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FOTOGRAFÍA y
TRATAMIENTO DIGITAL
Grado en Ingeniería en Diseño Industrial

y Desarrollo de productos
FOTOGRAFIA y TRATAMIENTO DIGITAL
DPTO INGENIERA MECÁNICA Y DISEÑO INDUSTRIAL
Créditos Teóricos 3
Créditos Prácticos 4,5
Daniel Moreno Nieto

Departamento de Expresión Gráfica en la Ingeniería
daniel.moreno@uca.es
Despacho: P110
Tutorías: Lunes de 17:00h a 18:00h + Atención online
EVALUACIÓN
Examen teórico (20%)

Realización, entrega y presentación de trabajo final.
Otros trabajos y prácticas durante el curso (70%)
Asistencia y realización de prácticas (10%)
NOTA: Tanto en el examen escrito como en los trabajos es

necesario obtener una puntuación mínima de 4 sobre 10 para poder
superar la asignatura
OBJETIVOS
• CONOCER EL MARCO TEÓRICO–HISTÓRICO DE LA

FOTOGRAFIA
• CONOCER LAS TÉCNICAS FOTOGRAFICAS
• DESARROLLO EN L A FOTOGRAFÍA DIGITAL Y REVELADO
DIGITAL
• ADQUIRIR CAPACIDADES DE MANEJO DE LA CAMARA
FOTOGRÁFICA
• DESARROLLAR UN DOSSIER FOTOGRÁFICO
• INTRODUCCIÓN A LA FOTOGRAFÍA DE ESTUDIO Y DE
PRODUCTO
• DESARROLLAR HABILIDADES EN EL TRATAMIENTO DIGITAL DE
IMÁGENES
INTRODUCCIÓN

La fotografía es el arte y la técnica de obtener imágenes duraderas
debidas a la acción de la luz. Es el proceso de proyectar imágenes y
capturarlas, bien por medio del fijado en un medio sensible a la luz o
por la conversión en señales electrónicas.
Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta

una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de
tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido.
Para capturar y guardar esta imagen, las cámaras fotográficas

utilizan película sensible para la fotografía analógica, mientras que
en la fotografía digital, se emplean sensores CCD, CMOS y
memorias digitales.»
La fotografía, como sabemos, no es algo verdadero. Es una ilusión de
la realidad con la cual creamos nuestro propio mundo privado.
Arnold Newman
La fotografía sólo puede representar el presente. Una vez fotografiado,

la fotografía se convierte en pasado.
Berenice Abbott
La fotografía es, antes que nada, una manera de mirar. No es la mirada

misma.
Susan Sontag
La fotografía es más que un medio para la comunicación efectiva de

ideas. Es un arte creativo.
Ansel Adams
Ideas visuales combinadas con tecnología e interpretación personal es igual a
fotografía.
Arnold Newman
Una fotografía no es un accidente, es un concepto.

Ansel Adams
La fotografía vino a tiempo para liberar la pintura de toda literatura, de la

anécdota, e incluso del tema.
Pablo Picasso
Llevé la fotografía como un pato al agua. Nunca deseé hacer todo lo demás. El
entusiasmo sobre el tema es el voltaje que me empuja sobre la montaña de la
servidumbre necesaria para producir la fotografía final.
Berenice Abbott
El elemento más importante en una fotografía no puede ser definido.
Auguste Renoir
La borró de la fotografía de su vida no porque no la hubiese amado, sino,

precisamente, porque la quiso. La borró junto con el amor que sintió por ella.
Milan Kundera
Una fotografía no es una pintura, un poema, una sinfonía, una danza. No es justa
un cuadro bonito. Es o debe ser un documento significativo, una declaración
penetrante.
Berenice Abbott
ROBERT CAPA
“Si tus fotografías no son lo

suficientemente buenas es por que no
estás lo suficientemente cerca.”
Emmet Gowin
“La fotografía es una herramienta para

tratar con cosas que todos conocen pero
que nadie presta atención. Mis
fotografías se proponen representar algo
que ustedes no ven.”
HENRI CARTIER BRESSON
-“Tus primeras 10.000 fotografías serán

tus peores fotografías.”
-“La fotografía es para mí el impulso

espontáneo de una atención visual
perpetua, que capta el instante y su
eternidad. El dibujo, por su grafología,
elabora lo que nuestra conciencia ha
captado en ese instante. La foto es una
acción inmediata, el dibujo, una
meditación.”
ANSEL ADAMS
"La fotografía, como medio de gran

alcance de la expresión y de
comunicaciones, ofrece una variedad
infinita de opiniones, de interpretaciones y
de ejecuciones."
APLICACIONES DE LA FOTOGRAFÍA
Documentales o periodísticas: fotografías como estas son las que logran

capturar hechos o personajes que resultan relevantes ya sea para
comunicar una noticia o para representar algún hecho que
resulte socialmente relevante, no sólo para el futuro más inmediato, sino
para la historia de una sociedad.
REPORTAJES FOTOGRÁFICOS, FOTOGRAFIA DOCUMENTAL ,

DOCUMENTACION SOCIAL, PERIODISMO GRÁFICO, DOCUMENTALES
DE NATURALEZA….
ETNOGRAFÍA
ETNOGRAFÍA
ETNOGRAFÍA
ETNOGRAFÍA
DOCUMENTO HISTÓRICO
DOCUMENTAL HISTÓRICO
DOCUMENTAL HISTÓRICO
COSTUMBRISTA
COSTUMBRISTA
DOCUMENTAL SOCIAL
DOCUMENTAL SOCIAL
DOCUMENTAL SOCIAL
DOCUMENTAL SOCIAL
DOCUMENTAL
DOCUMENTAL
ANTROPOLOGICO
FAUNA Y FLORA
DOCUMENTAL NATURALEZA
FAUNA Y FLORA
FAUNA Y FLORA
PERIODISTICA
PERIODISTICA
PERIODISTICA
Retrato: en este caso, se busca ilustrar el rostro de uno o varios personajes

o incluso transmitir, a través de ellos, algún sentimiento o emoción que
estén atravesando para así conmover al espectador. En estas fotos, el uso
de la luz se vuelve fundamental para que los rasgos queden bien definidos y
transmitan la sensación de tridimensionalidad o incluso para hacer algún
juego con las sombras que se conformen.
RETRATO
RETRATO
RETRATO
RETRATO HISTORICO
Paisajes: como su nombre indica, estas fotografías son las que capturan
un paisaje determinado, como puede ser la playa, la montaña, un bosque o
un desierto, entre otros ejemplos. Un detalle que suele tomarse en cuenta
a la hora de tomar estas fotografías es la luz solar, que por lo general
suele marcar la diferencia entre una buena y una mala foto. En otros casos,
se intenta plasmar la lluvia o incluso la caída de un rayo, en donde
muchas veces el paisaje en sí pasa a un segundo plano y es dicho
fenómeno el que la vuelve atractiva. Estas fotos también pueden ser
tomadas con fines artísticos, no meramente ilustrativos.
PAISAJE
PAISAJE
PAISAJES
PAISAJES
PAISAJES
PAISAJES
ARQUITECTURA
INTERIORISMO
Publicitarias: esta clase de fotografías son las que se utilizan

para promocionar algún producto y para de esta manera orientar el
consumo de las personas hacia el mismo. La fotografía también resulta un
recurso clave para la publicitación de un producto en avisos callejeros o de
diarios o revistas.
Las fotografías ayudan a representar al producto de forma fiel y atractiva.

Aunque, muchas veces, los publicistas se abusan de la confianza que puede
transmitir una foto y aprovechan los programas de edición de imágenes para
manipular la apariencia del producto, haciendo lo que se denomina
“publicidad engañosa”, al mostrar un producto que no se condice con la
realidad. Una de las industrias que más utiliza a la fotografía es la de la
moda.
PUBLICIDAD
PUBLICIDAD
PUBLICIDAD
PUBLICIDAD
PUBLICIDAD
PUBLICIDAD
Artística: son aquellas fotografías que fueron tomadas con el objeto
de causar alguna emoción o de transmitir algún concepto al espectador.
En estas fotos se tiene muy en cuenta la iluminación, la perspectiva, el
contraste, la profundidad, el color, entre otros detalles claves, como puede
ser incluso su enmarcación. Muchas veces, las fotos como estas son usadas
con fines publicitarios, por lo que no se trata de una categoría excluyente.
ARTISTICA
ARTISTICA DE EVENTOS
ARTISTICA
ARTISTICA
ARTISTICA
ARTISTICA
ARTISTICA
SURREALISTA
BODEGON / NATURALEZA MUERTA
ABSTACTRTA
BODEGON / NATURALEZA MUERTA
ARTISTICA
ARTISTICA DIGITAL
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
DE PRODUCTO
LA CÁMARA
FOTOGRÁFICA

TIPO DE CÁMARA
TIPO DE CÁMARA
Las cámaras se pueden clasificar en función de muchas cosas: del soporte

en que se almacenan las imágenes (analógico o digital), del tamaño del
sensor o película, del tamaño (compactas, bridge, DSLR) o también en
función del grado de automatismo (esto más bien en la era analógica en la
que había cámaras manuales y cámaras automáticas).
Entre las digitales podemos distinguir básicamente los siguientes tipos,

que se diferencian principalmente por su tamaño, el tamaño del sensor y
por sus funcionalidades:
TIPO DE CÁMARA: COMPACTA
Son las más extendidas por su facilidad de manejo. Son pequeñas y por
tanto el tamaño de su sensor también lo es. Es su principal desventaja.
Son ideales para viajar o llevar a cualquier sitio porque caben en un bolsillo.
Aunque cada vez permiten más ajustes con este tipo de cámaras la
creatividad es algo limitada.
Aunque algunas llevan un visor, éste suele ser más bien simbólico, y se
encuadra utilizando la pantalla.
El uso que se le da a las cámaras compactas es de aficionado.
TIPO DE CÁMARA: BRIDGE
Es el siguiente escalón en tamaño. A diferencia de las compactas el sensor de
este tipo de cámaras es ligeramente superior, lo que supone un aumento en la
nitidez y calidad de las fotos, así como en la posibilidad de obtener
ampliaciones más grandes sin perder calidad.
Tienen más funcionalidades que las compactas. Las lentes son de mejor
calidad y suelen tener un zoom no intercambiable habitualmente con mayor
alcance que las compactas.
Algunas tienen visor, también simbólico por no ser réflex (esto se explicará en
el tema del visor).
Son cámaras ideales para viajar sin mucho cachibache y que te permiten hacer
fotos de buena calidad controlando lo que haces.
El uso que se les da a las cámaras bridge es de aficionado.
TIPO DE CÁMARA: SIN ESPEJOS / MIRROR LENSES
CSC (Compact System Cameras), EVIL (Electronic Viewfinder
Interchangeable-Lens) o MILC (Mirrorless Interchangeable-Lens Camera).
No existen visores ópticos: O bien usamos pantallas, o visores electrónicos.

No podemos usar el mismo enfoque que las réflex: Se usa enfoque por
contraste.Tenemos menos elementos entre el sensor y el objetivo, así que
podemos reducir la distancia entre ambos, y no necesitamos el pentaprisma.
Desventajas
El autofocus es más lento, ya que enfoque por contraste es más lento que el
de detección de fase.En la mayoría de las cámaras no hay ningún visor
integrado, y si son opcionales suelen ser un relativamente caros.
Las calidad de imagen de las pantallas y los visores se degrada cuando
hay poca luz.La resolución de estas pantallas es limitada.
TIPO DE CÁMARA: SIN ESPEJOS / MIRROR LENSES
Ventajas:
A igualdad de características, se pueden hacer cámaras y objetivos mucho

más pequeños .En cuanto a los visores, no sólo vemos el encuadre exacto,
sino que podemos ver la imagen definitiva en tiempo real, con su exposición,
profundidad de campo y procesados ya aplicados. La simplicidad del diseño
hace posible adaptar objetivos de cámaras clásicas que no son compatibles
con los sistemas réflex. Al eliminar el espejo basculante, se reduce
la trepidación, disminuyendo la posibilidad de que la foto salga movida.
TIPO DE CÁMARA: REFLEX DSLR
El tamaño del sensor es notablemente mayor que en las cámaras bridge. Por
tanto la nitidez y calidad de las fotos es claramente superior.
Como principales ventajas la cámara DSLR permite el intercambio de
objetivos, dispone de un visor réflex que muestra con mucha precisión el
resultado definitivo de las fotos, cuenta con más funcionalidades que te permiten
ser mucho más creativo y controlar con más exactitud el proceso de tomar una
foto. El uso que se le da a las cámaras DSLR puede ser de aficionado y de
profesional, dependiendo entre otras cosas de la gama (no todo es la cámara).
TIPO DE CÁMARA: MEDIO FORMATO
Las cámaras de medio formato tienen un sensor mucho más grande que
las DSLR.(6x6 cm)
Son cámaras dedicadas únicamente al ámbito profesional y científico
donde la clave es poder realizar ampliaciones realmente grandes. Fuera de
este tipo de fotografía no tiene sentido una cámara de estas características.
Por ello todos sus componentes y accesorios son de la máxima calidad y
precisión, al igual que sus precios son muy muy altos.
TIPO DE CÁMARA
Visores
Además de por el tamaño de la cámara o del sensor podemos clasificar las
cámaras también según el tipo de visor que tengan en:
Pantalla LCD
La mayoría de las cámaras compactas actuales no tienen visor como tal.
Utilizan la pantalla LCD para encuadrar.
TIPO DE CÁMARA
Visor directo
Se llama así porque el visor es independiente del objetivo. El sujeto se ve a
través de un sistema óptico montado aparte en el que aparece encuadrado el
área de la escena cubierta por el objetivo. Este tipo de objetivos es el que
suelen usar las cámaras compactas que tienen visor, en las que no es
necesario enfocar.
TIPOS DE VISORES
Visor réflex
La imagen proyectada en el sensor por el objetivo esta boca abajo e invertida
lateralmente. El visor réflex utiliza un espejo para volverla boca arriba y un
pentaprisma (bloque de cristal de cinco caras, tres de ellas plateadas) o un
pentaespejo, para corregir la inversión lateral. Por tanto el fotógrafo contempla la
escena en su posición real. En el momento del disparo el espejo se levanta y
deja pasar la luz al sensor.
Este es el tipo de visor que llevan las cámaras DSLR, también llamadas réflex
por esta razón.
TIPOS DE VISOR
Fiabilidad de los visores
La pantalla LCD es el visor más fiable en cuanto a recorte, ya que lo que

