la Guía

esencial
sobre
mEZCLA Balance, panorama, ecualización,
compresión… Aprende todo lo
necesario para que tus temas
suenen como un cañón...

28  /  Computer Music  /  Tutoriales

 haz música ya  <

La mezcla es quizá la parte más importante

del proceso de producción musical y la que
más destreza requiere –¡pero no dejes que
eso te intimide! Es la etapa en la que conviertes
todas tus partes grabadas y muestras en un
cuadro sonoro coherente, que será percibido
por el oyente. El proceso de mezcla es un arte
en cierto modo comparable a la escultura;
supone dar forma al sonido a través del ajuste
de niveles y la posición de las partes en el
espectro estéreo (panorama), así como
el uso de ecualización (EQ) y compresión.
Otras herramientas que forman parte
del proceso son los plug-ins de efectos.
La ecualización trabaja sobre las frecuencias
de un sonido para dar forma a los agudos, medios
y graves, gracias a una versión mucho más
precisa de los controles de tono de un equipo hi-fi
doméstico. Los compresores controlan el volumen
de una parte, con un ajuste automático del rango
dinámico (el intervalo de volumen, de lo más
silencioso a lo más alto) durante la duración de
una canción. En su plano más básico, ayuda a
que una parte tenga un volumen consistente
durante una mezcla, aunque la compresión
también tiene usos creativos: dotar de energía
a partes individuales o a la mezcla como un todo,
al manipular la forma de la envolvente para crear
un sonido con bombeo y pegada, que “respire”.
De hecho, la música dance, rock y pop, tal como
hoy la conocemos, no existiría sin los compresores.

otra dimensión
Otra herramienta de mezcla muy importante,
aunque no esencial, es la popular reverb.
Este omnipresente efecto sitúa en un espacio
virtual el sonido sobre el que se aplica, para crear
una sensación de profundidad tridimensional.
Hoy existe una tendencia hacia mezclas “secas”,
y la reverb ha perdido parte de su importancia,
hasta el punto de ser ignorada en ocasiones.
Aunque no será por mucho tiempo.
Un espacio de reverberación es la imitación
de cualquier lugar: desde el interior de
una cafetera al de una inmensa catedral.
Al utilizar reverb con sutileza y de modo
selectivo (unos sonidos secos y próximos y
otros más lejanos, con diferentes ambientes),
crearás una escena sonora rica y “natural”.
A la larga, el proceso de mezcla supone el ajuste
de balances y cómo cambian a través de un tema
(el desarrollo dinámico, en otras palabras); como
explicaremos más tarde, no se trata de conseguir
el balance perfecto, sino el balance correcto y
excitante. También conviene recordar que en
una mezcla no siempre es necesario utilizar cada
elemento que se ha grabado –lo que se ignora es a
veces tan efectivo como lo que se queda dentro de
la mezcla. Antes de empezar, hagamos hincapié en
un último detalle: no se trata de llegar a la “línea
de meta”. Una mezcla nunca se finaliza, sino que
eN eL DVD
se abandona; con frecuencia, cuanto más pronto
la abandones y la consideres acabada, mejor.
En este tutorial práctico utilizaremos sobre
La carpeta ‘Tutoriales’ todo Propellerhead Record, aunque todos los
del disco de portada
incluye ejemplos de
procesos tratados son universales y aplicables
audio para acompañar al mezclador de cualquier secuenciador soft.
a las guías paso a paso.
Sin más preámbulos, ¡comencemos a mezclar!

