Música clásica del siglo XX

Ir a la navegaciónIr a la búsqueda
La música clásica del siglo XX (también Historia de la música
llamada música culta, académica, erudita,
 Música en la Historia antigua
contemporánea, docta o seria) fue (hace 50 000 años-500 d. C.)
extremadamente diversa. Comenzó con la
continuación de los movimientos vigentes a finales Música en la Prehistoria
del siglo XIX tales como el estilo románticotardío Música en la Antigüedad
y posromántico de Serguéi Rajmáninov, Gustav
Mahler y Richard Strauss,  Música antigua
el impresionismo de Claude Debussy y Maurice (500-1600)
Ravel, y los fervores
del nacionalismo en Latinoamérica, Norteamérica, Música de la Edad Media
y Europa fuera de Alemania, Francia, e Italia que Música del Renacimiento
dominaron por siglos la cultura musical del
continente.  Período de la práctica común
(1600-1910)
A partir de la segunda década del siglo, la forma y
lugar que había ocupado la música durante los Música del Barroco
pasados tres siglos en la sociedad, cambiaron para Música del Clasicismo
siempre con la irrupción del modernismo musical, Música del Romanticismo
dando fin al período conocido como práctica Música del impresionismo
común, y entrando en una nueva era musical de
constante búsqueda de lo original, rompiendo  Período moderno y contemporáneo
permanentemente con la tradición. Esto generó una (1910-presente)
enorme diversidad de géneros y movimientos de
Música modernista
difícil categorización y definición, lo que hacia el
Jazz
último cuarto del siglo, luego de la decadencia de
Música popular
los ideales de la modernidad, dio paso a la música
Música clásica contemporánea
contemporánea, siendo cada vez más compleja su
diferenciación de otras músicas como el jazz o Este artículo forma parte de la categoría:
el art rock, debido a la creciente globalización y Historia de la música
masificación de los medios de comunicación y de
la cultura popular. Véase también: Portal:Música

Vivimos en un tiempo en el que creo que no hay una

corriente principal, sino muchas corrientes, o incluso, si
se quiere pensar en un río de tiempo, que hemos llegado a un delta, puede que incluso más allá de
un delta, a un océano que se extiende hasta el cielo.
John Cage, 1992.1

Índice
[ocultar]

 1Reseña
 2Antecedentes y transición al siglo XX (1880 - 1910)
o 2.1Nacionalismo
o 2.2Post-Romanticismo
o 2.3Impresionismo
 3Modernismo (1910 - 1975)
o 3.1Futurismo
o 3.2Crisis de la tonalidad y atonalismo
o 3.3Primitivismo
o 3.4Microtonalismo
o 3.5Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismo y serialismo
o 3.6Neoclasicismo
 o 3.7Música electrónica y concreta
o 3.8Música aleatoria y vanguardismo radical
o 3.9Micropolifonía y masas sonoras
o 3.10Minimalismo
o 3.11Influencias del jazz
o 3.12Música cinematográfica
 4Música contemporánea (1975 - actualidad)
o 4.1Nacimiento del posmodernismo
o 4.2Poliestilismo
o 4.3Nueva simplicidad
o 4.4Espectralismo
o 4.5Libre improvisación
o 4.6Nueva complejidad
o 4.7Arte sonoro
o 4.8Música contemporánea latinoamericana
o 4.9Otros estilos y conceptos musicales
 5Véase también
 6Enlaces externos
o 6.1Editoriales
 7Referencias

Reseña[editar]
En un principio la música siguió su práctica común, a partir de 1910 tomó diversos caminos
de alejamiento del sistema tonal que ya venían observándose desde finales del siglo
pasado con un uso cada vez más extendido del cromatismo. A partir del inicio
del modernismo se dio paso al atonalismo y la experimentación, llegando a mundos
sonoros tan distantes y diversos como el primitivismo de Igor Stravinsky y Bela Bartok,
el dodecafonismo de Arnold Schoenberg noriega y sus pupilos, la
música microtonal adoptada por Charles Ives, Julian Carrillo y otros,
el neoclasicismo de Dimitri Shostakovich y Sergéi Prokófiev durante el realismo
socialista en la Unión Soviética, la música concreta de Pierre Schaeffer y Edgar Varèse,
el serialismo integral de Olivier Messiaen, Pierre Boulez, y Luciano Berio entre otros,
la música aleatoria de John Cage, el experimentalismo de Karlheinz Stockhausen, la
micropolifonía de György Ligeti y Krzysztof Penderecki, o la repetición de notas de los
compositores minimalistas como Steve Reich y Philip Glass, y un sin número de
movimientos y compositores que se movían en nuevos estilos de forma simultanea.
El siglo XX fue también una época en la que los avances tecnológicos como la grabación y
la radiodifusión cambiaron las relaciones sociales y económicas inherentes a la música.
Una persona del siglo XX en el mundo industrializado tuvo acceso al gramófono para
la reproducción de música grabada en discos, la radio, la televisión y, más tarde, a la
música digital con los discos compactos. El cine también tuvo un impacto importante en la
música y la cultura a partir de los años 30', con compositores tales como Max
Steiner, Erich Wolfgang Korngold, Alfred Newman, Bernard Herrmann, Ennio
Morricone, Jerry Goldsmith, y John Williams quienes trabajaron en diversos estilo,
gruesamente catalogados dentro del neorromanticismo.
A mediados del los años setenta se considera el fin del modernismo musical, gracias a la
decadencia de sus valores y los cambios socioculturales de la globalización y los medios
de comunicación de masas, dando pie a lo que se conoce generalmente como música
contemporánea o postmoderna, que contiene otra serie de movimientos musicales tales
como la nueva simplicidad, el espectralismo, el poliestilismo, el arte sonoro, la nueva
complejidad, el art rock, o la música contemporánea latinoamericana de Egberto
Gismonti y Astor Piazzolla.
La música docta tuvo también una intensa fertilización cruzada con el jazz, muchos de sus
compositores fueron capaces de trabajar en ambos géneros, como George Gershwin, o de
incluir sonoridades del jazz en música de concierto. A partir de los años 70's ocurrió algo
similar con el rock y la música popular en general.
Debe tenerse en cuenta que este artículo presenta un vistazo sobre la música clásica del
siglo XX, y muchos compositores mencionados dentro de diferentes tendencias o
movimientos pueden no identificarse en forma exclusiva con éstos y pueden ser
considerados como participantes de diferentes movimientos. Por ejemplo, en distintos
momentos de su carrera, Ígor Stravinski puede ser considerado romántico, primitivista,
neoclásico y serialista.

Antecedentes y transición al siglo XX (1880 - 1910)[editar]

Nacionalismo[editar]

El compositor brasileño Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fue el principal exponente del nacionalismo
en Latinoamérica y uno de los compositores no europeos más importantes.

Artículo principal: Nacionalismo musical

El Nacionalismo en música se refiere al uso de materiales que son reconocibles como

nacionales o regionales. Por ejemplo, el uso directo de la música folclórica, y el uso
de melodías, ritmos y armonías inspirados por la misma. El nacionalismo también incluye
el uso del folclore como base conceptual, estética e ideológica de
obras programáticas u óperas.
El nacionalismo es comúnmente relacionado al estilo
del romanticismo y Postromanticismo de mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo
XX, al cual se le incorporan elementos locales o folclóricos, aunque existen evidencias del
nacionalismo desde inicios del siglo XVIII. El término también es usado frecuentemente
para describir la música del siglo XX de regiones no dominantes en la música, sobre todo
de Latinoamérica, Norteamérica y Europa Oriental. Históricamente el nacionalismo musical
del siglo XIX ha sido considerado como una reacción contra el dominio de la
música romántica alemana.
Los países relacionados con mucha frecuencia al nacionalismo
son: Rusia, Checoslovaquia, Polonia, Hungría, Noruega, Finlandia, Suecia, Grecia, Ucrani
a, España y Gran Bretaña en Europa, y Estados
Unidos, México, Brasil, Argentina, Chile y Cuba en América. Algunos de los compositores
más importantes comúnmente asociados al nacionalismo en el siglo XX fueron: el
brasileño Heitor Villa-Lobos (el primer y más importante compositor latinoamericano en
destacar en los círculos musicales de Europa), el checo Leos Janacek, el finés Jean
Sibelius, el húngaro Bela Bartok, el español Manuel de Falla, el mexicano Silvestre
Revueltas, o el estadounidense Aaron Copland, entre muchos otros.
Post-Romanticismo[editar]

El compositor austriaco Gustav Mahler (1860-1911) fue el principal exponente del postromanticismo
junto con Richard Strauss.