aparece en la pantalla es exactamente lo que quedará recogido en la foto.
Sin embargo este método no es el más fiable en cuanto a enfoque, ya que
no tiene la nitidez suficiente para ver si los objetos están correctamente
enfocados. Igualmente no es fiable en cuanto a exposición, ya que se
alteran fácilmente con el exceso de luz ambiente.
El visor directo es el menos fiable de los tres, ya que tiene un problema

llamado paralelaje, acentuado en las fotografías en las que el sujeto está
cerca de la cámara.
TIPOS DE VISOR
LA CAMARA
LA CAMARA
LA CÁMARA
Más o menos complejas, todas las cámaras cuentan con los siguientes elementos
mínimos. Cada uno de ellos tiene una misión:
• El sujeto o la escena es encuadrada y enfocada utilizando un objetivo en un
extremo, que dirige los rayos de luz hacia un sensor digital en el otro extremo.
• El sensor digital capta la imagen.
• En el objetivo, una abertura variable o diafragma, limita el tamaño del rayo de luz
que penetra (apertura de diafragma).
• Entre el objetivo y el sensor existe también un obturador, que controla el tiempo
que el sensor está expuesto a la luz (tiempo de exposición).
• Para componer la escena se observa a través de un visor o a través de una
pantalla incorporada en la cámara digital.
• Para elegir el momento de la exposición posee un botón disparador.
• La imagen recogida por el sensor es procesada por un chip y se almacena en un
soporte de almacenamiento digital (tarjeta de memoria).
• Una batería alimenta la circuitería electrónica durante todo el proceso.
• Un fotómetro mide la luz proyectada a través del objetivo para que la cámara
pueda calcular la exposición correcta.
LA CÁMARA
En las cámaras analógicas el funcionamiento es muy similar. La diferencia principal

es que en vez de haber un sensor digital hay una película sensible a la luz que
registra las imágenes.
Durante el curso veremos cómo se utiliza cada uno de estos elementos y cómo
afectarán al resultado final de las fotos.
NOTA: En el ejemplo se ha utilizado una imagen de una cámara DSLR (Cámara

réflex digital), pero estos conceptos se aplican exactamente igual en cámaras
digitales compactas.
MANEJO DE LA CÁMARA
Distancia focal
La distancia focal de una lente es la distancia entre el centro óptico de la

lente y el foco (o punto focal). El foco es el punto donde se concentran los
rayos de luz.
En un objetivo la distancia focal es la distancia entre el diafragma de éste y el

foco.
Los objetivos de las cámaras tienen una distancia focal fija o variable,
dependiendo del tipo de objetivo. Al variar la distancia focal conseguimos un
menor o mayor acercamiento. Es lo que comúnmente llamamos zoom.
Distancia focal
En el siguiente ejemplo vemos una foto tomada desde el mismo sitio

variando la distancia focal de nuestro objetivo. Podemos ver cómo según
aumentamos la distancia focal aumentamos también el acercamiento.
DISTANCIA FOCAL
Pero la distancia focal no afecta únicamente al acercamiento. También

modifica la perspectiva de la foto.
MANEJO DE LA CÁMARA: EL OBJETIVO
El objetivo
El objetivo es la parte de la cámara que dirige los rayos de luz hacia el

sensor.
Consta de una o varias lentes de forma convexa que proyecta los rayos de
luz que lo atraviesan en un punto llamado foco. Cuando enfocamos con la
cámara en realidad lo que hacemos es hacer coincidir el foco con el sensor
de la cámara para obtener una imagen nítida.
Con él ajustamos la distancia focal (zoom) y el enfoque. Con una distancia
focal de 50 mm se consigue una visión lo más parecida al ojo humano.
Distancia mínima de enfoque: Es la distancia a partir de la cual se puede

enfocar. Si tratamos de hacer una fotografía por debajo de dicha distancia el
objetivo no podrá enfocar y la imagen saldrá borrosa.
Apertura máxima de diafragma: Como vimos en el tema de apertura de

diafragma, cada objetivo tiene una apertura máxima de diafragma.
Distancia focal mínima y máxima: O el grado de zoom que tiene. Un objetivo

puede ser de focal fija o de focal variable (tipo zoom).
Estabilizador de imagen: El estabilizador de imagen es un sistema que

reduce las vibraciones, evitando trepidación. Facilita que las fotos no salgan
movidas y ayuda a obtener fotos más nítidas. Puede ir integrado en el objetivo
y también en el cuerpo de la cámara. La primera opción hace que los objetivos
sean claramente más caros aunque es más efectivo. La segunda opción hace
que sea más barato, ya que puedes comprar varios objetivos que no sean
estabilizados pero disponer de esta funcionalidad en todos.
Enfoque: El sistema de autoenfoque varia en velocidad y precisión según

la gama del objetivo. Los de alta gama tienen un autoenfoque mucho más
rápido y permite enfocar en condiciones peores de luz. Este aspecto es
especialmente importante para fotografías en las que hay mucho
movimiento, como deportes. Otra diferencia es que algunos objetivos
permiten enfocar manualmente sin tener que permutar de modo
automático a modo manual.
Calidad de construcción: Los objetivos profesionales distan claramente

en la calidad de construcción con los objetivos domésticos. Permiten un
uso más extremo ya que están más preparados para las inclemencias,
como la lluvia, el polvo y los golpes. Una vez más, lo bueno se paga.
Nitidez, distorsión y aberraciones: Los objetivos deforman la imagen,

aunque en ocasione sea imperceptible. Esto se da por la forma de las
lentes y por la precisión en su proceso de fabricación y hacen que la
imagen se distorsione.
Tipos de objetivo:
Ojo de pez
Proporcionan un campo de visión máximo, llegando a los 180 grados. Crean
imágenes muy espectaculares y claramente deformadas. Un ejemplo de ojo
de pez es el objetivo Peleng 8mm.
Gran angular
El campo de visión es mayor que el de la visión humana. No llega a ser tan
amplio como en los ojos de pez, pero casi. Igualmente las fotos salen
deformadas. La foto de ejemplo está hecha con un objetivo Sigma 10-20mm.
Zoom intermedio
Es el tipo de objetivo indispensable. Suele cubrir un rango de focal entre los
18mm y los 90mm. Son muy versátiles porque te permiten modificar la
composición rápidamente sin tener que desplazarte y porque disponen
también de algo de gran angular, permitiendo abrir el campo de visión más allá
de la visión humana. Las fotos de ejemplo están hechas con un objetivo
Tamron 17-50mm.
Teleobjetivo
Son los objetivos de distancia focal más alta. Nos permiten cerrar mucho el
plano sin tener que acercarse físicamente. Son imprescindibles para la
fotografía de deportes y naturaleza.
Todo terreno
Son objetivos que cubren un rango muy amplio de focal. Tienen de todo un
poco, de gran angular, de zoom intermedio y de teleobjetivo. Si bien no es la
mejor opción si lo que buscas es nitidez, luminosidad y calidad, son
objetivos muy cómodos porque se evita estar cambiando constantemente de
lente y reduce la carga en viajes. Su uso es de aficionado.
Macro
La peculiaridad de estos objetivos es que tienen una distancia mínima de
enfoque muy muy baja. Son los objetivos que menos distorsión ofrecen. Son
ideales para la fotografía de insectos.
El clásico 50mm
En todos los tipos de objetivo que hemos visto hasta ahora existe la
posibilidad de que el objetivo sea de focal fija o variable. Si la focal es fija
no podemos acercar ni alejar con el zoom. El 50mm, que es el que más
se asemeja a la visión humana, es recomendado en las escuelas de
fotografía para el aprendizaje.
Objetivos descentrables
Es un objetivo cuya construcción permite que el eje óptico pueda
moverse, quedando descentrado y alterando el plano de enfoque sobre
la cámara. Con él se puede conseguir una aumento de la profundidad de
campo o trastocarla, según se vea. Es ideal para fotografía de paisajes y
arquitectura y muy útiles en bodegón y retrato.
Catadióptricos
Son objetivos que utilizan en su construcción una combinación de espejos
curvados y elementos de vidrio. Son muy compactos en relación a su
longitud focal. Un objetivo de 500mm puede medir tan sólo 12 cm de largo.
Estas ópticas suelen tener una corrección cromática muy buena y pueden
enfocar a distancias muy próximas. Como contrapartida suelen ser de
enfoque manual y tienen una sola abertura de trabajo (la máxima), que suele
ser bastante limitada (f5 o f8).
DISTANCIA FOCAL Y ANGULO DE VISIÓN
MANEJO DE LA CAMARA
MANEJO DE LA CAMARA
MANEJO DE LA CAMARA
MANEJO DE LA CAMARA
Antes de salir a hacer fotos
Si vas a ir de viaje o piensas salir a hacer fotos recuerda revisar que tu

material esté completo y al día.
No olvides llevar las baterías bien cargadas y las tarjetas formateadas. Si

vas de viaje no olvides el cargador de baterías.
Piensa si vas a tener capacidad suficiente con las tarjetas que lleves y si
necesitas más espacio planea cómo lo vas a hacer. Dependiendo del país
donde vayas puedes pasar tarjetas a DVD en el destino, o volcarlas a un
ordenador portátil, etc.
Limpia tus filtros y objetivos.
Recuerda hacer una revisión de todo lo que puedas necesitar.

MANEJO DE LA CÁMARA: LA SENSIBILIDAD
Sensibilidad
A mayor sensibilidad, mayor cantidad de luz son capaces de captar. La

sensibilidad es un parámetro más que puedes configurar en tu cámara en cada
foto que disparas.
La sensibilidad se mide según el estándar ISO, en el cual cuanto mayor es el

número mayor es la sensibilidad. Son sensibilidades típicas 100, 200, 400, 800,
1600. En cada uno de estos saltos se obtiene el doble de sensibilidad.
Al aumentar la sensibilidad de nuestra cámara. Al hacerlo estamos perdiendo

definición y aumenta el nivel de ruido. El ruido son unos puntos de colores que
van apareciendo, especialmente en las zonas oscuras.
MANEJO DE LA CÁMARA: LA SENSIBILIDAD
En estas fotos podemos ver cómo afecta la sensibilidad del sensor al nivel de
ruido. Según aumentamos la sensibilidad aumenta a la vez el nivel de ruido.
Apertura de diafragma
El diafragma es una parte del objetivo que limita el rayo de luz que penetra en
la cámara. Funciona como el iris del ojo humano, abriéndose o cerrándose
para permitir que entre más o menos luz según sea necesario.
Lo abierto que está el diafragma es lo que se llama apertura de diafragma.
La apertura de diafragma se mide en números f.
El salto de un valor al siguiente se denomina paso.
La escala de números f típica es la siguiente, aunque no muestra todas las
posibilidades, ya que los diferentes pasos dependen del diseño del objetivo:
La relación entre los números f es que por cada paso la luminosidad se

multiplica o divide x2.
Cada objetivo tiene una apertura de diafragma máxima. Si son objetivos

con distancia focal fija la apertura máxima es fija, para zooms la apertura
máxima puede cambiar según varía la distancia focal o puede ser fija,
dependiendo del diseño del objetivo. La apertura de diafragma máxima
viene indicada en los objetivos.
14-42mm 1:3,5-5,6 significa que el objetivo tiene una distancia focal que varía
entre 14 y 42 mm. En su distancia focal mínima (14mm) tiene una apertura
máxima de f3,5, y en su focal máxima (42mm) tiene una apertura máxima de
f5,6.
16-45mm 1:4 significa que el objetivo tiene una distancia focal que varía entre
16 y 45 mm y en todo este rango la apertura máxima es de f4.
LA PROFUNDIDAD DE CAMPO
La profundidad de campo es la distancia por delante y por detrás

del punto enfocado que aparece con nitidez en una foto.
Aproximadamente la distancia nítida es el doble por detrás del punto

enfocado que por delante (ver figuras).
Hay
ay 3 e
elementos
e e os que hacen
ace variar
a a laap
profundidad
o u d dad de ca
campo:
po
)XHQWHB7KHZHESKRWRB-HV~V5RGULJXH]0DUWtQ
La apertura de diafragma
A mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo.
Como se ve en la imagen, la foto hecha a f/2.8 (mayor apertura de diafragma) tiene

una profundidad de campo menor
menor.
Igualmente, vemos que la foto hecha a f/22 (menor apertura de diafragma) tiene una
profundidad de campo mayor
La distancia focal (zoom)

A mayor distancia focal (más zoom) menor profundidad de campo.
Como se ve en la imagen, la foto hecha con un zoom de 35 mm tiene
una profundidad de campo mayor que la foto hecha con un zoom de
100 mm.
La distancia real entre la cámara y el punto enfocado.

