Origen de la fotografía

Realmente, la historia de la fotografía empieza en el año 1839 con la divulgación mundial del primer procedimiento
fotográfico: el daguerrotipo, desarrollado y perfeccionado por Louis Daguerre. Los daguerrotipos se formaban sobre una
superficie de plata pulida como un espejo, con un elevado tiempo de exposición de unos 10 minutos y con necesidad de
luz brillante, tratándose de piezas únicas sin posibilidad de copia y altamente perjudiciales para la salud los vapores de
mercurio del revelado entre otras características.

Cámara inventada por Louis Daguerre y producida por Alphones Giroux en 1839

Primer daguerrotipo en España. “Vista de la casa Xifré” Barcelona 1848

Habría que remontarse a 1521 con la primera publicación sobre la cámara oscura del pupilo de Leonardo DaVinci, Cesare
Cesariano, pero su origen se atribuye al matemático árabe Alhacén, nacido en 965 en Bagdag, pues en su libro “Tratado
Óptico” echa por tierra las teorías griegas predominantes en aquella época de que los rayos luminosos se emiten desde
el ojo hacia los objetos visualizados.

Esquema de una cámara oscura del siglo XVIII

Habría que evolucionar y esperar hasta principios del siglo XIX, en el año 1816, cuando el científico francés Nicéphore
Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas inéditas que no pudo fijar permanentemente. La fotografía más antigua
que se conserva es una reproducción de la imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826
con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.

Primera fotografía de la historia conservada, Niepce 1826

Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba ocho horas de exposición a plena luz del día, para obtener sus
imágenes. En1839 el daguerrotipo comenzó a popularizarse entre la clase burguesa al ser más barato que las pinturas
además de que resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios
de exposición. Al mismo tiempo, otros contemporáneos desarrollaban otros métodos diferentes. Sin embargo, fue Fox
Talbot quién obtuvo negativos sobre un soporte de papel, y a partir de esos negativos positivaba copias positivas, también
en papel. El procedimiento negativo-positivo de Talbot se llamó calotipo o talbotipo, basado en un papel sensibilizado con
nitrato de plata y ácido gálico que tras ser expuesto a la luz era posteriormente revelado con ambas sustancias químicas
y fijado con hiposulfito.

Fue a partir de 1855 cuando triunfó el sistema de los negativos de colodión húmedo, que permitían positivar muchas
copias en papel a la albúmina, con gran nitidez y amplia gama de tonos. Estas copias a la albúmina fueron el tipo de papel
fotográfico más empleado en la segunda mitad del siglo XIX, pero estos sistemas eran muy artesanales.

En 1856 se realiza la primera fotografía submarina a manos de William Thompson. Por desgracia, la imagen no se conservó
por lo que no es hasta 1890 cuando Louis Boutan toma la siguiente imagen:

En 1858 se toma la primera fotografía aérea desde un globo estático por Nadar, al igual que la anterior, la imagen se
perdió por lo que James Wallace se lleva el reconocimiento en 1860 fotografiando Boston

A partir de 1880 se industrializó las nuevas placas secas al gelatino-bromuro, así, los fotógrafos compraban cajas de placas
vírgenes ya sensibilizadas y listas para cargar en chasis y ser expuestas en la cámara. George Eastman y la
casa Kodak abrieron el camino hacia la instantánea fotográfica y fue en 1888 cuando Kodak sacó al mercado una cámara
que utilizaba carretes de película enrollable en lugar de placas planas.

Para la fotografía en color se tardó un poco más y aunque fue experimentada durante el siglo XIX, no tuvo aplicaciones
comerciales por su dificultad e imperfección. La primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk
Maxwell en 1861, realizando tres fotografías sucesivas, con la lente con un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de
las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.
Debido a este problema, pagando un suplemento, se coloreaban a mano las fotografías con acuarelas, óleo, anilinas, u
otros pigmentos.

Primera fotografía a color de la historia, James Clerk Maxwell 1861

La verdadera primera placa fotográfica en color, Autochrome Lumière, no llegó a los mercados hasta 1907 y sus
placas eran transparencias de vidrio. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por
primera vez en 1935. Pero en 1947 Polaroid asombraría al mundo presentando ante la Sociedad Óptica Estadounidense la
primera fotografía instantánea: una cámara que revelaba y positivaba la imagen en tan solo 60 segundos.

Poco a poco, la cosa fue evolucionando hasta 1990, cuando apareció a la venta por primera vez la cámara digital Dycam
Model 1, aunque Kodak creara la primera cámara digital de la que se tiene constancia una en 1975. La fotografía pasa de
tener una total credibilidad como testimonio incuestionable de la realidad debido al funcionamiento del dispositivo de
captura, a registrar digitalmente un posicionamiento ideológico.
70 gigapíxeles de Budapest, la mayor fotografía del mundo hasta ahora

Para conseguir este monstruo se emplearon dos cámaras Sony A900 de 25 megapixeles con unas lentes Minolta de
400mm y teleconversores de 1.4X, además de una montura para cámara robótica que tomó las fotos en dos días. Después,
se utilizaron otros dos días para procesar la foto, obteniendo un archivo de 200 GB y una versión impresa de 15 metros
de largo.