Artículo principal: Postromanticismo

Particularmente en la primera parte del siglo, muchos compositores escribieron música que
fue una extensión de la música romántica del siglo XIX. La armonía —salvo mayor
complejidad— fue tonal, y los agrupamientos instrumentales tradicionales, como
la orquesta o el cuarteto de cuerdas, se mantuvieron como los más usuales. Los músicos
más representativos de este movimiento fueron Gustav Mahler, Richard Strauss y Sergey
Rachmaninov sin embargo muchos de los grandes compositores modernistas comenzaron
sus carreras en este estilo tales como Bela Bartok, Igor Stravinsky y Arnold Schoenberg.
Muchos compositores prominentes —entre ellos Dmitri Kabalevski, Dmitri
Shostakóvich y Benjamin Britten— hicieron significativos avances en el estilo y la técnica
romántica mientras continuaban empleando un lenguaje melódico, armónico, estructural y
textural relacionado con el del siglo XIX, accesible al auditorio promedio.
Impresionismo[editar]

El compositor francés Claude Debussy (1862-1918) fue el creador del impresionismo

Artículo principal: Impresionismo musical

El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y
principios del XX sobre todo en la música francesa. En el Impresionismo musical se da
mucha importancia a los timbres, con los que se consiguen diferentes efectos y también se
caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de
impresiones. Se relaciona de esta manera con el Impresionismo pictórico, que conseguía
las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. Fue encabezado por los
compositores franceses Claude Debussy y Maurice Ravel, aunque su precursor fue Erik
Satie.2 El movimiento, influido por los pintores foco impresionistas franceses y por la
poesía de Paul Verlaine, Charles Baudelaire y Stéphane Mallarmé, acentúa el color
tímbrico y el humor en vez de estructuras formales tales como la sonata y la sinfonía.
Debussy, que también era crítico musical, enfocó el impresionismo como reacción tanto al
interés formal del clasicismo de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y la
vehemencia emocional del romanticismo en compositores como Robert Schumann y Franz
Schubert. Para la consecución de este fin Debussy combinó elementos innovadores y
tradicionales. Por una parte, utilizó la escala de tonos enteros e intervalos complejos que
hasta ese momento no se habían utilizado, desde la novena en adelante. También recurrió
a los intervalos de cuartas y quinta paralelas propios de la música medieval. Estos
recursos técnicos aparecen en el temprano poema sinfónico Preludio a la siesta de un
fauno de 1894, basado en un poema de Mallarmé. La extensa obra pianística de Debussy
requirió nuevas técnicas interpretativas, que incluían un generoso pero sensible uso de los
pedales para crear un torrente indiferenciado de sonido.
La música impresionista francesa continuó su evolución en la obra de Maurice Ravel.
Otros compositores de esta escuela en Francia fueron Paul Dukas, Gabriel Fauré, Albert
Roussel, Alexis Roland-Manuel, André Caplet y Florent Schmitt. También influyó
fuertemente en los compositores de la vecina España tales como Isaac Albeniz, Manuel de
Falla, Joaquín Rodrigo y Enrique Granados quienes le dieron un toque nacional al estilo. El
impresionismo, concebido por Debussy como tendencia contraria al romanticismo, fue
visto como la fase final de la música romántica.

Modernismo (1910 - 1975)[editar]

Artículos principales: Modernismo (arte) y Música modernista.

Se da el nombre de modernismo a una serie de movimientos basados en el concepto de

que, siendo el siglo XX una época de fundamentales cambios sociales y tecnológicos,
el arte debe adoptar y desarrollar estos principios como fundamento estético. El
modernismo toma el espíritu progresista de fines del siglo XIX y su apego por el rigor del
avance tecnológico, por lo que lo despega de las normas y formalismos del arte de la
época y la tradición. De esta manera la característica principal del modernismo es la
pluralidad del lenguaje, entendiendo que ningún lenguaje musical en particular asumió una
posición dominante.
Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características principales que lo
distinguen de los períodos anteriores:

 La expansión o abandono de la tonalidad.

 El uso de las técnicas extendidas.
 La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición.
Futurismo[editar]
Luigi Russolo (1885-1947) compositor italiano que adhirió al manifiesto futurista y creó El arte de los
ruidos como manifestación musical de este movimiento.

Artículo principal: Futurismo

El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo XX.
Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso
Marinetti, quien redacta el Manifiesto Futurista, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en el
diario Le Figaro de París.
Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos
convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto por
medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. El futurismo recurría a
cualquier medio de expresión; artes plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda, cine
y música; con el fin de construir de nuevo el perfil del mundo.
Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910, mismo año
en que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas. Los principales compositores
futuristas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo. Russolo concibe
en este manifiesto El arte de los ruidos de 1913, como una consecuencia a los estudios
previamente realizados por Pratella. La «música de ruidos» fue posteriormente
incorporada a las performances, como música de fondo o como una especie de partitura o
guía para los movimientos de los intérpretes, además inventó una máquina de ruido
llamada Intonarumori o "entonador de ruidos", que fue duramente criticada en su época.
Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos de 1910.
Russolo fue el antecedente de la música concreta, un lenguaje sonoro en el cual se
utilizaba cualquier sonido, fuese este uno producido por la naturaleza o por la técnica
(técnica gutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).
Crisis de la tonalidad y atonalismo[editar]
Aleksandr Skriabin (1872-1915) fue uno de los iniciadores del atonalismo, famoso por la utilización
de su acorde místico.

Artículos principales: Atonalidad y Cromatismo (música).

Los primeros antecedentes de la música europea sin un centro tonal se encuentran

en Franz Liszt con su Bagatella sin tonalidad de 1885, período que ya se hablaba de una
"crisis de la tonalidad". Esta crisis se generó a partir del uso cada vez más frecuente de
acordes ambiguos, inflexiones armónicas menos probables, y las inflexiones melódicas y
rítmicas más inusuales posibles dentro de la música tonal. La distinción entre lo
excepcional y lo normal se hizo más y más borrosa, y como resultado, se produjo un
aflojamiento concomitante de los enlaces sintácticos a través de los cuales los tonos y
armonías habían sido relacionados entre sí. Las conexiones entre las armonías eran
inciertas, las relaciones y sus consecuencias se volvieron tan tenues que apenas
funcionaban en absoluto. A lo sumo, las probabilidades del sistema tonal se habían vuelto
demasiado oscuras; en el peor de los casos, se estaban acercando a una uniformidad que
proporcionan pocas guías para la composición o la escucha. A principios del siglo XX
compositores como Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Paul
Hindemith, Serguéi Prokófiev, Carl Ruggles, Ígor Stravinski y Edgar Varèse, escribieron
música que se ha descrito, total o parcialmente, como atonal. Aleksandr Skriabin realizó un
particular estilo de impresionismo y atonalidad, basando obras como Mysterium, Poema
del éxtasis o Prometeo: el poema de fuego en un acorde por cuartas y tritonos llamado
"acorde místico", muy alejado de los habituales acordes de tríada formados por intervalos
de tercera.
La primera fase del atonalismo (antecesora del dodecafonismo), conocida como
"atonalidad libre" o "cromatismo libre", implicó un intento consciente de evitar la
armonía diatónica tradicional. Las obras más importantes de este periodo son la
ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban Bergy Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg.
El primer período de piezas libremente atonales de Schoenberg (de 1908 a 1923), tienen a
menudo como un elemento integrador a una célula interválica que, además de la
expansión se puede transformar en una fila de tonos, y en el que las notas individuales
pueden "funcionar como elementos fundamentales, para permitir la superposición de
estados de una célula básica o la interconexión de dos o más células básicas". Otros
compositores en Estados Unidos como Charles Ives, Henry Cowell y más adelante George
Antheil, produjeron música impactante para la audiencia de la época por su desprecio de
las convenciones musicales. Combinaron frecuentemente música popular
con aglutinación o politonalidad, extremas disonancias, y una complejidad rítmica en
apariencia inejecutable. Charles Seeger enunció el concepto de contrapunto disonante,
una técnica usada por Carl Ruggles, Ruth Crawford-Seeger, y otros.
Primitivismo[editar]
Artículo principal: Primitivismo
Igor Stravinsky (1882-1971), su obra La consagración de la primavera es considerada la obra más
importante del siglo XX.

