APRECIACIÓN A LA ESCULTURA

TEMA:

ACTIVIDAD ENTREGABLE #2

INTEGRANTE:

MUÑOZ RICHARD

PARALELO: VIII MECATRONICA

DOCENTE: ING.HECTOR EDUARDO PIÑAN

FECHA DE ENTREGA: 10-JUL-2018

TEMA: DESARROLLO DE LA ACTIVIDAD ENTREGABLE #2 PARA LA MATERIA DE
APRECIACIÓN A LA ESCULTURA

OBJETIVO GENERAL
Desarrollar la actividad entregable #2 para la materia de escultura
OBJETIVOS ESPECÍFICOS
 Conocer mas sobre la escultura
 Desarrollar un mejor criterio sobre las obras de arte
 Completar las actividades plateadas en la guía
 Terminar la guía completa y haber aprendido de una manera compresiva el
estudio de la escultura
DESARROLLO
 Realice un cuadro comparativo entre las características de las tres épocas más
importantes de la escultura griega.
Arcaico
Periodo
siglos VII al VI a.C.
Características
 Escultura en caliza y
mármol
 Ausencia de movimiento
 Falta de separación en
brazos
 Expresión hierática
 Carácter votivo (Dioses)
 Influencia egipcia
Obras
 Triada de Micerino
 Kuros de Anavissos
 Kóre de Quíos
Escultura
Escultura Griega
Clásico Helénico
Siglo V a.C. al III a.C. Siglo III a. C. hasta el I a.C.
 Dominio de la anatomía  Concepto de belleza y
 Canon de la belleza realidad
 Inicio de la simetría  Elegancia y serenidad
 Dinamismo
 Personalidad del  Escenas de la vida
personaje cotidiana
 Surge movimiento  Movimiento
 Discóbolo (Miron)  Torso Balvedere
 Contraposto (Policleto)  Afrodita
 Jitón (Fidas)  Venus de milo
Redacte un texto que señale las razones para que el género del desnudo haya
tomado tanta importancia.

El género del desnudo

La representación del desnudo tiene lugar en la historia del arte desde sus inicios. De
hecho, los hay que consideran al desnudo el tema que más importancia ha tenido a lo
largo de toda la historia del arte. Lo que está claro es que se trata de unos de los géneros
artísticos por excelencia, que tuvo desde siempre su lugar reservado en la academia.

El arte siempre ha servido como medio de representar el mundo en el que vivimos y de

representarnos a nosotros mismos, no hay que olvidar la tendencia natural del ser
humano hacia el autoconocimiento, a profundizar en su esencia.

Por norma general, suele relacionarse al desnudo con el erotismo, pero también puede
generar otras sensaciones muy distintas, ya que el cuerpo es el vehículo a través del cual
experimentamos el mundo y por ello, podemos expresar todas las sensaciones a través
de él.

En los tiempos de la Grecia clásica, por ejemplo, el desnudo suponía el vehículo

mediante el cual expresar las emociones, los valores y las cualidades humanas a través
de su ideal de belleza, basado en la proporción y la armonía. La belleza, entendida como
perfección, representaba la unión entre el cuerpo y el espíritu. Por ello, los griegos, al
tratar el desnudo, no tenían intención de copiarlo de manera fidedigna, sino que lo
mejoraban para lograr transmitir esas sensaciones tan apreciadas de armonía, energía,
éxtasis, humildad y, por encima de todo, el pathos.

El desnudo es un género artístico que consiste en la representación en diversos medios

artísticos pintura, escultura o, más recientemente, cine y fotografía del cuerpo humano
desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de arte. La
desnudez en el arte ha reflejado por lo general los estándares sociales para la estética y
la moralidad de la época en que se realizó la obra. Muchas culturas toleran la desnudez
en el arte en mayor medida que la desnudez en la vida real, con diferentes parámetros
sobre qué es aceptable
Señale las características de la época renacentista, seleccione el autor más importante
e indique en una obra las evidencias e influencias de la época.

