Alfred Hitchcock

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Alfred Hitchcock

Información personal

Nombre de
Alfred Joseph Hitchcock
nacimiento

Nacimiento 13 de agosto de 1899

Leytonstone, Inglaterra, Reino Unido

Fallecimiento 29 de abril de 1980 (80 años)

Bel Air, California, Estados Unidos

Causa de la
Insuficiencia renal
muerte

Nacionalidad Británica y estadounidense

Religión Catolicismo
 Características físicas

Altura 1,70 m (5 ft 7 in)

Familia

Cónyuge  Alma Reville (1926–1980)

Hijos  Patricia Hitchcock

Información profesional

Ocupación Director, guionista, productor y editor

Años activo desde 1921

Año de debut 1921

Año de retiro 1976

Seudónimo Hitch y El maestro del suspense


Distinciones Caballero comendador de la Orden del Imperio
británico
 Caballero de la Legión de Honor
 Oficial de las Artes y las Letras
 Orden de las Artes y las Letras
 Premio Edgar
 BAFTA Academy Fellowship Award (1971)
 Brunelleschi Lifetime Achievement Award (1979)

Web

Sitio web hitchcock.tv

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Sir Alfred Joseph Hitchcock CBE (Leytonstone, Londres, 13 de agosto de 1899-Bel Air, Los
Ángeles, 29 de abril de 1980)1 fue un director de cine y productor británico2 de nacimiento
luego nacionalizado estadounidense. Fue pionero en muchas de las técnicas que caracterizan
a los géneros cinematográficos del suspense y el thriller psicológico. Tras una exitosa carrera
en el cine británico en películas mudas y en las primeras sonoras, que le llevó a ser
considerado el mejor director de Inglaterra, Hitchcock se trasladó a Hollywood en 1939.3
 A lo largo de una carrera que duró más de medio siglo, Hitchcock configuró un estilo
cinematográfico distintivo y muy reconocible.4 Fue innovador en el uso de la cámara para
imitar la mirada de una persona, obligando de esta manera a los espectadores a participar de
cierta forma de voyeurismo,5 empleaba encuadres para provocar ansiedad, miedo o empatía y
desarrolló una novedosa forma de montaje fílmico.5 Sus historias a menudo están
protagonizadas por fugitivos de la ley y sus actrices protagonistas suelen ser de pelo rubio.6
Muchos de sus filmes presentan giros argumentales en el desenlace y tramas perturbadoras
que se mueven en torno a la violencia, los asesinatos y el crimen. Con frecuencia, los
misterios que articulan las tramas no son más que señuelos (Macguffin, como los llamó el
propio director) que sirven para hacer avanzar la historia pero no tienen mayor importancia en
el argumento. Las películas de Hitchcock también abordan a menudo temas del psicoanálisis y
tienen marcadas connotaciones sexuales. Gracias a los cameos en muchos de sus filmes, las
entrevistas, los avances publicitarios de sus películas y el programa de televisión Alfred
Hitchcock Presenta, el cineasta se convirtió en un icono cultural.
Hitchcock dirigió más de cincuenta películas a lo largo de seis décadas. Reconocido a menudo
como el mejor cineasta británico; apareció primero de una encuesta realizada entre los críticos
de cine en 2007 por el periódico The Daily Telegraph. El diario lo definió así: «Indudablemente
el más grande cineasta nacido en estas islas, Hitchcock hizo más que cualquier otro director
para dar forma al cine moderno, que habría sido completamente diferente sin él».7 La
revista MovieMaker lo ha descrito como el director más influyente de todos los tiempos8 y es
ampliamente considerado como uno de los artistas más importantes del séptimo arte.9

Índice
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 1Primeros años
 2Entrada en el mundo del cine
o 2.1British International
o 2.2Las primeras películas sonoras
 2.2.1Chantaje: del mudo al sonoro
 2.2.2Michael Balcon: Gaumont British
 2.2.3Gainsborough, sin M. Balcon
 3Hollywood llama a Hitchcock
o 3.1Comienzos con David O. Selznick
o 3.2Rebeca
o 3.3Enviado especial
o 3.4RKO Pictures
o 3.5Las primeras películas con Universal
o 3.620th Century Fox
 3.6.1Intermedio británico: propaganda / Shoah
 4Inmediata posguerra
o 4.1Últimas películas con Selznick
o 4.2Transatlantic Pictures
 5La década de 1950: el Hitchcock más esplendoroso
 6Psicosis y Los pájaros, las obras maestras de los años 1960
 7Declive y últimos años
 8Influencia de Hitchcock en el cine posterior
o 8.1La exégesis De Palma
 8.1.1La Psicosis de Gus Van Sant
o 8.2Influencia sobre el cine de género
o 8.3Los cameos de Hitchcock
 o 8.4Películas biográficas sobre Hitchcock
 9Filmografía
 10Colaboradores frecuentes
 11Premios y nominaciones
 12Véase también
 13Notas
 14Referencias
 15Bibliografía
o 15.1En español
o 15.2En inglés
 16Enlaces externos

Primeros años[editar]
Alfred Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leytonstone, un barrio ubicado en el
municipio londinense de Waltham Forest, cercano a la capital del Reino Unido. Fue el tercer y
último hijo del matrimonio de William Hitchcock (1862-1914) y Emma Jane Whelan (1864-
1942), dos comerciantes de clase media de rigurosa educación católica.10
Su estricta educación hizo que el pequeño Alfred fuera un niño tímido y apocado, elementos
de su personalidad que lo acompañarían durante toda su vida. En 1906, la familia debió
trasladarse desde Leytonstone a Stepney, en donde Hitchcock concurre al colegio jesuita de
San Ignacio; sin embargo, debido a la muerte de su padre tuvo que abandonar el colegio en
1915 para comenzar a trabajar en la Compañía telegráfica Henley. Hitchcock siempre fue un
ávido admirador de Charles Dickens y Edgar Allan Poe y un amante del cine, especialmente
tras haber visto El nacimiento de una nación de David Wark Griffith.

Entrada en el mundo del cine[editar]

En 1920 se dedicaba a hacer los intertítulos de varias películas de cine mudo en la Famous
Players Lasky. Este trabajo ocasional provocó que, poco a poco, el joven Hitchcock
comenzara a apasionarse por el mundo del cine. Es así como empezó a trabajar como
montador, director artístico y guionista en películas de directores como Donald Crisp y Hugh
Ford. En la Famous Players Lasky conoció a Alma Reville, que trabajaba como montadora, y
con la que se casaría en 1926. Alma fue ayudante de dirección y guionista de varias películas
de su marido.
En el lado profesional, Hitchcock estuvo tres años trabajando como ayudante de dirección
de Graham Cutts. En 1923, se le encargó el rodaje del corto Number 13 aunque la producción
se detuvo y la película quedó inacabada. De todas maneras, la posibilidad de acabar un
largometraje apareció poco después, ya que dirigió en Múnich, en 1925, su primera película
completamente acabada: El jardín de la alegría, una coproducción germano-británica que se
haría muy popular. Poco después, el realizador londinense dirigió la primera película de cine
sonoro de Inglaterra: Blackmail, en 1929. Durante el rodaje, recibió la visita sorpresiva
de Isabel Bowes-Lyon, duquesa de York, quien sería la madre de la actual monarca.
British International[editar]
Hitchcock, descontento de los guiones que le proponen, deja Gainsborough Pictures para
firmar un contrato con la British International Pictures (BIP).11 La primera película realizada
para la compañía, El ring (1927), una historia de triángulo amoroso sobre fondo de boxeo,
encuentra los favores del público. Sigue una comedia romántica, The Farmer's Wife (La
esposa del granjero) (1928), en el rodaje, Hitchcock tiene que reemplazar el director de
fotografía, Jack Cox, enfermo. El año siguiente, Hitchcock, que entonces vive con su esposa
—y pronto con la pequeña Patricia— al 153 de Cromwell Road, un chalet en las afueras al
oeste de Londres, dirige sus últimas películas mudas: Champagne (1928) y The
Manxman (1929).
Las primeras películas sonoras[editar]
Chantaje: del mudo al sonoro[editar]
Hitchcock sabe que sus últimas películas no están a la altura de las esperanzas dejadas por
su exitosa The Lodger: A Story of the London Fog (El enemigo de las rubias) de 1927. A pesar
de un gran dominio técnico, a las ideas les falta genialidad. En 1929, el director rueda su
décimo largometraje, Blackmail (Chantaje / La muchacha de Londres), que adapta una obra
de Charles Bennett, que se convertirá desde El hombre que sabía demasiado (1934)
hasta Enviado especial (1940), en uno de los guionistas habituales de Hitchcock, y que tendrá
una influencia determinante sobre la orientación de la obra hitchcockiana.
Aunque la película no está aún terminada, la BIP, entusiasmada por la idea de utilizar la
revolución técnica que constituye entonces la llegada del cine sonoro, decide hacer
de Blackmail una de las primeras películas sonoras nunca producidas en Gran Bretaña.
Hitchcock se sirve del sonido como un elemento particular de la película, sobre todo en una
escena donde se pone en evidencia la palabra «knife» («cuchillo»), en una conversación a la
que asiste la heroína. Culminando con una escena que tiene lugar en la cúpula del British
Museum, Blackmail es también la primera película en la que Hitchcock utiliza como decorado
de una escena de suspense un lugar famoso.Nota 1 Durante el rodaje recibió la visita de
la Duquesa de York Isabel Bowes-Lyon, futura madre de la reina Isabel II del Reino Unido. Al
estreno, la película tiene un éxito fenomenal, tanto de público como de crítica. La prensa está
encantada por la confrontación entre el deber y el amor y, más exactamente, del amor opuesto
al deber. En aquella época, Hitchcock funda, con Baker, un agregado de prensa, la Hitchcock-
Baker Ltd., una pequeña estructura consagrada a su autopromoción.12
En esa época, Hitchcock dirige igualmente secuencias de Elstree Calling (1930), una revista
musical filmada, producida por la BIP, así como un cortometraje, An Elastic Affair (1930), que
tiene como protagonistas a dos premiados en la Film Weekly. Hitchcock también habría
participado, modestamente, en otra revista musical de la BIP, Harmony Heaven (1929),
aunque su nombre no aparezca en los créditos. Hitchcock dirige a continuación Juno and the
Paycock (1930), adaptado sin gran brillo, sin duda demasiado fielmente, de una obra del
irlandés Sean O'Casey; se trata verosímilmente de un reflejo de la voluntad de explotar la
novedad de la llegada del sonoro. Rueda después, de 1930 a 1934, Murder! (Asesinato) del
cual realizará también una versión con actores alemanes, distribuida con el título Mary - The
Skin Game (Juego sucio), Rich and Strange (Ricos y extraños / Lo mejor es lo malo
conocido), Number Seventeen (Número diecisiete), así como una película musical, Waltzes
from Vienna (Valses de Viena).
Michael Balcon: Gaumont British[editar]
En 1933, Hitchcock es contratado nuevamente por Balcon para la Gaumont British Picture
Corporation.13 Su primera película para la compañía (The Man Who Knew Too Much, 1934),
es un éxito. Hitchcock rodará él mismo un remake después en Estados Unidos. En cuanto a la
segunda, (Los treinta y nueve escalones, 1935), que servirá más tarde de modelo a Young
and Innocent, Enviado especial, Sabotage y Con la muerte en los talones, es normalmente
citada como una de las mejores películas del comienzo de la carrera del realizador. Las dos
cintas tienen en común a Charles Bennett como guionista principal.
Los treinta y nueve escalones es la primera película en la que Hitchcock recurre a un
«MacGuffin», término que designa un elemento de la intriga en torno al cual parece girar toda
la historia, pero que no tiene en realidad ninguna relación con el significado de la misma o la
manera como se acaba. A Los treinta y nueve escalones,14 el «MacGuffin» es en este caso
escondido en una serie de planos que parecen haber sido eludidos.
La siguiente película del realizador, Sabotage en 1936, es la adaptación muy libre, por Charles
Bennett y Alma Reville, la esposa de Hitchcock, de una novela de Joseph Conrad. En 1937,
Alfred Hitchcock, acompañado de su mujer Alma y de su ayudante Juan Harrison, hace un
primer viaje a Hollywood, en Estados Unidos.15
Gainsborough, sin M. Balcon[editar]

Estatua de la cabeza de Alfred Hitchcock, en el antiguo lugar donde se encontraban los estudios
Gainsborough.

