El término "teatro" con el que en la actualidad designamos tanto al género literario

dramático como al espacio físico donde se llevan a cabo las representaciones de las
obras teatrales, procede de la palabra griega (theatron). En sus orígenes,
"Theatron" venía a significar "lugar donde se mira" o bien "lo que se mira", pues se
trata de un sustantivo creado a partir del verbo ver, mirar, contemplar, observar.
Así, lo que en un principio significaba "el lugar" donde se mira algo, también
terminó significando "el conjunto de espectadores" y, aún más, pasó a denominar
un género literario basado en la representación donde los espectadores contemplan
algo, que es lo contemplado en un lugar para contemplar : el teatro.

Orígenes del Teatro en Grecia

Fiestas en honor a Dionisos: el ditirambo

La figura clave en el nacimiento del teatro

en Grecia, es la del dios Dionisos. Hijo de
una mortal y de un dios, es la divinidad de la
fecundidad, de la vegetación y de la
vendimia, características que le permitirán
ser figura principal en la sociedad agrícola y
ganadera de la Grecia primitiva.

Los griegos celebraban sus fiestas al

principio y al final de la siega, pidiendo a los
dioses, fundamentalmente a Dionisos que el
campo sea fecundo. En estas fiestas, un
carro recorre las calles con la estatua de
Dionisos sobre él, mientras los ciudadanos
danzan, se disfrazan y se embriagan.
Recordemos que Dionisos era tambien el
dios del vino.

En honor a Dionisos, se sacrifica a un carnero sobre un altar, cuya sangre fecunda

los campos y se danza, danzan los trasgos alrededor (estos danzantes
representantes de los sátiros, de hecho, trasgo significa macho cabrío en griego) y a
la vez que bailan salmodian algunos textos: podriamos ver aqui los origenes
del coro. Estos textos formaban el ditirambo, que se llevaba a cabo en los pueblos
griegos durante las fiestas de la siega, en honor a Dionisos.

Se desconoce el texto que salmodiaban los trasgos. Probablemente tenía un

estribillo. Existia un elemento llamado ritornello, lanzado como un grito por el coro
y respondido por el guía del coro, el exarconte o corifeo, probablemente el primer
actor pues ya se trata de un diálogo coro - corifeo.

De " trasgos" derivará el término tragedia. Por su parte la comedia, derivará del
término"comos" que sería otro tipo de "gritos" lanzados por los danzantes
dionisíacos, un tanto "subidos de tono" durante estas fiestas dionisíacas.
Evolución hacia el teatro. De lo religioso a lo humano

Estos cantos o loas de petición a un dios poco tenía que ver con el teatro, aunque sí
con la teatralidad. Poco a poco, el rito religioso se retira de la escena para dejar paso
a la representacion teatral como se la conoce.

Ese paso lo dio Grecia. Dionisos era mitad hombre, luego ¿por qué no cantar a un
hombre que haya muerto y sea célebre? La naturaleza semihumana de Dionisos
permitió a Grecia lo que otras culturas no habían alcanzado, secularizar el
ditirambo.

Por otra parte, tal vez, la monotonía de las danzas y de las salmodias llevara a los
trasgos a introducir nuevos elementos en el ritual, por ejemplo, algún integrante del
coro saldría de él para salmodiar otra cosa ( es el corifeo) y el coro le respondería
(el ritornello), poco a poco el ditirambo iría evolucionando hacia el teatro.

En un principio un "primer actor" salió del coro para disfrazarse de Dionisos, más
tarde se representarían escenas de la vida del dios, y luego y finalmente, de los
hombres.

Se afirma que el primero en separarse del coro fue Tespis, el primer hombre de
teatro que se conoce. Tespis viajaba con su barco de isla en isla saliendo en cada
fiesta dionisíaca del coro para intercalar ritornellos con el coro. Sin embargo Tespis
era sólo un cuentacuentos, le faltaba el principal de los elementos del teatro: el
diálogo. Tespisno era un personaje, sólo un narrador que intercalaba con el coro.
En esta primera etapa, aún no era teatro propiamente dicho lo que se hacía.