Tutoriales  /  Computer musiC  /  29

Prepárate para mezclar
Hace años, cuando la música se registraba
en cinta, lo normal era comenzar una
mezcla desde cero: una mesa de mezclas
“plana” (los faders de nivel en cero y sin EQ
de ningún tipo), sin efectos insertados en
los canales ni aplicados desde los envíos
auxiliares y sin balance de referencia en los
monitores. Hoy, gracias a los mezcladores
de los secuenciadores (con “rellamada
total”) no hay necesidad de configurar
con laboriosidad cada elemento para
un proyecto determinado; la tendencia
es añadir compresión, EQ y efectos según
se desarrolla el tema. Se trata de una
especie de mezcla sobre la marcha; si hay
que eliminar todos los efectos y empezar
de cero se considera un paso atrás. A veces
es necesario, pero una buena medida es
silenciar los efectos (con la función ‘bypass’)
y volver a la parte original (ya sea batería,
voz o cualquier otro elemento –en resumen,
un punto de partida válido) como forma de
refresco, que no destruya todo el trabajo
realizado, ya que siempre se guarda una
versión separada del proyecto con efectos
por si es necesario volver a ella. También
conviene volcar una versión de la mezcla
final de monitores como archivo de audio
estéreo, que te sirva de referencia para
construir la mezcla de nuevo.
estructura de sonido
Hay pequeñas medidas que te ayudarán
a prepararte de modo psicológico para
la mezcla, aunque es posible que algunas
ya las hayas realizado durante el proceso
de grabación. Una de ellas es dividir
la canción en secciones a través de
marcadores, siempre que tu secuenciador
lo permita. Es muy útil distinguir de forma
visual entre estrofas, estribillos, puentes,
etc. Te ayuda a obtener un sentido de
estructura del tema y a conocer cómo
se desarrollan la energía y dinámica de
la mezcla. Si observas la estructura del
¿Qué hace buena a una mezcla?
Es una pregunta difícil de contestar en
menos de un millón de palabras. Aunque hay
ciertos puntos que conviene tener en cuenta.
Una buena mezcla es similar a un perro
salvaje atado: quiere abalanzarse sobre ti.
La mezcla tiene que tener un cierto nivel
de “pegada”, que se consigue gracias al
uso inteligente de compresores tanto en
partes individuales como en la mezcla global.
Ha de contar ser “excitante”, y esto se
consigue con el uso preciso de EQs, sobre
todo en frecuencias agudas, para crear
brillo y claridad. El oído ha de tener algo
en lo que centrarse: una parte dominante
en todo momento que te guíe durante
todo el tema. Quizá se trate de una voz
solista intercalada con un riff de algún tipo;
pero dos partes no conectadas no han
de competir por la atención del oyente.
Eso se evita con un balance inteligente
y ajuste de los volúmenes de cada parte.
30  /  Computer musiC  /  Tutoriales
Bajar los faders a cero es una buena idea, incluso en estos días de dominación software en las mezclas...
tema en forma de lista, obtendrás ideas para
elaborar ediciones o paradas musicales.
La mezcla es un proceso épico y
confuso en el mejor de los casos, por lo
que conviene convertirlo en algo lo más
fácil e indoloro posible. Una mezcla
compleja quizá se acerque a las 100 pistas,
lo que supone buscar de modo continuo en
el mezclador o página de arreglos aquellas
pistas que necesitas. Lo mejor es organizar
las pistas de con un orden lógico, apoyado
por códigos de color, para que resulte un
proceso más sencillo. Organiza todas las
voces, elementos percusivos, sintetizadores,
y demás de modo conjunto; si estableces
ese orden en cada una de tus mezclas,
hallarás con rapidez lo que buscas si
alguna vez tienes que revisar alguna.
Esa organización se extenderá de modo
También tiene que existir algo que
mantenga tu interés de principio a fin,
y ahí entra en juego la dinámica –una buena
combinación de niveles variables durante
las diferentes secciones de un tema:
tranquilo y estridente, iluminado y sombrío,
intenso y relajado.
Una buena mezcla cuenta además
con calidez, peso y potencia, derivada
del tratamiento de las frecuencias graves
con ecualización y compresión.
Por último, pero no menos importante,
una buena mezcla tiene un balance en las
frecuencias medias que ayuda a dar sentido
musical al arreglo. Para ilustrarlo, sube la
música en cualquier punto del tema y serás
capaz de entender de inmediato lo que ocurre.
Es una lista básica que conviene repasar
cuando alcanzas el final de una mezcla.
Sólo has de preguntarte: ¿Mi mezcla
cumple con todos esos criterios?
natural a nombrar las pistas (aunque lo
más probable es que ya lo hayas hecho).
Algunos secuenciadores (Pro Tools
sobre todo) posibilitan personalizar las
páginas de mezcla y arreglos para crear
diferentes ventanas adecuadas a distintos
grupos de instrumentos (percusión, voces,
etc.), lo que supone una mayor rapidez
y movilidad, para facilitar la mezcla.
en el bus
Otro método para facilitar la mezcla es
crear subgrupos con la salida de audio
de grupos de instrumentos. Por ejemplo,
si encaminas todas las pistas de percusión
a un bus estéreo antes de que lleguen a la
salida principal, para ajustar con rapidez
el volumen global de la percusión como
una sola entidad y también procesar
todo el grupo con efectos de inserción.
Si tienes tiempo, es bueno repasar
las pistas de audio de tu proyecto y
comprobar los fundidos cruzados para
evitar ruidos y ‘clics’, sobre todo en las
voces. Y ya que estás con la voces, busca
respiraciones u otros sonidos que se
exagerarán al aplicar EQ y compresión.
También conviene eliminar los ruidos
procedentes de amplificadores o de los
auriculares, antes de que entre una pista.
Volcados a audio
Mucha gente prefiere volcar a audio las
partes de sinte y sampler (ya sean plug-ins
o dispositivos hard) antes de mezclar.
Es un método aconsejable, ya que el MIDI
falla a veces en cuanto al ritmo y duración
de algunas notas; ciertas notas se quedan
colgadas y no se disparan, los patches
de sinte se cambian sin querer, etc.
Por último, sitúa tu mente en el espacio
correcto: recopila unos cuantos temas
comerciales para realizar comparaciones
‘A/B’ con tus mezclas. Pero no te desanimes
si percibes una cierta diferencia inicial
entre tus mezclas y las mezclas “pro”:
la diferencia se irá reduciendo con la práctica.