Con Sabotage termina de manera abrupta la segunda fase de la fructífera colaboración con
Michael Balcon, en el momento en que los propietarios de la Gaumont British cerraron
definitivamente el negocio. Entonces Hitchcock rodará sus dos películas siguientes de nuevo
por la Gainsborough Pictures, pero sin su antiguo promotor. Young and Innocent (1937)
constituye una variación sobre el tema del inocente injustamente perseguido, con un tono de
comedia más pronunciado. El director conoce otro éxito importante en 1938 con The Lady
Vanishes,16 una película espiritual y de fuerte ritmo en la que el tema es la desaparición de
Miss Froyo, simpática anciana inglesa (May Whitty), mientras viaja en tren por un país ficticio
llamado Vandrika, una alusión apenas velada a la Alemania nazi.17 Aunque trata de un viaje,
el rodaje tiene lugar exclusivamente en un pequeño estudio londinense, y tiene el recurso,
para dar la ilusión de desorientación, de maquetas y proyecciones en segundo plano de los
personajes.
En esta época Hitchcock hizo una reflexión poco halagadora, refiriéndose a los actores, y
asimilándolos a «ganado».18 La frase acompañaría entonces a Hitchcock durante años. Hacia
finales de los años 1930, sin embargo, el realizador goza ya de una cierta reputación entre el
público americano, aunque está entonces en Gran Bretaña, en la cumbre de su arte.
Así, David O. Selznick le propone ir a trabajar a Hollywood. Hitchcock acepta y, a partir de ese
momento, rodará casi todas sus películas en los Estados Unidos. El 14 de julio de 1938 firma
un contrato de 40 000 dólares por película. En 1939, rueda —provisionalmente— una última
película en Gran Bretaña, Jamaica Inn, un melodrama histórico. El 6 de marzo de 1939, él y su
familia llegan a Nueva York y luego se instalan en Los Ángeles.

Hollywood llama a Hitchcock[editar]

Alfred Hitchcock en 1956.

Comienzos con David O. Selznick[editar]

El 22 de agosto de 1937 visitó con su familia Nueva York para entrevistarse con David O.
Selznick, productor de Lo que el viento se llevó, quien lo contrató el 14 de julio de 1938. Las
condiciones del productor convencieron a Hitchcock y se trasladó junto a su familia a Estados
Unidos en 1939. Rápidamente, Hitchcock quedará impresionado por los superiores recursos
de que disponían los estudios americanos, en comparación con las restricciones financieras
con las que se había encontrado a menudo en Inglaterra. En septiembre de 1940, los
Hitchcock compran Cornwall, un rancho de 200 acres (0,81 km²) situado cerca de la pequeña
ciudad de Scotts Valley, en las Montañas Santa Cruz, en el norte de California. El rancho
seguirá siendo su residencia principal hasta su muerte, a pesar de que conservarán su casa
de Bel Air.

El productor David O. Selznick.

Las condiciones de trabajo con Selznick no serán óptimas. Normalmente, el productor se

encontraba en dificultades financieras y a menudo, Hitchcock estará descontento con el
control ejercitado por Selznick sobre sus películas. Selznick «alabará» a Hitchcock ante los
grandes estudios (RKO, Universal, 20th Century Fox) antes de producir él mismo las películas
del director. Además, Selznick, como Samuel Goldwyn, su colega productor independiente,
sólo hacía algunas películas cada año, de modo que no tenía siempre proyectos para
proponer a Hitchcock. Goldwyn había negociado también con el realizador para un contrato
potencial, pero Selznick había subido la oferta y se lo había llevado. Más tarde, en una
entrevista, Hitchcock resumirá así su colaboración:
«[Selznick] era el gran Productor. [...] El productor era el rey. La cosa más halagadora
que Mr. Selznick nunca haya dicho de mí —y esto muestra el grado de control—... dijo
que era el único director al que confiaría una película».
Nota 2

Rebeca[editar]

Mrs. Danvers (Judith Anderson), la trastornada y perturbadora criada, y la joven Mrs. De Winter
(Joan Fontaine), en Rebecca (1940)

El primer trabajo que Selznick encargó a Hitchcock fue la adaptación de la novela

de Daphne du Maurier Rebeca (1940). Este melodrama gótico explora los miedos de una
ilusionada y joven esposa (Joan Fontaine), que se traslada a Gran Bretaña y debe luchar
con un marido distante (Sir Laurence Olivier), un ama de llaves demasiado posesiva
(Judith Anderson) y la memoria de la fallecida primera esposa de su marido: la bella y
misteriosa Rebeca. Tras numerosas revisiones del guion, el rodaje de la película arranca
el 8 de septiembre de 1939, cinco días después de la declaración de guerra
de Inglaterra a Alemania y la vigilia del preestreno de Lo que el viento se llevó. A
Hitchcock le gusta trabajar solo, sin interferencias. Con Selznick, debe justificar su
elección y tomar en consideración las ideas y las observaciones del productor.19 En el
curso de la producción, surgen tensiones entre Hitchcock y Selznick en cuanto a la
fidelidad de la obra literaria adaptada, la elección y la dirección de los actores, y la
importancia del montaje.20 En relación con el primer punto, por ejemplo, Selznick, que
desde hace tres años trabaja con Lo que el viento se llevó—la película que lo hará
famoso—, amante de la literatura, desea que las escenas y los diálogos enteros
de Rebecca sean fielmente reproducidos en la pantalla.19 Su enfoque es totalmente
opuesto al de Hitchcock.19 Se queja por otra parte sobre el «maldito rompecabezas»21 de
Hitchcock, que muestra que, finalmente, no es él, el productor, quien tendrá la última
palabra para crear una película a su manera, sino que es obligado a seguir la visión de
Hitchcock en relación con lo que debe parecerse al producto terminado.22
En esta película, el realizador recurre a procedimientos que serán característicos de sus
obras posteriores más consumadas: un ritmo pausado, una historia contada según el
punto de vista de un único personaje, la introducción durante el recorrido de un elemento
que cambia totalmente el sentido de la historia y la utilización de procedimientos visuales
espectaculares reservados a los momentos claves de la intriga.23
A pesar de su duración —más de 2 horas—Nota 3, es un triunfo, y recibe dos Óscar de
trece nominaciones: el de Óscar a la mejor película, otorgado a Selznick,24 y el de la mejor
fotografía, otorgado al director de fotografíaGeorge Barnes. Hitchcock es nominado por
el Óscar al mejor director, pero será John Ford quien finalmente se llevará el premio
por Las uvas de la ira, un premio que Hitchcock no llegó a ganar nunca. Hitchcock siente
con cierta amargura que el premio a la mejor película llegue a las manos de Selznick
antes que a las suyas, y es sin duda lo que estimularía su voluntad de independencia.25
Durante la realización de la película se iniciaron las desavenencias entre Selznick y
Hitchcock, ya que este último no podía soportar las restricciones fílmicas y artísticas del
productor.
Enviado especial[editar]

Tráiler de Foreign Correspondent(Enviado especial).

La segunda película americana de Hitchcock volvería a estar centrada en Europa. Foreign

Correspondent también fue nominada a mejor película. El film fue rodado en el primer año
de la Segunda Guerra Mundial y estaba inspirada en los rápidos cambios que
experimentaba Europa en esos momentos, descritos por el corresponsal de un diario
norteamericano, Joel McCrea. El film mezcló decorados construidos en Hollywood con
escenas de la Europa real. Conforme a la censura del Código de Producción de
Hollywood, la película evitó referencias directas a Alemania y a los alemanes.26
Hitchcock, como muchos ingleses que viven en los Estados Unidos, está muy inquieto por
su familia y sus amigos que se han quedado en el país al comienzo de la Segunda Guerra
Mundial.27 Les rinde homenaje con la película Enviado especial, (1940), producida
por Walter Wanger y basada en Personal History, un libro de Vincent Sheean.1928 la
historia es la de un periodista, interpretado por Joel McCrea, enviado a Europa para
analizar la eventualidad de una nueva Guerra Mundial.
 Imagen promocional de Foreign Correspondent (Enviado especial)(1940).

La película, que mezcla escenas reales rodadas en Europa y otras filmadas en Hollywood,
acaba con un alegato a favor de la entrada en la guerra de los Estados Unidos, el filme
mezcló decorados construidos en Hollywood con escenas de la Europa real y, sin
embargo, para cumplir con el código de censura entonces en vigor en los Estados Unidos,
la película evita las referencias directas a Alemania y a los alemanes.29 Enviado
especial será nominada para el Óscar de la mejor película, en competición con Rebecca,
que será la elegida.
RKO Pictures[editar]
A pesar de un interés moderado por los ecos de sociedad, Hitchcock y su mujer hacen
amistad con Clark Gable y su esposa Carole Lombard para quien acepta dirigir
una comedia romántica con Robert Montgomery: Matrimonio original (1941).2730 La historia
es la de una pareja camorrista, interpretada por Lombard y Montgomery, que descubren
que no están casados legalmente. Después de una separación, se acaban reconquistando
a base de discusiones. El Red Book Magazine calificará la película de la «comedia más
hilarante y explosiva de 1942».
Tanto Matrimonio original como Sospecha (1941)31 son producidas por la RKO. Las dos
películas de Hitchcock salen el mismo año que Ciudadano Kane de Orson Welles,
producida por la misma compañía, la música es firmada por Bernard Herrmann, un
compositor que sería importante para Hitchcock.
Hitchcock considerará Sospecha, adaptada de la novela Before the Fact de Anthony
Berkeley Cox; la historia se desarrolla en su mayor parte en Inglaterra, como su segunda
película inglesa realizada en Hollywood tras Rebecca. Las escenas que representan la
costa inglesa serán en realidad rodadas en la costa septentrional de Santa
Cruz en California.32 El guion es coescrito por el neoyorquino Samson Raphaelson,
por Juan Harrison y por Alma Reville. En el reparto, se encuentra Joan Fontaine, que tiene
esta vez como compañero a Cary Grant (también británico de origen). Se trata para el
actor de su primera aparición en una película de Hitchcock, y una de las raras películas de
toda su carrera personal donde encarna a un personaje bastante siniestro.32
Grant hace el papel de un hombre que, escondiendo su ociosidad en su encanto, logra
seducir a una joven de fortuna y de carácter más bien reservado (Fontaine). Se casan.
Rápidamente, la joven se da cuenta de que su marido es un irresponsable y se encuentra,
al hilo de una serie de eventos, sumergida en una terrible angustia. Termina sospechando
que el hombre que ama es un asesino y que busca la manera de deshacerse de ella.
Según el director, el miedo y la angustia forman parte de los fantasmas más corrientes del
ser humano. La heroína se llega a imaginar a su marido precipitando de un acantilado a
su amigo y socio y, después, a sospechar que un vaso de leche es envenenado, en una
escena típicamente hitchcockiana, donde se ve el personaje encarnado por Grant en la
penumbra subir lentamente la escalera que lleva a la cámara de su mujer, llevando en una
bandeja un vaso de una blancura asombrosa. Hitchcock explicará que, para esta
secuencia, había hecho colocar una fuente luminosa directamente en el vaso.Nota 4
En un primer montaje, la película respetaba el final del libro, y el personaje de Grant
revelaba ser realmente un asesino, pero la RKO consideró que esto perjudicaría la imagen
del actor. Aunque —como le reconocerá más tarde a François Truffaut, un homicidio le
habría convenido más— Hitchcock acaba aceptando dar a la historia un desenlace más
feliz, aunque ambiguo.33
Por su papel en esta película, Joan Fontaine34 gana, a los veinticuatro años, el Óscar a la
mejor actriz —el único de toda su carrera35—, así como el premio de la crítica de Nueva
York por su «destacable actuación».31
Las primeras películas con Universal[editar]
A finales de 1941, después de haber rodado cuatro películas en dos años, Hitchcock se
lanza a su producción más personal y audaz hasta la fecha, Saboteur (Sabotaje),36 que
recuerda a Los treinta y nueve escalones y anuncia ya Con la muerte en los talones. El 20
de agosto de 1941, fecha del final del rodaje de Sospecha, Hitchcock se pone a trabajar,
hasta el mes de octubre del mismo año, con el guionista Peter Viertel; participa igualmente
en el guion Dorothy Parker. Esta película marca la primera colaboración de Hitchcock con
la Universal Pictures.
La intriga comienza con un obrero de la aeronáutica acusado, equivocadamente, de haber
cometido un acto de sabotaje en su fábrica: un incendio que conllevó la muerte de su
mejor amigo. Para probar su inocencia, comienza una carrera-persecución encarnizada a
través del país en busca del verdadero saboteador. En el transcurso de su huida, conoce
a una joven que, en principio desconfiada, le acabará ayudando.
Para los papeles principales, Hitchcock deseaba poder disponer de Gary
Cooper y Barbara Stanwyck pero, como consecuencia del rechazo del estudio, serán
contratados finalmente Robert Cummings y Priscilla Lane. El director lamentará no haber
podido trabajar, al menos en cuanto al papel masculino, con un actor más conocido, con
quien el público se hubiera identificado mejor.37
A menudo, se acusó al realizador de que no se interesara más por sus películas antes de
comenzar el rodaje pero, en realidad, Hitchcock, estaba continuamente en busca de la
perfección, siempre listo para modificar cualquier elemento de su guion en función del
ritmo del trabajo.38 Para Saboteur experimenta nuevas técnicas con el decorador Robert
F. Boyle. Rueda también dos versiones diferentes de numerosas escenas, para tener la
posibilidad de elegir en el momento del montaje. Hitchcock podía llevar una mirada crítica
sobre su propio trabajo. Al final de la película, el héroe persigue a un asesino que se
encuentra suspendido en la cima de la antorcha de la estatua de la Libertad.38 Según
Hitchcock, se trata de un error, y hubiera sido mejor que fuera el héroe quien se
encontrara en esta enojosa postura: así la identificación del público con el personaje
habría sido más fuerte.38 Estrenada en abril de 1942, la película, sin embargo, tiene un
gran éxito.
El 26 de septiembre de 1942 muere en Londres su madre a la edad de 79 años. Además,
al año siguiente, muere también su hermano William. Preocupado por su obesidad
mórbida (pesaba 135 kilos), llegó a perder 40 kilos en pocos meses.