Historia de la Fotografía
El primer procedimiento fotográfico o heliográfico fue inventado por Niépce hacia 1824. Las imágenes eran obtenidas
con betún de Judea, extendido sobre una placa de plata, luego de un tiempo de exposición de varios días.
En 1829, Niépce asocia a Louis Jacques Mandé Daguerre en sus investigaciones.
En 1832, ponen a punto, a partir del residuo de la destilación de la esencia de lavanda, un segundo procedimiento que
produce imágenes con un tiempo de exposición de un día entero.

Hippolyte Bayard, 1801-1887

Niépce muere en 1833. Daguerre continúa trabajando solo e inventa, en 1838, el daguerrotipo, primer procedimiento que
comprende una etapa de revelado. Una placa de plata recubierta de una fina capa de ioduro de plata era expuesta en la
cámara oscura y luego sometida a la acción de vapores de mercurio que provocaban la aparición de la imagen latente
invisible, formada en el curso de la exposición a la luz.
Este revelado consistía en una gran amplificación del efecto de la luz, con lo cual el tiempo de exposición no pasaba de los
30 minutos. El fijado era obtenido por inmersión en agua, saturada de sales marinas.

Hippolyte Bayard
En julio de 1839, otro francés, Hippolyte Bayard, descubre el medio de obtener imágenes positivas directamente sobre
papel. Un papel recubierto de cloruro de plata era oscurecido a la luz y luego expuesto en la cámara oscura después de
haber sido impregnado en Ioduro de plata. El tiempo de exposición era de treinta minutos a dos horas.

Fox Talbot, 1800-1877

William Henry Fox Talbot
Siempre en 1839, el anuncio del invento del daguerrotipo incitó al inglés William Henry Fox Talbot a retomar las
investigaciones interrumpidas cuyos comienzos remontaban a 1834. En 1841, patentó el calotipo, primer procedimiento
negativo/positivo que permitía la multiplicación de una misma imagen gracias a la obtención de un negativo intermediario
sobre un papel al cloruro de plata, vuelto translúcido gracias a la cera. Como con el daguerrotipo, la imagen latente era
revelada luego, por medio de un producto químico, el revelador: una solución de ácido gálico y de nitrato de plata. Una
segunda hoja de papel recubierta también de cloruro de plata era mas tarde expuesta a través del negativo translúcido,
para dar el positivo final.

John Herschell, 1792-1871

En 1839 se le debe a John Herschell el descubrimiento del medio para fijar las imágenes, sumergiéndolas en un baño de
hiposulfito de sodio, el mismo componente esencial de los fijadores fotográficos actuales. Las ventajas del calotipo
reposaban principalmente en la facilidad de la manipulación de las copias sobre papel y de la posibilidad de reproducción
múltiple. En revancha, la definición, limitada por la presencia de las fibras del papel negativo, no podía rivalizar con el
daguerrotipo.

Hippolyte Fizeau
Para reducir aún más el tiempo de exposición, se crearon objetivos de focales cortas, mas luminosos, por lo tanto,
conservando la nitidez en toda la imagen. En 1841, el físico Fizeau reemplazó el ioduro de plata por el bromuro de
plata cuya sensibilidad a la luz es muy superior. Nada más que algunos segundos de exposición eran suficientes para
obtener un daguerrotipo. Entonces tomar retratos se volvía posible.

Abel Niépce de Saint-Victor,sustituye el papel por el vidrio.

Abel Niépce de Saint-Victor

Con el fin de mejorar la transparencia del calotipo negativo, Abel Niépce de Saint Victor, primo de Niépce, descubrió en
1847 la forma de reemplazar el papel por el vidrio. Para que el bromuro de plata pueda adherirse al vidrio, tuvo la idea de
mezclarlo con la albúmina (el blanco del huevo). Aunque un poco contrastadas, la imágenes se volvieron extremadamente
precisas, obligando a los ópticos a poner a punto objetivos aún mas eficientes.

Richard Maddox et Charles Bennet 1816-1902

En 1871, otro británico, Richard Meaddox, remedió ese problema reemplazando al Colodión por la gelatina,
procedimiento perfeccionado por Charles Bennet quien demostró que las placas gelatinizadas adquirían una gran
sensibilidad cuando uno las mantenía durante varios días a 32° C. Las placas al gelatino-bromuro no solo podían ser
almacenadas antes de usarse, sino que su sensibilidad era tal, que la exposición no excedía de la fracción de segundo.

