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Introducción
La cultura griega se desarrolló en torno al Mar Egeo desde el siglo VII a. C. hasta la dominación
Sus habitantes se organizaban en Polis (ciudades) que actuaban de forma independiente, pero que
Se les considera los padres de la cultura occidental. Inventaron y desarrollaron conceptos como la
Al igual que la egipcia, la griega es una cultura politeísta. Por todo el territorio helénico se
levantaron templos dedicados a Atenea, Apolo, Poseidón y demás dioses del Olimpo, presididos
por
el gran Zeus.
Por el comercio, más que por las armas, los griegos cambiaron de forma radical la imagen que el
hombre tenía de sí mismo y del lugar que ocupaba en el mundo. Instituyeron la razón como base
de
Hicieron del arte una actividad humana que no lo debía todo a los dioses. Instauraron las figuras
del
artista y del filósofo: hombres con talento, lúcidos, inspirados y reflexivos, que trabajaban en la
La Grecia antigua alcanzó su plenitud en el siglo V a. C., durante el gobierno de Pericles. Era una
Grecia que cultivaba un ideal artístico humanista, cuya esencia era la representación de la figura
Y al hacer esto constituyó un modelo que no ha cesado de obsesionar a Europa hasta nuestros días
y
al que la cultura europea se ha referido muchas veces, como buscando los fundamentos de su
de diversas calidades.
• Los sillares estaban perfectamente cortados y yuxtapuestos sin argamasa. Prestaban especial
maestro.
• Su interés por la perfección y la armonía les llevó a estudiar las deformaciones típicas de la
visión para modificar las fachadas de los edificios. Hacían que las columnas fueran más anchas
en su parte central, ya que el ojo humano tiende a adelgazar por los elementos verticales
(Éntasis)
Los ritos tienen lugar fuera. Al templo sólo acceden los sacerdotes que depositan las ofrendas que
recibe la divinidad en la cámara del tesoro, situada en la parte trasera del templo.
La fachada principal se orientaba hacia el este para que el primer rayo de sol entrase en el templo
e
del mármol. Aunque la policromía de se ha perdido, las fachadas, sus elementos decorativos y
· Opistodomos: Estancia trasera. Hace las veces de pórtico o depósito del tesoro.
dos columnas entre las prolongaciones de los muros laterales de la cella (antas).
· Próstilo: Sólo presenta columnas en la fachada principal. Los muros laterales no se prolongan.
prolongan.
· Dístilo (2)
· Tetrástilo (4)
· Hexástilo (6)
· Octástilo (8)
El Teatro
Para los griegos, las celebraciones teatrales no eran un mero entretenimiento sino una
• Koilón (cávea): semicircular y construido sobre las laderas de las colinas en él se situaban los
Uno de los mejores ejemplos conservados de teatro griego es el de Epidauro, que aún maravilla
por
su acústica. Tenía capacidad para más de 10.000 espectadores en una cávea, cuya peculiaridad
está
Principales edificios
Época Arcaica: Edificios robustos, sobrios, las columnas gruesas con grandes ábacos y equinos.
De la segunda mitad del siglo VI a la primera mitad del siglo V se extiende una etapa de
transición cuyos ejemplos más representativos son: El tesoro de los atenienses en Delfos y El
Época Clásica: Abarca de la segunda mitad del s. V a la primera mitad del s. IV. Etapa de gran
de Atenas
Época Helenística: Entre la segunda mitad del siglo IV y el siglo I a.C. Se produce un gran
florecimiento en Asia Menor. Exuberancia por influencia oriental. Preferencia por el capitel
corintio. Aparecen nuevos edificios de apariencia colosal que serán desarrollados más tarde por
los romanos. Perdida del clasicismo en aras de un gusto más barroco. El Altar de Zeus en
Pérgamo.
La Acrópolis de Atenas
El Partenón
Es el monumento más importante de la civilización griega antigua y se le considera una de las más
En su construcción se cuidaron todos los detalles para que fuera canon de armonía y proporción.
Fue mandado construir por Pericles para sustituir al templo que se encontraba en el mismo
Los arquitectos fueron Ictino y Calícrates, que trabajaron bajo la supervisión de Fidias,
LA ACRÓPOLIS DE ATENAS
La Acrópolis de Atenas, llamada la ' roca sagrada', es el yacimiento arqueológico más importante
de Grecia y se encuentra en un monte en el centro de la actual Atenas. La acrópolis contiene tres
templos construidos en mármol, el Partenón, el Erecteion y el templo de Atenea Niké. Presenta
también un acceso monumental llamado Propilea. Todos los monumentos en la Acrópolis fueron
construidos durante la edad dorada de Pericles, conocida como período clásico (450-330 A.C.).
Justo enfrente del Partenón se encuentra el Erecteion. Es un templo con una columnata con
figuras de jóvenes mujeres, las Cariátides. Obreros, canteros, pintores, artesanos, carpinteros,
orfebres, artesanos del marfil, tejedores y artistas de todo tipo trabajaron durante 8 años para
construir esos únicos y esplendorosos monumentos dedicados a los dioses. Como dijo Pericles,
"fueron construidos por el pueblo para el pueblo."
Todos los monumentos de la Acrópolis de Atenas han sobrevivido durante 20 siglos. Han
sobrevivido incendios, terremotos, invasiones, guerras y bombardeos. Por desgracis no pudieron
sobrevivir a ladrones, saqueadores ni al vandalismo de Elgin.
La Escultura Griega
a) Contexto socio-histórico.
En el siglo XII a. C invadieron Grecia los dorios, indoeuropeos procedentes de los Balcanes, que
conocían el hierro y se establecieron en el Peloponeso tras dominar a los aqueos. Muchos de los
anteriores habitantes de Grecia huyeron ante su llegada hacia las islas y las costas de Asia Menor,
como los jonios. A partir del siglo VIII a. C. los griegos empezaron a fundar colonias por todo el
Mediterráneo, lo que permitió el desarrollo del comercio y facilitó el contacto con otras culturas.
Los griegos se organizaban políticamente en ciudades-estado independientes, llamadas polis.
Unas polis, como Esparta, vivían de la agricultura, dominadas por la aristocracia guerrera y su
régimen político era oligárquico; otras, como Atenas, eran de economía comercial y su régimen
era democrático. Atenas, gracias a las reformas políticas de Solón y Clístenes, en el siglo VI, había
llegado en el siglo V con Pericles a la democracia, sistema basado en el gobierno del pueblo y en la
igualdad entre los ciudadanos. Este rasgo distinguía a Grecia de los imperios teocráticos y
absolutos orientales (como Egipto y Mesopotamia). En Grecia el individuo podía desarrollarse
libremente; la cultura griega era antropocéntrica – giraba en torno al hombre-.
Los griegos compartían una lengua, una cultura y una religión común. Eran politeístas. Sus dioses
eran representados en forma humana y los imaginaban dotados con las mismas virtudes y
defectos de los hombres, a los que podían ayudar o castigar. Les rendían culto en templos y
santuarios (Delfos, Olimpia), lo que unía a todas las polis griegas. Los Juegos Olímpicos, celebrados
cada cuatro años en honor de Zeus, son el mejor ejemplo de este culto panhelénico. Era una
religión sin dogmas ni sacerdotes.
Fueron los griegos los primeros en intentar dar una respuesta racional, no mágica, a los misterios
del hombre y la naturaleza, mediante la filosofía. Concebían el mundo como un cosmos ordenado
y bello; lo bello es una idea, análoga a la verdad y la bondad. Existía armonía entre el orden
humano y el divino. Para los filósofos pitagóricos y sus discípulos, Platón entre ellos, la música y
las matemáticas eran la estructura oculta del cosmos. El arte debía reflejar esa belleza a través de
la armonía y el equilibrio. Para Platón “la medida y la proporción realizan en todas partes la
belleza y la virtud” La belleza, la bondad y el bien tienen una naturaleza ideal común.
PERICLES: (461- 429 a. C), el gobernante más famoso de Atenas,protector de las artes, creador de
la Liga de Delos y del imperialismo ateniense. Su época de paz y prosperidad para Atenas se
conoce como " Siglo de Pericles". Terminó con la Guerra del Peloponeso.
- El escultor griego realiza sus obras por placer estético, buscando la belleza ideal, al margen de su
significado religioso.
- Naturalismo idealizado en las esculturas, ya que se trata de representar al Hombre perfecto, sin
defectos, verdaderos arquetipos .
- Los temas preferidos son los mitológicos ( dioses y héroes), pero también atletas.
- Materiales: todos ( madera, piedra, oro , marfil, etc ), pero prefieren el mármol y el bronce.
- Esculturas policromadas, aunque se hayan perdido los restos de color por el paso del tiempo.
Se pasa por tres periodos o etapas (incluiremos en cada una de ellas el apartado d) Escultores y
obras más representativas):
Escultura exenta: Las primeras muestras de la plástica griega fueron las xoana de madera, que no
se han conservado, y exvotos en marfil y barro realizados como ofrendas a los dioses y destinados
a los templos. La “Hera de Samos”y la “Dama de Auxerre”, en el Louvre, son versiones en piedra de
las xoanas de madera.
También tenian función votiva los kouroi (atletas jóvenes desnudos, victoriosos en los juegos,
heroicos y altivos, imagen simbólica de la aristocracia, la única que en esta época interviene en los
Juegos Olímpicos) y las korai (sacerdotisas vestidas, con el “chitón” o el “himatión”, típicos de
Atenas, o a veces con la rígida túnica dórica llamada “peplo”), que se colocaban alrededor de
templos y santuarios, surgidos para cobijar imágenes de la divinidad a la que se dedicaban .Ambos
presentan influencia egipcia en su frontalidad, con brazos pegados al cuerpo y pierna izquierda
avanzada, rigidez, geometrismo, ojos almendrados, rizada cabellera y “ sonrisa arcaica”
estereotipada.
Una variante de los kouroi son las representanciones de los devotos que portan como ofrenda un
animal, como el Moscóforo, portador de un ternero, obra del escultor Rombos. Son también
frecuentes esculturas de animales (ej. leones de Delfos) o seres míticos, como esfinges, tema
importado de Egipto.
Relieves : los espacios arquitectónicos de frontones, metopas y frisos sirvieron como marco para
desarrollar conjuntos de narraciones mitológicas y épicas. Tuvieron que resolver el problema de
adaptación de las figuras al marco arquitectónico a base de tanteos. Como ejemplos citaremos los
relieves del templo de Artemisa, en Corfú, que en los extremos de los ángulos coloca figuras a
escala más pequeña; el Tesoro de los Sifnios, en Delfos, y el Hecatómpedon, en Atenas colocan
algunas figuras tumbadas o bien animales.
Son abundantes también las estelas funerarias. Las masculinas solían representar al hombre
andando en actitud pensativa; las femeninas representan a la difunta contemplando sus objetos,
frecuentemente sentada con una paloma en la mano, etc.
A la etapa severa, de transición del arcaísmo al clasicismo, pertenecen los relieves del templo de
Afaia, en Egina ( 490 a.C), representando las luchas de eginetas y troyanos, y del templo de Zeus,
en Olimpia ( 460 a. C), uno de cuyos frontones representa la lucha de lapitas y centauros, con gran
perfección anatómica. En bronce quedan unas obras maestras como el Auriga de Delfos, el Efebo
atribuido a Kritios, y el famoso Poseidón (o Zeus). Muchas otras se han perdido porque se ha
fundido el bronce, pero conservamos copias en mármol, como el grupo Los Tiranicidas, de Kritios.
En esta etapa se logra el naturalismo idealizado, la armonía y el equilibrio. Destacan una serie de
escultores.
a) Siglo V a. C :
- Mirón : broncista, autor del famoso “ Discóbolo “, atleta que lanza un disco, que conocemos por
copias romanas en mármol del original en bronce. Representa el instante en que el atleta se
dispone a lanzar el disco. Mirón se preocupa por el movimiento en potencia. La composición es
equilibrada, gracias a la contraposición de las dos curvas de los brazos. Perfecto estudio
anatómico, pero el rostro carece de expresión y el cabello es poco natural. Otra obra suya es
Atenea y Marsias.
- Policleto de Argos : broncista, preocupado por conseguir unas proporciones ideales del cuerpo
humano, basadas en las matemáticas. Autor de un tratado donde establece un canon o relación
adecuada entre las partes y el todo (el cuerpo humano debía contener siete veces la cabeza ).
Plasma su teoría en el “Doríforo“, atleta desnudo que porta una lanza, quizá Aquiles La estatua es
la expresión del canon de siete cabezas de Policleto, ideal de belleza masculina. La figura avanza,
apoyando el peso en - una pierna mientras la otra retrocede, en un perfecto contrapposto.
Composición equilibrada, armoniosa y proporcionada. . Estudio anatómico, con fuertes contrastes
de luz y sombra. Otras obras suyas son el“Diadumenos” y la “Amazona herida”.. Ambas las
conocemos por copias romanas.
-Fidias: (m. hacia el 432 a.C.), el más famoso de los escultores clásicos. Sus estatuas están llenas de
equilibrio, perfección y naturalidad en los cuerpos, cubiertos por ropas que se pegan y dejan ver la
anatomía, según la técnica de “ paños mojados”.
Las esculturas que más fama le dieron son las crisoelefantina (madera recubierta con placas de
marfil y de oro) que sólo conocemos por copias y descripciones literarias. La más famosa era la
Atenea Pártenos, virgen, que realizó para ser colocada en la naos del Partenón, templo dedicado a
ella por los atenienses. Se trataba de una escultura de 11 metros de altura, que portaba en la mano
derecha una Victoria y en la izquierda un escudo con un relieve de la amazonomaquia. Llevaba un
casco con una esfinge y dos Pegasos.
Durante las obras desapareció parte del oro, culpando a Fidias los enemigos de su amigo Pericles.
Según algunos murió en la cárcel pero otros piensan que fue desterrado a Olimpia, donde realizó
otra estatua crisoelefantina, su famoso Zeus, imagen sedente de 10 metros, donde aparece el rey
de los dioses en su trono, barbado, con corona y cetro. También realizó otras dos Ateneas, la
Prómacos, en bronce y la Lemnia, que sólo conocemos por copias mediocres.
Supervisó la realizacion en su taller de los Relieves del Partenón ( 447- 432 a.C) , por encargo de
su amigo Pericles:
ATENEA: diosa griega de la sabiduría, de las artes y también de la guerra. Según la leyenda surge
de la cabeza de su padre, Zeus, dando un grito, armada de lanza y casco. A la vez una lluvia de "
nieve de oro" se esparce sobre su ciudad natal, simbolizando la pureza de la diosa - Pártenos es
doncella, virgen- y la riqueza que trae consigo. Sus símbolos son la lechuza ( imagen de
clarividencia y reflexión que domina las tinieblas ) y la serpiente, ya que ayudó a su medio
hermano Perseo a matar a la Medusa, cuyos cabellos eran serpientes
NAOS: también llamada cella. Era la parte principal del templo griego.
ESFINGE: animal fabuloso con cabeza y pecho de mujer y cuerpo y extremidades de león.
PEGASO: caballo alado que surgió de la sangre de la Medusa, cuando Perseo la mató.
METOPA: espacio cuadrado entre dos triglifos en un friso clásico de orden dórico. El triglifo es una
decoración consistente en tres bandas verticales.
b) Siglo IV a. C:
-Praxíteles : ( hacia 370- 330 a.C) , preocupado por la belleza, sus figuras son graciosas, delicadas,
llenas de exquisitez y sensualidad, con rostros levemente melancólicos. Sus cuerpos se arquean
levantando una pierna para apoyarse sobre la otra (curva praxitélica). Sus obras más conocidas
son “Hermes con el niño Dionysos”, un grupo en mármol pulido. Con ternura el dios Hermes
ofrece un racimo de uvas a su hermano, futuro dios del vino. La obra, posiblemente original, se
encuentra en el Museo de Olimpia (Grecia). El “Apolo Sauróctono“, joven que está a punto de
aplastar un lagarto , “Eros” y “ Afrodita de Cnido”, el primer desnudo femenino, que representa a
la diosa entrando en el baño. Su amante Friné sirvió de modelo.
- Lisipo : gran broncista, es el autor del “Apoxiomenos”, atleta que se limpia el sudor con la
estrígile. Es un desnudo más esbelto que el de Policleto, porque establece un nuevo canon de 9
cabezas. La escultura, captada en movimiento, avanza los brazos e incorpora el espacio con varios
puntos de vista.. Lisipo fué también retratista oficial de Alejandro Magno.
Tras las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega se difunde y fusiona con la oriental,
surgiendo una cultura de gran lujo y refinamiento estético. Es la fase barroca del helenismo, de
enorme variedad del gusto: conviven la idealidad y el realismo, la belleza y la deformidad, los
temas dramáticos y los cotidianos, representándose todos los estadios del ser humano ( de niños a
ancianos). Los clientes eran la minoría rica y poderosa de la época. Las características del arte
helenístico son : complicación compositiva, grandiosidad y ruptura de la proporción clásica,
realismo, ilusionismo escenográfico, ruptura del equilibrio, gusto por el movimiento, la tensión
dramática, sensualidad y belleza, habilidad técnica
Las principales escuelas fueron: la Escuela de Rodas (el Coloso, una de las siete maravillas de la
Antigüedad, Laocoonte y sus hijos, La Victoria de Samotracia ). La Escuela de Alejandría (El Nilo y
sus hijos, Vieja borracha).La Escuela de Pérgamo (relieves del Altar de Pérgamo, El Galo
moribundo). La Escuela de Atenas (El niño de la espina, Tanagras)
1- INTRODUCCIÓN
El arte romano se inicia en íntima conexión con el arte etrusco y con el griego de las colonias de la
Magna Grecia, de cuya cultura es heredero, incorporando, además, múltiples elementos de las más
diversas culturas mediterráneas que fueron incorporándose al imperio romano.
Se desarrolla entre los III a.C. y el V d.C. evolucionando con gran homogeneidad a través de las
etapas que van de la mano de su evolución política: República (hasta el año 27 a.C.), Alto Imperio
(hasta el siglo III d.C.) y Bajo Imperio (siglos IV y V d.C.).
A pesar de la enorme influencia del arte griego, dándose en muchos campos una clara continuidad
del mismo, el arte romano presenta una personalidad propia especialmente en la arquitectura. La
concepción espacial del espacio interior, la complejidad de las estructuras arquitectónicas, la
variedad en técnicas constructivas, tipología de materiales, así como multiplicidad funcional de los
edificios y monumentalidad de los mismos, son algunas de las diferencias, complementos y
características propias de un arte, el romano, que injustamente se le ha considerado continuador y
heredero del arte griego. Veamos cuales son estas características y diferencias.
2- LA CIUDAD ROMANA
La mayor parte de las ciudades romanas estaban rodeadas por una muralla. En general, el trazado
de las mismas se caracterizaba por su regularidad, herencia del modelo etrusco, así como del
helenístico, de tipo hipodámico. Se articulaba en torno a dos calles principales perpendiculares, el
cardo (de trazado N-S) y el decumanus (E-O). El punto de confluencia de estas dos calles es el foro,
espacio donde confluyen las vías y donde se sitúan los edificios más importantes, como la curia,
los templos, las basílicas, los arcos de triunfo, las termas, las columnas conmemorativas, etc. El
foro, forma parte esencial en la ciudad, ya que es el centro de la vida política, religiosa y
administrativa, así como de la actividad comercial.
1- Foro Romano o Republicano: centro neurálgico en torno al que se desarrolló en la antigua Roma.
2- Los Foros Imperiales: responden a las ampliaciones del foro romano que se realizaron al final de
la época republicana y al principio de la época imperial por distintos emperadores. Destacan
cuatro foros imperiales, el Foro de César, el Foro de Augusto, el Foro de Nerva y el Foro de
Trajano.
En las ciudades romanas se pueden diferenciar varios modelos de edificios. Existen múltiples
clasificaciones:
A- EDIFICIOS RELIGIOSOS: Como ejemplos de este tipo de edificaciones, destaca “El Ara Pacis”
(altar), “El Panteón”, templo dedicado a todos los dioses, realizado en el 27 a.C. por Agripa; sufrió
un incendio en el 80 d.C. y en el 125-128 lo reconstruyó Adriano, manteniendo la inscripción de
Agripa, “El Templo de la
Fortuna Viril” y el “Templo de Vesta”, circular, en Roma; la Maison Carrée, en Francia. Los templos
romanos, en general, siguen el modelo etrusco y griego. De los etruscos toma el podium, con un
único acceso porticado. Generalmente son pseudoperípteros. Del modelo griego siguen la
utilización de los diferentes órdenes, dórico, jónico y corintio, incorporando el compuesto y el
toscano.
C- EDIFICIOS COMERCIALES: Las basílicas, las casas comerciales y los collegias. Las basílicas eran
edificios destinados a las transacciones comerciales y los litigios. Estaban formados por grandes
salas, divididas en tres naves, con exedras al fondo y cubiertas por bóvedas. Este tipo de
edificaciones servirán de modelo para los primeros templos cristianos. Destaca La Basílica de
Majencio en Roma, de tres naves, la central, más ancha y alta y cubierta con bóvedas de aristas, las
laterales cubiertas con bóvedas de cañón con casetones; al fondo de la nave central hay una
exedra semicircular y en un lateral una tribuna; la finalizó Constantino a principios del siglo IV.
D- EDIFICIOS DOMÉSTICOS: la casa o domus. Las casas romanas presentaban diferentes partes:
“vestibulum” o acceso; un “atrium” o patio central porticado con dos elementos, un “impluvium” y
un “compluvium”; el atrio es el eje central del resto de las habitaciones, presentando al fondo el
“tablinum”, habitación donde se recibían a las visitas, el “triclinum” o comedor, “cubiculi” o
dormitorios, etc.; al fondo solía haber otro patio o “peristilium”, que solía ser utilizado como jardín
o huerto; estaba porticado y rodeado de columnas. Los domus solían estar decorados con
pinturas, mármoles y mosaicos. Ejemplos de este tipo de construcciones son: Pompeya y
Herculano.
E- EDIFICIOS SOCIALES: las termas o baños desempeñaban una función fundamental en la vida
social romana, además de como balnearios, como lugares de reunión y recreo. Generalmente son
de grandes proporciones, constando de una sala para desnudarse o “apoditerium”, baños fríos o
“frigidarium”, templados o “tepidarium”, calientes o “caldarium”, así como otras muchas
dependencias de todo tipo, gimnasio, bibliotecas, sala de masajes, y jardines. Ejemplo, Las Termas
de Caracalla en Roma.
- TEATRO: deriva directamente del griego, aunque presentan algunas diferencias: se organiza sin
aprovechar el declive del terreno, construyéndose sobre una estructura abovedada de arcos y
bóvedas de ladrillo u hormigón la “cavea” o graderío, con “escena” monumental, “orchestra”
semicircular en lugar de circular, con jardines y peristilos en la parte de atrás. Cobra gran
importancia la estética del exterior: en la mayoría se aprecian varios pisos, destacando el arco y la
columna, como elementos constructivos; en los vanos intermedios se colocaban estatuas. En el
interior había una serie de pasillos con puertas de acceso y vomitorios. La cavea, estaba dividida
en tres partes: la “ima cavea”, la “media cavea” y la “summa cavea”, colocándose los espectadores
en ellas según su clase social. Como ejemplos destacan el Teatro Marcelo de Roma, el Teatro de
Mérida y el de Segóbriga, ambos en España, etc.
- CIRCO: lugar destinado principalmente a carreras de cuadrigas. Está muy relacionado con los
estadios griegos, aunque de mayores dimensiones. De forma elíptica, en la parte de la arena había
una espina, que marcaba la línea donde tenían que dar la vuelta los caballos, en ella se solían
colocar columnas o estatuas conmemorativas. En uno de los extremos se situaban las carceres o
cuadras. La forma de las gradas, así como los elementos arquitectónicos utilizados para
construirlas, arcos y bóvedas, eran muy similares a los teatros y anfiteatros.
I- LAS OBRAS DE INGENIERÍA: Las calzadas, los puentes, los acueductos, las cisternas, las cloacas.
- CALZADAS: Comunican entre sí las ciudades del Imperio, existiendo una importantísima red por
todo el Imperio. Presentaban distintas capas de cantos rodados y otros materiales; cubriendo esta
base, se colocan piedras lisas con el fin de facilitar el tránsito. Estaban jalonadas por “miliarios”:
piedras cilíndricas con inscripciones que indicaban las distancias.
- PUENTES: Obras de ingeniería de gran envergadura, construidas con las dos aportaciones
arquitectónicas más importantes de Roma, los arcos y bóvedas. Destacan el Puente de Alcántara,
de gran altura, y el Puente de Mérida, de enorme longitud.
- ACUEDUCTOS: La necesidad de contar con agua abundante en las ciudades fue la razón por la
que se construyeron imponentes obras hidráulicas. Los acueductos servían para canalizar el agua,
por su parte superior, sobre arquerías de medio punto, para salvar los desniveles, permitiendo el
abastecimiento de agua desde los lugares donde manaba el agua hasta las ciudades. Como
ejemplos cabe citar el acueducto de Segovia o el de los Milagros en Mérida.
- Otro tipo de construcciones utilitarias, propias de las ciudades son: las cisternas y las cloacas.
TEMA 4. LA ESCULTURA ROMANA: EL RETRATO Y EL RELIEVE.
1. Caracteres generales.
El arte etrusco.
El arte griego.
idealización, canon, etc.). Pero hay una excepción en el retrato, pues la tradición
mascarillas de cera que los romanos guardaban de sus antepasados; así este interés
narrativo).
estatuillas a obras gigantescas). Pero puede decirse que todos los materiales fueron
tallados por los romanos: desde la madera a las piedras más duras y ricas. En cuanto
por la belleza del cuerpo humano. Por esta razón, el artista no es imaginador de
formas e ideales, sino que es un funcionario que hace estatuas no para lucir su estilo,
sino para honrar a las autoridades; así en las escultura no se admira al artista, sino a
los gobernantes. Toda la estatuaria nos habla de la grandeza política de Roma, de ahí
el anonimato de los artistas.
etrusca de los sarcófagos. Éstos se adosan a las paredes, decorando los tres frentes
ejecutados en una talla finísima que evoluciona hasta formas más plásticas y
esculpiéndose la fauna más variada de tierra y mar, en los materiales que más
2.1. El retrato.
Es más realista que el griego. Recibe influencias del período helenístico, del
retrato etrusco y de las “imagines maiorum” (mascarillas de cera de los difuntos que
servía de modelo para un retrato post mortem): las tres favorecieron el desarrollo del
(prerrogativa imperial) o sólo de la parte superior del cuerpo (busto). Hasta tiempos
hasta comprender ya parte del pecho y los hombros. A fines de la centuria siguiente
se esculpen ya bustos de media figura. Aunque hoy los vemos monocromos, los
retratos romanos se policroman hasta el siglo II. Al imponerse desde esa fecha la
la parte de la pupila.
toga de los patricios (imagen togata, como el Augusto de Vía Labicana –o el que
interés se centra en la cabeza, con pelo corto, muy plano de talla, casi sin peinar y
sobre todo en la cara: sin ocultar los defectos, de gran realismo, reproduciendo
griega con un realismo distinto del de la época republicana, se evitan los defectos y
surge cierta idealización que no impide recoger los rasgos faciales distintivos,
expresividad a los retratos y la prolongación del busto más allá de los pectorales.
cabellera e hace más rígida y voluminosa con mayores efectos de claroscuro (retrato
de Cómodo). Destaca el retrato ecuestre de Marco Aurelio, en bronce, con rostro
tendencia marcada por los Antoninos. Desde la segunda mitad del siglo se
Tetrarcas).
recargamiento
Se debe al deseo de eternizar en piedra los triunfos guerreros para que el pueblo
En la de los Flavios los relieves del Arco de Tito. Hay dos relieves en el
Trajano en Benevento.
policromado y se situó en el centro del foro Trajano diseñado, según parece, por
con las cenizas del emperador. Esta obra representa en un relieve continuo de más
emperador Trajano contra los dacios. Narra distintos momentos y se han de leer de
abajo a arriba: desde que las tropas del emperador cruzan el Danubio, pasando por la
más alto para ver dentro a los soldados. Todos las vestimentas y armas aparecen
1- INTRODUCCIÓN
El arte Paleocristiano es un estilo artístico que se desarrolla durante los cinco primeros siglos de
nuestra era, desde la aparición del Cristianismo, en plena dominación romana, hasta la invasión de
los pueblos bárbaros, si bien en la parte oriental del antiguo Imperio Romano tiene su
continuación, tras la división del Imperio, en el llamado arte bizantino.
En Occidente, Roma es el centro y símbolo de la cristiandad, por lo que en ella se producen las
primeras manifestaciones artísticas de los primitivos cristianos o paleocristianos, recibiendo un
gran influjo del arte romano tanto en la arquitectura como en las artes figurativas. Y es que sus
primeras manifestaciones ya se dan en la época de la clandestinidad y en las catacumbas; será a
partir del S. IV cuando se difunden sus primeras creaciones, si bien, recibirán ciertas diferencias
según se sitúen a occidente o a oriente del Imperio, especialmente a partir del momento en que
Teodosio divide el Imperio en dos mitades.
El Arte Paleocristiano, por un lado, es la continuación del arte romano tardío. Sin embargo, al igual
que otras tendencias artísticas, presenta unas características propias, marcadas
fundamentalmente por la religión cristiana, que introduce un nuevo espíritu al arte, caracterizado
por la utilización de una gran cantidad de símbolos. Se caracteriza fundamentalmente por:
- Importancia del mensaje religioso, frente a la perfecta consecución de las proporciones, tanto en
arquitectura como en las artes figurativas; se opone, por lo tanto al principio clásico de perfección
técnica y belleza ideal.
1- Hasta el año 313 d.C. (edicto de Milán). Etapa marcada por las persecuciones de los cristianos, y
la clandestinidad de las manifestaciones artísticas. Es la etapa catacumbal.
2- A partir del 312 d.C. Se trata de un periodo oficial, marcado, primero por la legalización del
cristianismo, y más tarde por la conversión del Imperio Romano a esta doctrina religiosa.
3- ARQUITECTURA
3.2- ARQUITECTURA POSTERIOR AL EDICTO DE MILÁN. Se aprecia una diferencia desde el punto
de vista geográfico:
Los materiales constructivos son mármol en las columnas, ladrillo o mampuesto en, los muros y la
cubierta de madera. En cuanto a los Soportes combina dos tipos fundamentales: el muro y la
columna. El muro actúa como soporte continuo y elemento de cierre del edificio, es plano y liso, y
está horadado por ventanas que lo aligeran.
Las columnas son de orden corintio con fuste acanalado. Se levanta sobre un plinto y una basa
ática. Los soportes son ligeros en relación con las cubiertas. En cuanto a las cubiertas en la
cabecera se emplea una bóveda de cuarto de esfera. El resto del edificio es adintelado, son
cubiertas con techo plano de madera.
La decoración es muy escasa. Otro rasgo a destacar es la diafanidad, está bien iluminado, con una
luz clara.
Como ejemplos de basílicas destacan la de San Juan de Letrán, San Pablo o San Lorenzo
Extramuros, todas ellas en Roma. El otro gran edificio occidental es el baptisterio; de planta
circular o poligonal, se inspira en modelos romanos. La pila suele disponerse en el centro
apareciendo galerías bajas, separadas del espacio central por columnas. Entre los más
importantes baptisterios encontramos el de Letrán en Roma o el Mausoleo de Santa Constanza en
la misma ciudad o el baptisterio de Ravena.
-El oriental. Está influenciada por el helenismo y el arte mesopotámico. Los templos tienen planta
de cruz griega. Las cubiertas más utilizadas serán las bóvedas y las cúpulas sobre pechinas.
