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DEPARTAMENTO DE ELÉCTRICA Y ELECTRÓNICA

CARRERA DE ELECTROMECÁNICA
APRECIACIÓN DE LA PINTURA

TEMA: PRIMERAS MANIFESTACIONES PICTÓRICAS DE LA


HUMANIDAD

ALUMNO:

MARCO CALUPIÑA

DOCENTE:

ING. ZAMBONINO ALEXANDRA

FECHA:

01/11/2017

LATACUNGA – ECUADOR
PRIMERA MANIFESTACIONES PICTÓRICAS DE LA HUMANIDAD

La pintura es una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las
llamadas Bellas Artes. Y seguramente es la expresión que podríamos considerar más
identificativa del concepto humano. En la estética o teoría del arte modernas la pintura
está considerada como una categoría universal que comprende todas las creaciones
artísticas hechas sobre distintas superficies.

Figura 1. Creaciones artísticas

La historia de la pintura ha tenido un desarrollo cronológico y estilístico paralelo en gran


medida al resto de las artes plásticas, si bien con diversas particularidades en el tiempo
y el espacio debidas a numerosos factores, desde los derivados de las diversas técnicas
y materiales empleados en su confección hasta factores socio-culturales y estéticos, ya
que cada pueblo y cada cultura ha desarrollado a lo largo del tiempo distintos conceptos
de plasmar la imagen que recibe del mundo circundante.

Figura 2. Historia de la pintura

No fue hasta el siglo XVI que empezó a considerarse que la arquitectura, la pintura y la
escultura eran actividades que requerían no sólo oficio y destreza, sino también un tipo
de concepción intelectual que las hacían superiores a otros tipos de manualidades. Se
gestaba así el concepto moderno de arte, que durante el Renacimiento adquirió el
nombre de arti del disegno (artes del diseño), por cuanto comprendían que esta
actividad el diseñar era la principal en la génesis de las obras de arte. Por último, en
1746, Charles Batteux estableció en Las bellas artes reducidas a un único principio la
concepción actual de bellas artes, concepto que hizo fortuna y ha llegado hasta la
actualidad.
Figura 3. Arte del diseño

EL ARTE PREHISTÓRICO

El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humano desde la Edad de Piedra


(paleolítico, 25.000-8.000 a.C.; mesolítico, 8.000-6.000 a.C.; y neolítico, 6.000-3.000
a.C.) hasta la Edad de los Metales (3.000-1.000 a.C.), periodos donde surgieron las
primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del ser
humano. El paleolítico tuvo sus primeras manifestaciones artísticas alrededor del 25.000
a.C., teniendo su apogeo en el periodo magdaleniense (15.000-8.000 a.C.).

Las primeras manifestaciones pictóricas aparecen en cuevas la llamada pintura


rupestre, como medio de expresar la interrelación entre el ser humano primitivo y la
naturaleza. Como material pictórico utilizaban principalmente rojo de óxido de hierro,
negro de óxido de manganeso y ocre de arcilla.

Figura 4. Arte prehistóricas

EL ARTE MOBILIAR

El Arte Mobiliar (objetos decorados que pueden ser transportados) es más abundante,
extendiéndose no sólo por Francia y España, sino también por los valles del Danubio,
del Don y la cuenca del Baikal, ya en Asia. Hay restos esporádicos en el resto del mundo,
como se indica al final.Desde los primeros descubrimientos de objetos artísticos
paleolíticos, en el siglo XIX, siempre se ha suscitado el enigma de su motivación y su
significado, aunque parece haber consenso en que se trata de un arte de función
religiosa y que su temática está íntimamente relacionada con el medio natural y su
numen. Queda pendiente el hecho innegable de su alto valor estético y artístico: los
hombres prehistóricos demostraron, en algunos casos, un ansia de perfección y un
sentido de la belleza totalmente comparable a los artistas de otras épocas históricas.
Figura 5. Arte mobiliar

En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones, con obras de arte
elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del
artista/artesano. Su arte era intensamente religioso y simbólico, con un poder político
fuertemente centralizado y jerarquizado, otorgando una gran relevancia al concepto
religioso de inmortalidad. Iniciado alrededor del 3.000 a.C., el arte egipcio perduró hasta
la conquista de Alejandro Magno, si bien su influencia persistió en el arte copto y
bizantino. La pintura egipcia se caracteriza principalmente por presentar figuras
yuxtapuestas en planos superpuestos. Las imágenes se representaban con criterio
jerárquico, por ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los
enemigos que están a su lado.