Joseph Cotten, los créditos de La sombra de una duda (1943), como el turbador y cínico tío
Charlie.

Al final del rodaje de Secret Agent, Margaret McDonell, jefa del departamento literario de
Selznick, se pone en contacto con Hitchcock para proponerle nuevos proyectos. El
realizador elige Tío Charlie, una historia escrita por Gordon McDonell, marido de Margaret
McDonell, para escribir el guion de lo que será La sombra de una duda, (1943),39 su
segunda película con la Universal. Llama en un principio a Thornton Wilder, que se dedica
a esta tarea entre mayo y junio de 1942. Antes de terminar, sin embargo, el guionista
decide de manera repentina alistarse en los servicios secretos del ejército. Y desde
entonces, la novelista Sally Benson y Alma Reville se encargan de terminar los diálogos.
El rodaje comienza el 10 de agosto del mismo año. Nuevamente, numerosos planos
de Shadow of a Doubt serán filmados en exteriores, esta vez en la ciudad de Santa Rosa,
en el norte de California.

Teresa Wright y Joseph Cotten en La sombra de una duda (título original: Shadow of a Doubt).
Charlie y Charlie.

De entre todas sus películas, de La sombra de una duda, Hitchcock dirá que era una de
sus preferidas,Nota 5 Joseph Cotten interpreta Charlie Oakley, un hombre manipulador de
pasado extremadamente turbio. Sintiéndose acorralado por la justicia, decide refugiarse
con su hermana que le acoge con los brazos abiertos. La hija mayor de su hermana,
Charlotte Newton (Teresa Wright), llamada «Charlie» en referencia a su tío, es una chica
dinámica y soñadora que se siente agobiada en su pequeña ciudad y ve en su homónimo
una especie de redentor. Sin embargo, Oakley es vigilado de cerca por dos hombres
misteriosos, lo que siembra la duda en el espíritu de Charlie/Charlotte, y la lleva a
sospechar que su salvador fantaseado es lo que es en realidad: un asesino de ancianas,
venal y cínico.
A propósito de Charlie Oakley, Hitchcock dirá a François Truffaut: «Es un asesino
idealista. Forma parte de estos asesinos que sienten en ellos una misión de destrucción.
Quizás las viudas merecían lo que les ha pasado, pero no era su trabajo hacerlo. Un juicio
moral aparece en la película, ya que Cotten es destruido finalmente, incluso
accidentalmente, por su sobrina. Y así podemos decir que todos los malos no son negros
y que todos los héroes no son blancos. Hay partes grises. El tío Charlie quería mucho a su
sobrina pero, sin embargo, no tanto como ella lo quería. Pero le ha tenido que destruir, ya
que no olvidemos que Oscar Wilde ha dicho: "Se mata lo que a uno le gusta"».40
Sobre la película, hay críticos que han dicho que la utilización por Hitchcock de
personajes, de diálogos y de primeros planos de doble sentido ofrecen una mina de
interpretaciones psicoanalíticas potenciales a toda una generación de teóricos del cine,
entre los que Slavoj Žižek, director de una obra titulada Todo lo que siempre quiso saber
sobre Lacan sin atreverse nunca preguntarle a Hitchcock, aparecida en 1988. El realizador
presenta su propia fascinación por el crimen y los criminales en una escena donde dos
personajes tienen una discusión sobre las diferentes maneras de perpetrar un homicidio,
lo que es emocionante para la joven Charlie. El realizador, durante el rodaje, se entera de
la muerte de su madre, que se había quedado en Londres. Algunos episodios de la niñez
de Hitchcock en Leytonstone parecen evocados en el filme:41 como Hitchcock, Charlie
tiene una madre que se llama Emma; Oakley ha tenido un accidente de bicicleta en su
niñez; una chica llamada Ann lee Ivanhoe, libro que Hitchcock de niño se sabía de
memoria, y el personaje de Joseph —segundo nombre de Hitchcock— rechaza conducir
un coche.42 Sin embargo, según la propia hija del director, Patricia, sólo serían simples
coincidencias.43
20th Century Fox[editar]
Para la 20th Century Fox, Hitchcock realiza entonces su primera película abiertamente
política,44 Lifeboat (Náufragos), en 1944, una adaptación de uno de los guiones de John
Steinbeck, crónica de las experiencias vividas por los supervivientes del naufragio de un
barco estadounidense hundido por un submarino alemán45 y que intentan, sin brújula,
llegar a las Bermudas a bordo de un bote salvavidas. Uno de los pasajeros, uno de los
únicos capaz de llevar la embarcación a buen puerto, sin embargo, resulta ser alemán.
La película estudia qué hacen los hombres cuando no tienen nada más. Se puede tratar
de una película de propaganda, una nueva contribución al esfuerzo de la guerra. Las
escenas de acción son rodadas solo a bordo del bote y la estrechez del lugar crea una
ligera preocupación en relación con el ya tradicional cameo del director. El problema será
resuelto por la aparición de Hitchcock en la foto de un periódico que el personaje
interpretado por William Bendix lee en el barco, una publicidad «antes y después» para un
producto adelgazante: Reductor Obesity Slayer.46 Lifeboat recibirá una acogida crítica
muy favorable al principio, pero la crítica bruscamente se repensará, gangrenada por la
duda, ya que el tratamiento de estas nueve individualidades, y sobre todo la del nazi, se
toma algunas libertades intolerables en el contexto de la época. La película es a pesar de
todo nominada tres veces a los Oscars47 en las categorías mejor director, mejor guion
original (Steinbeck) y mejor fotografía (Glen MacWilliams), y la actriz Tallulah
Bankhead recibe el premio del New York Film Critics Circle a la mejor actriz.47
Mientras trabaja para la Fox, Hitchcock considera seriamente rodar una adaptación de la
novela de A. J. Cronin, The Keys of the Kingdom (Las Llaves del reino),48 sobre un
sacerdote católico en China, pero el proyecto se va a pique, y John M. Stahl, en 1944,
terminará haciendo la película, producida por Joseph L. Mankiewicz y con Gregory
Peck como protagonista.49
Intermedio británico: propaganda / Shoah[editar]
De vuelta a Inglaterra para una estancia prolongada hasta principios de 1944, Hitchcock
realiza dos cortometrajes, de aproximadamente media hora cada uno, para el Ministerio
de Información británica ( Ministry of Information), Bon Voyage 50 y Aventura malgache.51
Estos films - rodados por las Fuerzas francesas libres - son los únicos de Hitchcock en
francés y «presentan las teclas típicamente hitchcockianas».52 El segundo, juzgado
demasiado sensible, será prohibido en Francia. Durante los años 1990, las dos películas
serán difundidas por la cadena estadounidense Turner Classic Movies y saldrán en vídeo
doméstico.
En 1945, Hitchcock es contratado como «consejero artístico» (treatment advisor, de hecho
como montador) para un documental producido por el Ejército británico y consagrado a
la Shoah. Dirigido por Sidney Bernstein, la película, una grabación de la liberación de
los campos de concentración nazis, quedará inédito hasta 1985; será entonces
completado para la serie Frontline de la cadena estadounidense PBS y difundido con el
título Memory of the Camps.5354

Inmediata posguerra[editar]
Últimas películas con Selznick[editar]
 Cary Grant e Ingrid Bergman en Notorious, (en Hispanoamérica, Tuyo es mi corazón; en
España, Encadenados), 1946).

Hitchcock vuelve a Estados Unidos en 1945 para rodar Spellbound (Recuerda),55 segunda
película del realizador, tras Rebecca, con Selznick como productor, y que explora el tema
entonces en boga del psicoanálisis y donde destaca la colaboración de Salvador Dalí, que
diseñó y elaboró los decorados de la escena del sueño. Los papeles principales son
para Gregory Peck e Ingrid Bergman.
Peck encarna un personaje que se presenta en principio como el Dr. Anthony Edwardes,
el nuevo director de un asilo psiquiátrico. Se sospecha de inmediato que no es quien
pretende ser. Afectado de amnesia, luego acusado del homicidio del verdadero Edwardes,
es ayudado en su búsqueda de identidad por la joven Dra. Peterson (Bergman) quien,
finalmente, le permitirá igualmente disculparse. Una de las secuencias más famosas de la
película, por otra parte con muchos diálogos, es la del sueño surrealista creado
por Salvador Dalí, una especie de jeroglífico que permitirá a la psicoanalista dilucidar el
misterioso pasado de su protegido.44 Juzgada demasiado perturbadora para el público, la
escena onírica tal como aparece hoy en la película es sensiblemente más corta que los
minutos previstos en un inicio. Una parte de la banda original compuesta para la película
por Miklós Rózsa —que se sirve sobre todo de un theremin— será más tarde adaptada
por el compositor bajo la forma de un concierto para piano La casa del doctor Edwardes,
que será un gran éxito comercial.44 Con Notorious (Encadenados / Tuyo es mi
corazón)empezó a trabajar con Ingrid Bergman, la primera "rubia hitchcockiana" por la que
sentía fascinación, llegando a manifestar en una entrevista que prefería protagonistas
rubias porque las consideraba más misteriosas.

Cary Grant e Ingrid Bergman en Notorious.