Cuanto menor es la distancia al sujeto que se enfoca menor es la profundidad
de campo. Como se ve en la imagen, la foto hecha a 1.5 metros del sujeto tiene
una profundidad de campo menor que la foto hecha a 4.5 metros.
La apertura de diafragma en ese disparo era de f5,6

f5 6 y la distancia focal
era de 100mm.
EnfoquE en el banco y ajusté la apertura de diafragma a f16 y distancia focal

de 17mm.
17mm
distancia focal es 50mm y la apertura de

diafragma es f/2,8.
120mm y una
apertura de
diafragma de f/4.
apertura de diafragma hasta f/1,8 con una distancia

focal de 50mm
Tiempo de exposición
El obturador es una cortinilla que se abre en el momento de disparar y

limita el tiempo que el rayo de luz penetra en la cámara y alcanza el
sensor digital. El tiempo que la luz está alcanzando el sensor digital
es lo que se llama tiempo de exposición. Es lo mismo que decir que el
tiempo de exposición es el tiempo que está haciéndose la foto.
El obturador
Ç es un mecanismo muy preciso y rápido que permite limitar la
exposición a tiempos muy pequeños.
Dependiendo de la cámara los tiempos de exposición varían desde segundos

(para condiciones de luz muy malas) a milésimas de segundo (para
fotografías muy rápidas). Los tiempos más usuales, en segundos, son:
…4, 2, 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000, 1/2000…
En modo manual existe un modo llamado BULB en el que la foto se expone

mientras se mantenga pulsado el botón disparador. En el apartado de modos
de la cámara veremos qué uso podemos darle a este modo.
EL ENFOQUE
Q
Hablando en términos de óptica podemos decir que enfocar es hacer coincidir

los rayos de luz que inciden en la cámara en un punto llamado foco, que a
su vez coincidirá con el sensor de la cámara.
Prácticamente
P á ti t hhablando
bl d podemos
d d
decir
i que enfocar
f es dejar
d j nítido
ítid aquelloll
que está a una distancia concreta. Así, si enfocamos a alguien en realidad
quedará enfocada esa persona y todo lo que se encuentre a la misma distancia
de la cámara que ésta
ésta. Este concepto es importante
importante. Cuando enfocamos
estamos enfocando una distancia. Así, si enfocamos a una distancia y el sujeto
se mueve antes de disparar, debemos re-enfocar porque la distancia del sujeto
habrá variado
variado.
Hay otros conceptos que influyen en la nitidez de los objetos en una escena,
como la profundidad de campo o la distancia hiperfocal
hiperfocal, que veremos en temas
posteriores.
EL ENFOQUE.
Q
Automático vs Manual
EL ENFOQUE.
Q
Automático vs Manual
EL ENFOQUE.
Q
Distancia mínima de enfoque
Cada objetivo
j tiene una distancia mínima entre el objetivo
j y el sujeto,
j por
debajo de la cual no es capaz de enfocar.
Los zooms de largo alcance (p.ej. 70-300) tienen una distancia mínima
mayor que los
l objetivos
bj ti de
d menor alcance
l ((p.ej.
j 28
28-80).
80)
La distancia mínima puede reducirse para fotografías de cerca con lentes
de acercamiento. Los objetivos específicos para fotografía macro tienen
distancias mínimas de enfoque muy bajas
bajas.
MODOS DE CAMARA
Los modos más normales de uso de la cámara DSLR para que todo lo
explicado en el tema anterior de exposición no sea pura teoría.
T d llas cámaras
Todas á DSLR del
d l mercado
d titienen all menos estos
t modos
d d de uso:
Automático (en la imagen el cuadrito verde y la P es casi automático)
Prioridad a la apertura de diafragma (Av)
Prioridad al tiempo de exposición (Tv)
Manual (M)
Programas específicos automáticos (deportes, nocturnas, retrato, paisaje,

macro, etc…)
MODOS DE CAMARA
MODOS DE CAMARA
Modo automático
El más cómodo es el modo automático. Este modo te calcula

automáticamente todos los ajustes que la cámara entiende óptimos en el
momentot de
d h hacer lla ffoto.
t N No deja
d j ningún
i ú espacio
i a lla creatividad,
ti id d aunque es
un modo adecuado cuando no tienes tiempo de pararte a pensar, cuando te
encuentras perezoso y también cuando acabas de estrenar tu cámara y estás
leyendo este curso para aprender
aprender.
Sin embargo yo os animo a abandonar este modo lo antes posible ya que

estás dejando en la cámara toda la responsabilidad de la foto y no sabes
exactamente qué va a hacer ésta. Si te da pereza o miedo saltar a modos
semiautomáticos al menos mira los numeritos que aparecen en el interior del
visor (apertura de diafragma y tiempo de exposición) y trata de valorar sin son
buenos para la foto que estás haciendo.
MODOS DE CAMARA
Modo de prioridad a la apertura de diafragma (semiautomático)
En este modo el fotógrafo es quien decide qué apertura de diafragma utilizar

y habitualmente también decide qué sensibilidad de sensor. Dependiendo
del modelo de tu cámara y de la configuración de ésta también se puede
calcular la sensibilidad adecuada automáticamente. Entonces, con este modo
tú eliges la apertura y la cámara calcula el tiempo de exposición adecuado.
Al pulsar levemente el botón de disparo la cámara indica cual es el tiempo

de exposición que ella considera correcto. En función de si ese tiempo me
parece muy
p y bajo
j o muy y alto abro o cierro el diafragma.
g Vuelvo a pulsar
p el
botón de disparo y si tengo el tiempo que quiero entonces disparo.
¿
¿Cuándo es recomendable utilizar este modo?
Es recomendable utilizarlo cuando quieres controlar la profundidad de
campo, que es algo de lo que hablaremos un par de temas más adelante.
MODOS DE CAMARA
Modo de prioridad al tiempo de exposición (semiautomático)
En este modo el fotógrafo es quien elige el tiempo de exposición a utilizar y

la sensibilidad del sensor. Igual que antes, hay cámaras que también
calculan automáticamente la sensibilidad
sensibilidad. La cámara será quien calcule la
apertura de diafragma adecuada.
Este modo es recomendable utilizarlo cuando quieres controlar el movimiento

movimiento.
Por ejemplo en fotografía de deporte, donde queremos asegurarnos de

congelar
g el movimiento,, utilizamos este programa
p g para
p ajustar
j un tiempo
p de
exposición bajo. Igualmente, si queremos obtener un efecto seda de un
riachuelo utilizaremos un tiempo de exposición alto.
MODOS DE CAMARA
Modo manual
En este modo es el fotógrafo quien controla todos los parámetros. Elegirá

tanto la apertura de diafragma como el tiempo de exposición como la
sensibilidad Se puede utilizar este modo con el método de ensayo y error
sensibilidad. error, o
utilizando fotómetros externos o bien copiando una medición hecha en la
misma situación en un modo automático y modificándola después.
Este modo es recomendable utilizarlo cuando se quiere controlar

absolutamente todo en la exposición. Es un método utilizado por ejemplo en
fotografía nocturna.
nocturna
MODOS DE CAMARA
Compensar la exposición
En los programas automáticos y semiautomáticos, la cámara hace cálculos

siempre para obtener lo que ella entiende que es una imagen correctamente
expuesta.
t Pero
P sii ell resultado
lt d fifinall no corresponde
d con llo que ell ffotógrafo
tó f
entiende por correctamente expuesta se debe utilizar la compensación. Así
subexpondrá para hacerla más oscura o sobreexpondrá para hacerla
más clara
clara.
MODOS DE CAMARA
Horquillado o bracketing
El horquillado es una funcionalidad que permite tirar hasta 3 fotos seguidas,

en las que la cámara va variando los parámetros automáticamente para
obtener
bt una foto
f t subexpuesta,
b t otra
t expuestat y otra
t sobreexpuesta
b t según
ú la
l
medición de la cámara.
Este método se utiliza en condiciones difíciles y sobre todo variables de

iluminación, donde no habrá posibilidades de repetir una toma. En
condiciones normales no suele utilizarse, ya que si puedes repetir la toma
corregirás el fallo tras ver el resultado en la pantalla
pantalla. Aún así
así, está bien ver
en el manual cómo se utiliza y hacer un par de pruebas.
MANEJO DE LA CÁMARA: LA EXPOSICIÓN
Para hacer la foto tenemos que ajustar nuestra cámara de forma que seamos
capaces de captar la luz.
La exposición de una foto es el equilibrio entre la apertura de diafragma,

el tiempo de exposición y la sensibilidad del sensor para captar
correctamente la lluz e
existente
istente q
que
e el fotómetro ha medido
medido.
1.La cámara mide cuanta luz hay gracias al fotómetro.

2 Con esta medida ajustamos cuanta luz dejamos pasar por el objetivo con la
2.Con
apertura de diafragma.
3.Ajustamos el tiempo que la luz va a estar alcanzando el sensor con el
tiempo de exposición
exposición.
4.Y ajustamos qué cantidad de luz es capaz de absorber el sensor ajustando
su sensibilidad.
Esos son los 4 elementos que influyen en conseguir que la cámara capte la luz
existente. La apertura de diafragma, el tiempo de exposición y la sensibilidad
se compensan
p entre sí. Si en la misma foto alteras uno de ellos,, el otro se verá
afectado.
LA EXPOSICIÓN
LA EXPOSICIÓN
LA EXPOSICIÓN
LA LUZ
Medición de la luz
Hay dos tipos de medición de luz:
Luz incidente: En el que se mide la luz que incide sobre el área de interés.
Se mide con un fotómetro externo. Este tipo p de medición es la mejor j de
todas porque mide la luz sobre el área de interés, siempre que éste sea
alcanzable. Se utiliza sobre todo en cine, televisión, retratos o fotografía de
moda.
Luz reflejada: En el que se mide la luz que refleja el área de interés. Es el

método que usan los fotómetros internos de las cámaras de fotos. Es muy
cómodo porque está integrado dentro de la cámara de fotos y nos permite más
agilidad a la hora de fotografiar, además de poder medir la luz en objetos que
no se pueden
d alcanzar.
l
Sistema TTL
Para medir la luz reflejada las cámaras DSLR actuales disponen de un
sistema de medición llamado TTL (Through The Lens). Como indica el
nombre este sistema utiliza la luz que atraviesa el objetivo para hacer la
medición de luz reflejada.
j Consta de un sensor q que es capaz
p de medir la luz
de las diferentes partes de la escena. Para ello divide en encuadre por zonas
(típicamente 16, 21, 35, 63 dependiendo del modelo) y en función del modo
de medición le aplica unos porcentajes u otros a cada zona.
MEDICIONES DE LUZ
Evaluativa
Este método mide la luz de todo el encuadre. Por tanto todas las zonas
tienen un porcentaje sobre el cálculo final de la exposición. Útil en
fotografías
g q
que tienen un rango
g de luminosidad similar en toda la escena.
Lo usan los modos automáticos de todas las cámaras y es el más habitual.
MEDICIONES DE LUZ
Evaluativa Parcial
Este método mide sólo parte del encuadre. Por tanto las zonas más
cercanas al centro tienen mayor porcentaje sobre el cálculo final de la
exposición.
i ió EEs útil para retrato
t t o situaciones
it i d
donde
d ttenemos un sujeto
j t
claro y que ocupa gran parte del encuadre.
MEDICIONES DE LUZ
Central y puntual.
Este
E t método
ét d cierra
i más
á aún
ú la
l medición
di ió sobre
b ell encuadre.
d P Por ttanto,
t llas zonas
del centro tienen el mayor porcentaje sobre el cálculo final de la exposición.
Dependiendo del modelo de cámara se dispondrá de medición puntual real, que
mide sobre un n11-2
2 % de toda la escena en el centro de la imagen
imagen, o unana zona
ona
central, que mide sobre un 8-9% de toda la escena en el centro de la imagen. Es
ideal para retrato, bodegón y hacer contraluces y especialmente útil para medir
un objeto con una luminosidad diferente al resto de la escena
escena.
MEDICIONES DE LUZ
AJUSTE DE BLANCOS. TEMPERATURA DE COLOR
Para explicar qué es el ajuste de blancos primero debo decir que cada fuente de
luz tiene una “temperatura” distinta. No se refiere a la temperatura como el grado
d calor
de l que d
desprende,
d sinoi ell grado
d dde ““calidez”
lid ” dde lla lluz que proyecta.
t
Así, una bombilla tradicional de tungsteno hace que las fotos queden rojizas y
cálidas las lluces
cálidas, ces flfluorescentes
orescentes hacen q
que
e las fotos q
queden
eden con tonos verdes
erdes y la
luz de flash es blanquecina.
El ajuste o balance de blancos es una funcionalidad de las cámaras

digitales que permite corregir los colores de una foto en función de las
condiciones de luz en las que se ha tomado. No es lo mismo hacer fotos a
plena luz del día,
día que con iluminación artificial o con flash.
flash
Ajuste automático
Es el ideal si la luz no tiene una predominancia de cualquiera de los demás tipos o
cuando hay mezcla de dos tipos de iluminación en una misma foto, por ejemplo
bombillas normales y fluorescentes.
Día soleado
Cuando el día es muy soleado las fotos tienden a quedar poco saturadas y por tanto a
perder algo de color. Con este ajuste se recupera ese color natural. Se recomienda
utilizar este ajuste únicamente cuando el sol es muy fuerte. En caso contrario se
recomienda utilizar el modo automático.
Sombra
Al iiguall que en zonas con mucho

h soll llos colores
l se ven modificados,
difi d en zonas en
sombra (zonas boscosas, sombras de edificios) se hace difícil distinguir todos los
diferentes tonos de color de una imagen. Este ajuste de blancos permite recuperar
los colores naturales. Se recomienda utilizar en zonas donde haya sombras muy
duras o en zonas donde la luz natural llega a duras penas (por ejemplo en bosques
muy poblados).
Día nublado
La luz del día nublado pierde mucha saturación y color
color. Con este modo la
recuperaremos. Se recomienda utilizar este modo en días claramente
nublados, no tanto en momentos donde hay una pequeña nube que tapa el
sol.
sol
Luz artificial de tungsteno

La luz de tungsteno es la luz tradicional de filamento. Esta luz produce una
dominante de color rojo en las imágenes que desvirtúan los colores. Este modo
de ajuste de blanco elimina dicha dominante y corrige los colores para obtener
l naturales.
los t l S
Se recomienda
i d utilizar
tili en ffotos
t d de iinteriores
t i sin
i flflash
h y en ffotos
t
nocturnas de ciudades iluminadas con este tipo de luz.
Luz artificial fluorescente

Este tipo de luz es la emitida por los tubos fluorescentes, bombillas de bajo
consumo y luces de neón. Esta luz produce una dominante de color verde en
las imágenes que desvirtúan los colores. Este modo de ajuste de blanco
elimina
li i di
dicha
h d dominante
i t y corrige
i llos colores
l para obtener
bt llos naturales.
t l S
Se
recomienda utilizar en fotos de interiores sin flash cuya iluminación sea de
fluorescentes y en fotos nocturnas de ciudades iluminadas con este tipo de
luz.
luz
Flash
La luz del flash a menudo “mata”
mata los colores
colores, dejándolos blanquecinos
blanquecinos, sobre
todo cuando el flash es frontal. Este efecto es especialmente molesto en fotos
a personas, en las que se pierde por completo el tono natural de la piel. Con
este ajuste de blancos se minimiza y se recuperan los colores naturales
naturales.
LA COMPOSICIÓN
FOTOGRÁFICA

LA COMPOSICIÓN
Podemos decir que la situación de los objetos en la escena de una fotografía

conforma lo que se llama composición.
Componer una fotografía es buscar la mejor vista de una escena y conseguir la

armonía entre sus elementos.
El arte de componer está en saber no sólo cómo colocar los objetos, sino qué
elementos añadir y qué elementos dejar de lado. Esto es muy importante, ya que
nos puede ayudar a situar una imagen en un contexto o en otro.
Fuente Thewebphoto_ Jesús Rodriguez Martín

LA REGLA DE LOS TERCIOS
Ésta es yo creo la “regla” más básica de la composición en fotografía.
Hay estudios que se remontan a la época de la antigua Grecia (año 500 a.c.) en los
que ya se habla de las proporciones que dan más armonía a una escultura, una obra
pictórica o incluso un edificio.
A lo largo del tiempo todos los artistas han buscado una forma de división de las cosas
perfectas pero no había nada que indicase en qué proporción debían estar las cosas
(seres vivos, objetos…).
Ahora sabemos que existe una fórmula muy conocida en el mundo del diseño, que
permite dividir el espacio en partes iguales, para lograr un efecto estético agradable y
que puede llegar a ser muy eficaz. Esta teoría se denomina “La regla Áurea”, también
conocida como “divina proporción” o “numero áureo”.