Destaca el mausoleo de Gala Placidia.
4- ARTES DECORATIVAS
Se prioriza el significado frente a la belleza formal. Sobresale el carácter simbólico basado en las
interpretaciones de animales (paloma, pavo real, ciervo, etc.), o figuras, destacando el Crismón,
formado por las dos primeras letras del nombre de Cristo, con el alfa y la omega, primera y
últimas letras del alfabeto griego, como principio y fin. También aparecen temas paganos como el
de Orfeo, a los que se adscribe una significación cristiana. Es frecuente el tema del Buen Pastor,
relacionado con el tema funerario de la Pastoral Celeste, inspirado en el oficio de difuntos.
DEPARTAMENTO DE GEOGRAFÍA E HISTORIA MATERIA: HISTORIA DEL ARTE PROFESORA:
TERESA FERNÁNDEZ DIEZ I.E.S. ALDONZA LORENZO (LA PUEBLA DE ALMORADIEL)
Es de destacar el conjunto de sarcófagos en los que se puede apreciar una evolución, desde el que
solamente decora su frente con molduras sinuosas y cóncavas, los llamados Strygiles, hasta los
que tienen una organización en friso o cobijando las figuras y escenas bajo arcadas. En el siglo V
aparecen los que incluyen en su iconografía el tema de la Traditio Legis, es decir, Cristo
entregando un rollo a un apóstol, y también la organización con un motivo central circular y dos
figuras a los lados, la imago clipeata. En las paredes de las catacumbas se disponen pinturas con
temas evangélicos y alegóricos, y en las basílicas, mosaicos, como los de Santa María la Mayor, de
Roma. Es en Rávena, donde se conservan los mosaicos más importantes, destacando los del
Mausoleo de Gala Placidia, donde sobresale la Pastoral Celeste. Ya a fines del siglo V corresponden
los de San Apolinar el Nuevo, con procesiones de santos y santas de los más bellos del arte
paleocristiano, y escenas evangélicas en la parte superior. Del siglo VI son los de la cabecera de
San Vital de Rávena, en donde destacan el del ábside con la entrega por Cristo de la corona del
triunfo a San Vital y, en la parte inferior a los lados, las representaciones de Justiniano y Teodora
con sus séquitos.
El arte Románico florece en el Occidente cristiano entre los siglos XI y XII e incluso XIII, según los
países. Son formas y técnicas ya usadas con anterioridad, pero que ahora se utilizan con un nuevo
espíritu.
Las experiencias constructivas de los reinos germánicos anteriores al siglo XI (sobre todo
carolingias y otonianas), las influencias y las aportaciones islámicas y bizantinas, junto con la
tradición arquitectónica romana, definen las múltiples variedades regionales del arte románico.
La existencia de una gran diversidad de propuestas según el momento y las regiones, hace difícil el
hablar de un modelo ideal de edificio románico.
A la vasta expansión del arte románico contribuye enormemente la poderosa orden benedictina
de Cluny, como antes hemos dicho. Durante los siglos XI y XII, los monjes negros de Cluny
acometen la construcción de multitud de monasterios e iglesias que jalonan los caminos de
peregrinación. Estos edificios marcan las diferentes etapas donde los peregrinos pueden
descansar y reconfortar tanto el cuerpo como el espíritu venerando las reliquias que, como
verdaderos tesoros, cada iglesia guarda celosamente.
A) CARACTERÍSTICAS GENERALES
Otra de las propiedades básicas de la arquitectura románica es la articulación rítmica del espacio.
Es destacado así, la peculiar y característica forma en que se combinan los elementos
arquitectónicos del edificio. Todo ello unido a la adopción de nuevas técnicas que posibilitan
construcciones insospechadas hasta este momento y la nueva mentalidad de la época, configuran
la arquitectura románica.
El origen del Románico, sin embargo, no está muy claro. Se sabe que nace en Francia, pero se va a
configurar con una serie de precedentes muy variados: paleocristianos, romanos, bizantinos,
carolingios, asturianos, etc.
Los materiales y los muros: el sistema constructivo se basa en un tipo muy peculiar de muro muy
grueso, formado por dos paredes realizadas con paramento a soga y tizón de sillería y un hueco
vacío intermedio que se rellena de ripio, a base de arena o mampostería. De esto se deriva, en
principio, la importancia de la piedra, que según el lugar de obtención, tendrá variadas
policromías, lo que influye en el aspecto de los edificios.
Los cimientos: son profundos y nos permiten conocer, si se conservan, muchos de los aspectos de
la construcción, si ésta ha desaparecido.
La planta: las iglesias románicas utilizan plantas basilicales (utilizadas por romanos y bizantinos),
aunque predominan las plantas de cruz latina, por lo general de tres naves, siendo la central más
alta y ancha (normalmente el doble) que las laterales. El punto de intersección de la nave central
con los brazos menores de la cruz, llamado transepto (origen paleocristiano), da lugar al crucero,
donde se sitúa el cimborrio. Los ábsides se multiplican al final de las naves y, a veces, aparecen los
absidiolos y una girola o deambulatorio al final del ábside principal o cabecera, que permite
deambular alrededor del altar mayor. El conjunto de la iglesia se suele completar con dos torres
(sentido ascensional) gemelas que flanquean la entrada. A veces la iglesia forma parte de una
abadía o monasterio, en cuyo caso resulta obligado la presencia de un claustro.
Los arcos, los elementos sustentantes y las cubiertas: la arquitectura románica se caracteriza por
la utilización de arcos de medio punto (ya utilizados en Roma) en los vanos. Este arco necesita ser
moldurado para ganar en profundidad y para su refuerzo (también por el deseo de enriquecerlo),
de otro arco complementario. Todo ello da como resultado los característicos vanos abocinados
que se aprecian en puertas y ventanales. Al final del románico, en algunos templos, empieza a
utilizarse el arco apuntado u ojival, propio del Gótico.
¿Qué elementos se utilizaban para sostener (elementos sustentantes) todo el entramado?: el muro
de sillería con piedras geométricas y unidas formando un muro sólido, que ya hemos mencionado;
la columna se sustituye por gruesos pilares rectangulares o cruciformes a los que se adosan
columnas o medias columnas, y sobre los que descansan los arcos de las bóvedas; la columna rara
vez se emplea exenta, salvo en claustros y girolas de templos. Es de fuste liso y los capiteles son de
varios tipos: derivados del Corintio, de forma cúbica, lisa con decoración de tallos vegetales
entrelazados, iconográficos o historiados con escenas evangélicas o simbólicas; hay predominio
del macizo sobre el vano, lo que presenta problemas de iluminación. Los edificios son oscuros y se
distinguen por su masa; los grandes contrafuertes exteriores, que se suelan adosar al muro, etc.
En realidad, todo el sistema intenta buscar altura y lograr, de esta forma, que la luz penetre en el
templo. Ello lo trata de conseguir de varias formas: abriendo vanos en la nave central, situando
una cúpula-torre llamado cimborrio en el crucero.
La búsqueda de altura y luz por necesidades técnicas y del mayor espacio para acoger a los fieles,
hacen necesaria la presencia de una tribuna, ya nombrada, situada sobre las naves laterales y
abierta a la nave central. Esto constituye un elemento muy típico de las iglesias de peregrinación
francesas. Esta división horizontal se puede complicar con los triforios y los claristorios.
Cada época se caracteriza por un tipo de construcción que resume en cierto sentido el espíritu de
su tiempo. La arquitectura románica está representada por grandes edificios religiosos (templo y
monasterio) y castillos feudales.
El Templo románico es un edificio simbólico (notas sobre el simbolismo del templo románico las
pasaré en clase, recordar al profesor) y funcional a la vez.
En todas las culturas el templo es una imagen del Cosmos, ya que para el pensamiento religioso se
establece la analogía entre cosmos y divinidad: “Dios como Señor de todo lo creado, y el Templo es
la Casa de Dios”
Para la Edad Media, todo lo creado constituye una manifestación de Dios, y Éste se revela al
hombre a través de su obra. El hombre es lo más perfecto que Dios ha creado. Y el hombre con los
brazos en cruz se convierte en la imagen perfecta de Dios hecho hombre en la figura de Cristo
crucificado:
El plano divino viene configurado por las formas circulares de las bóvedas, las cúpulas, los arcos
de medio punto y el ábside.
El plano terrestre y humano, por las formas poligonales (cuadrados, rectángulos, etc.) de los
tramos de las naves y del crucero, así como de los diferentes alzados de las fachadas.
La Iglesia se orienta con la cabecera hacia el Este, el lugar por donde cada día nace el Sol
iluminando con sus rayos la vida sobre la Tierra. La orientación del edificio no sólo concuerda con
la imagen de Cristo como Señor del mundo, sino también porque Cristo, como dios y cabeza de la
Iglesia, es la luz del mundo.
El templo románico obedece a una estricta ordenación de sus elementos arquitectónicos, de sus
proporciones y de su orientación, todo ello basado en la armonía de las formas geométricas
simples: el cuadrado, el rectángulo, el círculo y semicírculo.
En este templo, el Crucero, constituye el centro de la iglesia, el lugar donde confluyen la dimensión
terrestre (cuadrado lo simboliza) con la divina (el círculo de la cúpula lo simboliza). Aquí la luz
divina purifica al hombre preparándolo para el encuentro con la manifestación de la presencia
divina del santuario semicircular del ábside: este es el espacio divino por excelencia y la
decoración pictórica del mismo lo refuerza (Cristo en Majestad o Pantocrator, Juez supremo).
El monasterio tiene a la Iglesia como parte fundamental. En los monasterios masculinos el templo
es más grande que en los femeninos. El pueblo tenía acceso al templo por la puerta principal. El
templo suele ser muy amplio para acoger al pueblo y a los monjes. Junto a la iglesia, el Claustro,
gran patio central cuadrangular con árboles y un pozo o fuente. Está rodeado de una galería con
arcos de medio punto apoyados sobre columnas. Por su importancia en la vida del monje (paseos,
rezos individuales) se cuida la decoración escultórica y la sensación de recogimiento general. Las
galerías del Claustro comunican con las diversas dependencias anexas: Sala capitular o Capitulum
para tomar acuerdos; Locutorio o Auditorium, que servía para las conversaciones particulares;
Refectorium para la comida. Cocina y bodega junto al mismo; Scriptorium, especie de biblioteca;
Dormitorium; Cementerio y Enfermería; Caballerizas, letrinas, oficinas para trabajos (zapatería,
sastrería, vidriería, orfebrería, esmaltería), ya que el monasterio fue un centro laboral aunque
servido por laicos; junto a la entrada de la iglesia se situaba la Hospedería que daba alojamiento a
los peregrinos.
En definitiva, era una potente organización litúrgica, cultural y artística, con una capacidad de
medios que rindió frutos en el campo de la mecánica, la industria, el arte, etc.
En la época románica, el castillo cumplía una importante función social: contribuyó junto con las
iglesias parroquiales y los monasterios a la transformación del paisaje rural y a la reagrupación de
núcleos de población. Su primera función, no obstante, era la defensiva, sin olvidar que era la
residencia del señor feudal. Su estructura tenía que responder, pues, a unas pautas de vivienda y
de recepción. Por último, el castillo podía contar con otras funciones si se trataba de un centro
administrativo o si dominaba una explotación agrícola. Entre sus partes más destacadas,
encontramos: muralla, torre del homenaje, puente levadizo, barbacana, adarve, patio de armas,
mazmorras, saeteras, etc.
2 LA ESCULTURA ROMÁNICA
La escultura monumental desapareció en Europa tras la caída del Imperio Romano. Fueron cinco
siglos de vacío escultórico, por lo que el origen de la escultura románica lo encontramos en formas
artísticas que pervivieron durante este tiempo:
Es necesario anticipar aquí que hay una relación indiscutible entre la iconografía esculpida y la
pintada, ya que ambas reflejan los mismos temas:
Estos temas son extraídos de las siguientes fuentes iconográficas: Biblia, Evangelios Apócrifos (de
autor sagrado pero no incluidos en la Biblia), Leyendas Áureas y Martiriologios (sobre santos y
mártires), etc.
Es antinaturalista:no pretende representar al ser humano tal como es (no le importa deformarlo)
ya que lo que le interesa es el contenido del mensaje.
En cuanto a los aspectos formales hay que destacar la tosquedad de la escultura románica, que se
aprecia a través de unas figuras:
Con falta de volumen: las figuras son planas, sin creación de fondos.
Toda la portada estará cubierta de decoración escultórica (en las arquivoltas suele disponerse
radialmente). Los mensajes de las portadas están dirigidos al pueblo, por lo que son más fáciles de
interpretar. En la fachada, que cada día es contemplada por los fieles al pasar por delante de la
iglesia, los temas suelen ser admonitorios: el pecado, los vicios y la necesidad de luchar contra
ellos. El lugar más destacado de la fachada es el tímpano, por lo que allí suelen representarse
determinados temas:
Las portadas francesasjunto con las españolas, son las más ricas que se conservan. Destacamos las
de SAN PEDRO DE MOISSAC(escena del Apocalipsis),LA MAGDALENA DE VÉZELAY (escena de
Pentecostés) y la de SAN LÁZARO DE AUTUN (Juicio Final).
Dentro de las portadas españolas podemos señalar como en el SIGLO XI ofrecen todavía un gran
arcaísmo: las PORTADAS DEL PERDÓN Y DEL CORDERO DE SAN ISIDORO DE LEÓN.
Ya en el SIGLO XII destaca la PORTADA DE LA IGLESIA DEL MONASTERIO DE RIPOLL (Cataluña).
Se concibe la puerta como un arco triunfal con un único vano, ocupando la decoración escultórica
el espacio por completo.
En la SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIIpodemos hablar de una escultura de transición al
gótico: mayor estilización, completándose la humanización con la variedad de posiciones de
brazos y manos (lo que multiplica los ángulos de los pliegues), la amabilidad de los rostros y
la individualización de los personajes:
PÓRTICO DE LA GLORIA
AUTOR: Maestro Mateo y su taller
ESTILO: Románico
PERIODO: Transición al Gótico
CRONOLOGÍA: 1168 - 1188
MATERIALES: Mármol y granito
TÉCNICA: Esculpida
LOCALIZACIÓN: Catedral de Santiago de Compostela
La evolución de la escultura románica culmina en el grandioso conjunto del PÓRTICO DE LA
GLORIA DE SANTIAGO DE COMPOSTELA. Fue realizado por el Maestro Mateo a finales del siglo
XII, el cual consiguió romper con la idea del artista itinerante que proliferó en la Edad Media,
puesto que se asentó en la ciudad de un modo más o menos permanente. En él conviven
elementos profusamente franceses con otros de raigambre puramente hispánica.
En tres arcos que se corresponden con las naves del templo, sobre los tímpanos, arquivoltas,
jambas, labradas en granito y en menor medida en mármol, conforman un conjunto que asombra
por su magnitud no menos que por la delicadeza del trabajo en cada figura y cada pliegue. En el
tímpano aparece Cristo mostrando las llagas, con los evangelistas, ángeles con símbolos de su
Pasión, los ancianos del Apocalipsis y, en el parteluz, la imagen del apóstol Santiago que recibe a
los peregrinos. También hay temas del Antiguo Testamento, el árbol de Jessé (representación de
la genealogía de Jesucristo), el infierno, etc. Las aportaciones estilísticas más significativas que nos
permiten hablar de la proximidad del Gótico son las siguientes:
Los pliegues están más conseguidos. Son más voluminosos y suaves, menos geométricos.
Variedad en el tratamiento de los cabellos.
Los rostros adquieren un cierto poder expresivo, sonríen (apuntando la sonrisa que va a
caracterizar al primer gótico), dialogan, en definitiva, existe una cierta comunicación.
Los personajes se individualizan, no todos los rostros son iguales, cada uno tiene su propia
personalidad gracias a que la escultura se ha hecho más naturalista.
3 LA PINTURA ROMÁNICA
La pintura románica tiene una doble raíz: del mosaico bizantino (dibujo de la silueta, hieratismo,
iconografía) y de las miniaturas de los códices árabes (estilización, pliegues paralelos, rasgos
desorbitados):
Predominará la pintura mural sobre ábsides, bóvedas y muros en el interior de las iglesias,
empleando la técnica al fresco, a veces rematada con temple.
El fin de la pintura románica es didáctico. Por ello, predominará la temática religiosa y los gestos
solemnes, con el objetivo de impresionar.
La iconografía de la pintura románica presenta una clara coincidencia con la de la escultura. Para
su representación se eligen determinados lugares de la Iglesia:
Virgen sentada frontalmente y sirviendo como trono a Jesús niño: puede sustituir al Pantocrátor
en el ábside, o situarse debajo de éste.
Colorespuros: utilizan una gama poco extensa de colores. Los tonos son apagados, provocando
unos efectos violentos, propios del simbolismo medieval.
Las figuras se representan de frente, hieráticas, con un canon alargado (muy estilizadas),con
los ojos almendrados muy abiertos (desorbitados).
La composición se basa en la yuxtaposición de las figuras, sin relacionarse, con esquemas muy
simples repetidos a lo largo del Románico.
La pintura románica está dominada por un marcado antinaturalismo: prefiere plasmar vivencias
religiosas antes que reflejar formas reales. Destacará lo expresivo frente a la belleza de las formas.
Sí hay que destacar su importante simbolismo mediante los colores, las composiciones, los gestos,
los temas, etc.
Destaca la escuela catalana que se caracteriza por su simbolismo y dramatismo, por las actitudes
solemnes y por los formulismos(la repetición de tipos).
El arte Gótico se desarrolla en Europa Occidental desde la segunda mitad del siglo XII hasta fines
del siglo XV, sustituido por el Renacimiento. Francia es la cuna de este estilo y desde aquí se
difunde por toda Europa. El surgimiento y desarrollo del Gótico coincide con cambios notables en
Europa: inicio de la decadencia del Sacro Imperio Romano Germánico y del sistema feudal puro a
favor de las monarquías y a causa del auge del comercio tras las Cruzadas, lo que favorece el
desarrollo de las ciudades y la aparición de una nueva clase social burguesa; la renovación del
saber en las universidades y el surgimiento de una nueva espiritualidad más humanizada y
próxima a la naturaleza, que se expresa en las nuevas órdenes religiosas mendicantes
(franciscanos y dominicos). La Orden del Cister, reformada por San Bernardo de Claraval, será la
promotora del desarrollo del estilo Gótico, favorecido por los nuevos avances científico-técnicos.
A) TIPOLOGÍA:
El edificio más característico del gótico es la catedral, templo de la sede episcopal, que se
convierte en el símbolo del poderío económico de la ciudad y del prestigio de sus habitantes. El
mundo urbano defiende su independencia respecto al decadente mundo feudo-rural, lo que se
plasma en la aparición de otras edificaciones civiles emblemáticas, como las casas del gobierno
municipal, las lonjas de comercio, los hospitales, mercados, casas de gremios, etc.
B) CARACTERÍSTICAS GENERALES:
La arquitectura gótica emplea sillares de piedra bien labrados. Sus elementos esenciales son el
arco apuntado y la bóveda de crucería, compuesta por arcos que se cruzan diagonalmente,
llamados nervios, con una clave central. Este tipo de bóveda concentra los esfuerzos en cuatro
puntos determinados en que apoyan los nervios cruzados, lo que permite prescindir de los muros
macizos del Románico, sustituidos por amplios ventanales con vidrieras, de mayor luminosidad.
Es más ligera al completarse los espacios entre los nervios con plementería, lo que permite elevar
el conjunto. Al evolucionar el Gótico se emplean otros tipos de arcos (conopial, carpanel) y de
bóvedas más complejas y decorativas (sexpartitas, de terceletes, de abanico, estrelladas, etc).
Arco apuntado: el que consta de dos porciones de curva que forman ángulo en la clave.
Vidriera: cerramiento de vanos formado por vidrios coloreados, ensamblados por un emplomado.
Tiene funciones decorativas.
Arco conopial: el que tiene apuntado el centro y está integrado por cuatro sectores de
circunferencia, los dos centrales con sus centros dentro del arco y los dos laterales fuera del
mismo.
Arco carpanel: el formado por arcos de círculo que tienen distinto radio.
Los empujes son trasladados por medio de arcos exteriores (arbotantes) a unos contrafuertes
exteriores que rematan en pináculos, lo que acentúa la verticalidad. La bóveda descansa en el
interior sobre altísimos pilares fasciculados, con columnas o baquetones (molduras redondas)
adosados, que corresponden a los nervios de la bóveda.
Los elementos decorativos son muy variados: pináculos, tracerías caladas en las ventanas, vanos
apuntados y geminados, rosetones, gabletes, esculturas, vidrieras, florones, claves y gárgolas o
desagües del tejado esculpidos en formas fantásticas. La planta de la catedral gótica sigue la
disposición románica aunque aumentan las naves (3, 5 ó 7 naves), cabecera con girola, simple o
doble, a la que se abren las capillas poligonales. El coro es mayor que en el románico y es el centro
de toda la luz y las miradas. El crucero está casi en el centro y apenas marcado; si sobresale es
planta de cruz latina. En alzado destaca la nave central más alta que las laterales y se sigue
marcando el crucero en altura, aunque en el exterior el pesado cimborrio del Románico es
sustituido por una airosa aguja o flecha.
La fachada se divide en tantas zonas verticales como naves, generalmente tres, y en tres fajas
horizontales. La de los pies tiene generalmente tres vanos abocinados, con abundante decoración
escultórica y está flanqueada por torres, de varios cuerpos que rematan en terraza o en una aguja.
Este sistema constructivo permite sustituir la horizontalidad del románico por una verticalidad y
un sentido ascensional al que ayudan todos los elementos de la catedral. El Gótico es reflejo de
una nueva espiritualidad. Los ventanales con vidrieras distribuyen y gradúan la luz en el interior
de las catedrales, terminando con la penumbra románica y creando un espacio transfigurado,
idealizado.
Contrafuerte: elemento que se adosa a los muros para contener el empuje de las bóvedas. Estribo.
Girola: pasillo que rodea al presbiterio o espacio que circunda el altar mayor en una iglesia.
Crucero: espacio en que se cruzan en un templo dos naves perpendiculares. También llamado
transepto.
PERIODOS Y EJEMPLOS:
En el siglo XII los arquitectos cistercienses ya habían introducido el arco apuntado y la bóveda de
crucería en sus iglesias carentes de decoración. Pero el paso decisivo se da en la Isla de Francia
(San Denis y Nôtre Dame de Paris).
El siglo XIII es la época clásica del Gótico, su apogeo. En Francia se hacen las catedrales de
Chartres, Reims, Amiens y la Santa Capilla de París. Se extiende por otros paises. En España se
construyen las catedrales de León, Burgos y Toledo.
En el siglo XIV se desarrolla el gótico lanceolado, con arcos más apuntados y bóvedas de
terceletes. Se desarrolla el gótico en Italia, de mayor horizontalidad y con empleo de mármoles de
colores por influencia clásica (catedral de Siena ). Tiene gran importancia la arquitectura civil
(palacio de la Señoría en Florencia y del Dux en Venecia).
En el siglo XV tiene lugar el gótico florido o flamígero, muy adornado, que emplea bóvedas
estrelladas, con terceletes y combados, y arcos carpaneles y conopiales en abundancia. Es
importante en Inglaterra, Países Bajos (Lonja de Yprés , Ayuntamiento de Bruselas), Portugal (
Monasterio de los Jerónimos de Lisboa) y en España (estilo isabelino en San Juan de los Reyes de
Toledo, Capilla del Condestable, en Burgos, etc)
El arte Gótico se desarrolla en Europa Occidental desde la segunda mitad del siglo XII hasta fines
del siglo XV, en que va a ser sustituido por el Renacimiento. Francia es la cuna de este estilo y
desde aquí se difunde por toda Europa.
El surgimiento y desarrollo del Gótico coincide con cambios notables en Europa: inicio de la
decadencia del Sacro Imperio Romano Germánico y del sistema feudal puro a favor de las
monarquías y a causa del auge del comercio tras las Cruzadas, lo que favorece el desarrollo de las
ciudades y la aparición de una nueva clase social burguesa; la renovación del saber en las
universidades y el surgimiento de una nueva espiritualidad más humanizada y próxima a la
naturaleza, que se expresa en las nuevas órdenes religiosas mendicantes (franciscanos y
dominicos). La Orden del Cister, reformada por San Bernardo de Claraval, será la promotora del
desarrollo del estilo Gótico, favorecido por los nuevos avances científico-técnicos
b) Características generales.
Técnica: la talla de piedra se hace mediante incisiones con cincel, taladro y trépano. Es más
profunda que en el Románico; los plegados son voluminosos y curvados y las figuras se hacen
reales.
Tiene función didáctica: enseña a los fieles, por lo general analfabetos, los dogmas y principios del
Cristianismo. La Iglesia domina el panorama cultural y las imágenes instruyen a los fieles,
enseñándoles los caminos para llegar al paraíso. El hombre, creado por Dios, para salvarse debe
imitar la vida de Cristo y de los santos, que se le ofrecen como modelo. Pero la imagen de Dios ya
no es terrible y justiciera, como en el Románico, sino paternal, amable, cercana y misericordiosa;
es un Dios de amor.
Temática: es muy variada y su ubicación en el templo es fija. Los teólogos de la Iglesia son los
responsables de imponer a los artistas las directrices y la iconografía. Se mantienen las fuentes
iconográficas usadas en el Románico (la Biblia y los Evangelios apócrifos) pero aparecen otras
nuevas: los temas marianos y las vidas de santos recogidas en la Leyenda Dorada. Hay también
temas profanos.
Tipología: junto a la escultura monumental, se desarrollan nuevos tipos en el interior de las
iglesias: retablos, sepulcros, sillerías de coro, púlpitos....Alcanza gran desarrollo la escultura
exenta.
1. La escultura en relieve
marianos: el culto a la Virgen, como mediadora entre Dios y los hombres, se desarrolla mucho por
influencia de san Bernardo de Claraval.
santos: estos seres excepcionales, llenos de virtudes, habían logrado huir del placer y los vicios de
la vida cotidiana y vencer al Maligno. Los hombres debían imitarlos.
Dorada: Jacopo da Voragine , obispo de Génova en el siglo XIII, reúne relatos fantásticos de santos
Capiteles: se sustituyen los motivos figurativos por fajas de decoración continua o vegetales.
Retablos: aparecen en el gótico. Se divide verticalmente en calles - la central más ancha se llama
espiga- y horizontalmente en pisos, el inferior se llama predela. El retablo está protegido por una
moldura llamada guardapolvo. Combinan a veces esculturas con pinturas.
Escultura funeraria: adquiere gran desarrollo como signo de prestigio. La tipología de los
sepulcros es muy variada; adosados a la pared o exentos, generalmente se representa al difunto,
muerto o vivo, yacente, orando o leyendo...
La Virgen con el Niño: como una joven, bella, dulce y sonriente, que sostiene amorosamente al
Niño Jesús en brazos. Es una Virgen-madre (no Virgen-trono como en el Románico). El Niño le
ofrece a veces una flor o una fruta, ella lo acaricia tiernamente, dialogan entre ellos.
c) Evolución y escuelas.
La escultura gótica experimenta una palpable evolución a lo largo de los tres siglos que dura este
estilo. Tras una etapa de transición del Románico al Gótico (a fines del siglo XII), se alcanza un
periodo clásico, en el siglo XIII, caracterizado por un naturalismo idealizado y sereno. En el siglo
XIV, adquieren cada vez más relevancia las imágenes de Vírgenes con Niño, que se curvan
graciosamente, así como los sepulcros. Durante el siglo XV la escultura es muy realista, los rostros
son auténticos retratos; hay un gusto por lo patético; proliferan los retablos de composiciones
abigarradas y movidas. Las principales escuelas escultóricas son:
Francia: es la cuna del gótico e irradia su influencia a otros países. La primera manifestación es el
Pórtico Real de Chartres, en 1150, con alargadas y esbeltas estatuas-columnas en las jambas. La
portada occidental de Nôtre Dame de París, dedicada a Santa Ana, funde en el tímpano escenas
narrativas de la vida de la Virgen.
En el siglo XIII son importantes los talleres de Chartres, Reims y Amiens.
Las portadas de la catedral de Chartres sirven de modelo a otras catedrales europeas. En la del
transepto norte se representa la coronación, muerte y asunción de la Virgen y en la del transepto
sur, el Juicio Final. En la portada principal de la catedral de Reims trabajan varios maestros. En la
jamba derecha, el escultor de la Visitación muestra influencia clásica; al lado, la Anunciación, con
un ángel sonriente, y una tímida Virgen cuya forma del cuerpo se hace patente a pesar de sus
abundantes ropajes. Son esculturas de bulto redondo, ya independientes del marco
arquitectónico. Las esculturas de las portadas de la catedral de Amiens son de gran belleza. En el
parteluz de la portada principal está el Beau- Dieu ("hermoso Dios"), imagen de Cristo
bendiciendo.
En el siglo XIV proliferan imágenes exentas de "Vírgenes Bellas", talladas en marfil o piedra
policromada. El centro escultórico más importante es Borgoña, donde trabaja Claus Sluter. Para la
cartuja de Champmol, en Dijon, realiza el famoso Pozo de Moisés, basamento de un inacabado
calvario, con monumentales profetas de acusado realismo en rostros y paños de pliegues
angulosos para conseguir volumen. Su mejor obra es el sepulcro de Felipe el Atrevido, con monjes
dolientes encapuchados.
Alemania: esta escuela escultórica se inicia con influencia francesa pero evoluciona hacia un estilo
original y de gran expresividad, como los retratos del conde Ekkhard y su esposa Uta, en la
catedral de Naumburgo. La mejor escultura gótica alemana es el famoso Caballero de la catedral
de Bamberg, sereno y digno, del siglo XIII. Se tallan muchas Vírgenes con el Niño, bellas y
delicadas; en el siglo XV se esculpen dramáticas Piedades (Virgen dolorosa con Cristo muerto en
brazos).
Italia: este país se muestra refractario al estilo gótico debido a que pervive la cultura clásica. En
Pisa trabaja la familia de los Pisano. Nicola Pisano talla en mármol el púlpito del baptisterio de la
catedral de Pisa, de forma hexagonal, sobre columnas apoyadas en leones; sus relieves con
escenas de la vida de Cristo son de gran clasicismo, por influencia de los sarcófagos romanos. Es
un precursor del Renacimiento. Su hijo Giovanni Pisano realiza el púlpito de la catedral de Pisa. En
el siglo XIV, Andrea Pisano ejecuta en bronce la puerta sur del baptisterio de la catedral de
Florencia, con escenas en medallones cuadrilobulados.
Retablos: obra formada por un conjunto de tablas de escultura o pintura religiosa para ser
colocada detrás de un altar.
sepulcros: sin duda porque en este siglo se da la Peste negra y comienza la guerra de los Cien
Años.
La escultura funeraria adquiere gran desarrollo (sepulcros de Alfonso VIII y Leonor de Inglaterra
en el monasterio de las Huelgas, en Burgos, y el del infante don Felipe en Villalcázar de Sirga, en
Palencia).
En el siglo XIV, el foco castellano decae a causa de la Peste Negra. En escultura exenta destaca la
Virgen Blanca de la catedral de Toledo, labrada en alabastro policromado. En Navarra se hace la
puerta Preciosa de la catedral de Pamplona. A fines del siglo XIV, Johan de Lome esculpe el
sepulcro de Carlos el Noble y su esposa, de la catedral de Pamplona, con figuras encapuchadas en
las que se aprecia la influencia borgoñona de Sluter. El foco más importante se traslada a la
Corona de Aragón. En Cataluña el mejor escultor es Jaume Cascalls, de gran imaginación y finura.
Los sepulcros reales de los monasterios de Poblet y Santes Creus tienen fuerte influencia francesa.