En el libro-entrevista de François Truffaut, Hitchcock afirma que Selznick, para compensar

el avance de presupuesto del wéstern Duelo al sol (1946), producido por él y dirigido
por King Vidor, vende entonces un «lote» a la sociedad RKO: Hitchcock, escenógrafo,
Cary Grant e Ingrid Bergman, las dos estrellas, así como un guion de Ben Hecht, todo por
un importe de 500 000 dólares. Esta transacción está en el origen de Notorious (1946).56
Bergman interpretará el papel de una joven, hija de un espía nazi alcoholizado que, al
comienzo de la película, es seducida por un agente del gobierno estadounidense (Grant),
que de hecho tiene como misión servirse de ella para espiar a Alexander Sebastian
(Claude Rains), uno de sus antiguos amantes, amigo de su padre y que, refugiado en
Brasil, lleva actividades sospechosas.
Mientras trabaja en la escritura del guion con Ben Hecht, el realizador se pregunta qué
«MacGuffin» podrían realmente buscar los héroes de la película y escoge el uranio,
pasado de contrabando en botellas de vino por los espías y destinado a la fabricación de
una bomba atómica. Expertos que, para alejarlo de la verdad, intentan hacer creer que
esta bomba está compuesta de agua pesada y no de uranio;44 en cuanto a esto, el
director habría consultado sobre todo a Robert Andrews Millikan, del Instituto Caltech.
Juzgando el «MacGuffin» totalmente ridículo, el estudio se muestra más bien reticente: el
mismo Selznick, hasta la difusión de la noticia de los bombardeos atómicos de Hiroshima
y Nagasaki de agosto de 1945, consideraba el tema dentro del ámbito de la «ciencia
ficción».57 El realizador acababa de descubrir el secreto de la fabricación de la bomba y
entonces sabrá que el FBI lo ha hecho seguir durante tres meses para descubrir de dónde
sacaba esta información.44Notorious ganará un enorme éxito en el box office y queda
como una de las películas de más renombre del realizador, considerada por Truffaut como
la mejor película en blanco y negro de Hitchcock.44 The Paradine Case58 (1947), un drama
judicial, será la última película de Hitchcock producida por Selznick.
Hastiado por la fortuna que el productor acumula —éste toca, en cada contrato, tanto
como él—, Hitchcock manifiesta poco interés por el proyecto.59 En la película, Alida
Valli hace el papel de una joven acusada de haber envenenado a su marido, un viejo rico
y ciego. Su abogado (Gregory Peck) acabará por sucumbir a su encanto glacial. La
película será un desastre, tanto de público como de crítica,59 que la juzgó pesada,
pecando de una duración excesiva y de falta de ideas. Hitchcock se negará a continuar su
colaboración con Selznick, que sin embargo le había comunicado una gran lección: en
Hollywood, es el productor quien decide el final cut.59 Desde entonces, el realizador hará
intentos por autoproducirse.
Transatlantic Pictures[editar]

Farley Granger, James Stewart y John Dall, en Rope, 1948, La primera película de Hitchcock en
color pero, sobre todo, ejercicio de estilo y una proeza técnica.

En 1948, Hitchcock, en tándem con su amigo y compatriota Sidney Bernstein, crea

Transatlantic Pictures, una sociedad de producción con la que dirigirá dos películas. Para
la primera, el realizador elige adaptar la obra Rope's End de Patrick Hamilton, que se
convertirá en la gran pantalla como La soga (Rope).60 Inspirada en el famoso homicidio
cometido en 1924 por Nathan Leopold y Richard Loeb, renombrados en la película como
Brandon Shaw y Philip Morgan.
La película empieza tras un plano mostrando la calle en contrapicado sobre el que desfilan
los créditos y sigue con el asesinato de un joven por cuentas pendientes a manos de sus
compañeros. Estos preparan entonces una cena a la que están invitados esa misma tarde
en la escena del crimen, los padres de la víctima, su novia y un antiguo pretendiente de
ésta. Entre los invitados se encuentra igualmente un profesor de los tres, Rupert Cadell,
que, atento al comportamiento extraño de los jóvenes en el transcurso de la tarde,
comenzará a sospechar lo impensable. Los dos homicidas son interpretados por John
Dall y Farley Granger y en el papel del profesor, la Warner, que distribuía la película,
escogió a James Stewart. Sería la primera de las cuatro películas que el actor rodaría con
el director.60

Trailer de Rope (La soga)

Rope es la primera película de Hitchcock rodada en color y constituye también un ejercicio

de estilo. Como lo había hecho algunos años antes en Náufragos,45 el director se propone
un desafío de suspense metódicamente ordenado en un espacio confinado. Experimenta
igualmente con planos excepcionalmente largos -la película tiene once en total, uno por
bobina y algunos duran hasta diez minutos. De una manera u otra, la cámara de Hitchcock
consigue desplazarse de manera fluida a través del decorado, aun siendo una pesada y
molesta cámara Technicolor y seguir la acción continua de los largos planos secuencia.
Terminada el 21 de febrero, la película se estrena en Estados Unidos en septiembre de
1948 con el título de Alfred Hitchcock's Rope. Es la primera vez que su nombre aparece
en un título, y Hitchcock experimenta un gran orgullo. Las críticas, no obstante, son
moderadas y el éxito de taquilla fue templado. La película no tuvo problemas con la
censura, aunque fuera prohibida en varias regiones de los Estados Unidos, o bien
proyectada con cortes (normalmente la escena del homicidio). El National Board of
Review la desaconsejó a los menores de veintiún años. En Europa, es prohibida en un
principio en Francia e Italia. Al final, La soga no tuvo un éxito resonante, pero los
productores recuperaron ampliamente su inversión.
El primer éxito de Transatlantic Fotos es contrapesado por el fracaso de Under
Capricorn (Atormentada) en 1949,61 un drama histórico que tiene como escenario la
Australia del siglo XIX. Ingrid Bergman interpreta el papel de una joven que, gracias al
amor, consigue eludir el alcohol y la locura.
Como en La soga, Hitchcock, en Atormentada recurre a los planos secuencias, pero sin
embargo de un modo menos insistente. La película es igualmente rodada en Technicolor,
sin embargo, el realizador preferirá, en sus tres películas siguientes, volver al blanco y
negro. Es la película que el cineasta más lamentará haber rodado. Marca la última
colaboración de Hitchcock con la actriz Ingrid Bergman, y el fracaso del filme -el más
grande de toda la carrera del director62- significa el fin de la efímera sociedad
Transanlantic. Hitchcock seguirá no obstante, produciendo sus propias películas hasta el
final.
 James Stewart y Grace Kelly en La ventana indiscreta (1954)

En 1948 Bergman dejó de actuar con Hitchcock con el fin de iniciar su colaboración con el
también director Roberto Rossellini. Esto supuso un golpe para un Hitchcock, que sin
embargo no tardó en recuperar la confianza, conociendo a la que acabaría convirtiéndose
en su nueva musa, Grace Kelly. Con ella, dirigirá La ventana indiscreta (1954), junto
a James Stewart, Crimen perfecto (1954), junto a Ray Milland, y Atrapa a un
ladrón (1955), en compañía de Cary Grant.
El 3 de enero de 1949, el realizador firma con la Warner un contrato con el que se
compromete a rodar cuatro películas en seis años, por un salario estratosférico de
990 000 dólares.

La década de 1950: el Hitchcock más esplendoroso[editar]

Al principio de los años 1950, Lew Wasserman, entonces al frente de MCA, tendrá una
influencia importante en la futura imagen y promoción de las películas del realizador. MCA
tiene además en nómina a James Stewart y Janet Leigh, dos de los actores que
aparecerán en películas de Hitchcock.
Las películas realizadas y producidas por Hitchcock a partir de 1954 y Crimen
perfecto son en general consideradas como sus principales obras maestras (este periodo
fastuoso se extenderá hasta el comienzo del decenio siguiente, hasta Los pájaros, en
1963).

Marlene Dietrich en Pánico en la escena (1951)

En 1950, Hitchcock vuelve a Gran Bretaña para dirigir Pánico en la escena.63 Por primera
vez, Hitchcock trabaja con Jane Wyman, una de las principales estrellas de la Warner
Bros y con la sensual actriz alemana Marlene Dietrich. Forman parte del reparto algunos
actores británicos de primer orden, como por ejemplo Michael Wilding, Richard
Todd y Alastair Sim. Es la primera película del realizador producida por la Warner, que
antes ya había distribuido La soga60 y Atormentada,64 la sociedad Transatlantic debe
hacer entonces frente a dificultades financieras.65
Pánico en la escena recuerda a las películas precedentes del realizador, como Los 39
escalones (1935), Young and Innocent (Inocencia y juventudà (1937) y Saboteur (España
y en México, Sabotaje; en Argentina, Saboteador, (1942). Jonathan Cooper (Todd), un
hombre enamorado de una actriz y cantante (Dietrich), es sospechoso de ser el homicida
de su marido; su amiga Eve (Wyman) intenta ayudarlo. Sin embargo, el cineasta se
entrega dentro de una nueva experiencia: la película empieza con un flashback que,
finalmente, resultará ser engañoso. La película no es un éxito, y Hitchcock lo explicará en
el hecho de que, a causa de este procedimiento narrativo poco ortodoxo, el público se
habría sentido engañado.
Al comienzo del año 1950, Hitchcock descubre con entusiasmo la primera novela
de Patricia Highsmith: Strangers on a Train, de quien compra los derechos el 20 de abril,
por un importe de 75 000 dólares.66 El realizador trabaja con la sinopsis con Whitfield
Cook en junio. Para la escritura de los diálogos, Hitchcock se pone en contacto en un
principio con Dashiell Hammett, pero Raymond Chandler, sugerido por la Warner, será
quien se encargue del trabajo. Sin embargo este no llegará hasta el final, debido a
desacuerdos entre escritor y director.67 Hitchcock explicará más tarde: «Recuerdo que
para Extraños en un tren, no encontraba nadie que quisiera colaborar conmigo. Todo el
mundo pensaba que mi primer lanzamiento era a la vez tan plano y tan cerca de los
hechos que no se encontraba la menor calidad. En realidad, toda la película estaba ahí,
visualmente».68

Farley Granger, cómplice de asesinato en The Rope, es el «joven respetable», víctima de la suerte,
en Extraños en un tren (Strangers on a Train, 1951)

Robert Walker en Extraños en un tren. El «malo». Un papel inusual

En Extraños en un tren,69 Hitchcock combina numerosos elementos de sus películas

precedentes. Dos hombres se encuentran por casualidad en un tren y evocan la idea de
deshacerse cada uno de la persona que le plantea problemas al otro. Mientras que para el
primero, un campeón de tenis (en el libro, el personaje es un arquitecto), no se trata más
que de una broma, el segundo se toma la historia del todo en serio. Con Farley
Granger retomando algunos elementos de su papel en The Rope, el realizador,
en Extraños en un tren, se sigue interesando por las posibilidades narrativas de los temas
del chantaje y del homicidio. Robert Walker, que hasta aquí sólo había interpretado
papeles de joven «de buena familia», encarna aquí al «malo».70
Su interpretación de demente inquietante, demasiado vinculado a su madre, anuncia
al Anthony Perkins de Psicosis; desgraciadamente, Walker morirá algunos meses
después del estreno de la película. Hitchcock confía por otra parte uno de los papeles
secundarios en Patricia, «Pat», su propia hija, entonces con veintidós dos años y que ya
había interpretado un pequeño papel en Pánico en la escena: en Extraños en un tren,
encarna a Barbara, «Babs», una víctima, no directa sino de la demencia mortífera de
Bruno, el personaje interpretado por Walker.
Estrenada en marzo de 1951, Extraños en un tren, a pesar de algunas quejas de personas
indignadas por sus connotaciones sexuales y su homicidio explícito, tiene un gran éxito.
Hitchcock, tras el fracaso de la aventura Transatlantic, ha reencontrado la confianza del
público y de los estudios.68
Desde los años 1930, la idea de adaptar una pieza llamada Nuestras dos conciencias, un
drama católico escrito en 1902 por Paul Anthelme (seudónimo de Paul Bourde), no para
de dar vueltas en la cabeza de Hitchcock; más de una decena de años más tarde, tiene
finalmente la oportunidad de llevar a cabo este proyecto.71 La historia es la de un
sacerdote, cuya conciencia le fuerza a asumir la culpabilidad de un crimen perpetrado por
otro, un tema bastante delicado. Poco a poco, se concreta el proyecto de lo que será Yo
confieso.