Por esa razón, poco antes de 1880, comienza la historia del obturador, porque la alta sensibilidad de las placas necesitaba
de la concepción de mecanismos capaces de dejar entrar la luz en la cámara durante solo un centésimo y aún un milésimo
de segundo. Debía evaluarse precisamente la intensidad de la luz y así el fotómetro se convirtió en un verdadero
instrumento de medida.

Georges Eastman 1854-1932

El estadounidense Georges Eastman, fundador de Kodak, concebirá en 1888, la idea de un soporte blando. Las placas de
vidrio serán progresivamente reemplazadas por los rollos de celuloide.

La reproducción de los colores

Le faltaba todavía a la fotografía, la reproducción de los colores. Las primeras tentativas fueron la iniciativa de Edmond
Becquerel en 1848, luego la de Niépce de Saint Victor, en 1851, quienes demostraron que una placa de plata recubierta
de cloruro de plata puro reproducía directamente los colores, aunque de manera inestable.

En 1869, Louis Ducos du Hauron logra, en Agen, la primera fotografía en colores aplicando el principio demostrado por
Maxwell de la descomposición de la luz por intermedio de los tres colores fundamentales, el rojo, el amarillo y el azul. Este
realizó tres fotografías de un mismo tema, a través de un filtro respectivamente rojo, azul y amarillo. De estos obtuvo tres
positivos del mismo color de cada uno de los filtros utilizados. Superponiendo exactamente las tres imágenes, obtuvo la
restitución de los colores.

Auto-retrato de Gabriel Lippmann

El físico Gabriel Lippman recibió el Premio Nobel en 1906, por haber descubierto en 1891, el medio de obtener fotografías
directamente en colores sobre una misma placa, por medio de un procedimiento interferencial que ya prefiguraba la
holografía. Demasiado compleja, esta invención no trascendió el estadio del laboratorio.

El primer procedimiento mono placa color que pudo ser utilizado por aficionados nació en 1906. El autocromo inventado
por los hermanos Lumière retomaba el principio de la síntesis de tricromía lograda esta vez en un sola placa por medio
del añadido de un mosaico de micro filtros de tres colores realizado gracias a granos de fécula de papa.

El descubrimiento del revelador cromógeno por R. Fisher desde 1911, ofreció a la fotografía en color una nueva dirección.
Se había observado que algunos reveladores producían imágenes con un color dominante en lugar de un blanco y negro
neutros.

Los hermanos Auguste Lumière (1862-1954) y Louis Lumière (1864-1948).

El principio tri cromo fue retomado por la Empresa Agfa para poner a punto en 1936, las películas Agfacolor, constituidas
de tres capas superpuestas sensibles respectivamente al azul, verde y rojo. Fue puesto a punto un revelador que coloreaba
las capas según el color de su sensibilidad. Así, la posibilidad de reproducir los colores produjo mejoras en las ópticas, para
transmitir fielmente en la película, los colores del objeto.

En 1935 dos americanos L. Mannès y L. Godowsky mejoraron el procedimiento. Comprado por Kodak, tomó el nombre de
Kodachrome. Aunque nuestras películas color actuales sean muy sofisticadas, no impide que tengan que acudir siempre
al bromuro de plata, a la gelatina así como al principio de base del Agfacolor y del Kodachrome.

¿Que es daguerrotipo?
El daguerrotipo es un proceso por el cual se obtiene una imagen en positivo a partir de una placa de cobre recubierta de
yoduro de plata. Tras ser expuesta a la luz, la imagen latente se revelaba con vapores de mercurio, que daba como
resultado una imagen finamente detallada con una superficie delicada que había de protegerse de la abrasión con un
cristal y sellarse para evitar que se ennegreciera al entrar en contacto con el aire.

El daguerrotipo fue el primer proceso fotográfico de aplicación práctica, presentado por François Arago en la Academia
de Ciencias de París el 19 de agosto de 1839. Este procedimiento, que fue uno de los más importantes hitos de la historia
de la fotografía técnica, fue un perfeccionamiento de los experimentos emprendidos por Nicéphore Niépce, a quien Louis
Jacques Mandé Daguerre se unió en diciembre de 1829.

Inicialmente, el proceso de Daguerre no era excesivamente sensible a la luz, y el tiempo de exposición podía llegar a ser
de hasta 30 minutos, pero tras los considerables avances logrados en Austria, Inglaterra y Estados Unidos, los tiempos de
exposición se redujeron, y a comienzos de la década de 1840 la mayor parte de las capitales y grandes ciudades europeas
tenían por lo menos un estudio de retratos y los fotógrafos ambulantes recorrían las ciudades más pequeñas.