Durante el siglo XV la escultura española alcanza su mayor esplendor. Los principales focos son:
Cataluña: el escultor Pere Johan, relacionado con los talleres italianos, hace el San Jorge en el
Palacio de la la Generalitat y el retablo mayor de la catedral de Tarragona, en alabastro. Guillermo
Sagrera esculpe las imágenes de San Pedro y San Pablo de la puerta del Mirador de la catedral de
Palma de Mallorca, con un extraordinario realismo.
Castilla: se funde la tradición española con las influencias llegadas de Flandes y Alemania y, más
tarde, de Italia. En Toledo Egas Cueman trabaja en la puerta de los Leones de la catedral. Durante
el reinado de los Reyes Católicos Juan Guas labró las esculturas del monasterio de San Juan de los
Reyes, de gran perfección técnica. El principal escultor es Gil de Siloé, autor del retablo de la
cartuja de Miraflores (Burgos), en madera policromada, de gran exuberancia ornamental y
original traza, con escenas en círculos en torno a una Crucifixión central. En la misma Cartuja
esculpe en alabastro los sepulcros de Juan II e Isabel de Portugal, de forma estrellada y el del
infante don Alfonso, adosado, con extraordinario virtuosismo. De autor desconocido es el sepulcro
de don Martín Vázquez de Arce, el llamado Doncel de Sigüenza, que retrata al joven melancólico.
Rodrigo Alemán se especializa en sillerías de coro (Toledo, Zamora).
Pintura gótica: Giotto y los primitivos flamencos.
Elementos plásticos
- El dibujo tiene una gran importancia.
- Importancia del modelado, pasando con el tiempo desde los tonos planos al juego de contraluces.
- Tratamiento de la luz. No es real, posee un alto contenido simbólico.
- El color es un elemento clave. Es irreal, contenido simbólico.
- La perspectiva. Aparece la preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV.
- Siguen siendo muy abundantes los típicos fondos neutros dorados a base de pan de oro.
- La composición se basa en el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el centro teórico
del cuadro.
Temática e iconografía
- La temática es fundamentalmente religiosa. Los temas se inspiran en la vida de Jesús, de la
Virgen y de los Santos.
- En menor escala también encontramos ejemplos de pintura profana, desarrollándose ahora el
retrato.
- Carácter narrativo y una finalidad didáctica y devocional.
TRECENTO
- ESCUELA SIENESA. Duccio di Buoninsegna (ca.1260-1318) Madonna Rucellai (1285).
- ESCUELA FLORENTINA. Giotto di Bondone (m. 1337) Iniciador de la pintura moderna. Carácter
intelectual de su obra. Representación espacial en perspectiva, sensación de montaje
escenográfico. Utilización de amplios ropajes para dar más corporeidad y volumen a las figuras.
Amplio repertorio gestual para mostrar los afectos. Gradación del color en función de la luz para
dar volumen. Escenas de la vida de San Francisco, en Asís: la expulsión de los diablos de Arezzo
2.3- EL ESTILO INTERNACIONAL.
Origen: Centroeuropa.
Fusión del Gótico Lineal y del Trecento Italiano.
Estilización de las figuras.
Tendencia a las líneas curvas.
Simbolismo.
Importancia de las miniaturas
Ejemplos. Las muy ricas horas del duque de Berry, Limbourg
Rasgos principales:
EL CONTEXTO HISTÓRICO. La civilización islámica es el resultado del fuerte impulso con el que se
manifiesta y difunde una nueva religión, predicada por Mahoma (570-632), junto a la capacidad
de sus seguidores para unificar administrativa, económica y culturalmente los pueblos de la
península arábiga, y promover desde ésta su expansión. Fue una expansión sin precedentes en su
rapidez ya que, en menos de cien años, consiguió abarcar numerosos territorios comprendidos
entre la India y el área del Mediterráneo. En sus conquistas, los árabes fueron muy considerados
con las religiones, la cultura y el arte de los pueblos invadidos. Adoptaron y adaptaron los
elementos y las formas que encontraban para enriquecer con ellas su cultura, a la vez que, con su
expansión, favorecían los intercambios y desarrollaban una importante función transmisora del
saber. Así, los vestigios artísticos de civilizaciones como la romana, la bizantina y la visigoda, entre
otras, no sólo fueron respetados, sino también incorporados al Islam, para producir una cultura en
la que participaban y se conjugaban las peculiaridades de cada ámbito geográfico. Mahoma,
considerado por los musulmanes el último profeta después de Abraham y Jesucristo, predicó una
fe monoteísta en la que reconocía a Alá como único Dios, dueño de la creación, frente a cuya
voluntad el ser humano debe mostrar completa sumisión (Islam). En esta fe, que se opone al
politeísmo anterior, ocupan un lugar un lugar importante la existencia de los ángeles; la
convicción de que hay una vida en el más allá, el ineludible Juicio Universal al que se enfrentarán
todos los hombres; la verdad contenida en las escrituras de su libro sagrado, el Corán, y la
salvación garantizada para aquellos mártires que mueran en la defensa del Islam. Es un conjunto
de creencias muy cercanas a las del judaísmo, el cristianismo y otras manifestaciones religiosas
propias de su ámbito geográfico. Mahoma empezó a predicar en su ciudad natal, La Meca, un
importante centro comercial en el que su mensaje no fue bien acogido, por lo que se vio obligado a
huir hacia una ciudad del Norte llamada Medina. Esta huida, que se conoce con el nombre de
Hégira y que se produce en el año 622, sirve como punto de partida del calendario musulmán.
Tras la muerte de Mahoma, en el año 632, la organización política del Islam, que ocupaba ya toda
la región de Hiyaz, se basó en la teocracia; de forma que el liderazgo espiritual y la autoridad
política se fundían en una misma persona, el califa, al cual estaba encomendada la salvaguarda de
los intereses islámicos y la difusión de la fe mediante la guerra santa (yihad). Los primeros califas
eran miembros de la familia del profeta (califas ortodoxos o legítimos), pero luego, tras algunos
conflictos sucesorios, se impuso la dinastía Omeya, de origen sirio que trasladó la capital del
imperio de Medina de Damasco. Se iniciaba en el año 661, el califato omeya. Los omeyas se
expandieron por el este hasta la India y conquistaron el norte de África, lo que les permitió
acceder con facilidad a Sicilia y a la península Ibérica, donde entraron en el año 711. Su avance
europeo fue detenido en Francia en el año 732 por los francos. Los omeyas expandieron el Islam, a
su vez, por Asia Central, llegando a los límites geográficos de China. En el año 745 una rebelión en
el este de Persia provocó un cambio a favor de los abasíes. Así, en el año 750, comienza el califato
abasí, que trasladó su capital a Bagdad y centró su actividad difusora, hasta mediados del siglo XI,
hacia Orienta y el continente africano. Su mandato se caracterizará por la falta de coincidencia
entre las fronteras religiosas y políticas, esto es, por la progresiva desmembración del imperio
islámico dada su enorme extensión y su incapacidad para controlar las zonas más alejadas. En este
contexto, los gobernadores (walis) y los jefes militares de las provincias (emires) fueron
adquiriendo poder y riqueza hasta conseguir su total autonomía. Éste fue el caso de Al-Andalus,
que pasó de ser un emirato en la época de los omeyas a constituirse en un califato independiente
con capital en Córdoba, desde el año 929, libre de la influencia abasí. Dicha situación dio lugar a
un desarrollo particular en sus manifestaciones artísticas que, dada su importancia y su
exquisitez, llegó a competir con las realizaciones del imperio. Con todo, fue bajo las dinastías
omeya y abbasí, cuando el mundo del Islam definió las principales orientaciones religiosas,
culturales y artísticas que acompañaron y favorecieron su espectacular proceso de expansión. 2.
RASGOS GENERALES DEL ARTE ISLÁMICO. El arte islámico está determinado estéticamente por
las prescripciones coránicas, la cultura árabe y las influencias de los países conquistados por el
Islam. El arte musulmán recogió la herencia del arte tradicional de Asia occidental, y del estilo
artístico grecorromano. El arte musulmán posee una unidad relativa, un aire familiar, apreciable
en obras creadas a varios miles de kms y con algunos siglos de intervalo. Los lazos que unen las
distintas propuestas del arte musulmán son los siguientes: 1. Factores geográficos. El arte
musulmán se extendió sobre una amplia faja este-oeste del planeta que iba desde el golfo de
Bengala al océano Atlántico. Esta zona, limítrofe al sur con regiones templadas del hemisferio
norte, presenta una unidad relativa de clima. La escasez de las lluvias, el carácter semiárido o
desértico de estas regiones influyen decisivamente sobre el arte musulmán. 2. Factor histórico.
Como tal se entiende las condiciones que han estado presentes en la génesis del arte musulmán, la
supervivencia de los caracteres que debe a sus orígenes. 3. Factor religioso. Es el factor que más
mantiene entre las provincias del arte musulmán una unidad cuya marca lleva cada obra es el
propio Islam. Es el factor más eficaz y permanente. Los edificios islámicos satisfacen las reglas de
vida impuestas por el Islam. Arte al servicio del culto. ECLECTICISMO O SÍNTESIS El arte islámico
se caracteriza por su eclecticismo, es decir, por su capacidad de asimilar y reinterpretar elementos
artísticos tomados de distintas culturas y fundirlos con sus propias raíces para crear nuevas
formas. Las tribus árabes que habitaban en la península de Arabia antes de la llegada del Islam
eran nómadas y, por tanto, habían desarrollado muy poco la arquitectura; cuando los musulmanes
tuvieron que construir sus edificios se inspiraron en los modelos existentes en los territorios
conquistados, asimilando el arte persa sasánida, la tradición romano-bizantina y el arte cristiano,
con elementos incluso indios o chinos. ANICONISMO El arte islámico es ICONOCLASTA, porque el
Dios único en el que creen los musulmanes no se puede representar en imágenes. No hay, por
tanto, imágenes en las artes plásticas, ni en el interior de sus mezquitas. La excepción la
constituyen algunas manifestaciones en el ámbito iraní (chiíta) y en los códices que contienen
ilustraciones sobre algunos temas. Cuando Mahoma destruyó los ídolos reafirmó la idea central de
la trascendencia de Dios, que hace imposible poseer una imagen de Él, pero sobre todo reforzó la
idea de que ningún artista puede competir con la divinidad en la creación de seres reales. Así,
aunque el Corán, no prohíbe expresamente la representación de figuras, el arte islámico evita
"crear" figuras porque que esta facultad sólo se le reserva a Dios. ESTILIZACIÓN Las artes
plásticas del mundo islámico son ANTINATURALISTAS. Se trata de recrear, a través del arte, un
ambiente puramente religioso, donde no cabe la representación de la realidad. Es, por tanto, una
manifestación del misticismo y la espiritualidad de los musulmanes. Por ello abundan las
composiciones geométricas y abstractas. • La composición geométrica se usó también para evitar
toda representación humana de la divinidad. En el arte, el entrelazado geométrico fue la forma en
que se plasmó la idea de unidad divina proclamada por Mahoma y subyacente en la infinita
variedad del mundo según el Islam. • La armonía del mundo se expresa para el arte islámico en la
complejidad del entrelazado geométrico, p
rella central con las puntas mirando en todas las direcciones para formar una compleja red de
líneas que se cruzan entre sí. En todos los casos el objetivo era el mismo: romper el espacio
bidimensional en partes pequeñas para agradar a la vista y retar a la mente. MUTABILIDAD Se
basa en el principio de que sólo Dios es eterno y, por tanto, el único que permanece inalterable en
el tiempo. Todo lo demás cambia. El arte no aspira a la perduración, como en Roma, sino que
prefiere mostrar la condición efímera y cambiante de las cosas. Lo único verdaderamente
inalterable es Alá. La mutabilidad de las cosas se expresa a través de los recursos ornamentales.
Con los efectos de luz se consiguen sensaciones de desmaterialización arquitectónica (reflejos,
contrastes de color, etc.). Los materiales que se emplean son pobres (yeso, ladrillo, madera), pero
revestidos con gran riqueza. SISTEMA ARQUITECTÓNICO La climatología provocó también que la
arquitectura se volcara hacia dentro, buscando espacios frescos y confortables. En este sentido
clave el papel del agua y la naturaleza, integrados a través de fuentes, canalizaciones en superficie
y agradables jardines. El edificio más destacado es la mezquita, lugar de reunión de la comunidad
musulmana y su estructura deriva de la casa de Mahoma en Medina, aunque también observamos
ecos de las basílicas paleocristianas. Sus partes fundamentales son: * El patio ("sahn"), rodeado de
arquerías. * La torre ("alminar" o "minarete"), junto a la puerta de acceso al patio. * La fuente para
abluciones ("sabil"), generalmente bajo un templete. * La gran sala de oración ("haram"), dividida
en numerosas naves. * El muro orientado hacia La Meca ("qibla"). * El nicho o lugar santo en el
centro de la qibla ("mihrab"). * El recinto cercado para el califa o imán ("maxura"). * El púlpito
("minbar"). En cuanto a los soportes se emplean columnas reaprovechadas y pilares de ladrillo. Se
utilizan también columnas con capiteles que de forma tosca imitan el mundo clásico. Los arcos
más usuales fueron el apuntado, el de medio punto, el de herradura, el lobulado, el mixtilíneo y los
arcos entrecruzados. En las cubiertas utilizan carpinterías de madera labrada, junto a bóvedas y
cúpulas. El desarrollo de la cúpula, basado en los modelos del mundo romano y bizantino, fue
espectacular; así surgen variedades de gran belleza, como la cúpula con forma de bulbo; la califal,
formada por nervios que no se cruzan en el centro, o la gallonada, compuesta por gallones o
segmentos cóncavos parecidos a los gajos de una naranja. La disposición reiterativa y repetitiva
de los recursos ornamentales, que se multiplican hasta el infinito, generando sensaciones de
movilidad, agitación y densidad ornamental (Horror vacui). LA DECORACIÓN EN EL ARTE
ISLÁMICO • Puede decirse que el arte islámico consiste en un número relativamente limitado de
formas simples, muchas de las cuales pueden ser usadas intercaladas en diferentes medios. Estas
formas básicas son de nuevo elaboradas a veces hasta un grado extraordinariamente complejo. •
La ornamentación islámica tiene un vocabulario particular y sus principales categorías son:
caligráfica, vegetal (ataurique), geométrica (lacería) y figurativa (muy escasa). Todas estas formas
heterogéneas se combinan para formar un todo estilísticamente único. Figuras de animales y
humanas se entrelazaron, de acuerdo con determinadas leyes rítmicas, con diseños geométricos o
con arabescos para la serie de eslabones de una sola cadena. • Los motivos vegetales se utilizan
ampliamente en el arte y la arquitectura islámica, pero los artistas musulmanes no buscan la
similitud con el mundo natural, al contrario, procuran dar a sus diseños una apariencia abstracta e
irreal. LA CALIGRAFÍA • Las figuras fueron sustituidas en el arte islámico por la escritura sagrada,
que puede considerarse como la manifestación visible del verbo de Dios. La lengua árabe es para
el Islam una lengua sagrada, pues es la lengua de la revelación y del Corán. • La caligrafía árabe es
considerada en el mundo islámico como la expresión artística más apreciada porque otorga una
forma visible a la palabra revelada de Dios. En el primer capítulo del Corán, Dios es descrito como
el Todopoderoso "que enseñó al hombre a través de la pluma". • Una actividad profundamente
venerada es la copia del Corán, porque está hecha al servicio de Dios. De ahí que el arte del libro
(caligrafía, encuadernación y adornos) siempre se ha tenido en la más alta estima dentro del
mundo islámico. Por ello, las escuelas de escribanos se encuentran frecuentemente junto a las
mezquitas. • La caligrafía pasó a ser parte fundamental de la decoración de edificios civiles o
religiosos. EL ARABESCO • La ornamentación floral tuvo una amplia difusión en el arte islámico y
su manifestación más característica es el arabesco. Arabesco significa cualquier patrón que se
repite, basado en enredaderas de volutas y hojas. Los arabescos pueden encontrarse debajo de
otro ornamento, también pueden servir como paisaje o contexto en el que hombres y animales se
desvanecen. LAS ARTES INDUSTRIALES • La mayoría de los objetos del arte islámico tienen un
uso práctico. Las alfombras por ejemplo, han tenido diversos usos en la historia musulmana: para
la oración, para cubrir el suelo usado por el devoto; o como "mueble" de viaje entre los árabes
nómadas, quienes las usaban como manta, para guardar artículos domésticos, para cubrir mesas o
como cojines para descansar. • En los diferentes centros artesanales del mundo islámico se
crearon magníficos ejemplos de las diferentes artes industriales. El arte textil se desarrolló
ampliamente, en especial la confección de telas de lujo, bordadas en oro y plata. Además
abundaron los talleres especializados en la creación de mosaicos, vidrios ornamentales, trabajo en
metal y talla en madera. • Una de las invenciones técnicas que difundió el arte islámico es la
creación de alfarería con reflejos metálicos, a imitación del delicado trabajo del metal. 3. LOS
ORÍGENES DEL ARTE ISLÁMICO. EL PERÍODO OMEYA En la época omeya (661-750) es muy
profunda la influencia bizantina. A finales del siglo VII se construyó en Jerusalén la Mezquita de la
Roca en Jerusalén, con planta octogonal y una gran cúpula destinada a cubrir la roca que la
tradición relacionaba con el sacrificio de Abraham. La Gran Mezquita de Damasco se construye a
principios del siglo VIII aprovechando un edificio cristiano preexistente, la Iglesia de San Juan
Bautista, quedando diseñado ya el modelo de mezquita. Será el modelo a seguir con pequeñas
diferencias en mezquitas posteriores. EL PERÍODO ABBASIDA En el período abbasida (desde
mediados del siglo VIII) las influencias principalmente son mesopotámicas y persas, sobre todo a
partir del traslado de la capital de Damasco a Bagdad. Destaca la Gran Mezquita de Samarra, de
mediados del siglo IX, posee un curioso minarete cuya rampa de acceso describe un recorrido
helicoidal que recuerda a los ziggurats. En Samarra se fija el tipo de mezquita formada por
amplios patios cuadrados, rodeados de pórticos y salas divididas en varias naves por pilares. La
Gran Mezquita de Kairuán, del siglo IX, es famosa por el trazado de sus naves en forma de T, al
cruzarse la nave central con la que sigue transversalmente a la qibla y tener ambas mayor anchura
que el resto. Esta mezquita norteafricana ofrece varios puntos de contacto con la de Córdoba,
destacando la utilización del arco de herradura, la distribución del minarete en cuerpos de planta
cuadrada y tamaño decreciente en altura y el uso de la bóveda gallonada.
El Arte Hispano musulmán se inscribe dentro de las características generales del arte islámico. Su
fuente de inspiración es la religión. Como está prohibida la representación figurativa, no hay
escultura ni pintura . Eso hace que sea la arquitectura la que tiene mayor importancia.
Dominio de los elementos decorativos especialmente los temas abstractos y geométricos. Uso
elementos vegetales ( atauriques ) geométricos ( lacerías ), decoración epigráfica ( textos del
coran etc )
Uso de materiales ligeros y de escasa calidad ( piedra, madera, ladrillo, yeso ) a veces el mármol
En el arte Hispano musulmán tiene rasgos específicos hispanos como: el legado hispano romano
con la superposición de arcos de herradura, las celosías caladas y los arcos con dovelas de
colores, la multiplicidad de tipos de
arcos [ califales, Lobulados, polilobulados, de mocárabes, apuntados etc ]
Adaptación del edificio a la función que tiene: religiosa ( mezquitas ) civil ( palacios ) militar (
alcazabas )
a.- La MEZQUITA
Responde a uno de los principios o pilares del Islam: la oración . Se necesita un espacio que se
dirija hacia la Meca. Es un espacio de reunión conjunta de todos los fieles, una forma de
fortalecer la comunidad de creyentes y escuchar al IMANo jefe espiritual. Copia la casa de
Mahoma de planta rectangular. Es un espacio sencillo donde no hay jerarquías. Lo más importante
es la orientación marcada por el MIHRAB, capilla de oración que marca la dirección hacia la Meca
caracterizado por la riqueza de materiales empleados, bóvedas de nervios y fantasías decorativas.
Toda la sala de oración se le llama HARAM, varias naves de columnas para dar cabida a los fieles.
Delante del Mihrab, se encuentra la MAXURA, espacio reservado a Emires y Califas, más decorado
con mosaicos. En el exterior, un patio con una FUENTE DE LAS ABLUCIONES [ los musulmanes
al rezo tienen que ir limpios de cuerpo y espíritu ] y el ALMINAR [ torre de base cuadrada y de
tres plantas, servía para la llamada a la oración, 5 veces al día ]
Las ALCAZABAS: son manifestaciones de arquitectura civil. Quedan restos de palacios como el
de MEDINA AL ZAHARA verdadera ciudad palatina mandada construir por el Califa Abd El
Rhaman III. Más tardía será la construcción de la ALJAFERÍA DE ZARAGOZA, palacio fortificado de
la época califal S. XI, sigue los modelos de castillos del desierto. Las alcazabas, residencias de los
gobernadores, con diferentes espacios pero siempre con la vegetación y el agua presenten;
ejemplos de las mismas será las ALCAZABAS DE MÁLAGA o de ALMERIA.
El PALACIO. Dentro del mismo se observan dos partes: la PARTE OFICIAL: donde los emires
desarrollaban sus actividades oficiales: el MEXUAR varios patios y estancias, el cuarto
de COMARES, el patio de la ALBERCA y el SALÓN DEL TRONO o de los embajadores con una
cúpula estrellada que representa la bóveda celeste.
La PARTE PRIVADA recibe el nombre del PATIO DE LOS LEONES con tres estancias: Sala de
las DOS HERMANAS,sala de los ABENCERRAJES y la sala de los REYES. Los baños y el jardín
del PARTAL completan la parte privada del palacio.
Adosados a la ALHAMBRA aparece el palacio y los jardines del GENERALIFE del s. XIII. De rasgos
más sencillos que los de la Alhambra, está compuesto de pabellones, jardines y huertas diseñados
con un sofisticado tratamiento del agua que servía de recreo para sus habitantes. Todo ello para
recrear los 5 sentidos
Deseo de realizar edificios perfectos desde el punto de vista de "perfección técnica", basándose en
cálculos matemáticos y geométricos, para obtener la máxima armonía y proporción.
Para ello toman como módulos el radio y el diámetro de una columna. Hay teóricos como Paccioti
que hablan de la proporción áurea, que es la más adecuada para la construcción: 1 m. de alto x 1,6
m de ancho.
Tiene preferencia el espacio unitario. Es decir, se busca que desde el interior se pueda tener una
visión total del edificio, sin importar el punto de vista del observador.
Se busca la belleza formal.
Elementos sustentantes:
Sustentante continuo: el muro recupera su valor como sustentante. Es frecuente que estén
articulados con pilastras, líneas de imposta, etc.
1- INTRODUCCIÓN.
La arquitectura renacentista nace en Italia durante el S. XV. Sus características más importantes
son:
Proceso de renovación de las artes. Abandono de las fórmulas medievales para reimplantar las
ideas estéticas clásicas griegas y romanas.
Deseo de realizar edificios perfectos desde el punto de vista de "perfección técnica", basándose
en cálculos matemáticos y geométricos, para obtener la máxima armonía y proporción.
Se busca la belleza formal. El muro recupera su valor como sustentante. Es frecuente que estén
articulados con pilastras, líneas de imposta…
Se utilizan los órdenes clásicos, con preferencia por el corintio. También se usan entablamentos
y frontones.
Como cubiertas, se emplean las planas con casetones o bóvedas (de cañón o de arista). La
cúpula adquiere un especial protagonismo y va a ser una constante preocupación técnica de los
arquitectos renacentistas.
2
Elementos constructivos para decorar: pilastras, entablamentos… Medallones o tondos (círculos
con relieves en el centro), grutescos (seres fantásticos mezcla de humanos, animales y vegetales) y
guirnaldas. Sillares almohadillados. Columnas abalaustradas. Conchas. Grutescos. Es frecuente que
la decoración se disponga a candelieri (con un eje central en torno al que surgen los elementos
ornamentales).
2- ETAPAS
El origen del arte renacentista estuvo en Italia, y suele dividirse en tres etapas con los términos
italianos:
Filippo Brunelleschi. Sienta las bases de la arquitectura renacentista. Entre sus obras más
afamadas se encuentra la cúpula de la Catedral de Florencia, la Basílica de San Lorenzo, el Palacio
Pitti, etc.
CÚPULA DE SANTA MARÍA DE LAS FLORES. Tras haber ganado el concurso para la realización de
la cúpula de la catedral gótica de Florencia, en 1420 inició su construcción. Sobre un tambor
octogonal preexistente dispuso 24 nervios cruzados por anillos horizontales, poniendo en práctica
el sistema denominado “espina de pez”. Mediante este sistema se conseguía sostener dos cúpulas,
una interior casi semiesférica y otra exterior ovoidal, cuyos empujes se contrarrestaban. En el
exterior, ocho paños de ladrillo, separados cada uno por nervios de mármol, junto al remate de la
cúpula con una linterna, completan el conjunto.
EL HOSPITAL DE LOS INOCENTES. Destaca el pórtico, formado por arcadas que dividen espacios
cúbicos.
LAS BASÍLICAS DE SAN LORENZO Y DE SANTO SPIRITO. En ambas destaca el estudio de las
proporciones y las perspectivas. Son de cruz latina, de tres naves, con clara influencia
paleocristiana. Las naves están separadas mediante columnas clásicas. Sobre los capiteles reposa
un entablamento partido que sostiene arcos de medio punto. Sus techumbres son planas.
EL PALACIO PITTI. Con esta obra se sentaron las bases del modelo de palacio renacentista
florentino. De planta cuadrangular, se levantó en torno a un patio central. La fachada presenta
claras influencias de la arquitectura romana. Destaca el muro almohadillado.
LA SACRISTÍA VIEJA DE SAN LORENZO Y LA CAPILLA PAZZI. Ambas son de planta centralizada y
cubiertas con cúpulas. La fachada de la capilla Pazzi consta de un pórtico con columnas clásicas y
de un gran arco de medio punto.
León Battista Alberti. Junto con Brunelleschi es el principal artífice del siglo XV italiano en cuanto
a arquitectura se refiere. En su haber se encuentra el templo de Malatesta de Rímini, la fachada de
Santa María Novella, etc.
EL TEMPLO DE MALATESTA. En esta obra, Alberti transformó una iglesia en panteón. La fachada
fue construida a modo de arco de triunfo romano.
IGLESIA DE SAN ANDRÉS DE MANTUA. De planta de cruz latina con una única nave cubierta con
una bóveda de cañón con casetones, Una cúpula con grandes vanos en su base iluminaba el
crucero. En la fachada, Alberti diseñó un arco de triunfo, coronado con un frontón triangular.
SANTA MARÍA NOVELLA (fachada). Presenta dos cuerpos, el superior es más estrecho. Utiliza
elementos clásicos como el frontón, las volutas y las columnas. La fachada destaca por su
cromatismo. DEPARTAMENTO DE GEOGRAFÍA E HISTORIA MATERIA: HISTORIA DEL ARTE
EL PALACIO RUCELLAI. En la fachada, Alberti dispuso una superposición de órdenes que oponía
un ritmo vertical a la horizontalidad de los entablamentos.
La arquitectura del Cinquecento sacrifica el sentido decorativo del período anterior por la
búsqueda del racionalismo en las formas arquitectónicas, concibiendo las construcciones como un
todo unitario donde la armonía triunfa plenamente. Se abandona la horizontalidad propia del
Quatrocento.
Roma se convierte en centro del poder religioso y político, donde reside el Papado y en la capital
artística y cultural de Europa.
Principales arquitectos:
Los principales arquitectos del siglos XVI son Bramante y Miguel Ángel, cuya producción se centra
en Roma. En segundo plano están Jacopo Sansovino, ,il Vignola y Andrea Palladio.
Bramante. La obra de Bramante es tan significativa en el siglo XVI como la de Bruneleschi en el XV.
Ambos son la síntesis del Renacimiento. En Roma es cautivado por la majestad de las ruinas
romanas. Allí decide un arte en que la estructura arquitectónica sea lo único dominante. Su obra
se divide en dos etapas, las que corresponden a sus estancias en la Lombardía y en Roma. De la
primera etapa sobresalen las reconstrucciones de la Iglesia de SANTA MARIA PRESSO SAN
SATIRO O SANTA MARIE DELLE GRAZIE, ambas en Milán, que todavía denotan una profusa
decoración. Sin embargo, al trasladarse a Roma abandona todo elemento decorativo y se centra en
la estructura del edificio. A esta etapa pertenece SAN PIETRO IN MONTORIO, de grandísimo
monumentalidad a pesar de sus pequeñas dimensiones. Este templo es todo un programa edilicio,
algo así como lo que fue la Capilla Pazzi de Bruneleschi. La austera sobriedad y elegancia
caracterizará toda la obra plástica, tanto en arquitectura, escultura o pintura, del Cinquecento
romano. Este será su primer trabajo importante en la Ciudad Eterna y es para la Corona española.
Los Reyes católicos, en agradecimiento por la Toma de Granada, deciden consagrara en Roma una
iglesia a san Pedro, en el lugar donde una piadosa tradición creía que fue martirizado.
SAN PEDRO DEL VATICANO. Fue la obra principal de Bramante, encargada por el papa Julio II. La
nueva iglesia que sustituiría a la basílica paleocristiana y que sería la imagen de Roma, se planteó
como un edificio de planta de cruz griega, con cuatro ábsides y el crucero cubierto por una gran
cúpula. En los cuatro ángulos de la cruz, cuatro capillas generaban una planta casi cuadrada y sin
fachada principal.
Palladio. Trabajó principalmente en Vicenza, uno de los centros del Renacimiento veneciano. Será
en esta ciudad donde desarrolle su labor como arquitecto.
Sus principales obras son: LA BASÍLICA DE VICENZA, en esta utiliza las columnas de dos escalas
distintas, la mayor para el entablamento y la menor para los arcos, creando lo que se conoce como
“orden gigante”. Con ello combina genialmente el sentido estático de la arquitectura, que es
puramente griego, con el dinamismo, que es más romano. LA VILLA CAPRA, concebida como
segunda vivienda para miembros de la alta sociedad, conocida como La Rotonda, construida en
1550, y la iglesia del Redentor en Venecia, de 1577. En 1549 ganaba el concurso para revestir con
una envoltura pétrea la basílica. Delinea una fachada de dos plantas, el piso bajo de orden dórico y
el alto, jónico, a partir de la repetición en serie de una módulo, que ha pasado a la historia del arte
con el título de de “tramo rítmico palladiano”. Consiste en inscribir un arco de medio punto y dos
dinteles laterales apeados sobre columnas de orden normal, en un marco arquitrabado con
columnas de orden gigante.
Sustentantes discontinuos: se utilizan los órdenes clásicos, con preferencia por el corintio.
También se usan entablamentos y frontones.
Elementos sostenidos
El arco que se emplea es el arco de medio punto.
Como cubiertas, se emplena las planas con casetones o bóvedas (de cañón o de arista). La cúpula
adquiere un especial protagonismo y va a ser una constante preocupación técnica de los
arquitectos renacentistas.
Elementos decorativos
Se utilizan:
Sillares almohadillados
Guirnaldas.
Columnas abalaustradas.
Conchas.
Es frecuente que la decoración se disponga a candelieri (con un eje central en torno al que surgen
los elementos ornamentales)
Tipos de edificios en que se aplica la nueva arquitectura renacentista italiana
Los tipos de edificios son muy variados. Predominan los religiosos, con planta longitudinal (cruz
latina o basilical), pero abundan también los de planta central (cruz griega o circular).