Época renacentista

La escultura del Renacimiento italiano comprende el periodo aproximado entre fines del
siglo XIV y principios del siglo XVI, cuando la escultura italiana expresó una reacción en
contra de los principios de la estética gótica y la asimilación de la influencia del arte de
la antigüedad clásica, el humanismo y el racionalismo, y desarrolló un estilo que fusiona
elementos naturalistas e idealistas en proporciones variables.

Las principales características de la escultura del Renacimiento

 Definición como una forma de adquirir el conocimiento y la educación como un

instrumento de la ética pública
 Observación directa de la naturaleza y de conceptos estéticos idealistas
desarrollados por el humanismo.
 El hombre se colocó en el centro del universo
 Florecieron los géneros de desnudo artístico y el retrato
 Se reanudaron también temas mitológicos,
 Se estableció un cuerpo de teoría para legitimar y orientar el arte de la época,
 Se hizo hincapié en la estrecha relación entre el conocimiento teórico y una
rigurosa disciplina de trabajo práctico
 La creación de una obra de arte calificado.

Artista
Lorenzo di Bartolo (1378-1455)

Ilustración 1. El Sacrificio de Isaac

El Sacrificio de Isaac que él realiza en formato mixtilíneo, mezcla de ejes de varios tipos
en la composición que era la tradición medieval en la forma de encuadre de las escenas.
Pero ya se muestra en esta obra sus intereses a la hora de representar, el estudio del
canon de las figuras, la libertad compositiva y la distribución esquemática. Suele
modelar alto-relieves para proyectar más el espacio y jugar con el claro-oscuro, la
perspectiva, lo que se denomina Relieve Pictórico también añadiendo mayor
ambientación a las escenas.

Pero la realización de la escena: el canon, la libertad compositiva y la distribución

esquemática de las figuras son propias del autor, ya con un pie en el Renacimiento.
Sobre un fondo liso destaca el alto-relieve que juega con la luz y las sombras.
La obra escultórica de la época barroca tiene características particulares. Señale y
explique seis de ellas a través de una obra escultórica del escultor fundamental, Gian
Lorenzo Bernini, redacte cómo es la obra escultórica de este artista.

Época Barroca

Es un estilo artístico nacido en Italia a finales del XVI Se desarrolla en Europa (Francia,
Flandes, Holanda) y América Latina a lo largo del Siglo XVII y primeras décadas del XVIII

Sus características generales son:

 Naturalismo, es decir, representación de la naturaleza tal y como es, sin

idealizarla.
  Integración en la arquitectura, que proporciona intensidad dramática.

 Esquemas compositivos libres del geometrismo y la proporción equilibrada

propia de la escultura del Renacimiento pleno. La escultura barroca busca el
movimiento; se proyecta dinámicamente hacia afuera con líneas de tensión
complejas, especialmente la helicoidal o serpentinata, y multiplicidad de planos
y puntos de vista. Esta inestabilidad se manifiesta en la inquietud de personajes
y escenas, en la amplitud y ampulosidad de los ropajes, en el contraste de
texturas y superficies, a veces en la inclusión de distintos materiales, todo lo cual
que produce fuertes efectos lumínicos y visuales.

 Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada,

conseguido mediante una composición asimétrica, donde predominan las
diagonales y serpentinatas, las poses sesgadas y oblicuas, el escorzo y los
contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con
gran expresividad.

 A pesar de la identificación del Barroco con un "arte de la Contrarreforma",

adecuado al sentimiento de la devoción popular, la escultura barroca, incluso en
los países católicos, tuvo una gran pluralidad de temas (religiosos, funerarios,
mitológicos, retratos, etc.)

 La manifestación principal es la estatuaria, utilizada para la ornamentación de

espacios interiores y exteriores de los edificios, así como de los espacios abiertos,
tanto privados (jardines) como públicos (plazas). Las fuentes fueron un tipo
escultórico que se acomodó muy bien con el estilo barroco. Particularmente en
España, tuvieron un extraordinario desarrollo la imaginería y los retablos.