Uno de los principales inconvenientes del procedimiento era que cada imagen era única, a diferencia del calotipo de
William Henry Fox Talbot, con el que podían realizarse multitud de copias positivas partiendo de una imagen negativa
inicial. A mediados de la década de 1850 el daguerrotipo estaba casi obsoleto, pues el proceso del colodión húmedo sobre
placa de cristal combinaba la finura de detalle del daguerrotipo con la facilidad de reproducción del calotipo.´

Características
Los daguerrotipos se distinguen de otros procedimientos porque la imagen se forma sobre una superficie de plata pulida
como un espejo. Para economizar, normalmente las placas eran de cobre plateado, pues sólo era necesario disponer de
una cara plateada.
La imagen revelada está formada por partículas microscópicas de aleación de mercurio y plata, ya que el revelado con
vapores de mercurio produce amalgamas en la cara plateada de la placa. Previamente esa misma placa era expuesta a
vapores de yodo para que fuera fotosensible.1

Algunos inconvenientes
Al principio los tiempos de exposición eran muy largos. Por ejemplo, 10 minutos con luz brillante; por ello en 1839 sólo se
tomaban vistas exteriores. Pero esos tiempos se redujeron progresivamente mediante el uso de lentes Petzval y de
«aceleradores químicos».2 A partir de 1841 los retratos pudieron realizarse en menos de un minuto.

Son piezas únicas. No permiten tirar copias al no existir un negativo apropiado. En realidad, un daguerrotipo es a la
vez negativo y positivo, pudiendo verse de una u otra forma según los ángulos de observación y de incidencia de la luz que
recibe. Pero un daguerrotipo se puede reproducir, como cualquier otro objeto, fotografiándolo de nuevo.

Los vapores de mercurio del revelado son muy perjudiciales para la salud.

Las imágenes resultantes son frágiles. No se deben tocar fuera de su estuche o caja de protección, porque se dañan
irreversiblemente. Se deben conservar sin abrir los estuches.

Generalmente, la imagen original está invertida lateralmente, como en un espejo. En el caso de las vistas, es muy
importante tener en cuenta que una imagen invertida puede producir errores en la identificación del lugar exacto de la
toma. Véase la imagen adjunta de Barcelona en 1848, con una vista de la Muralla del Mar y una aparente Casa Xifré, que
en realidad es la vecina Casa Vidal Quadras(esquina "Passeig d'Isabel II" y "Pas de Sota Muralla"), desde el Paseo de Colón.
Ambas casas tienen fachadas similares, con soportales, en el Paseo de Isabel II.

¿Qué es Fotografía?
La fotografía es la técnica de captar imágenes permanentes con una cámara, por medio de la acción fotoquímica de la luz
o de otras formas de energía radiante, para luego reproducirlas en un papel especial.

Los primeros experimentos de la fotografía proceden a finales del siglo XVIII, sólo los profesionales podían utilizar las
cámaras que en esas épocas eran grandes y pesadas, ya para el siglo XX estaban accesibles para el público
general, surgieron las cámaras fotográficas portátiles e instantáneas, además el color blanco y negro de las fotos pasó a
ser de color. Hoy en día, existen las conocidas cámaras digitales, que con la ayuda del computador, se pueden obtener
fácilmente las imágenes.

Toda cámara fotográfica tiene una cámara oscura, la cual es una caja rectangular con un único orificio por el que entra la
luz. La imagen se refleja en la superficie opuesta al agujero, sobre un lente de vidrio, que hace ver lo que hemos captado
mucho más nítido, más claro. Posteriormente, dicha imagen se fija sobre la película fotográfica y se prepara para el
revelado.

El fotógrafo es la persona profesional que da valor artístico a la fotografía, al seleccionar el tema y controlar la iluminación,
el encuadre, la distancia, el ángulo, la disposición de los objetos y otros elementos expresivos propios de la fotografía.

En la actualidad, la fotografía desempeña un papel importante como medio de información, como instrumento de la
ciencia y la tecnología, como una forma de arte y una afición popular. Con ella podemos recoger momentos especiales y
dejarlo fijos por mucho tiempo; ciencias como astronomía, física atómica, física nuclear, física cuántica, mecánica cuántica
cuenta con la fotografía para sus estudios; y la prensa escrita se sirve de ella como medio informativo.

Con respecto al arte, la fotografía sirve como auxiliar de obras artísticas, aunque su funciónes técnica. Su calidad depende
de la preparación, sensibilidad y creatividad del fotógrafo, para darle valor estético a su creación. Dentro de la fotografía,
considerada como arte, podemos destacar la fotografía documental (basada en temas políticos, sociales, observación de
la realidad, etc.); y la escenográfica y esteticista, muy cercana al lenguaje de la pintura.

Cabe destacar, que la alta tecnología permite la digitalización de las fotos mediante escánery el envío de una imagen
fotográfica a cualquier parte del mundo usando la fibra óptica, los satélites artificiales y el computador.