¡A mezclar!
La mayoría de pistas de tu tema necesitan
cierto grado de EQ para adaptarse al resto
de los elementos. Muchas de ellas necesitan
además compresión para empujar la energía
y “tamaño” de la mezcla. Esos procesadores
se añaden como inserciones en los canales
de mezcla. El orden de ambos quizá cambie,
aunque lo normal es que la EQ se coloque
tras la compresión, ya que ésta tiene efecto
sobre el tono. Si una parte necesita EQ extrema
(por ejemplo para eliminar las frecuencias más
graves) quizá convenga utilizar el orden inverso.
Cuando repases cada pista, escúchala en
solitario y aplica EQ para destacar sus mejores
cualidades. Escúchala luego en el contexto
de la canción y descubre qué necesita para que
destaque en la mezcla sin interferir con las demás
partes. Por ejemplo, un sonido de órgano ha de ser
rico y cálido por si solo, pero es posible que, dentro
del tema, sus frecuencias graves interfieran con
> Paso a paso Conceptos básicos de ecualización y compresión
1 2
El filtro paso-alto es útil para atenuar
frecuencias graves problemáticas.
Las guitarras y teclados suelen generar
subarmónicos, y algunas pistas vocales
contienen graves o ruidos no deseados que
interfieren con el bajo. Observa la imagen
(y escucha el ejemplo en el DVD): se ha
colocado un filtro sobre la guitarra acústica
para atenuar toda frecuencia por debajo
de 130Hz. Así, el bajo tiene mayor claridad.
4 5
La anchura de banda (‘Bandwidth’)
es el tamaño del área alrededor del
centro de la frecuencia de EQ que está
afectada por tus ajustes. Un viejo truco de
producción hip-hop, que suele funcionar,
es utilizar grandes relaces de pequeños
anchos de banda sobre frecuencias
específicas. En nuestro tema, se benefician
de ello bajo y bombo –un par de realces
estrechos ayudan mucho al bombo.
la guía esencial sobre mezcla  /  haz música ya  <
la línea de bajo y provoquen cierta arenosidad
en ese área. En tal caso conviene reducir las
frecuencias graves del órgano de 150Hz hacia
abajo (lo que se conoce como filtro paso-alto o
EQ shelving) para separar el bajo del órgano; un
pequeño realce de la sección media (entre 800Hz
y 1kHz) ayudará a conseguir mayor articulación.
Presencia física
Ten cuidado de no pasarte con las frecuencias
“atractivas” –los medios agudos y los agudos.
Si ecualizas cada parte en solitario para que tenga
mayor mordiente y presencia en las frecuencias
medias superiores (en torno a 2kHz), todas ellas
competirán por el mismo espacio cuando las
juntes en la mezcla; competirán por su espacio
y todo el sonido se centrará en un estrecho
rango de frecuencia –la mezcla sonará pequeña
y delgada. Nuestra audición percibe la música
más alta cuantos más rangos de frecuencia
Barrer las frecuencias medias ayuda
a “abrir” un sonido, que se haga más
suave y con menos madera, a la vez
que “desatasca” los instrumentos que
están apilados en capas. En el ejemplo,
una parte de bongos se abre con una
atenuación en torno a 600Hz. El realce
de las frecuencias medias con precisión,
ayudará a mejorar la articulación
de una parte musical en la mezcla.
El ataque (‘Attack’) determina la rapidez
con la que entra el compresor. Fija ‘Ratio’
a 4:1 (buen punto de inicio) y baja el umbral
(‘Threshold’) hasta que tengas una reducción
de 3-6dB. Ajusta el tiempo de ataque (‘Attack’)
y escucha el comienzo percusivo del sonido.
Buscas mordiente, claridad y una envolvente
de sonido natural. Escucha la guitarra de
ejemplo en el DVD: es más clara cuando
los ajustes son correctos y el ataque rápido.
estén ocupados: un ejemplo simple es un avión
y un tono puro. Si ambos se reproducen al mismo
nivel de decibelios, el avión sonará más alto: se
trata de un ruido que abarca todas las frecuencias
audibles, mientras que el tono puro es una onda
senoidal de frecuencia simple que ocupa una
sola banda. Al ecualizar partes en diferentes
áreas tonales no sólo crece el tamaño de la
mezcla, sino también la claridad y separación.
Si una pista entra y sale de una mezcla,
o algunas de sus notas desaparecen para
dejar un hueco, la solución es la compresión.
Un buen punto de partida de compresión es
una relación (‘Ratio’) 4:1, con un tiempo medio
de ataque (‘Attack’) y una relajación (‘Release’)
de rápida a media. A partir de ahí, baja el umbral
(‘Threshold’) para fijar el punto en que entra
en acción el compresor, y experimenta hasta
conseguir el resultado que buscas. Más tarde
hablaremos de la compresión con detalle.
3
De 1.5kHz a 6kHz, el rango medio
superior (también llamado rango
de presencia), establece la claridad,
mordiente e inteligibilidad. Utilízalo
para que una parte destaque en la
mezcla, pero ten cuidado y no te pases.
En este caso, la voz se ha realzado en
torno a 2kHz para que domine más.
6
El tiempo de relajación (‘Release’) es
otro ajuste clave. Controla la impresión
de energía en un sonido, además de la
suavidad de la compresión. Una relajación
rápida inyecta energía a un sonido, pero
también introduce ruidos y hace obvia la
compresión (un efecto a veces deseable):
escucha el ejemplo del aro de caja en
el DVD. Este plug-in de Bomb Factory
ofrece tiempos de relajación rápidos.
Tutoriales  /  Computer Music  /  31
Préstame > Paso a paso Utiliza reverb y delay
tus oídos
Has grabado el tema de tu vida:
el arreglo suena perfecto,
la instrumentación es sublime y
las interpretaciones excelentes.
Sólo te queda balancear y mezclar
las partes en una mezcla que
exprese la emoción y energía del
tema, y que destaque sobre las
otras (soberbias) mezclas que
compiten con la tuya. Mezclar tiene
que ver con tus oídos. Tienes que
saber qué son EQ y reverb y cómo

1 2
funciona un compresor; pero si no En vez de utilizar reverb en cada Es bueno contar con una reverb
canal como efecto de inserción genérica para los canales de voces
cuentas con monitores acústicos
(lo que castigaría en exceso a la CPU de e instrumentos. En este caso, lo más
de calidad, será una tarea difícil. tu ordenador), es mejor utilizar un canal conveniente es un ajuste ‘plate’. La reverb
Para utilizar tus oídos con compartido (un auxiliar) y enviar a él la señal de tipo ‘plate’ tiende a añadir un espacio
efectividad has de tener unos desde cualquier otro canal, con los controles y tamaño sutiles al sonido, sobre todo
monitores de calidad en una sala ‘Send’. En el ejemplo se ha enviado una a las voces. Otra opción es un ajuste
a la que estás acostumbrado. pista vocal a través de ‘Send1’ a una reverb de tipo ‘chamber’ o ‘hall’. Pruébalos y
Nos referimos a una habitación que está en el canal 1 de los efectos. Utiliza descubre el carácter que aporta cada uno.
en la que escuchas otra música los knobs ‘Send1’ de otros canales para
y te gusta cómo suena; por tanto, aplicar la misma reverb a parte de su señal.
sabes cómo ha de sonar en ese
entorno una mezcla de tu propio
material. Si otros temas suenan con
demasiados graves o muy brillantes
en tu sistema de altavoces, lo más
normal es que tus mezclas suenen
de forma opuesta, ya que en
el proceso de mezcla se trata
de solventar esos problemas.
Y todo ello no significa que
tengas que adquirir una cara
pareja de monitores –muchos de
los grandes éxitos de los últimos
25 años se mezclaron en parte en
una pareja de Yamaha NS-10, unos