Entre los edificios civiles destaca muy especialmente los palacios, aunque también, la nueva
arquitectura se aplica a otras construcciones civiles como hospitales, bibliotecas, etc.
David. Donatello
1- INTRODUCCIÓN.
La escultura italiana del Renacimiento, como la arquitectura, nace apoyada en los modelos
clásicos, pero no se rompe la continuidad de ciertas formas de lo medieval. Así, en los primeros
artistas del Quattrocento puede advertirse una esbeltez de proporciones y una elegancia lineal y
curvilínea, que viene del gótico internacional, junto a un gusto por el pormenor realista y
anecdótico de la misma procedencia. Se advierte también el gusto por el desnudo, enteramente
clásico, la utilización de los materiales nobles de la antigüedad (mármol y bronce) y un interés por
lo monumental y severo, cuyo avance se sigue sin dificultad a lo largo del siglo para culminar en el
Cinquecento. Además del género religioso, siempre cultivado con preferencia, vemos surgir
elementos profanos y alegóricos en la escultura funeraria, y resucita el retrato ecuestre al modo
antiguo, a la vez que se cultiva mucho el de busto. La técnica de la fundición del bronce alcanza
una extraordinaria perfección, y la labra del mármol, consigue efectos de sutilísimo refinamiento,
especialmente en el relieve. En Florencia se generaliza además un material, el barro cocido, que a
veces se deja en su color o se pinta (terracota), y en ocasiones se vidria, con efectos peculiares.
Durante el siglo XV, cuyo centro es Florencia, destacan: Lorenzo Ghiberti, Andrea del Verrochio,
Jacob de la Quercia, Lucas Della Robbia, entre otros.
Rasgos generales:
- Temática: Mitológica, profana, desnudo, retratos de busto, escultura ecuestre, funeraria, sin
olvidar la temática religiosa.
- Materiales: Nobles, mármol y bronce y otros como el barro (terracota), y la madera policromada.
- Artistas: Ghiberti, Jacopo della Quercia, Donatello, Verrochio, Pollaiuolo, la familia Della Robbia,
Nicola del Arca…
Donatello
- Oscila entre la búsqueda del equilibrio clásico y la belleza, y el cultivo de un cierto expresionismo
y dramatismo. Fuerza expresiva.
- Obras: Cantoría de la Catedral de Florencia, el David, San Jorge, Estatua Ecuestre de Gattamelata,
el Profeta Habacuc, la Magdalena Penitente
3- CINQUECENTO. ROMA. MIGUEL ÁNGEL
- Tipologías arquitectónicas: la iglesia, los palacios, las plazas. Influencia de la Antigüedad romana.
- Búsqueda de la monumentalidad.
- A finales del Siglo XVI surge una tendencia que conduce a la fuerza expresiva: Manierismo.
Utilización de la figura serpentinata.
Es sin duda el genio máximo de la escultura, arte que consideraba el suyo, aunque cultivara
también la arquitectura y la pintura. Su calidad excepcional, su amplitud de concepción, casi
gigantesca, y su extraordinaria sabiduría frente a las gormas del cuerpo y la complejidades del
espíritu, hacen de Miguel Ángel el prototipo universal del escultor capaz de expresar en mármol
cualquier concepto, idea o propósito, aun el más complejo. En su tiempo que ya casi divinizado y
sus obras, incluso las inacabadas, han sido durante siglos, modelos fervorosamente estudiados.
- Florencia: David.
- ROMA. Últimos años de su vida. Se agudiza la tensión y el cambio de estilo. Temática religiosa.
Piedad Rondanini (inacabada). Figura serpentinata.
La tendencia goticista que tiene mucho aún del estilo anterior. Se desarrolla principalmente a
partir de los seguidores de la Escuela de Florencia y Siena, y como figura principal tenemos a Fra
Angélico.
La corriente de movimiento: artistas que se preocupa por el estudio del espacio y el volumen, en
la que destaca Masaccio.
A partir de estas tres tendencias se desarrolla un arte único que pondrá las bases al desarrollo de
las artes posteriores, y que bebe principalmente de las aguas del clasicismo greco-romano.
Los materiales que utilizarán son pastel, tempera y óleo, sobre madera y lienzo en la pintura
exenta. En la pintura mural utilizan principalmente pastel o tempera.
- Combina la temática cristiana, pagana y profana frente a la temática cristiana dominante hasta
ahora.
- Interés por el hombre, no solo desde el punto intelectual, sino también físico, por ello el estudio
de la anatomía en el arte será un tema importante para los artistas, también la búsqueda del
canon perfecto y el movimiento.
- La pintura se distribuirá en orden alrededor de un eje central, dicho eje central siempre girará
alrededor del ser humano: humanismo.
- El espacio y la perspectiva son también temas de estudio para conseguir la perfección de
conjunto, así se desarrollará la perspectiva lineal buscando un punto en el horizonte hacia el que
las figuras disminuyen proporcionalmente en el espacio. A partir de ella la escuela manierista
veneciana, especialmente Il Tintoretto, iniciará el estudio de la perspectiva aérea ya a finales del
siglo XVI .
- La luz es otro de los aspectos interesantes en la pintura renacentista, ya que ayuda al estudio del
espacio y del volumen, de este modo las luces y sombras, los claro-oscuros, forman parte
importante del espacio pictórico convirtiéndose en directriz de la composición.
- Cada figura es tratada de forma individual, de forma que si sacamos una figura del conjunto y la
aislamos no pierde su naturalidad y personalidad.
- La ambientación cobra importancia tanto en interiores como en exteriores.
El Cinquecento sigue las características del Quattrocento, pero exagera las formas, las engrandece
y añade movimiento, especialmente en su etapa final: el Manierismo.
El foco se situará en Roma y en Venecia. En Roma alrededor de la corte papal, principal mecenas
de esta época.
La pintura sigue componiéndose de forma ordenada, encerrándolas en esquemas geométricos,
pero ahora se multiplican sus formas: rombos, cuadrados,...
El artista pone más interés en el tema que en la ambientación que se pone en función del tema
principal.
Su principal característica es la monumentalidad: cuadros de gran tamaño, frescos que cubren
paredes enteras con figuras gigantes.
Se generaliza aún más el tema profano.
La etapa final del Cinquecento: el Manierismo, dará paso al Barroco.
ARTISTAS
PRIMERA MITAD:
o Masaccio (Florencia)
SEGUNDA MITAD:
o Il Perugino (Umbria)
o Pinturiccio (Umbria)
o Carpaccio (Venecia)
RENACIMIENTO CLÁSICO:
o Leonardo da Vinci
o Rafael Sanzio
o Miguel Ángel
MANIERISMO:
o Tiziano
o Tintoretto
o Veronés
1- INTRODUCCIÓN.
Después de los elementos de renovación y plenitud formal inspirada en la antigüedad que aportó
la figura de Giotto en el siglo XIII, hay que esperar al siglo XV para que la pintura retorne, en Italia,
al camino de la evocación de lo antiguo, unida a una observación viva de la naturaleza y a un
dominio de la ciencia de la perspectiva que hace posible la representación de lo real en las dos
dimensiones de la superficie pintada.
2- ETAPAS
1- La primera mitad del siglo se complace más en las formas monumentales, los estudios de
perspectiva, la sobriedad expresiva y la incorporación de elementos clásicos en la decoración. Los
grandes maestros de esta parte del siglo XV son: Masaccio, Ucello, Piero de la Francesca y
Castagno. Junto a ellos pueden señalarse algunos artistas que mantienen algo de la tradición del
gótico internacional, con complacencia en las líneas refinadas del arabesco lineal, la gracia
decorativa y la alegría del color, usando con frecuencia el oro, como en el gótico; entre este grupo
destacan Fran Angélico y Masolino en Florencia, Pisanello en el Norte de Italia, y Gentile de
Fabriano en el Centro.
2- En la segunda mitad del siglo se generaliza un gusto más complicado y rico, que prefiere el
dinamismo a la monumentalidad, y lo complejo y narrativo a lo solemne, introduciéndose además
múltiples elementos de lo cotidiano con extrema vivacidad y gracia a lo que no es ajeno el
conocimiento de la pintura flamenca contemporánea. A este grupo corresponde, entre otros,
Boticelli en Florencia, Perugino y Pinturichio en Umbría y los maestros de la pintura veneciana.
- La tradición italiana gótica de la gran pintura mural al fresco se continúa y todos los grandes
maestros del siglo XV la cultivan con maestría excepcional consiguiendo efectos de extraordinaria
monumentalidad y magnífica adecuación de la pintura al marco espacial.
- En la pintura de caballete se sigue utilizando especialmente la tabla como soporte y la técnica del
temple con los colores disueltos en agua con huevo o cola. Solo en la segunda mitad del siglo y por
influencia flamenca, se introduce el uso del óleo, especialmente en Venecia.
- La temática es predominantemente religiosa, en los frescos que decoran iglesias y en las tablas
de altares y oratorios. Se cultivan también ciertos temas mitológicos o profanos del mundo
humanista en frescos de palacios y decoraciones de muebles, y en ciertas ocasiones, para mecenas
muy específicos, se pintan grandes composiciones mitológicas o alegóricas, e incluso episodios de
historia.
- Importantes avances en la utilización de la luz, con la que se consigue mostrar el volumen de los
objetos o seres representados.
4- GRANDES MAESTROS DEL QUATROCENTO ITALIANO: FRA ANGÉLICO, MASACCIO, PIERO
DELLA FRANCESCA Y BOTICELLI
4.1- PRIMERA MITAD DE SIGLO XV: FRA ANGÉLICO, MASACCIO Y PIERO DELLA FRANCESCA
Fraile dominico, desde muy joven se educó con Lorenzo Mónaco, notable pintor de la tradición del
gótico internacional. Representa la continuidad del espíritu religioso medieval, uniendo la poesía,
linealidad, fragilidad y DEPARTAMENTO DE GEOGRAFÍA E HISTORIA MATERIA: HISTORIA DEL
ARTE PROFESORA: TERESA FERNÁNDEZ DIEZ I.E.S. ALDONZA LORENZO (LA PUEBLA DE
ALMORADIEL)
dulzura propia de la pintura del gótico internacional, a las formas nuevas, que a partir de 1430, se
revisten de un sobrio uso de la perspectiva, de los elementos decorativos y arquitectónicos del
repertorio clásico, de la luz y de la anatomía. Su obra florentina, en el Convento de San Marcos de
donde fue monje, expresa la religiosidad más pura y el idealismo más absoluto. En su
“Anunciación” del Museo del Prado, la atmósfera devocional, los dorados y la gesticulación de las
figuras recuerdan al Gótico, mientras que la arquitectura y la perspectiva son ya rasgos
renacentistas.
MASACCIO (1401-1428)
Se trata del artista que encumbró esta etapa del Quattrocento, consiguiendo armonizar lo
científico y la claridad intelectual. Se caracterizó por manejar extraordinariamente la intuición de
la belleza de las formas y el uso de la luz como elemento expresivo y simbólico, que potencian la
perspectiva y que a veces se convierte casi en misteriosa, cayendo con fuerza sobre los personajes
que quedan estáticos, como si de apariciones se tratara. Su obra maestra son los frescos de San
Francisco de Arezzo, con la historia de la Santa Cruz y la obra de “el sueño de Constantino”, de una
claridad de composición y una luminosidad colorística admirables.
BOTICELLI (1444-1510)
Alejandro Boticelli es la personalidad más famosa de este ambiente. Dibujante exquisito, refinado
y nervioso, protegido por Lorenzo el Magnífico, es el creador de unas maravillosas composiciones
mitológicas, “Nacimiento de Venus”, “La Primavera”, de líneas ondulantes y contornos precisos.
Como pintor religioso expresa siempre una cierta melancolía, que en sus últimos años,
impresionado por las predicaciones de Savonarola, se convierte en dramático expresionismo.
Además del dibujo, domina la composición, así como un estilo lírico facilitado por la esbeltez de
las figuras y las posturas curvadas. Entre las composiciones religiosas destaca “La Madonna del
Magníficat”. La composición que se adapta a la forma circular del tondo, busca efectos sorpresivos,
a la vez que refleja la dulzura de la virgen.
1- INTRODUCCIÓN.
El S. XVI supone en el ámbito de la pintura la conquista plena del clasicismo. El carácter humanista
y neoplatónico continuó favoreciendo la representación del desnudo, buscándose en él la
monumentalidad y la belleza ideal. Las figuras pasan a ocupar el primer plano, dejando los
paisajes en un segundo plano. En el escenario se prescinde de lo meramente accesorio. La pintura
alcanza un nivel de plenitud incomparable, gracias a la coincidencia generacional de algunos
talentos universales, entre los que destacarían con luz propia, Leonardo Da Vinci, Rafael y Miguel
Ángel.
Una de las principales aportaciones del Cinquecento fueron los avances en el tratamiento de la luz,
así como la introducción de la perspectiva aérea, en la que se simula el efecto atmosférico que la
luz ejerce sobre los objetos, dependiendo de donde se encuentren situados, representándose los
más alejados de forma menos nítida que los cercanos.
Pero una vez más una vez más debemos restringirnos al momento clásico de este siglo, y ello
prácticamente reduce la cronología de este período apenas al comienzo del S. XVI, tanto en Roma,
capital artística del momento, como en Venecia, donde surge una peculiar escuela pictórica
iniciada por Giorgione y proseguida por Tiziano. A partir de los años treinta de la centuria se
busca mayor movimiento y fuerza expresiva, dando lugar al manierismo en la segunda mitad del
siglo.
Hijo de pintor, se inició muy pronto en el mismo oficio. A pesar de su corta existencia es quizá el
artista que representa mejor que nadie la perfección del clasicismo. Dotado de una maravillosa
capacidad de síntesis, su estilo se va formando al contacto con el de sus contemporáneos que sabe
asimilar y convertir en algo nuevo y personal. Rafael, expresión máxima del ideal humanista, se le
ha considerado también el mejor ejemplo del equilibrio clásico del Cinquecento, de la medida, de
la belleza ideal, de la simetría axial, de la claridad compositiva, el encanto colorista y la
luminosidad diáfana. Asimila en sus obras el mundo cristiano y el pagano. Excelente dibujante,
refinado y perfeccionista en sus obras.
Miguel Ángel, transformando aún su estilo, dotándolo de una grandiosidad monumental nueva.
Las obras realizadas en estos años, constituyen una de las más maravillosas realizaciones de toda
la historia del arte, tanto los cuadros aislados, como “Entierro de Cristo, “Madonna de Foligno”,
como en las decoraciones al fresco que realiza en el palacio Vaticano, en la serie de las “Estancias
de la Segnatura” de Heliodoro, del “Incendio del Borgo”, y de “Constantino”. En esta sucesión de
salas realizadas con la colaboración de un enorme taller, pero, bajo su dirección, consigue crear un
mundo de maravillosa armonía donde motivos de la tradición clásica, como la escuela de Atenas,
se armonizan con episodios de la historia de la Cristiandad. También en esta etapa adquiere
renombre y prestigio como magnífico retratista. Pero es significativo que simultáneamente a la
realización de estos frescos, surja el fenómeno de la Reforma, que había de demostrar lo ilusorio
de ese maridaje. A Rafael y a sus discípulos se debe también la difusión de la decoración de grutas
directamente inspirada en lo romano. Las últimas obras de Rafael, los cartones para la serie de
tapices de los Hechos de los Apóstoles y la gran Transfiguración que dejó inacabada, muestra,
junto a una grandiosidad miguelangelesca, rasgos del nerviosismo y crispación del Manierismo.
Arquitecto y escultor, Miguel Ángel cultivó también la pintura y ejerció en ella una influencia
capital. Sintiéndose fundamentalmente escultor, en su pintura concede primordialmente
importancia al dibujo anatómico y al volumen, desdeñando el paisaje y el colorido y atendiendo
ante todo a construir figuras poderosas en actitudes con frecuencia difíciles, que le permiten
alardes de escorzos y de movimientos. Une lo grandioso y colosal con una fuerte expresividad
llena de movimiento (escorzos).
Su primera obra importante fue la “Batalla de Cascina”, mural en el palacio de la Signoría, donde
se enfrentó a Leonardo; se trató de un gran cartón preparatorio, hoy destruido, que durante
mucho tiempo sirvió de modelo para jóvenes artistas. En Roma, por orden del Papa Julio II, hubo
de realizar su obra maestra: la decoración de los frescos de la Capilla Sixtina, verdadero y
deslumbrante canto al cuerpo humano desnudo, obra cumbre de la creación. Todo el techo está
dividido en compartimentos por unas arquitecturas fingidas, pilastras, cornisas y pedestales,
donde se sienta, en las más variadas actitudes, bellos jóvenes desnudos. En los recuadros se
presentan escenas del Génesis, y figuras monumentales de Profetas y Sibilas completan el
deslumbrante conjunto.
En su madurez recibe el encargo de completar la Capilla con el enorme Juicio Final del testero. La
perfección clásica y el equilibrio, aún en lo sobrehumano, que mostraba el techo, cede el paso aquí
a un desbordamiento dramático y a una violencia pesimista que puede considerarse ya
manierista, en su desdén por la claridad y su complacencia en lo caprichoso,. Las figuras se
enroscan sobre sí mismas, los músculos se hinchan y hay un sentimiento general de retorcimiento
en un espacio que, voluntariamente, no queda definido. Sus últimas obras pictóricas llegan por
este camino al manierismo más extremado, utilizando en el mismo conjunto dos ángulos de visión
distintos, suprimiendo casi por entero las alusiones al espacio envolvente y forzando las
musculaturas hasta lo inverosímil.
Su influencia fue decisiva en todo el manierismo de la segunda mitad del siglo, pero su propio
Juicio Final fue víctima del cambio de sensibilidad que trajo el Concilio de Trento, ya que se
ordenó a su discípulo Daniel Volterra que cubriese las excesivas desnudeces del fresco,
considerándolo impúdico.
4- LA PINTURA VENECIANA
PRINCIPALES MAESTROS:
- TINTORETTO: El lavatorio.
EL PLATERESCO (1500-1530). Es un estilo que hace de puente desde las últimas realizaciones del
gótico hasta la consolidación de las formas clásicas (renacentistas). La decoración afecta a toda la
fachada arquitectónica que se caracteriza por:
CATEDRAL DE GRANADA
Pedro Machuca construye en el recinto de la Alhambra el Palacio de Carlos v. Andres de
Vandelvira realiza el San Salvador de Úbeda donde introduce el uso sistemático de bóvedas
vaídas.
PALACIO DE CARLOS V
El Escorial realizado por Juan Herrera es un conjunto monacal, palacio y templo. Se concibió como
una gran espacio rectangular articulado por diversos patios de distintas dimensiones, que iban
ordenando sus funciones, y centrado por el eje de la basílica y su atrio, que definía su entrada
principal. Uno de sus rasgos es la austeridad clasicista que impregna todo el edificio, despojando a
la piedra de todo ornamento. Busca así, la esencia de la arquitectura potenciando al máximo su
monumentalidad y grandeza de la construcción.
LA PINTURA DE
EL GRECO.
La obra de
El Greco
,
Doménico Theotocopoulos
, es una caso único en la Historia de lapintura. Cualquier persona sin tener muchos conocimientos
artísticos puede identificar suinconfundible estilo. Su originalidad radica en una personalidad peculiar
y, sobre todo, en que en élconfluyen cuatro tradiciones pictóricas y espirituales que se sintetizan
en armonía creando un estiloirrepetible: la figuración bizantina, el colorismo veneciano, el
manierismo miguelangelesco y laespiritualidad castellana.Por otro lado, la obra de
El Greco
es un caso sin parangón de evolución y de madurez de unartista: hay un auténtico abismo entre
los trabajos insignificantes del "
Greco pintor de iconos
" enGrecia, hasta sus altísimas creaciones de época española. En estos apuntes
podemos estudiar ydeleitarnos en su recorrido en sus más de 50 años de pintura
I) Nacimiento y formación en Creta (1541-1567). La tradición bizantina.
Nació
Doméncio Tehotocopoulos
en la ciudad cretense de Candía en 1541. La isla era por aquel entonces una colonia de la
República Veneciana, donde, sin embargo, se hablaba griego y seregía artísticamente por la estética
bizantina. Su iniciación profesional tuvo como marco,probablemente, alguno de los talleres monásticos
que mantenían las enseñanzas de la pintura muraly de iconos como una práctica artesana
de repetición.Aunque no tenemos cuadros autentificados de aquella época sus
primeras obras en Italiadenotan todavía dejes de este aprendizaje como los modelos humanos
y el gusto por representar lasfiguras sin referencia espacial (los fondos dorados).
Tránsito de la Virgen, 1567. En muchos rasgos se puede ver la estética bizantina.
II) Los años entre Venecia y Roma (1567-1576). La adopción de los recursos del renacimientoitaliano.
Debió ser en torno a 1567 cuando
El Greco
llegó a Venecia, la metrópoli, donde se desplegóante sus ojos un excepcional esplendor artístico, que varió su forma
de pintar. Coincidió con laúltima fase del siglo de oro de la pintura veneciana: el viejo
Tiziano
,
Tintoretto
, los
Bassano
y
ElVeronés
. La conversión a la pintura occidental no se dio súbitamente como podemos comprobar enel
Tríptico de Módena
(1568) que aún conserva mucho regusto bizantino.En sólo dos años se producirá la transformación e
irán calando en él:
•
la pincelada amplia y libre
•
los modelos humanos del manierismo,
•
los contrastes lumínicos,
•
los atrevidos escorzos,
•
el rico colorido veneciano y
•
la perspectiva.
Si se compara las dos obras que vienen a continuación se aprecian las diferencias de
estilo.Tríptico de Módena (1568). Detalle de laAdoración de los pastores.
Anunciacióndel Museo del Prado, 1570.
Cuando en 1570 se traslada a Roma ya es un pintor que domina la pintura
occidental. Ene s t a c i u d a d b u s c a s e g u i r a p r e n d i e n d o d e l c o n t a c t o d i r e c t o c o n
l a p i n t u r a d e M i g u e l Á n g e l y conseguir la notoriedad que no puede conseguir en una
Venecia plagada de pintores de calidad. Sinembargo, lo más destacable que hace artísticamente hablando
son retratos, como el que hace para suamigo
Giulio Clovio
. El pintor un tanto frustrado por la imposibilidad de mostrar su valía
s e permite fanfarronear, llegando a declararse capaz de mejorar el
Juicio Final
de
Miguel Ángel
. Seapor la enemistad que le genera tal comentario entre los círculos intelectuales romanos,o sea
porqueconfía en algún encargo de mérito en la corte de
Felipe II de España
, el caso es que hacia 1576abandona Italia rumbo a España como hicieran otros pintores
italianos.
III) La primera etapa en España (1577-1586). El desarrollo del manierismo.
La primera mención de El Greco en España es de 1577, cuando aparece ejecutando el
retablo mayor de la iglesia de Santo Domingo el Antiguo de Toledo
con su formidable escena de
La Trinidad
. Poco después pinta el impresionante
Expolio
de la sacristía de la catedral. Es deimaginar la sensación que en Toledo producirían estas
pinturas, en los que se funden originalmentel o m e j o r d e l c o l o r i d o v e n e c i a n o y d e l
m a n i e r i s m o m i g u e l a n g e l e s c o . T a l e s o b r a s y s u a u t o r encajarían perfectamente en el
ambiente religioso, literario y artístico de la ciudad.
Detalle dela Trinidad(1577-79). La influencia se deja ver en la anatomía del brazo
derechotorsionado, en la cabeza hundida de Cristo entre los hombros, y en la cabeza de Dios
Padre,que evoca el Moisés miguelangelesco.
LA ARQUITECTURA BARROCA ESPAÑOLA: DE LA PLAZA MAYOR AL PALACIO borbonico
Plaza Mayor de Madrid. Juan Gómez de la Mora, 1617.
La época del barroco español queda configurado desde el punto de vista cultural por el
denominado " Siglo de Oro" que, iniciado en las últimas décadas del siglo XVI continúa hasta el
último tercio del XVII. Se produce en esta época un período de máximo desarrollo en las letras y
en las artes, en contraste evidente con la profunda y compleja crisis política, social y económica
que vive España. A pesar de la evolución que se produce en los gustos y las modas artísticas
durante todo el período que abarca el Barroco, es posible señalar algunas características
generales que se enmarcan en tres grandes etapas.
Características Generales:
• Los modelos herrerianos por influjo de El Escorial, perviven en la primera mitad del siglo XVII.
La arquitectura palaciega presenta una gran homogeneidad. El tipo llamado de los Austria, con
torres en los extremos de la fachada, cubierta con chapitel y techumbre de pizarra, tiene una gran
aceptación. Constituían severos edificios por fuera y en el interior abundaban las comodidades.
• Las estructuras de las iglesias son muy simples con cúpulas encamonadas y planta jesuítica (
nave única y capillas en los contrafuertes) con gran austeridad decorativa. Los interiores de las
iglesias se cubren con grandes retablos dorados que poco a poco se irán complicando.
• A partir de mediados del siglo s. XVII, la influencia italiana se introduce en España. En los
exteriores las fachadas se conciben mucha veces con estructuras parecidas a los retablos.
Este estilo más decorativo se prolonga en la primera década del siglo XVIII, superponiéndose a la
dirección de serenidad que propugnan los arquitectos cortesanos, que trabajan en torno a la corte
de los Borbones.
• Preocupación por el urbanismo, con el desarrollo de las plazas mayores(Valladolid, Madrid,
Salamanca,..). Suelen ser de forma rectangular, casi cuadrada, porticadas y con balcones.
Desde este planteamiento general, es posible destacar a los siguientes autores y obras:
Primera mitad del XVII• Juan Gómez de Mora: Es la figura más importante del foco madrileño.
Proyectó la Plaza Mayor de Madrid con su estructura cerrada, rodeada de pórticos para los
tenderos y de balcones para las fiestas. Sigue el estilo herreriano con forma austera, sobria y
geométrica. Obra suya es también el Ayuntamiento de Madridmodificado con posterioridad.
• Alonso de Carbonell: Realiza el Palacio del Buen Retiro, obra muy simple, de ladrillo, con torres y
chapiteles de pizarra, de aire escurialense, decorado el interior lujosamente con pinturas y
tapices. Sólo queda de él el salón de Reinos, hoy parte del Museo del Ejército.
El siglo XVIII trae a España una nueva dinastía: los Borbones. Se produce en este momento
la culminación del barroquismo español, con formas absolutamente opuestas a las que se
sostenían desde la Corte ( gusto francés).
• Castilla: Las figuras más significativas son los Churriguera. Su importancia fue tanta que el
término "churrigueresco" vino a sustituir entre nosotros al barroco.
- José Benito Churriguera: Es el más importante de ellos. Realizó numerosos retablos con
gigantescas columnas salomónicas, recubiertos de pámpanos y coronados con entablamento
partido. Su pieza más representativa es el Retablo de San Esteban de Salamanca. Es una obra que
resume el barroco hispano con el gusto por el profuso adorno y los dorados, el ritmo dinámico de
las formas curvas y la gran expresión de la escultura.
- Alberto Churriguera: Es el autor de la Plaza Mayor de Salamanca. Se inspira en la madrileña,
cerrada, porticada y cuadrada. Es la obra más preciada del barroco salmantino. La madrileña es
por esencia un monumento de los austrias, lleno de austeridad. la de Salamanca corresponde a la
época borbónica, adornada de elementos churriguerescos
- Joaquín Churriguera: Admiraba el plateresco y trabajó en el Colegio de Calatrava de Salamanca.
- Pedro de Ribera: Es artista de personalidad muy fuerte y de gran imaginación que usa el grueso
baquetón quebrado. Trabajó en Madrid y sus obra más representativas son el Puente de Toledo,
con sus templetes, y la Fachada del Hospicio de Madrid.- Narciso Tomé: Realiza el Transparente de
la Catedral de Toledo. Es una obra donde se aprecia esa fusión de arquitectura, escultura y pintura,
que tanto entusiasma al barroco., con un efecto escenográfico en el que la luz juega un papel muy
importante. Su riqueza de materiales, mármoles y bronce, lo singularizan aún más en nuestra
historia.
La arquitectura Palaciega:
A partir del siglo XVIII, con la nueva dinastía llegan a España arquitectos franceses e italianos que
centran su trabajo en los palacios siguiendo el gusto francés. Palacio Real de
Madrid (Juvara), Aranjuez (Sabatini) y La Granja.
La escultura del Barroco se caracteriza por su lenguaje naturalista, por el uso de formas abiertas,
composiciones complejas y dinámicas, la búsqueda de movimiento, el contraste de superficies
para lograr efectos lumínicos, la teatralidad y una dramática expresión de las pasiones del alma y
la integración con la arquitectura con una finalidad dramática. Los materiales siguen siendo el
bronce y el mármol, aunque en España o en Alemania la madera policromada ocupa el primer
puesto, pero siempre destaca la preocupación por representar vívidamente las calidades y las
texturas de la carne y las telas.
La escultura religiosa es la más abundante y está al servicio de la devoción, por lo que debe
expresar sentimientos reales y creíbles que influyan sobre los fieles. La escultura mitológica
adorna los palacios y los jardines, así como los espacios públicos en las fuentes o en los grupos
que se disponen en calles y plazas, de acuerdo con el nuevo concepto urbano. El retrato, muchas
veces integrado en la escultura funeraria, adquiere un papel preponderante.
Gianlorenzo Bernini
En la escultura también fue Roma el centro creador y propagador de las formas barrocas, aunque
a medida que avanzó el siglo XVII cedió su puesto a otras ciudades italianas y a otras escuelas del
resto de Europa. En Italia, Gian Lorenzo Bernini representó el máximo esplendor de la escultura
barroca.
La escultura barroca italiana se centra en la genial figura de Gian Lorenzo Bernini (1598-1680).
Entre las características formales de Bernini conviene mencionar la fuerza y el impulso naturalista
de sus creaciones, y su carácter expresivo, pues deseaba transmitir las pasiones del alma
mediante la gesticulación del rostro y del cuerpo de sus obras, sobre todo de brazos y manos. Las
pasiones del alma generalmente se exteriorizan en la acción del cuerpo (paños dinámicos
ondeando al aire, composiciones en aspa, gesticulación excesiva de las manos, los brazos y el
rostro). La tendencia al movimiento, el dinamismo de sus figuras, generalmente se proyecta de
forma centrípeta, esto es, hacia el exterior de la figura. La escena se fija en el momento de mayor
intensidad dramática y se representan puras escenografías en la narración, usando abundantes
recursos teatrales. Bernini desarrolló la llamada figura “serpentinata”, que supone la captación del
cuerpo humano mientras realiza un movimiento en espiral, normalmente centrípeto. El cuerpo
humano se capta mientras realiza un movimiento es espiral como consecuencia de un movimiento
de rotación. Los violentos juegos de luces y sombras son típicos de Bernini, a través de profundos
pliegues en los ropajes y del uso del trépano en los cabellos.
Bernini llevó su perfección técnica a una gran variedad de tipologías arquitectónicas: grupos
escultóricos religiosos y mitológicos, bustos, tumbas, fuentes monumentales y monumentos
ecuestres sobre todo. Trabajó principalmente el mármol, aunque también concibió algunas de sus
obras en bronce. Sus primeras obras las realizó junto a su padre, Pietro Bernini, escultor de origen
napolitano. Trabajó en un estilo manierista que abandonó hacia 1620, momento en el que
concibió figuras con intenso movimiento y expresevidad, combatiendo, de iconografía mitológica
y bíblica. Algunas de ellas fueron El rapto de Proserpina, Apolo y Dafne y su David. A partir de
1625, Bernini quedó ligado a Roma y a la Iglesia, para la que dispuso el baldaquino de San Pedro,
el monumento funerario de Urbano VIII, la fuente de Tritón en la plaza Barberini y la fuente de los
Cuatro Ríos en la plaza Navona. En su última etapa escultórica se decantó por los arrebatos
místicos, como se muestra en la Beata Ludovica Albertoni pero sobre todo en su magnífico Éxtasis
de Santa Teresa (1647-50). Su obra retratística está llena de vida y naturalismo, como lo
demuestra el busto del cardenal Borghese.