El siguiente paso fundamental, y último, sería la incorporación al ditirambo del

diálogo, la aparición de un segundo actor. Si Tespis era el protagonista que
dialogaba con el coro, el paso siguiente sería un deuteragonista que dialogara con
Tespis.
Y al fin: el teatro

Grandes Dionisíacas

Sabemos que hacia el siglo V a.C. se celebraban en primavera unas fiestas llamadas
"Grandes Dionisíacas" en honor a Dionisos y en las que había ya representaciones
teatrales, especialmente tragedias, y que más tarde fueron incluyendo comedias y
dramas satíricos en su repertorio. Las fiestas comenzaban con una especie de
procesión en honor al dios en las que un sacerdote montando en un barco y
acompañado por flautistas representaba a Dionisos.

Hacia el 535 a.C. en las Grandes Dionisíacas, Tespis resulta ganador del certamen
dramático.

Las fiestas duraban varios días. Previamente la ciudad había escogido a tres o
cuatro poetas para que durante estos días representaran sus obras teatrales,
generalmente presentaban una tetralogía (tres tragedias - que eran la trilogía - y un
drama satírico), y el público decidía, tras ver las obras, cuál de los poetas merecía
ser ganador. Posteriormente se fue introduciendo una comedia al final de las
fiestas.

El número de actores, normalmente

tres, era aumentado en caso de
necesidad, por figurantes mudos. El
protagonista, o "primer actor",
desempeñaba los primeros papeles;
el deuteragonista, "actor
secundario", y el tritagonista, "tercer
actor", los menos importantes. Si la
obra suponía más de tres
personajes, cada actor asumía varios
papeles, cambiándose de traje y
máscara. Como no existían actrices,
los personajes femeninos eran
encarnados por actores.

Es Esquilo quien lleva este tercer personaje a la obra lo que le procura

innumerables y nuevas posibilidades (obsérvese que en las obras de Esquilo nunca
hay más de tres personajes juntos en escena). A pesar de las introducciones de los
autores que van llegando, el teatro sigue manteniendo ciertos aspectos del
ditirambo que nunca desaparecerán como es el coro o el altar en medio de la
orquestra.

En cuanto a la escena, podemos ver bien su evolución:

Se creará la orquestra, será la base del teatro, allí se sitúa el coro, y aquel altar en el
que antaño se sacrificara un carnero en honor de Dionisos, permanecerá de forma
simbólica en el centro de la orquestra.

El protagonista y el deuteragonista necesitaban de su propio espacio, para ello se

creará el proskenion (escenario). Pero en una obra hay más de dos personajes,
aunque sólo dos actores, necesitan cambiarse de máscara para caracterizarse, y
para ello se construye la skené, una caseta tras el proskenion en la que los actores
podían variar su indumentaria para cambiar, a su vez, de personaje.
 El proskenion está en alto, para ello hay unas escaleras llamadas parador que
permiten el acceso del proskenion a la orquestra, de hecho, la primera parte de la
tragedia se llama parador, es la bajada del coro, salmodiando, desde el proskenion a
la orquestra.

Después de Esquilo, el número de actores se eleva a tres, es decir, aparece el

triagonista, y ha de suponerse que alguna vez hubo hasta cuatro actores.

Tragedia y Comedia Griegas

La tragedia

La tragedia griega clásica no es de tema original, es decir, el dramaturgo no

inventa, no idea, el argumento de su obra sino que, tomando sus temas de la Ilíada
y de los ciclos legendarios conocidos por todos los griegos - pues eran temas de la
mitología popular - la tragedia griega nos muestra el conflicto personal de los
héroes en su momento más dramático, por ejemplo: no se nos va a relatar la
historia de Edipo de Tebas, sino que se nos va a presentar el momento más
dramático, el punto álgido de la tragedia del tebano Edipo.(caida)
La tragedia griega, supone pues, el momento cumbre de la lucha entre el hombre -
héroe y el destino, el hado funesto ante el cual nada es posible y sólo queda la
estoica resignación, he aquí el héroe dramático griego. En cualquier caso, si
escapar al destino es posible, sólo puede hacerse mediante el artificio dramático
del deus ex machina, esto es, un dios aparece en la obra para salvar al héroe.

La comedia

El término Comedia provendría del griego "comos" que no es ni más ni menos que
aquellas injurias y dichos que el pueblo griego lanzaría en las fiestas dionisíacas
como elemento satírico y humorístico.