El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclore más
arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno. Similar al nacionalismo en su afán
por rescatar lo local, el primitivismo incorporó
además métricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de la percusión y
otros timbres, escalas modales, y armonía politonal y atonal. Dentro de la música los dos
gigantes de este movimiento fueron el ruso Igor Stravinsky y el húngaro Bela Bartok,
aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación "primitivista".
El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo algunos trabajos
menores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que compuso para Diáguilev.
Estos ballets tienen varias características compartidas: están hechos para ser
interpretados por orquestas sumamente grandes; los temas y motivos argumentales se
basan en el folclore ruso; y llevan la marca de Rimski-Kórsakov tanto en su desarrollo
como en su instrumentación. El primero de los ballets, El pájaro de fuego (1910), es
notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la
orquestación. Petrushka (1911), también se anota distintamente y es el primero de los
ballets de Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer ballet, La
consagración de la primavera (1913), el que generalmente es considerado la apoteosis del
"Período Primitivista Ruso" de Stravinski. Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de la
Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía
politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. Hay varios pasajes famosos
en esta obra, pero dos son de nota particular: el primer tema basado en los sonidos del
fagot con las notas en el límite de su registro, casi fuera de rango; y el ataque rítmicamente
irregular (utilizando el recurso típico del período ruso stravinskiano de tomar una célula
rítmica breve e ir desplazando su acentuación) de dos acordes superpuestos utilizando
solo el talón del arco por las cuerdas y haciendo más evidente la reorganización
permanentemente cambiante del motivo inicial, duplicando con los bronces los acordes
que resultan acentuados cada vez. La consagración es generalmente considerada no sólo
la obra más importante del primitivismo o de Stravinsky, sino que de todo el siglo XX, tanto
por su ruptura con la tradición, como por la influencia en todo el mundo.
Otras piezas destacadas de este estilo incluyen: El
Ruiseñor (1914), Renard (1916), Historia de un soldado (1918), y Las bodas (1923),
instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación
vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa
hasta prácticamente agotarla.
Bela Bartok (1881-1945) fue el creador de la etnomusicología, y gracias a sus investigaciones creó
numerosas obras basadas en el folclor europeo.

Bartók fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador de
música folclórica de la Europa oriental(especialmente de los Balcanes). Bartók fue uno de
los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen la etnología y
la musicología. A partir de sus investigaciones desarrolló un estilo muy personal e
innovador.
A partir de 1905, profundiza sus conocimientos en la música tradicional y las canciones
folclóricas magiares, en sintonía con el auge de los movimientos nacionalistas. Toma
entonces conciencia de la necesidad de preservar la memoria musical tradicional de su
país. Junto con Zoltán Kodály, comenzó a recorrer los pueblos de Hungría y Rumanía para
recoger miles de melodías y canciones que transcribieron y grabaron con un gramófono.
Extendieron luego esa labor a buena parte de los pueblos de la Europa central y
hasta Turquía. Anteriormente, se pensaba que la música folclórica húngara se basaba en
melodías zíngaras. Pero Bartók descubrió que las antiguas melodías húngaras se basaban
en escalas pentatónicas, al igual que la música asiática o la de Siberia. Bartók escribió una
buena cantidad de pequeñas piezas para piano derivadas de la música folclórica, y creó
acompañamientos para canciones populares.
Nunca habló de su técnica compositiva, sino que ha sido el musicólogo húngaro Ernö
Lendvai quien dedicó gran parte de su vida a descubrir las bases de este sistema. Según
Lendvai, la música de Bartók está basada en gran parte en sus investigaciones con el
folklore, en especial del húngaro, y podría dividirse en dos grandes bloques, distintos en
cuanto a concepción pero complementarios entre sí, llegando a alternarse incluso en una
misma obra en distintas secciones; son el sistema diatónico, basado en la música
folklórica, sus modos y ritmos, en la escala acústica, y en otros procedimientos que no
entraremos a valorar, y el Sistema cromático, influenciado también por el folklore, y que se
basa por un lado en el Sistema axial, y por otro en la Proporción áurea. Su obra más
puramente "primitivista" sea probablemente Allegro Barbaro (1911), junto con una gran
cantidad de canciones y danzas folclóricas que Bartok recopiló y musicalizó provenientes
del oriente Europeo. Ese mismo año escribió la que fue su única ópera, El castillo de
Barba Azul. Durante la Primera Guerra Mundial, escribió los ballets El príncipe de
madera y El mandarín maravilloso, seguidos por dos sonatas para violín y piano, que son
armónica y estructuralmente unas de sus más complejas piezas. Su afán de
experimentación lo llevó a un estilo cada vez más único y genial, con obras como
la Música para cuerda, percusión y celesta, la Sonata para dos pianos y percusión,
además de 6 cuartetos de cuerda, la obra para piano Mikrokosmos, y los tres conciertos
para piano y orquesta.
Microtonalismo[editar]
Charles Ives (1874-1954) fue uno de los más prominentes compositores de música microtonal, y el
pionero en Estados Unidos.

Artículo principal: Microtonalismo

El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menores

que un semitono). El músico estadounidense Charles Ivesdefinía a los microtonos de
manera humorística como “las notas entre las teclas del piano”. Experimentando con
el violín en 1895, el mexicano Julián Carrillo (1875-1965) distingue dieciséis sonidos
claramente diferentes entre los lanzamientos de G y A emitida por la cuarta cuerda de
violín. Llamó a estas distinciones microtonales Sonido 13 y escribió sobre la teoría de la
música y la física de la música. Inventó un simple notación numérica para representar las
escalas musicales sobre la base de cualquier división de la octava, como tercios, cuartos,
quintos, sextos, séptimos, y así sucesivamente (incluso escribió, la mayoría de las veces,
para cuartos, octavos y dieciseisavos combinados, la notación es la intención de
representar cualquier subdivisión imaginable). Inventó nuevos instrumentos musicales, y
otros los adaptó para producir microintervalos. Compuso una gran cantidad de música
microtonal y grabó 30 de sus composiciones. En los años 1910 y 1920, los cuartos de
tono y otras subdivisiones de la octava recibieron la atención de otros compositores
como Charles Ives, Alois Haba (1/4 y 1/6 de tono), Ivan Wyschnegradsky (1/4, 1/6, 1/12 y
escalas no octabables), Ferruccio Busoni (quien hizo algunos experimentos infructuosos
en la adaptación de un piano de tercios de tono), Mildred Couper y Harry Partch. Erwin
Schulhoff dio clases de composición con cuartos de tono en el Conservatorio de Praga.
Destacados compositores microtonales o investigadores de los años 1940 y 1950
incluyeron a Adriaan Fokker (31 tonos iguales por octava), y a Groven Eivind. La música
microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y fue considerada en adelante casi
exclusivamente por los músicos de Vanguardia.
Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismo y serialismo[editar]
Arnold Schoenberg (1874-1951), músico austriaco fundador de la segunda escuela de Viena y
creador del dodecafonismo.

