Técnico Superior en Diseño Grafico

ALUMNAS:
Cabrera Silvia - Fariña Ivana -
Galeano Aldana
Pallero Florencia - Sotelo
Agostina
 Patrimonio cultural material

Son todos los bienes culturales y reemplazables de la humanidad representados como históricos-culturales
particular para los habitantes de una comunidad es un elemento de valor no sólo histórico sino artístico
científico y tecnológico por ello estos requieren su conservación progresión y difusión el patrimonio material
abarca monumentos conjuntos lugares y artefactos culturales ejemplos Parque Nacional Iguazú Parque Nacional
los glaciares etcétera

Se protegen la cultura material

Con principios rectores que son:

 Principio de los derechos humanos y de las libertades fundamentales: consiste que solo se podrá
proteger y promover la diversidad cultural si se garantizan los derechos humanos y las libertades
fundamentales como la libertad de expresión, información y comunicación.

 Principio de soberanía: consiste que los estados tienen el derecho soberano de adoptar medidas y
políticas para proteger y promover la diversidad de las expresiones culturales.
 Principio de solidaridad y cooperaciones internacionales: deberá estar encaminada a permitir a todos los
países, en especial los países en desarrollo, crear y reforzar sus medios de expresión cultural.
 Principio de desarrollo sostenible: la protección, la promoción y el mantenimiento de la diversidad
cultural son una condición esencial para un desarrollo sostenible en beneficio de las generaciones
actuales y futuras.

¿Qué es salvaguardar un Patrimonio Cultural Material? ¿De qué manera?

¿Hay requisitos?

Salvaguardia de los bienes culturales:

La Convención obliga a las Altas Partes Contratantes a adoptar medidas de salvaguardia en tiempo de
paz de los bienes culturales situados en su territorio frente a los efectos previsibles de un conflicto armado.
Complementa esta obligación el Segundo Protocolo, que dispone que las Partes adopten determinadas medidas,
según proceda.

El Comité alienta a las Partes a cooperar en los planos internacional y nacional con las organizaciones no
gubernamentales competentes y a intercambiar información sobre las políticas y prácticas nacionales de
salvaguardia.
 Para armonizar la documentación de los bienes culturales bajo protección reforzada con la relativa a los
bienes culturales bajo protección general, el Comité alienta a las Partes a aplicar, según proceda, las disposiciones
pertinentes de los presentes Principios Rectores que se refieren al expediente de designación a la documentación
relativa a los bienes culturales bajo protección general.

El Segundo Protocolo, que entró en vigor el 9 de marzo de 2004, es un acuerdo internacional que
complementa a la Convención de La Haya para la Protección de los Bienes Culturales en caso de Conflicto
Armado, de 1954 (en lo sucesivo, “la Convención”) en lo relativo a las relaciones entre las Partes. Tiene por
objeto mejorar la protección de los bienes culturales en caso de conflicto armado según los define la
Convención. Así pues, a los efectos del Segundo Protocolo, la expresión “bienes culturales” abarca, cualquiera
que sea su origen o propietario:

a) Los bienes, muebles o inmuebles, que tengan una gran importancia para el patrimonio cultural de los
pueblos, tales como los monumentos de arquitectura, de arte o de historia, religiosos o seculares, los campos
arqueológicos, los grupos de construcciones que por su conjunto ofrezcan un gran interés histórico o artístico,
las obras de arte, manuscritos, libros y otros objetos de interés histórico, artístico o arqueológico, así como las
colecciones científicas y las colecciones importantes de libros, de archivos o de reproducciones de los bienes
antes definidos;

b) Los edificios cuyo destino principal y efectivo sea conservar o exponer los bienes culturales muebles
definidos en el apartado a) tales como los museos, las grandes bibliotecas, los depósitos de archivos, así como
los refugios destinados a proteger en caso de conflicto armado los bienes culturales muebles definidos en el
apartado a);

c) Los centros que comprendan un número considerable de bienes culturales definidos en los apartados a)
y b), que se denominarán centros monumentales.

Patrimonio de la humanidad

Es el titulo conferido por la Unesco a sitios específicos del planeta que han sido propuestos y confirmados para
su inclusión en la lista mantenida por el Programa Patrimonio de la Humanidad, administrado por el Comité del
Patrimonio de la Humanidad, compuesto por 21 Estados miembros a los que elige la Asamblea General de
Estados Miembros por un periodo determinado.

El objetivo del programa es catalogar, preservar y dar a conocer sitios de importancia cultural o natural
excepcional para la herencia común de la humanidad.
Ejemplos de Argentina:

-Parque Nacional Los Glaciares.