Montgomery Clift en Yo confieso(1953)

Por el contexto católico de la historia, se excluye el rodaje en Estados Unidos. La acción,

entonces, se sitúa en Quebec donde, después de haber escrito un primer esbozo, el
director y su esposa lo eligen como localización. El realizador vacila en cuanto a la
elección del guionista definitivo, hasta que Alma le sugiere contratar a William Archibald,
que había hecho pruebas en Broadway; George Tabori participa igualmente en el
guion. Montgomery Clift y Anne Baxter interpretarán los dos papeles principales.
Yo confieso se estrena a la mitad de febrero de 1953. La película es recibida tímidamente,
tanto por la crítica como por el público. Hitchcock explicará a François Truffaut:
«La idea de base no es aceptable para el público. Nosotros los católicos sabemos que
un sacerdote no puede revelar un secreto de confesión, pero los protestantes,
los ateos, los agnósticos piensan: "Es ridículo callarse; ningún hombre sacrificaría su
vida por algo así.«»
Hitchcock que, sin duda por comodidad, juzgará siempre sus películas según la
acogida del público, llegará a declarar que Yo confieso fue un "error".
 Grace Kelly, la rubia típicamente hitchcockiana, en Crimen perfecto(1954). Siempre ávido
de innovaciones técnicas, Hitchcock experimentará en esta película un procedimiento de
cine en relieve

Siguen tres películas muy populares, con Grace Kelly como protagonista, que se
convertiría en el arquetipo de «la rubia hitchcockiana».
En 1953, Hitchcock había firmado un contrato de cuatro años con la Warner, y le
queda una película para rodar. Durante un tiempo, trabaja para la adaptación de una
novela de David Duncan, The Bramble Bush, pero acaba renunciando. El realizador
descubre entonces que el estudio ha comprado los derechos de una obra de éxito
de Broadway, Dial M for Murder, de Frederick Knott.
Crimen perfecto marca el retorno de Hitchcock al Technicolor, pero experimenta
también un procedimiento de moda en aquel tiempo, el cine en 3D, en
relieve estereoscópico ycon proyección en luz polarizada obligando la utilización de
gafas adaptadas. La película no será sin embargo explotada en este formato en su
estreno; será proyectada en 3D a comienzos de los años 1980. Hitchcock piensa un
momento confiar los papeles del marido y de la esposa a Cary Grant y Olivia de
Havilland, pero choca con el rechazo de los estudios. El director llama pues a una
joven actriz que sólo había rodado tres películas hasta entonces: Grace Kelly.
Se convertiría, además de una gran amiga, en su actriz favorita. En Crimen perfecto,
el papel del "malo", muy diferente del Bruno de Extraños en un tren, es interpretado
por Ray Milland. Es un dandi venal y calculador, ex jugador de tenis profesional
(actividad ejercitada por el héroe/víctima de Extraños en un tren), que construye un
plan maquiavélico para deshacerse de su mujer infiel (Kelly) y heredar su fortuna.
Pero es ella quien, para defenderse, mata al hombre contratado para efectuar el
macabro trabajo. El marido manipula entonces las pruebas de que su esposa sea
acusada de haber asesinado al secuaz. El amante, Mark Halliday (Robert Cummings),
y el inspector de policía Hubbard (John Williams) deben actuar rápidamente para
salvar a la joven de la pena capital.72 Hitchcock tira astutamente de los resortes de la
obra y, a su estreno, Crimen perfecto es apodado como un "gran" Hitchcock.
En el rodaje de Crimen perfecto, Lew Wasserman, el agente de Hitchcock, firma con
la Paramount un contrato de nueve películas, la primera de las cuales debe ser la
adaptación de una novela de Cornell Woolrich - seudónimo de William Irish -,
titulada It Had to be a Murder, la cual se llevaría a la pantalla bajo el título de La
ventana indiscreta (1954).73 Para escribir el guion, Hitchcock llama a John Michael
Hayes, un antiguo periodista, que colaborará igualmente en la escritura de sus tres
películas siguientes.
James Stewart en La ventana indiscreta

La ventana indiscreta. La vista

Apresurado por sus acreedores y por Wasserman, Hitchcock acepta en 1955 poner su
nombre y su imagen a una serie de televisión titulada en principio Alfred Hitchcock
Presents (1955-1962) por un salario de 129 000 dólares por episodio de 30 minutos.
Es una serie en la que él mismo presentaba unas historias cortas en la línea de sus
películas.
La ventana indiscreta tiene como protagonistas a James Stewart y nuevamente Grace
Kelly, los papeles secundarios son para Thelma Ritter y Raymond Burr. La historia
ocurre en Nueva York. Un fotógrafo (Stewart, un personaje basado en Robert Capa),
a causa de un accidente se encuentra enyesado y en silla de ruedas; está
obsesionado por la observación de los habitantes del inmueble separado del suyo por
un patio común. Poco a poco, comienza a sospechar que uno de estos vecinos (Burr)
ha matado a su esposa y, desde entonces, intenta compartir sus temores con su
amiga modelo (Kelly) y un policía amigo (Wendell Corey). Terminará consiguiéndolo.74
Como en Lifeboat45 y en La soga,60 la película es casi rodada completamente en un
espacio reducido, el minúsculo piso del fotógrafo, que sin embargo domina una
decorado impresionante, constituido por un jardín y el inmueble de enfrente. Hitchcock
se sirve de primeros planos de la cara de Stewart para mostrar las reacciones del
personaje al espectador, desde el divertido voyeurismo en escenas en apariencia
anodinas, hasta su terror impotente, cuando ve a su prometida, que se ha introducido
en el piso sospechoso, amenazada por la llegada, repentina e inesperada, del
presunto asesino.74 Al estreno, la película tiene un gran éxito y obtiene cuatro
nominaciones a los oscars, entre ellos el del mejor director. Sin embargo no recibe
ninguno.
 Grace Kelly con el actor Cary Granten su tercer y último papel en una película de
Hitchcock, To Catch a Thief(1955), una película considerada como «ligera» por el
realizador.

La ventana indiscreta no se había estrenado todavía y Hitchcock ya estaba ocupado

en otro proyecto. La Paramount le propone realizar la adaptación de To Catch a Thief,
una novela de David Dodge. Muy satisfecho de Hayes como guionista, el realizador lo
contrata de nuevo. Hayes, sin embargo, no conoce en absoluto el sur de Francia,
situación que el director soluciona enseguida:
«Cuando se enteró de que nunca había ido al sur de Francia, lo arregló para que mi
mujer me acompañara, a cuenta de los gastos del estudio, a fin de efectuar
localizaciones. Este viaje fue naturalmente bienvenido y, a mi regreso, sabía
exactamente qué hacer con la novela.» A finales de abril de 1954, el guion está listo, y
el rodaje comienza a principios del mes de mayo.
La tercera y última película de Hitchcock con Grace Kelly, Atrapa a un ladrón, es
una comedia policíaca que tiene como decorados la Riviera francesa y acompaña
a la actriz Cary Grant. John Williams forma parte de nuevo del reparto, junto, a los
franceses Brigitte Auber y Charles Vanel (que no habla una palabra de inglés).
Grant hace el papel de John Robie, llamado «el Gato», famoso atracador
«jubilado», pero que se convierte en el principal sospechoso de una serie de
robos cometidos en la Riviera. Una heredera americana (Kelly) rompe el misterio
de su verdadera identidad, prueba a seducirlo con sus propias joyas, y se propone
incluso el ayudarle en sus proyectos criminales.
El estreno tiene lugar en Nueva York, el 15 de agosto de 1955. Según el
director, To Catch a Thief es una «película ligera». En la constatación que hace la
crítica en su conjunto, sin embargo, subraya también los puntos fuertes y los
encantos de esta obra. En cuanto al público, se muestra muy satisfecho. «A pesar
de la diferencia de edad evidente entre Grant y Kelly y una intriga más bien ligera,
el guion lleno de ingenio (y trufado de dobles sentidos) y la buena interpretación
de los actores, finalmente, garantiza a la película un éxito comercial.»75 Se trata
de la última colaboración entre Hitchcock y Grace Kelly, debido al matrimonio de
ésta con el Príncipe Rainiero de Mónaco, en 1956, un estatus que le obligaba a
terminar su carrera de actriz.
1955 marca igualmente el comienzo de Hitchcock en la televisión americana, con
una serie de historias más o menos macabras producidas por la CBS y que
llevarán su nombre: Alfred Hitchcock Presents. Hitchcock realizará él mismo,
entre el año de creación y 1962, un total de veinte episodios de la serie. De 1962
a 1965, la serie tomará el título de Suspicion.
 The Trouble with Harry (1955). Una comedia macabra, «a la inglesa». Una película
inesperada de parte del realizador.

El director no abandona sin embargo, su carrera en el cine. En 1950, había leído

la novela de Jack Trevor Story, The Trouble with Harry. Antes de rodar To Catch a
Thief, pide a Hayes que trabaje para su adaptación. Compran los derechos por
11 000 dólares, a pesar del hecho de que, cuatro años antes, el comité de lectura
de la Paramount hubiera emitido una opinión desfavorable en relación con la
novela, juzgando su humor demasiado frágil, un poco extraña, y con personajes
que se parecen un poco a extraterrestres.
The Trouble with Harry (Pero... ¿quién mató a Harry?) sigue el recorrido de un
cadáver que encuentra primero un niño. Éste corre a buscar a su madre. En el
mismo momento, un viejo cazador descubre el cuerpo y piensa que lo ha matado.
Sucesivamente, otros personajes, relacionados con el muerto, se imaginarán
tener algo que ver con su estado, por diversos motivos; el cadáver es enterrado y
desenterrado varias veces. Ocupado en el rodaje de To Catch a Thief, Hitchcock
no se puede ocupar de la distribución. Herbert Coleman, su productor asociado,
se hace cargo entonces, así que son elegidos, para los dos papeles
principales Shirley MacLaine, en la que sería su primera aparición en la gran
pantalla, y John Forsythe. El rodaje se efectúa en parte en decorados naturales
en Vermont, y en parte en estudios en Hollywood. Harry marca por otra parte la
primera colaboración del compositor Bernard Herrmann con una película de
Hitchcock. Hitchcock revelaría a François Truffaut:
«He rodado esta película para probar que el público americano podía apreciar el
humor inglés y no ha funcionado demasiado mal.»
Cuando la película se estrena, el realizador ya está ocupado en rodar la
siguiente, que atrae toda su atención. La Paramount no sabe muy bien qué
hacer con Harry, renunciando incluso a promocionarla.
En los Estados Unidos, la película interesa medianamente al público. En
Europa, por el contrario, es muy bien acogida, sobre todo en Gran Bretaña y
en Francia, donde recibe críticas muy positivas y se quedará, incluso, seis
meses en cartel. El humor macabro de The Trouble with Harry se encuentra
en las presentaciones televisivas y las conclusiones -dadas por el maestro en
persona- de cada episodio de su serie Alfred Hitchcock Presents.
 La versión de 1956 de El hombre que sabía demasiado. Entre los dos platillos, el
compositor Bernard Herrmann dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Londres