La fotografía es el procedimiento y arte que permite fijar y reproducir, a través de reacciones químicas y en superficies
preparadas para ello, las imágenes que se recogen en el fondo de una cámara oscura.

El principio de la cámara oscura consiste en proyectar la imagen que es captada por un pequeño agujero sobre la
superficie. De esta manera, el tamaño de la imagen resulta reducido y puede aumentar su nitidez.

El almacenamiento de la imagen obtenida puede realizarse en una película sensible o en sensores CCD y CMOS o memorias
digitales (en el caso de la denominada fotografía digital).

El daguerrotipo, inventado por Louis Daguerre en 1839, es considerado como el precursor de la fotografía
moderna. Daguerre utilizaba una capa de nitrato de plata sobre una base de cobre. El positivo se plasmaba en mercurio y
la imagen era fijada al introducir la placa en una solución de cloruro de sodio o tiosulfato sódico diluido.

George Eastman fue un gran impulsor de la fotografía cuando, en 1888, presentó la primera cámara Kodak con rollo de
papel fotográfico. Esta técnica sustituyó a las placas de cristal. Otro paso importante se produjo en 1948, con el
lanzamiento de la técnica Polaroid que permite revelar las fotos en apenas un minuto.

En la actualidad, las fotografías suelen retocarse con software para eliminar aquellas imperfecciones que han quedado
registradas y realizar todo tipo de acciones, como realzar colores, jugar con el enfoque o superponer diversas imágenes
en una misma, por ejemplo.

Es importante tener en cuenta que, además de ser utilizada con fines científicos, la fotografía ha logrado constituirse como
un arte. Las imágenes tomadas por los fotógrafos artísticos suelen ser exhibidas en exposiciones y museos.

Las partes más importantes de una cámara réflex son: el objetivo (formado por las lentes que se encargan de dirigir la luz
hacia el sensor para conseguir la mejor fidelidad a la escena que se desea capturar. De acuerdo al diafragma, el objetivo
puede ser más o menos luminoso), el obturador (está formado por un conjunto de aspas que permiten el paso de la luz,
controlando la cantidad que debe entrar; el visor(permite que el fotógrafo vea la escena y escoja el motivo de la imagen)
y el sensor (se encarga de captar la información de la escena; se encuentra formado por píxeles que son sensibles a la luz
que graban los datos de la imagen que posteriormente será procesado).

Clasificación de la Fotografía
Para crear una especialización más exacta en torno a las técnicas y características generales de diversas fotografías, se
crearon géneros fotográficos, éstos permiten tener un mejor entendimiento de qué tipo de elementos en la composición
de las imágenes, así como las técnicas que se utilizan en cada uno de ellos.

A continuación, te presentaremos algunos de los géneros fotográficos que en el Curso de Introducción a la Fotografía se
programan. En el New York Institute of Photography tenemos unidades del curso enfocadas a estudiar y analizar estos
géneros.

Fotografía Nocturna
Fotografía Nocturna se define como aquella fotografía que se realiza en un margen de tiempo comprendido entre el orto
y el ocaso sol; es decir, cuando no hay sol por encima del horizonte.

Dentro de la foto nocturna hay 3 vertientes que se encasillan en este género:

Fotografía Crepuscular: Se refiere a una fotografía del amanecer, atardecer u hora azul. Generalmente, cuando se
captura una fotografía crepuscular en los paisajes, éstos presentan cierta facilidad en la composición de la imagen.
Asimismo, se logran captar las primeras estrellas luminosas.

Fotografía Nocturna Urbuna: Al igual que en la foto crepuscular existe cierta facilidad en el encuadre, además de
simplificar el enfoque. En muchas fotografías nocturnas urbanas se llega a captar luz en el cielo; sin embargo, mínimas
veces hay un rastreo de estrellas.

Fotografía Nocturna de Larga Exposición: Estas fotografías tienen la cualidad de ser tomadas en una noche cerrada;
es decir, sin luces artificiales a los alrededores. Como su nombre lo indica, las exposiciones son muy largas, dependiendo
las características del lugar donde se capture la imagen. Este subgénero fotográfico tiene la cualidad de poder rastrear el
movimiento de las estrellas.

En la unidad 6 de nuestro Curso completo en Fotografía Profesional de NYIP que ofrece EDLatam por Internet aprenderás
la técnica y métodos de cómo hacer una Exposición.

Fotografía Arquitectónica
Este tipo de fotografía la conocen como el arte de retratar los espacios. En este tipo de fotografía se pueden analizar dos
aspectos relevantes; el primero, la obra arquitectónica; es decir, lo majestuoso e imponente de las obras mismas. En
segundo lugar, se contempla la fotografía plana y bidimensional que transmite el mensaje arquitectónico emitido por el
espacio.