A este número se le llama número de oro, se representa por el símbolo Ø y su valor es
1,61803…, lo obtuvieron los griegos al hallar la relación entre la diagonal de un
pentágono y el lado. El nombre de “número de oro” se debe a Leonardo da Vinci.
La aplicación de la sección áurea en la fotografía viene a decir que si aproximamos los

objetos más importantes a la sección áurea de los lados obtendremos una imagen más
llamativa y equilibrada.
La regla de los tercios es la forma sencilla de aplicar la sección áurea a la fotografía.
Para aplicar la regla de los tercios dividimos hipotéticamente el espacio de una foto
en tercios tanto vertical como horizontalmente y haremos que las líneas y los
elementos más importantes de una fotografía se ajusten a esos tercios. Así, los
horizontes y los elementos más importantes de una foto los colocaremos en los
tercios.




LA PROPORCION AUREA EN LA IMAGEN
http://www.60fotogramas.com/la-proporcion-aurea-en-cine-y-fotografia-regla-de-los-tercios/





PERSPECTIVA DE PUNTO DE FUGA
http://www.60fotogramas.com/la-proporcion-aurea-en-cine-y-fotografia-regla-de-los-tercios/
MULTIMEDIA . PROPORCION AUREA
https://www.youtube.com/watch?v=d_7I-uqz_ic
COLOCAR LOS HORIZONTES
Si buscamos simetría entre el cielo y el suelo podemos situar el horizonte en el centro. Si no es así,
trataremos de hacer coincidir el horizonte con uno de los tercios verticales. Si le damos más
importancia al suelo lo hacemos coincidir con el tercio superior. Si queremos dar importancia al
cielo (por ejemplo porque hay unas nubes llamativas) ajustamos el horizonte al tercio inferior.
DESCENTRAR HORIZONTALMENTE
La aplicación de la regla de los tercios nos pide descentrar los objetos horizontalmente. Esto lo
podemos ver continuamente aplicado en el cine. Fíjate en las películas que las personas nunca
aparecen centradas, sino en un tercio u otro.

PUNTOS FUERTES
Los puntos fuertes son aquellos que se acercan a los tercios y a sus intersecciones. En las
siguientes imágenes de ejemplo veremos cómo he tratado de hacer coincidir lo más llamativo para
mí en cada foto con esos puntos fuertes, y cómo hacer eso le da más fuerza a las fotos más que
centrarlas.

PUNTOS FUERTES

LOS OJOS
Los retratos de primer plano serán más llamativos si los ojos coinciden con los tercios.

LAS LINEAS
En algunas fotos podemos aprovechar líneas para darle más profundidad a la foto.
Podemos buscar líneas en aceras, cables, vías de tren, etc

LAS LINEAS

LAS LINEAS y LAS FORMAS
Fuente Caborian LAB. Fotografía Creativa




EL VOLUMEN

HORIZONTALIDAD
Al tomar una foto de un paisaje que tenga horizonte, o de una escena en la que haya
líneas horizontales se han de tener en cuenta éstas y conseguir que sean paralelas a los
bordes de la foto o de que sean rectas, de otro modo la foto saldrá “caída”, o con el
horizonte caído.
En ocasiones el efecto de horizonte caído puede ser provocado por algún motivo. En
ese caso es mejor que el horizonte esté claramente caído para que no deje duda alguna
y no se quede a medio camino entre la foto correcta y la foto incorrecta.

EL FONDO
Debemos tratar de adecuar el fondo a lo que estamos fotografiando. En algunas
ocasiones no podremos y en otras simplemente con cambiar el punto desde el que
hacemos la foto, agacharnos, subirnos a un objeto o similar ya podemos modificarlo.
Ojo con:
• Fondos que no contrastan con el objeto fotografiado.

• Fuentes de luz que deslumbren o que contrasten demasiado con el sujeto, a no ser
que busquemos un contraluz. Un ejemplo sería una lámapara apuntando
directamente a la cámara, una ventana en una foto interior, etc…
• Fondos con demasiado detalle. Si el fondo tiene mucho detalle distraerá la atención
del motivo principal.
Si no podemos evitar esto trataremos de desenfocar el fondo reduciendo la profundidad

de campo. De esta forma le restaremos importancia.

EL FONDO

COMPLEJIDAD
A menudo hacemos fotos intentando meter en ella todo lo que vemos, sin ningún
orden y haciendo la foto demasiado compleja y caótica. Suelen funcionar mejor
aquellas fotos en las que hay motivos principales y donde el resto no sobresale ni
desvía la atención

ALTURA
La altura desde la que se está haciendo la fotografía es un elemento más de la
composición. Una misma fotografía puede variar mucho dependiendo de la altura a la
que se dispare.

ALTURA

RELLENAR ESPACIOS
En muchas ocasiones es tanto más importante rellenar los espacios que quedan vacíos para que
la foto quede equilibrada como situar los elementos importantes en los puntos fuertes. No
siempre es necesario, pero puede ayudar mucho.

PRORCIONES

PRORCIONES

PRORCIONES

CONTEXTUALIZAR

CONTEXTUALIZAR

CONTEXTUALIZAR

DECONTEXTUALIZAR

CONTEXTUALIZAR
CONTEXTUALIZAR
TRANSMITIR

TRANSMITIR

ELEMENTOS IMPARES

RITMO

RITMO

DETALLES SIN CONTEXTO




HENRI CARTIER
BRESSON

Henri Cartier Bresson (22 de agosto de 1908-3 de agosto de 2004)1

http://www.magnumphotos.com/C.aspx?VP3=SearchResult&ALID=2TYRYDZRB82W#/Searc
hResult&ALID=2TYRYDZRB82W&VBID=2K1HZOLCOS6Q5Y&PN=3
https://vimeo.com/71513975
LA FOTOGRAFÍA
DIGITAL

LA FOTOGRAFÍA DIGITAL VS ANALOGICA
MANEJO DE LA CÁMARA: EL SENSOR
Sensor y sensibilidad
El sensor de las cámaras fotográficas está compuesto por millones de
pequeños semiconductores de silicio, los cuales captan los fotones
(elementos que componen la luz, la electricidad). A mayor intensidad de luz,
más carga eléctrica existirá.
EL SENSOR
Estos fotones desprenden electrones dentro del sensor, los cuales se

transformarán en una serie de valores digitales creando un píxel. Por lo tanto
cada célula que desprenda el sensor de imagen se corresponde a un píxel o
punto.
El sensor hace las veces de película en la fotografía digital.
El resultado del sensor, ya traducidos a formato binario, se guarda en las

tarjetas de memoria en forma de ficheros de imagen.
Sin entrar en detalles decir las dos tecnologías más populares del mercado
de sensores son CCD y CMOS.
EL SENSOR
El sensor es una matriz bidimensional donde en cada celda hay un

fotosensor que mide los fotones incidentes y produce un voltaje
proporcional.
Por ejemplo una camara de 5 Megapixeles puede tener 2560x 1920 pixeles
= 4.915.200 pixeles. Una camara de 14 Megapixeles puede tener 4500 x
3000 px = 13.500.000 px
EL SENSOR
Tamaño de sensor
El tamaño universal de un fotograma de película para cámaras réflex o SLR
es de 35mm de largo (la diagonal es de 43mm)
Sin embargo, la mayoría de las cámaras DSLR no disponen de un sensor

de ese tamaño, sino más pequeño, por ello se produce una pérdida o recorte
en el campo de visión de los sensores más pequeños. Este formato de
sensor se llama APS.
Los sensores de 35mm se llaman Full Frame o de fotograma completo.

EL SENSOR
EL SENSOR
Esto afecta a la distancia focal de nuestros objetivos, ya que al sufrir las

imágenes un recorte sobre la imagen, las distancias focales que tienen no
son a efectos prácticos las que podemos ver en nuestras fotos.
Cada sensor tiene lo que llamamos un factor de equivalencia para poder

convertir las distancias focales de nuestros objetivos a las distancias focales
efectivas. Así, multiplicando por dicho factor de equivalencia obtenemos la
distancia focal real de la foto.
Ejemplo:
La 1DS Mark III de Canon es full frame, con lo que su factor de equivalencia es 1. Así
un objetivo de 50mm es en efecto 50mm.
Si utilizamos el mismo objetivo en la 1D Mark III (la 1D normal, no la 1Ds), que tiene
un factor de equivalencia de 1,3, esos 50mm equivaldrían a 50 x 1,3 = 65mm.
El mismo objetivo en la 450, que tiene un factor de equivalencia de 1,6, equivaldría a

50 x 1,6 = 80mm. De la misma forma un objetivo 17-50mm equivaldría a un 27-
80mm tradicional.
EL SENSOR
Proporciones del sensor

No todos los sensores tienen las mismas proporciones entre el alto y el
ancho. De este modo hay fabricantes que utilizan formato de 4:3, otros de
3:2 y otros (aunque es menos común) de 16:9, cada uno de ellos más
apaisados.
PROFUNDIDAD DE COLOR : 8, 16 Y 24 Bits
Un píxel o pixel, plural píxeles (acrónimo del inglés picture element,
‘elemento de imagen), es la menor unidad homogénea en color que forma
parte de una imagen digital.
Los pixeles se expresan bits, unidad mínima de informatica
Matriz de pixeles
Los pixeles se expresan bits, unidad mínima de informática.
Cada pixel se compone de un numero de bits variable desde 1 a 32. Y un bit

puede tener dos estados 0 y 1
Matriz de pixeles
Matriz de pixeles
En escala de grises se utiliza 1 canal y en color son necesarios 3 canales.

A partir de 8 bits no se diferencian las transiciones.
La profundidad de color se refiere a la cantidad de bits de información

necesarios para representar el color de un píxel en una imagen digital
En color hay tres canales para poder ser representados RGB .
Color verdadero , es una imagen compuesta de pixeles de 8 bits (1 Byte)

por cada canal de color . Esto es 24 bits por pixel
Color de alta resolución o HiColor
Los valores de profundidad de color de 15 y 16 bits son llamados

habitualmente color de alta resolución o HiColor.
•En la profundidad de 15 bpp se utilizan 5 bits para codificar la intensidad del

rojo, 5 para el verde y los otros 5 para el azul. Con una profundidad de 15 bpp
es posible representar 32 x 32 x32 =32768 colores en cada pixel.
•En la profundidad de 16 bpp se utilizan 5 bits para codificar la intensidad del

rojo, 6 para el verde y los otros 5 para el azul. Con la profundidad de 16 bpp es
posible representar 32 x 64 x32 =65536 colores en cada pixel.
Color real o True Color
Para la profundidad de color de 24 bits por pixel, se habla de color

verdadero debido a que la policromía se acerca a lo que el ojo humano puede
encontrar en el mundo real. En la profundidad de color de 24 bits por pixel, se
dedica un octeto entero a representar la intensidad luminosa de cada uno de
los tres tonos primarios de rojo, verde y azul, lo cual permite que cada pixel
pueda tomar 224 = 256x256x256 = 16.777.216 colores distintos.
Cuando se utilizan 32 bits para representar un color se agrega al esquema de

256 valores para cada tono primario un cuarto canal denominado alfa que
representa la transparencia. Este valor se utiliza cuando se deben superponer
dos imágenes.
Para poder editar imágenes es necesario una imagen con mucha

calidad ya que en muchos procesos de edición se pierde información
EL HISTOGRAMA
La distribución de luz en una imagen puede estudiarse desde que

existe el cuarto oscuro digital con una potente herramienta, el
histograma.
El histograma no es más que

un gráfico que representa la
distribución de luz por zonas,
desde los tonos más oscuros
hasta los claros, un esquema
de 256 columnas que
representan el número de
píxeles de la imagen por
cada valor de luminosidad,
desde negro (0) a blanco
(255). Negro a la izquierda y
blanco a la derecha.
EL HISTOGRAMA
Podríamos dividir estas 256 columnas en 5 zonas (o bien en las 9

zonas de Ansel Adams) como puede verse debajo de estas líneas,
desde los tonos más oscuros a los más claros, y veremos que
proporción de nuestra imagen cae dentro de cada zona.
Es muy importante distinguir claramente el doble uso del histograma.
En el momento de la toma de la fotografía, el histograma de la

cámara nos ayudará a tomar una exposición correcta más allá de
lo que indica el fotómetro.
EL HISTOGRAMA
Pero si bien técnicamente existe siempre un modo de realizar una exposición
correcta, nuestra decisión creativa para el resultado final puede elegirse
con más libertad.
Exponer bien con la llegada de la fotografía digital supone separar las

decisiones que se toman en el momento de hacer la fotografía -
fundamentalmente técnicas- de las que se toman en su procesado posterior -
con más margen a la creatividad.
EL HISTOGRAMA
No es el histograma de la cámara el que nos interesa en la toma, sino el

que corresponde a la imagen final que será mostrada en una pantalla o
en un papel, una vez que ha sido tratada. Modificar de manera global la
intensidad de luz de una imagen tomada se puede hacer de manera
sencilla y precisa, permitiéndonos controlar este recurso y las
consecuencias que tiene sobre la imagen.
EL HISTOGRAMA
Las diferentes herramientas para procesar la imagen producen como

resultado final una distribución de tonos en forma de histograma que
no tiene porqué ser la misma que en el momento de la toma. El resultado
que se mostrará en papel u otro medio puede representar nuestra intención
de reflejar fielmente la luminosidad percibida por el ojo humano en la
escena que vimos o bien cualquier otro propósito creativo
HISTOGRAMA
RANGO DINÁMICO y LA LATITUD
El rango dinámico de un sensor como la razón existente entre el nivel de

saturación de los pixeles y el umbral por debajo del cual no captan señal.
El rango dinámico expresa la capacidad del sensor para recoger

información desde las sombras hasta las luces.
Película diapositiva 4-5 Diafragmas
Película de negativos 7-8 Diafragmas
Cámara digital gama media 5-6 Diafragmas
Cámara digital gama alta 8-9 Diafragmas
CCD gama alta 10-12 Diafragmas

LA EXPOSICIÓN EN DIGITAL
El sensor analógico y el ojo humano, responden a la luz de una manera no

lineal.
Los sensores de las cámaras digitales si responden a la luz de forma lineal.