La imaginería española.
La escultura barroca en España es, esencialmente, religiosa. Son imágenes de estética recargada
que representan el sufrimiento, el dolor.
Hay varios focos:
En el Barroco pleno, a finales del siglo, es un periodo de máxima expresión y movimiento con dos
focos: Andalucía y Levante.
Casi todas las eculturas son imágenes, retablos y pasos procesionales que narran escenas de la
Pasión de Cristo.
La Iglesia es el principal cliente, pero también las encargan las Cofradías y los gremios.
Están hechas de madera policromada. Para los ropajes seaplica la técnica del estofado. Esta
técnica consiste en cubrir la madera con pan de oro antes de pintarlo y así se consigue gran
luminosidad.
En la primera mitad del XVII las obras se caracterizan por la sencillez expresiva y la continuidad
con las formas del Racacimiento. A partir de la segunda mitad del XVII llegan a España
procedentes de Italia la teatralidad y el dinamismo de la escultura.
LA ESCULTURA CASTELLANA.
Se desarrolla en la primera mitad del XVII. Es profundamente realista y dramática, hasta el punto
de conseguir representar el dolor con figuras desgarradas que conmueven al espectador.
La gran figura de la escuela castellana es Gregorio Fernández (1.576-1.636), gallego que se
trasladó a Valladolid en 1.605. Creó retablos, imágenes sueltas y pasos procesionales para las
cofradías vallisoletanas.
Este es su "Bautismo de Cristo". En esta obra se aprecia el posible influjo de Pompeyo Leoni, de
quién tomó la elegancia de sus figuras. Es una obra de gran realismo y sobriedad. El modelado es
correcto y expresivo. La madera policroma marca los pliegues angulosos. En los ropajes se ha
utilizado la técnica del estofado. Se aprecia su modelado característico del pelo, formado por rizos
o mechones como si estuvieron mojados.
Gregorio Fernández prefiere las imágenes aisladas de altar. En esta "Santa Teresa" destaca la
pluma estática en espera de la comunicación divina.
Destacan también sus numerosos Cristos como este "Cristo de la columna" de la iglesia de la Cruz
de Valladolid. Sus figuras de Cristo son siempre esbeltas, de armoniosas proporciones y de una
cuidada anoatomía. Son muy típicos sus rostros alargados enmarcados por cabellos ondulantes y
abundantes y que caen en mechones como si estuvieran húmedos, dejando bucles en la frente.
La barba es rizada y se abre en dos puntas.
Este otro es su "Cristo Yacente" sobre un lecho en el que apoya la cabeza. Está totalmente pálido y
con sangre abundante en llagas.
LA ESCUELA ANDALUZA.
Es más sosegada y serena que la castellana. Busca la belleza antes que el dramatismo.
Esta escuela tiene dos focos principales: Sevilla y Granada.
En Sevilla destaca Juan Martínez Montañés (1.568-1.669). Se formó con las obras de escultores
manieristas de la última etapa del Renacimiento. Todo ese orden y equilibrio de sus obras, en
contraste con la expresividad trágica de Gregorio Fernández.
Este "San Cristóbal" pertenece a su periodo de formación (1.589-1.605). Está pensada con un
sentido procesional. El plegado de los paños, como si estuvieran húmedos y los rizados cabellos,
típicos de Montañés, están realizados con cierto sentido pictórico. Está presente la influencia de
maestros andaluces anteriores como Jerónimo Hernández, por la acentuación de la musculatura.
Este es su "Cristo de la Clemencia". No es un Cristo muerto, está mirando al que reza a sus pies.
Tiene las piernas cruzadas y sujetas con dos clavos, conforme a la visión de Santa Brígida.
La cara es de una serenidad admirable, plenamente clásica e invita a al diálogo con el Señor.
Este es "Santo Domingo de Guzmán". Es parte de un retablo, hoy desaparecido. El santo aparece
arrodillado y con el torso desnudo, dispuesto a flagelarse. El ropaje y el desnudo están tratados
con gran perfección, como corresponde a una de sus mejores obras.
A partir de 1.630 inicia un periodo barroco. De su taller salieron grandes maestros como Juan de
Mesa o Alonso Cano que, con su barroquismo, influyen en su maestro. De este periodo es su
Inmaculada, una de las obras más lograda de la escultura española del XVII. Su mirada es baja, con
los ojos entornados. Presenta un largo cuello y el rostro ovalado u moreno. Las manos, desviadas
del centro y el rostro vuelto hacia la derecha, rompen la frontalidad y ponen una nota de
movimiento a su figura.
"San Bruno" es una austera efigie. Se acerca al realismo, olvidando los convencionalismos del
clasicismo anterior.
Discípulos suyos son Juan de Mesa, autor del Jesús del Gran Poder, y Alonso Cano
Alonso Cano (1.601-1.667). Pintor y escultor. En 1.638 se maarchó a Madrid y más tarde, en
1.652, volvió a su ciudad natal, Granada, en la que realizó su obra escultórica más importantes. És
el impulsor de la escuela granadina.
Esta es su "Virgen de la Oliva", fechada hacia 1.629. Es una obra de juventud que preside el retablo
para la iglesia de la Virgen de la Oliva en Lebrija (Sevilla). El contrato se lo dieron al padre del
autor, Miguel Cano, que se lo cedió a su hijo. La figura de la Virgen es muy vertical. Se distinguen
de las de Montañés porque recoge las vestiduras en la parte baja, con lo que la imagen, con su
silueta de pirámide invertida o de estípite, parece apuntar hacia los pies y separarse del suelo.
En la catedral de Granada se encuentra esta "Cabeza de San Pablo".
Es una obra de tono herioco y grandiosidad miguelangelesca, si bien el rostro con largos cabellos y
barbas hace pensar en el realismo de Donatello.
Este "San Juan de Dios" destaca por el penetrante realismo. Procede de una imagen de vestir. Sus
enérgicas facciones se pueden equiparar a las del retrato romano.
Pedro de Mena (1.628-1.688) fue el principal discípulo y colaborador de Alonso Cano. Fue autor
de numerosos bustos de Dolorosas y Ecce Hommos, a veces emparejados.
Esta es su "Virgen de Belén". A veces la Virgen muestra acitudes silenciosas y contenidas, mientras
que en otras aparece más dramática y teatral, con lágrimas de cristal que acentúan el dolor.
Pedro de Mena alcanzó gran fama por sus imágenes de ascetas, muy naturalistas y de acentuada
expresividad.
EL PLENO BARROCO.
En la segunda mitad del siglos XVII la inlfuencia de Bernini llega a España y las adquieren más
movimiento y expresión. Los principales centros escultóricos son el Levante y Andalucía.
La figura principal del pleno barroco andaluz es Pedro Roldán (1.624-1.699). La mayor parte de
sus obras las hizo en Sevilla, destcando el grupo del Santo Entierro.
Su hija, Luisa Roldán (1.652-1.706), conocida como La Roldana, siguió los pasos de su padre y
trabajó en su taller hasta su matrimonio en 1.657.
Se trasladó a Madrid y fue escultora de los reyes Carlos II y Felipe V.
Es una de las figuras más importantes en España.
Este es su "San Ginés de la Jara".
Sus esculturas son más dinámica y expresivas.
Este es su San Miguel del Monasterio de El Escorial
En Levante la figura más importante fue, sin duda, Francisco Salzillo (1.708-1.783) .Nació en
Murcia. Su padre era napolitano y también escultor. Sus obras están llenas de naturalismo, gracia
y dulzura. En su época tuvo una gran popularidad. Lo más significativo de su producción son los
pasos procesionales.
Fue casi autodidacta, pues ingresó de joven como novicio en el convento de los dominicos, pero a
la muerte de su padre tuvo que abandonar la vida religiosa, si bien su vocación hizo que todas sus
obras aparezcan revestidas de un espíritu de gran religiosidad.
Esta es su "Oración del huerto".
Este es "El Prendimiento", también conocido como el beso de Judas. La ejecución de la anatomía y
de la tensión del brazo del apóstol es un alarde de técnica y manejo de la gubia.
Este es un "San Jerónimo". Es una escultura para un retablo y altar. La composición es formidable,
al igual que el modelado, con un escrupuloso estudio anatómico; la expresión entre mortificada y
dichosa, está prodigamente lograda
Tuvo muchos imitadores que divulgaron y vulgarizaron su estilo, a veces con dudosa calidad.
Las obras más destacadas de Caravaggio son:
El entierro de la Virgen, la Crucifixión de San Pedro, El entierro de Cristo, la Conversión de San
Pablo y la vocación de San Mateo, esta última obra es en la que más claramente se percibe la
manera nueva de tratar la luz, al colocar las figuras en una habitación oscura que recibe
iluminación únicamente de un ventanillo que no se ve, en un ángulo superior del cuadro.
Caravaggio muere en 1610, cuatro años antes que el Greco; el contraste entre el idealismo de éste y
el naturalismo caravaggiesco y entre las luces místicas y claras del Greco y las destructoras de la
forma de Caravaggio nos ilustran sobre el temperamento revolucionario del maestro italiano y sobre
la importancia de sus aportaciones a la pintura del Barroco.
4- LA PINTURA BARROCA FAMENCA: RUBENS (1577-1640):
Es sin duda el pintor más importante de la escuela flamenca. En su pintura confluyen la tradición
realista flamenca y las influencias italianas; entre sus características más importantes podemos
destacar:
Dinamismo, exuberancia y vitalidad.
• Composiciones abiertas y predominio de las líneas diagonales y curvas.
• Rico colorido de influencia veneciana.
• Pincelada suelta y rápida.
• Sensualidad y voluptuosidad.
• Predominio del desnudo femenino y de las formas gruesas femeninas.
• Gran variedad de temas: religioso, mitológico, retratos, desnudos, paisajes...
• Pintor muy prolífico, se le han llegado a atribuir más de tres mil obras.
• De su primera etapa son las obras religiosas: Bautismo de Cristo, la Transfiguración, el
Descendimiento, la Piedad, la Adoración de los Magos, la Flagelación, La Sagrada Familia.
• Gusta de retrato femenino, utilizando como modelos a Isabel Brandt, su primera esposa y a
Elena Fourment su segunda esposa, tras enviudar en 1626.
• Trabaja con mayor libertad en los temas mitológicos o paganos, con una gran colorido, y un
tratamiento del desnudo femenino que muestra su gusto por las formas gruesas y las pieles
nacaradas, como el Rapto de las Sabinas, El Juicio de Paris y Las Tres Gracias.
• Como paisajista, es el creador del paisaje flamenco: Regreso al Campo.
• Realizó gran cantidad de retratos de los personajes importantes de la época: retrato ecuestre del
Duque de Lerma (1603) o el retrato María de Medicis.
CONTEXTO HISTÓRICO
El contexto histórico en el que desarrolla su obra fue la crisis del siglo XVII, crisis
económica, crisis demográfica. La debilidad del rey Felipe
IV deja los asuntos del reino en el poderoso valido el Conde Duque de Olivares.
España embarcada en la Guerra de los 30 años perderá su hegemonía en Europa.
Velazquez al ser pintor de la Corte( repetidos cuadros sobre todode Felipe IV y su corte) le
permitió vivir cómodamente y realizar viajes a
Italia que influirán en la evolución de su estilo.
I. Velazquez.
a. Características, etapas y evolución.
b. Obras más representativas.
Su estilo evoluciona
Desde el tenebrismo inicial hacia la luz matizada y perspectiva aérea ( captar el aire)
Desde los colores terrosos de su primera época a una gama cromática muy variadas
Desde la pincelada espesa y densa a pintar alla prima casi sin dibujo, casi directamente
con pincelada muy suelta manchas o toques de color.
Se interrrumpe su
estancia para realizar su Primer viaje a Italia ( hacia 1630) Su viaje le permite profundizar en el
conocimiento de los grandes maestros italianos Durante su estancia realiza LA FRAGUA DE
VULCANO
Al regresar a Madrid se
observa una evolución
: SU Pincelada es más suelta , con menos materia, ; los colores se aclaran- más vivos y alegres-,
presenta ya maestría en el tratamiento de la luz y el color consiguiendo mediante la perspectiva
aérea la profundidad Obras los retratosecuestres ( Felipe IV, Príncipe Baltasar Carlos con la
sierra madrileña de fondo ; los bufones ( El niño de Vallecas Calabacillas) y QUIZA SU GRAN
OBRA DE ESTE PERIODO EL tema histórico dela Rendición de Breda conocido como “Las
lanzas” en el que consigue el dominio de la perspectiva aérea.
3 TERCERA ETAPA Y SEGUNDA ETAPA
MADRILEÑA (1648-1660).
Está precedida de su segundo viaje a Italia donde realizó el retrato de Inocencio
III, dos paisajes de la Villa Médicis cuyas pinceladas muy sueltas les
hacen ser precedentes del Impresionismo y uno de los escasos desnudos
del Barroco Español: La Venus del espejo.
PRINCIPALES
GÉNEROS PICTÓRICOS
EJEMPLOS DE OBRAS.
EL AGUADOR DE SEVILLA 1623.
TRIUNFO DE
BACO O LOS BORRACHOS1628-1629 Une mitología
y tema costumbrista. pues el dios
Baco corona a unos personajes del pueblo. La pincelada es más
suelta y el fondo es un
precedente de la perspectiva aérea. ES llamtativo
el contraste del mundo barroco entre humanos de gran realismo naturalistas
y los personajes divinos idiealizados, anatomías desnudas y vestidas,
dioses jóvenes hombres
viejos, tonalidades terrosas humanos y rico colorido de Baco ( rojo, blanco ,encarnado) Calidad
matérica en la jarra del primer plano .
Retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos. Realizado después de su primer viaje a Italia. Se
representa al principe a caballo con trote a corveta con ritmo hacia adelante y con colores
cálidos. Contrastan estos colores con los fríos distribuidos en franjas verdes y al fondo azules y
plateados con los que consigue la profundidad.
VENUS DEL ESPEJO. Hacia 1648. Desnudo de gran sensualidad de formas curvilíneas que reposa
en diagonal sobre un tafetán de color gris llenando casi todo el espacio del cuadro. Venus se mira
al espejo que le sostiene Cupido y que refleja su cara poco favorecida ( de nuevo el mundo de
contraste) . Todo el escenario se cierra por una cortina de intenso color rojo y por el fondo de
una pared verdosa.
LAS MENINAS 1655. Retrato colectivo en el que el pintor se autorretrata. Parece que
Velázquez está realizando un retrato de los reyes que aparecen reflejados en el espejo y que
ocuparían la posición que ocupamos nosotros al contemplar el cuadro; en un
momento dado el mayordomo que se ve al fondo abre la puerta de la estancia entra la infanta
Margarita acudiendo presurosas las dos Meninas a ofrecer reverencia y un búcaro con agua.
Además están los bufones , el Guardadamas y uin sacerdote en penumbra. Las figuras ocupan en
trios la parte inferior del cuadro mientras que en la superior domina la atmósfera y el aire. ,
Desde el punto de vista formal Velázquez ha conseguido captar el espacio ,, pintar el aíre
mediante
el juego de focos de luz. Construye el cuadro con pinceladas diversas detalladas como en el
búcaro, diluidas en la atmósfera o aire y con toques de color en los adornos de la infanta
Margarita.
.LAS HILANDERAS. 1655 Es un tema de género y mitólógica. El
tema central se encuentra en el fondo mientras que el primer plano parece un
taller artesano. En el primer plano una joven con camisa blanca iluminada
parece competir en la hilatura con una mujer mayor que trabaja con una rueca
pero cuyas piernas jóvenes delatan que pueda tratarse de
Atenea Estas dos mujeres forman una V
compositiva. . En el último plano como en un escenario la diosa de la guerra
reprende y luego la castiga a convertirse en araña ( arácnidos) a
la joven por haberse atrevido a realizar el tapiz del Rapto de Europa una
ofensa para su padre Zeus. Formalmente el hecho más importante es que
vuelve a pintar el aire y el espacio mediante juegos de luces: luz
primer plano, penumbra en el medio donde duerme un gato o una trabajadora
recoge madejas y de nuevo luz en el último plano. Parecería que se
nos invita a entrar en la estancia y subir las escaleras.
En la segunda mitad del siglo XVIII se vuelve la vista hacia la Antigüedad. En este momento se
excavan las ruinas de Pompeya y Herculano y se crean las academias de Arte en diferentes países.
El neoclasicismo, a diferencia del Barroco y de Rococó, hace hincapié en el orden, el equilibrio, la
serenidad, la austeridad y la sobriedad. Es un arte que ama a la naturaleza.
ARQUITECTURA.
A mediados del siglo XVIII surge este movimiento de reacción contra el rococó.
Ange-Jacques Gabriel (1.698-1.782) fue el primer arquitecto de Luis XV. A partir de 1.770 empezó
a realizar edificios con muy poca ornamentación. El primer ejemplo de este cambio arquitectónico
fue el pequeño Trienon de Versalles, con unas líneas muy sobrias.
Otra de sus obras fue el proyecto para la Plaza de la Concordia de París, donde los edificios tienen
una gran simetría con el fondo arquitectónico. Este proyecto se le presentó a Luis XV.
Germain Soufflot (1.713-1.780) realizó el panteón de los Hombres Ilustres, antes iglesia de Santa
Genoveva. Esta iglesia se reconvirtió en panteón para albergar a los héroes de la Revolución
Francesa (1789). Se considera una obra neoclásica por su estatismo y su austeridad decorativa.
El exterior articula con rigor los cuerpos que la forman: el pórtico monumental de inspiración
romana, rematada por un festón y la bella cúpula, con un anillo de columnas corintias y coronada
por una linterna. Esta cúpula fue muy imitada por los autores neoclásicos y nos recuerda a San
Pedro in Montori de Bramante.
Durante el imperio nepoleónico trabajó Bartolomé Vignon (1.716-1.846). Este arte se conoció
como arte imperio. El arte está al servicio de Napoleón y su expansión territorial. También refleja
las conquistas y no es de extrañar que aparezcan como elementos decorativos flores de loto,
esfinges, pirámides y águilas. su obra más importante es la Iglesia de Santa Magdalena. Se realizó
entre 1.806 y 1.824 en París. Es una copia de un templo romano llamado Maison Carrée de Nimes.
Es una iglesia con planta de cruz latina y con cúpula en el interior y exterior. Es un templo
períptero (rodeado de columnas corintias). Tiene un frontón clásico.
Otra obra de este estilo imperio es el Arco del triunfo de París, obra de Jean-Francoise Chalgrin
(1.739-1.811). Se hizo para conmemorar las victorias de Napoleón. Es el arco de un solo vano más
grande del mundo, con 50 metros y sin columnas.
En 1.804 Napoleón nombró
arquitectos oficiales a Charles Percier (1764–1838) y a Pierre Francoise Fontaine (1762–1853).
Estos arquitectos llevarán a la perfección el estilo imperial. Ambos realizarán el Arco del
Triunfo del Carrusel (1.805-1.806) para conmemorar la victoria de Napoleón en la batalla de
Austerlitz. Tiene tres vanos y está rematado por el grupo de la Victoria triunfal. Está inspirado en
el arco de Severo Séptimo de Roma.
Inglaterra.
El clasicismo inglés está influido por el estilo clasicista griego y por la influencia de Palladio
(Quincueccento italiano).
Siguiendo el clasicismo de Palladio tenemos a William Chambers (1.726-1.796), cuya obra
maestra es el gigantesco palacio de los magistrados de Somerset House.
Otros autores en la misma dirección clásica son Robert y James Adam, principales arquitectos del
neoclasicismo escocés.
John Soane (1.752-1.837) es otro autor influido por el arte romano. Entre sus obras destacan la
ampliación del Banco de Inglaterra.
Con la llegada de la tendencia helenizante, crece la pasión por el pórtico de columnas. En este
sentido tenemos a Robert Smirke (1.781-1.867) que hizo el Museó Británico.
William Wilkins (1.778-1.839) realizó la National Gallery de Londres.
En 1.812 John Nash (1.752-1.835) fue el encargado de desarrollar el urbanismo de la ciudad de
Londres durante la época del Rey Jorge V.
Diseñó también el Regent's Park en Londres, un gran parque donde a su alrededor se
establecieron las terraces, primeras viviendas colectivas de lujo estilo palacete, siendo quizás la
más bella Cumberland Terrace.
Al lado del parque está la Regent Street, que abre una calle hasta la residencia real y que a su vez
divide el Londres rico del pobre.
Su obra más importante es el Pabellón Real de Brihgton, de estilo historicista (ver en el epígrafe
de Arquitectura historicista del XIX).
Alemania.
La corriente clasicista tiene sus representantes en Langhans y Schinkel en Berlín y en Leo Von
Klenze en Múnich.
Carl Gotthard Langhans (1.732-1.808) realizó la Puerta de Branderburgo
Karl Friedrich Schinkel (.781-1.841) trabajó principalmente en Berlín y sus alrededores. Entre
sus obras destacan el Teatro, el Museo Antiguo y este edificio de la Nueva Guardia. (Neue Wache).
Leo Von Klenze (1.789-1.864) realizó la Gliptoteca (en la derecha) y el Propileos de Múnich.
ESPAÑA.
En España el neoclasicismo tuvo que
superar el arraigo del barroco. El baluarte del neoclásico en España fue la Academia de San
Fernando, fundada en 1.752. Esta academia formaba a los nuevos arquitectos y examinaba los
planos de los edificios públicos.
Ventura Rodríguez (1.717-1.785) evolucionó del barroco al neoclásico con la fachada de la
catedral de Pamplona (1.783), con pórtico tetrásilo clásico.
Es una reacción contra la excesiva ornamentación barroca. Llega a prescindir de por completo de
la decoración, salvo algunas pilastras de poco relieve y frontones del mismo tipo, que recorren la
fachada.
Francesco Sabatini (1.722-1.797) también evolucionó desde el barroco. Trabajó para Carlos III en
Madrid, realizando Instrucciones para el alcantarillado de la ciudad. Continuó las obras del Palacio
Real tras la muerte de Sachetti. Es el creador, junto con Villanueva, del urbanismo de la zona de El
Pardo y sus alrededores.
Su obra más famosa es la puerta de Alcalá. Esta puerta es neoclásica pero todavía presenta
muchos restos barrocos, como la ornamentación superior.
Esta es la Puerta de San Vicente.
También realizó la fachada de San Francisco el Grande (foto). Esta iglesia fue trazada por
Francisco Cabezas, depués de rechazarse un proyecto de Ventura Rodríguez, y fue continuada por
Antonio Pla hasta 1.776. En este año Sabatini se encargó de la dirección de la obra y decora el
convento con una sobriedad neoclásica típica.
El arquitecto auténticamente neoclásico fue Juan de Villanueva (1.739-1.811). Este arquitecto se
formó en Roma y en El Escorial. En 1777, Carlos III lo nombró arquitecto del príncipe y los
infantes. En lo sucesivo trabajaría casi en exclusiva para la casa real. Desde 1781 fue arquitecto
encargado del Real Sitio de El Escorial; Carlos IV le nombró arquitecto mayor.
En 1771 construye la Casa de Infantes en el Real Sitio de Aranjuez; en 1772, la Casita del Príncipe
en El Pardo; en 1773, la Casita de Arriba y la Casita de Abajo (o del Príncipe), ambas en el Real
Sitio de El Escorial.
Su construcción más significativa es el Museo del Prado (1.785-1.819). El rey Fernando VII reunió
aquí las Colecciones Reales.
Su fachada se articula en dos cuerpos: el inferior ritmado por la alternancia de arcadas y
hornacinas rectangulares con esculturas; y el superior, una galería de columnas jónicas.
La parte central de la fachada es un pórtico sobresaliente definido por orden dórico gigantes y
rematado por una relieve rectangular.
Villanueva agrupó libremente los órdenes arquitectónicos, pero siempre con un criterio estético y
de proporciones armónicas.
Otro edificio de Villanueva en Madrid es el Observatorio Astronómico. Sus obras se inician en
1.790. Llama la atención el pórtico corintio y el templete jónico central y circula, que corona el eje
del edificio.
En 1.791 se encargó de la reconstrucción de la Plaza Mayor de Madrid, tras el incendio de 1.790.
En 1.804 realizó el Teatro del Príncipe, hoy Teatro Español de Madrid. Y en 1.810, un año antes de
su muerte, realizó el túnel (gruta del Campo del Moro) que comunicaba el Palacio Real con la Casa
de Campo.
Otro discípulo de Villanueva, que trabajó en Madrid, fue Antonio López Aguado (1.764-1.831). Su
obra más importante en la Villa es, sin duda, la Puerta de Toledo. Construida hacia 1.826, en sus
últimos años de visa. Tiene una estampa muy equilibrada y correcta, a base de tres cuerpos con
vanos adintelados en los laterales y bóveda de medio cañón en el central. En el exterior se decora
con pilastras y columnas jónicas.
Narciso Pascual y Colomer (1.808-1.870) es un arquitecto neoclásico tardío. Trabajó durante el
reinado de Isabel II. En 1.843 comenzó las obras del Congreso de los Diputados, terminándose
siete años más tarde. Hay que destacar la espléndida columnata sobre gradas de la fachada,
coronada por un frontón clásico de tipo helénico, obra de Jerónimo de Gándara.
Otro arquitecto que trabajó durante el reinado de Isabel II fue Francisco Jareño y Alarcón (1.818-
1.892). En 1.866 inició las obras del "Palacio de Museos y Bibliotecas Nacionales", que hoy acoge
la Biblioteca Nacional y el Museo Arqueológico Nacional. Este edificio no pudo ser terminado por
el autor. Ruiz de Salas se encargó de las obras hasta su finalización en 1.892.
El siglo XVIII políticamente estará marcado por la lucha entre el Antiguo Régimen y las nuevas
ideas que la Ilustración trae y que se plasmarán de manera práctica en la Revolución francesa de
1789. Artísticamente parece que los acontecimientos discurren paralelos a la historia política.
Contra la pervivencia del Barroco surgirá una reacción, en un primer momento refinada, ligera y
elitista que corresponde al Rococó y, a continuación, una más radical formalmente protagonizada
por el arte Neoclásico, mucho más cercano a la racionalidad, divinizada por la Ilustración. El
término neoclásico lo aplicamos a aquellas obras plásticas literarias y musicales aparecidas entre
mediados del siglo XVIII y el siglo XIX, con la principal característica de querer volver al mundo
grecolatino, a partir de los descubrimientos arqueológicos de esa época, que reimpulsaron y
redescubrieron el arte supremo clásico. Pero esta definición resultaría muy simplista si no
tuviéramos en cuenta otros elementos que van a convertirse en las características formales del
nuevo estilo. La principal sería la ya mencionada vuelta al mundo clásico, en especial del arte
griego, huyendo del decorativismo del arte barroco y de la ligereza del rococó. Estilísticamente, se
volverá a los postulados de luminosidad, exactitud, equilibrio y proporción que caracterizan al
clasicismo. Decimos además que a la difusión de los modelos clásicos contribuyeron
personalidades tan significativas para la comprensión de la cultura de la segunda mitad del siglo
XVIII como Winckelman, el padre de la Arqueología y de la Historia del Arte, y Mengs, el pintor
filósofo. Otra característica que debemos destacar es la influencia de la corriente ilustrada en la
cual se sustituye a Dios por la razón, con lo cual el neoclasicismo se convierte en la vertiente
artística de la secularización de la cultura promovida, por el propio movimiento ilustrado. De esta
última característica se deriva la creación y el desarrollo de las academias que sustituirán la
fuerza expresiva y pasional del arte barroco por un estilo marcado por el «buen gusto»,
caracterizado por la uniformidad estilística lograda a través del aprendizaje del arte del buen
dibujo, la copia de modelos clásicos y del dibujo al natural. Por último decimos que los centros
principales donde se desarrollará este estilo artístico son París y Roma. Una vez situados y
teniendo una idea general sobre cómo surgió y qué pretende el neoclasicismo, nos adentramos en
el mundo de la escultura, donde destacaremos a Canova. Primeramente, destacaremos algunas
características de la escultura neoclásica que son las siguientes: Predominio del empleo del
mármol blanco como símbolo de pureza, de belleza clásica y de perfección, por ser el color de la
escultura grecorromana (Aunque hoy en día se sabe que en la antigüedad se policromaban) La
escultura monumental pierde la libertad de que ha gozado durante el período barroco; se acoge al
nicho o al frontón; la arquitectura domina con su claridad de líneas. La escultura del período
rechaza el efecto pictórico de la escultura barroca, concede todo el protagonismo a la línea pura
de contornos bien delimitados y a los conjuntos serenos y sobrios, huyendo de las sinuosidades
barrocas. Perfección técnica y formal. Expresión de una belleza formal. Explicadas las
características de la escultura neoclásica, vamos a especializarnos en la escultura de Canova, así
decimos pues que el italiano
El Neoclasicismo en escultura: Canova
ANTONIO CANOVA (1757-1822) es uno de los grandes escultores de la Historia del Arte y el
mayor representante del movimiento neoclásico. Hijo y nieto de cantero, rechaza ya en sus
primeros trabajos la idea del artesano gremial en favor del artista creador. Así lo acredita en
"Dédalo e Ícaro", una alegoría de la escultura, donde, bajo los pies de Dédalo, descansan las
herramientas del oficio, mientras Ícaro se pega las alas de cera que le permiten volar. Analizando
su manera de crear, destacamos que su punto fuerte está en el virtuosismo de la ejecución, pero
también en la gracia de la concepción. La calidad que transmite a sus estatuas está apoyada en un
lustroso acabado que luego patina con piedra pómez. Por otro lado, Canova tomó por modelo las
obras griegas conservadas en Italia, fundamentalmente del período helenístico y como buen
clásico, amó la juventud. Sus personajes son siempre jóvenes y lozanos, aunque un tanto
insensibles. Sus mármoles, jamás proyectados para recibir colores, resultan necesariamente fríos.
Si comentamos brevemente sus obras principales, destacamos: Paulina Bonaparte (1805-1808),
una de sus obras más conocidas. En ella retrata a la hermana de Napoleón como una Venus clásica,
y el mármol adquiere, bajo premisas neoclásicas, valores casi táctiles y de sorprendente
naturalismo y perfección técnica. Obras de temas mitológicos como "Teseo y Minotaruro", "Eros
y Psique", las "Tres Gracias”. Si hacemos un mayor hincapié en Eros y Psique, decimos que es un
grupo escultórico de dos figuras realizado en mármol. Corresponde a la leyenda de Eros y Psique,
cuando Eros (Dios del Amor) se disponía a besar a Psique (Alma), y de esta manera, despertarla
del sueño que le provocaron los vapores desprendidos de un jarrón que le dio Perséfone, diosa de
los muertos. Eros es el Dios del Amor, mientras que Psique (alma en griego) es la personificación
del alma. La composición es en forma de aspa. Se conforma así por las alas de Eros, su pierna
derecha y la línea del cuerpo de Psique, formando así esa forma, cuyo punto central es el pequeño
espacio entre las cabezas de Eros y Psique, encerradas en un círculo por los brazos de esta. Las
figuras estás idealizadas, con un perfecto estudio anatómico y la serenidad características de las
esculturas clásicas. Y, aunque a pesar de que ambas figuras muestren un escorzo (es más acusado
el de Eros) este conjunto transmite la quietud y serenidad de los cánones clásicos. Quizás donde
muestra mayor originalidad es en sus monumentos funerarios, como los que hace para Clemente
XIV y Clemente XIII, donde además de la omnipresente influencia grecolatina, también se aprecian
reminiscencias de Bernini. Y sobre todo en la tumba de Victorio Alfieri (1804-1810) o en su
famoso monumento funerario de María Cristina de Austria, en el cual el sepulcro se convierte en
una pirámide y el retrato funerario es sustituido por un medallón sostenido por un ángel. Llama
poderosamente la atención la negra abertura hacia el interior del sepulcro, que contrasta con la
blancura y la luminosidad del exterior. Para finalizar la redacción, podemos hablar de su último
gran encargo internacional que le llega, nada menos, que de Carolina del Norte. Se trata de una
escultura de George Washington, entrega en 1821, poco antes de morir. El primer presidente
norteamericano aparece, vestido como un emperador romano, en el momento de su renuncia al
poder; es un homenaje a la honestidad y virtud el pueblo americano. Un incendio destruyó la obra,
que se conoce por una copia en yeso conservada en el Gipsoteca de Possagno.