-Península Valdés.

-Manzana y estancias Jesuíticas de Córdoba.

-Parque Provincial Ischigualasto.

-Las Cuevas de las Manos.

En Misiones.

-Parque Nacional Iguazú.

-Ruinas de las Misiones Jesuíticas Guaraníes.

-Loreto

-Santa Ana

Santa María La Mayor

Patrimonio cultural inmaterial:

El patrimonio cultural se entiende como algo dado o recibido de generaciones pasadas, que debe ser
salvaguardado para la posteridad. Pero también es una construcción histórica que se relaciona con la identidad
nacional. "Es como una herencia que debe preservarse a lo largo del tiempo, aunque en términos jurídicos
refiere a los bienes que son propiedad del país".

El patrimonio cultural no se limita a monumentos y colecciones de objetos, sino que comprende también
tradiciones o expresiones vivas heredadas de nuestros antepasados y transmitidas a nuestros descendientes,
como tradiciones orales, artes del espectáculo, usos sociales, rituales, actos festivos, conocimientos y prácticas
relativos a la naturaleza y el universo, y saberes y técnicas vinculados a la artesanía tradicional.
Pese a su fragilidad, el patrimonio cultural inmaterial es un importante factor del mantenimiento de la diversidad
cultural frente a la creciente globalización. La comprensión del patrimonio cultural inmaterial de diferentes
comunidades contribuye al diálogo entre culturas y promueve el respeto hacia otros modos de vida.
El patrimonio cultural inmaterial es:

Tradicional, contemporáneo y viviente a un mismo tiempo: El patrimonio cultural inmaterial no solo incluye
tradiciones heredadas del pasado, sino también usos rurales y urbanos contemporáneos característicos de
diversos grupos culturales.

Integrador: Podemos compartir expresiones del patrimonio cultural inmaterial que son parecidas a las de otros.
Tanto si son de la aldea vecina como si provienen de una ciudad en las antípodas o han sido adaptadas por
pueblos que han emigrado a otra región, todas forman parte del patrimonio cultural inmaterial: se han
transmitido de generación en generación, han evolucionado en respuesta a su entorno y contribuyen a
infundirnos un sentimiento de identidad y continuidad, creando un vínculo entre el pasado y el futuro a través
del presente.

Representativo: el patrimonio cultural inmaterial no se valora simplemente como un bien cultural, a título
comparativo, por su exclusividad o valor excepcional. Florece en las comunidades y depende de aquéllos cuyos
conocimientos de las tradiciones, técnicas y costumbres se transmiten al resto de la comunidad, de generación en
generación, o a otras comunidades.

Basado en la comunidad: el patrimonio cultural inmaterial sólo puede serlo si es reconocido como tal por las
comunidades, grupos o individuos que lo crean, mantienen y transmiten. Sin este reconocimiento, nadie puede
decidir por ellos que una expresión o un uso determinado forma parte de su patrimonio.

Museo del Louvre

Los orígenes del edificio del Louvre se remontan al siglo XII cuando se construyó como una fortaleza. En el
siglo XIV se cambió su utilidad para convertirse en Palacio Real donde monarcas como Francisco I, Carlos V y
Felipe II guardaron sus obras de arte.

Fue en el siglo XV cuando se demolió parte de la fortaleza (se conservan los restos de la estructura de la base) y
se construyó el ala que se extiende a lo largo de la orilla del Sena, trabajo que le dio el aspecto que presenta en la
actualidad. A lo largo de los años fue sufriendo importantes mejoras y ampliaciones. Se abrió por primera vez al
público como museo el 8 de noviembre de 1793.

El museo contiene unas 300.000 piezas que ha ido reuniendo desde que se inauguró.
Es el museo nacional de Francia consagrado al arte anterior al impresionismo, tanto bellas
artes como arqueología y artes decorativas. Es uno de los más importantes y visitados del mundo, ubicado en
Paris, Francia.

El Museo está dividido en 8 departamentos y 3 alas. Otro de los atractivos del museo del Louvre es su
característica Pirámide de Cristal de 21 metros de altura, diseñada por el arquitecto Ieoh Ming Pei.

OBRAS:

Cuenta con más de 403 salones y más de 35.000 obras. Entre ellas:

La Gioconda o Mona Lisa: sutilmente se crean efectos ópticos por la ubicación de los ojos y su sonrisa
discreta, dicen que se siente la impresión de ser observado constantemente por la Gioconda, cualquiera sea la
posición desde la que uno la mire. (Leonardo Da Vinci).