Cuentan fotones y generan una señal eléctrica proporcional a los mismos.
La exposición que nos permita tener mayor gama tonal es la que contenga mas
Información en las altas luces.
Encontramos 3 situaciones
Alto contraste
Contraste ideal
Es por esto que es conveniente sobre exponer las imágenes en digital.
Observar el histograma y buscar esta distribución. Sobreexponiendo un

poco. Importante que termine ajustado a la derecha
Un método que recomienda José María Mellado
1. Medir la luz en el punto de luz mas alta que querremos en la futura foto.
2. Utilizamos la medición puntual de luz
3. Sobreexponemos 2 diafragmas
4. Reencuadramos y disparamos
FORMATOS DE IMAGEN PARA LAFOTOGRAFIA
RAW
El formato de imágenes raw (entiéndase como "bruto" o "en
crudo" es un formato de archivo digital de imágenes que contiene la
totalidad de los datos de la imagen tal y como ha sido captada por
el sensor digital de la cámara, ya sea fotográfica u otro tipo.
TIFF
Tagged Image File Format es un formato de archivo informático para
imágenes. Sin compresión
PSD
Archivo photoshop por capas
JPEG
JPEG
Joint Photographic Experts Group (JPEG), Grupo Conjunto de
Expertos en Fotografía, es el nombre de un comité de expertos que
creo estándar de compresión y codificación de archivos e imágenes
fijas.
El formato JPEG utiliza habitualmente un algoritmo de

compresión con pérdida para reducir el tamaño de los archivos de
imágenes, esto significa que al descomprimir o visualizar la imagen
no se obtiene exactamente la misma imagen de la que se partía
antes de la compresión.
Existen también tres variantes del estándar JPEG que

comprimen la imagen sin pérdida de datos:JPEG2000, JPEG-
LS y Lossless JPEG.
El algoritmo de compresión JPEG se basa en dos fenómenos

visuales del ojo humano capta más claramente los cambios
de brillo que de color.
El otro es que nota con más facilidad pequeños cambios de brillo
en zonas homogéneas que en zonas donde la variación es grande;
por ejemplo en los bordes de los cuerpos de los objetos.
Una de las características del JPEG es la flexibilidad a la hora de
ajustar el grado de compresión.
La pérdida de calidad cuando se realizan sucesivas compresiones es
acumulativa
LA LUZ. ESCENAS EN CLAVE DE BAJA
Vamos a revisar las dos técnicas que ponen a prueba el histograma

hasta sus límites. La luz, como siempre, será la que marque el valor
de la foto, pero en este caso vamos a llevar al extremo su
predominancia o su ausencia.
Cuando la luz tiene una única fuente principal, que rescata detalles
de las sombras, busca el claroscuro, y perfila los contornos que
conforman la composición de líneas luminosas, hablamos de
Clave Baja.
Las áreas sumidas en sombra no tienen porque perder detalle, y pueden

tener una tenue luz de relleno, que el histograma lógicamente estará
muy a la izquierda.
ESCENAS EN CLAVE DE BAJA Y ALTA
ESCENAS EN CLAVE DE ALTA
Cuando la luz tiene por contra una predominancia absoluta, casi de una
fuente omnipresente, con múltiples fuentes de luz casi uniforme,
hablamos de Clave Alta.
En este caso, las pocas sombras que se salven serán las que marquen la
composición de formas y contornos.
Las zonas totalmente iluminadas no tiene porque perder detalle, y serán las
zonas mas oscuras, incluso casi negras que puedan existir, las que
determinen los detalles principales y la mirada del espectador. En este caso,
al contrario justamente que el la baja, los contornos serán los más oscuros y
las áreas las más iluminadas, y por supuesto el histograma estará a la
derecha
LA LUZ. ESCENAS EN CLAVE DE BAJA Y ALTA
ESCENAS EN CLAVE DE BAJA Y ALTA
En cuanto a la exposición correcta para ambos ejercicios ya se ha

explicado el concepto llevar el histograma a la derecha en el momento
de tomar la imagen,
Como ya explique hace tiempo en un tutorial podemos dejar una

exposición “normal y forzada a la derecha” y obtener una clave alta en
revelado digital sin problemas, siempre que partamos de una iluminación con
el ratio suficientemente controlado.
En el caso opuesto pasaría lo mismo, porque como se ha dicho muchas

veces en digital, para bajar la exposición en procesado siempre hay margen,
pero en la clave baja si que podemos optar por un histograma mas
“analógico”, sin forzar a la derecha.
EJS ESCENAS EN CLAVE DE ALTA
EJS ESCENAS EN CLAVE DE BAJA
EL CONTRASTE
EL CONTRASTE
El movimiento de la Bauhaus de los años veinte del siglo pasado nos mostró
las diferentes formas de contraste que tienen el potencial de hacer
atractiva una imagen.
En este tema trataremos el contraste de brillo o luminosidad de una

escena, también llamado claroscuro, intentando contraponer un color
claro o blanco con un color oscuro o negro.
Es un contraste muy efectivo, dando muchas posibilidades a fotografías donde

juegan muy pocos elementos.
EL CONTRASTE
EL CONTRASTE
El contraste se define como la diferencia relativa en intensidad entre un

punto de una imagen y sus alrededores.
Las diferencias entre grandes zonas determinarán el contraste en el

sentido global de la imagen, y las diferencias entre zonas pequeñas
adyacentes determinarán el micro-contraste o contraste local.
Al mirar una imagen la vista va inevitablemente a la zona más

contrastada, creando alrededor de este fenómeno, inconscientemente,
una composición que nos sea “lógica” o “equilibrada”.
El contraste controla el modelado de la imagen, y es esencial para mostrar

volúmenes o texturas. Las transiciones suaves entre diferentes
luminosidades revelan mejor las formas.
EL CONTRASTE EN COMPOSICIÓN
La estructura formal de una fotografía puede verse reforzada por el
contraste de la misma, en composiciones simples y definidas de líneas y
formas como las que produce un contraluz
EL CONTRASTE
Y, al revés, si queremos incidir en un tipo de fotografía tranquila y
sosegada, intentaremos que grandes áreas de la obra que presentamos
estén poco contrastadas
Ejs EL CONTRASTE
LA COMPOSICIÓN
FOTOGRÁFICA II

PERSPECTIVA
Un método para dar un aspecto diferente a nuestras imágenes es variar la

posición de nuestra cámara respecto a la altura de los elementos que
configuran la escena. Con ello un tema sencillo puede tener un mayor
impacto visual.
Llamaremos ángulo visual al que forma el eje de la cámara con la

horizontal, y desde es punto de vista -antropocéntrico- podemos definir
varias posiciones para las imágenes que tomamos con ella.
• Normal o neutro: el ángulo de la cámara es paralelo al suelo.

• Picado: es una angulación oblicua superior, por encima de la altura de los
elementos en la escena.
• Contrapicado: opuesto al picado, con la cámara apuntando hacia arriba.
• Nadir: la cámara se sitúa completamente por debajo de la escena o el
personaje, en unángulo perpendicular al suelo.
• Cenital: la cámara se sitúa completamente por encima, en un ángulo
tambiénperpendicular.Conseguir

PERSPECTIVA

PERSPECTIVA
En este lenguaje compartido con el cine, las diferentes angulaciones

suelen estar relacionadas con diferentes efectos visuales o
emocionales.
En la historia del cine existen varias películas que siempre aparecen en

las listas de las mejores o favoritas por haber innovado en el lenguaje. Un
ejemplo de esto suele ser ‘El Acorazado Potemkin’, que introdujo
el montaje cinematográfico alterando el tiempo real, y otro en relación con
lo que estudiamos aquí es ‘Ciudadano Kane’ de Orson Welles que
extendió el uso del plano picado y contrapicado, así como de las
sombras para crear sensaciones y de paso tapar zonas en las que no
había decorado.

PERSPECTIVA
Ángulo normal: produce una sensación de estabilidad, normalmente se

encuentra a la altura de los ojos o, en caso de ser un objeto, a su altura
media.
Un ejemplo de buen uso del ángulo normal -y no siempre empleado- es

la fotografía de niños pequeños desde su altura, así como lo son
también la fotografía callejera con la cámara en la cintura, o los retratos
de grupo con la cámara a una altura alrededor de un metro. Es la
posición habitual, la más cómoda y clásica, y la más natural a nuestra
vista.

PERSPECTIVA
Ángulo picado: Los puntos de vista elevados por encima de los ojos o la
altura media del objeto y orientados hacia el suelo tienden a disminuir el
peso visual de los objetos o sujetos fotografiados, perdiendo parte de su
significado individual.
En las escenas de paisaje o urbanas puede reducir la presencia del fondo,

sustituyéndolo por una extensión plana de hierba o pavimento. Los
peatones y coches en movimiento, o ciertos detalles urbanos sólo se
aprecian de este modo y con la perspectiva que proporcionan pasarelas,
puentes o los pisos altos de un edificio. En la fotografía de personas, y con
focales angulares, exageran el tamaño de la cabeza respecto al resto del
cuerpo, representando un personaje psíquicamente débil, dominado o
inferior.

PERSPECTIVA

PERSPECTIVA
Ángulo contrapicado: Los elementos fotografiados desde puntos de vista

bajos cobran altura, en ocasiones convirtiéndose en grandes figuras
enmarcadas por un fondo de árboles, un cielo o un techo. Esta impresión la
refuerza el hecho de eliminar los elementos del primer plano con la posible
pérdida de una referencia de tamaño.
El sentido de las proporciones a veces queda invertido con resultados a

veces sorprendentes. La fotografía de personas desde un punto de vista
bajo, y más aún con un angular deformando más las proporciones, puede
representar -también en el lenguaje cinematográfico- un personaje
psíquicamente fuerte o dominante.

PERSPECTIVA

PERSPECTIVA

PERSPECTIVA
Ángulos cenital y nadir: son casos extremos de los anteriores, pudiendo
producir los mismos efectos o más exagerados, y lo que en geometría se
denomina una perspectiva central, porque el punto al que fugan las líneas se
encuentra hacia el centro de la escena (aunque esto se produce también con
la perspectiva normal de un pasillo, por ejemplo).

TIPOS DE PLANO
Plano general: Si hay personajes nos los muestra de cuerpo entero, así
como muestra su entorno detalladamente. En este plano el entorno cobra
importancia y contextualiza a los protagonistas de la imagen.
Existe una variación que es el plano general corto: este nos muestra a los
protagonistas de la imagen y el entorno necesario para incluir en plano sus
acciones, quedando resaltadas estas.

TIPOS DE PLANO

TIPOS DE PLANO
Plano entero o plano figura: es llamado así porque incluye todo el cuerpo
del protagonista.
Una variación de este es el plano entero con apoyo ambiental, en este
plano el modelo ocupa aproximadamente un cuarto de la imagen.

TIPOS DE PLANO
Plano americano, plano

tres cuartos, plano
medio largo o plano
vaquero: muestra desde
la cabeza hasta cortar
por encima de las
rodillas, para evitar la
sensación de muñones si
estas aparecen al final
del encuadre. Se
utilizaba en los westerns
para mostrar al mismo
tiempo al cowboy y a sus
revólveres, y también
aquí puede haber varios
apoyos.

TIPOS DE PLANO
Plano medio: nos muestra desde el final de la cabeza hasta la cintura

(cuando las manos están en los bolsillos es conveniente ampliar el plano para
no cortarlas).
Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo
humano, por lo que es un tipo de plano ampliamente utilizado en fotografía de
moda, aunque la ortodoxia fotográfica aconseja evitar los cortes en zonas
dolorosas, por lo cual es preferible cortar por el esternón o por los muslos.
Una variación de este es el plano medio corto o plano busto: que incluiría
desde el final de la cabeza hasta el esternón. Este último plano permite
concentrar mucha atención en el protagonista de la imagen.

TIPOS DE PLANO

TIPOS DE PLANO
Primer plano: comprende desde el final de la cabeza hasta el final del

cuello. Con este plano conseguimos una gran intimidad con el protagonista.
Si el plano incluye una mano o dos, una prenda de vestir, una flor, o
cualquier elemento que recuerde una columna sosteniendo la
cabeza, se denomina primer plano con apoyo.

