prácticamente todo el mundo
tiene una cámara en casa, pensemos que actualmente se producen cada año del orden de cuarenta
mil millones de fotografías64, pensemos que más de la mitad de la producción mundial de plata se
dedica a la elaboración de material fotográfico. Hoy tenemos cámaras autofoco, automáticas, con
potentes ordenadores, y desde hace unos años hemos entrado en el campo de la imagen digital, ya
sea a través de su captación con cámaras digitales, de un escáner o del resultado final. El caso es
que la fotografía sigue completamente viva y en plena evolución y hoy al igual que quería Niepce
seguimos deseando captar lo que nos rodea a través de la escritura con la luz.

64 6ª Jornades Imatge i Recerca de Girona, noviembre del 2000

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 Anexo 1 (Bibliografía recomendada)

• Enciclopedia Focal de la Fotografía, Foto Biblioteca, Ediciones Omega, S.A.

• Diccionario Focal de Tecnología Fotográfica, Spencer. Ediciones Omega, S.A.

• La fotografía, sus fundamentos científicos, Ediciones Omega, S.A.

• Manual de Fotografía, Jacobson, Editorial Omega

• El Revelado, Jacobson, Editorial Omega

• La Ampliación, Jacobson, Editorial Omega

• Manual de Técnica Fotográfica, John Hedgecoe, H. Blume Ediciones

• El Gran Formato, Manolo Laguillo, Editorial GrisArt

• Fotometría, Manolo Laguillo, Editorial GrisArt

• El Sistema de Zonas, Manolo Laguillo, Editorial PhotoVision

• La Cámara, Ansel Adams. Editorial Omicón

• El Negativo, Ansel Adams. Editorial Omicón

• La Copia, Ansel Adams. Editorial Omicón

• Historia de la Fotografía, Marie-Loup Souguez, Cuadernos Arte de Cátedra, Ediciones

Cátedra

• Historia de la Fotografía, Jean A. Keim, Editorial Oikos-Tau

• Historia de la Fotografía en España, Publio López Mondejar. Editorial Lunwerg

• El Óxido del Tiempo, Antonio Molinero Cardenal, Editorial Omicón

• La Introducción de la Fotografía en España, Bernardo Riego, Biblioteca de la Imagen,

CGC Ediciones

• La Fotografía en España en el Período de Entreguerras (1914-1939), Elisabeth

Insenser, Biblioteca de la Imagen, CGC Ediciones

• Principios de Teoría General de la Imagen, Justo Villafañe y Norberto Mínguez,

Ediciones Pirámide, S.A.

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• Fotoperiodismo: Formas y Códigos, Manuel Alonso Erausquín, Editorial Síntesis

• La Fotografía en los Viajes, Tino Soriano, Editorial Juventud, S.A.

• La Cámara Lúcida, Roland Barthes, Paidós Comunicación, Ediciones Paidós

• Arte y Fotografía, Aaron Scharf, Alianza Forma, Alianza Editorial

• La Fotografía Como Documento Social, Gisèle Freund, Ediciones G. Gili, S.A.

• Sobre la Fotografía, Susan Sontag, Edhasa

• Los Grandes Fotógrafos, Ediciones Orbis, S.A.

• Todos los números de PhotoVision, PHOTO VISION S.A.

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