Goya.
Goya y su tiempo
a. Característica y evolución de la pintura de Goya.
b. Obras más significativas
Su iconografía es muy variada desde temas costumbrista ( : Cartones para tapices ) ; retratos
desde los de la familia real como la familia de Carlos IV a los de la nobleza y los peculiares retratos
femeninos como Las Majas ; escasa pintura religiosa ; los temas históricos y sus pinturas negras
que tanto influirán en el surrealismo y sobre todo expresionismo. Además hay que tener en
cuenta sus CUATRO SERIES DE GRABADOS., . En su pintura se pueden identificar varias etapas:
1 Primera etapa que se prolonga hasta 1792, cuando le sobreviene la enfermedad que le lleva a
la sordera. Es la etapa de los cartones para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, de temas
populares, (La vendimia, El quitasol, la pradera de San Isidro...). Tienen influencia del rococó y
neoclásica : con importancia del dibujo y colores suaves.
Realiza sus primeros retratos como el de Carlos III de caza, Floridablanca. Duques de Osuna
que le dan prestigio para convertirse en pintor de la Corte..
2. Segunda etapa (1792-1808) Se unen dos hechos la paralización de las reformas por miedo a la
revolución y la SORDERA definitiva en 1792. Aumenta su agudeza visual y su mirada más crítica y
satírica.. La visión satírica aparece en los grabados conocidos como los Caprichos en los que critica
al clero, y la ignorancia con sentido burlón.. En los retratos destaca su agudeza para captar el
CARÁCTER de los retratados.
Entre otros retratos. : Las majas, la duquesa de Alba, y sobre todo LA FAMILIA DE CARLOS IV Su
técnica cambia hacia una pincelada más suelta e importancia del color-luz
3. Tercera etapa La época de la guerra de independencia. (1808-1814) Vive los acontecimientos
del dos de mayo en Madrid y sufre la contradicción entre sus ideas ilustradas y liberales y por
tanto filofrancesas, y la realidad feroz de la violencia del invasor.. Su modo de ver la guerra
refleja la crueldad :De esta época es la serie de grabados de LOS DESASTRES, ejemplo de crítica y
denuncia de la guerra ; y en 1814 se ofrece a realizar dos óleos sobre los sucesos del 2 de mayo : :
“LA CARGA DE LOS MAMELUCOS” y “LOS FUSILAMIENTOS DE PRINCIPIO PIO, O FUSILAMIENTOS
DEL 3 DE MAYO” que reflejan el patriotismo , tal vez para acallar las sospechas de afrancesado. Su
TÉCNICA vuelve a evolucionar: composiciones dinámicas, trabaja especialmente con el color a
veces solo rostros manchas, contrastes luces y sombras y expresiones dramáticas
4 DE LA RESTAURACIÓN DEL ABSOLUTISMO 1814 AL EXILIO Y MUERTE 1828 . Con la
restauración del absolutismo y persecución de los liberales sus esperanzas de cambio se frustran
y decide retirarse a una finca conocida como la Quinta del Sordo.. Allí utilizando como novedad
técnica el óleo sobre pared, con tonos sombríos: humo negro, blanco, tierras, algo de rojoy azul,
realiza LAS PINTURAS NEGRAS., caracterizadas por imágenes oníricas o fantasmales, brujas,
aquelarres……… con rostros deformados. ( precedentes del surrealismo) Estas imágenes muestran
su decepción que también queda reflejadaa en la serie de grabados como LOS DISPARATES.
En 1824 tras la intervención de los 100.000 hijos de San Luis, elige voluntariamente el exilio. .
En Burdeos recupera algo de su optimismo como se refleja en el colorido de “La lechera de
Burdeos
LAS MAJAS Parecen que ambas Majas fueron encargadas por Godoy para decorar su despacho
junto a la Venus del espejo de Velázquez.
LA MAJA VESTIDA: Tienea gran variedad cromática: blancos, amarillos, rosados, pincelada más
sueltas ligeras y amplias, clarooscuro técnicamente más avanzada que la más famosa
MAJA DESNUDA: aporta sensualidad rosadas carnes en contraste con tonos verdes , azules y
blancos Pincelada lisa en la anatomía y más suelta en volantes de los almohadones. Luz
y clarooscuro. Por estos cuadros tuvo que comparecer ante la Inquisición
La FAMILIA DE CARLOS IV. 1800 .Retrato colectivo que se inspira en las Meninas, el propio
GOYA se autorretrata. La familia aparecen tal como eran la reina que ocupa el centro del cuadro
fea y fatua y el rey presuntuoso lleno de joyas. Formalmente aparecen en línea como en un friso,
mirando al frente como en las Meninas. . Importancia del color y de la pincelada es suelta sobre
todo en los detalles como las joyas…..
LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO. De 1808 Fue
pintado en 1814 poco antes de la llegada de Fernando VII ( tal vez para hacer olvidar su fama de
afrancesado). Destaca el simbolismo de los contrastes un pelotón sin rostro fusila a los patriotas
muy expresivos que gritan, rezan, se muerden los puños; el contraste entre zona iluminada de los
patriotas y menos del pelotón , separados por el fanal; contraste entre colorido cálido de los
patriotas ( camisa blanca, pantalón amarillo, rojo de la sangre ) y el color frío del pelotón. La
técnica es de manchas que deforman los rostros. Horror, dramatismo, contraste de luces,
expresión acentuadas convierten esta obra en precedente del romanticismo, impresionismo y
expresionismo . El patriota que ocupa el centro lleva en su mano un estigma. Su posicion en cruz y
el estigma muestran un significado es el Cristo de los tiempos modernosl.
SATURNO DEVORANDO A UN HIJO . Forma parte de las pintura Negras que decoraban el
comedor de la Quinta del Sordo Aparece el Dios del tiempo como un horrible viejo deformado. ,
que desgarra con ojos de loco el cuerpecillo de un niño , al que ya ha arrancado la cabeza ,
mientras clava sus uñas en él. El fondo negro envuelve a la figura , con algunos toques de blanco y
rojo de sangre. . La escena transmite horror. Las pinceladas son muy sueltas, en manchas .
Simboliza el TIEMPO QUE TODO LO DEVORA. Saturno es símbolo del estado de ánimo de Goya ,
envejecido y decepcionado con la reacción absolutista a partir de 1814
El Romanticismo y el Realismo.
Estos textos son bien elocuentes. Pretenden demostrar el espíritu general que preside la creación
romántica. El arte romántico se presenta como un fenómeno extraordinariamente nuevo,
inspirado por la voluntad de romper completamente tanto con el clasicismo como con el Rococó.
Socialmente había nacido un hombre nuevo de las alteraciones políticas y de las violentas
corrientes de ideas que señalaron el final del siglo XVIII. Este hombre nuevo aspira a formas
plásticas tan liberadas de las formas antiguas como podían serlo, por su parte, las estructuras de
la sociedad. Pero ese apetito de novedad se volvió, por hostilidad contra el pasado reciente, hacia
el pasado lejano. Volver a la Edad Media, instaurar una nueva Edad Media, era consumar la
ruptura total con el Rococó. Por toda Europa se extiende el Romanticismo como un reguero de
pólvora. Los pueblos europeos hallan en él un modo de expresión para todas las fuerzas confusas
e impacientes que habían estado reprimidas durante la Edad Media. A medida que las liberan,
sacan a la Edad Media del despreciado olvido en que estaba enterrada. Con ello se afirmaba su
individualidad al mismo tiempo que su espíritu nacional. Al cosmopolitismo artificial del “Siglo de
las luces” se hacia suceder un sentimiento nacional vigoroso, auténtico, nutrido en las fuentes mas
íntimas de la raza. La nostalgia de lo que se había perdido, de la fresca y pura espiritualidad de la
Edad Media, de su fantasía copiosa y alegre, del sentimiento subordinándose a la razón, condujo a
una idealización de esos siglos que el Clasicismo llamó oscuros y que para los románticos se
iluminan con las luces más vivas y más cálidas. Con "El genio del cristianismo" de Chateaubriand
se estimula la imaginación y s empuja al ardor de la piedad medieval, tan rica de matices, de
sentimientos y de pensamientos, al lado del escepticismo y del pragmatismo del siglo XVIII. En
Francia y sobre todo en Alemania, florece una renovación católica de especial esplendor. E.
Valdearcos, “Romanticismo y realismo”, Clío 34, 2008. http://clio.rediris.es. ISSN 1139-6237 0 2
Al mismo tiempo se vuelve hacia los textos poéticos de la Edad Media: "La chanson de Roland” en
Francia, “El anillo de los nibelungos” en Alemania y "El Ossian en Inglaterra”, proporcionan temas
a los artistas y un nuevo concepto del mundo, moral y espiritual. Si se vuelve a la Edad Media, no
es por el gusto de desarraigarse como ocurre con el orientalismo, sino al contrario, como retorno
a la fuente esencial del pensamiento y del arte europeos. La vuelta a la Edad Media, a su
religiosidad y a la unidad cristiana que representa la Europa de antes de la Reforma protestante,
entraña la conversión al catolicismo de gran número de artistas protestantes sobre todo en
Alemania. 2 Arquitectura En arquitectura los artistas se enamoran del Gótico. Estudian con
entusiasmo las técnicas constructivas medievales y descubren soluciones imprevistas y muy
perfectas que les mueven a admirar más a los constructores góticos. El Romanticismo no se cree
obligado a planear una nueva arquitectura. Le basta con imitar el arte Gótico. La Iglesia de Santa
Clotilde, El Ayuntamiento de París o la Biblioteca Nacional de París, son obras góticas casi
literalmente copiadas. En Alemania, el Romanticismo no engendró un retroceso hacia lo medieval,
sino que se proyectó hacia un pasado muy remoto: la Grecia Clásica. Pero no se trata de
Neoclasicismo sino de Romanticismo por cuanto los neoclásicos se inspiraban en las proporciones
y fachadas clásicas, pero hacían con ellas lo que deseaban. En cambio los románticos copian casi
literalmente todas las producciones. En Inglaterra seguía perviviendo el gusto gótico. En pleno
siglo XVIII se construyeron algunas obras de este estilo. Los ingleses reciben el Rococó como una
prolongación florida y fantástica del Gótico flamígero. El Gótico inglés de esta época no sigue para
nada las consignas del estilo medieval. Aprovecha, eso si, algunos elementos y los conjuga de
forma fantástica y caprichosa, dando lugar a obras inverosímiles como el Parlamento de Londres
de Charles Barry.
3 Escultura En cuanto a escultura los románticos se niegan a aceptar el valor de esta rama. Gautier
dice :"De todas las artes, la que se presta menos a la expresión de la idea romántica es
seguramente la escultura”. Todo escultor es forzosamente clásico. El Romanticismo pretende
luchar con el estilo Neoclásico anterior. Este estilo estaba inspirado en las formas clásicas
grecorromanas. Pero cuando quiere hacer escultura, el romántico no defiende con la misma
intensidad la escultura gótica como la arquitectura porque no la entiende, porque le resulta torpe
y rudimentaria, comparada con las grandes obras antiguas. El romántico no se atreve a proclamar
la unidad artística del Gótico- arquitectura y escultura-. A la hora de elegir un tipo escultórico
apropiado, vuelve la vista al pasado, como hizo en arquitectura y encuentra la plenitud clásica
como producto insuperable de este campo. Sin embargo, se ve obligado a rechazar esta herencia
porque la habían aceptado los clásicos. De esta forma la escultura pasa a ser el arte que menos se
presta a la expresión de la idea romántica. El escultor francés intenta sumergirse en la historia e
ilustrar con imágenes el pasado nacional. El nacionalismo llega al arte en estos primeros años del
siglo XIX. Aparece con ellos una nueva escultura caracterizada por el dinamismo de las masas, en
contraste con las formas estáticas neoclásicas y el patetismo de los gestos y actitudes siempre
evitado por los neoclásicos. El gran escultor romántico es Auguste Preault (1809-l879), dotado de
una formidable fuerza de expresión lírica que raya en el expresionismo. Pero más conocido que
Preault es Francois Rude (1784-1855). Rude prefiere inspirarse en temas más próximos a su
época, pero recurre como buen romántico a todos los retrocesos históricos que cree necesarios.
Su obra más famosa es el bajo relieve del Arco de la Estrella y titulado "La partida de voluntarios”,
aunque popularmente conocido como La Marsellesa, porque se identificó con el himno y el
espíritu nacional francés. Otro de los grandes escultores es Carpeaux. Discípulo de Rudé, Carpeaux
se centra más en la apariencia real de sus figuras, con un mayor detallismo en rostros y cuerpos,
actuando así de puente hacia el Realismo. Su obra más famosa es La Danza, un alto relieve que
recuerda a la Marsellesa de su maestro. 4 Pintura La pintura es el terreno plástico más apropiado
para expresar la sensibilidad romántica. Ello no es extraño porque hemos afirmado que el
romanticismo es un arte subjetivista e íntimo que renuncia a las cosas exteriores y concentra su
atención en el interior del ser humano. Per eso es el campo plástico E. Valdearcos, “Romanticismo
y realismo”, Clío 34, 2008. http://clio.rediris.es. ISSN 1139-6237 0 4 preferido por el artista
romántico. Un campo ficticio, liberado de toda sumisión a la realidad, un terreno que permite
realizar toda suerte de fantasías y conjeturas cromáticas. Entre 1820 y 1840 se entabla una dura
lucha en Francia entre los pintores neoclásicos y los románticos. Pintores románticos como
Delacroix pretendían subvertir el orden de valores establecido. Se emprende una auténtica batalla
contra los románticos por considerarlos artistas totalmente desvariados. Pero ya en 1819
empieza a notarse el primer destello romántico. En el Salón de París de ese año, en medio de las
cuidadas y exquisitas obras neoclásicas que se dan cita en tal exposición, Gericault presenta La
balsa de la Medusa, donde resplandece, tanto en el fondo como en la forma, un nuevo estilo
emocionado y trémulo que recurre al color como principal elemento pictórico. Se advierte un
furor nuevo, una especie de hoguera espiritual que trata de abatir y derribar el equilibrio anterior.
Eugene Delacroix (1798-1863) es el patriarca del romanticismo. Su arte se formó en contacto con
la pintura flamenca, italiana e inglesa del Louvre. Extrae sus temas de las leyendas antiguas o de la
literatura romántica. Comienza a presentar obras románticas desde 1823 como La libertad
guiando al pueblo, de 1830, obra que se convertirá en el símbolo de las revoluciones del siglo XIX.
En 1832 hace un viaje al norte de África y descubre la sugestión exótica del alma musulmana.
Desde entonces siente decidida atracción por los temas musulmanes y descubre una potencia
cromática insuperable. En estos cuadros su tensión romántica llega a extremos de paroxismo y su
éxito social empieza a ser extraordinario. Otros pintores olvidan el exotismo musulmán y
prefieren los temas históricos: las diferentes epopeyas napoleónicas fueron un tema preferido por
los pintores románticos franceses, por lo que la figura de Napoleón tiene de romántica y por lo
que el tema tiene de nacionalismo. Se pintan también grandes batallas, grandes conjuntos
religiosos e históricos, empapados de dramatismo y grandilocuencia. teatral. Frecuentemente
estos temas históricos describen pasajes de la historia medieval de cada país en particular. La
pintura del paisaje nace con propia personalidad en esta época. Hasta el siglo XIX el paisaje había
sido una realidad exterior y circundante. En este siglo el paisaje es la posibilidad para el pintor de
expresar unos sentimientos íntimos. Es un paisaje lírico, nada objetivo, que supone la existencia
de un espectador que lo interpretó. Es un paisaje muy influido por la pintura barroca de los Países
Bajos. Es un paisaje de cielos brumosos y cargados de tormentas, dramáticos, de tempestades,
inundaciones, etc, donde los románticos, descargan su apesadumbrado espíritu. En 1830 se
produce un movimiento de gran importancia que, aunque convive con la pintura romántica
francesa, se despega de ella en los temas y en la técnica, preparando el advenimiento de la pintura
realista. Es la Escuela de Barbizón o escuela de 1830, formada principalmente por Theodor
Rousseau, Jean Francois Millet, J. Dupré y G. Corot. Ésta escuela supone la transición del
romanticismo al realismo por el camino del paisaje y es otro eslabón más de la cadena que se
inicia en el paisaje holandés y flamenco, que pasa por el paisaje romántico, luego por la Escuela de
Barbizón, de ahí pasa al paisaje realista inglés y termina en la pintura impresionista y
postimpresionista. La escuela de Barbizón ha tenido mucha importancia en la evolución del
paisaje, desde el punto de vista técnico, porque al obligarse a sí misma a pintar exteriores, rompió
con los convencionalismos lumínicos neoclásicos e incluso románticos. Sus cuadros son exteriores
ficticios, imaginados en un interior y resueltos en un interior. Sus colores, su luz y sus sombras
son imaginarios. La Escuela de Barbizón extrae sus cuadros de la propia naturaleza, porque sus
artistas están convencidos de que la propia naturaleza tiene vida espiritual. Con esta escuela
pasamos a otra fase del Romanticismo. El primer romanticismo desprecia las cosas y se sumerge
en la intimidad del espíritu. Este segundo, Romanticismo proyecta esta intimidad sobre la
naturaleza y cree ver en ella el latido de un espíritu universal. E. Valdearcos, “Romanticismo y
realismo”, Clío 34, 2008. http://clio.rediris.es. ISSN 1139-6237 0 6 El gran pintor de esta escuela
es Millet. Amante de la vida natural y propugnador de una auténtica religión de la naturaleza, en
sus cuadros los árboles, los animales, las hierbas y las piedras cobran un sentido nuevo y
desconocido. Las obras más importantes de Millet son: El Angelus, El sembrador, El hombre de la
azada y Las espigadoras. Todo son temas rústicos pero, a diferencia de sus compañeros de
escuela, Millet incluye la figura humana en sus cuadros y de una forma además que intuye el
acercamiento de la estética realista. La pintura romántica no tiene demasiado éxito en Italia, sede
de tanto clasicismo plástico. En Bélgica aparecen pintores de temas históricos, medievales y de
paisaje romántico pero carecen de importancia y siguen las consignas de los maestros franceses.
Lo mismo ocurre en Holanda donde surgen algunos paisajistas de influencia francesa. En
Alemania es G. David. Friedrich, representante del Romanticismo en su vertiente más idealizada.
Sus paisajes son absolutamente espirituales, de donde emanan sensaciones casi místicas, como si
quisiera captar el latido de una Naturaleza del alma, como en su Fraile junto al mar o en su
Naufragio de la Esperanza entre los hielos, obra esta que encarna toda la desazón romántica del
siglo XIX. Mucho interés tiene también la pintura romántica inglesa que es precursora, en muchos
aspectos, de la francesa y aún del impresionismo por el uso de la acuarela que permite unas
transparencias y filtraciones de luz, así como por su interés desmesurado por los problemas
lumínicos. El paisaje vuelve ser uno de los puntos fuertes de la pintura inglesa y el gran maestro
del paisaje, coetáneo a los de la Escuela de Barbizón, es John Constable (1776-1837) Sus cuadros
quieren recoger todo lo que impresiona la sensibilidad externa (visión realista), mezclado con lo
que impresiona la sensibilidad interna del pintor ante la realidad. Sus cuadros tienen gran éxito en
Francia, como porjemplo La Catedral de Salisbury o El Vado, y su influencia sobre los románticos
franceses es muy intensa, incluso en los de la Escuela de Barbizón. El otro gran paisajista inglés es
Willian Turner (1775-1851), el cual prefiere la acuarela al óleo para conseguir tonos luminosos
más sutiles, más atmosféricos. Su cuadro más importante es Lluvia, vapor y velocidad, una de las
obras que más influencia tuvo en la pintura Impresionista. En este cuadro entra por primera vez el
factor tiempo. Se pretende mostrar un paisaje exterior lleno de diferentes sustancias gaseosas y
todas pintadas en su forma real: la lluvia, la niebla, el humo de la locomotora, y todo ello mezclado
en un momento fugaz, el segundo que Turner eligió para pintar esa escena, porque un segundo
más tarde este paisaje ya no sería igual. El paralizar el mundo en una imagen fugaz, la imagen
paralizada de un mundo en movimiento, todo ello es una aportación al arte del Impresionismo.
Otra obra importante suya es La Tempestad de nieve. EL REALISMO 5 Introducción Los clásicos
estaban vueltos hacia el pasado como hacia un modelo, los románticos vueltos hacia "otro pasado
imaginario" como hacia una evasión. Los realistas, puesto que ahora son éstos los que entran en
liza, no quieren ver ya en el presente más que lo real, pero como prenda del porvenir prometido
por una divinidad nueva: el Progreso. Se rompe con todo un mundo viejo cuya perennidad quería
asegurar el clásico. No basta ya con eludirlo como quería el romántico, refugiándose en sí mismo y
en el ensueño interior, sino que se quiere resueltamente un mundo nuevo, fundado en lo concreto
y se aborda su edificación. Con la revolución de 1848 se puede comprobar un cambio tan radical
de pensamiento como de las maneras de expresar ese pensamiento. Ese año es el final de un
régimen pero también el final de un modo de ser cuyo toque de clarín había sonado sesenta años
antes, en 1789. El movimiento republicano levanta a Italia, Alemania y Austria, donde se
derrumba definitivamente el campeón del orden antiguo, es E. Valdearcos, “Romanticismo y
realismo”, Clío 34, 2008. http://clio.rediris.es. ISSN 1139-6237 0 8 decir, Metternich. En lo
sucesivo el socialismo, convertido en partido político en Francia, asegura que el camino abierto
por la revolución era el del futuro. Al mismo tiempo se transformaba la vida. El primer tren de
viajeros rueda en 1830 y ya había empezado a funcionar la primera línea transatlántica de
grandes navíos metálicos. De 1835 a 1855 comenzaban su reinado el telégrafo, el teléfono y el
sello de correos. La industria, dotada de un utillaje revolucionario, alteraba las condiciones de la
vida económica y por tanto de la social. Paralelamente iba la marcha de las ideas, sufriendo la
presión de los hechos, pero dándoles una toma de conciencia: la filosofía positivista era elaborada
en este mismo periodo por Augusto Comte, de 1830 a 1842. En adelante tomaba cuerpo la
doctrina del progreso. La sociedad nueva veía abrirse la reacción en cadena de los inventos que,
fundados en la observación y la organización de la realidad, transformaban poco a poco su rostro.
Esta sociedad se sentía proyectada hacia el porvenir, hacia un mundo reelaborado
incesantemente, acondicionado y plegado a las exigencias del hombre que, al fin, es el vencedor.
Ya no hay que refugiarse en las ideas o en los sueños para llenar una vidas sino que hay que
afrontar la Realidad directamente, con las armas de la razón y someterla progresivamente a sus
leyes. 6 La transición de los Paisajistas Del individualismo de 183O, poblado de sueños, al
positivismo estricto de 1850, alimentado de realidades concretas, había que pasar sin embargo
por una transición y es el paisaje quien la da. El culto a la Naturaleza satisfacía simultáneamente
ambas aspiraciones. Al individualista romántico le lleva a la soledad y al naciente realista le ofrece
la solución del naturalismo, de una contemplación de lo visible y de sus aspectos, de una
aceptación de la realidad con la que el hombre aprendía a comulgar. La escuela de Barbizón en
Francia ya señaló esta transición del paisaje romántico al paisaje realista sobre todo en los
cuadros de Millet. Por la vía del paisaje camina este periodo de transición entre dos formas tan
distintas de entender el Arte. 7 El nuevo pensamiento realista. Por regla general los autores
coinciden en admitir que el interés de los problemas sociales fue el factor determinante del
cambio operado a mediados de siglo y conocido por el título de Realismo. Lo cierto es que a partir
de 1850 el romanticismo puro que había triunfado en 1820 denota síntomas de fatiga. El público y
los mismos artistas prefieren temas más fuertes. Millet y la Escuela de Barbizón habían abierto
caminos sugestivos que los hombres de la segunda mitad de siglo quieren investigar. La sociedad
había cambiado y había problemas nuevos sobre todo de tipo social. Esto no podía pasar
desapercibido a los creadores del Arte y lo social va a entrar en escena con toda su crudeza: el
progreso, las desigualdades sociales, los problemas políticos, etc, y todo desde un enfoque realista,
concreto, es decir, positivista. Es preciso considerar la gran influencia del positivismo en el cambio
de sensibilidad realista. Sí el romanticismo había luchado con todas sus fuerzas contra el
Neoclasicismo, el positivismo se vuelve furioso contra el subjetivismo idealista y romántico.
Rechaza todo lo que sea interpretación -la verdad no tiene más que una cara-, pasiones, es decir,
conciencia subjetiva. Sólo admite lo dado, lo positivo, lo que encontramos fuera de nosotros,
puesto ya alrededor nuestro sin que nosotros intervengamos para nada en su colocación. El
positivismo sólo pretende registrar fenómenos objetivos, naturales o sociales y el Realismo lleva
este pensamiento al terreno del Arte. El Realismo se impone sobre toda la cultura europea. Los
temas literarios se extraen de la vida cotidiana, son sucesos diarios. Balzac, Zola, Flaubert o
Dickens realizan sus novelas basándose en ambientes sociales cotidianos, agudizando una fuerte
critica sobre los defectos de la sociedad. 8 El Realismo en el Arte. La arquitectura no sufre
demasiada renovación en este periodo. El gusto gótico de los románticos se mantiene en primera
línea, aunque en el último cuarto de siglo comienza a emplearse tímidamente el hierro y el
hormigón en las construcciones. Los modelos son los mismos -neoclásicos o neogóticos- y las
principales novedades son de tipo técnico o constructivo. Pero todas las modificaciones adolecen
de pesadez y falta de originalidad. E. Valdearcos, “Romanticismo y realismo”, Clío 34, 2008.
http://clio.rediris.es. ISSN 1139-6237 0 10 La escultura realista es una evolución de la romántica,
con mayor dosis de naturalismo y preferencia por los temas cotidianos. Cuando representa temas
antiguos, lo hace con cierta frivolidad y espíritu de sátira. La pintura más o menos oficial registra,
a partir de 1845, una sorprendente vuelta al clasicismo académico, defendido desde las escuelas
de Bellas Artes, que reciben los encargos de la burguesía dominante. Pero en 1863 se nota una
reacción en sentido opuesto por parte de las élites artísticas oficiales. Violet le Duc aconsejó al
Emperador francés inaugurar un Salón de los Rechazados donde tuvieran acceso los pintores que
no encontraban su sitio en el Salón Oficial. El Salón del los Rechazados de 1867 mostró a Francia
la obra de Courbet y Manet, que no lograban vender sus cuadros en una sociedad acostumbrada
todavía a la almibarada pintura de los académicos. De todos los pintores realistas , el más
importante es Gustave Courbet: (1819-1877), figura simbólica y casi legendaria para los artistas
del Realismo. Comenzó como pintor romántico pero pronto abandonó esa postura y buscó la
realidad de los temas populares. Sus dos obras más famosas: El picapedrero y Un entierro en
Ornans, le valieron el desprecio y la segregación de la burguesía francesa. Del último cuadro se
dijo que “el realismo es un sistema de pintura salvaje en que el arte esta envilecido y degradado”.
Tanto horror causa en Francia la pintura realista de Courbet, produjo un auténtico escándalo
entre la sociedad burguesa, como lo producían las novelas de Eugene Zola. En la exposición de
1855 le fue rechazado su cuadro "Un entierro en Ornans” y la otra gran obra: El taller del pintor.
Entonces Courbet organiza su propia exposición que tiene un gran eco en toda Europa. Courbet
causa extraordinaria impresión en algunos pintores que después serían los padres del
Impresionismo como Manet y Monet. En 1867 es desterrado a Suiza porque la burguesía
"democrática y el pueblo de Francia no podían consentir tal subversión de los valores sociales y
morales de la tradición”. Courbet llega a virtuosismos técnicos sin precedentes. Pinta todo lo que
se le pone por delante con igual cariño: hombres, animales, bosques, naturaleza. Todo es digno de
ser representado por este insobornable realista. Desde su técnica al Impresionismo sólo hay un
paso
1.Introducción. A lo largo del siglo XIX se van a poner las bases de lo que va a ser la arquitectura
del siglo XX. En un principio aparecerán la resurrección de estilos ya desaparecidos
(neogótico, neorrománico, neomudejar,...), como solución adoptada por los arquitectos del
momento para responder a los cambios que se habían ido produciendo en la sociedad. La
mentalidad romántica supuso la vuelta de los ojos al pasado, mientras el colonialismo
enfrentó a los europeos con un mundo exótico y, hasta entonces, lejano para ellos. Más
tarde hará su aparición la arquitectura de los nuevos materiales, que tiene su `primera
expresión en los Estados Unidos.Junto a la resucitación de nuevos estilos, hemos de citar la
aparición del Eclecticismo, consistente en mezclar diferentes estilos en una misma obra en un
intento de fusionar lo mejor o lo más representativo de cada uno de ellos.Las nuevas necesidades
de la sociedad hacen que se construyan nuevos tipos de edificios. Se producirá una nueva
reorganización de las ciudades, que atraen hacia sí la mayorparte de la población dado el
importante crecimiento que esta experimentó con la Revolución industrial. Los edificios se
adaptan a las nuevas necesidades y costumbres de la nueva sociedad. Se construyen
espacios destinados a albergar las Exposiciones Universales, estaciones de ferrocarril, puentes,
fábricas, bibliotecas y grandes mercados.La revolución Industrial trajo consigo diferentes
elementos que contribuyeron a dar un giro a la arquitectura: uno de ellos fue el descubrimiento
de los nuevos materiales. Las principales aportaciones fueron el hierro colado, el vidrio y el
cemento armado. Se crean arcos más amplios y los muros tradicionales son sustituidos por el
vidrio, lo que permite construir espacios más amplios y claros que se adecuan mejor a la función
que debe cumplir un museo o una biblioteca, donde la luz es un elemento esencial.Las primeras
iniciativas sobre la restauración de edificios antiguos es otro de los aspectos que
caracterizaron este siglo XIX. Aparecen figuras como Ruskin o Viollet –le –Duc que aportan teorías
y criterios de restauración que perviven hasta nuestros días.2.La arquitectura de los nuevos
materiales. El rápido desarrollo urbano, de los transportes, del comercio y de la producción
influye de una forma contundente en la nueva construcción. El empleo de nuevos materiales y
técnicas para productos tradicionales o para cubrir las necesidades que ahora se origian, la gran
demanda de edificación y el rápido ritmo de edificación, exigen una nuevas soluciones que van a
venir másde la mano de los ingenieros, que de la de los arquitectos.El arquitecto ya no va a ser
el ccreador de admirables construcciones, sino quien proyecta edificios para su posible
realización técnica. Se modifica el uso, la calidad y distribución de los antiguos materiales,
piedra madera o ladrillo, para hacerlos rentables. Aparecen sistemáticamente y como
materiales “vistos”, el hierro colado, el acero, el cemento, el hormigón armado y el vidrio. Los
nuevos sistemas
RASGOS GENERALES
El movimiento impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Francia.