TIPOS DE PLANO
Primerísimo primer plano: capta el rostro desde la base del mentón hasta
la punta de la cabeza. El resultado es la sensación de introducirnos en la
mente del protagonista de la imagen. Cuando variamos el plano hasta incluir
desde la mitad de la frente hasta el cuello, Algunos tratadistas lo denominan
Close Up.

TIPOS DE PLANO
Plano detalle: muestra de

manera muy ampliada un
detalle o zona de la
imagen. Suele llamar la
atención sobre una zona
que de otra manera pasaría
desapercibida o su
importancia diluida.

LA LUZ EN LA
FOTOGRAFÍA

LA LUZ
La luz es el material bruto sobre el que trabajar para un fotógrafo. Los

tratados clásicos de fotografía establecen tres propiedades básicas para la
luz: la calidad, la dirección y el color.

LA LUZ

CALIDAD DE LA LUZ
La calidad de la luz, y de acuerdo con ella clasificaremos la luz en

dura y luz suave o difusa.
Esta propiedad depende únicamente del tamaño de la fuente de luz en

proporción a la distancia al sujeto.
Una fuente puntual y lejana producirá una luz dura, mientras que
una fuente grande y cercana producirá una luz suave. Esto se verá
prestando atención a la naturaleza de las sombras, en cuanto a la
dureza o suavidad de los bordes, su tamaño, dirección y densidad.
Existirán muchas situaciones en las que una fotografía sólo es posible

con un tipo de luz, o en las que la luz es la protagonista en sí misma.

CALIDAD DE LA LUZ
La luz dura, que produce un día soleado o un flash desnudo, define

las formas provocando grandes contrastes.
Los fotógrafos de paisaje tradicionalmente han evitado las horas

centrales del día por este motivo. Sin embargo los modernos sensores
digitales, capaces de capturar contrastes cada vez mayores, permiten
cada vez más trabajar con luz dura dando un mayor detalle en las
sombras profundas y las luces altas, y existen cada vez más fotógrafos
explorando este terreno.
La luz dura hace en ocasiones que los colores se aprecien peor, bajando
su saturación. Emocionalmente nos puede transmitir dureza, agresividad.
La luz dura provoca sombras definidas que pueden convertirse en el

protagonista mismo de la imagen.

CALIDAD DE LA LUZ

CALIDAD DE LA LUZ
La luz difusa es por definición luz que no proviene de un único punto ni
en una única dirección. La suavidad de las sombras ofrece al contrario que
la luz puntual transiciones más graduales en éstas y colores más saturados,
pudiendo crear ambientes más íntimos con una sensación de paz y
tranquilidad.
Puede tener una dirección predominante produciendo una sombra suave, o

ser casi homogénea, perdiendo la sensación de volumen. Hay muchas
situaciones que producen una luz difusa: un día nublado, una zona en
sombra, una gran ventana de luz de estudio, una tela translúcida o una
ventana sucia tamizando la luz solar, o la luz rebotada en cualquier
superficie que no se comporte como un espejo.
Los días nublado son por eso los mejores en ocasiones para la fotografía de
viaje o social en la que no podemos elegir la hora del día para hacer las
fotografías.

CALIDAD DE LA LUZ

CALIDAD DE LA LUZ

CALIDAD DE LA LUZ

DIRECCION DE LA LUZ
Cuando hablemos de la dirección de la luz en fotografía, la referencia será el
eje de la lente, y en función de esto tendremos tres tipos básicos de luz

DIRECCION DE LA LUZ
- Luz frontal, alineada con el eje de la lente y de espaldas al fotógrafo.
- Luz lateral, que proviene de una fuente fuera del eje de la lente, ya sea
horizontal o desde una posición cenital o nadir
- Luz trasera o contraluz, alineada con el eje de la lente y de frente al

fotógrafo.

DIRECCION DE LA LUZ
Luz frontal: es la iluminación más fácil de usar, y por eso el consejo que
se da en los primeros pasos al fotografiar: ‘tener la luz a la espalda’.
Las sombras quedan detrás de los elementos del encuadre y no se ven, y

esto puede hacer que la fotografía sea plana. Sin embargo esta luz
revela los tonos y los colores con gran fuerza. En el caso de elementos sin
brillo la saturación de colores es máxima.
Suele ser una de las preferidas para la fotografía de fauna, y es la que

hace posible el fenómeno del arco iris.

DIRECCION DE LA LUZ

DIRECCION DE LA LUZ
Luz lateral: la luz lateral produce dos efectos fundamentales: revelar

volúmenes y texturas. Ligeramente ladeada a 45 grados refuerza la
sensación de volumen y perfectamente rasante con las superficies muestra
su textura.
Como tercer efecto y si se trata de una fuente puntual, con luz dura, puede
producir un contraste excesivo entre la parte iluminada y la parte en
sombra, pudiendo corregirse esto difuminando la luz o rebotando una parte
hacia la parte en sombra.

DIRECCION DE LA LUZ

DIRECCION DE LA LUZ
Luz trasera o contraluz: ilumina la parte trasera de los elementos en el

encuadre, proyectando sombras hacia la cámara y marca un halo de
luz alrededor de los elementos revelando su forma como una silueta.
También proporciona oportunidades interesantes en el caso de
elementos translúcidos.
El exceso de contraste hace que los elementos a contraluz aparezcan

como figuras negras sin ningún detalle, esto se puede corregir con un
flash de relleno o un reflector. Conseguir una exposición correcta puede
ser complicado.

DIRECCION DE LA LUZ

DIRECCION DE LA LUZ
DIRECCION DE LA LUZ
COLOR DE LA LUZ
El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al

interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores de la
retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas
longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro
electromagnético
El color como imagen formada en el cerebro depende de la interacción de

tres factores
• La luz que reciben los objetos.

• La parte de la luz recibida que reflejan.
• Nuestra percepción de esa luz reflejada.

COLOR DE LA LUZ
Las fuentes de luz afectan a toda una escena, por lo que afectarán a
su color como conjunto. El tono de color global de una escena tiene un
gran poder para comunicar emociones al espectador.
La luz que llamamos cálida con tonos anaranjados tiende a asociarse con
emociones positivas, mientras que las luces frías -o por ejemplo las
mortecinas que producen los fluorescentes antiguos-, se tienden a asociar
con sentimientos negativos.
También nos pueden dar una indicación de la época del año o el

momento del día, y en general tienen el poder de crear una determinada
atmósfera en la imagen, por lo que es un recurso fotográfico que debe ser
estudiado en detalle.

COLOR DE LA LUZ

COLOR DE LA LUZ
El sol, una vela y un flash fotográfico producen todos ellos luz, sin embargo
el color de la luz que desprenden no es idéntico. Un objeto calentado a
una determinada temperatura emitirá luz de un color particular (tendiendo al
rojo para temperaturas bajas y al blanco azulado para temperaturas altas) y
de ahí que éstos colores se expresen tradicionalmente con un número, su
temperatura de color.
El color de la luz no sólo depende de la fuente de origen sino del camino

que hace hasta el objeto, atravesando materiales o fenómenos
meteorológicos -nubes, niebla- que la filtran o reflejándose en diferentes
superficies quEtambién absorben una parte del color.

COLOR DE LA LUZ

COLOR DE LA LUZ

COLOR DE LA LUZ

EL RECORRIDO DE LA LUZ

1. Origen
La fuente de luz vendrá dada por unas características fundamentales: su

tamaño, su distancia a la escena que fotografiamos, su orientación y
su color.
Modificar el tamaño será posible únicamente cuando utilicemos luz

artificial de estudio. Sin embargo sí tendremos casi siempre un cierto
grado de control sobre la distancia, la dirección y el color.
Para cambiar el color, con la introducción de la fotografía digital, sólo será

necesario cambiar el equilibrio de blancos de la cámara. En el caso de la
luz artificial también podremos corregir este color con el uso de filtros
adecuados.

2. Transmisión y difusión
La luz que ilumina una escena sigue un camino en el que puede

encontrarse una serie de obstáculos que modifican sus propiedades.
Incluso cuando no parece que tenga ninguno, como la luz de un día soleado,
es filtrada por la atmósfera modificando su color.
Cuando los elementos que atraviese sean transparentes se modificará

únicamente su color y su intensidad.
Cuando los elementos que atraviesa son translúcidos, se produce una

difusión que hará que nuestra luz dura se transforme en luz suave o difusa.
Un paraguas delante de un flash, una cortina tamizando la luz que entra por
una ventana o un día nublado o con niebla son sólo algunos ejemplos.

3. Absorción y reflexión
A continuación, la luz se refleja en los elementos que fotografiamos y en

el resto de la escena. Las superficies grandes -siempre en relación con el
encuadre que fotografiamos- tienen la propiedad de rebotar luz hacia
nuestra escena.
Esta reflexión también tiene diferentes cualidades en función de la superficie

de los objetos, pudiendo de nuevo dar una luz dura, con reflexiones
especulares como en las superficies metálicas, o la reflexión suave y
difusa de un tejido.
En ocasiones tendremos cierto control sobre esta luz rebotada, como

utilizando difusores colocados por nosotros, o por ejemplo pidiendo a un
modelo que se acerque más a una pared. En el caso de escenas de menor
tamaño podremos usar reflectores específicos para uso fotográfico.

A continuación la luz sigue su camino hacia el observador, y en este camino

también puede encontrarse obstáculos que cambien sus propiedades. Estos
objetos pueden formar parte de la escena, como cuando miramos a través de
una vidriera o una cortina, o estar situados en nuestro ojo fotográfico, con el
uso de filtros en el objetivo para cambiar su color o sus propiedades de
reflexión con un polarizador.


•Filtros Skylight y UV: Su cometido básico es proteger el lente de cristal

del objetivo de posibles suciedades, polvo, arañazos, etc.
Secundariamente filtran la luz ultravioleta y corrigen ligeramente el exceso
de color azul en las fotos, pero de manera casi desapercibida. Como su
mayor finalidad es proteger el objetivo y poco más, suelen tener un coste
bastante económico.


•Filtros de efectos: Son filtros que sirven para aportar algún efecto
determinado a la foto: por ejemplo está el filtro de estrellas, el degradado,
entre otros. Sirven para conseguir efectos que de otro modo tendríamos
que aplicar a través de un programa de edición como Photoshop por
ejemplo.

EL CAMINO DE LA LUZ
EL CAMINO DE LA LUZ
•Filtro Polarizador: Éste es un filtro que cumple dos funciones: por un

lado elimina los reflejos indeseados de superficies brillantes como el agua,
los cristales, etc., y por otro lado ayuda a obtener colores más intensos y
más saturados. Muy útil por ejemplo a la hora de fotografiar un paisaje,
haciendo que el cielo tenga un color azul más intenso y con mayor
contraste con respecto a las nubes.
EL CAMINO DE LA LUZ
•Filtro de Densidad Neutral, ND: Es un filtro gris, compuesto de materias

químicas que ayudan a reducir la cantidad de luz que entra a la cámara sin
perjudicar los colores en absoluto. Sólo necesitarás usar este tipo de filtros
si dominas el modo manual de tu cámara y a demás te encuentras en
situaciones en que no obtienes el balance adecuado entre velocidad de
obturación y cantidad de luz que entra.
FUENTES DE LUZ

FUENTES DE LUZ
A pesar de que siendo estrictos cualquier fuente de luz puede clasificarse

como natural o artificial, la división clásica suele hablar de 4 grupos de
fuentes de luz
• Luz natural diurna.
• Luz artificial existente en la escena o luz disponible.
• Luz fotográfica, de estudio o flashes en la cámara
• Luz nocturna y en los extremos del día.

LUZ NATURAL
Trabajando con luz natural el fotógrafo debe acostumbrarse a no tener

control sobre la misma. Sus propiedades cambian a lo largo del día y de las
estaciones, así como con los diferentes fenómenos atmosféricos. En unas
ocasiones esto significará esperar pacientemente al momento –del día o del año-
con la luz adecuada, preverlo utilizando diferentes recursos, o bien estar
preparado para aprovechar un momento fugaz y tomar decisiones en condiciones
rápidamente cambiantes.
La luz natural de un día soleado es una mezcla de la luz del sol, la luz
reflejada en el cielo y la luz reflejada en las nubes. En origen es una fuente
puntual a una distancia infinita y como tal una fuente de luz dura. Su posición
varía a lo largo del día tanto en orientación como en elevación. Tal y como dijimos
en el primer tema de la luz, los fotógrafos tradicionalmente han evitado las horas
centrales del día. Sin embargo con la llegada de la fotografía digital, las cámaras
ahora son capaces de capturar contrastes cada vez mayores, y existen muchos
fotógrafos explorando este terreno antes vedado.

LUZ NATURAL
La dirección también varía con la latitud geográfica y la época del año. El

lugar por donde sale o se pone el sol se desvía hacia el norte en verano y
hacia el sur en invierno, y la elevación máxima a mediodía varía de 23º en
invierno a 70º en verano (aproximado para 43ºN).

LUZ NATURAL

LUZ NATURAL
Además de en su dirección, la luz natural varía en su color a lo largo del

día y de las estaciones, y en una fotografía bien ejecutada el espectador
identifica inconscientemente el momento en que fue tomada. La luz solar
directa tiene una temperatura de color que tendemos a identificar como el
blanco puro. La luz de un día nublado, por el contrario, tiene una tonalidad
mucho más azul de lo que podemos percibir.

LUZ NATURAL
La luz de un día soleado tiene un reflector natural en la atmósfera.
La luz natural es diferente en función de la situación geográfica
Las propiedades de la luz natural serán modificadas a lo largo de

su recorrido,
La luz de un día nublado o lluvioso, por el contrario, es uniforme, difusa

y con contrastes de luz bajos.
LUZ NATURAL

LUZ DISPONIBLE
Cuando hablamos de Luz Disponible nos referimos siempre al

aprovechamiento de las luces artificiales que alumbran los espacios por
donde transitamos.
A diferencia de la Luz Natural caracterizada por su forma omnisciente, lineal,

cíclica y caprichosa, la Luz Artificial es una luz concebida bajo unos criterios
mesurables para satisfacer nuestras necesidades visuales y adaptarse a la
actividad que estamos desarrollando en ese momento y ese lugar.