Este género fotográfico es sumamente útil para el urbanismo y la difusión de desarrollos arquitectónicos. Debido a la
importancia de la fotografía arquitectónica, existen fotógrafos dedicados al ejercicio de ésta, y le dan un sentido artístico
y documental a sus imágenes.

Fotografía Gastronómica
Este género fotográfico es considerado uno de los más ingeniosos y elaborados de ejercer y en el que menor número de
fotógrafos especializados existen.

Como en todos los géneros fotográficos, la foto gastronómica tiene ciertas técnicas y métodos para realizarse; sin
embargo, ésta permite al fotógrafo jugar con los espacios, colores y diversos elementos que compondrán la imagen.

Una buena fotografía gastronómica permite al fotógrafo transportar al espectador de la imagen a descubrir los olores,
texturas y sabores del platillo que se presenta.

Fotografía etnográfica
El principal objetivo de este género fotográfico es registrar el entorno social y cultural en el que se encuentran inmersas
las personas. La fotografía etnográfica ha sido de gran utilidad como material documental de las historias de las
civilizaciones.

Su valor antropológico es sumamente apreciado por los historiadores. Asimismo, es considerado uno de los géneros más
antiguos de la fotografía.

Quien ejerce este género fotográfico, se nutre de las alegrías y tristezas que sus ojos ven, y su cámara registra.
Definitivamente, la Fotografía Etnográfica es una de las más apasionantes.

La fotografía, que en griego significa diseñar o escribir con luz, es el proceso mediante el cual se capturan imágenes
con algún dispositivo sensible a la luz.

De acuerdo a la temática de las fotografías se las puede clasificar en los siguientes tipos:
Fotografía publicitaria o comercial: esta surge a partir de los años ’20 cuando comenzó a formar parte de los
anuncios publicitarios con el fin de influir en el consumo.

Fotografía artística: esta clase de fotografía busca introducirle a la actividad de fotografiar elementos de la pintura.
La fotografía artística, que surgió a mediados del siglo XIX, se basó en las temáticas y géneros de la pintura
academicista.

Fotografía periodística: este tipo de fotografía busca narrar una historia de forma visual y puede abarcar las
temáticas más diversas: deporte, cultura, sociedad, política, entre otras. Las fotografías periodísticas son realizadas
a fin de ser publicadas en distintos medios ya sean diarios, revistas, sitios web.

Fotografía aérea: para tomar estas fotografías se instalan cámaras especiales en aviones. Son utilizadas para
cartografía, analizar los crecimientos de ciudades, la distribución de la flora y fauna y descubrir restos de civilizaciones
antiguas. Además, es una herramienta muy usada en el ámbito militar para vigilancia y espionaje. Por último, las
cámaras fotográficas pueden ser instaladas en satélites con fines meteorológicos o geológicos.

Fotografía submarina: para capturar imágenes dentro del agua, la cámara debe ser colocada en alguna caja
hermética que posea alguna ventana delante del objetivo. En caso de que se superen los diez metros de profundidad,
será necesaria la utilización de alguna luz artificial. Estas fotografías son utilizadas básicamente para la exploración
marina y para capturar la fauna y flora acuática. La calidad de estas fotografías dependerá en gran medida de la
claridad que tenga el agua.

Fotografía científica: algunos instrumentos como los espectroscopios, microscopios y telescopios pueden ser
usados para tomar fotografías, las cuales son muy útiles debido a la versatilidad de los elementos a investigar. En
el área de la medicina, la fotografía fue un gran aporte ya que captan imágenes de rayos X, lo que permitió la
realización de las radiografías. Esta, además de ser utilizada para realizar diagnósticos medicinales, se emplea para
descubrir fallas en recipientes de presión, piezas mecánicas y tuberías, aumentando la seguridad en plantas
nucleares, submarinos y aviones.

Fotografía astronómica: la fotografía permitió enormes avances en el ámbito de la astronomía, con la colocación
de cámaras en los telescopios. Así se pueden capturar imágenes del brillo y el estado en que se encuentran los
cuerpos celestes. Sirven para detectar los movimientos y su velocidad en cometas y cuerpos celestes.

¿Que son ángulos?

El ángulo de cámara es la posición y angulación de la misma cámara fotográfica o de cine. Una escena puede ser filmada
desde varios ángulos de cámara al mismo tiempo. Esto dará una experiencia diferente y, a veces emoción. Los ángulos de
cámara diferentes tendrán diferentes efectos en el espectador y la forma en que percibe la escena que se está grabando.
Hay varias formas diferentes que el operador de cámara puede tomar para lograr este efecto.