3 4
El parámetro más importante de Las reverbs largas sobre los elementos
altavoces bastante asequibles.
un patch de reverb es el tiempo percusivos funcionan en temas lentos,
Es posible que necesites utilizar de reverberación (a veces conocido pero es fácil pasarse. En general, las reverbs
monitores dedicados de algún como ‘RT’). Dicta el tamaño del espacio ‘room’ suelen funcionar mejor. El punto clave
tipo, en vez de altavoces hi-fi, y suele estar entre uno y dos segundos. (tras el tiempo de reverberación) es destacar
ya que los primeros te ofrecen Los grandes espacios (iglesias y las frecuencias agudas. Las salas de piedra
una representación uniforme del catedrales, por ejemplo) tienen ‘RTs’ de son más brillantes que las de madera y
balance general de las frecuencias, hasta cinco segundos o más, mientras éstas lo son más que las salas amuebladas,
mientras que los segundos están que una habitación tiene un ‘RT’ inferior por ejemplo. En el ejemplo, un plug-in de
diseñados para hacer el sonido a un segundo. Esta reverb vocal tiene reverb de tipo ‘room’ para la batería se
un ‘RT’ justo por debajo de un segundo. ha situado en el segundo envío auxiliar.
más “agradable”, al atenuar las
frecuencias medias y favorecer los
graves y agudos. Las frecuencias
medias son claves para obtener
un buen balance, ya que las
frecuencias fundamentales
de la mayoría de instrumentos
se sitúan en ese rango; por tanto,
es fundamental escucharlas
con claridad e igualdad.
Escuchar con claridad no
significa tampoco que tengas
que invertir miles de euros en
tratamiento acústico, aunque
siempre es bueno contar con unos
mínimos. La mayoría de la música

5 6
se escucha en el salón de una casa;
si amueblas la sala y colocas los
monitores en una posición lógica
de escucha, tienes ganada
una gran parte de la batalla.
Como es obvio, cada instrumento
obtiene su máximo potencial
si se sitúa en su entorno natural.
Lo más probable es que no cuentes con
una sala de conciertos en la que grabar,
por lo que una representación artificial
de ella es una buena opción. En este
caso, se ha aplicado una reverb de tipo
‘hall’ a la guitarra acústica en ‘Send3’;
sus armónicos se enriquecen con ello.
Hemos colocado un largo delay en el
canal 4 de efectos. Envía a él un poco
de la pista vocal para obtener ese clásico
efecto de eco. Prueba con un delay a negras
sincronizado al tempo del tema. Hemos
insertado reverb tras el delay con un ajuste
‘wet/dry’ modificado, para enviar al delay “al
espacio exterior”. Hemos añadido además un
filtro controlado por envolvente para obtener
una atmósfera aún mayor. ¡No hay límites!

32  /  Computer Music  /  Tutoriales


> Paso a paso Añade interés con plug-ins
1 2
Al mezclar, el objetivo principal es
añadir carácter al tema. Los filtros son
una gran herramienta para ello; un truco
habitual es filtrar la batería en una
estrecha banda durante la introducción
para luego abrir el sonido, cuando
comienza el resto de la canción. Escucha
el ejemplo en el DVD: se ha utilizado un
filtro de estilo clásico. El botón ‘Bypass’
está automatizado para que las cosas
vuelvan a su cauce al comenzar la estrofa.
3 4
Los sonidos de sinte suelen ser
muy limpios “al salir de la caja”, y se
benefician de un poco de distorsión.
Hay muchos plug-ins disponibles para
ello; al experimentar encontrarás tus
favoritos. En este caso se ha utilizado
Audio Damage Kombinat para ensuciar
un sonido limpio de flauta; no está muy
distorsionado, pero ha ganado mordiente.
5
Otra meta es añadir a la mezcla algunos
momentos de interés. Cualquier tema
dance que se precie utiliza un ritmo troceado
en algún momento. Audio Damage Replicant
es un fragmentador que añade aleatoriedad
a la señal; es perfecto para inyectar vida a
un bucle aburrido. De hecho, es tan aleatorio
que es mejor grabar sus efectos y editar los
resultados de modo posterior. En el ejemplo
dota de vida a nuestra percusión.
Otro objetivo es añadir tamaño a
la mezcla. Una fórmula para ello es
ensanchar la imagen estéreo. En este caso,
la guitarra acústica suena grande y ancha,
gracias a su paso por una unidad que
amplía el campo estéreo: Pro Tools
‘Air Width’. Otra posibilidad es utilizar un
pitchshifter estéreo con un ajuste ‘+5 cents’
panoramizado a la derecha y ‘-5 cents’
panoramizado a la izquierda, si no cuentas
con una herramienta “estereorizante”.
Céntrate en la energía de la mezcla
si el sonido se hace vulgar.
Un colchón de sinte con acordes
sostenidos, que parecía una gran idea
en la etapa de creación/mezcla, quizá
convenga ser revisado. Si se sitúa a ritmo
con el tema a corcheas o semicorcheas,
la canción “caminará” más. En el ejemplo,
el sonido de piano Wurlitzer ha sufrido
ese tratamiento pulsante.
TRUCO “PRO”
>Automatiza
parámetros
Los efectos muy obvios aburren
si se repiten en exceso, pero son
geniales para introducir un cambio
momentáneo en una mezcla
–por ejemplo, un largo delay en
una palabra determinada o una
larga reverb tras el último golpe de
percusión. Al automatizar efectos,
tu mezcla no tendrá momentos
anodinos. Graba con el sistema de
automatización de tu secuenciador
un delay sobre una palabra
concreta, o haz que su parámetro
‘feedback’ aumente su valor en un
momento determinado. Del mismo
modo, es posible programar filtros
sobre bucles de batería y que se
abran en momentos específicos.
Tutoriales  /  Computer Music  /  33
haz música ya  <
Conócete
presets son una gran opción
para comenzar, pero conviene
conocer de arriba a abajo los
efectos para obtener resultados
más precisos y originales.
Considera los siguientes puntos.
Efectos basados
en retardo
Cubren varios procesadores,
además del típico “eco”.
Entre ellos, chorus, flanger, phaser,
doubler y slap-back delay.
Los tres primeros utilizan tiempos
de retardo cortos y variables para
crear un sonido de barrido con
armónicos enriquecidos; son útiles
para aportar grosor a un sonido.
El chorus es muy rico, pero suaviza
demasiado el sonido si lo utilizas de
modo muy liberal. Los delays cortos
son muy útiles para dar amplitud
a un sonido mono en el campo
estéreo. Un doubler es un delay más
largo, que suele utilizarse sobre
la voz para obtener más grosor.
Slap-back es aún más largo, genial
para voces, como sustituto de la
reverb. Se utilizó mucho en el rock &
roll de los 50 y en las grabaciones
de John Lennon. Lo mejor suele ser
colocar en envíos auxiliares todos
los efectos relacionados con delay,
porque siempre requieren una
mezcla de las señales ‘dry’ y ‘wet’.
Filtros
Si has trabajado con softsintes,
estarás familiarizado con
los filtros. Se trata, en esencia,
de ecualizadores extremos. Como
efectos de inserción, son capaces
de cambiar el tono de modo radical.
Añade a una mezcla un movimiento
interesante al modular la frecuencia
del corte del filtro, de modo cíclico
con un LFO, a tiempo con el tempo
del tema o en dependencia del nivel
con una envolvente del filtro.
Distorsión
Uno de los procesadores más
útiles para inyectar energía a un
sonido plano o demasiado limpio.
Un plug-in de distorsión suele
utilizarse como efecto de inserción,
y se manifiesta en muchas formas
y tamaños: simuladores de ampli,
pedales, bit crushers, etc. Si una
mezcla suena muy limpia, aplica
con mesura algún que otro plug-in
de distorsión para introducir esa
suciedad y oscuridad que buscas.
La misma canción
Las voces son la parte más
importante de una mezcla con
formato de canción. Tienen que
dominar la mezcla en todo momento,
con un nivel suficiente para conducir
el tema pero no tan alto que la parte
instrumental se quede pequeña.
Conviene hacer comparaciones
con temas de referencia para
obtener un buen nivel de trabajo.
Observa que, en una mezcla
profesional, los coros permiten que
la voz solista sea más prominente
pero no parezca aislada; los efectos
ayudan a que la voz “se pegue” al
tema. El tono ha de ser brillante pero
no áspero, y la voz clara, con cuerpo.
Un toque de reverb o delay hará
que se asiente mejor en la mezcla.
Hoy no existe tanta tolerancia
como antaño con las voces
desafinadas, por lo que siempre
conviene tener a mano un plug-in
para corregir la afinación.
Los coros se utilizan para
ofrecer soporte a la voz solista
y acentuar la importancia de
secciones específicas. No necesitan
tanto brillo como la voz solista,
pero han de entenderse. Atenúa
parte de sus frecuencias medias,
sobre todo si los coros están
grabados en varias pistas, para que
no sean demasiado gruesos. Fíjate
si existen “eses” no sincronizadas
La voz es la parte más
o ruidos extraños dentro de los
importante de un tema. Necesita
coros; sincroniza éstos con la voz protagonismo dentro de él.
solista, para evitar distracciones.