A finales de 1954, Hitchcock acaba de finalizar su cuarta realización en

diecisiete meses. Sin embargo, para él está fuera de cuestión hacer una
pausa. Piensa entonces en uno de sus éxitos del periodo británico, The Man
Who Knew Too Much (1934) que, en 1941 ya había considerado realizar una
nueva versión, cuando estaba con Selznick.76 Finalmente, por primera y
última vez en su carrera, se decide a rodar un remake de su propia película.
Para escribir el remake de El hombre que sabía demasiado,77 Hitchcock dirige
una vez más a Hayes. El director, que pide al guionista que no visione el
original, le explica simplemente la historia: un espía es asesinado y confía a
un doctor en medicina, que ha conocido el día antes, que se prepara un
atentado, el médico y su mujer se encuentran entonces embarcados en un
complot internacional y están obligados a callar para salvar a su hijo tomado
como rehén. Hitchcock ofrece el papel principal a James Stewart, que ya es la
tercera colaboración con el realizador, tras La soga y La ventana indiscreta;
respecto al papel de la esposa y antigua cantante en la película, se le confía
a Doris Day, que el cineasta había localizado algunos años antes en Storm
Warning.78 La película es rodada en Londres y Marrakech.78 Para la música,
llama de nuevo a Herrmann; se podrá verlo dirigir la Orquesta Sinfónica de
Londres en la agotadora escena final, en el Royal Albert Hall. Los últimos
planos son rodados en los estudios Paramount en julio de 1955. La película
resultará ser la más rentable del año 1956. La canción Que Sera, Sera
(Whatever Will Be, Will Be), escrita por Jay Livingston y Ray Evans, será
premiada con el Oscar a la mejor canción original79 y será un gran éxito de
Doris Day. Sobre la segunda versión de El hombre que sabía demasiado,
Hitchcock dirá más tarde:
«Digamos que la primera versión es la obra de un aficionado de talento y la segunda,
la de un profesional.»78

Secuencia de introducción de The Wrong Man (1957). Alfred Hitchcock presenta

su película en off
80
The Wrong Man (Falso culpable) (1956) será la última película dirigida
por Hitchcock para la Warner.
 Rodada en blanco y negro, The Wrong Man no es una película de
suspense sino un drama, basado en una historia verdadera, un error
judicial explicado por la revista Life en 1953. El asunto es tratado de una
manera realista, casi documental. Henry Fonda interpreta a un músico del
Stork Club, en Nueva York, que es tomado equivocadamente por el autor
de varios atracos cometidos en la misma compañía de seguros. Es
detenido por este crimen del que es inocente. Su mujer (Vera Miles, que
hace la primera aparición en una película del director), lo empuja a probar
su inocencia antes de tener lugar el proceso, pero no puede resistir el
estrés de la situación y, de una manera que parece irremediable, se
hunde en la depresión. El realizador otorga a Falso culpable un lugar
particular, sustituyendo a su habitual cameo por una introducción hecha
por él mismo en off al comienzo de la película:
«Les habla Alfred Hitchcock. En el pasado, les he dado numerosas clases de películas
de suspense, pero esta vez, quisiera que vieran algo diferente. La diferencia radica en
el hecho de que es una historia verdadera, de la que cada palabra es verídica. Sin
embargo, contiene elementos más extraños que toda la ficción que figura en un buen
número de películas de suspense que he hecho antes.»
Como en Yo confieso, otra película "seria" del director, es evocado el
catolicismo: algunos planes se entretienen con el rosario de falsos
culpables, y el verdadero culpable es descubierto como resultado de
una oración del falso culpable ante la imagen de Cristo. La película
recibe una acogida del público poco entusiasta. Así, Hitchcock
explicará a Truffaut que había sido empujado a hacer esta película
por el miedo que había experimentado siempre con la policía, y de la
que se encuentran rastros en numerosas escenas»,81 sobre todo
aquella donde el personaje interpretado por Fonda explica a su hijo la
experiencia que ha sufrido y que es similar, invirtiendo los papeles, a
un episodio traumatizante que habría vivido el director durante su
niñez.

James Stewart, de nuevo, a Vértigo, de entre los muertos (1958). La

escena de introducción

Escena de la película Vértigo (De entre los muertos)

Algunos años antes, Hitchcock se había interesado por la
novela Celle qui n'était plus de los franceses Pierre Boileau y Thomas
Narcejac, pero el libro se le había escapado y, finalmente, fue Henri-
Georges Clouzot quien la adaptó bajo el título Les Diaboliques, y fue
estrenada en 1955. Tras The Wrong Man, Hitchcock piensa en rodar
la adaptación de Vértigo, de entre los muertos, otra obra del tándem.
Para escribir el que será Vértigo, de entre los muertos (Vértigo,
1958),82 recurre, antes de mostrarse satisfecho del guion, a no menos
de tres autores. El último, Samuel Taylor, reconocería más tarde que
había trabajado sin leer ni el primer guion ni la novela original, pero
limitándose a seguir las indicaciones del director, para concentrarse
en el personaje principal. El realizador contrata como estrella
masculina a James Stewart. Para interpretar a la obsesiva mujer
joven, Hitchcock desea en principio contratar a Vera Miles - había
resultado excelente la interpretación en su película precedente-, pero
está embarazada, y se ve forzada a renunciar. Entonces, el estudio le
encuentra una sustituta en Kim Novak, que hará aquí uno de sus
mejores papeles.
Aunque se centra en un homicidio, Vértigo, de entre los muertos no
es propiamente una película policíaca, sino, según las propias
palabras del realizador, «una historia de amor de clima extraño».
Stewart es «Scottie", un antiguo investigador de la policía que
sufre acrofobia que progresivamente se obsesiona con una
misteriosa joven (Novak). El vértigo invencible y la obsesión de
Scottie desembocan en una tragedia. Entonces, encuentra otra joven
que se parece sorprendentemente a la desaparecida. La película se
decide sin happy end. El estreno tiene lugar en España, en el Festival
de San Sebastián,8384 donde Hitchcock gana la Concha de Plata.
Aunque actualmente sea considerado un clásico, Vértigo, de entre los
muertos enfrenta sin embargo, en su estreno, críticas negativas y una
acogida reservada por parte del público; marca la última colaboración
entre James Stewart y el director.81 La película, sin embargo, hoy es
considerada por muchos como una de las mejores películas del
realizador, y se encuentra sobre todo en un grupo que encabeza la
clasificación Sight & Sound de las mejores películas del decenio;
constituirá por otra parte, con Psicosis, uno de los puntos de
referencia privilegiados para Brian De Palma para su relectura
cinematográfica de la obra hitchcockiana, en los años 1970-1980.
En 1958, Hitchcock descubre que su mujer, Alma, está afectada por
un cáncer de mama. Así aparece el año siguiente en Tactic, una
emisión de televisión consagrada a la prevención de este tipo de
cáncer. Alma se curará gracias a un tratamiento experimental.85
También en 1958 recibe varios premios: el Globo de Oro a la mejor
serie de televisión.
Cary Grant y Eva Marie Saint en North by Northwest (en España, Con la
muerte en los talones; en Hispanoamérica, Intriga internacional), 1959

Hitchcock, después, filmó a numerosas regiones de los Estados

Unidos.86 A Vértigo, de entre los muertos82 siguen otras tres películas
de éxito, todas reconocidas como formando parte de sus mejores
largometrajes: Con la muerte en los talones (North by Northwest,
1959),87 Psicosis (Psycho, 1960)88 y Los pájaros (The Birds, 1963).89
La primera retoma el tema del «Don Nadie» atrapado en un
engranaje, injustamente perseguido, y obligado tanto si como no a
disculparse.

Escena de la película North by Northwest (1959)

El Monte Rushmore, o más bien su maqueta, decorado de la escena final

de Con la muerte en los talones

En Con la muerte en los talones, Cary Grant hace el papel de Roger

Thornhill, un publicitario de Madison Avenue que nunca ha atendido a
razones más que con su madre excéntrica, y que, por un cúmulo de
circunstancias, se encuentra repentinamente como blanco de una
misteriosa organización. Conoce una rubia seductora, Eve Kendall
(Eva Marie Saint), que le seduce antes de hacerle caer en una
trampa. La escritura del guion original es confiada a Ernest Lehman.
Para la escena final, Hitchcock tiene la idea de utilizar como marco
el Monte Rushmore, un lugar sin embargo protegido. El 17 de
septiembre de 1958, obtiene finalmente la autorización del Ministerio
del Interior de los Estados Unidos para servirse de maquetas de las
famosas esculturas que representan la cara de cuatro presidentes.90
Los créditos de la película (ámbito en el que Hitchcock se había
iniciado en el cine), como los de Vértigo, de entre los muertos, son
debidos al grafista Saul Bass y Bernard Herrmann, que
desde Harry se ha convertido en el compositor habitual de Hitchcock,
firma aquí la que será una de sus más célebres partituras.

Psicosis y Los pájaros, las obras maestras de

los años 1960[editar]
La década de los 60 comienza con dos películas generalmente
consideradas como obras de arte del director, Psicosis (1960),
protagonizada por Anthony Perkins y Janet Leigh, uno de los
principales éxitos comerciales de su carrera, la cual contenía una de
las escenas más impactantes de la historia del séptimo arte: el
asesinato de su protagonista en la mitad de la película, Janet Leigh,
en la ducha, y Los pájaros (1963), protagonizada por Tippi
Hedren y Rod Taylor. Las películas que seguirán serán menos
personales, y quizás también menos ambiciosas. La edad se empieza
a hacer sentir, el cine entra en crisis debido a la llegada masiva de la
televisión a los hogares, y Hitchcock ha perdido dos de sus más
cercanos colaboradores: Bernard Herrmann, el compositor, y Robert
Burks, el director de fotografía. Las películas realizadas después
de Marnie (1964) no tendrán la misma dimensión que las de la «edad
de oro» del realizador.

La casa de Norman Bates en Psicosis (1960) - foto sacada en 2006 en los

estudios Universal.

Mientras lee el apartado «Libros» del New York Times, Hitchcock se

encuentra con una excelente crítica de Psicosis, un libro de Robert
Bloch, basado en la historia de Ed Gein, un asesino necrófilo.
Compra la novela, y anuncia a su secretaria: «Tengo nuestro próximo
tema».91 Lo que motiva también y sobre todo al cineasta, es el
desafío de realizar una película tan eficaz como posible con pocos
medios. Dado que muchas malas películas en blanco y negro y poco
costosas resultaban un éxito al box office, se pregunta qué pasaría
con una película rodada en las mismas condiciones, pero realizada
con cuidado.25 Producida con un presupuesto en efecto muy limitado
- 800 000 dólares -, Psicosis fue rodada con el equipo de televisión
de Alfred Hitchcock Presents en un terreno abandonado de los
estudios Universal.92
Para escribir Psicosis, que se convertiría en una de las obras
maestras de la filmografía del realizador, considerado por algunos la
mejor,93 Hitchcock recupera a Joseph Stefano, un guionista
principiante. Todo comienza con el robo de una cierta suma de dinero
por la empleada de una compañía de seguros, Marion Crane (Janet
Leigh) que, atrapada en una difícil historia de amor, da un golpe.
Huye con su coche, que cambia, después de haber sido detenida por
un policía, por un coche de ocasión. Sorprendida por una tormenta,
decide pasar la noche en un motel, donde los clientes parecen haber
desaparecido, y donde conoce al propietario, Norman Bates (Anthony
Perkins), un simpático joven pero de reacciones un poco extrañas y
que vive con su madre, posesiva en extremo, en una vieja casa
situada cerca. Su conversación con Norman convence a Marion para
restituir el dinero escondido. Mientras se está duchando, la joven es
asesinada brutalmente. Una vez comprobada la desaparición del
dinero y de la joven, un detective privado (Martin Balsam) y la
hermana de Marion (Vera Miles) van en su búsqueda. Patricia
Hitchcock, hija del realizador, tiene aquí un pequeño papel. Para la
película, Bernard Herrmann firma de nuevo una música muy
inspirada, casando las imágenes (sobre todo las cuchilladas) y
anticipando de maravilla las emociones del espectador. Para la
promoción de la película, Hitchcock insiste en que, contrariamente a
lo que antes era una costumbre, las taquillas de las salas no dejen
entrar a los espectadores una vez comenzada la película, lo que tiene
como efecto promover la curiosidad del público.