No es un grupo homogéneo pero tienen características en común.
Pintan escenas de la vida cotidiana, paisajes y siempre al aire libre.
Su pintura se concibe en función de la luz y del color.Utilizan las teorías de color de Chevreul, que
establece tres colores primarios o generadores (azul, rojo y amarillo) y tres colores secundarios o
complementarios, formados por la mezcla de dos primarios: verde (azul + amarillo), violeta (azul
+ rojo) y naranja (amarillo + rojo). Cada color es complementario de otro: verde del rojo, violeta
del amarillo y el naranja del azul. Cada color tiende a rellenar con su complementario el espacio
que lo rodea. Así el rojo sombrea con verde y cuando se yuxtaponen aumenta su intensidad.
Las pinceladas son sueltas de manchas yuxtapuestas. La retina es la que mezcla los colores.
El paisaje es le forma de pintura más importante. Intenta reflejar la naturaleza cambiante. Los
impresionistas tratan de plasmar un impresión fugaz, un momento concreto, por eso suelen
representar series de un mismo paisaje a diferentes horas. Su visión depende de la luz y de sus
variaciones.
Si hablamos de la técnica, los impresionistas abandonan los principios tradicionales del arte
pictórico y excluyen el dibujo con contorno y se sugiere el volumen.
Prescinden de la perspectiva basada en reglas de la geometría, del claroscuro, elimina negros,
grises, pardos y tierras. Emplea la perspectiva realizada desde el primer plano hasta la linea del
horizonte, por la disminución de los tintes y de los tonos, con lo que se señalan el espacio y el
volumen.
La pincelada es suelta, con poca materia y pinceles finos. La pintura es luminosa y con matices
que cambian en función de la luz.
En 1.865 Manet expuso Olimpia , lo que provocó un nuevo escándalo. Está inspirada en la actitud
de la Venus de Urbino de Tiziano. En cuanto al espíritu y la técnica, está influida por la Maja
desnuda de Goya.
Manet y los impresionistas.
Desde 1.870, debido a la admiración que sentían por él los jóvenes impresionistas, Manet se
acercó a este movimiento. Así eliminó el claroscuro y los tonos intermedios, resolvió las relaciones
de tonos con relaciones cromáticas y pintó al aire libre.
Sus cuadros presentan pinceladas libres y ricos colores. Aunque adoptó una técnica más vibrante
y aclaró la paleta, aunque no abandonó los colores contrastados.
Esta obra se titula Orillas del Sena en Argeteuil.
Su última obra, que supuso la culminación de su arte es El bar de Folies-Bergère.
Monet adoptó una técnica rápida de toques de pincel, evitando fundir los colores en la tela.
Para reflejar la abundancia de percepciones, cambia el método a cada momento. Según los casos, a
veces emplea pinceladas anchas y amplias, tratadas con pasta grumosa, y otra usaba pequeños
toques ligeros fragmentando la pincelada.
En su primera etapa realiza cuadros al aire libre, aunque incluyó la figura humana, a la que llegó a
convertir en auténtica protagonista como en esta Mujeres en el jardín (1.867).
Sin embargo, acabó centrándose en los reflejos de la luz y del agua, dejando en un segundo plano a
las personas.
Tras la guerra, regresó a las tertulias del café Guerbois y se convirtió en la figura clave del
movimiento.
En 1.874 este grupo realizó su primera exposición conjunta. Monet llevó su obra Impresión. Sol
naciente, con su característica pincelada suelta y rota, con la idea de conseguir sutiles efectos de
luz.
En este sentido son paradigmáticas las manchas de color naranja que representan los reflejos del
sol en el agua y que van separándose a medida que se acercan al espectador.
La técnica utilizada es fruto de la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre
para captar una impresión fugaz de la naturaleza. Por ello, las figuras están esbozadas de forma
muy esquemática.
Al fondo del lienzo se insinúan los barcos mercantes con sus mástiles y las chimeneas de las
fábricas que expulsan humo. La espesa niebla matinal dificulta la visión del círculo rojo intenso, el
sol.
Acercándose al espectador se aprecian tres botes de remos que navegan por unas aguas calmadas
en las que refleja la luz del sol. El cuadro representa el amanecer sobre el puerto de Le Havre.
Pese a que este cuadro fue el que dio nombre en un conjunto de artistas, no es uno de los mejores
ejemplos de la manera de pintar de esta grupo.
Son mucho más impresionistas las obras que realizó Monet en Argenteuil, inspiradas en el Sena.
Entre 1.872 y 1.878 se instaló en esta localidad y su pintura se hizo más fresca, sensible y
luminosa. Su paleta se aclaró y eliminó de ella el negro, el gris y los colores pardos. Se complacía
en representar paisajes como este Campo floreciendo en Argenteuil.
A partir de 1.877 comenzó sus famosas series, en las que repetía el mismo tema, pero a distintas
horas del día y las diferentes condiciones atmosféricas, observando los cambios de la luz.
En la década de 1.890, pertenece su serie más famosa; la catedral de Rouen, en la que la luz, a
diferentes horas del día, nos muestra un aspecto distinto.
Desde 1.899 hasta 1.926 trabaja en la serie de Las Ninfeas, con casi cien cuadros en los que recrea
escenas del jardín acuático. En ellas han desaparecido todo. Sólo hay agua y el reflejo de la
vegetación.
CAMILLE PISSARRO (1.830-1.903)
Es el impresionista más cercano a Manet. Al principio está influido por Corot, aunque después su
paleta se aclaró.
Es el pintor de la tierra, de la naturaleza agreste y de la vida campesina.
Utilizaba mucha pasta, aplicada a menudo con espátula. Los colores son mates y están matizados
de blanco. Buscaba los contrastes de luz y sombra.
Es el más viejo del grupo. Primero estuvo asociado a la Escuela de Barbizón y luego se unió a los
impresionistas.
Fue profesor, entre otros, de Gaugin, Cezanne y de su hijo Lucien. También de la impresionistas
estadounidense Mary Cassat.
Estos son Los tejados rojos (1897).
Esta es La plaza del carrusel (1.900)
1. “El espectador debe adquirir conciencia delo que la pintura tiene de sagrado, demodo que se
descubra ante ella como enla iglesia”.EDVARD MUNCH1- INTRODUCCIÓN: EL CONTEXTO
HISTÓRICO2- DEFINICIÓN DE VANGUARDIAS. CARAC-TERÍSTICAS GENERALES.3- LAS
VANGUARDIAS ARTÍSTICAS1-INTRODUCCIÓN: EL CONTEXTO HISTÓRICO.El comienzo del siglo
XX asistió a un incremento de la tensión internacional que terminaría conduciendo a laPrimera
Guerra Mundial. El declive europeo, tras la IGM, la revolución rusa de 1917, la consolidación
deEstados Unidos y Japón como grandes potencias, son hechos trascendentales. La Segunda
Guerra Mundialpone en evidencia el débil orden establecido, y las nuevas formas de armonizar el
concierto mundial debenser admitidas. Junto a los cambios políticos, las transformaciones
socioeconómicas determinan laconsolidación del modelo capitalista en la mayor parte de nuestro
mundo, naciendo lo que se ha dado enllamar la sociedad de masas.El arte de nuestro siglo recoge
el pasado y el presente, refleja la forma actual de concebir el mundo, nuestromodo de vivir y
nuestra comprensión global de lo que acontece. A él nos tenemos que acercar teniendo encuenta
los rápidos cambios experimentados en todas las actividades desde mediados del siglo XVIII
cuyoresultado van a ser nuevos estilos de vida.2-DEFINICIÓN DE VANGUARDIAS.
CARACTERÍSTICAS GENERALESEl término vanguardia (del francés avant-garde, término del
léxico militar que designa a la parte másadelantada del ejército, la que confrontaría la «primera
línea» de avanzada en exploración y combate) seutilizó posteriormente para denominar, en el
terreno artístico, las llamadas vanguardias históricas, una seriede movimientos artísticos de
principios del siglo XX que buscaban innovación en la producción artística; sedestacaban por la
renovación radical en la forma y el contenido; exploraban la relación entre arte y vida, ybuscaban
reinventar el arte confrontando movimientos artísticos anteriores. El vanguardismo se manifiesta
através de varios movimientos que, desde planteamientos divergentes, abordan la renovación del
arte y/o lapregunta por su función social, desplegando recursos que quiebren o distorsionen los
sistemas más aceptadosde representación o expresión artística, en teatro, pintura, literatura, cine,
arquitectura, música, etc. Estosmovimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se
produjeron en Europa en las primeras décadasdel siglo XX, desde donde se extendieron al resto de
los continentes, principalmente hacia América, en dondeEL BAILE DE LA VIDA. EdvardMunch
Picasso y el cubismo
Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de
Avignon, que será el punto de partida.
George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales
maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad,
Cézanne ya habría marcado el camino.
Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en
favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que
la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa
más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no
es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay que
relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos
desde varios puntos de vista.
Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que hará un replanteamiento de la obra de arte,
de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo
lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte.
El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente
para poder comprenderla.
Cubismo Analítico
caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas
geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de
más difícil comprensión.
Cubismo Sintético
Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del
objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se
resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más
significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.
Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de
la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El
collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis
minucioso, sino la imagen global.
Pintores Cubistas
Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas
tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y
angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre.
Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen
desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.
Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de
Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.
En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta introduce el collage.
A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá definiéndose su
eclecticismo reelaborando experiencias anteriores con gran libertad, como el surrealismo y el
expresionismo.
El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo del 26 de
Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde a los modos intelectuales de los
cubistas, a la simbología del surrealismo y a las deformaciones expresionistas.
Es el otro gran creador del cubismo junto a Picasso. En L´Estanque, cerca de Marsella descubrió
que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y cilindros. Son características sus
naturalezas muertas, empleando con frecuencia la guitarra, el violín o la mandolina.
En Naturaleza muerta con naipes reduce el cromatismo a colores grises y geometriza y
descompone las formas para crear una nueva realidad mediante superposiciones y
transparencias.
EL CARNAVAL DE ARLEQUÍN
JOAN MIRÓ
1- EXPRESIONISMO. MUNCH
- Color plano, arbitrario e irreal, y aplicación del mismo de forma , a veces violenta, empastada.
ETAPAS:
- PRIMERA GENERACIÓN (1900-1905): Munch (El grito) Ensor (La entrada de Cristo en Bruselas)
Der Blaue Reiter (El jinete azul) Kandinsky (La calleja Grün en Murnau) Marc (Establos)
- TERCERA GENERACIÓN (a partir del final de la IGM). Nolde (Danza alrededor del becerro),
Kokoschka (La novia del viento)
REPRESENTANTES:
- TANGUY: La tormenta
Salvador Dalí nació en Figueras en 1904, tuvo. Se caracterizó toda su vida por tener un carácter
extraño, egocéntrico e irascible. Su formación artística comienza en la Residencia de Estudiantes
de Madrid, donde entabla amistad con García Lorca, siendo colaborador de Buñuel en sus
películas surrealistas, como Un perro andaluz y La edad de oro. Después de un pasajero interés
por el futurismo, el cubismo y la pintura metafísica, entra en 1929 en el grupo surrealista parisino,
hasta que en 1942 fue expulsado por André Breton. En París desarrolló su método paranoico-
crítico: decía tener las mismas alucinaciones, visiones y obsesiones que los psicópatas paranoicos,
pero a diferencia de éstos, que creen que sus fantasías delirantes son realidad. Traslada sus
fantasías personales a sus cuadros, intentando convertirlas en reales. Fue un excelente dibujante,
aunque el color, en sus obras, compite en pie de igualdad con el dibujo. Sus obras surrealistas más
importantes fueron La persistencia de la memoria, Premonición de la Guerra civil, El gran
masturbador, Muchacha en la ventana y el Cristo de San Juan de la Cruz, entre otras. Su obra
evolucionó enormemente desde sus obras iniciales, mediterráneas, pasando por el fauvismo, el
cubismo, hasta que en 1924 conoció a Bretón en París y entró en contacto con los surrealistas,
como se ha mencionado anteriormente.
- Interpreta los fenómenos del mundo exterior en función de su obsesión particular. Síntesis entre
lo real (DURO) y lo imaginario (BLANDO).
Salvador Dalí (1904-1989) “Sobre la base de un método netamente paranoico ha sido posible
obtener una imagen doble, es decir, la representación de un objeto que, sin la mínima alteración
figurativa o anatómica, sea al mismo tiempo la representación de otro objeto absolutamente
distinto”.
El organicismo. Wright.
Su concepción de la arquitectura se vio forjada por su infancia en una granja de
Wisconsin, donde vivió en medio de la naturaleza. Puso distancia entre los
convencionalismos en la arquitectura y, en general, con la idea del espacio de la
época. Frank Lloyd Wright (EU, 1867) tuvo una visión orgánica sobre la filosofía de
la arquitectura que lo colocó como uno de los maestros de la arquitectura del siglo
XX.
Después de abandonar sus estudios en Ingeniería, Frank Lloyd Wright comenzó su
carrera como arquitecto en solitario. Su primera obra de esta época fue Charnley
House, Chicago (1892), a la que le seguirían las viviendas que se reconocerían como
arquitectura doméstica o prairies houses. En este periodo Lloyd Wright configuraría
su particular estilo de carácter compacto y austeridad decorativa. Los primeros
atisbos de su obra transformadora surgieron durante estos años: la concepción del
espacio horizontal, la extensión del espacio interior sobre la configuración del
exterior y los espacios "cerrados" organizados a base de dos ejes que se cruzan y la
prolongación del techo en alas que forman pórticos.
Su innovación en la arquitectura se evidenció en el Larkin Company Administration
Building: un espacio vacío de piso a techo pensado para que las plantas tuvieran una
caída natural en la estructura. Por una tragedia en la que murió su familia, abandonó
el país y se mudó a Japón. En el país del sol naciente dejó su firma con el Imperial
Hotel de Tokio.
Después de un periodo de reflexión, y tras reconstruir en dos ocasiones el Taliesin,
volvió a la actividad de la mano del hormigón, material que sería la base de una de
sus obras más reconocidas: la Casa Kaufmann o Casa de la Cascada, una experiencia
arquitectónica que integra la naturaleza a la estructura, un perfecto equilibrio entre
las formas del terreno. Casa Kaufmann sería la punta de lanza para desarrollar el
concepto de arquitectura orgánica, acuñado por Bruno Zevi, y que posicionaría a
Wright como su máximo exponente.
A Lloyd Wright se le reconoce como precursor de la arquitectura moderna y su ideal
del binomio arquitectura-naturaleza se extendió por más de sesenta años. Otras de
sus obras más conocidas son el complejo Taliesin West, en Phoenix, y la brillante
propuesta con el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, en la que Wright
concibió una nueva idea del espacio a partir de estructuras curvas y circulares en un
edificio público.
Desde las populares casas de pradera caracterizadas por su completa integración en
el entorno, cubiertas más grandes que las fachadas y ventanas de secuencias
horizontales, la personalidad arquitectónica de Lloyd Wright estuvo definida por la
resignificación de los espacios interiores, desde su criterio, estos no deberían
concebirse como estancias cerradas sino conectadas. El arquitecto se caracterizó por
diseñar espacios en los que las habitaciones se abren contínuas a las demás y
proyectan una sensación de amplitud y apertura que permiten la entrada de la luz.
Con su innovación en la concepción de las estancias, Wright estableció la diferencia
entre espacios definidos y espacios cerrados, los primeros marcados por los techos y
separaciones de materiales ligeros.
Sobre la arquitectura orgánica, Lloyd Wright la describió:
Y aquí estoy ante ustedes predicando la arquitectura orgánica, declarando que es el
ideal moderno y la enseñanza tan necesaria si queremos ver el conjunto de la vida, y
servir ahora al conjunto de la vida, sin anteponer ninguna "tradición" a la gran
TRADICIÓN. No exaltando ninguna forma fija sobre nosotros, sea pasada, presente o
futura, sino exaltando las sencillas leyes del sentido común —o del súper-sentido, si
ustedes lo prefieren— que determina la forma por medio de la naturaleza de los
materiales, de la naturaleza del propósito... ¿La forma sigue a la función? Sí, pero lo
que importa más ahora es que la forma y la función son una.
Una de las aportaciones más importantes del posmodernismo es la revisión de la tipología del rascacielos que se
mantenía firme al modelo de Mies van der Rohe: un prisma acristalado mediante un muro cortina como el Seagram
Building.
Nueva York
Arquitectura tardomoderna
Es una arquitectura que no reniega del Movimiento moderno. Pero rechazan la frialdad en la que ha caído el estilo
Internacional y reclaman una arquitectura más humana aunque sin renunciar al racionalismo funcionalista.
Los edificios se caracterizan porque tienen un aire escultórico con grana fuerza de sus líneas externas y porque
utiliza elementos relacionados con la tecnología y la industria.
A partir de los años 80, dentro del tardomoderno surgen dos tendecias:
High - tech
Deconstrucción
High - tech
El cierre de los muros se realiza, por lo general, con cristal reflectante. Así se potencia un aspecto brillante y
agresivo de alta tecnología.
Autores:
Richard Rogers
Renzo Piano
Pei
Norman Foster
Obras
Edificio Lloyd´s. Londres. 1979. Richard Rogers Aeropuerto de Barajas. T 4. Madrid. 2005. Richard Rogers
1
Centro Pompidou.1977. París. Renzo Piano y Richard Rogers
1
La Pirámide del Museo del Louvre. 1989. París. Ieoh Ming Pei
1
Banco de Hong-Kong.
Reichstag Dome. Berlin. 1999. Norman Foster
1980. Norman Foster
Deconstrucción
Autores:
Gerhy
Eisenmann
Obras
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura y escultura que nace en Estados Unidos a
finales de los años 1960 tras el pop art y luego se extiende por toda Europa; los hiperrealistas
rechazan cualquier interpretación de la realidad de la que proponen una reproducción mecánica.
El nombre de hiperrealismo utiliza diversas variantes: la exposición organizada en 1968 en la
Vassar College Art Gallery en Poughkeepsie llevaba por título Realism Now, la de la Sidney Janis
Gallery de Nueva York en 1972, Sharp Focus Realism; pero también Photo-Realism o Super-
Realism… Esta tendencia tiene sus raíces en la técnica y la cultura contemporáneas, incluso se
podría relacionar con el realismo de la tradición americana del siglo XIX (W. Harnett, J.F. Peto) y el
precisionismo de los años 1920. El punto de partida de los hiperrealistas es casi siempre, en el
caso de la pintura, un original fotográfico muy ampliado como los que utiliza Chuck Close, Richard
Estes, Ralph Goings. Mientras que en la escultura consiste en diversas capas moldeadas sobre
personas vivas (Duane Hanson, John De Andrea). A diferencia del pop art, su predecesor cultural
directo, el hiperrealismo evita toda intensificación satírica y sociológica para desarrollar una
ilusión mimética a menudo casi rozando el virtuosismo.
Supreme Hardware Store, 1973, Richard Estes (Colección privada). Este cuadro fue pintado
cuando el hiperrealismo estaba en pleno apogeo. Mientras nuestra mirada recorre el espacio y
contempla la ciudad como si fuera la primera vez, captura al mismo tiempo la compleja
estructuración de la superficie pintada.
Los escultores que trabajan en un estilo hiperrealista requieren la presencia de modelos al natural
para su obra, como De Andrea, que representa a sus amigos en situaciones muy íntimas, o los
personajes de Hanson, cuyos rostros y cuerpos, silenciosos, inmóviles, contienen toda la historia
de sus vidas. La realidad psicológica se pone de relieve a través de la presencia física de la
escultura. Para Hanson, el arte es a la vez un producto estético y un documento.
Supermarket Lady, 1969, Duane Hanson (Aquisgrán, Ludwig Forum für International Kunst)
Pintor hiperrealista o fotorrealista, Richard Estes (Keewane, Illinois 1936), había utilizado la
fotografía en su trabajo como ilustrador, pintando a partir de fotografías de vistas de barrios
desheredados de Nueva York. Sin embargo, lejos de mostrarse indiferente a la superficie pintada,
trataba de lograr una belleza similar a la de la pintura tradicional. Su obra presenta cierto
parecido con el pop art, pero el hiperrealismo sustituye el aspecto perfecto y comercial del pop art
por el aspecto real y material de lo cotidiano. Las vistas de Nueva York pintadas por Estes
contrastan de forma sorprendente con las de George Bellows, pintor del realismo americano de
principios de siglo, en el que la técnica impresionista sugiere la participación en la escena
representada.
Grand Luncheonette New York City, 1960, Richard Estes (Colección privada)
Los temas de Estes se refieren a la vida urbana pero hace desaparecer cualquier presencia
humana. Utiliza las fotografías para obtener información y luego organiza el asunto en función del
lienzo que se dispone a pintar. Sin embargo, su planteamiento sigue siendo muy pictórico. Las
descripciones de las calles de la ciudad que nos propone Estes, bien que intensamente ilusionistas,
mantienen nuestra atención en la superficie evitándonos de este modo la sensación de estar allí.
richard-estes-cafe-express-1975
Las simplificaciones pictóricas de Fairfield Porter (Illinois 1907 – Nueva York, 1975), que adopta
el punto de vista del peatón, contrastan con las pinturas de Richard Estes. Pinta la ciudad de
Nueva York a una escala mayor que el segundo, pero el resultado es un efecto menos alienante, en
la medida en que crea un espacio que acoge a la luz.
Union Square, Looking up Park Avenue, 1975, Fairfield Porter (New York, Metropolitan Museum)
Chuck Close y los rostros perdidos
Self-Portrait, 1967-1968, Chuck Close (New York, The Museum of Modern Art). Este retrato, el
primero que realizó Chuck Close, se inspira en una fotografía que, de modo muy característico,
tiene una profundidad de campo muy baja y que el pintor ha reproducido en una tela de grandes
dimensiones. Delante de un cuadro de Close, a menudo se siente la necesidad de escudriñar la
superficie, para tratar de comprender cómo ha transcrito la foto sobre el lienzo. Aquí, el aspecto
pintado de forma deliberada de algunos detalles (como las gafas) es más aparente de lo que será
en los años 70.
En los años 70, después de haber dominado todos los aspectos del ilusionismo, Close empezó a
reconstruirlo. La obra Keith (1972) mantiene la exactitud de sus primeras obras, pero también
contiene trazas visibles de su proceso de trabajo. La malla que sirve como punto de referencia y le
permite colocar pequeños fragmentos fotográficos permanece visible. Es en esta etapa de la
carrera de Close que se opera un desplazamiento de su interés por el resultado hacia el proceso.
Más recientemente, algunas obras como Lyle (2003) explotan aún más esa técnica: las unidades
de la malla no forman una sola imagen, a no ser que se observe la obra a una cierta distancia. La
tela parece brillar y cambiar de apariencia a medida que el espectador se va desplazando. Es como
ver la cara del sujeto a través de un cristal opaco.
Vija Celmins
Vija Celmins (nacida en 1939) de la misma generación que Close también comenzó su carrera en
la abstracción, su enfoque – acercar lo que está lejos y detener lo que se aleja – está marcado por
una innegable sugestión emocional. En sus primeras obras, representaba los objetos de su
entorno inmediato y recreaba otros a partir de recuerdos de su infancia en Lituania. La superficie
del mar es uno de los temas favoritos de Vija Celmins desde sus primeros dibujos en los años 70, a
partir de fotografías del Océano Pacífico. Utiliza una cámara de fotos para reducir la superficie del
mar hasta convertirla en « un objeto que se pueda recorrer con la mirada », interpretando esta
exploración con los movimientos de la mano que pinta sobre la tela.
Untitled, 1990, Vija Celmins
Fraser, 1967, Vija Celmins (Washington, National Gallery of Art). Los objetos de Celmins dan la
impresión de estar casi vivos, al igual que las cosas familiares que habitan el universo infantil.
La fotografía.
La fotografía social
A finales del siglo XIX la fotografía sufre una evolución que la lleva a tener usos nuevos
El paso del metal al papel, cámaras más manejables y portátiles y el uso del flash de magnesio
hacen que los fotógrafos salgan a la calle. El uso reivindicativo de la fotografía en la sociedad
deprimida de la época fue inevitable.
En el resto de las actividades artísticas, la temática también estaba de moda con el "arte social" o
"arte realista". Nunca antes los obreros habían protagonizado una obra de arte.
John Thompson fue uno de los máximos exponentes de la fotografía social. En 1877 publicó un
álbum titulado "La vida de las calles de Londres".
Realizó numerosos viajes a Oriente para retratar a su gente. Visitó China, Camboya, Tailandia, etc.
De sus viajes publicó numerosos álbums como "Ilustraciones de China y sus gentes" o "Las
antigüedades de Camboya".
Con este tipo de Fotografías pretende atraer la atención de la sociedad victoriana acomodada
sobre un mundo de gitanos, cocheros, vendedoras de flores, mozos de cuerdas, antiguos
reincidentes, etc.
Fotógrafos como Jacob Riis, Paul Martin, Lewis Hine o Dorothea Lange fueron los continuadores y
máximos exponentes de este tipo de imágenes.
Arte Moderno
El periodo que va desde la segunda guerra mundial hasta mediados de los años setenta del siglo
XX es el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y
movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente. La mayoría de
esas manifestaciones artísticas tienen un carácter internacional, aunque en algunos se dan
diferencias significativas de forma local.
Arte Moderno. "Guernica"
La postura innovadora de los artistas de este periodo produjo una apertura de las delimitaciones
o fronteras del ámbito artístico que condujo a la desaparición de los rasgos inherentes a lo
propiamente artístico.
El arte moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se representaban no
era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción
poética de las cosas.
El sacrificio de la razón, este irracionalismo es lo que el arte moderno ha hecho valer por encima
de las normas tradicionales.
Se define por tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia. No obstante,
podemos decir que el irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está presente en
todas las expresiones artísticas de la humanidad, por lo que no puede considerarse como algo
característico peculiar del arte moderno.
Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, “el arte
por el arte”, se entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el
arte moderno el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad.
Ninguno de los irracionalismos de los artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional
lo era por completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir,
al entendimiento.
En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de
un irracionalismo objetivista.
Esto significa que considera la irracionalidad como una propiedad esencial del objeto y no como
un defecto interior de la conciencia. A esta concepción debe el arte moderno su carácter
profundamente revolucionario e impopular.
De acuerdo con esta concepción, las representaciones de los místicos tanto como las de los locos
adquieren validez objetiva, se refieren a la misma realidad que las representaciones de los laicos y
de los cuerdos; en otras palabras, considera que la falta de significación, o sea la irracionalidad es
una cualidad esencial y natural de la realidad que confronta a nuestro entendimiento.
Las primeras obras del arte moderno se corresponden a los movimientos romántico y realista.
Más tarde, se empezó a jugar con la luz y el espacio, a través de la pintura y el color, lo que dió
lugar alimpresionismo y posimpresionismo.
Unos años antes de la Primera Guerra Mundial, se desarrollaron los movimientos del cubismo,
elfauvismo, el expresionismo y el futurismo. Más tarde vino el surrealismo.
A partir de los años 50 y 60 fueron aàreciendo otras formas de expresión del arte moderno como
elexpresionismo abstracto, el pop-art y el minimalismo.
Expresionismo Abstracto
kandinsky-el-expresionismo-abstracto
En la fotografía documental el fotógrafo dispone del tiempo necesario para reflexionar durante el
momento de la toma. Normalmente cuenta con el consentimiento de los protagonistas y no tiene
la presión del acontecimiento.
Por otro lado, están las fotografías de actualidad en relación a algún suceso. La primicia puede ser
producto del azar, fruto de la presencia fortuita del fotógrafo en un momento y un lugar
determinados, o porque éste se encuentre en una situación privilegiada.
El fotoperiodismo tal y como hoy lo conocemos, nace en Alemania tras la I Guerra Mundial.
Durante República de Weimar (1919-1933), una época muy rica en el campo cultural y científico,
una serie de circunstancias propiciarán este hecho: es un momento de libertad de prensa y con
grandes avances en tecnología que proporcionará obturadores más rápidos y objetivos más
precisos.
Aparece una gran cantidad de semanarios que abordan todo tipo de temas: movimientos sociales,
deportes, cine, etnografía… Se empieza a trabajar en el diseño de la página para hacerla más
atractiva y otorgarle un hilo conductor, con sentido y coherencia, jugando con el tamaño de las
imágenes, la composición, los blancos de la página, la orientación de las fotografías…
Las fotografías son distribuidas por agencias especializadas que se crean para liberar al fotógrafo
de los problemas de difusión y comercialización de su trabajo, aunque, por otro lado, éstos
pierden el derecho sobre el uso que se hace sobre sus reportajes, lo que les causará numerosos
problemas con sus agencias.
Dephot (Deutscher Photodienst) creada en 1928 por Simon Guttmann y Umbo, es una de las
primeras agencias alemanas. Casi todos los fotógrafos de renombre trabajarán para ellos: Walter
Bosshard, Martin Munkacsi, Willi Ringe, André Klertész, Otto Umbehrs, Alfred Eisenstaedt,
Germaine Krull, Hans Baumann.
Erich Salomon
Hans Baumann (1893-1985), que trabaja bajo el nombre de Felix H. Man, hace su primer reportaje
sobre la noche de Berlín. En 1931 va a Roma a fotografiar y entrevistar a Mussolini y pasa un día
entero con él.
El primero en nombrarse fotoperiodista en lugar de reportero gráfico fue Erich Salomon (1886-
1944)[24], que fue deportado a Auschwitz donde muere en 1944. En 1928, comenzó a publicar en
la revista alemana Berliner Illustrierte Zeitung algunas destacadas fotografías espontáneas de
líderes mundiales. Aparecen ya películas muy sensibles a la luz que permiten fotografiar
interiores sin flash, con luz natural. Una de las fotos, tomada en una conferencia cumbre
importante en Lugano, mostraba a ministros clave de seis de las naciones más poderosas reunidos
alrededor de una pequeña mesa de té en un hotel alpino. Mientras los otros ministros se
acercaban para escuchar, el usualmente reservado secretario de Relaciones Exteriores británico,
Sir Austen Chamberlain, fué captado con los ojos restallantes y un cigarro posado entre sus dedos
mientras desarrollaba su discurso. En otras fotografías, delegados a la Liga de las Naciones en
Ginebra, que generalmente aparecían en la prensa arreglados alrededor de la mesa de
conferencias con expresiones duras y congeladas, se transformaban súbitamente en humanos que
bromeaban, bostezaban, dormitaban y charlaban entre sí después del almuerzo. Tomas tan
reveladoras de políticos eran realmente revolucionarias para la época.
En Vu, Robert Capa publicará su fotógrafía más famosa de la Guerra Civil Española, Muerte de un
soldado republicano. Vu tendrá una gran influencia y servirá de modelo para la creación del
Picture Post en Londres y de Life en 1936 en EEUU. Vu dejará de publicarse definitivamente en
1938.
[24] En Biblioteca: Salomon, Erich. Erich Salomon: 1886-1944: un photographe en smoking dans
les années trente. Strasbourg: Les Musées de Strasbourg, 2004. F SAL-ER 1
La fotografía vanguardista
A principios del siglo XX, el mundo del arte entró en una profunda revolución. Se sentía una
necesidad de romper con las formas tradicionales de representación artística predominantes en la
época.
Hasta ese momento el arte ilustraba fielmente el mundo que lo rodeaba. La creatividad y las
cualidades del artista eran aportados por elementos como la luz o el encuadre. Fruto de este deseo
de ruptura con lo figurativo nacen las llamadas vanguardias.