La comedia es, ante todo y sobre todo, una crítica endulzada con el humor que
gustosamente tomaba el público griego poco después de haber visto representarse
las tragedias en los concursos

Temática de la comedia:

En la tragedia, el espectador sabía qué es lo que iba a ver, conocía el tema, sin
embargo, en la comedia, el argumento se ignora totalmente: se encuentra el
espectador ante una trama desconocida y unos personajes también desconocidos.
Todo es materia para la temática de la comedia, pero sobre todo, temas cotidianos,
de la misma calle y del mismo tiempo en que los espectadores vivían. La vida
cotidiana es un espectáculo cómico, es el hecho de reírse "de uno mismo".
Con todo esto, la comedia no es un retrato "realista", ni mucho menos, los temas y
los personajes son reales ( o al menos tomados de la realidad) pero la trama resulta
a veces inverosímil y disparatada, casi rozando lo absurdo. Es una explosiva mezcla
de realidad y la fantasía más disparatada.

Para Aristófanes, la risa es un fin, así que todo tiene cabida en su teatro. La comedia
es un desahogo de alegría, de hecho, filósofos de épocas anteriores habían definido
al hombre como el único ser capaz de reír.

Mascaras:

Al igual que el coro, la máscara es un rasgo del drama griego alejado a nuestra idea
de interpretación teatral dramática. Esta característica también tiene su raíz en el
ritual religioso. A pesar de su origen religioso, su uso sirvió para varios propósitos
prácticos. Gracias a los distintos tipos de máscaras un actor pudo representar dos
papeles facilmente. Las bocas muy abiertas hacen suponer que habrían permitido el
uso de algun megáfono.

La máscara proporcionaba la siguiente información: la edad, el estado de ánimo y

el rango de un personaje. Las trágicas eran normalmente serenas y hermosas.

El vestuario del teatro griego:

El actor griego solía llevar como vestimenta: la peluca, la máscara una túnica:
negra, para personajes tristes, púrpuras para los reyes con coronas que ayudaban a
distiguirlos de los otros personages para aumentar su símbolo de poder, utilizaban
colores vivos para personajes importantes, y colores corrientes para personajes del
pueblo. Unicamente en la Tragedia los actores se ponían unos coturnos o una
especie de zuecos altos, que simbolizaban la superioridad de los personajes (héroes
y dioses) que aparecían en el escenario.
Este es un espacio dedicado a la evolución del Teatro Peruano para poder
darnos cuenta como con el transcurrir de los años este arte se ha ido
propagando por el mundo y mejorando en nuestro País desde una
perspectiva no solo cultural sino, para por medio del arte transmitir a sus
espectadores mensajes constructivos para su vida social.
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RESUMEN DEL TEMA

El teatro tanto en Latinoamérica como en el Peru a lo largo de la Historia

ha sufrido una serie de adversidades para poder consolidarse culturalmente.
Sin embargo ha logrado surgir exitosamente hasta nuestra epoca actual, logrando captar la
atención de todas las generaciones
Nació en la Epoca Prehispánica con las mismas representaciones religiosas hacia sus creencias
de la época.
Se inicio significativamente en la etapa virreinal con el costumbrismo plasmando una realidad
peruana de forma satírica haciendo critica al ambiente colonial.
Luego siguió en la época de la república enfocandose en sus defectos afianzando los valores
locales.
Entre los siglos XIX y XX se perdio la esencia de la cultura teatral volviendo complicado el nivel
alcanzado en el pasado, obteniendo la atencion del publico español mas no un apoyo nacional.
Con el pasar del tiempo actualmente estamos viviendo una cultura teatral enriquecida que poco
a poco a ido adquiriendo una apreciacion tanto nacional como extranjera.

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HITOS
El Teatro Quechua y su influencia durante la conquista y la república: Nació de una
manera espontanea que permitió marcar el inicio de una etapa que llegaría a desarrollarse hasta
el presente.
En esta época prehispánica se mostraba con las mismas representaciones religiosas hacia sus
creencias de la época.

Este hito marca un camino que va desde los inicios hasta etapas diferentes, demostrando una
cultura arraigada a sus tradiciones y los recuerdos de sus antepasados.

Etapa colonial: El inicio formal del teatro.

Época de la República: Se inició significativamente en esta etapa con el costumbrismo,

plasmando una realidad peruana de forma satírica haciendo crítica al ambiente de la república,

Ópera: Inicios de la ópera y su evolución a través de los años.