> Paso a paso Adapta la voz

1 2
Un filtro paso-alto es, con frecuencia,
el primer efecto insertado en un canal
vocal. Si lo colocas en 80Hz evitarás el
ruido de la sala sin eliminar la calidez de la
voz. Deshazte de las “pes” prominentes al
automatizar el corte del filtro hasta 250Hz
cuando aparezcan, pero asegúrate de
que la parte no suena demasiado delgada.
3
Toda voz requiere compresión para
adaptarse a una mezcla; incluso a veces
conviene utilizar saturación. Un compresor
con ajustes medios de ‘Attack’ y ‘Release’
(a veces es bueno utilizar ‘auto-release’ si
tu plug-in lo permite) con un ‘Ratio’ 4:1 es
bueno para mantener el nivel. Un plug-in
como el impresionante PSP VintageWarmer
es genial para introducir saturación en la
señal y subir así su intensidad y energía,
manteniéndola en la cabeza de la mezcla.
La ecualización es esencial.
Un empuje en torno a 2kHz favorece
la inteligibilidad y que la pista destaque
en la mezcla; pero no hay que pasarse.
Un realce de 8kHz hacia arriba añade aire y
brillo a una voz oscura, y si la voz suena muy
delgada es bueno introducir un toque en
torno a 500-800Hz. Si suena muy dura,
atenúa las frecuencias en torno a 1kHz. Si las
“eses” causan una sibilancia excesiva, inserta
un de-esser tras la EQ, ¡pero sin pasarte!

TRUCO “PRO”

>Comprueba
la voz
Antes de procesar o balancear,
escucha la voz en solitario para
apreciar pequeños ruidos y
ediciones. Quizá te parezca una
pérdida de tiempo, pero a la larga
te ahorra tiempo. La compresión
y el balance de la voz acentuarán
ruidos poco naturales y sonidos de
respiración; comprueba que todas
las ediciones contienen fundidos

4 5
de cruce. Busca una interpretación En ocasiones es necesario automatizar la
natural y suave, como si se tratase EQ para que el tono se mantenga constante
de una toma completa, incluyendo a través del tema. Si el cantante se acerca al
pausas y paradas naturales. micro para una calmada estrofa, el tono se
Las respiraciones muy acentuadas hará más grave; atenúa las frecuencias graves
son problemáticas si no se a partir de 150Hz en esas secciones. Del mismo
corrigen en su medida. modo, las partes más enérgicas quizá suenen
demasiado duras; atenúa alrededor de 1kHz
en ese caso. En el ejemplo, las frecuencias
graves se han reducido durante el puente.
El nivel de la voz en la mezcla es vital.
Incluso medio decibelio es capaz de
establecer una gran diferencia. Repasa la
canción y graba automatizaciones de nivel.
Perfecciona los cambios de nivel que hayas
hecho a tiempo real (con ratón o controlador
MIDI), para un ajuste más preciso. Céntrate
en la voz solista y luego en los coros, para
que se adapten a la primera. Es una de las
últimas cosas que tienes que comprobar.