La libertad guiando al pueblo: oleo pintados sobre lienzo, inspirado en la revolución de “las tres jornadas
gloriosas”. Símbolo de la República Francesa.(Eugene Delacroix).

La venus de Milo: fue esculpida mediante la técnica de piezas agregadas en mármol. Es una de las obras
maestras de la escultura mundial. Los misterios que la rodean, las técnicas propias de la época helenística, la
belleza de sus formas y sus curvas.

Código Hammurabi: es uno de los conjuntos de leyes más antiguos que se han encontrado y uno de los
ejemplares mejor conservados de este tipo de documentos creados en la antigua Mesopotamia en idioma acadio.

El león de Monzón, La balsa de la Medusa, entre otras.

Situaciones Insólitas:

-Una turista rusa lanzó una taza de té contra la impasible Gioconda. La magnífica obra de Leonardo da Vinci
salió indemne del ataque gracias a que esta blindada.
-Con un machete, un hombre atacó a un soldado antiterrorista en el museo del Louvre. La policía dijo que gritó
"Alá es grande" y se abalanzó sobre el militar.

Horario de visita-Todos los días menos los martes de 9:00h a 18:00h.

Miércoles y viernes abierto hasta las 22:00h.
El primer domingo de cada mes la entrada es gratuita.
 Renacimiento

Tuvo su origen en Italia, en los siglos XIV y XV, donde se extiende por Europa, excepto Rusia. Es un
fenómeno de revitalización cultural. Se muestra como característica esencial su admiración por la antigüedad
grecorromana.

Este movimiento trata sobre el resurgir del arte clásico, trataban de reinterpretar el arte que se representaba en la
época romana.

Características:
Las etapas de la Pintura: Arquitectura Renacentista Clásica y Herreriana. El inicio está marcado por el
protagonismo del estilo plateresco, que no abandona completamente ciertas formas y estéticas del gótico final.

La Escultura: se entiende como un proceso de procuración de la escultura de la Antigüedad clásica. Los

escultores encontraron en los restos artísticos.

División de sus periodos:

Este movimiento se divide principalmente por dos etapas:

Quattrocento (siglo xv): esta fue la primera etapa del Renacimiento, la cual duro un siglo. El antropocentrismo
se inició artísticamente en este momento, trataban de renacer el arte de la antigüedad.

Cinquecento (siglo XVI): la capital Renacentista pasa de ser Florencia a ser Roma y el papado era el que
encargaba las obras además fue en este omento donde los grandes genios de la historia del arte: Leonardo Da
Vinci, Michelangelo y Raffaello.

También existe otra etapa, la cual no saben muy bien los historiadores en que movimiento situarla, aunque
normalmente se dice que pertenece el Renacimiento cuya etapa se llama:

Manierismo (segunda mitad del Siglo XVI): en esta época hubo una crisis económica y religiosa; la famosa
reforma protestante iniciada por Lutero a la cual le sucedió la contrarreforma. En esta época también hubo una
crisis artística, ya que trataban de copiar lo que hacían en la época anterior. Este movimiento se desarrolló en
Venecia, Flandes, España.

Diferencias edad media / renacimiento / barroco

EDAD MEDIA RENACIMIENTO-HUMANISMO BARROCO

1) Olvido de lo clásico 1) Escuela de lo clásico 1) Crisis de lo clásico

2) Infantilidad en las formas 2) Equilibrio y armonía de formas y el 2) Exuberancia de formas. Asimetría
fondo

3) Originalidad del arte y 3) Vuelta a lo clásico grecolatino. 3) Aproximación a lo medieval.

pensamiento, sobre todo de base Imitación modelos clásicos. Defensa del ingenio creador
cristiana y tema de la muerte
4) Simplismo 4) Claridad 4) Oscuridad. Hermetismo
5) Arte = instrumento para el 5) Arte = instrumento para el deleite y 5) Arte = instrumento para ocultar el
mensaje religioso y la evasión el sereno razonar desencanto y para el ingenio

Análisis capilla Sixtina

Realizada por: Miguel Ángel Buonarroti
Año de realización: entre el 1508 y 1512.
La capilla es de planta rectangular con más de 40 metros de largo por 13 de ancho y 20 metros de altura.
Como es una superficie tan extensa Miguel Ángel realizo una arquitectura pintada que dividiera la bóveda en
compartimento.