Bernini, Gian Lorenzo

(Nápoles, 1598-Roma, 1680). Pintor, escultor y arquitecto italiano. La larga vida de

Bernini fue una casi continua sucesión de éxitos, en el transcurso de la cual el napolitano
llegó a imponer una auténtica dictadura artística en la Roma de buena parte del si-glo
XVII, la ciudad que se había convertido en el centro indiscutible de la vanguardia artística
contemporánea. Creador polifacético, Bernini destacó, ante todo, por sus obras
escultóricas y arquitectónicas, aunque no dejó de practicar la pintura -sobre todo el
retrato-, si bien en menor medida que las anteriores. Favorito de casi todos los papas,
también creó para ellos y para la nobleza -romana grandiosos montajes escenográficos,
y llegó a componer él mismo el texto y la música de algunos de ellos. Su estilo retórico
y grandilocuente se convirtió en la definición de una de las poéticas más fecundas e
influyentes del barroco

Obra

Apolo y Dafne

Ilustración 2. Apolo y Dafne

El escultor italiano plasmó a la perfección y a tamaño natural uno de los instantes más
importantes del pasaje del mito que relata Ovidio. Escogió el momento exacto en que
Apolo da alcance a Dafne y ésta comienza a convertirse en árbol.
Es más que notable la influencia de la escultura helenístico; el canon de siete cabezas y
media en el tamaño de las proporciones, y el juego constante con la luz y el claroscuro
de las sombras para dar realismo y volumen a los cuerpos y los ropajes.

El dramatismo se hace hueco en los rostros de las figuras. La obra tiene una gran
característica como escultura de bulto redondo que se trata, y es que puede llegar a ser
vista desde diferentes puntos de vista.

La inestabilidad es una sensación muy presente en esta composición abierta, debido a

las líneas curvas y paralelas de los cuerpos. Pero se consigue el dinamismo y el equilibrio
visual más armonioso con las líneas diagonales de movimiento. Lo más impactante es el
virtuosismo de Bernini. Consiguió hacer con el cuerpo de Dafne algo que parecía estar
fuera del alcance del mármol. Su figura parece estar flotando en el aire.
Analice y describa las características de obras fundamentales de Rodin: luego las
características específicas de las siguientes obras: El Balzac, Las tres sombras y El beso,
enumerando las características de cada una de ellas, relacionándolas con la época en
que fueron realizadas, señale las técnicas en que fueron trabajadas.

Augusto Rodin.

Rodin es el principal escultor europeo del siglo XIX, así como el punto de arranque de
toda la escultura moderna, ya que rompe totalmente con el Neoclasicismo, abriendo el
camino para la escultura del siglo XX. Su obra e influencia fueron extraordinarias,
superando al Impresionismo, con toques simbolistas y expresionistas. Nació en París en
humilde cuna y fracasó en el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes, teniendo
que ganarse la vida durante un tiempo como decorador. Visitó Bélgica e Italia,
descubriendo el barroco flamenco y Rubens, y la terribilidad y la fuerza de Miguel Ángel,
que transporta a sus obras. Rodin dedicó gran parte de su juventud a acumular
conocimientos sobre anatomía, que en más de una oportunidad le valieron la envidia y
el descontento de los escultores reconocidos como tales por la Academia de Bellas Artes
de París. Este cierto rechazo puede explicarse por su vida errante en París, con sus tres
talleres repletos de obras colosales, su apariencia barbuda de profeta panteísta, su
relación tormentosa con la escultora Camille Claudel, que, tras la ruptura, lleva a ésta a
una depresión y al internamiento en una clínica mental, o las polémicas levantadas
acerca de su arte.

El Balzac

Ilustración 3. Balzac de Rodin

Encargado de honrar a uno de los novelistas más grandes de Francia, Rodin pasó siete
años preparándose para Monumento a Balzac, estudiando la vida y obra del escritor,
posando modelos que se parecían a él y ordenando ropa para sus medidas. En última
instancia, sin embargo, el objetivo de Rodin era menos crear una imagen física de
Honoré de Balzac (1799-1850) que comunicar una idea o espíritu del hombre y un
sentido de su vitalidad creativa.