LUZ DISPONIBLE

LUZ FOTOGRÁFICA. FLASH Y LUZ CONTINUA
Luces que permitan controlar su posición y su potencia, que

tengan una temperatura de color estable y que admitan el uso de
modificadores tales como softboxes o geles de colores.

Podemos distinguir dos tipos de luces fotográficas: las luces

continuas y el flash.
En las luces continuas destacan las lámparas de tungsteno, los

fluorescentes de estudio y las lámparas de descarga de alta
intensidad.
El flash es la luz fotográfica más utilizada



SEBASTIAO SALGADO

BIOGRAFÍA
Sebastião Salgado es un fotógrafo sociodocumental y fotorreportero brasileño nacido el 8 de

febrero de 1944 en Aymorés (Minas Gerais).. El galerista Hal Gould considera a Salgado el
mejor fotógrafo de los comienzos del siglo XXI. Ha recibido numerosos premios
internacionales, entre otros en 1998 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
MULTIMEDIA
http://www.pelispedia.tv/pelicula/la-sal-de-la-tierra/
MULTIMEDIA
https://www.youtube.com/watch?v=wPKAWwuD3Kc
MAN RAY

BIOGRAFÍA
Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 1890 - París 1976) fue un
artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París(Francia).
Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus
vínculos con cada uno eran informales.
MULTIMEDIA
https://vimeo.com/61972501
ROBERT CAPA

BIOGRAFÍA
Robert Capa, seudónimo de Endre Ernő Friedmann Budapest, Hungría, 1913-, Vietnam,
1954), fue un famoso corresponsal gráfico de guerra y fotoperiodista húngaro del siglo XX.
Fue pareja sentimental de la fotógrafa Gerda Taro y juntos fotografiaban con el pseudónimo
"Robert Capa"; siendo difícil saber qué fotos son de cada uno.
MULTIMEDIA
https://www.youtube.com/watch?v=ctsd90TZHV4
ALFRED STIEGLITZ

MULTIMEDIA
https://www.youtube.com/watch?v=HU0Ye3v7dg4
DAVID CHAPELLE

MULTIMEDIA
https://www.youtube.com/watch?v=7Cl0vPBzbB8
CHEMA MADOZ

MULTIMEDIA
http://www.rtve.es/alacarta/videos/imprescindibles/imprescindibles-
chema-madoz-regar-escondido/1687267/
ANSEL ADAMS

MULTIMEDIA
https://www.youtube.com/watch?v=PqieN8avMD0
EL COLOR
EN LA FOTOGRAFÍA

INTRODUCCION
El color como imagen en nuestro cerebro depende de tres factores: el

color de la luz, la parte que reflejan los objetos, y nuestra
percepción de esa luz que recibimos.
Cualquier fotografía en la que el color sea el tema principal tiene el

potencial de convertirse en una imagen de gran atractivo visual.
El color tiene un lenguaje que debe ser conocido, que posee muchos
significados y puede transmitir muchos mensajes, algunos de ellos
asociados ya a expresiones de nuestro lenguaje (mercado negro,
partidos verdes) y a nuestra herencia cultural.

INTRODUCCION
Es necesario conocer su impacto psicológico (que en cierta manera

viene influenciado por la respuesta fisiológica de la retina) y cómo
seleccionar determinadas combinaciones y reducir el número de
colores para maximizar su efecto.
Los modelos de mezcla de colores primarios como luz (rojo, verde y

azul, modelo RGB) o como pigmento (rojo, amarillo y azul o cian,
magenta y amarillo).

RUEDA DE COLOR

INTRODUCCION
También pueden verse en la rueda los tonos cálidos del extremo
rojo agrupados, y los tonos fríos del extremo opuesto, que pueden
transmitirse como conjunto a una escena tal y como vimos con el
color de la luz

RUEDA DE COLOR
LOS COLORES Y SU SIGNIFICADO
El color rojo tiene el poder de destacar sobre cualquier otro en una

composición, incluso cuando ocupa una parte muy pequeña del encuadre
tal y como dijo Matisse. Expresa energía, poder, vitalidad y es símbolo de
peligro o prohibición.
Situado entre tonos fríos destaca delatándose para parecer más

cercano.
La Escuela de Fotografía de la Camiseta Roja, iniciada en los años 50

por fotógrafos de National Geographic, aprovechó este recurso para crear
imágenes impactantes.
Su intensidad puede hacer que nos transmita diferentes mensajes, desde el

rosa pálido de una bailarina al rojo intenso de unos labios pintados.

EL ROJO

INTRODUCCION
INTRODUCCION
INTRODUCCION
El amarillo es el color más brillante de todos. Por comparación siempre

aparece más luminoso que los colores próximos en la imagen con
excepción del blanco. Es emocionalmente agresivo y vigoroso, y expresa
calor, pudiendo dominar la composición tal y como sucede con el rojo. El
naranja se sitúa entre ambos con propiedades parecidas.

EL AZUL
El azul también un color con un gran poder psicológico transmitiendo

tranquilidad ,frescura e incluso frío. También puede expresar soledad.
Rodeado de otros colores fríos puede dominar la composición, pero no así
si en ella están presentes el rojo y el amarillo.

EL VERDE
El verde es el color de la naturaleza, y tiene el poder de expresar

juventud, frescura, crecimiento o esperanza.
El violeta o magenta son el color del misterio y la espiritualidad.

BLANCO Y NEGRO
Los colores blanco y negro, que son el extremo de mezcla de los dos
modelos, son colores complicados de manejar por cuanto, requieren un
especial cuidado en la exposición para conservar detalles en las zonas
que ocupan, y en el caso del blanco además ligeras dominantes de
color son muy perceptibles en la fotografía, pero no tanto en la escena
cuando la observamos.

ARMONIA Y CONTRASTE DE COLOR
Nuestro sistema visual diferencia los colores por comparación, de

modo que un mismo color en un entorno diferente aparenta ser distinto a la
vista.
Existen combinaciones de colores más aceptadas que otras por la mayoría.

Las combinaciones que producen más impacto visual son aquellas en
las que se produce la armonía o el contraste de colores, que podemos
definir como:
Armonía: La combinación producida por tonos próximos en la rueda de

color a partir de ligeras variaciones sobre un mismo tono.
Existen combinaciones que son excepciones a esta norma como el rojo y el

magenta, que aunque próximos en la rueda, no siempre combinan bien.


Contraste: Las combinaciones producidas por tonos opuestos en la rueda

contrastan fuertemente produciendo un gran atractivo visual.

Los métodos para aumentar el impacto visual de este recurso fotográfico

son muchos:
-Componer con cuidado para excluir cualquier color que rompa el

efecto, con encuadres cerrados tomando la imagen desde muy cerca o bien
usando un teleobjetivo.
-Reforzar el efecto del contraste empleando un máximo de sólo 2 ó 3

colores.
-- Aumentar el contraste de color con el que produce con diferente

luminosidad relativa entre los tonos.

BRILLO Y SATURACIÓN
Una vez elegida una tonalidad de color definiremos ahora dos propiedades
nuevas, la saturación de color y el brillo.
• Saturación. Esta propiedad representa la pureza de un color. Cuanto

menor sea la saturación de un color, mayor tonalidad grisácea habrá y más
decolorado estará.
• Brillo. Representa la luminosidad u oscuridad relativa del color.

Cuanto menor sea el brillo de un color, más oscuro parecerá, llegando en el
extremo todos los tonos a acabar en el negro, que representa la ausencia
total de luz.
Los tres parámetros se pueden representar juntos en el modelo HSV (Hue-

Saturation-Value) oHSB (Brightness) de Albert Munsell.


Los colores saturados producen más impacto, cuando se quiere dar un

efecto vigoroso y espectacular se buscan los colores más vivos posible.
Existen muchos métodos para lograr esto al margen del procesado

posterior de la imagen
-Buscar el ángulo adecuado de la luz, la que mejor funciona es la

frontal.
-Utilizar un filtro polarizador para eliminar reflejos.
- Medir la exposición para el elemento elegido, un tono resultará más

apagado si está sub o sobreexpuesto.


La llegada de la fotografía digital ha hecho que la saturación de color

pueda modificarse de manera directa y sencilla a posteriori. PSD
Encontrar el valor justo es complicado, como el punto de sal en las

comidas. También es sencillo aumentar la saturación de color de manera
local, seleccionando determinados tonos o zonas de la imagen. Existirán
muchas imágenes en las que unas zonas presentan colores menos
saturados que otras, como puede ser el fondo de un paisaje con un velo de
neblina.
De nuevo es necesario ser cuidadoso para no invertir esa situación de

manera irreal.

Sucede sin embargo que muchas escenas por el contrario son atractivas
por sus tonos sutiles y apagados. El predominio de tonos apagados
puede crear un ambiente tranquilo y armonioso.
A diferencia de los tonos saturados, que compiten entre sí, los apagados
forman juegos delicados con diferencias sutiles que son sin embargo
captadas por el espectador.
Los colores apagados son inherentes a algunos temas -desde viviendas en

barrios deteriorados hasta el camuflaje de algunos animales- y en otros el
color está modificado por la luz o por situaciones atmosféricas como la niebla.


Ejs COLOR
Ejs COLOR
MULTIMEDIA.WEB
http://www.psicologiadelcolor.es/
MULTIMEDIA.WEB
https://color.adobe.com/es/
MULTIMEDIA
https://www.youtube.com/watch?v=O6eiJ53X6Ss
HISTORIA DE LA
FOTOGRAFIA I
(1839-1880)
APROXIMACIÓN HISTORICA 1839-1880
La invención de la técnica fotográfica es el resultado de la combinación de

diversos descubrimientos técnicos.
Entre los precursores se encuentran el filósofo chino Mo Di,

los griegos Aristóteles y Euclides que describieron una cámara oscura en
los siglos V y IV a. C, el matemático bizantino Antemio de Tralles que en
el siglo VI utilizó una forma de cámara oscura en sus experimentos; y
cuatro siglos después, el matemático árabe Alhacén hizo un claro y
profundo estudio acerca de la cámara oscura y la proyección estenopeica.
APROXIMACIÓN HISTORICA. CÁMARA OBSCURA
APROXIMACIÓN HISTORICA. CÁMARA LÚCIDA
APROXIMACIÓN HISTORICA
En el campo de la química, San

Alberto Magno descubrió las
propiedades del nitrato de
plata, y Georges Fabricius
(1516–1571) las del cloruro de
plata. En 1568, Daniele
Barbaro describió el mecanismo
de un diafragma, y
en 1694, Wilhelm
Homberg describió el efecto
fotoquímico que producía el
oscurecimiento de algunos
materiales en presencia de la luz.
QUIMICA – OPTICA - FISICA

El primer procedimiento fotográfico fue el fotograbado, descubierto
por Joseph Nicéphore Niépce en la década de 1820. En 1826 consiguió su
primera imagen (positivo directo) permanente: una vista desde su ventana en
Le Gras; utilizando una cámara oscura y como material sensible a la luz una
mezcla de betún de Judea. El tiempo de exposición necesario para obtener
estas imágenes era muy largo: varias horas en un día soleado
Louis
Daguerre experimento con
compuestos de plata,
fundamentándose en un
estudio previo de Johann
Heinrich Schulze de 1816,
donde mostraba que una
mezcla de plata y tiza se
oscurecía con la exposición
a la luz
Los daguerrotipos se distinguen de otros procedimientos porque la

imagen se forma sobre una superficie de plata pulida como un espejo.
Para economizar, normalmente las placas eran de cobre plateado, pues
sólo era necesario disponer de una cara plateada.
DAGUERROTIPO
DAGUERROTIPO
En 1840, William Henry Fox

Talbot desarrolla un sistema
negativo-positivo, en otro
procedimiento llamado calotipo.
Consistía en obtener un negativo de

papel, que luego
por contacto era positivado sobre
otra hoja de papel. El papel se
humedecía en una solución ácida
de nitrato de plata, antes y después
de la exposición y antes de ser
fijada. Supuso el invento de la
copia fotográfica, ya que un único
negativo podía dar lugar a varios
positivos.
En 1842, el astrónomo y químico

inglés sir John Frederick William
Herschel introduce el proceso
llamado cianotipia. También fue el
primero en aplicar los términos
"positivo" y "negativo" a las
imágenes fotográficas. En 1819,
Herschel descubrió el poder
solvente del hiposulfito de
sodio en torno a las sales
de plata insolubles, estableciendo
un precedente a su utilización
como un agente fijador en la
fotografía. Hizo el primer negativo
de cristal a finales de 1839.
Anna Atkins
En 1851, Gustave Le Gray presenta el nuevo procedimiento fotográfico
del colodión húmedo. El colodión se vierte líquido sobre las placas de vidrio,
muy limpias. A continuación las placas se sensibilizan en un tanque con
nitrato de plata, y se cargan en los chasis. Permite la obtención de imágenes
negativas muy nítidas. Se llama "colodión húmedo" porque la placa ha de
permanecer húmeda durante todo el procedimiento de toma y revelado
de las imágenes
APROXIMACIÓN HISTORICA. ROBERT HOWLET
APROXIMACIÓN HISTORICA. NADAR
APROXIMACIÓN HISTORICA. DISDERI
APROXIMACIÓN HISTORICA. ESTEREOPHOTOGRAFIA
VIAJES Y FOTOPERIODISMO
APROXIMACIÓN HISTORICA. WATKINS
APROXIMACIÓN HISTORICA. EL DESNUDO
APROXIMACIÓN HISTORICA. LE GREY
APROXIMACIÓN HISTORICA. FENTON
LA HISTORIA DE LA
FOTOGRAFIA II
(1880-1915)

LA FOTOGRAFÍA EN EXPANSIÓN
La fotografía es accesible y se ha expandido entre la población
Se desarrolla una emulsion de gelatina que susituye al coloidon húmedo

como vehiculo de las sales de plata
1887 H. Goodwin inventa el rollo de celulosa que será el carrete.