34  /  Computer Music  /  Tutoriales

Compresión de baterías
El kit de batería se transformará si
utilizas compresión de modo juicioso.
Ha de tener pegada y potencia.
Los sonidos individuales se benefician
de la compresión, pero es fácil
cometer errores. Tiene que existir
un balance entre el ataque del golpe
a la cabeza del sonido y el peso
del tambor que hay detrás de él. La
clave es que el tiempo de ataque del
compresor tenga la suficiente lentitud
para que el transitorio penetre con
impacto, y que el nivel de umbral
permita la pegada pero no estrangule
el sonido, a la vez que el tiempo de
relajación sea lo bastante rápido para
que el sonido bombee con potencia
hacia ti. Los sonidos cortos se
perciben más débiles que los sonidos
largos (aunque tengan los mismos
decibelios); por tanto, cuanto más
largo sea el decaimiento de un sonido
percusivo, más fuerte parecerá.
La compresión causa a veces
problemas cuando se colocan
micrófonos sobre la batería, ya que
aumenta el sonido que se cuela desde
otros tambores y platos (sobre todo
el charles), lo que genera tonos que
confunden. Aunque, al mismo tiempo,
quizá sea positivo en el caso de El kit de batería se beneficia de una compresión juiciosa
micrófonos de sala o de ambiente, ya
que el compresor tiende a “pegar” el Como se demuestra en el mejor de los dos mundos, al combinar
sonido del kit –el bombo bombea a los cuadro inferior, hacer subgrupos compresión con pegada con la
platos, por ejemplo. No es un problema con elementos percusivos y dinámica del sonido sin comprimir.
si utilizas samplers y/o cajas de ritmos; encaminarlos a un bus plano y Una buena técnica es subir el grupo
por esa razón es más difícil unificar los comprimido (lo que se conoce como comprimido de modo gradual, a
sonidos que provienen de un sampler. compresión paralela), te ofrece lo medida que se desarrolla una mezcla.

> Paso a paso Mezcla la batería 

1 2
El bombo ha de tener pegada, peso
y precisión. Una compresión con
tiempos medios de ‘Attack’ y ‘Release’
genera pegada. Para que el bombo tenga
más ‘clic’ y destaque en la mezcla, realza el
área en torno a 2kHz. Realza en 70Hz para
obtener más peso y en 120Hz para mayor
potencia. Si atenúas un poco alrededor
de 250Hz, obtendrás mayor claridad.
3
Si es posible, graba la caja con dos micros
–uno en el parche superior y otro en
el inferior. El superior aporta potencia,
mientras que el inferior resalta el bordón.
La compresión de la caja es similar a la del
bombo, aunque es posible utilizar un ‘Attack’
más rápido en el canal inferior. Balancea
ambos, utiliza EQ para introducir presencia
en torno a 2-3kHz y abre un poco los agudos
con shelving en torno a 6kHz. Un realce
alrededor de 200Hz aporta peso y redondez.
Los toms no se tocan con frecuencia
y quizá provoquen ruido de fondo;
edítalos. Utiliza una compresión similar
a la de la caja, con relajación rápida, realza
la ecualización entre 2 y 6kHz y añade
realce entre 80 y 140Hz para obtener peso.
Atenúa la zona en torno a 400Hz para
abrir el sonido y que tenga menos madera.

4 5
El nivel del charles es crucial, porque
dota de movimiento a la pista rítmica.
En función del material, a veces conviene
añadir agresividad al sonido con una rápida
compresión. Es habitual usar EQ para atenuar
todas las frecuencias graves que se cuelan
del bombo y otros elementos, y añadir un
poco de mordiente sobre 6kHz. En baladas y
temas más “agradables” es posible realzar las
frecuencias más agudas, alrededor de 12kHz.
6
Al mezclar un kit de batería,
trátalo como un solo instrumento.
Los micrófonos de sala y de ambiente
son los elementos más importantes,
y los micros cercanos ayudan a
completar el resultado. Con cada uno
de ellos, el objetivo es que el kit suene
bien en un espacio. Si aplicas compresión
extrema sobre el sonido de la “sala”,
toda la pista obtendrá energía.
Si tu secuenciador lo permite,
es muy útil aplicar compresión
paralela en todo el kit para que la
pegada de la batería se mantenga
constante y homogénea en la mezcla.
En el ejemplo utilizamos un envío en vez
de subgrupos; no es la situación ideal
(por la imagen estéreo), pero funciona.

Tutoriales  /  Computer Music  /  35

> Paso a paso Mezcla el bajo 
1 2
Es muy importante que el bajo
mantenga un peso e igualdad
constantes. Utiliza un compresor o incluso
un limitador para mantener su nivel
máximo. Un ajuste medio de ‘Attack’
mantendrá el impacto de los transitorios
en la interpretación, y un ‘Release’ medio/
rápido conservará un ambiente natural.
> Paso a paso Mezcla la guitarra
1 2
Al grabar guitarras eléctricas, registra
la señal directa junto a los micros de
amplificador, por si tienes que reamplificar a
posteriori. En el ejemplo grabamos la señal
directa en el secuenciador, por lo que
ahora utilizamos un simulador de amplis
(en la imagen). En este caso, se trata de una
emulación de un clásico dispositivo Marshall.
> Paso a paso Mezcla teclados y sintes
1 2
Los colchones suelen ser partes de sinte
sostenidas que llenan la mezcla, sobre
todo en medios-graves. No interfieren a otros
sonidos ni llaman mucho la atención, aunque
a veces destacan más si eso se adapta al tema.
En el ejemplo, un piano Wurlitzer hace las veces
de colchón, dando calidez y anchura al sonido.
36  /  Computer Music  /  Tutoriales
3
Es difícil hallar espacio en una
mezcla muy poblada para que
las frecuencias más bajas sean claras.
Añade un simulador de amplis con un
poco de distorsión y obtendrás cierto
mordiente. Aunque, si lo prefieres,
aplica una distorsión generosa.
El bajo de nuestro ejemplo fue grabado
con un poco de ‘drive’, pero se añadió
aún más con un simulador de amplis.
3
Las viejas spring reverbs de los amplis
son buenas para impartir carácter.
En el ejemplo hemos mezclado un
poco de spring reverb con un toque de
slapback echo, con un ajuste de 120ms
y una sola repetición. El eco funciona
mejor cuando las notas no están muy
próximas entre sí –cuando hay mucha
acción, el sonido es más confuso.
3
Las líneas solistas tomarán el protagonismo
de voz y se colocarán en cabeza de mezcla,
como foco de interés. Es imprescindible tener
el nivel correcto; graba su automatización como
si fuese una parte vocal, para que se coloque
en el plano. En el ejemplo, el solo de piano
destaca sobre todos los elementos cuando entra.
Realza toda frecuencia por debajo de
120Hz con un EQ shelving, y ganarás
peso. Para que sea menos borroso, atenúa
un área delgada alrededor de 200Hz y
realza en torno a 1kHz para obtener mayor
definición. Quizá te parezca extraño, pero
un filtro que elimine frecuencias por
debajo de 50Hz generará un sonido más
preciso y elevará el volumen percibido.
Es posible obtener el tono preciso con
la única ayuda de un ampli, pero casi
siempre hay que utilizar EQ posterior para
que se adapte a la mezcla. En este caso,
se ha añadido un poco de mordiente en
el rango de presencia (alrededor de 2kHz)
para un sonido más incisivo y destacado,
y se han atenuado un poco los medios
más graves para que el sonido se abra.
Los ruidos incidentales y subliminales
se utilizan para añadir interés y misterio.
En general no tienen volumen excesivo,
pero en ocasiones conviene que un ruido
poco común destaque en la mezcla para
sorprender al oyente. En nuestro ejemplo,
los efectos al revés cumplen esa función.