Artículos principales: Segunda escuela de viena, Dodecafonismo, Serialismo y Expresionismo.

Una de las más significativas figuras en la música del siglo XX es Arnold Schoenberg. Sus
primeros trabajos pertenecen al estilo romántico tardío, influenciado por Richard
Wagner y Gustav Mahler, pero al final abandonó el sistema de composición tonal para
escribir música atonal. Con el tiempo, desarrolló la técnica del dodecafonismo,
proponiéndola en 1923 en reemplazo de la organización tonal tradicional.
Sus alumnos Anton Webern y Alban Berg también desarrollaron y profundizaron el uso
del sistema dodecafónico, y destacaron por el uso de tal técnica bajo reglas propias. Los
tres son conocidos, familiarmente, como La Trinidad Schoenberg, o la Segunda Escuela
Vienesa. Este nombre se creó para resaltar que esta Nueva Música tuvo el mismo efecto
innovador que la Primera Escuela de Viena de Haydn, Mozart y Beethoven.
El dodecafonismo fue una forma de música atonal, con una técnica de composición en la
cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas
a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidad) no
establece jerarquía entre las notas. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica,
Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra: la melodía dodecafónica
debe llevar las 12 notas que hay en la escala cromática. Se escribe siguiendo el principio
de que todos los doce semitonos o notas son de igual importancia. La relación interna se
establece a partir del uso de una serie compuesta por las doce notas. El compositor decide
el orden en que aparecen con la condición de que no se repita ninguna hasta el final.
Anton Webern (1883-1945) discípulo de Schoenberg, desarrolló las ideas dodecafónicas y creo
el serialismo integral.

La música de Schoenberg y la de sus seguidores fue muy controvertida en sus días, y así
permanece todavía en alguna medida. Como carece de un sentido de melodía definida,
algunos oyentes la encontraban —y todavía la encuentran— difícil de seguir. A pesar de
ello, actualmente se siguen interpretando, estudiando y escuchando obras como Pierrot
Lunaire, mientras que se han olvidado otras composiciones contemporáneas que en su
momento se consideraban más aceptables. En gran medida, la causa de esto es que su
estilo pionero resultó muy influyente, incluso entre compositores que continuaron
componiendo música tonal. A partir de ellas, muchos compositores han escrito música no
basada en la tonalidad tradicional.
El serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creada
por el que fue discípulo de Schönberg, Anton Webern: se establece un orden no sólo para
la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes duraciones
(las "figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las dinámicas (los niveles
de intensidad sonora), como también para la articulación. Todas estas series se repiten
durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo integral para
distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo. Irónicamente, después de años de
impopularidad, el estilo puntillista de Webern —en el que los sonidos individuales son
cuidadosasmente ubicados en la obra de manera que cada uno tiene importancia— se
convirtió en norma en Europa durante los años cincuenta y sesenta, y fue muy influyente
entre compositores de la postguerra como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano
Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen e Igor Stravinsky.
Neoclasicismo[editar]
Artículo principal: Neoclasicismo

El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica
común de tradición en cuanto a la armonía, la melodía, la forma, los timbres y los ritmos,
pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados, como punto de
partida para componer música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Sergéi Prokófiev, Dmitri
Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores más importantes usualmente
mencionados en este estilo, pero también el prolífico Darius Milhaud y sus
contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger.
El neoclasicismo nació al mismo tiempo que el retorno general a modelos racionales en las
artes, en respuesta a la primera guerra mundial. Más pequeño, más escaso, más
ordenado fueron las tendencias concebidas como respuesta a la saturación emocional que
muchos sintieron había empujado a la gente a las trincheras. Teniendo en cuenta que los
problemas económicos favorecían grupos más pequeños, la búsqueda por hacer “más con
menos” se tornó en consecuencia una práctica obligada. Historia del soldado de Stravinski
es por esta razón una semilla de pieza neoclásica, como sucede también en el
concierto Los robles de Dumbarton, en su Sinfonía para instrumentos de viento o en
la Sinfonía en do. La culminación neoclásica de Stravinski es su ópera El progreso del
libertino («Rake's Progress»), con libreto del bien conocido poeta modernista W. H. Auden.
Durante un tiempo, el alemán Paul Hindemith fue rival de Stravinski en el neoclasicismo,
mezclando punzantes disonancias, polifonía y cromatismo libre dentro de un estilo
utilitario. Hindemith produjo trabajos de cámara y orquestales en este estilo, quizá el más
famoso de ellos sea Mathis der Maler. Su producción de cámara incluye su Sonata para
corno inglés y piano, un trabajo expresionista lleno de detalles oscuros y conexiones
internas.
Serguéi Prokófiev (1881-1953) fue un destacado compositor ruso.

El neoclasicismo encontró una audiencia interesada en EE.UU.; la escuela de Nadia

Boulanger promulgó ideas musicales basadas en la comprensión de la música de
Stravinski. Entre sus estudiantes se encuentran músicos neoclásicos como Elliott
Carter (en su primer época), Aaron Copland, Roy Harris, Darius Milhaud, Astor
Piazzolla y Virgil Thomson.
El rasgo más audible del neoclasicismo son melodías que usan la tercera como intervalo
fijo, y agregan cromáticamente notas disonantes al ostinato, bloques armónicos y mezcla
libre de polirritmos. El neoclasicismo ganó gran aceptación de la audiencia con rapidez, y
fue internalizado por aquellos opositores al atonalismo como la verdadera música
moderna.
En el contexto de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin, el
neoclasicismo se ubicó dentro del realismo socialista. Esta fue una corriente estética cuyo
propósito fue expandir el conocimiento de los problemas sociales y las vivencias de los
hombres por medio del arte. De esta manera los prominentes compositores Serguéi
Prokófiev y Dmitri Shostakóvich tuvieron que componer forzadamente en este estilo,
incorporando elementos nacionalistas y valores comunistas, pues cualquier tipo de
vanguardia se consideraba como parte de la decadencia de la burguesía de occidente.
Música electrónica y concreta[editar]