En primer lugar, en las cuatro pechinas de las esquinas representa cuatro escenas de Antiguo Testamento
que narra la salvación del pueblo judío de distintas amenazas. Judit y Holofernes, David y Goliat, la serpiente de
bronce y el castigo de Amán

En las enjustas sobre los ventanales, ocho en total, y en los lunetos pinta a los antepasados de Cristo en
el orden citado en el Evangelio de Mateo.
Entre las enjutas y pechinas crea pilastras fingidas con decoración escultórica pintada para crear la ilusión de
estar realizadas en mármol.
Entre ellas, sentadas en tronos, el autor sitúa las primeras grandes figuras de la composición, un total de siete
profetas y cinco sibilas.
Sobre las pilastras arrancan arcos fajones, también fingidos, que dividen la bóveda en diferentes tramos que
permitirá al pintor separar las distintas escenas centrales creando espacios rectangulares.
Sobre el remate de las pilastras, en el arranque de dichos arcos fajones, descansan unas figuras masculinas
jóvenes desnudas que adquieren las más diversas y complejas posturas denominadas ignudi. En los rectángulos
centrales, que alternan unos de mayor tamaño con otros más reducidos, Miguel Ángel va a representar los temas
centrales de toda la composición. Todos ellos provienen del Génesis, primer libro del Antiguo
Testamento: La Creación de la Luz, la Creación de las plantas y los astros, la Creación del mundo, la Creación de
Adán, la Creación de Eva , el Pecado Original y la Expulsión del Paraíso, el Sacrificio de Noé, el Diluvio
Universal y la Embriaguez de Noé.

Durante la realización de la Obra, se produjo un cambio en la manera de componer del pintor. Así, en
las primeras escenas, las que hace referencia al Diluvio Universal y a Noé, Miguel Ángel se decantó por
representar un gran número de figuras. Sin embargo, al comprobar que su visualización desde el suelo, dada la
altura de la capilla, se hacía difícil y confusa, Miguel Ángel optó por cambiar la manera de componer con escenas
formadas por pocas figuras y de un tamaño mayor que ayudaban a visualizar y entender la escena de manera más
fácil.
En cuanto a la técnica utilizada es el fresco y destaca el predominio de la línea sobre el color. Miguel Ángel
le da un absoluto protagonismo a la figura humana, prescindiendo prácticamente de detalles secundarios,
animales o paisajes que puedan distraer al espectador del tema representado. Es precisamente en estas figuras
donde Miguel Ángel se muestra como un "escultor que pinta", como podemos observar en sus figuras humanas,
grandiosas, de musculaturas potentes y en tensión y de cuerpos que se torsionan adoptando las posturas más
complejas posibles.
Entre las influencias más visibles en la obra de Miguel Ángel, cabe citar a Masaccio, a quien había copiado
en su juventud, y a quien hace un homenaje con el ángel de la expulsión del paraíso, claramente influenciado por
el pintado por Masaccio en la Capilla Brancacci.
Respecto a los colores usados por el pintor, tras la restauración llevada a cabo entre 1990 y 1994, se
descubrieron unos colores brillantes y luminosos que contradecían la creencia que hasta ese momento existía del
uso por parte del pintor de colores apagados que, como demostraron las restauraciones, no eran sino la
consecuencia del humo debido continuo uso durante siglos de velas para iluminar la capilla.

Leonardo Da Vinci
Leonardo da Vinci o Leonardo di ser Piero da Vinci, nació en Vinci un 15 de abril de 1452 y falleció en
Amboise el 2 de mayo de 1519. Fue un polímata florentino del Renacimiento italiano y a la
vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo,
artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista. Murió
acompañado de Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Sus primeros trabajos
considerados importantes fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a
continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del
rey Francisco I.

Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La
Gioconda y La Última Cena, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio. Sin embargo, solo se le reconocen
alrededor de 20 obras.

Con el fallecimiento de Leonardo, comenzó la dispersión y la pérdida de dos tercios de los cincuenta mil
documentos originales multidisciplinarios redactados en viejo toscano y codificados por él. Cada carné,
manuscrito, página, croquis, dibujo, texto y nota fue considerado plenamente como una obra de arte. No
quedaron más que unos trece mil documentos, de los cuales la mayoría se conservan en el archivo de la Ciudad
del Vaticano.

La ultima cena
Es una pintura mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1498. Se encuentra en la
pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa María delle Grazie,
en Milán (Italia), declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1980. La pintura fue elaborada para
su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y
óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm de alto por 880 cm de
ancho. Muchos expertos e historiadores del arte consideran La última cena como una de las mejores obras
pictóricas del mundo.