Nuevas cámaras y sistemas mecánicos y ópticos

Nuevas cámaras y sistemas mecánicos y ópticos

Nuevas cámaras y sistemas mecánicos y ópticos. Aplanat

Anastigmatic-Tessar. Carls Zeiss

Anastigmatic-Tessar. AGFA
Mejoras en lentes y avances técnicos. Lentes Aplanats y Asticmaticas.
Zeiss.
CAPTURANDO EL MOVIMIENTO
Edward Muy idge

Edward Muy idge

Edward Muy idge

Edward Muybridge
Edward Muybridge
Ottomar Anschutz
Ottomar Anschutz
Ottomar Anschutz
Ottomar Anschutz
Ottomar Anschutz
Antonioo Gliuglio Bragalia. Cronofotografia.

Antonioo Gliuglio Bragalia. Cronofotografia.

Ettiene Jules Marey.

Marie Louise Fuller . Inspiraci’on

Marie Louise Fuller . Inspiracion

Marie Louise Fuller . Inspiracion

Jacques henry lartigue. La belle epoque





KODAK. FOTOGRAFIA PARA TODOS.
George Eastman
FOTOGRAFIA EN COLOR.
1861. James Clerk Maxwell. Proyeccion con filtros de color
1877. Louis Ducos du Hauron.
1977. Louis Ducos du Hauron.
1904. Los hermanos lumiere.
PICTORIALISMO.
Corriente artistica de la
fotografia que conforntraba la
fotografia como un
estilo pictorico cercano a la
pintura con imagenes
indefinidas o partes
Desenfocadas. QU e utilizaba
numeroso procesos de revelado
con tecnicas
Multiples. Y en oposicion a otra
vertiente artistica qeu buscaba
la nitidez de las
Imagenes.
PICTORIALISMO.
Europa, Estados Unidos y

Japón finales de los años 1880 ,
Formalmente, la resolución
plástica derivada de la imagen
borrosa y los temas que eligen
los pictorialistas,
EL Paisaje en días nublados, de

lluvia, de niebla ; el Retrato; se
eligen principalmente figuras
femeninas, e igualmente se
busca esa borrosidad, así
como alegorías, puestas en
escena, poses clásicas, etc.
PICTORIALISMO.
técnicas de positivado usadas

son la impresión al carbón, el
bromóleo, la goma bicromatada,
o el añadido de otros pigmentos
a las emulsiones buscando
hacer las fotografías similares al
dibujo, grabado, etc. Alrededor
de estos experimentos surge la
denominación general de
impresiones nobles.
LA HISTORIA DETRÁS DE LA FOTO.
Denuncia Social, trabajo sociológicos que en ocasiones permitieron
reformas legales y sociales .
Jacob August Riis. Nueva York

Jacob August Riis

Jacob August Riis

Sociologo que retrato el trabajo infantil previo a la primera guerra.
Lewis W. Hine. New York





Su enfoque cambia con el tiempo. Man at work




Retrato social
James van der Zee. Harlem and New Orleans



Ernest J. Bellocq. New Orleans

Arnold Genthe. San Francisco

Arnold Genthe. San Francisco

En Europa documental social y trabajo sociologico
John Thompson. Londres

John Thompson. Londres

August Sander. Alemania. Lifestyles



Edward Sheriff Curtis . American Indians



Adam Clark Vroman. Hopi Indians



MULTIMEDIA. Eugene Atget 1857-1927
. Paris https://www.youtube.com/watch?v=9vGCHf8TF-s
MULTIMEDIA. Stieglitz ,Steichen y la Photosecesion
Pictorialismo Americano https://www.youtube.com/watch?v=HU0Ye3v7dg4

LA HISTORIA DE LA
FOTOGRAFIA III
(1915-1933)

LA FOTOGRAFÍA DIRECTA
Como reacción al
pictorialismo un nuevo
moviento que permite
a la fotografía ser una
fotografía. La luz y la
expresividad toman
importancia.
Evolucionan muchos
autores desde le
pictorialismo
incluyendo a cámara
212 y photosecesion.
Paul Strand evoluciona del pictorialismo a la fotografía directa y es uno

de sus máximos exponentes en EEUU.
“Para cualquiera que vea de verdad, la fotografía es una

prueba de que se ha vivido
Carta a los estudiantes de fotografía:
https://oscarenfotos.com/2013/01/16/paul-strand-carta-a-los-estudiantes-
de-fotografia/
Paul Strand
Paul Strand
Paul Strand
Paul Strand
Paul Strand
Paul Strand
Paul Strand
Paul Strand
Paul Strand
Edward Weston .Abstracción. Arte moderno

Edward Weston
Edward Weston
Edward Weston
Edward Weston
Edward Weston
Edward Weston
Edward Weston
Edward Weston
Tina Modotti Mexico. Femisita

Tina Modotti
Tina Modotti
Tina Modotti
Tina Modotti
Charles Sheeler
Charles Sheeler
Amsel Adams. Grupo f/64

Amsel Adams. Grupo F64






LA NUEVA OBJETIVIDAD.
Después de la primera gran

guerra.
Liberación de la censura.
Lenguaje nítido y documental
frente a la poética.
Diferentes distancias focales,
repetición contrastes
Oposición a la bahuhaus.
También coexistió con
reminiscencias del pictorialismo.
LA NUEVA OBJETIVIDAD
albert renger patzsch






Albert renger patzsch The world is beautiful 1944

Hans Finsler. Swiss

Hans Finsler. Swiss

Hans Finsler. Swiss

Hans Finsler. Swiss

Hans Finsler. Swiss

NUEVO PICTORIALISMO.
Louis Missone
Louis Missone
F. Dkrtirol
F. Dkrtirol
Rodulf Koppitz
EL RENACIMIENTO DEL RETRATO
Combina pictorialismo y
modernismo.
Estilos personales por las técnicas

de revelado.
German Hugo Erfurth fue uno de

sus prinpipales representantes
1884 La Haya. (Fotografias de la
farandula)
German Hugo Erfurth

German Hugo Erfurth

German Hugo Erfurth

German Hugo Erfurth

RETRATOS
Franz Roh. New syle in portraits.

RETRATOS
Franz Roh. New syle in portraits.

RETRATOS
werner graff. New syle in portraits.

RETRATOS
Laszlo moholy-nagy. New syle in portraits.

RETRATOS
Laszlo moholy-nagy. New syle in portraits.

RETRATOS
Man Ray. New syle in portraits.

RETRATOS

RETRATOS

RETRATOS

MODA Y GLAMOUR 1920.
George Hoyningen
George Hoyningen
George Hoyningen
George Hoyningen
George Hoyningen
Martin Munkacsi
Lee Miller
Lee Miller
Lee Miller
Edward steichen. Art Deco

Edward steichen
Edward steichen
adolph de meyer
Adolph de meyer
adolph de meyer
Adolph de meyer
LAS VANGUARIAS
1920 Cambio radical en el arte.

Manifiesto futurista, cubismo,
dadaísmo, construcstivismo,
neoplasticismo, surrealismo…
Nuevas tendencias permiten el uso

de todos los medios para trasformar
las fotografías. Ruptura con los
conceptos estéticos
predeterminados.
Destacamos la obra de
FOTOGRAMA Man Ray
(positivados y rayografias).
Arte abstracto y fotomontaje
Man Ray y Moholy Nagy.
Libertad creativa y mezcla.

LAS VANGUARDIAS
Lazlo Moholy Nagy

LAS VANGUARDIAS
Lazlo Moholy Nagy

LAS VANGUARDIAS
Lazlo Moholy Nagy

LAS VANGUARDIAS
Lazlo Moholy Nagy

LAS VANGUARDIAS
Lazlo Moholy Nagy

LAS VANGUARDIAS
Lazlo Moholy Nagy

LAS VANGUARDIAS
Lazlo Moholy Nagy

LAS VANGUARDIAS
Lazlo Moholy Nagy

LAS VANGUARDIAS
john heartfield
LAS VANGUARDIAS
john heartfield
LAS VANGUARDIAS
john heartfield
LAS VANGUARDIAS
john heartfield
LAS VANGUARDIAS
john heartfield
LAS VANGUARDIAS
john heartfield
LAS VANGUARDIAS
john heartfield
LAS VANGUARDIAS
john heartfield
LAS VANGUARDIAS
raoul hausmann
LAS VANGUARDIAS
raoul hausmann
LAS VANGUARDIAS
raoul hausmann
LAS VANGUARDIAS
raoul hausmann
LAS VANGUARDIAS
Reijlander. Fototipografia
LAS VANGUARDIAS
Reijlander. Fototipografia
LAS VANGUARDIAS. SURREALISMO
Man ray
Man ray
Man ray
Man Ray
LAS VANGUARDIAS RUSAS
Despues de la revolución rusa

1914.El arte como medio de la
construcción de una sociedad
sin clases.
Arte y tecnología.
Revistas, libros , posters,
escenografías, propaganda…
Electricidad + Poder
Sovietico:Comunismo.
Rodchenko
Rodchenko
Rodchenko
Rodchenko
Rodchenko
Lissitzky
Lissitzky
Lissitzky
Lissitzky
Lissitzky
Lissitzky
Lissitzky
ignatovich
ignatovich
ignatovich
EL NUEVO FOTOPERIODISMO
Continuos avances técnicos.

Uso del formato 24 x 36 mm
Autotipia y reproducción
fotomecánica.
Cámaras compactas
Aparición en prensa
F1,8
24X36 mm 1913 . LEITZ CAMERA. 130 uds 1923

Contx Camera 1932. F1,5

Erich Salomon. Importantes personajes y eventos. Periódicos
“No podemos empezar Erich no a llegado..”
Erich Salomon
Erich Salomon
Erich Salomon
Felix H. Man
Felix H. Man
Alfred Eisenstaedt. El ojo del siglo.

alfred eisenstaedt
alfred eisenstaedt
alfred eisenstaedt
Man ray https://vimeo.com/61972501

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FOTOGRAFÍA y

Grado en Ingeniería en Diseño Industrial

Daniel Moreno Nieto

Examen teórico (20%)

NOTA: Tanto en el examen escrito como en los trabajos es

• CONOCER EL MARCO TEÓRICO–HISTÓRICO DE LA

Grado en Ingeniería en Diseño Industrial

Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta

Para capturar y guardar esta imagen, las cámaras fotográficas

La fotografía sólo puede representar el presente. Una vez fotografiado,

La fotografía es, antes que nada, una manera de mirar. No es la mirada

La fotografía es más que un medio para la comunicación efectiva de

Una fotografía no es un accidente, es un concepto.

La fotografía vino a tiempo para liberar la pintura de toda literatura, de la

La borró de la fotografía de su vida no porque no la hubiese amado, sino,

“Si tus fotografías no son lo

“La fotografía es una herramienta para

-“Tus primeras 10.000 fotografías serán

-“La fotografía es para mí el impulso

"La fotografía, como medio de gran

Documentales o periodísticas: fotografías como estas son las que logran

REPORTAJES FOTOGRÁFICOS, FOTOGRAFIA DOCUMENTAL ,

Retrato: en este caso, se busca ilustrar el rostro de uno o varios personajes

Publicitarias: esta clase de fotografías son las que se utilizan

Las fotografías ayudan a representar al producto de forma fiel y atractiva.

Grado en Ingeniería en Diseño Industrial

Las cámaras se pueden clasificar en función de muchas cosas: del soporte

Entre las digitales podemos distinguir básicamente los siguientes tipos,

No existen visores ópticos: O bien usamos pantallas, o visores electrónicos.

A igualdad de características, se pueden hacer cámaras y objetivos mucho

Fiabilidad de los visores

La pantalla LCD es el visor más fiable en cuanto a recorte, ya que lo que

El visor directo es el menos fiable de los tres, ya que tiene un problema

En las cámaras analógicas el funcionamiento es muy similar. La diferencia principal

NOTA: En el ejemplo se ha utilizado una imagen de una cámara DSLR (Cámara

La distancia focal de una lente es la distancia entre el centro óptico de la

En un objetivo la distancia focal es la distancia entre el diafragma de éste y el

En el siguiente ejemplo vemos una foto tomada desde el mismo sitio

Pero la distancia focal no afecta únicamente al acercamiento. También

El objetivo es la parte de la cámara que dirige los rayos de luz hacia el

Distancia mínima de enfoque: Es la distancia a partir de la cual se puede

Apertura máxima de diafragma: Como vimos en el tema de apertura de

Distancia focal mínima y máxima: O el grado de zoom que tiene. Un objetivo

Estabilizador de imagen: El estabilizador de imagen es un sistema que

Enfoque: El sistema de autoenfoque varia en velocidad y precisión según

Calidad de construcción: Los objetivos profesionales distan claramente

Nitidez, distorsión y aberraciones: Los objetivos deforman la imagen,

Antes de salir a hacer fotos

Si vas a ir de viaje o piensas salir a hacer fotos recuerda revisar que tu

No olvides llevar las baterías bien cargadas y las tarjetas formateadas. Si

Limpia tus filtros y objetivos.

Recuerda hacer una revisión de todo lo que puedas necesitar.

A mayor sensibilidad, mayor cantidad de luz son capaces de captar. La

La sensibilidad se mide según el estándar ISO, en el cual cuanto mayor es el

Al aumentar la sensibilidad de nuestra cámara. Al hacerlo estamos perdiendo

La relación entre los números f es que por cada paso la luminosidad se

Cada objetivo tiene una apertura de diafragma máxima. Si son objetivos

La profundidad de campo es la distancia por delante y por detrás

Aproximadamente la distancia nítida es el doble por detrás del punto

A mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha a f/2.8 (mayor apertura de diafragma) tiene

La distancia focal (zoom)

La distancia real entre la cámara y el punto enfocado.

La apertura de diafragma en ese disparo era de f5,6