Tipos de ángulos
Según la angulación las posiciones pueden ser:

 Cenital. Desde la posición vertical superior al objeto o persona retratada. En posición Cenital, la cámara se
encuentra enfocando en el suelo o lo que haya debajo.
 Picada. Es una angulación oblicua superior, o sea, por encima de la altura de los ojos y está orientada
ligeramente hacia el suelo. Normalmente, el picado representa un personaje psíquicamente débil, dominado,
inferior.
 Normal o Ángulo neutro. La posición de la cámara es a la altura de los ojos o si es un objeto es a una altura
media paralela al suelo.
 Contrapicada. Con una angulación oblicua inferior, o sea, por debajo de la altura de los ojos y ligeramente
orientada hacia arriba. El contrapicado normalmente representa un personaje psíquicamente fuerte, dominante,
superior.
 Nadir. Es una posición de cámara desde la vertical inferior del objeto o persona.
 Subjetiva. La cámara nos muestra lo que el personaje está viendo.

El ángulo de una fotografía es la inclinación con respecto al suelo, de una linea imaginaria que se genera al fotografiar a
un sujeto. Repasemos ahora los distintos ángulos que podemos emplear al realizar una captura determinada:

A Nivel o Normal: Como su mismo nombre lo indica, es cuando realizamos la fotografía desde el mismo nivel del sujeto al
que fotografiamos. Es la posición más natural al momento de hacer una fotografía y la más común. Siendo un poco más
explícitos, se puede decir que la línea entre el sujeto y nuestra cámara, es paralela al suelo. En algunas situaciones, como
por ejemplo una mascota o un niño, para lograr este tipo de angulo es necesario agacharse para estar al nivel del sujeto.
Generalmente sirve para mostrar o describir algo de manera natural u objetiva y transmite una sensación de estabilidad
y tranquilidad, por ser la forma natural en que observamos el mundo.

En Picado: En este caso, se realiza la toma de la escena desde una posición más alta que el objeto fotografiado, de
arriba hacia abajo. En este tipo de fotografía la perspectiva que se produce produje que el sujeto se vea disminuido en
tamaño. En general, este ángulo se usa como recurso compositivo para restar importancia o transmitir una sensación de
debilidad o humillación. En casos de paisajes permite incrementar la sensación de profundidad. Muy usado en fotografía
de niños y fotografía documental para mostrar la vulnerabilidad del sujeto.

En Contrapicado: Obviamente es opuesto al anterior, en este caso la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que
el motivo fotografiado, quedando este más alto que la cámara. La perspectiva que se genera, muestra al engrandecido
visualmente, con lo que se logra transmitir mayor importancia y una posición dominante en relación al espectador.
Básicamente se emplea, para fotografía arquitectónica y para deportes extremos, pero esto no es una regla fija, y también
se puede emplear en otros casos logrando efectos creativos muy interesantes.

En Cenital: Podríamos catalogarlo como un caso específico del ángulo de picado, donde lo llevamos a su punto más
extremo, y es justamente lo que sucede. La imagen se toma desde en un ángulo completamente perpendicular, de arriba
hacia abajo, con respecto al suelo. Produce escena sin perspectiva, que puede resultar bastante descriptiva en el caso de
pequeños objetos, pero generalmente es inusual aunque interesante el resultado obtenido. No es muy común emplear
este tipo de ángulo pero en ciertos casos como recurso compositivo puede servir para explorar la creatividad

En Nadir: Cuando el ángulo en contrapicado lo llevamos a su punto extremo, obtenemos un ángulo de tipo nadir. Su
uso incrementa la sensación de contrapicado, y llega a transmitir una sensación abrumadora de grandeza ante lo que el
espectador observa. Ideal para fotografía de altos edificios los cuales por sus mismas geometrías añaden gran profundidad
a la escena.

¿Para que se utilizan los ángulos y planos en la fotografía?

El tomar una fotografía desde diferentes ángulos da una percepción completamente distinta de la imagen, tomando en
cuenta que nuestra mirada se encuentra a una altura promedio de entre 1.50 y 1.70 m, si hacemos fotografías a esa altura
generamos fotografías comunes, formales y descriptivas, pero, si nos agachamos, o nos subimos a alguna sillas alterando
el punto de vista digamos “natural o normal” nos ayuda a obtener diferentes enfoques y nos permite captarcon mayor
facilidad la atención del que observe nuestra fotografía. Una de las técnicas que comúnmente se usa para dar más
importancia a un sujeto o resaltar las características de éste es cambiar el ángulo desde el que tomamos la foto.

El término ‘plano‘ es ampliamente usado en cine, y en fotografía obviamente, generalmente se habla de planos abiertos
o cerrados, para indicar que estamos modificando de algún modo la distancia focal. El concepto de plano está
estrechamente relacionado con el retrato fotográfico, aunque en algunos casos es extrapolable a otras situaciones o
sujetos. Veamos:

Plano general: Se usa para visualizar completamente a nuestro modelo y abarca todo el elemento de una escena,
es decir, que aparece todo el cuerpo de pies a cabeza, sin ningún tipo de recorte.
Plano americano: También conocido como plano tres cuartos, tiene su origen en las películas de western americanas,
que se caracterizaban por sus encuadres por debajo de la cadera hasta las rodillas. Es muy útil cuando se quiere retratar
a varias personas.