Posguerra: Luego de la guerra con Chile, el teatro tomó un nuevo giro. El teatro culturizó y
entretuvo a la gente.

Siglo XX: Se pierde la esencia de la cultura teatral volviendo complicado el nivel alcanzado en
el pasado, obteniendo la atencion del publico español mas no un apoyo nacional.

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BIBLIOGRAFIA:
AUTORES DEL TEATRO PERUANO:

Antología del Teatro Peruano.

*Tomo I: Teatro Quechua
*Autor: Silva Santisteban, Ricardo.

Antología del Teatro Peruano.

*Tomo II: Teatro Colonial. Siglos XVI-XVII
*Autor: Silva Santisteban, Ricardo.

Antología del Teatro Peruano.

*Tomo III: Teatro Colonial. Siglo XVIII
*Autor: Silva Santisteban, Ricardo.

Antología del Teatro Peruano.

*Tomo V: Teatro Republicano. Siglo XX-1
*Autor: Silva Santisteban, Ricardo.

El teatro quechua en el Cuzco.

*Tomo I.
*Autor: Itier, César.

Historia del teatro peruano

* Pucp

Dramaturgia. El guión cinemátografico y la obra teatral

*Autor: Domingo Piga Torres
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I .- El Teatro Quechua
El origen del teatro en Perú se remonta a un hecho que presento de manera espontánea una
nueva forma de expresarse. Hace miles de años un cazador anónimo de manera natural colgó a
sus espaldas la piel de un auquénido y empezó a imitar los movimientos de dicho animal.

Así se empezaron a presentar hechos parecidos pero con el tiempo se implementaron elementos
como la música, el teatro y la danza generando una evolución.
Finalmente, luego de constituirse como algo frecuente, nuevas ideas surgieron para aportar a
estas presentaciones y un ejemplo de esto es el hecho de que empezaron a usar mascaras para
cubrirse el rostro. Dicha utilería que en un momento fue esculpida en oro y esta esculpido el
rostro de sus caciques y reyes difuntos dejo tener carácter reverencial.

*Teatro en el Imperio:
Tuvo un papel importante tanto en lo político como en lo social. Éste transmitía y alababa los
mitos del imperio Incaico, así, dichas obras se representaban en los días festivos, en lugares
públicos y siempre bajo el sol ya que le daba un aire más alegre.

Otro hecho que se puede destacar es que cuando las plagas y hambrunas los atacaban se
disfrazaban y hacían escenificaciones con la esperanza de que esos dioses los perdonaran y así
conseguir resultados positivos de estas “desdichas” de la naturaleza.

Cada desempeño se dividían en:

1. Wanca (drama): Se ocupaba de la temática histórica y oficial.
2. Araguay (comedia): Daba cabida a hechos pasados porque tenían prohibido referirse a
personas que estaban vivas.

*Técnica:
Los actores de aquella época efectuaban sus obras frente a un bosquecillo artificial llamado
MALKI. De esta manera, el escenario se fue desarrollando en la medida que se iba integrando al
teatro, danza, música, el monólogo, y luego el diálogo, logrando una formación mas compleja y
dinámica

Los coros llamados HARAWIKUS o AEDAS cantaban las hazañas de sus emperadores y en
oportunidades predeterminaban el acto o se internaban en ella dialogando con los personajes

Los dramas Quechua: Con la llegada de los españoles el teatro incaico fue interrumpida, ya
que a estos no les gustaban las representaciones indígenas. Aún se desconoce y se discute sobre
los autores de dichas obras,una de ellas es Ollantay. Obras importantes: 1. Caudillo del
Ollantaytambo 2. EL pobre más rico 3. Tragedia del Fin de Atahualpa 4. Usca Paúcar 5. EL hijo
pródigo *Drama Quechua en la época Republicana: La importancia del drama quechua se
aprecia verdaderamente en la época republicana y después de la Guerra del Pacífico. Llegando a
su plenitud en el siglo XX. Este desarrollo a favor se debió en gran medida a Alberto Giesecke,
quien promovió numerosas representaciones que fueron presentadas a traves de sus
estudiantes. Desde la epoca de la ilustración los los peruanos, que tenian una educacion de
corrientes ideológicas modernas, se preocuparon de sacar al pueblo indigena de la desgracia
tanto en lo económico como en lo moral, siguiendo las pautas de la idiosincrasia local. Hacia
1900, el cusco era principalmente el lugar de residencia de los terratenientes más acomodados
del departamento y de algunos comenrciantes que se deducaban a la importación y exportación
de lana, caucho, té, café, donde la producción y precios aumentaron rápidamente desde los
últimos años del siglo XIX.