Figura 6. Figura egipcia

Durante el Imperio Antiguo no es posible disociar el bajorrelieve de la pintura ya que


comparten los mismos temas con idénticos propósitos: representar la vida cotidiana y la
naturaleza para que ambas puedan ser recreadas en la otra vida en la Duat. En la
Mastaba de Ti (dinastía V, hacia 2450 a. C.) hay diversos bajorrelieves pintados con
escenas de trabajos agrícolas, entre ellos el hombre con una burra y su burrito que porta
un fardo, o la escena de un esclavo, cruzando un vado, que lleva sobre sus hombros un
ternero, y como evidencia de realismo en la pintura de animales, el ternero vuelve su
cabeza para llamar a su madre, que marcha detrás. Las decoraciones pictóricas, sobre
papiro o el cartonaje de sus ataúdes, narraban, por medio de jeroglíficos, diversas
leyendas mitológicas e ideas tomadas del ritual funerario y contenían el retrato del
difunto en la zona correspondiente de la cabeza.
Figura 7. Bajorrelieve de la pintura

En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado


la evolución del arte occidental, con un estilo basado en la naturaleza y en el ser
humano, donde preponderaba la armonía y el equilibrio, la racionalidad de las formas y
los volúmenes, y un sentido de imitación («mímesis») de la naturaleza que sentaron las
bases del llamado arte clásico. Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica
y micénica, el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico y helenístico.
La pintura griega se desarrolló sobre todo en la cerámica, en escenas cotidianas o de
temática histórica o mitológica.

Figura 8. Evolución del arte occidental

Con un claro precedente en el arte etrusco, el arte romano recibió una gran influencia
del arte griego. Gracias a la expansión del Imperio Romano, el arte clásico
grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa, norte de África y Próximo
Oriente, sentando la base evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas. La
pintura romana es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya, donde se
perciben cuatro estilos: el de incrustación, que imita el revestimiento en mármol; el
arquitectónico, llamado así por simular arquitecturas; el ornamental, con arquitecturas
fantásticas, guirnaldas y amorcillos; y el fantástico, mezcla de los dos anteriores, con
paisajes imaginarios, variadas formas arquitectónicas y escenas mitológicas.

Figura 9. Arte etrusco


Con la Hégira de Mahoma en 622 surgió una nueva religión, el islamismo, que tuvo una
rápida difusión desde el Próximo Oriente por el norte de África, llegando a Europa con
la conquista de la Península Ibérica y con la zona de los Balcanes tras la caída del
Imperio Bizantino. Su principal medio de expresión fue la arquitectura, pues la
prohibición religiosa de representar imágenes figurativas supuso una seria traba para la
pintura y escultura, que era únicamente de tipo ornamental, con motivos abstractos o
geométricos.

Figura 10. Arte ornamental, con motivos abstractos o geométricos.

El arte de la India tiene un carácter principalmente religioso, sirviendo como vehículo de


transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo, budismo,
islamismo, cristianismo, etc. También hay que destacar como rasgo distintivo del arte
indio su afán de integración con la naturaleza, como adaptación al orden universal,
teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales (montañas, ríos, árboles)
tienen para los indios un carácter sagrado.

Figura 11. El arte de la India

El arte japonés ha estado marcado por su insularidad, aunque a intervalos ha ido


recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales, sobre todo de China y Corea.
Gran parte del arte producido en Japón ha sido de tipo religioso: a la religión sintoísta,
la más típicamente japonesa, formada alrededor del siglo I, se añadió el budismo en
torno al siglo V, forjando un sincretismo religioso que aún hoy perdura. Período Kofun
(200-600): en este período encontramos las primeras muestras de pintura, como en el
enterramiento real de Ōtsuka y las tumbas en forma de dolmen de Kyūshū (siglos V-VI),
decoradas con escenas de caza, guerra, caballos, pájaros y barcos, o bien con espirales
y círculos concéntricos.
Figura 12. El arte japonés

Los Hopi tienen lápidas de piedra. En ellas hay inscripciones alusivas a todo cuanto
ocurrirá después de la próxima depuración. Esas lápidas anunciaron a los Hopi que
primero llegarían gentes acompañadas de extraños animales tirando de cajas
(vagonetas) y que más tarde las cajas se moverían por sí solas (trenes y automóviles).
Les dijeron también que se extendería un hilo plateado a través de la tierra.