Olivier Messiaen (1908-1992) participó del movimiento de la música concreta, entre muchas otras
innovaciones de su época.
Artículos principales: Música académica electrónica, Música electroacústica y Música
concreta.
Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios
electrónicos para producir sonidos. En Francia se desarrolló la música concreta escuela
que producía sonidos existentes en el mundo. Se llama concreta porque según Pierre
Schaeffer, su inventor, planteaba que está producida por objetos concretos y no por los
abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales. El primero que dispuso de
esos medios fue Edgar Varese, quien presentó Poème électronique en el pabellón Philips
de la Exposición de Bruselas en 1958. En 1951, Schaeffer, junto a Pierre Henry, crearon el
Grupo de Investigación de Música Concreta en París. Pronto atrajo un gran interés, y entre
los que se acercaron se encontraban diferentes compositores significativos como Olivier
Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis
Xenakis, Michel Philippot y Arthur Honegger. La producción compositiva entre 1951 y 1953
comprendió Étude I (1951) y Étude II (1951) por Boulez, Timbres-durées (1952) por
Messiaen, Étude (1952) por Stockhausen, Le microphone bien tempéré (1952) y La voile
d’Orphée (1953) por Henry, Étude I (1953) por Philippot, Étude (1953) por Barraqué, las
piezas mezcladas Toute la lyre (1951) y Orphée 53 (1953) por Schaeffer/Henry, y la
música para película Masquerage (1952) por Schaeffer y Astrologie (1953) por Henry. En
1954 Varèse y Honegger visitaron el estudio para trabajar en las partes en cinta de
Déserts y La rivière endormie. En Alemania en cambio la forma de usar la tecnología se
llamó música electrónica, que es aquella que utiliza solamente sonidos producidos
electrónicamente. El primer concierto tendría lugar en Darmstadt en 1951, sin embargo la
primera obra de importancia sería El canto de los adolescentes de Karlheinz
Stockhausen de 1956. En EE. UU., Milton Babbitt usó el sintetizador RCA Mark II para
crear música. Otros compositores abandonaron los instrumentos convencionales, y usaron
cintas magnéticas para crear música, grabar sonidos, y manipularlos de alguna
manera. Hymnen (de Stockhausen), Déserts (de Edgard Varése) y Sincronismos (de Mario
Davidovsky) ofrecen unos pocos ejemplos. Esta posibilidad tomó muchas formas: algunos
compositores simplemente incorporaron instrumentos electrónicos dentro de piezas
relativamente convencionales. Olivier Messiaen, por ejemplo, usó las Ondas Martenot en
cierto número de trabajos. Oskar Sala creó la pista no musical para la película Los
pájaros (de Alfred Hitchcock) usando el trautonium, un instrumento electrónico que él
mismo ayudó a desarrollar. Morton Subotnick proveyó la música electrónica para 2001,
una odisea del espacio. Otros compositores como Luigi Russolo, Mauricio Kagel y Joe
Meek también aportaron a la investigación y exploración de la música electrónica.
Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos
electrónicos (incluido uno inventado por él) en muchas composiciones. Algunos de estos
trabajos electrónicos son piezas suavemente ambientadas, y otras muestran una violenta y
salvaje sonoridad. Compositores como Alvin Lucier, Gordon Mumma y David Tudorcrearon
e interpretaron música electrónica en vivo, a menudo diseñando sus propios instrumentos
o usando cintas. En el siglo XX florecieron una cantidad de instituciones especializas en
música electrónica, siendo quizá el IRCAM de París la más conocida.
Música aleatoria y vanguardismo radical[editar]
Artículos principales: Vanguardismo, Música aleatoria y Música experimental.
El compositor alemán Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue pionero en muchas de las formas
musicales vanguardistas del siglo XX, especialmente en las más radicales.

Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia, el vanguardismo dentro de ella se

refiere a los movimientos más radicales y controversiales, donde el concepto de música
llega hasta sus límites -si no ya los sobrepasa- utilizando elementos
como ruidos, grabaciónes, el sentido del humor, el azar, la improvisación, el teatro,
el absurdo, el ridículo, o la sorpresa. Dentro de los géneros generalmente ubicados dentro
de esta corriente radical se encuentra la música aleatoria, la música electrónica en vivo, el
teatro musical, la música ritual, la composición de procesos, el happening musical, o la
música intuitiva, entre muchas otras. Entre los compositores más trascendentales que
incursionaron en estas aventuras se encuentra John Cage en América y Karlheinz
Stockhausen en Europa.
La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a
elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel
preponderante, es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas. Tales
rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la
propia interpretación. Es frecuente, en consecuencia, la composición de piezas aleatorias
en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la reordenación
de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación simultánea
de varias de ellas.
El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notable
difusión a partir de la década de 1950. Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus
más significativas representaciones en las creaciones del estadounidense John
Cage con Music of Changes(1951) o 4′33″ (probablemente la obra más radical del siglo
XX, famosa por consistir en la indicación de no tocar por 4 minutos y 33 segundos).
También fue notable el uso del I Ching, un antiguo texto chino clásico sobre eventos
cambiantes, el cual se convirtió en la herramienta compositiva habitual de Cage. Conocido
también por la invención del piano preparado, compuso varias obras entre las que
destaca Sonatas e interludios. El alemán Karlheinz Stockhausen con Hymnen (1967), y la
electrónica Gesang der Jünglinge, fueron hitos importantes. Otros compositores como los
italianos Bruno Maderna y Franco Donatoni, el polaco Witold Lutosławski, el griego Iannis
Xenakis, el húngaro Gyorgy Ligeti, el español Luis de Pablo, los argentinos Alberto
Ginastera, y Mauricio Kagel y los franceses Edgar Varese y Pierre Boulez también fueron
significativos.
Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en la música
contemporánea son la forma móvil, que impone diversas soluciones interpretativas de
rango equiparable; la forma variable, en la que predomina la improvisación; y el
llamado work in progress, que constituye el máximo grado de azar en la ejecución de la
pieza. En todas ellas suelen incorporarse instrumentos clásicos, con especial atención
al piano, y medios de ejecución electrónicos tales como sintetizadores, distorsionadores y
cintas grabadas.
Micropolifonía y masas sonoras[editar]
Artículos principales: Micropolifonía y Masa sonora.

Gyorgy Ligeti (1923 - 2006) fue el principal exponente de la técnica micropolifónica, así como
también de las masas sonoras. Su música y estilo trascendió además al ser utilizada por Stanley
Kubrick en varias de sus películas

En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de diferentes

líneas, ritmos y timbres».3 La técnica fue desarrollada por György Ligeti, quien la explicó
así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un flujo armónico-
musical, en el que las armonías no cambian súbitamente, sino que se van convirtiendo en
otras; una combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa, y de
esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está tomando
forma». «La micropolifonía se asemeja a los clústers, pero difiere de ellos en el uso que
hace de líneas más dinámicas que estáticas».3 El primer ejemplo de micropolifonía en la
obra de Ligeti se produce en el segundo movimiento de
su composición orquestal Apparitions.4 También son pioneras en la aplicación de esta
técnica su siguiente trabajo para orquesta Atmosphères y el primer movimiento de
su Requiem, para soprano, mezzosoprano, coro mixto y orquesta sinfónica. Esta última
obra alcanzó gran popularidad debido a que formó parte de la banda sonora de
la película de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio
La técnica de la micropolifonía es más fácil de aplicar con agrupaciones más grandes o
con instrumentos musicales polifónicos como el piano.3 Aunque el Poème Symphonique
para 100 metrónomos crea «micropolifonía de una complejidad sin parangón».5 Muchas de
las piezas para piano de Ligeti son ejemplos de micropolifonía aplicados a esquemas
rítmicos derivados del complejo "minimalismo" de Steve Reich y de la música de
los pigmeos.
El griego Iannis Xenakis (1922-2001) trabajó bajo técnicas que utilizaban modelos matemáticos,
masas sonoras y micropolifonía.

Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o masa sonora

que es una textura musical cuya composición, en contraste con otras texturas más
tradicionales, «minimiza la importancia de las alturas musicales individuales para preferir la
textura, el timbre y la dinámica como principales formadores del gesto y el impacto».6
Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por el modernismo
musical y después se extendió a la escritura orquestal hacia finales de los años 1950 y 60.
La masa sonora «difumina la frontera entre el sonido y el ruido».6 Una textura puede
disponerse de tal manera que «esté muy próxima al status de conjunto fusionado de
timbres de un único objeto, por ejemplo el hermoso acorde Northern lights, en una
distribución muy interesante de alturas, produce un sonido fusionado que se apoya en un
redoble de platillo suspendido.»7
Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco Krzysztof
Penderecki con su obra Treno a las víctimas de Hiroshima y el griego Iannis Xenakis con
su obra Metástasis.
Minimalismo[editar]
Artículo principal: Música minimalista

Philip Glass (1937) fue uno de los iniciadores del movimiento minimalista en Estados Unidos, y es
actualmente uno de los compositores doctos más famosos del mundo.

Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que ahora

llamamos minimalismo. La más específica definición de minimalismo refiere al dominio de
los procesos en música donde los fragmentos se superponen en capas unos a otros, a
menudo se repiten, para producir la totalidad de la trama sonora. Ejemplos tempranos
incluyen In C (de Terry Riley) y Drumming (de Steve Reich). La primera de estas obras
hizo que Riley fuera considerado por muchos el padre del minimalismo; es una pieza
formada por celdas melódicas comprimidas, que cada intérprete en un conjunto toca a su
propio tempo. La onda minimalista de compositores —Terry Riley, Philip Glass, Steve
Reich, La Monte Young, John Adams y Michael Nyman, para nombrar los más
importantes— deseaban hacer la música accesible para los oyentes comunes, expresando
cuestiones específicas y concretas de la forma dramática y musical, sin ocultarlas bajo la
técnica, sino más bien haciéndolas explícitas, volviendo a las triadas mayores y menores
de la música tonal, pero sin utilizar la funcionalidad armónica tradicional.

Steve Reich (1936), creador de los efectos de fase repetidos y otras de las técnicas más utilizadas
en el minimalismo.

Una diferencia clave entre el minimalismo y la música previa es el uso de diferentes celdas
"fuera de fase", a gusto de los intérpretes; compare esto con la obertura de El oro del
Rin de Richard Wagner, donde a pesar del uso de triadas de celdas, cada parte está
controlada por un mismo impulso y se mueve a la misma velocidad.
La música minimalista resulta controvertida para oyentes tradicionales. Sus críticos la
encuentran demasiado repetitiva y vacía, mientras que sus defensores argumentan que los
elementos fijos que a menudo son permanentes producen mayor interés en los pequeños
cambios. De todas formas, el minimalismo han inspirado e influenciado a muchos
compositores habitualmente no etiquetados como minimalistas (como Karlheinz
Stockhausen y György Ligeti). Compositores como Arvo Pärt, John Tavenery Henryk
Górecki, cuya Sinfonía N.º 3 fue el álbum clásico más vendido en los años noventa,
encontraron gran éxito en lo que se ha dado en llamar “minimalismo feliz” en obras de
profundo sentido religioso.
La siguiente ola de compositores que incursionaron en este estilo no son llamados
minimalistas por algunos, pero sí por otros. Por ejemplo, el compositor de ópera John
Adams, y su alumno Aaron Jay Kernis. La expansión del miminalismo de un sistema
musical a música dependiente de la textura para acompañar el movimiento ha generado
una diversidad de composiciones y compositores.
Influencias del jazz[editar]
Artículos principales: Jazz y Third stream.
George Gershwin (1898-1937) compuso tanto en el jazz como en la música clásica y fue el pionero
en crear la fusión de ambos de manera exitosa

Desde principios del siglo la música afroamericana y el jazz influyó notablemente a

compositores dentro y fuera de Estados Unidos. Dentro del país americano
destacó Charles Ives y por sobre todos George Gershwin. Sin embargo
compositores afroamericanos más vinculados al jazz también incursionaron en obras que
estaban en un límite poco claro entre ambas músicas. Compositores tales como Will
Marion Cook, Scott Joplin y Duke Ellington tuvieron una influencia indiscutida en la música
docta de Estados Unidos. Algunas de las obras más importantes de principios de siglo que
combinaron elementos del lenguaje del jazz con estilos clásicos fueron Rhapsody in
Blue de George Gershwin, Children's Corner de Claude Debussy, los conciertos para piano
en Re y en Sol de Maurice Ravel, el Ragtime para 11 instrumentos de Ígor Stravinski, o la
Suite para piano 1922 de Paul Hindemith, entre muchas otras.
En la segunda mitad del siglo XX surgió el movimiento llamado Third Stream,
literalmente Tercera corriente, aplicado a un estilo de hacer música que en los años
50 y 60 pretendió ofertar una vía de desarrollo que integraba las técnicas tanto del jazz
como de la música clásica. El término Third Stream fue acuñado por el compositor
y solista de trompa, Gunther Schuller, a finales de los años 50, para describir la músicaque
estaban desarrollando algunos artistas intentando establecer un puente entre las
disciplinas y formas musicales europeas y el espíritu y la técnica del jazz. A tal fin, Schuller
fundó un "Third Stream Department", en el Conservatorio de Nueva Inglaterra. En sentido
amplio, la tercera corriente es parte de un proceso general de abolición de barreras
musicales entre las diferentes clases de música.8 El origen del estilo suele fijarse en la
evolución generada a partir de los postulados del Cool y el West Coast jazz, lo que sitúa a
muchos otros músicos en la frontera entre ambos. El trombonista y violonchelista David
Baker, el pianista Ran Blake, o el saxofonista y arreglista Bob Graettinger, fueron algunos
de los músicos más implicados en la búsqueda de una verdadera third stream, aunque en
el entorno de este estilo se han movido un importante número de músicos de peso en la
historia del jazz: Modern Jazz Quartet, Gil Evans, Don Ellis, Bill Russo, George Russell, sin
necesidad de irse a fusiones mucho más evidentes, como los arreglos de Jacques
Loussier sobre la música de Bach.
Las opciones menos pretenciosas de esta corriente, acaban generando la aparición de un
género típicamente europeo, asentado en sellos como ECM, que se conforman en grupos
inusuales, dúos o solistas, que prescinden de un gran número de los elementos que
habían caracterizado el jazz de los años 40 y 50: Explosiva energía, dureza, expresividad,
intensidad, éxtasis y aceptación de la fealdad, para impulsar una estetización del jazz.9
Hacia finales del siglo XX el jazz europeo contemporáneo y la música clásica
contemporánea se encuentran un estado de indiferenciación casi absoluta.
Música cinematográfica[editar]
John Williams (1932) creador de la música de Star Wars y otras de las más taquilleras películas
de Hollywood.

Artículos principales: Música cinematográfica y Banda sonora.

Desde la llegada del cine sonoro a principios de la década de los 30', la música cumplió un
rol crucial en la industria y el arte del cine. Muchos de los grandes compositores de la
década tales como los rusos Prokófiev y Shostakovich, incursionaron también en esta
área. Sin embargo llaman la atención ciertos compositores que se dedicaron casi
exclusivamente a trabajar a través del cine. Aunque las musicalización de largometrajes
durante los años 1940 estaban rezagadas décadas detrás de las innovaciones técnicas en
el campo de la música de concierto, la década de 1950 vio el auge de la música para el
cine modernista. El director Elia Kazan fue abierto a la idea de las influencias del jazz y las
obras disonantes y trabajó con Alex North, cuya partitura de A Streetcar Named
Desire (1951) combina la disonancia con elementos de blues y jazz. Kazan también se
acercó a Leonard Bernstein para musicalizar On the Waterfront (1954) y el resultado fue
una reminiscencia de las primeras obras de Aaron Copland e Igor Stravinsky, con sus "jazz
basados en armonías y emocionantes ritmos aditivos". Un año después, Leonard
Rosenman, inspirado por Arnold Schoenberg, experimentó con la atonalidad en sus
calificaciones de al Este del Edén (1955) y Rebelde sin causa (1955). En sus diez años de
colaboración con Alfred Hitchcock, Bernard Herrmann experimentó con ideas
en Vertigo (1958), Psycho (1960) y Los pájaros (1963). El uso de la música no-diegética de
jazz fue otra innovación modernista, como la musicalización de la estrella del jazz Duke
Ellington a la obra de Otto Preminger Anatomía de un asesinato (1959).
Dentro de las grandes obras musicales del cine se encuentran Max Steiner con; The
Informer (1935), Now, Voyager (1942), y Since You Went Away (1944), King
Kong (1933), Little Women (1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), y Gone with the
Wind (1939). Erich Wolfgang Korngoldcon; The Adventures of Robin Hood. Alfred
Newman con; How the West Was Won,The Greatest Story Ever Told. Bernard
Herrmann con; North by Northwest, The Man Who Knew Too Much, Citizen Kane, The
Ghost and Mrs. Muir, y Taxi Driver. Ennio Morricone; The Good, The Bad And The
Ugly (1966), Once Upon a Time in the West, The Mission (1986), The
Untouchables (1987), y Cinema Paradiso. Jerry Goldsmith; Planet of the
Apes, Chinatown, The Wind and the Lion, The Omen, Alien, Poltergeist. John Williams con;
las dos trilogías de Star Wars, Jaws, Superman, Indiana Jones, E.T., el
extraterrestre, Hook, Jurassic Park, Schindler's List, y Harry Potter entre muchísimas otras.
Otros de los grandes compositores, especialmente del último cuarto de siglo en adelante
han sido Danny Elfman, Nino Rota, Vangelis, Howard Shore, James Horner, Alan Silvestri,
, Hans Zimmer y Henry Mancini.