Leonardo creó La última cena, su mejor obra, la más serena y alejada del mundo temporal, durante esos años
característicos por los conflictos bélicos, las intrigas, las preocupaciones y las calamidades.
Trabajó en esta obra más deprisa y con mayor continuidad que nunca durante unos tres años. De alguna
manera, su naturaleza, que tendía hacia el colosalismo, supo hallar en este cuadro una tarea que lo absorbió por
completo, forzando al artista a finalizarla.

La Gioconda
El Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, más conocido como La Gioconda o Mona
Lisa, es una obra pictórica del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Fue adquirida por el rey Francisco
I de Francia a principios del siglo XVI y desde entonces es propiedad del Estado Francés. Se exhibe en el Museo
del Louvre de París.
Su nombre, La Gioconda (la alegre, en castellano), deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad
de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de
donde viene su otro nombre: Mona (señora, en el italiano antiguo) Lisa. El Museo del Louvre acepta el título
completo indicado al principio como el título original de la obra, aunque no reconoce la identidad de la modelo
y tan solo la acepta como una hipótesis.
Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 × 53 cm, pintado entre 1503 y 1519, y retocado varias veces por
el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de
Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los
barnices.
El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su
preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.
La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en
los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples
obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La
Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.

Los Ignudi
La palabra “Ignudi” quiere decir o se refiere a las OBRAS DEL ARTE RENACENTISTA que representaban
DESNUDOS MASCULINOS.

La bóveda de la Capilla Sixtina es un conjunto de pinturas al fresco realizadas para decorar la bóveda de la
Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano (Roma). Fue pintada entre 1508 y 1512 por Miguel Ángel y es una de
las obras pictóricas más complejas y más bellas de toda la historia del arte, encargada por el papa Julio II. En ella
aparecen numerosos IGNUDI obra de Miguel Ángel.
Soporte, técnica, tipo de pintura y temática.
Son un conjunto de pinturas al FRESCO: Un fresco es una pintura realizada sobre una superficie
cubierta con dos capas de mortero de cal
la primera (arricio) de mayor espesor, con cal apagada, arena de río y agua
la segunda (intonaco) más fina formada por polvo de mármol, cal apagada y agua, sobre la que se van
aplicando los pigmentos, cuando todavía esta última capa está húmeda, y por jornadas
(giornatas), de ahí su nombre.
Está realizada en una bóveda de cañón. Era una arquitectura complicada para trabajar. Miguel Ángel trabajó solo
SIN AYUDA desde 1508 a 1512.
La bóveda tiene unas dimensiones de 40 metros de largo por 13 de ancho, lo que significa que la
superficie pintada por Miguel Ángel ocupa unos 460 metros cuadrados.

Colores, perspectiva, enfoque y luz.

COLORES: Usó colores vivos sobre yeso recién puesto. Los colores son contrastados y el acabado
busca contrastes de luz y sombra.
ESTILO: Utilizó la terribilitá (fuerza sobrehumana). La podemos observar en la figura de Cristo. Los
desnudos de tamaño descomunal hacen referencia al Canon hercúleo (musculatura muy desarrollada).
Presenta angustia y fatalidad. No hay PERSPECTIVA ni paisajes y las figuras son desequilibradas y
presentan formas clásicas.
Para conseguir que cada figura tuviera una postura diferente a los demás, el artista realizó innumerables
estudios y esbozos previos. Los cuerpos desnudos y la extrema naturalidad de los gestos revelan su profundo
conocimiento de la anatomía humana. Sin embargo no siguió las reglas de la perspectiva, sino que las figuras se
entrelazan en multiplicidad de movimientos. Sus formas, robustas y dilatadas, se engrandecieron a medida que
iba pintando, siendo más grandes conforme nos acercamos al altar, y las pinceladas son más libres y enérgicas.
ENFOQUE: Dios con el dedo tendido hacia Adán le transmite la vida. Las manos de Dios y de Adán,
son las manos más expresivas de toda la historia de la pintura.
El cuerpo de Adán, tendido sobre un suelo verde azulado, que recibe el hálito de vida a través del dedo
de Dios que hace que esa materia inerte -de aspecto ideal- comience a moverse y sentir.
MÁS COLORES: Los colores de la Creación de Adán resaltan por las armonías que establece entre los
tonos cálidos y los tonos fríos: los rosados y marrones del desnudo resaltan sobre el verde azulado del suelo
sobre el que yace Adán; mientras que en la figura del Creador los tonos rosa-violáceo de la ropa resaltan en el
fondo oscuro de la profundidad del manto. El drapeado, el juego de los pliegues del manto que envuelve a la
figura del Creador y proporciona una mayor intensidad a su movimiento están estudiados atentamente. El
claroscuro está conseguido mediante la degradación de los tonos y la variación de la intensidad de los colores.