Figura 13. Los Hopi

El arte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura


europea occidental, con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latín a
las lenguas vernáculas. De carácter eminentemente religioso, casi todo el arte románico
estaba dirigido a la exaltación y divulgación del cristianismo. Surgido a mediados del
siglo XI, se desarrolló fundamentalmente durante el siglo XII, a finales del cual empezó
a coexistir con el incipiente gótico. En el románico culminaron los diversos estilos
producidos por el prerrománico, a la vez que se denota la influencia oriental del arte
bizantino.

Figura 14. El arte románico

En pintura gótica podemos destacar al pintor neerlandés Jeroen Anthoniszoon van


Aeken, conocido como El Bosco o Jerónimo Bosch (Bolduque, 1450 – agosto de 1516).
Protagonista de sus cuadros es la Humanidad que incurre en el pecado y es condenada
al infierno; la única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las
tablas con vidas de santos, cuyas vidas dedicadas a la meditación deben ser modelo de
imitación, aunque estén rodeados por el Mal. Ejemplo son las tablas con la Pasión de
Cristo a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para rescatar al
género humano del pecado universal.

Figura 15. En pintura gótica

La pintura renacentista sufrió una notable evolución desde las formas medievales, con
formas naturalistas y temáticas profanas o mitológicas junto a las religiosas. Los
estudios de perspectiva permitieron hacer obras de gran efecto realista, basadas en
proporciones matemáticas, con especial utilización de la «sección áurea» tras el estudio
publicado por Luca Pacioli (De Divina Proportione, 1509). Se utilizó el fresco y el temple,
mientras que se introdujo el óleo a mediados del siglo XV por influencia flamenca.

Figura 16. Pintura renacentista

Uno de los principales pintores de la época renacentista fue Leonardo da Vinci


(Leonardo di ser Piero da Vinci), que fue un pintor italiano nativo de Florencia. Notable
genio del Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico,
científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista) nació
en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67
años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y
pinturas.

Figura 17. Época renacentista


El fauvismo (1905-1908) fue el primer movimiento vanguardista del siglo XX. El fauvismo
supuso una experimentación en el terreno del color, que era concebido de modo
subjetivo y personal, aplicándole valores emotivos y expresivos, independientes
respecto a la naturaleza. Destacan Henri Matisse, Albert Marquet, Raoul Dufy, André
Derain, Maurice de Vlaminck y Kees van Dongen. El expresionismo (1905-1923) surgió
como reacción al impresionismo.

Figura 18. El fauvismo

El cubismo (1907-1914) se basó en la deformación de la realidad mediante la


destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista, organizando el espacio
en base a una trama geométrica, con visión simultánea de los objetos, una gama de
colores fríos y apagados, y una nueva concepción de la obra de arte, con la introducción
del collage. La figura principal de este movimiento fue Pablo Picasso, uno de los grandes
genios del siglo XX, junto a Georges Braque, Juan Gris y Fernand Léger.

Figura 19. El cubismo

El minimalismo (1963-1980) es un antecedente de la Nueva abstraccióno Abstracción


postpictórica (Barnett Newman, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Kenneth Noland). El
minimalismo fue una corriente que supuso un proceso de desmaterialización que
desembocaría en el arte conceptual. Son obras de carácter abstracto, de acusada
simplicidad, reducidas a un mínimo motivo, depurado al planteamiento inicial del autor,
la base sobre la que habría desarrollado la idea que, sin embargo, queda plasmada en
su fase inicial.
Figura 20. Minimalismo

BIBLIOGRAFÍA

https://oldcivilizations.wordpress.com el-arte-pictorico-y-su-relacion-con-la-historia-de-
la-humanidad/
https://primeras-manifestaciones-pictoricas-de.html
https://oldcivilizations.wordpress.com/.../el-arte-pictorico-y-su-relacion-con-la-historia.