Música contemporánea (1975 - actualidad)[editar]

Artículos principales: Música académica contemporánea y Posmodernismo.

Nacimiento del posmodernismo[editar]

El posmodernismo puede ser considerado una respuesta al modernismo que defiende los
productos de la actividad humana —particularmente los manufacturados o artificiales—
como el sujeto central del arte misma, y la idea de que el propósito del arte es focalizar la
atención del público sobre objetos para su contemplación, tal como el crítico Steve Hicken
lo explica.
Esta teoría del modernismo vuelve a la Escuela dadaísta ejemplificada por Duchamp, y al
collage de música concreta, así como los experimentos con música electrónica de Edgard
Varèse y otros. No obstante, el posmodernismo defiende que éste fue el modo primigenio
de existencia humana, un buceo individual en el mar de producción del hombre.
John Cage es una figura prominente en la música del siglo XX; su influencia fue creciendo
durante su vida, y hoy es recordado por muchos como el fundador de la música
postmoderna. Cage cuestionó la misma definición de música en sus piezas, e insistió en la
filosofía de que todos los sonidos son esencialmente música. En su 4’33” confronta al
oyente con su idea de que los sonidos no intencionales son tan músicalmente válidos
como los originados por un instrumento. Cage también usó notablemente música aleatoria,
y sonidos hallados con el objetivo de crear un estilo de música interesante y diferente. Su
música no solamente se basa en el argumento de que no hay “música” o “ruido” sino sólo
“sonido”, y que las combinaciones de sonidos hallados constituyen eventos musicales, sino
también en la importancia de focalizar la atención y en la “invención” como esenciales al
arte.
Cage, sin embargo, ha sido catalogado por algunos como demasiado vanguardista en su
enfoque; por esta razón, muchos encuentran su música antipática. Resulta interesante
analizar que la aparente oposición al indeterminismo de Cage, la música sobrestructurada
de los serialistas, ha producido piezas de sonoridad similar, incluso muchos serialistas
como por ejemplo Pierre Boulez o Karlheinz Stockhausen han utilizado procedimientos
aleatorios. Michael Nyman dice en música experimental que el minimalismo fue una
reacción generada por y contra el serialismo y el indeterminismo.
El posmodernismo encontró a la música y la pintura en momentos muy similares; por un
lado la sobriedad, pureza, amor por la mecánica, abstracción y la trama en la que muchos
rasgos modernistas fueron preservados, como el énfasis sobre el estilo personalizado y la
experimentación. Sin embargo, los posmodernistas rechazaron la
instancia hermenéuticadel modernismo (la necesidad de estar en el ambiente del
modernismo). En lugar de ello, el posmodernismo toma lo popular y lo reduce a su guía
estética. Uno de los primeros movimientos que rompió con el modernismo se inspiró en el
trabajo de Cage, y su énfasis en los sonidos por capas: el minimalismo.
Poliestilismo[editar]
Artículo principal: Poliestilismo
John Zorn (1953), músico estadounidense de origen judío, poliestilista y ecléctico que ha trabajado
en diversos estilos dentro y fuera de la música académica.

Poliestilismo es el uso de múltiples estilos o técnicas musicales, y es considerado una

característica posmoderna que comienza a finales del siglo XX y se acentúa en el siglo
XXI. Es importante distinguir entre la actitud ecléctica, que es la de quien recolecta
material de diferentes fuentes de modo pasivo y la actitud poliestilista, que es la de quien
fusiona las fuentes de modo coherente, deliberado y propio. El compositor poliestilista no
emplea necesariamente su canon de estilo y técnica en un solo trabajo sino que en el
conjunto su obra se advierte diferentes "estilos". Esta corriente, pese a haber sido
anticipada en una temprana tendencia que unificaba elementos de folk o de jazz en
trabajos clásicos, se desarrolla realmente desde finales del siglo XX, y mientras más y más
estilos entran en juego en el nuevo siglo, el movimiento se hace cada vez más importante
y diverso. Los compositores poliestilistas han usualmente comenzado su carrera en una
corriente para moverse a otra a la vez que guardando elementos importantes de la
anterior.
Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio, William
Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, Magaly
Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov, Santiago
Sosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa o John Zorn.
Nueva simplicidad[editar]
Artículo principal: Nueva Simplicidad
Arvo Pärt (1935) compositor estonio, una de las principales figuras de la nueva simplicidad, como
también del post-minimalismo

La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos de los
componentes de la generación más joven de compositores alemanes de comienzos de los
ochenta del siglo XX, y que supuso una reacción no solamente contra
la vanguardia musical europea de las décadas de los cincuenta y sesenta, sino también
contra la más amplia tendencia hacia la objetividad de comienzos de siglo.
En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso creativo y su
resultado musical (en contraste con la elaborada planificación precompositiva
característica del vanguardismo), con la intención de crear una comunicación más fácil con
las audiencias. En algunos casos, ello significó una vuelta al lenguaje tonal del siglo
XIX así como a las formas musicales (sinfonía, sonata) y a las combinaciones
instrumentales (cuarteto de cuerda, trío con piano) tradicionales, que habían sido evitadas
en su mayor parte por la vanguardia. Para otros compositores, significó trabajar con
texturas más simples o el empleo de armonías triádicas en contextos no tonales. De entre
los compositores identificados de una forma más cercana con este movimiento,
solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una reputación significativa fuera de Alemania.
Otros autores, de mayor edad y/o de otras nacionalidades, como Hans Abrahamsen, Alfred
Janson, Aaron Kernis, Wilhelm Killmayer, Ladislav Kupkovic, György Kurtág, Roland
Moser, Arvo Pärt, Alfred Schnittke, Kurt Schwertsik y Howard Skempton han sido
relacionados ocasionalmente con los “nuevos simplicistas”. Al menos dos autores han ido
aún más lejos al asegurar que uno de los compositores vanguardistas contra el que se
había rebelado más ostensiblemente la Nueva Simplicidad, Karlheinz Stockhausen, se
habría anticipado a sus posiciones con la simplificación radical de su estilo que se produjo
entre 1966 y 1974.
Espectralismo[editar]
Artículo principal: Espectralismo