Alfred Hitchcock presentando la casa de Norman Bates en el trailer

original de Psicosis

En el estreno en Estados Unidos, la película es mal recibida por la

crítica,94 de la que dicen que no está a la altura de Falso
culpable, Vértigo, de entre los muertos, Con la muerte en los talones,
y otras películas de Hitchcock.95 La razón probable de estas
reacciones es que los periodistas no apreciaron la película en el
cine.96 El público, sin embargo, sí que respondió muy positivamente y
la película conseguirá una recaudación de 40 millones de dólares.
Algunos espectadores, acostumbrados a ver un Alfred Hitchcock
divirtiéndose en la televisión se quedaron impactados por la violencia,
del todo inesperada, de la película. Hitchcock, forzado a explicarse,
dirá en una entrevista que Psicosis no es «más que una broma».97 Al
mismo tiempo, se alegra de este éxito. En Europa, la película es
aclamada tanto por la crítica como por el público.98 La violencia sin
precedentes de la escena de la ducha, la desaparición brutal de la
heroína después de sólo algunas escenas, las vidas inocentes
acortadas por un homicida desequilibrado, todas características
de Psicosis, serán copiadas luego en numerosas películas de terror.99
Después de haber terminado Psicosis, Hitchcock se marcha a
Universal, con quien rodará todas sus otras películas.
 La escuela de la película Los pájaros (1963). - Foto sacada en 2007 en
Bodega (California)

Hitchcock tiene entonces dificultades para encontrar un nuevo

tema.100 Comienza a trabajar con Joseph Stefano sobre el guion
de Marnie, película que tenía que marcar la vuelta a la pantalla de la
actriz fetiche del realizador, Grace Kelly:40 que a pesar de ser
princesa de Mónaco, estaba dispuesta a aceptarlo,101 pero al final,
declinará la oferta.101102 Decepcionado pero no desanimado, el
realizador, para su 49.º largometraje en el cine, se decanta entonces
por la adaptación de Pájaros, una novela de Daphne du MaurierNota 6
publicada en 1952 en la revista femenina Good Housekeeping.
Piensa en principio hacer un episodio de Alfred Hitchcock
Presents pero, después de haber oído que en California una mujer
había sido realmente atacada por pájaros, se decide, a pesar de las
dificultades que implica rodar con animales y sin duda en parte
debido a éstas, a convertirlo en el argumento de su próximo
largometraje.103

Tráiler original de Los pájaros ( The Birds, 1963). El Apocalipsis según

Hitchcock

A propósito de Los pájaros, el director declarará:

«Se podría decir que el tema de los Pájaros es el exceso de autosatisfacción que se
observa en el mundo: la gente es inconsciente de las catástrofes que nos
amenazan».104
Stefano, que producía entonces la serie The Outer Limits, no
estaba disponible, y Hitchcock, entonces, busca otro guionista.
Después de haber considerado varios candidatos potenciales,
entre los que se encuentra Ray Bradbury, el realizador se
decanta por Evan Hunter (que sería famoso con el seudónimo
de Ed McBain), que acepta.105 El éxito de Psicosis, pese a la
ausencia de grandes estrellas, hace decidir a Hitchcock seguir
adelante con Los pájaros.106 Para encarnar el papel principal,
después de unas cuantas pruebas con varias actrices, elige
finalmente a una desconocida, Tippi Hedren, que se añadirá
desde entonces con Ingrid Bergman y Grace Kelly al grupo
cerrado de las «rubias hitchcockianas».107 Tendrá como
compañeros a Rod Taylor, Suzanne Pleshette y Jessica Tandy.
La película comienza en una tienda donde se venden pájaros y
por el encuentro fortuito y juego de seducción entre la hija de un
magnate de la prensa, Melanie Daniels (Hedren), y un abogado,
Mitch Brenner (Taylor). Este último quiere ofrecer a su joven
hermana una pareja de inseparables (en inglés: lovebirds,
literalmente «pájaros de amor»). Después del episodio, y aunque
el encuentro había ido bastante mal, Melanie, impulsivamente,
decide volver a ver al hombre que, de hecho, vive con su madre y
su hermana en una casa aislada en un pequeño islote de Bodega
Bay, un lugar bastante alejado de su casa. Pronto, el lugar se
convierte en el blanco de ataques de aves de todas las especies,
cuya causa no es explicada en la película, «sin duda para
subrayar el misterio de fuerzas desconocidas».108
El realizador dispone aquí de un presupuesto de 2 millones y
medio de dólares, más holgado que el de su película
precedente,109110 dinero que será sobre todo dedicado a
los efectos especiales, que son objeto de un cuidado particular.
Las secuencias en que se ven pájaros atacando requerirán en
efecto de centenares de presas, mezclando escenas reales y
escenas de animación. El rodaje comienza el 5 de marzo de
1962; todo ha sido meticulosamente previsto ya que a Hitchcock
no le gustan los exteriores,111112 por las dificultades relativas al
control, sobre todo de la luz y del ruido ambiente.113 Para la
banda sonora, la música es reemplazada por efectos compuestos
entre otras de la grabación de gritos de pájaro y del batir de
alas; Herrmann se encarga de supervisar la distribución en las
diferentes escenas. Con un gran presupuesto114 y una película
que consideraba según propia confesión como «la más
importante», Hitchcock no puede decepcionar.
Los pájaros se presenta por primera vez en la apertura
del Festival de Cannes de 1963,115 fuera de la selección oficial.116
Saliendo de la proyección, el público está en estado de shock:
«No son algunas palomas bonachonas, ni el encanto de Tippi
Hedren lo que atenuará la impresión de terror sentida en la
presentación de la película Los pájaros».117 En Estados Unidos,
la película gana en total 11 403 559 de dólares,118 un resultado
menos bueno que el previsto, pero con el que sin embargo se
tranquiliza el director. Los pájaros figurará en el 16.º lugar de las
películas más vistas en 1963.114 Hoy en día, la película es
considerada como un clásico del cine de terror119120
Psicosis y Los pájaros son particularmente destacables por su
banda sonora no habitual, orquestada en ambos casos
por Bernard Herrmann. Las cuerdas estridentes interpretadas en
la primera escena del homicidio en Psicosis88·121 constituyen en
aquel tiempo una innovación. En cuanto a la película Los
pájaros,89 deja de lado los instrumentos de música
convencionales y, en lugar de ello, recurre a una banda sonora
producida de manera electrónica, sólo adornada por la canción
de los colegiales, sin acompañamiento, justo antes del ataque de
la verdadera escuela de Bodega Bay. Destacar igualmente que
Santa Cruz será citada como el lugar donde el fenómeno de los
pájaros se habría producido inicialmente.32

Declive y últimos años[editar]

Alfred Hitchcock en 1972.

Estas películas son consideradas como las últimas grandes

películas de Hitchcock. Algunos críticos, como Robin Wood
y Donald Spoto, estiman sin embargo que es Marnie,122
estrenada en 1964, una de las obras principales del realizador, y
otros, como Claude Chabrol, consideran que Frenesí123 es
injustamente subestimada.
Su salud empeora y Hitchcock es obligado a reducir su
producción durante los dos últimos decenios de su carrera.
Rueda dos thrillers de espionaje sobre el fondo de la guerra fría.
El primero, Cortina rasgada (Torn Curtain, 1966),124 tiene como
protagonistas a Paul Newman y Julie Andrews.
Cortina rasgada marca el fin, bastante triste, de la colaboración,
que duraba doce años, entre Hitchcock y el compositor Bernard
Herrmann. Descontento con la partitura que ha preparado
Herrmann, Hitchcock lo acaba reemplazando por John Addison.
La película se estrena en Estados Unidos el 27 de julio de 1966.
La película siguiente de Hitchcock, Topaz,125 es la adaptación de
una novela de Leon Uris (autor de Exodus). La historia comienza
en Dinamarca, y continúa en los Estados Unidos, en Cuba y en
Francia. Frederick Stafford es contratado por el papel principal;
entre el resto del reparto, más bien heteróclito, figuran John
Forsythe, y los franceses Daño Robin, Claude Jade, Michel
Subor, Philippe Noiret y Michel Piccoli. Al final del rodaje, como
de costumbre, se efectúan pruebas de las proyecciones, y
resultan desastrosas: la película es juzgada demasiado larga,
aburrida, y el final, un duelo que enfrenta Devereaux (Stafford) y
Granville (Piccoli), ridículo. Como consecuencia, se cortan
escenas, otras son acortadas, algunas incluso aceleradas, y se
proponen dos finales opcionales: uno muestra a Devereaux
subiendo a un avión y viendo que Granville sube a otra aeronave
con destino a la Unión Soviética, y el otro, que es bastante seco,
muestra, o más bien sugiere (los actores no estaban disponibles
para rodar más escenas) el suicidio de Granville: se ve
furtivamente un hombre entrar en una casa, después se oye un
disparo. Este final será el conservado para el estreno en salas,
en 1969.126 El National Board of Review otorgará sin embargo el
premio al mejor director a Hitchcock por este filme.127 Topaz,
como Cortina rasgada, recibirá una acogida media de parte de la
crítica.
En 1968 recibió de parte de la Academia de Artes y Ciencias
Cinematográficas el Premio Irving G. Thalberg a toda su carrera.
Posteriormente recibió un homenaje en Nueva York realizado por
la Sociedad Cinematográfica del Lincoln Center, acudiendo con
Grace Kelly a la ceremonia. Cuatro años más tarde, J. Russel
Taylor publicó la primera biografía autorizada de Alfred Hitchcock.
En 1976 rodó Family Plot protagonizada por Karen Black y Bruce
Dern, última película del director. En 1979 la American Film
Institute le otorgó el premio a la labor de toda una vida, y ese
mismo año la reina Isabel II del Reino Unido le otorgó el título
de Sir.
Poco antes de morir, cuenta el P. Sullivan "Después de charlar un
rato, todos cruzamos el cuarto de estar a través de un pasillo
hasta su estudio, y allí, con su esposa Alma, celebramos la misa
tranquilamente... Hitchcock habia estado lejos de la Iglesia
durante algún tiempo, y contestaba en latín, a la antigua usanza.
Pero lo más significativo fue que después de recibir la comunión,
lloró en silencio, las lágrimas le caían por sus enormes
mejillas"128.
El 29 de abril de 1980, Hitchcock muere en su casa de Los
Ángeles a los 80 años de edad. Fue enterrado en la Iglesia del
Buen Pastor de Beverly Hills129.