"Nuestro gran historiador Raúl Porras B., ha afirmado que existía el "purucalla", o
representación mímica de los hechos de los incas y de sus triunfos guerreros ("Mito, Tradición e
Historia del Perú")."
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II .- Etapa Colonial
LA ARCADÏA:

La ciudad de los reyes que fue fundada por Francisco Pizarro en el año de 1535, poseía una rica y
antigua cultura. En esa Lima Virreynal se inicia el teatro occidental entre fiestas y procesiones,
como la del CORPUS o CUASIMODO, donde aparecían PAMDILLAS DE DIABLOS compuestas
por indios, quienes se cubríancon máscaras que tenían cuernos, aprovechando eso para burlarse
de las costumbres españolas.Las representaciones de las cuadrillas eran anunciadas en las
vísperas por los BANDOS de cada parroquia, que estaba liderada por un BUFON quien
cabalgabay estaba seguido por un grupo de bailarines y músicos que tocaban cajón y chirimía
bajo el estruendo de cohetes y petardos. Una de las representaciones más importantes era la de
MOROS y CRISTIANOS, teatralizada con actores negroy, esclavos o libertos, vistiendose a
expensas de sus amos o patrones, con un gran sentido del humor. Las primeras actrices
nacieron para celebraciones como Pascua y Año nuevo a través de las PAYAS, quienes eran un
grupo de jovenes traidas de su tierra y que bailban con sus respectivas parejas enmascaradas y
sujeto a un latigo acompañado de una orquestas, quienes tenían un arpa, violín, zampoñas o
"pitos de caña", mientras estas bailaban, los enmascarados, los cuáles representaban a sus amos
o patrones y con los látigos que poseían los ivan repartiendo para poder abrir paso entre la
gente. También, ingresaban a las casas, donde bailaban y esto terminaba cuando una de ellas
lanzaba un pañuelo alpiso y en el se arrojaba algun merecido dinero por dicho baile artístico.En
el día de San juan se ivan a tierras solitarias donde celebraban esta fecha, antes de la
Pachamanca realizaban el baile de la ZAMACUECA que estaba acompañado con los acordes del
arpa, guitarra, el cajón y las voces de los negros. Por su buena actuación los amos o patrones les
regalaban hasta media onza de oro a las bailarinas. A los cuarenta años de la ciudad de lima,
despues de haberse fundando Universidad San Marcos, el criollo Nicolás de Rivera decide
realzar su ascenso su alcaldíacon la creación de una obra dramática para festejar el Corpues
Cristi, nunca llegó a ser representada, pero su sola presencia documental dió apertura al nuevo
teatro. Siendo el autor más representativo del teatro Pedro Peralta,el cual sus dramas son de
tipo clásico con influencias Barroca del siglo XVII, llenas de humor criollo y costumbrismo. En
sus cuadros aparecen diversidad de personajes limeños, serranos, mineros, beatas.También, se
observan modismos de la época como "Vaya pues", "catay" y define el amor muy limeñamente
como "El Guá de la Voluntad", marcando así el inicio de lo que sería la literatura dramática de la
coloniay de la temprana república: la Sátira.

LAS PRIMERAS SALAS:

Las primeras representaciones dramáticas se realizaron en el cementerio de la catedral, los días