La música espectral, en un sentido restrictivo, se basa principalmente en el descubrimiento

de la naturaleza del timbre musical y en la descomposición espectral del sonido musical,
en el origen de la percepción del timbre. El espectralismo se originó en Francia en la
década de los setenta alrededor de un grupo de compositores agrupados en torno
al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail, Hughes Dufourt y Michael Levinas).
En Alemania tuvo repercusión y se formó un grupo de investigación liderado por los
compositores Johannes Fritsch, Mesias Maiguashca, Peter Eötvös, Claude Vivier,
y Clarence Barlow. En Rumania existió un movimiento importante de esta tendencia
liderado por Ştefan Niculescu, Horatiu Radulescu, y Iancu Dumitrescu.
Actualmente compositores como Julian Anderson, Ana-Maria Avram, Joshua
Fineberg, Jonathan Harvey, Fabien Lévy, Magnus Lindberg, y Kaija Saariaho permanecen
desarrollando ideas espectrales. El compositor de jazz Steve Lehman ha introducido
técnicas espectrales en el campo de la música improvisada. El movimiento se ha ido
ensanchando e influye en las más importantes tendencias contemporáneas de
composición y en muchos de los compositores más jóvenes: Philippe Hurel, Philippe
Leroux, Marc-André Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry Blondeau, en
Francia; Kaija Saariaho o Magnus Lindberg en Finlandia; George Benjamin o Julian
Anderson en el Reino Unido: Marco Stroppa en Italia; y Joshua Fineberg, en EE.UU., por
citar algunos.
Libre improvisación[editar]
Artículo principal: Libre improvisación

La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas, secuencias

de acordes o melodías previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo
activo para evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. El término es en alguna
forma paradójico en tanto puede ser considerado como una técnica (empleada por
cualquier músico que quiere olvidarse de géneros rígidos y formas) y como género
reconocible en sí mismo. La improvisación libre, como estilo de música, se desarrolló
en Europay EE. UU. en la mitad y fines de la década de 1960 en respuesta o inspirado por
el movimiento del free jazz así como por la música clásica contemporánea. Entre los
artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter
Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.
Nueva complejidad[editar]
Artículo principal: Nueva complejidad

La Nueva Complejidad es una corriente dentro del escenario contemporáneo surgida en la

década de los 80's en el Reino Unido que puede definir lo "complejo" como; "de múltiples
capas de interacción de los procesos evolutivos que ocurren simultáneamente en todas las
dimensiones del material musical". Es muy abstracta, disonante y atonal, caracterizada por
el uso de técnicas que llevan hasta el límite las posibilidades de la escritura musical. Esto
incluye el uso de técnicas extendidas, texturas complejas e inestables, microtonalidad,
contorno melódico altamente discontinuo y complejos ritmos de capas, cambios bruscos
en la textura, y así sucesivamente. También se caracteriza, a diferencia de la música de
los serialistas inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, por la
dependencia frecuente de sus compositores en concepciones poéticas, muy a menudo
implicados en los títulos de las obras individuales y en los ciclos de trabajo de cada
compositor.
Entre los compositores más importantes se encuentran Brian Ferneyhough, Michael
Finnissy, Chris Dench, James Dillon, Roger Redgate y Richard Barrett.
Arte sonoro[editar]
Artículo principal: Arte sonoro

Arte sonoro comprende un diverso grupo de prácticas artísticas que tienen como principal
objetivo diferentes nociones del sonido, la escucha y la audición. Existen normalmente
diferentes relaciones entre los ámbitos visual y auditivo del arte así como de
la percepción por los artistas del sonido.
Como muchos géneros del arte contemporáneo, el arte sonor es interdisciplinario por
naturaleza, tomado formas híbridas. El arte sonoro se ocupa frecuentemente de aspectos
como la acústica, la psicoacústica, la electrónica, el noise, los medios de audio y
la tecnología (tanto analógica como digital), el sonido encontrado o ambiente, la
exploración del cuerpo humano, la escultura, la película o el vídeo y un abanico de temas
creciente
Desde el punto de vista de la tradición occidental, los primeros ejemplos de este arte
incluyen a Luigi Russolo y su Intonarumori, y los experimentos que a continuación
realizaron los dadaistas, surrealistas y situacionistas. Dada la diversidad del arte sonoro,
existe a menudo un debate sobre si el arte sonoro cae dentro y/o fuera tanto del arte
visual como de la música experimental. El arte sonoro también está relacionado con el arte
conceptual, el minimalismo, el spoken word, la poesía avant garde y el teatro experimental.
Música contemporánea latinoamericana[editar]
El argentino Astor Piazzolla(1921-1992) compuso en un estilo que fusionaba elementos tradicionales
como el Tango, con la música clásica e incluso el jazz.

La música de tradición europea en Latinoamérica ha sido sumamente diversa y compleja,

tanto musicalmente como también en cuanto al lugar que ésta ocupa en la sociedad. Uno
de los principales obstáculos han sido las dificultades económicas de la región durante
casi la totalidad del siglo, por una parte, y la falta de acceso e interés de la mayoría de la
población a la música docta, por la otra. Desde el punto de vista musical y estilístico
siempre se ha generado una pugna entre producir correctamente el legado de la música
docta europea, y desarrollar elementos originalmente latinoamericanos y nacionales en la
misma. Es por esto que muchos de los compositores de esta región han sido catalogados
como pertenecientes al nacionalismo musical, independientemente del estilo o técnica que
el compositor haya utilizado. La música contemporánea latinoamericana, más que un
estilo, comprende una inmensa diversidad de obras, conceptos, técnicas y estilos que se
han elaborado en la región desde que se ha propuesto la música docta como un desafió
creativo, por sobre la noción de música docta como la mera asimilación cultural repetitiva
de la música culta europea.

El compositor y multinstrumentista Egberto Gismonti (1947), ha compuesto en diversos estilos que

incorporan elementos del jazz, la música popular brasileña, la música indígena, y el uso de
sintetizadores, junto con la música modernista neotonal y también la vanguardia.

Durante el siglo XX un grupo significativo de compositores de América Latina alcanzaron el

reconocimiento internacional. Alberto Ginastera, Carlos López Buchardo, Carlos
Guastavino, Luis Gianneo, y Astor Piazzolla de Argentina; Heitor Villalobos, Camargo
Guarnieri, Luciano Gallet y Francisco Mignone, Ricardo Santoro y Osvaldo Lacerda de
Brazil; Luis Humberto Salgado de Ecuador; Antonio Lauro, Juan Bautista Plaza , Antonio
Estévez e Inocente Carreño de Venezuela; Manuel Ponce, Carlos Chávez, y Silvestre
Revueltas de México; Domingo Santa Cruz, Pedro Humberto Allende, Carlos
Isamitt y Juan Orrego-Salas de Chile; Guillermo Uribe-Holguín, Luis Antonio
Escobar, Roberto Pineda Duque, Antonio María Valencia, Francisco Zumaqué, Blás Emilio
Atehortúa, Jesús Pinzón Urrea de Colombia; Teodoro Valcárcel de Perú; Roque
Cordero de Panamá, Eduardo Caba de Bolivia, Ernesto Lecuona de Cuba y Héctor
Tosar y Eduardo Fabini de Uruguay. Mientras que durante el último tercio de siglo los
compositores destacados se acrecentaron destacando además: Mario
Davidosky y Osvaldo Golijov de Argentina; Leo Brouwer, Aurelio de la Vega y Tania
León de Cuba; Gabriela Ortiz y Mario Lavista de México; Héctor Campos-Parsi y Roberto
Sierra de Puerto Rico; Juan Carlos Núñez y Paul Desene de Venezuela; Gustavo Becerra
Schmidt de Chile; José Serebrier y Miguel del Águila de Uruguay; Edino Krieger, Egberto
Gismonti y Marlos Nobre de Brasil, quienes son reconocidos a nivel mundial por calidad
artística.
Otros estilos y conceptos musicales[editar]
Otros estilos y conceptos generalmente asociados a la música contemporánea son
el conceptualismo, el post-minimalismo, el neorromanticismo, el neotonalismo, la música
experimental, la tonalidad postclasicista, la música electrónica, el art rock, el jazz
contemporáneo, la música del mundo, la música postmodernista, la música computacional,
el historicismo musical, etc.