> Paso a paso Balance y automatización
1 2
Silencia todos los elementos.
Comienza poco a poco (la percusión
en primer lugar) a construir una mezcla
sin automatización dinámica. Esta plantilla
estática es una buena representación
del tema, con un balance tonal nivelado.
Compáralo con temas de referencia para
asegurarte de que es lo suficientemente
brillante y llena. Manipula el tono con
EQs individuales como creas conveniente.
3 4
Cuando se aproximan cambios
musicales (por ejemplo, la transición
del estribillo a la estrofa), piensa en cómo
telegrafiarlos y/o anticiparlos para crear
un momento dinámico y, tras el cambio,
asegurarte de que la mezcla se mantiene
tras esa subida. Los puentes antes de
un estribillo han de servir de enlace
musical entre el estribillo y la estrofa.
5 6
Otra tarea fundamental es comprobar
el principio y final de la mezcla.
Escucha el comienzo de la canción en
busca de ruidos y deja un poco de silencio
antes de la primera nota para el trabajo
posterior de mástering. Escucha el final
de la mezcla por si hay ruidos o fundidos
no deseados. Si no estás muy seguro,
deja el fundido de salida para más tarde.
Explota el campo estéreo lo máximo
posible para crear anchura.
Los instrumentos graves y los sonidos
percusivos principales suelen situarse
en el centro de la mezcla, pero no hay
reglas fijas y en ocasiones la colocación
extraña de algún elemento añadirá
un factor sorpresa. Otra opción es
automatizar el panorama de ciertos
instrumentos y colocarlos en el centro
en momentos determinados.
Una de las últimas cosas que tienes
que hacer antes de dar por buena
una mezcla, es escuchar con atención
el nivel de la voz solista y otras partes
principales. Haz una escucha a nivel
normal y compárala con otros temas para
comprobar que la voz domina pero sin
pasarse. Si es necesario, aplica cambios
de automatización de forma manual.
La mayoría de secuenciadores cuentan
con una función ‘Bounce To Disk’. Fija
los puntos de comienzo y final y empieza a
volcar. Comprueba que el nivel de mezcla
no llega “al rojo” en ningún momento. Si lo
hiciese, baja todos los elementos de modo
proporcional –pero salva una versión de
ese proyecto antes de hacerlo. Comprueba
compresores o EQs generales, y ya está.
¡Escucharemos tu tema en la radio!
Tutoriales  /  Computer Music  /  37
haz música ya  <
Un buen
balance
Una vez procesados todos los
sonidos de modo individual,
necesitan integrarse entre sí.
Es posible que los hayas balanceado
en cierto modo al trabajar sobre
las partes solistas, pero quizá no
te fijabas en el resultado global al
hacerlo y así tu visión era sesgada.
A veces conviene silenciar
todas las pistas y establecer
un balance fresco y rápido para
no concentrarse en exceso
–si piensas demasiado en una
mezcla, la convertirás en un
proceso más cerebral que acústico,
y no es el camino a seguir.
Cualquier balance de mezcla
comienza por establecer la base,
en general la pista rítmica
–bajo y batería. Si el groove camina,
la mezcla casi funcionará por
sí sola. Introduce uno por uno los
elementos armónicos, aquellas
piezas que articulan la musicalidad
y ocupan casi todo el rango medio.
Sitúalos contra el groove, a un nivel
de escucha razonable; han de
colocarse en el campo estéreo y
panoramizarse en consonancia.
Imagina que tu mezcla
guía al oyente, alguien
que no os conoce ni
a ti ni a tu canción...
Recuerda que es posible
automatizar el panorama y
ubicar un elemento en el centro
en un momento determinado;
y también es posible mover los
elementos. De vez en cuando,
introduce la voz para asegurarte
de que aún queda espacio para ella.
Comprueba que existe un
buen balance de frecuencias en
comparación con otros temas.
Un fallo común es una mezcla
embotellada y oscura; en ese caso,
lo mejor es empujar el nivel de
los instrumentos más brillantes
(guitarras acústicas, charles, etc.).
Quizá necesites manipular EQs
individuales durante el proceso.
Imagina que tu mezcla guía
al oyente, alguien que no os conoce
ni a ti ni a tu canción. Necesita ser
excitante e impredecible, pero
no discordante, y contar con un
foco de interés constante, ya sea
una voz o instrumento solista.
Para conseguirlo, automatiza
la mezcla para establecer niveles
relativos. Automatiza los niveles
alrededor de los cambios de sección
para generar interés dinámico,
y asegúrate de que el cambio
sube o cae del modo adecuado.
trucos de mezcla y errores que evitar
DESCANSA LOS OÍDOS
Tras unas pocas horas de escucha concentrada,
tu percepción cambia y es fácil tomar decisiones
erróneas. La virtud de la rellamada automática en
los mezcladores soft es que permite trabajar en
una mezcla durante períodos cortos de tiempo y
volver a ella con los oídos frescos, incluso si trabajas
en otros temas entre medias. El mejor trabajo en
una mezcla suele hacerse durante la primera hora.
NO SUBAS LOS NIVELES
Es muy fácil entrar en un círculo vicioso