Influencia de Hitchcock en el cine

posterior[editar]
Alfred Hitchcock desarrolló en sus películas una tendencia hacia
temas que se repiten y mecanismos cinemáticos como el
suspense, el público como voyeur, y su conocido "MacGuffin", un
detalle aparentemente menor que sirve de pivote sobre el que
hacer girar la narración. Se puede casi sentir muchas veces que
como director se repite la misma película. Otros temas que
aparecen repetidamente en sus películas son los pájaros, la
madre o las mujeres rubias.
Las innovaciones y la visión de Hitchcock han influenciado a un
gran número de cineastas, por ejemplo, Truffaut, Chabrol, Roman
Polanski, Martin Scorsese o Steven Spielberg,Nota 7 de
productores y actores. Esta influencia se ha notado sobre todo en
la tendencia que tendrán los directores por controlar los aspectos
artísticos de sus películas a pesar de los productores.
Si Hitchcock es hoy considerado con mucho uno de los
principales realizadores de cine, no era ésa la sensación en el
momento del estreno de sus películas. La crítica le acusaba a
veces de explotar siempre la misma historia, o incluso
reprocharle que hiciera sus películas en función del público. En
cuanto a este último punto, Hitchcock respondía que no
comprendía la actitud nominalista de ciertos realizadores que
hacen películas para ellos mismos. Hoy en día, numerosos
directores se inspiran directamente en el trabajo de Hitchcock. Es
el primero en haber aplicado a sus películas todas las «recetas»
del suspense y escenas antológicas siempre apreciadas -la
ducha en Psicosis- muestran hasta qué punto sigue siendo
popular. Sin embargo, Hitchcock siempre ha sido sometido al
plebiscito del público. Además, se han hecho numerosas
películas, guiños a Hitchcock.
Con Psicosis y, diez años antes, Pánico en la escena (1950),
Hitchcock es el precursor de lo que, en los años 1990-2000, se
convertirá casi en un género: la película «de giro argumental».
La exégesis De Palma[editar]
Entre los realizadores ulteriores, el más inclinado por la obra de
Hitchcock es sin discusión, al menos al principio de su
carrera Brian De Palma, calificado entonces de «maestro
moderno del suspense».Nota 8 Después de haber visto Vértigo,
Brian De Palma deja de lado unos estudios científicos
prometedores para girarse hacia el cine.130 En sus propias
películas, lejos de conformarse con imitar Hitchcock pálidamente
o incluso brillantemente, De Palma lo revisita, propone una
lectura particular. Su atención se concentra esencialmente en
tres obras: La ventana indiscreta, Vértigo (De entre los
muertos) y Psicosis.
Las películas de De Palma se diferencian en principio de las de
Hitchcock debido a que son realizadas en un momento en que se
han relajado considerablemente en el cine americano las
restricciones severas hacia la representación o incluso la
evocación de la sexualidad. Así, son frecuentes las escenas
eróticas, apuntando deliberadamente a excitar al espectador,Nota 9
y abordan de cara temas como la insatisfacción sexual, el
exhibicionismo, la transexualidad, la pornografía, incluso la
impotencia,Nota 10 el incesto.Nota 11130 y el fetichismo.Nota 12 El
voyeurismo, al mismo tiempo que es explotado, es explorado
bajo múltiples facetas, sobre todo el de su relación con los
medios de comunicación en todas sus formas:Nota 13 El tema del
doble constituye igualmente en De Palma "autor", como con
Hitchcock, un sujeto permanente de interrogación.
 Psicosis, el Hotel de los Bates: lugar de rodaje de la escena principal

De Palma se refiere en principio de manera indirecta a Alfred

Hitchcock, en Sisters (1973), Obsesión y Carrie (1976). La
primera, con música de Bernard Herrmann, hace alusiones a La
ventana indiscreta - e incluso una cita casi «literal» - y explora,
como Psicosis, a partir del caso de una joven esquizofrénica de
resultas de la muerte de su hermana siamesa, el tema del doble y
del desdoblamiento de la personalidad. Obsession (1976), con
guion de Paul Schrader según una historia de De Palma, se basa
en una relectura de Vértigo, integrando el tema del incesto. El
compositor de la música de la película es también Herrmann.Nota
14 En cuanto a Carrie, se trata de la adaptación de una novela

de Stephen King. Sin embargo, los efectos utilizados son

calcados de los utilizados por Hitchcock, sobre todo en Psicosis,
a la que por otra parte rinde homenaje a través del nombre dado
a la escuela de Carrie, la Bates High School. Carrie, sin embargo,
respecto a las películas de Hitchcock, fuerza el disparo, con
secuencias humorísticas-los ejercicios-castigo al campo de
deportes, el probador-que rayan lo grotesco y, a modo de
apoteosis, una larga secuencia de suspense de terror,
dramatizada casi a ultranza, hasta el sobresalto final. El
simbolismo, presente de manera sutil en Hitchcock, está
igualmente presente en la película de De Palma, pero de manera
más ostensible, sobre todo con la imagen de la madre
«crucificada» que recuerda la de San Sebastián, o los cientos de
velas que se pueden ver por toda la casa cuando Carrie, después
del baile, la humillación y la venganza, regresa a su casa. La
casa de Carrie y su madre tiene una cierta relación con la de
Norman Bates (y su madre). En cuanto a la música, Donaggio se
inspira directamente con la de Herrmann en Psicosis. El guion
de Dressed to Kill, 1980 es una combinación
de Vértigo y Psicosis. Como Vértigo, la película, después de la
presentación de los personajes, prosigue con una larga
secuencia de seducción, evocando una exhibición amorosa,
desarrollándose en gran parte en un museo y en el transcurso de
la cual no se dice nada. Como Psicosis, la película termina con
una exposición de aspectos científicos, en relación con la
personalidad y las motivaciones del homicida. Son los conflictos
relativos a su identidad sexual, la causa del desdoblamiento de
personalidad del homicida de Dressed to Kill. Body Double (1984)
es una relectura de La ventana indiscreta y Vértigo. El papel
principal femenino es interpretado por Melanie Griffith, hija
de Tippi Hedren. La película es, más allá de una simple diversión,
una reflexión sobre el cine y sus artificios (como el título de la
película, en parte, lo indica: la «doble»), y sobre los «defectos»
sexuales (voyeurismo, exhibicionismo, incluso fetichismo), en el
contexto de los años 1980, con la emergencia del vídeo, la
popularización relativa del cine gore y el desarrollo de la industria
pornográfica.
De Palma, en estas películas, recurre por otra parte a la split
screen, procedimiento que nunca utilizó Hitchcock, pero que
corresponde a secuencias de La soga, o Marnie, en las que el
espectador puede asistir a escenas concomitantes, una
susceptible de tener efecto sobre la otra. En las películas de De
Palma, el efecto no tiene sin embargo siempre la misma función-
se parece entonces más bien a las ventanas de La ventana
indiscreta, o tiene por objetivo causar una especie de vértigo
nauseabundo, de «llenarse» de alguna manera de imágenes el
espectador-voyeur.
La Psicosis de Gus Van Sant[editar]
Psycho (1998) de Gus Van Sant retoma plano por plano el
contenido de la original, pero rodada en color. Van Sant
explicará: «Se trata más de una réplica que de un remake [...] es
casi como si realizáramos en falso. Como si hiciéramos una copia
de La Gioconda o de David».131 La película, sin embargo, resultó
ser un fracaso.
Influencia sobre el cine de género[editar]
Hitchcock ha ejercido una enorme influencia sobre el desarrollo
de algunos géneros cinematográficos, esencialmente con dos de
sus películas: Psicosis (1960) y Los pájaros (1963), realizadas
cuando ya era sexagenario. La primero es, sobre todo, el origen
del slasher, subgénero del cine de terror, que agrupa a las
películas donde un asesino psicopático elimina uno por uno los
personajes de la historia, y la segunda se encuentra en el origen
de las películas de catástrofes,132 y particularmente de toda una
serie de películas que ponen en escena animales
asesinos. Psicosis sirve de referencia reconocida en John
Carpenter's Halloween (1978) de John Carpenter, y ha
engendrado una panoplia de películas yendo de The Texas Chain
Saw Massacre (1974) de Tobe Hooper - cuya historia parece
igualmente inspirada en la de Ed Gein - hasta Scream (1996)
de Wes Craven, y bien más allá, pasando por Friday the
13th (1980) de Sean S. Cunningham o A Nightmare on Elm
Street (1984) de Craven. Películas que, mayoritariamente, y
como la misma Psicosis, tendrán continuaciones, a veces en un
número bastante importante.
Los pájaros augura las películas de catástrofes, aunque el
término sirva más bien para designar películas donde se
pregunta por posibles desastres, en cualquier caso más comunes
que un ataque masivo de aves. Se podría decir que crea un
subgénero antes de que el género mismo exista, un subgénero
en el que se puede meter una película como Jaws (1975)
de Steven Spielberg, y muchas otras, de una calidad a menudo
más bien discutible. Ciertos ingredientes de Los pájaros se
encontrarán en la mayoría de las películas de catástrofes: la
descripción de una historia personal - a menudo las historias
personales se multiplican en las películas de catástrofes
posteriores, «clásicas» -, la descripción de una comunidad y de
sus reacciones de cara a la catástrofe, y la descripción, en varias
escenas choque, de la catástrofe en sí misma. Jaws se acerca
claramente al modelo ofrecido por Los pájaros. Las dos películas
son adaptaciones de obras literarias, pero la elección de los
elementos que se encuentran en la pantalla es casi idéntica:
en Jaws: descripción de la familia del jefe Brody (Melanie, Mitch y
su madre), de la comunidad de Amity (Bodega Bay) - las dos
películas son una bofetada: Melanie la da en Los pájaros y Brody
la recibe en «Jaws» -, la película muestra progresivamente
escenas de fuerte emoción.
Los cameos de Hitchcock[editar]

Estrella del Paseo de la Fama.

La gran mayoría de las películas de Alfred Hitchcock (37 de 53)

contienen cameos de sí mismo, breves apariciones
«extraordinarias», fuera del contexto general, que al director le
gustaba hacer. El director aparece efímeramente como extra o se
ve una imagen suya en una foto o en un diario.
En sus primeras películas es más difícil encontrarlo, puesto que
se escondía en la multitud o no llevaba ni hacía nada que llamara
la atención, pero a medida que su fama fue creciendo, sus
cameos fueron más visibles y vistosos. Llegaron a ser tan
famosos, que en sus últimas películas los hacía en los primeros
minutos para que los espectadores no se entretuvieran
buscándolo a lo largo de la película y pudieran centrarse en el
argumento.
El hecho de aparecer en sus películas era un hábito que el
director británico explicó en el libro-entrevista con François
Truffaut, 1967:40 «Era estrictamente funcional, porque teníamos
que llenar la pantalla. Más tarde se convirtió en una superstición,
y, finalmente, en un gag. Sin embargo, hoy es un gag que
estorba, y para permitir a la gente ver la película con facilidad, me
preocupo de que salga en los primeros cinco minutos».
Películas biográficas sobre Hitchcock[editar]
En 2012 se estrenó en los Estados Unidos Hitchcock película
dirigida por Sacha Gervasi, que narra los pormenores de la
filmación de Psicosis. El protagonismo recae tanto en él
(interpretado por Anthony Hopkins) como en Alma Reville,
(interpretada por Helen Mirren), así como en otras personas
involucradas en la realización de la película, como Janet Leigh
(Scarlett Johansson), Vera Miles (Jessica Biel) o Anthony Perkins
(James D'Arcy).
Ese mismo año, HBO lanzó el telefilme de Julian Jarrold The Girl,
donde se narran los pormenores de la filmación de The Birds y la
posterior Marnie, ahondando en la relación de Hitchcock con la
actriz Tippi Hedren, quien protagonizó dichos filmes. En esta
ocasión, Hicthcock fue caracterizado por Toby Jones y el papel
de Hedren recayó en Sienna Miller. Esta producción obtuvo tres
nominaciones a los premios Globos de Oro, incluyendo mejor
miniserie/película para TV.

Filmografía[editar]
Artículo principal: Anexo:Filmografía de Alfred Hitchcock

Hitchcock en el rodaje de Family Plot en (1975).

Colaboradores frecuentes[editar]
 Actriz principal:
 Ingrid Bergman
 Joan Fontaine
 Tippi Hedren
 Grace Kelly
 Vera Miles

 Actor principal:
 Cary Grant
 James Stewart
 Otros actores principales no tan frecuentes:
 Joseph Cotten
 Anthony Perkins
 John Forsythe
 Farley Granger
 Charles Laughton
 Peter Lorre
 Gregory Peck
 Montgomery Clift
 Paul Newman

 Otros actores:
 Laurence Olivier
 Sara Allgood
 Leo G. Carroll
 Madeleine Carroll
 Hume Cronyn
 John Gielgud
 Robert Cummings
 Malcolm Keen
 Jessie Royce Landis
 Ivor Novello
 Anny Ondra
 John Williams
 Alma Reville (Alma Lucy Reville, fue una actriz, asistente
de dirección, guionista y la esposa del director
cinematográfico Alfred Hitchcock)

 Equipo de filmación:
 Saul Bass - Diseñador de títulos principales
 Robert Burks - Cinematógrafo
 Edith Head - Diseñadora de vestuario
 Bernard Herrmann - Música
 George Tomasini - Editor
 Albert Whitlock - Pintor

 Guionistas:
 Charles Bennett
 Joan Harrison
 John Michael Hayes
 Ben Hecht
 Ernest Lehman
 Alma Reville (Alma Lucy Reville, fue una actriz, asistente
de dirección, guionista y la esposa del director
cinematográfico Alfred Hitchcock)
 Samuel A. Taylor