Elementos transmiten sus propios valores mientras que la cabeza había evolucionado
de un retrato parecido hacia un concentrado de rasgos expresivos, con una tendencia a
la dilución de la forma, en una sinfonía de matices materializadas por la superficie
flexible de la bata, La bata está llevada al límite de su estilización, despojada de todo lo
accesorio, pero con una tridimensionalidad desbordante y son las cuencas de los ojos,
llenas de plenitud a pesar de su vacío evidente, casi podríamos decir que en esta figura
Balzac proyecta los rayos de su mirada hacia todas direcciones.

Las tres sombras

Ilustración 4. Tres sombras

Se trata de tres figuras, masculinas, que, en comparación con otras obras de arte de este
autor, no tienen un tratamiento muscular de excesiva profundidad. Las Tres Sombras sí
que son figuras que muestran una gran continuidad, con el objetivo de lograr un impacto
muy fluido de la luz sobre sus cuerpos

Otra nota muy interesante de esta obra es que Rodin se nos muestra aquí como un
creador mucho más preocupado por las proporciones que por la corrección de las
formas. De hecho, el excesivo alargamiento tanto de los hombros como de los cuellos
da la sensación de que se trata de figuras deformes. Este tipo de representaciones
suelen tener una estructura compositiva similar basada en las posturas de las figuras y
cierta simetría, aunque Rodin en su particular revisión ha creado un movimiento
individual para cada una de las figuras.

Algo muy curioso teniendo en cuenta que aquí las tres figuras son rigurosamente
idénticas unas a otras. Lo único que varía es su posición, lo cual por otra parte hace que
de un solo vistazo podamos ver una misma figura desde tres ángulos y puntos de vista
distintos. Y en cambio, ni aun así se produce efecto alguno de simetría. Todo lo contrario,
parecen variadas y vivas.

El beso

Ilustración 5. El beso

El Beso representaba en su origen a Paolo y Francesca, personajes procedentes de la

Divina Comedia, poema de Dante Alighieri (1265-1321). El modelado flexible y liso, la
composición muy dinámica y el tema encantador, hicieron que este grupo tuviera un
éxito inmediato, El Estado francés encargó una versión ampliada en mármol que Rodin
puso cerca de diez años en entregar. La obra nos plasma el romanticismo intenso, el
realismo es impresionante y los detalles nos hacen pensar en la concentración y
dedicación que Rodin pudo haber puesto en esta obra. El realismo centra su interés en
la realidad de estos amantes y nos invita a disfrutar del gran talento que poseía Rodin,
juntamente con el impresionadísimo que en esos momentos se lo consideraba un
movimiento pictórico.

Henry Moore hace importantes aportes a la escultura moderna. Redacte a través de

tres obras, los aportes más importantes de este artista organicista.

Henry Moore
Henry Moore es aclamado como el más importante escultor británico del siglo XX. Su
obra, centrada en la figura humana, en especial en la mujer, está compuesta de unas
esculturas y una gran cantidad de dibujos, en los que enlazaba su amplio conocimiento
del arte del pasado con las nuevas tendencias del siglo que le tocó vivir. La obra de
Moore, emblemática dentro de la escultura británica moderna, reúne elementos de lo
abstracto, lo surrealista, lo primitivo, y lo clásico. Sus formas son accesibles y familiares
a la vez que claramente vanguardistas.

Obras

Una de las piezas combina esta obsesión con otra de sus temáticas favoritas, las figuras
reclinadas, con piezas conectadas que sugieren que la exterior es la madre que protege
al hijo, la más interna. A miles de kilómetros de su emplazamiento original, esta obra de
Moore se ilumina bajo los rayos del sol mediterráneo.

Madre e hijo reclinados, de Henry Moore, en la Plaza del Ayuntamiento de Valencia

Fusiona el cuerpo humano con las formas rocosas y el paisaje, y de esta forma convierte
rodillas y pechos en montañas. Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando
la técnica de tallado directo, en la que la forma de la escultura se desarrolla mientras el
artista talla el bloque.
Moore realizaba varios bocetos y dibujos para cada escultura. Sus primeras esculturas
mostraban vacíos convencionales, producto de extremidades flexionadas que se
separaban y regresaban al cuerpo. Posteriormente sus figuras se volvieron más
abstractas y tenían agujeros que penetraban directamente el cuerpo. Por medio de este
tipo de figuras Moore exploró formas cóncavas y convexas.

Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto y la era de la bomba atómica

infundieron en la escultura de los años 1940 un sentimiento de que el arte debería
regresar a sus orígenes preculturales y prerracionales. Moore comenzó a producir
esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce
usando la técnica de la cera perdida o en arena. La mayoría de sus
esculturas representan el cuerpo femenino Una de las características más significativas
de su obra es el valor que da al hueco que se hace expresivo y forma parte esencial de
la misma. La masa se destaca por contraste con los huecos, con maestría los volúmenes
cóncavos y convexos. El espacio forma parte de la obra.

Revise las obras de los autores del Pop Art, realice un análisis sobre cómo los autores
a través de sus obras exponen sus puntos de vista y hacen una crítica de la sociedad
que los rodea.

POP ART

Es la abreviación para referirnos al popular art, sin embargo, debemos de tener en

cuenta que la palabra popular se utiliza aquí para referirnos a lo “masificado”, a
“producto en serie”. Esta corriente artística no pretende expresar desdén hacia estos
objetos, sino al contrario, su objetivo es otorgarles cierto valor positivo a través de la
técnica de extrañamiento (cuya meta es hacer los objetos distintos a su propia
naturaleza) confiriéndoles así, una nueva dignidad estética. En pocas palabras, se podría
decir que el POP ART utiliza imágenes conocidas otorgándoles un sentido diferente para
lograr una postura estética y/o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.

Claes Oldenburg

(Estocolmo, Suecia; 28 de enero de 1929) es un escultor, pionero del Pop Art. Es

conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan réplicas a
gran escala de objetos cotidianos. Otro tema en su obra son las versiones en escultura
blanda de objetos normalmente duros.

Es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan réplicas a
gran escala de objetos cotidianos, esta técnica de extrañamiento es conocida como
agigantamiento; sin embargo, no es la única técnica que utiliza. Otra de las técnicas
utilizadas por él es la de softness que consiste en vaciar de su materia a los utensilios
tecnológicos, es decir privarlos de soporte logrando que su piel se hunda, se encoja.
También utiliza la técnica contraria a esta, el hardness. podría decir que el cuerpo suave,
maleable y colorido desafía la convención de escultura tradicional la cual suele pensarse
como rígida y austera, además de que el material utilizado y su escala colosal infunden
humor y fantasía por lo que su arte puede llegar a describirse como un arte de parodia
y humor; además, es importante mencionar que Oldenburg utiliza como fuente de
inspiración los objetos de la vida cotidiana.

Segal, George (1926-2000).

Escultor estadounidense nacido en Nueva York en 1926 y fallecido en su granja de New

Jersey el 9 de junio de 2000. Es conocido sobre todo por sus estatuas de yeso blanco y
bronce de tamaño natural rodeadas de objetos corrientes y en actitudes propias de la
vida cotidiana.

Sus obras son inspiradas en modelos en movimiento. Suele colocarlas en escenarios

cotidianos o solitarios, tales como cafés, autobuses, ascensores u oficinas, y rodearlas
de objetos comunes que a menudo sacaba de la chatarra. La sensación que producen es
de una queda y fantasmal angustia y de un profundo aislamiento que contrasta con su
movilidad. Su técnica de fundido, en la que las figuras están envueltas con vendas y
esparadrapos, da a sus esculturas una áspera textura y elimina detalles, lo que aumenta
su sentido de anonimato y aislamiento.

Seleccione dos autores y evidencie esta crítica. Redacte el análisis en mínimo diez
líneas por cada uno de los autores.

Hiperrealismo
La escultura hiperrealista es una forma de arte que captura la estética humana compleja
de manera tan perfecta que las figuras pudieran casi estar vivas. Principalmente usando
arcilla, resina y silicón, los escultores hacen modelos tridimensionales y pintan cada
parte, desde las caídas y las curvas de la piel hasta los folículos llenos de caspa. Ningún
detalle es olvidado. Estas esculturas pueden tomar meses para completar y no es difícil
ver el por qué. Son muy realistas y guían nuestra curiosidad natural sobre nuestras
propias características, nuestra fascinación por las arrugas, poros grasos y las diferentes
formas y tamaños del cuerpo humano.