Plano medio: En este se muestra al modelo desde la cabeza hasta la cintura, y también se puede emplear para fotografiar
a varias personas interactuando. Se emplea con regularidad en la fotografía de moda ya que permite destacar la belleza
de la persona.

Plano medio corto: Se le puede conseguir con otros nombres como plano pecho o plano busto, aunque en lo personal
me parece más profesional llamarlo plano medio corto, y consiste sencillamente en mostrar a la persona desde la cabeza
hasta la mitad del pecho. La idea de este tipo de plano es enfocar la atención exclusivamente en la persona aislándola de
su entorno.

Primer plano: Se emplea generalmente para destacar la mirada o el gesto de una persona, y el encuadre va desde la
cabeza hasta los hombros. Es el más indicado para el retrato del rostro, ya que, destaca los detalles. Suelen usarse
encuadres verticales, aunque esto no es una regla estricta.

Primerísimo primer plano: Este tipo de plano es mucho más agresivo e íntimo que los anteriores. Se logra
encuadrando desde la cabeza (cortando por el medio o por encima de la frente) hasta la punta del mentón. Hay que cuidar
mucho los detalles en este tipo de plano, controlar el enfoque y la profundidad de campo es primordial, de lo contrario se
puede estropear la captura.

Primerísimo primer plano: Este tipo de plano es mucho más agresivo e íntimo que los anteriores. Se logra
encuadrando desde la cabeza (cortando por el medio o por encima de la frente) hasta la punta del mentón. Hay que cuidar
mucho los detalles en este tipo de plano, controlar el enfoque y la profundidad de campo es primordial, de lo contrario se
puede estropear la captura.

Existen otras clasificaciones que varían ligeramente de acuerdo a los autores, pero básicamente en fotografía de retrato
son las mencionadas anteriormente, algunas con ciertas variaciones.

para resumir:
Plano general: Cuerpo completo.

Plano americano: Hasta las rodillas.

Plano medio: Hasta la cintura.

Plano medio corto: Hasta el pecho.

Primer plano: Hasta los hombros.

Primerísimo primer plano: Solo el rostro.

Plano detalle: Un elemento aislado.

Un plano queda definido por la cantidad de “objeto” principal encuadrado en la imagen o dicho de otro modo, la cantidad
de área circundante recoge el encuadre. Así, por ejemplo, no es lo mismo fotografiar solo la cara de una persona que
fotografiarla de cuerpo entero. Lo primero es conocido como primer plano y lo segundo como plano entero. Y, por
supuesto, cada tipo de plano tiene sus propias “reglas”, echemos un vistazo.

¿Qué es la Cámara Oscura?

La cámara oscura es un instrumento óptico que permite obtener una proyección plana de una imagen externa sobre la
zona interior de su superficie. Constituyó uno de los dispositivos ancestrales que condujeron al desarrollo de la fotografía.
Los aparatos fotográficos actuales heredaron la palabra cámara de las antiguas cámaras oscuras. Consiste en una caja
cerrada y un pequeño agujero por el que entra una mínima cantidad de luz que proyecta en la pared opuesta la imagen
del exterior. Si se dota con papel fotográfico se convierte en una cámara fotográfica estenopeica.

Esquema de una cámara oscura del siglo XVIII.

Originalmente, consistía en una sala cerrada cuya única fuente de luz era un pequeño orificio practicado en uno de los
muros, por donde entraban los rayos luminosos reflejando los objetos del exterior en una de sus paredes. El orificio
funciona como una lente convergente y proyecta, en la pared opuesta, la imagen del exterior invertida tanto vertical como
horizontalmente.

 La cámara Oscura,consiste en un espacio cerrado carente de luz, en el cual se perfora un orificio que permite el
paso de un rayo de luz mínimo el cual forma en la pared opuesta la imagen invertida del objeto iluminado colocado
frente a él.
 Cámara Oscura. Es un fenómeno óptico que consiste en una sala estanca con un pequeño orificio que permite el
paso de un rayo de luz mínimo que forma en la pared opuesta la imagen invertida del objeto iluminado que se
encuentra justo en frente de este orificio.

"Digo que si frente a un edificio o cualquier espacio abierto iluminado por el sol, tiene una vivienda frente al mismo y que
si en la fachada que no enfrenta al sol se hace una abertura redonda y pequeña, todos los objetos iluminados proyectarán
sus imágenes a través de ese orificio y serán visibles dentro de la vivienda sobre la pared opuesta, que deberá ser blanca,
y allí estarán invertidos.’

"DeRerumNatura"
Leonardo da Vinci (1452-1519)