del Corpus y de otras festividades importantes relacionadascon la religión. A estos eventos
asistían los virreyes, arzobispos, los cabildos, las comunidades religiosas y los feligreses.En el
siglo XVII, Lima acogía a setenta mil habitantes; por ello el virrey Juan de Mendoza. Empezaron
a construir nuevas casas engalandose así en una época que le haría famosa por su derroche de
lujos y ostentación, detrás del cual había un gran sector indígena y mestizo que vivía
miserablemente, en todo este procesode urbanización se levantó el Corral de COmedias que
funcionaría desde 1615, la cual estuvo a cargo de Alonso de Avila y de su esposa María del
Castillo, lafamosa EMPEDRADORA. También, en ese mismo lugar, se levantó el Coliseo de
COmedias inaugurado por el virrey Luis Enríquez de Guzmán. Despues del temblor del 28 de
octubre de 1746, en el cual se destruyeron varias viviendas y templos, en el año de 1749 se
levantó el llamado Teatro de Lma con algunos de los rudimentarios patrones de antaño, en la
cual desfilaron famosos actores de la época como: la Perricholi, Inesilla, María MOreno y José
María de Rodriguez.También,fue un día memorable pues en el año 1821, Rosa Merino cantó por
primera vez el Himno Nacional Del Perú, y se rindió homenaje a su joven autor, de tan solo
23años de edad, José Bernardo Alcedo.En esa época se conocía como COMEDIA, hasta las
primeras decadas de la república, a todo genero teatral. Debido a que en Lima solo había un
local de teatro, al cual acudía el público, los empresarios solían abusar y no tomaban en cuenta
la calidad de los actores. El teatro en Lima se estrenó con la ópera italianaIl TROVATORE, en la
cual participaron artistas como Carrozi, Succi y Angeleri.

CONTROVERSIAS:

Las diversas confrontaciones se dieron a razón de que si las representaciones eran o no

espectáculos lícitos. Defensores y retractores de las representaciones teatrales expusieron sus
puntos de vista en publicaciones, tribunas y confesionarios, ambos estaban integrados por
autoridades eclesiásticas y civiles. Entre ellos destacó el obispo de Arquipa, FRay Gaspar de
Villaroel y Odóñez, quien en su obra GObierno Eclesiástico Pacífico y Unión de los Dos cuchillos
Pontificio y Regio(1656- 1657). Sus conclusiones conforman un documento acerca de las ideas
religiosas y las costumbres de la época. Sus opiniones condenaban las representaciones teatrales
y se tenía como indeseables a las personas que trabajaban en ella, pudiendo ser desterrados y
desheredadas. El Jesuita Pedro hurtado de Mendoza se quejaba diciendo que si en una obra se
presenciaban actos cariñosos, como besos, abrazos, que se podía esperan cuando esten fuera del
escenario. Fray Alonso menciona sobre las representaciones que deberían de desterrar a todos
ellos y cerrar las puertas de la ciudad para prohibir el ingreso a aquellas personasque traigan
consigo pestes de malas costumbres. Por todos estos motivos los bandos en contra y a favor
siguieron discutiendo por muchos años .

PERRICHOLI:

En la historia del Teatro Peruano Micaela Villegas, La perricholi, siendo un personaje universal,
ya que trasciende de hechos reales que suscitaron el interésy el asombro popular. Ese
sobrenombre es atribuida por el VIrrey Amat, donde su orígen proviene de perra y
chola.Micaela VIllegas era una comediante cuya belleza y poder de seducción lograron doblegar
la férrea voluntad del Virrey Amat, quién complacía los caprichosde la hermosa mujer. Uno de
ellos fue comprarle una carroza, en la cual recorría las calles limeñas ante el estupor de la
nobleza que festejaba uno de los días de mayor solemnidad religiosa, el escandalo que se
desarrollo explica que el virrey le compro la carrocería a un sacerdote que llevaba a un enfermo
rumboal viático del Santísimo Sacramento. Este hecho dio paso a otro que no fue nada
auspicioso, pues el virrey Amat dejó el PErú en 1776 abandonando a la PERRICHOLIy al hijo de
ésta llamado Manuel con tan solo siete años.La perricholi continuó en la escena teatral pero su
trabajo no era el mismo, de pronto en su soledad, contrajo matrimonio, luego de dos años murió
en la casaque había adquirido su antiguo amor el Virrey. Esta historia sobrevivio por mucho
tiempo en la memoria de los limeños pero no fue escrita ni publicada.El "Drama de los
Palanganas" era un documento o folleto que formaba parte de una serie de diálogos,
conervsaciones y romances que denunciaban los escándalosdel virrey y la perricholi, que
empezaron a circular por Lima cuando Amat dejó el poder. Al inicio fueron dos diálogos
anónimos: Conversata Dramática y NarraciónExegética, dirigido principalmente a José Perfecto
y a algunos de sus servidores de confianza. Luego aparecieron: Las Coplas de la Tiranía, El llanto
de la Perricholi, La conversata de María, las coplas de Carrumacu, Guaropo, Juan y Champa, El
memorial de las señoras, El memorial de las rameras,y enseguida circularíael testamento de
Amat, donde en sus series podemos darnos cuenta que el entorno político y social esta basada en
una exuberante dosis de chismes maliciosossobre su vida privada.La CArroza de Saint
Sacrament, fue una obra diriga contra los obispos y los aristócratas del boulevard, generó un
gran escándalo. La duqueza de Berry hizo que laborraran de la selecta lista de suscriptores de la
Revista de París, el argumento que tenía se asemejaba al de la leyenda oral limeña " La
Perricholi". La atracción dela obra radica en el diálogo, en los celos del Virrey y en la coquetería
de La Perricholi, nadie imagino en pleno siglo XVIII y mediados del XIX que esta
historiallegaría al escenario de París.En 1920 La Carrosse du Saint Sacrament fue nuevamente
puesta en escena en el teatro de Vieux Colombier, con un éxito mayor debido a la decoración. La
leyendallamo la atención de los viajres, especialmente de ingleses y franceses como Max
Radiguet, quien estubo en lima en 1844 y describe la Alameda en la que vivióMicaela Villegas en
sus últimos dos años y el Paseo de Aguas, al que denominó Paseo de los Baños de la Perricholi, y
mencionando siempre los amores que tuvo con el virrey Amat. Estas descripciones fueron
reproducidas en el Magazzine Pinttorique en Parías n 1849.José Antonio de Lavalle y Arias de
Saavedra, fueron los primeros en rescatar la historia de la Perricholi, en su ensayo publicado
1863 En la Revista de Lima, en el cual se advierte de una defensa compasiva de la Perricholi
diriga a aquellas personas que la consideraban como la encarnación del mal, para él con todaslas
cualidades y defectos La Perricholi es la personificación de la limeña del siglo XVIII, destacando
su gusto no solo físicamente sino por la filantropía y las obras artísticas.En el siglo XX la
Perricholi ingresó a una etapa de la biografía novelada, dejando atrás la tradición o el sainete
histórico. En 1936, Sánchez publicó en Santiagode Chile "La Perricholi" aparece en escenarios
históricos que no le pertenecieron y rodeada de personajes ajenos a su entorno. Trata sobre los
amores de esta, como Olavide que fue seducido por ella la trágica noche del terremoto, pero no
coincidiría pues la Perricholi nació en 1748. Sánchez describe con acierto el alma de la
Perricholi, encontrando en ella a la mujer que hizo triunfar su talento, su raza y anhelos más allá
de los prejuiciosde la época.

EN EL BANQUILLO DE LOS ACUSADOS: La inquisición, en los primeros años del siglo

XVIII, acuso de delitos contra la fe al poeta quiteño José Olmedo, autor de la Victoria de Junín y
de una larga seriede loas. Lo que le trajo problemas con el tribunal eclesiástico fue la Zaira de
 Voltaire. Cursaba leyes en la Universidad de San Marcos, como era usual en los centrosde
estudios de colonias y países religiosos, donde estaba prohibida la lectura de autores
revolucionarios, se pudo salir de esta pesadilla gracias al arrepentimiento.Olmedo formaba
parte de las tertulias que se realizaban en el Convictorio de San Carlos, bajo el rectorado de
Toribio Rodríguez cumplio una importante difusión teatral.

*" Micaela Villegas "La Perricholi" se ha convertido en fuente de inspiración para

una vasta producción intelectual que abarca géneros diversos de obras poéticas,
dramáticas, musicales y cinematográficas. - La Périchole (1868) opereta en tres
actos de Jacques Offenbach "

Estructura

 Exposición o detonante:_ es el principio de la obra

 Nudo:_ el momento de mayor tensión y donde la trama se aplica
 Desenlace o clímax:_es el momento en que se resuelve el problema planteado en el
desarrollo de la obra
Personajes
 Principales:_ son aquellos sobre los que recae el peso de la acción
 Secundario:_ ayudan a los principales
Escenografía
 Decorado:_ elementos necesarios para ambientar el escenario
 Vestuario:_ prendas y ropas de vestir
 Iluminación:_ luces y elementos luminosos
 Sonido:_ música y efectos sonoros para completar lo que aparece en la escena