y subir cada elemento cuando las partes
compiten entre sí para ser escuchadas.
En su lugar, baja ciertos elementos y utiliza EQ
y panorama para crear separación y espacio.
ECUALIZA LO JUSTO
Del mismo modo, a veces se tiende a realzar el
rango de presencia (en torno a 2kHz) en la EQ
de cada elemento, porque además aumenta
el volumen percibido. Pero la consecuencia es
una mezcla áspera y delgada. El objetivo ha de
ser tener repartir las partes de forma uniforme
a través del rango de frecuencias audibles.
De esa forma, los elementos no compiten
entre sí y el sonido global se hace más grande.
COMPARACIÓN ‘A/B’
Utiliza iTunes, Winamp, Spotify o cualquier
otro reproductor con listas de reproducción
de referencia –es decir, con temas que suenen
como te gustaría que sonara tu mezcla.
Escúchalos de vez en cuando, para asegurarte
de que sigues la senda correcta. Si crees que
tu mezcla es mejor que la referencia, es muy
posible que te equivoques: quizá no hayas
igualado los volúmenes o, lo que es peor,
tu sistema de monitorización está mal ajustado.
ESCUCHA EN OTRO SITIO
Siempre conviene tener una perspectiva
más amplia de la mezcla. Haz una copia
de ésta y escúchala en otra sala y/o en tu coche.
Si la escuchas con otra gente, también
la percibirás de modo diferente.
NO MEZCLES CON AURICULARES
Es imposible realizar una mezcla completa
con auriculares y obtener buenos resultados:
no es el modo natural de escuchar música.
Son una buena referencia para comprobar
los detalles más precisos de una mezcla,
Utiliza un reproductor como Spotify para comparar
tu mezcla con lanzamientos comerciales similares
38  /  Computer musiC  /  Tutoriales
Si tus curvas de ecualización se parecen a éstas, ¡te has pasado! Si realzas el rango de presencia (2kHz)
obtendrás un mayor volumen percibido, pero generarás una mezcla áspera. Actúa con precaución...
sobre todo el panorama y reverb, y para
descubrir determinados ruidos. Pero causan
fatiga auditiva tras un corto período de tiempo,
y a la vez son susceptibles de dañar tus oídos.
LIMITACIÓN
Hay quienes utilizan un compresor estéreo
sobre la mezcla desde el principio. Facilita un
balance más sencillo, al controlar los niveles
relativos, pero nuestro consejo es obtener
un buen balance natural y dejar la limitación
y/o compresión para el proceso de mástering,
donde te centrarás en que tu mezcla tenga
el máximo volumen posible. Dicho esto,
a veces ayuda contar con un limitador de mezcla
como inserción, para una comparación rápida
con tus temas de referencia, que (obviamente)
han sido masterizados de modo profesional.
¡SÁLVAME!
En ocasiones te das cuenta que una mezcla
sonaba mejor hace unas horas/días/semanas/
meses. Conviene que salves nuevas versiones de
tu proyecto de modo regular y secuencial, según
avanzas en la mezcla. Si vuelcas una premezcla
para revisarla fuera del estudio, nómbrala y salva
un archivo de la sesión con el mismo nombre,
para volver a ella en cualquier momento.
ASUNTO GRAVE
La parte más difícil de dominar en una mezcla
son los graves, que son clave para un buen
sonido global. Son difíciles de apreciar
en pequeños sistemas de monitores;
confía en los equipos hi-fi o de coche como
referencia de un exceso o falta de graves.
CANCELACIÓN DE FASE
Ten presente que, a veces, un sonido muy
amplio que está “fuera de los altavoces”, es
susceptible de desaparecer cuando la escucha
es en mono, debido a la cancelación de fase.
Aunque el sonido mono no se utiliza
mucho en nuestros días, siempre conviene
mantener cierta compatibilidad y que
tu mezcla siempre suene bien, sin importar
el sistema en el que se reproduzca.
EN LA RADIO
¿Crees que tu tema sonaría en la radio?
Es una buena pregunta, que debe llevarte a
escuchar la canción con cierta objetividad y
distancia. Ha de motivar al oyente, que no
está conectado en absoluto con ella, y ha de
ser lo más excitante y efervescente posible.
NO TE PASES
Si pasas demasiado tiempo con una mezcla,
corres el riesgo de matarla al suavizar
demasiado sus partes más incisivas.
Cuando te aproximas al final de la mezcla,
estudia lo arriesgado que eres con
el volumen de las diferentes partes.
VOLUMEN DE MONITORES
Casi cualquier mezcla suena bien cuando se
reproduce a niveles altos de escucha, porque
tus oídos la comprimen para darle forma.
Por tanto, no te engañes escuchando siempre a
niveles altos. Un volumen elevado es adecuado
para manipular sonidos de modo individual,
pero debes emplear un volumen razonable
al equilibrar tus mezclas: el resultado será
más “verdadero” y te cansarás menos.
Si necesitas subir el volumen en todo momento,
quizá debas corregir el balance o el brillo.
¡QUÉ NIVEL!
Si bajas de modo constante el fader ‘master’,
es posible que estés saturando el bus de mezcla.
Comienza la mezcla con los canales en torno
a -12dB para contar con algo de techo mientras
crece la mezcla. Y bájalos de manera global
(como grupo) si se pasan de la raya.