La fotografía, como elemento artístico, no fue ajeno a todos estos cambios y siguió un camino
paralelo a la pintura. Las doctrinas que la fotografía adoptó fueron el surrealismo, el dadaísmo, el
expresionismo y el futurismo, entre otras.
El collage y el fotomontaje
En la primera década del siglo XX, la fotografía y la pintura se fundieron para crear una técnica
que se utilizó en la mayoría de las expresiones vanguardistas: el collage.
Esta técnica se usaba desde mediados del siglo XIX para elaborar álbumes de recortes, pero fue en
el siglo XX cuando los artistas lo pusieron de moda entre el público.
Por otra parte, el fotomontaje (una mezcla artística a base de distintas imágenes) surgió a mitad
de la segunda década del siglo XX y el dadaísmo lo usó como expresión de su doctrina.
En España se desarrolló más tarde que en el resto de Europa. Autores como Massana, Catalá i Pic,
Gabriel Casas, Josep Sola o Josep María Lladó lo aplicaron a la publicidad.
También figuras como Gregorio Prieto, Benjamín Palencia, Remedio Varó o Manuel Monleón lo
desarrollaron y lo llevaron a la práctica como pura expresión artística.
Nicolás de Lekuona y Josep Renau fueron los dos autores más carismáticos de la vanguardia
fotográfica española. Ambos simbolizaban el compromiso con las ideas y el deseo de romper con
viejas estructuras.
La fotografía y el surrealismo
El surrealismo como vanguardia fue fundado a principios de los años 20 del siglo XX por André
Bretón. El artista francés sentó las bases del movimiento en el manifiesto publicado en 1924.
En sus orígenes, el surrealismo surgió como un estilo literario, pero pronto se extendió a otras
artes, entre ellas la pintura y la fotografía. Pronto se convirtió en una corriente universal que vino
para quedarse.
André Bretón describió el surrealismo como el automatismo psíquico puro. A través de este
automatismo el artista intenta expresar cómo funciona realmente el pensamiento humano. La
razón no intervendrá en sus manifestaciones y dejará de lado las preocupaciones morales o
estéticas.
Es por todo esto por lo que el mundo onírico de los sueños adquiere en el surrealismo una
importancia notable. Técnicas como la escritura automática serán muy empleadas por los
surrealistas. La fotografía también captó la atención de artistas geniales provenientes de la
pintura, como Salvador Dalí.
El surrealismo inundó la fotografía de artistas como Man Ray, que ya había practicado el
dadaísmo. Tomó de este movimiento algunas técnicas como el collage y las llevó más allá creando
otras nuevas.
Por ejemplo, los llamados "object trouvé u "objetos encontrados" serán ampliamente
representados en la fotografía surrealista. Otras técnicas muy extendidas en el mundo de la
imagen son los rayogramas de Man Ray, lasschadografías de Christian Schad o los fotogramas de
Moholy-Nagy.
Premio Pulitzer
En su testamento, Joseph Pulitzer llamó a la creación de este premio con el objetivo de estimular
la excelencia. Pulitzer enumeró en ese texto sólo trece premios: cuatro para el periodismo, la
literatura y el teatro más uno para la educación. Sensible a los cambios de su época, Pulitzer
previó, no obstante, la constitución de una comisión de vigilancia consultiva con el poder de
reemplazar ciertos temas, siempre que la comisión juzgase que sería beneficioso para el público.
Pulitzer otorgó a la comisión el derecho de no otorgar un premio si ninguna obra corresponde a
los criterios de excelencia del jurado.
Los premios Pulitzer se concedieron por primera vez el 4 de junio de 1917. Desde entonces han
sido otorgados por la Universidad de Columbia en colaboración con el Patronato del Premio
Pulitzer (Pulitzer Prize Board) cada año, sin interrupción, durante abril.
El premio a la mejor fotografía de prensa se concedió por primera vez en 1942, y el premio a la
mejor composición musical en 1943.
Entre los años 1970 y 1979 se crearon los premios de ensayo, crítica y ficción literaria.
Sólo los reportajes y fotografías de diarios con sede central en los Estados Unidos pueden ser
propuestos como candidatos a los premios en la categoría de periodismo.
Historia de Mujeres
Resultó que un día cualquiera del año 2007, sin mayor expectativa que adquirir algunos muebles
viejos y antigüedades en una subasta a bajo precio, alguien encontró un tesoro. 40.000 negativos
inéditos en un cajón, con imágenes que documentaban la condición humana del Chicago de los
años 50 y 60. Escenas callejeras llenas de espontaneidad, a veces divertidas, muchas
conmovedoras, siempre llenas de la fuerza de lo cotidiano, y que habiendo sido tomadas por una
mujer desconocida y que trabajaba como niñera, nada tienen que envidiar a las de los street-
photographers más señalados, como Cartier Bresson o Robert Doisneau.
Vivian Maier nació el 1 de febrero de 1926 en Francia. Casi no existen datos sobre su vida, pero
debió ser en los años 30 cuando emigró a Estados Unidos. En algunos artículos que han escrito
sobre ella cuentan que trabajó en un taller textil de Nueva York en condiciones de esclavitud (el
equivalente a lo que hoy se conoce como maquilas) y que posteriormente se trasladó a Chicago,
donde trabajó cuidando a 3 niños. La gente que la conoció coincide en resaltar sus inquietudes
feministas y socialistas.
Durante los años 50 y 60 recorrió las calles de la ciudad con su cámara de medio formato
retratando escenas callejeras, a veces sobre lugares o edificios, pero casi siempre con la presencia
humana como centro y objeto de su curiosidad y de su certera mirada.
Mañana día 21 de abril es el primer aniversario de su muerte. Vivian Maier vivió anónimamente y
murió de la misma manera. Tan sólo una esquela en el Chicago Tribune con la referencia de una
dirección desconocida y un teléfono inexistente. Y un legado de 40.000 negativos y más de 1.000
carretes sin revelar que completan un pedacito de la historia de la vida cotidiana.
La fotografía y el arte
A pesar de todo, la fotografía siempre ha sido un instrumento al servicio del arte. Desde sus
orígenes su función ha sido facilitar el trabajo al pintor, escultor o grabador. Se tomaba una
imagen del modelo o del paisaje y no se necesitaban horas de posado o traslados.
Pintores como Delacroix o Gustave Courbet obtuvieron modelos por ese procedimiento. Incluso
algunos artistas llegaron a reproducir sus obras a través de fotografías para venderlas a precios
módicos. Era frecuente que se usaran como regalos de Navidad.
Esta imprenta fue la primera en reproducir obras de arte y figuras o modelos para artistas:
monumentos, esculturas, relieves, lugares célebres, curiosidades arqueológicas, copias de
cuadros, etc.
Este tipo de fotografía tuvo un gran éxito entre 1860 y 1870. Todas esas reproducciones se
exponían con frecuencia.
En 1853 el British Museum instala un estudio de fotografía con material para documentar y
clasificar todas sus obras de arte. Nace así la fotografía museística bajo la dirección de Robert
Fenton.
Arte Abstracto
El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han
hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.
El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un
lenguaje visual propio con unos significados variados.
En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en
tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del
tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y
nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.
El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor,
exaltando normalmente la fuerza del color.
También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes
abstracciones geométricas y constructivas.
La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de los
años cuarenta con el Action Painting y con el Colour-Field Painting. Estas tendencias fueron
suplantadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista que inició un nuevo periodo de
interés por la geometría y la estructura, periodo de interés por la abstracción, que siguen
adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones.
Escultura abstracta
La abstracción en escultura persigue los mismos fines que en la pintura, aunque difícilmente
pueden reconocerse lo mismos estilos.
matemática de los volúmenes y Théo van Doesburg ambos pertenecientes al grupo Der Stijl.
Artistas Abstractos
Vasily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto. Escribe "De lo espiritual en el
arte", donde expone sus ideas y reflexiones sobre el arte, lo que es y lo que es la obra de arte. En él
realiza una declaración de principios. Su pintura tiene como objetivo despertar la emoción del
espectador, en el que deben actuar sólo los sentimientos.
Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás
pintores. entre sus obras, destacamos Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, Improvisación,
Juicio universal; Amarillo, rojo, azul.
Paul Klee (1879-1940) tiene un carácter más simbólico. Transforma las figuras hasta hacerlas
irreconocibles. Entre sus obras, El niño en el paisaje, Composición, En el gris de la noche, Puerto y
veleros.
En las calles coexisten todas las ramas del arte urbano, desde el graffiti a las representaciones más
críticas y reivindicativas de la sociedad pasando por aquellas obras que se concentran
precisamente en el arte. Obras cuyo único objetivo es la pura recreación visual, una forma de
convertir las calles de la ciudad en un museo gratuito e independiente.
El arte urbano surge como una forma de expresión reivindicativa de críticas u opiniones sobre la
situación social de aquellos grupos sociales que habitan en las distintas zonas urbanas de una
ciudad. Podemos considerar dos características básicas para explicar esta existencia del arte
urbano:
Los criterios y anhelos de los grupos o comunidades integrantes de la sociedad son reflejo de su
naturaleza y tratan de expresar con imaginación sus sentimientos, sueños y realidades.
Se formula para ser disfrutado por una mayoría de la población y por lo tanto no se apoya en
criterios estéticos obsoletos o temáticas que están lejos de esta mayoría y, sobre todo, busca
espacios nuevos para que esta proximidad sea más efectiva.
Normalmente estos nuevos movimientos emergentes y críticos con el sistema establecido están
fuera de los circuitos artísticos generados por el poder, innovan la realidad artística del momento
y son eco de lo que podemos llamar “culturas de la calle”, que en un podemos denominar como
aquellas que nacen a partir de movimientos sociales que sólo disponen de la calle, el espacio
público, el espacio de todos, para expresarse.
Más que como una pura expresión artística, el arte urbano ha sido en determinadas épocas y
países una verdadera arma de lucha política. Desde el muro de Berlín espacio de disgregación y de
reivindicación hasta las calles de Belfast, convertidas en superficies ilimitadas para la expresión, el
arte urbano ha servido de instrumento de lucha contra la opresión y de confrontación pacífica. Las
pintadas o graffitis son una identidad, una marca, un sello, pero también son una expresión casi
siempre reaccionaria que enfrenta lo que está establecido; como en España, durante el
Franquismo y la Transición, cuando los murales encendían la vida social y política con mensajes a
la vista de todos.
Centramos la atención, sin embargo, en Irlanda del Norte. Asolada por unos conflictos fratricidas
que han tenido a la provincia en una constante guerra civil durante más de 70 años, los murales de
los edificios, las pintadas, delimitan zonas, marcan fronteras invisibles que construyen
representaciones aceptadas por todos. Verde, blanco y naranja: católico y republicano; azul,
blanco y rojo: protestante y unionista.
Las farolas, las aceras y las casas se adornan de unos símbolos con una carga política e ideológica
mayor que las propias palabras y los artistas trabajaban con esmero los murales conscientes de
que el más atractivo sería el más visitado y, por ende, el que a un mayor número de personas
transmitiría el mensaje. Porque cuando hablamos de arte urbano como forma de comunicación
política nunca nos referimos a expresiones carentes de sentido y de significaciones.
El Arte Pop es un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados
Unidos. Nace como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto al que consideraban vacío y
elitista.
El Pop Art se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo,
de la comunicación de masas y de la publicidad, aplicados a distintas disciplinas.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente. Su finalidad es lograr una postura
estética o alcanzar una postura crítica con el consumismo de la época. Como su propio nombre
indica el "Arte Popular" toma del pueblo los intereses y la temática.
El inglés Richard Hamilton es uno de los pioneros del Pop Art británico. Su collage titulado ¿Qué
es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos? ha sido considerado la
primera obra del movimiento.
La fotografía Pop Art se presenta como imagen de choque y tiene una atracción poderosa para el
espectador. La representación del motivo en el pop es asombrosamente literal.
Esto es especialmente llamativo en artistas como Roy Lichtenstein o Andy Warhol. Las fotografías
de Andy Warhol de latas de sopa de tomate son el mejor ejemplo de esta literalidad.
Todas las técnicas usadas en fotografismo fueron válidas para el arte pop. La fotografía es
manipulada hasta el extremo para conseguir sorprender al espectador.
El cine
La idea del cinematógrafo, que es el otro nombre que tiene el cine, es bastante antigua. De hecho,
el origen del cine lo encontramos en el año 1654. Cuando el sacerdote alemán Atanasio Kircher
experimentaba con imágenes en movimiento gracias a su famosa linterna mágica.
Más de un siglo después tenían lugar las llamadas Fantasmagories del francés Gaspard Robert,
llamado “Robertson”. Un espectáculo muy llamativo basado en figuras pintadas sobre placas de
cristal, que en el año 1798 constituyen las primeras proyecciones públicas de que se tiene noticia.
Las posibilidades reales que podía tener el cine fueron fueron adivinadas por el belga Joseph-
Antoine Plateau, que en el 1828 mediante un artilugio de su invención mostraba imágenes en
movimiento. Es el antecedente más antiguo y más parecido al cine actual.
Este físico belga se basó en el principio de la persistencia de las imágenes luminosas en la retina
del ojo, y en el año 1832 inventó el fenakistiscopio, que permitió por primera vez contemplar una
imagen en movimiento.
Un año después, en 1833, el matemático austriaco Simon von Stampfer creaba un curioso artilugio
que llamó estroboscopio. Este invento permitía poder ver un objeto que estaba girando sobre sí
mismo como si estuviera quieto o dando giros muy despacio.
Poco después el norteamericano Eadweard Muybridge reproducía el galopar del caballo con sus
cuatro patas despegadas del suelo. Los experimentos que condujeron a la invención del cine
fueron numerosos. En algunos casos el anecdotario resulta grotesco.
Por ejemplo: el médico francés Jules Marey, con su “fúsil fotográfico” se distraía en Nápoles (italia)
apuntando a las aves para fotografiar en varias secuencias el vuelo de las gaviotas y otros pájaros
de la zona.
Los campesinos terminaron por denunciarlo a las autoridades diciendo que habían visto a un loco
que disparaba a las aves pero nunca daba alcance a ninguna, lo que parecía llenarle de
satisfacción.
Tal vez te interese leer: ¿Por qué comemos palomitas de maíz en el cine?
Pero como en tantas otras cosas, fueron los trabajos de Thomas Alva Edison (el inventor de la
bombilla) en 1889, los que llevaron al invento de lo que él llamó kinetógrafo: primera cámara
sonora. Invento importante en el que Edison puso en relación el eje del obturador de la cámara
con un fonógrafo, permitiendo grabar sonido e imagen a la vez.
A pesar de que la registró o patentó en 1891, el genial inventor no tenía fe en el futuro del cine,
que consideraba como un simple espectáculo para gente solitaria. Fue Edison quien inventó el
cine sonoro en 1902, pero el sonido era tan débil que no resultaba práctico.
Más tarde, en 1910, con el cronófono de Léon Gaumont, inventado para este personaje por los
franceses Decaux y Laudet, se empezó a ver las posibilidades del cine sonoro.
los primeros pasos del cineSu kinetoscopio era una máquina de poco más de un metro de altura y
medio metro de ancho en cuyo interior discurría una película en movimiento continuo entre una
lente y un foco o fuente de luz.
No había proyección en pantalla y era preciso aplicar el ojo a una ranura para contemplar el
desarrollo de una pelea de boxeo, las evoluciones de una bailarina, a dos bebés a los que se les
cambiaba el pañal y películas de interés semejante.
Esos fueron algunos de los primeros filmes. Pero Edison logró vender sus curiosos artefactos,
prueba del interés que ponía la gente en el fenómeno.
En el primer estudio de cine, de 1890, rodó sus películas William Dickson. Se trataba de un
barracón iluminado por una gran vidriera montada sobre pivotes rotatorios que recogían de
forma continua la luz solar.
En 1894 nacían las primeras proyecciones con el norteamericano Mervyn Le Roy, pionero del
proyector moderno, y el 14 de abril de aquel año, en un local del Broadway neoyorquino, los
hermanos Tate instalaron una especie de “multicine”: diez kinetoscopios de Edison hacia los que
se lanzaba el público ávido de novedades para ver las extrañas imágenes o primeras películas: un
hombre estornudando, o un caballo corriendo.
En esta fecha y en este lugar es donde quién inventó el cine: los hermanos Lumière, exhibieron en
público su invención con una breve proyección de un tren llegando a una estación. Por tanto, ya
conoces tres datos fundamentales sobre la invención del cine:
Una gran multitud incrédula, pero expectante, se agolpaba para contemplar la entrada de un tren
en la estación, la partida de una barca de remos del puerto, o la salida de los obreros de la fábrica
Lumière de Lyon.
Aquella noche mágica nació el cine, un espectáculo llamado a colmar cualquier fantasía. Los
Lumière registraron su invento: el cinématographe, en honor al nombre de un tomavistas
inventado en 1892 por el francés Bouly.
Hasta la llegada de los hermanos Louis y Auguste Lumière el cine había sido simplemente un
juguete. Tanto el fenaquistiscopio de Plateau, como el zoótropode Horner, o el coreoscopio de
Beale, incluido el artilugio de Edison, eran cosas de niño.
A partir de aquel momento la historia del cine sería una sucesión incesante de ideas geniales y
mejoras decisivas. Aparte de la gran revolución que provocó la invención del cine sonoro, otras
innovaciones fueron transcendentales.
Pero sin duda alguna, una de las más importantes dentro de la evolución del cine fue la invención
del cine en color. Esta mejora, aunque al principio no era de gran calidad, marco un hito en la
historia del cine, que ya nunca volvería a ser igual que antes.
Lo mismo que sucediera con la fotografía se comenzó coloreando las películas a mano, imagen por
imagen. A partir de 1900 las casas francesas Mélies y Pathé comenzaron a hacerlo por
procedimientos mecánicos. Pero aún tuvieron que pasar unos pocos años más para que se
inventaran sistema de filmación en color.
A Madrid llegó el cinematógrafo el 15 de mayo de 1896, día de san Isidro. Se presentó en público
en un viejo edificio de la carrera de San Jerónimo, frente a la calle Ventura de la Vega, en el Hotel
de Rusia, cuya planta baja estaba ocupada por un gran salón.
Se empapelaron de negro las paredes de la sala y a los lados de una pantalla muy blanca se corrió
un par de cortinones negros de crespón. Las películas, de diecisiete metros cada una, se
proyectaban a la pantalla desde el fondo de un salón donde se había colocado una especie de
cabina.
Según un cronista de la época, la película de mayor éxito era la de los trenes llegando a la estación,
y sobre todo el mar, el batir de las olas: era una forma de estar allí.
El Art Nouveau (arte nuevo), denominación utilizada en Francia y Bélgica, fue un estilo innovador
que surgió entre finales del siglo XIX y principios del XX. Se le dio este nombre cuando Samuel
Bing, distribuidor de arte, inauguró su nueva galería L’Art Nouveau. La influencia más importante
en este punto geográfico fueron las curvas ligeras y fluidas del Rococó del siglo XVIII.
Este estilo decorativo que influencio fuertemente en todo el mundo, invadió todas las artes del
diseño, como la arquitectura, el mobiliario y el diseño grafico y de productos. Algunos objetos y
plataformas donde se desarrolló este estilo fueron carteles, paquetes, anuncios, vajillas, cerámicas,
textiles, ilustraciones de libros, sillas, y casas, entre otros.
La gran gama de objetos en las que el Art Nouveau estuvo presente no deja de ser un detalle de
suma importancia, debido al trasfondo social que esto representa, debido al gran número de
personas que lograba tener acceso a objetos totalmente cotidianos que reunían características de
total asequibilidad para la población, complementado con un valor estético alto. Esto se denominó
“la democratización de la belleza”.
Este fenómeno también se pudo observar en 1881, cuando una nueva ley francesa permitió
eliminar restricciones de censura logrando que los carteles de los artistas y diseñadores de la
época pudieran ser expuestos y por ende vistos por cualquier persona no importando su nivel de
clase social. La popularización del cartel trajo consigo una floreciente industria que aumentó las
ganancias de diseñadores e impresores.
La importancia del Art Nouveau, radica en un fuerte cambio de mentalidad hacia la innovación en
el arte y el diseño ya que su concepción fue incentivada por un profundo espíritu emprendedor, en
rechazo a los añejos y decadentes estilos que gobernaron gran parte del siglo XIX. El historicismo
ecléctico que de forma aduladora promovía y defendía la utilización de las formas y estilos del
pasado rechazando la invención de nuevos parámetros que permitiera la entrada a un nuevo flujo
creativo. El también llamado modernismo jugó un papel fundamental en la transformación y
evolución del arte, siendo la raíz de estilos y movimientos tales como el abstracto y el surrealismo,
también en la arquitectura y el diseño tanto industrial como gráfico en el siglo XX. Se puede decir
que fue el primer peldaño para un nuevo movimiento moderno, que asentó las bases para una
nueva forma de pensamiento hacia diferentes expresiones.
CARACTERISTICAS E INFLUENCIAS
La formación de este estilo no se suscribe a un país o ciudad específica, tuvo variados focos de
evolución. En Inglaterra se llamo Modern Style y fue fuertemente influenciado por el movimiento
Arts & Crafts (Artes y oficios) fundado por William Morris en 1861. El “Modern Style” revaloro los
fundamentos de este movimiento, donde se plantea la necesidad de mejorar la calidad de los
diseños hechos en serie por la industria.
Otra influencia importante, que en primer grado afectó al Arts & Crafts y desde este al Modern
Style o Art Nouveau fue una corriente del arte denominada como Pre-rafaelistas que consistía
básicamente en la exacerbación del fervor religioso.
En Alemania se escuchó como Jugendstil “estilo joven” nombre tomado de una publicación
periódica llamada jugend. Tuvo una fuerte influencia francesa e inglesa pero conservo los vínculos
con el arte académico tradicional y su interés por la forma de letras medievales.
En Italia fue el Liberty-Floreale puesto así por la tienda de departamentos Liberty y compañía.
También se nombro como Modernisme o Estil modernista en Cataluña.
La producción de piezas literarias dejaba mucho que desear, herencia de la revolución industrial
que promovió la producción en masa y de bajo costo. En respuesta a esta tendencia el inglés
William Morris (1834-1896) guió al movimiento de las artes y oficios a desarrollar métodos de
producción que revaloraran el diseño con el regreso a la destreza manual. Otro personaje
importante que inspiró la filosofía de este movimiento fue el escritor y artista John Ruskin (1819-
1900) que rechazó la economía mercantil que gobernaba alentando el arte, argumentando que las
cosas bellas eran valiosas y útiles.
El cartel fue otro medio Gráfico muy utilizado en Francia y posteriormente en toda Europa, tuvo
una importancia especial en lo comercial debido a que su utilización muy explotada en lo
publicitario sirvió para dar a conocer distintos espectáculos, eventos culturales y productos que
eran consumidos en la época.
Un nombre importante que desarrolló el formato cartelero fue Jules Cheret (1836-1933)
aclamado como el padre del cartel moderno. Innovó al introducir el cartel visual, dejar de lado los
carteles tipográficos con escasas ilustraciones y evolucionar a la litografía inglesa a color que en
ese momento mostraba un mayor adelanto tecnológico. En la década de 1880 utilizó una línea
negra con los colores primarios: rojo, amarillo, y azul logrando una vitalidad gráfica de efectos y
colores brillantes de composición informal. Sus influencias artísticas fueron la belleza idealizada y
el estilo de vida alegre expresando energía y movimiento. Cheret fue reconocido por crear una
nueva rama de arte que promovió la imprenta y la publicidad de productos y espectáculos,
aportando al desarrollo del comercio y la industria.
Otro exponente fue el suizo Eugene Grasset, tuvo un logro muy importante en diseño gráfico
gracias a la publicación de L’Histoire des quatre fils Aymon (historia de los cuatro hijos Aymon) de
1883, diseñado e ilustrado por él, utilizó un proceso de foto relieve a color. Él aportó con ideas
importantes que fueron asimiladas rápidamente como el integrar ilustración y texto como unidad
y agregar ribetes decorativos que enmarquen los contenidos. También recibió encargos de
carteles mostrando en ellos doncellas esbeltas y altas que visten ropones sueltos y largos en poses
estáticas, publicitando productos como chocolates y cervezas. Su estilo se basa en dibujos de
contornos negros gruesos con fondos a color. Su composición era formal ocupando colores de baja
intensidad, contrastando con el estilo de Cheret.
Alphonse Mucha (1860-1939) Su trabajo tomó renombre gracias a un hecho fortuito ocurrido en
la Navidad de 1894, cuando se le encomendó el diseño de un cartel para promocionar la obra
teatral Gismonda de la famosa actriz Sarah Bernhardt.
Se inspiró en la pose básica del cartel de Grasset, alargó su formato y recurrió a mosaicos
bizantinos. El resultado fue una gráfica totalmente nueva y diferente que se diferenciaba de
trabajos anteriores. Luego de esto, el estilo de Mucha fue considerado como la manifestación más
representativa del Art Nouveau donde se dejan ver cada uno de los elementos más
representativos de este estilo siendo estos una figura central femenina rodeada de formas
sinuosas de origen vegetal.
El Art Nouveau, como cualquier tendencia cayó lentamente en decadencia, después del fin de
siglo, donde los resultados obtenidos eran de una notable baja calidad de diseño, debido al
aumento en la demanda generando grandes cantidades de mercancía y gráficos con bajas normas
de diseño llegando incluso a prescindir de los servicios de diseñadores.
ART DECO
El Art Deco, surge específicamente en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e
Industriales Modernas en el año 1925 en París. Su utilización estuvo presente en una gran gama
de objetos, ambientes y soportes tales como el mobiliario, joyería, diseño de interiores, cerámica y
gráfica.
Este estilo toma distancia, revelándose a otras corrientes y movimientos artísticos del pasado
caracterizados por representaciones realistas y sentimentales de líneas sinuosas imitativas de la
naturaleza, como lo fue el Art Nouveau y el arte renacentista, el caso de este último fue especial,
debido a su extensa influencia de cuatro siglos en las corrientes artísticas pictóricas.
Características e Influencias
En el Art Deco las imágenes naturales convencionales, son reducidas a formas geométricas básicas
como el cubo, el cilindro, la esfera y el cono, además de tener influencias de la escultura africana,
esto como herencia del movimiento denominado, como cubismo que tuvo como punto de partida
a Les Demoiselles D’Avignon de 1907, del afamado artista Pablo Picasso, que a su vez siguió los
postulados del pintor posimpresionista Paul Cezanne planteando el uso de formas geométricas
para representar la naturaleza.
Otro movimiento importante en la concepción del Art Deco, fue el futurismo que rechazó la
estética tradicional basándose en temas de la vida moderna como la industria, las máquinas, la
tecnología, el movimiento y la velocidad. Su mentor fue el poeta italiano Filippo Marinetti que
recopiló y publicó el manifiesto del futurismo en 1909, donde se hablaba de la belleza de la
velocidad y, de que una obra sin carácter no merece llamarse obra de arte.
Con este movimiento también nació un nuevo tipo de diseño tipográfico llamada “tipografía libre”
esta revolucionó la tradición clásica, animando sus páginas con una composición dinámica no
lineal convirtiendo la escritura en formas visuales concretas.
El dadaismo también fue un movimiento que con carácter y actitud contestadora, logró llamar la
atención e influir en el Art Deco. Este movimiento consistió en un espíritu liberador que se
rebelaba contra los cánones y tradiciones establecidos, buscando así la libertad total permitiendo
el enriquecimiento visual. Sus métodos artísticos eran catalogados como absurdos e irracionales
como mostrar un orinal y decir que es una escultura artística o el dibujar bigotes a una
reproducción de la Mona Lisa, un ataquedirecto contra los valores estéticos del momento
buscando además, remover las mentes estancadas del público.
Detrás de este aparente liviandad que no hacía mas que burlarse de la sociedad, hubo dadaistas
que lograron producir un arte visual significativo que aportó nuevas ideas al diseño gráfico, fue así
como a través de la manipulación de imágenes fotográficas los dadaistas afirman haber inventado
el fotomontaje. Algunos exponentes fueron Raoul Hausmann, Hannah Hoch, y Kurt Schwitters,
este último destacó por sus collages realizados con papel usado, desperdicios, y materiales
fusionados para componer color, forma y textura. También surgieron dadaistas berlineses como
Jhon Heartfield, Wieland Herzfelde y George Grosz que asumieron fuertes convicciones
revolucionarias dirijiendo su arte hacia un fin que buscaba promover el cambio social, la
conciencia publica y la comunicación social. Jhon Heartfield tomó una fuerte postura contra el
militarismo alemán ocupando la técnica de foto montaje como un medio de propaganda contra la
expansión del partido nazi, siendo estos unos de sus blancos favoritos de ataque en carteles,
ilustraciones y otros medios gráficos.
Los conflictos bélicos y la revolución rusa trajo una vez mas como consecuencia, como ha ocurrido
en otros casos, una estimulación del arte y la creatividad ejerciendo una influencia en el diseño
gráfico y la tipografía del siglo XX en Europa.
Los artistas absorbieron las ideas del cubismo y futurismo para luego crear sus propias ideas e
innovaciones. En nombres como Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko y Lissitzky fue, donde las
bases del contructivismo se formaron y enfocaron hacia el rechazo de un arte vacío, totalmente
inútil que no prestaba ningún servicio que permitiera la solución de distintos problemas. Es así
como estos artistas evolucionaron hacia la creación de proyectos que satisficieran las necesidades
de la comunidad trabajando en proyectos que prestaran de forma útil y funcional, un fin especifico
que cumpliera alguna finalidad practica. Este movimiento que tuvo una profunda influencia en el
diseño gráfico se enfocó entre otras cosas en la tipografía, en la fotografía y el fotomontaje, su
estructura se enfocaba en la precisión geométrica y en áreas amplias de colores puros.
De esta forma podemos describir al Art Deco como un estilo de formas geométricas, de colores
planos y limpios donde la máquina, la velocidad y la energía son sus temas predilectos.
El cómic.
Desde que alguien necesitó contar una historia con dibujos, y eso es decir casi desde la
Prehistoria, podríamos decir que inventó el cómic o historieta. Así, los dibujos en las cuevas, y más
tarde en los relieves griegos y mosaicos romanos, en las iglesias de la Edad Media ya contaban
historias con dibujos.
Más adelante se le añadieron las palabras, y así en la Edad Media los juglares iban contando
historias ayudándose de paneles o tapices con viñetas dibujadas y en cada una contaban un verso
o canción hasta completar una historia.
Existe el concepto erróneo de que el cómic es un arte infantil. No es así. Más de 100 años de
publicaciones dan para todo tipo de historias. Además, el cómic se ha constituido en un semillero
de ideas y de directores de cine: Tim Burton, Guillermo del Toro, Álex de la Iglesia, y otros
muchos dibujan o han dibujado cómic, el esquema de una película o “storyboard” es de hecho una
historia dibujada, y de muchos cómic se han hecho películas y series de televisión.
Las nuevas tecnologías
La ciencia y la tecnología siempre han evolucionado en forma conjunta. El desarrollo de una
conlleva o potencia el desarrollo de la otra. Es por ello que siempre las hallamos juntas, en una
suerte de evolución constante entre sinérgica y simbiótica.
La instinto de supervivencia nos ha llevado como animales que somos a obedecer primero nuestra
parte instintiva y luego a actuar como seres racionales.
La técnica o habilidad adquirida responde a esta parte instintiva. Por ensayo y error vamos
desarrollando habilidades y aprendiendo a partir de esa relación causa-efecto.
La ciencia es más reflexiva. Cuando ya, a partir de la observación, generamos hipótesis,
teorizamos y realizamos comprobaciones, estamos comportándonos científicamente. De la
aplicación práctica de estos conocimientos científicos surge la tecnología.