Duane Hanson

Es uno de los pioneros en emplear esta técnica (que luego continuaría el afamado artista
Ron Mueck). Nacido en E.E.U.U. en 1925, es hijo de inmigrantes suecos a ese país,
granjeros en Alexandría, Minnesota, y muere el 6 de enero de 1996

Sus obras las realiza con diversos materiales, como el bronce y materiales sintéticos
(resina de poliéster, fibra de vidrio, etc.), elaborando las esculturas directamente en
moldes tridimensionales, más conocido como fundición viva. Su trabajo lo culmina con
la pintura color piel, colocando los elementos decorativos y representativos, como ser
la ropa o la joyería. Siendo un artista hiperrealista, sus obras se destacan por ser de
tamaños exagerados, donde la perfección en las terminaciones (como por ejemplo sus
rostros), captan la atención de los observadores, diferenciándose de Mueck en su fuente
de inspiración, ya que retrata al ciudadano común, ese ser del cotidiano y que podemos
encontrarnos en cualquier momento, inclinándose por adultos mayores y personas de
gran porte.

Ron Mueck

Es un artista Australiano con sede en Londres, que tiene la gran habilidad de reproducir
de forma detallada el cuerpo humano y sus expresiones, a través de impresionantes
esculturas hiperrealistas, las cuales logran transmitir emociones y pensamientos a
quienes las contempla

Explota su dominio de la anatomía y su talento para detonar, ante estos seres

inmutables, exclamaciones, así como reflexiones sobre el límite entre la realidad y el
artificio, entre lo revelado y lo oculto, el vínculo palpable que une presencia y ausencia.

Con sus obras de proporciones poco convencionales, busca recrear la magnitud de las
emociones con relación al cuerpo, resaltando los más minuciosos detalles, desde la
pigmentación de la piel, la más sutil de las arrugar, los vellos y las expresiones faciales,
que sin dificultad crean de inmediato un vínculo con una realidad y mostrar al
espectador una posición ventajosa que permita estudiar las expresiones y analizar cada
detalle del lenguaje corporal de sus obras: acabados estremecedores, meticuloso en el
menor detalle.
Realice un cuadro comparativo de las características de las obras escultóricas de los
autores Alexander Calder y Alberto Giacometti.
 Artistas

Alexander Calder Alberto Giacometti

Biografía

Escultor del arte abstracto. Es más conocido como el Escultor del arte abstracto. Experimentó con el
inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), cubismo, sin embargo, le atrajo más el movimiento
un precursor de la escultura cinética surrealista

Características

Sus obras culturales son esculturas Móviles hechas Comienza sus esculturas alargadas, delgadas,
con alambre; también realizó esculturas inmóviles demacradas y descarnadas en bronce tan
llamadas estables que están hechos de acero al características. El sello y la firma de Giacometti
carbono y pintados de negro en su mayoría, excepto
está en estas esculturas inquietantes y capaces
el hombre que va a ser de acero inoxidable (crudo),
de “arrastrar” al espectador a su mundo
el móvil está hecho de aluminio y duraluminio
existencialista

Obras

Las nubes Bola suspendida

Análisis
 Son 31 paneles de madera que reflejan el sonido y Es una escultura construida como una jaula abierta
actúan de soporte acústico. Se encuentran de barras de hierro en cuyo interior se encuentra
suspendidos en el cielo raso y en las paredes una esfera con una hendidura y colgada de una
laterales del Aula Magna de la Universidad Central cuerda que roza, con un vaivén, la arista afilada de
de Venezuela. Estas esculturas flotantes creadas por una pieza semirrecostada en forma de media luna o
el ingenio de Calder, por requerimiento del de gajo de naranja
arquitecto Carlos Raúl Villanueva, convierten al
recinto teatral en una de las cinco salas con mejor
acústica del mundo

Seleccione al escultor Alexander Calder y realice la interpretación de una de sus obras

denominadas Móviles. Puede hacerlo con el material que usted considere pertinente.
Envíe mínimo tres fotografías, dos del proceso y una de la obra concluida.

Obra del artista Alexander Calder

Interpretación de su obra