ÍNDICE

Presentación

1. Aspectos teóricos

Educación
¿Por qué la enseñanza del color?
¿Qué enseñar del color?
La pintura

artística
2. Artistas y propuestas:
Eugéne Delacroix
André Derain
Mark Rothko
María Freire
SUPLEMENTO
COLECCIONABLE
Nº 2
Coordinadora: «Si se quiere utilizarlo con acierto,
Elina Rostán hay que tener presente
que el color engaña continuamente.»
Autoras:
Mónica Tomeo J osef A lbers

Correctora:
Valeria Schiappapietra

Diseño:
Land

Presentación
En esta ocasión la separata de Educación Artística se ocupará del color como
elemento plástico. Se definirán algunos conceptos, y se presentarán cuatro
artistas plásticos que utilizan el color en su obra con un tratamiento e inten-
ciones específicos, que nos sirven como ejemplo para proponer actividades
de enseñanza.

Acompañando a estos artistas, se incorpora el Paisaje como género pictórico

y la Abstracción como forma de representación.

Se presentan algunas reflexiones sobre la pintura y algunas de sus técnicas

como lenguaje visual que pueden combinarse y acompañar en las exploracio-
nes y aprendizaje sobre el color.
1. Aspectos teóricos
¿Por qué la enseñanza del color?
Recordemos que el color es uno de los elementos
plásticos o visuales, así como lo son el punto y lí-
nea, la materia, la luz, el espacio y el movimiento.
Es parte del código que maneja el lenguaje visual,
lenguaje con el que están construidas todas las
imágenes tanto las producciones artísticas, obras
de arte, así como el resto de las imágenes produ-
cidas por la publicidad, el diseño y la arquitectura.
La enseñanza del color es imprescindible para
la producción de imágenes, conociendo su
comportamiento y su manejo, puedo usarlo con
las intenciones que desee.
En el caso de la apreciación, este saber, me per-
mite interpretar posibles mensajes que la obra
u otros artefactos visuales trasmiten.
La enseñanza y el trabajo con los elementos
formales desde los niños pequeños, no es con-
tradictoria con la libre expresión y espontanei-
dad que el niño tiene en el dibujo, siempre y
cuando, como docentes, demos el lugar justo a
cada tipo de actividad.
La libertad de expresión es parte de la natu-
raleza del niño y no se modifica a menos que,
como docentes, tengamos una postura autori-
taria y censuradora.
Las actividades en torno al estudio del color, de
la línea así como de otros elementos plásticos o
de composición, son formativas y van desarro-
llando en el niño sus capacidades de observa-
ción, de reflexión, de interpretación y de crítica.
A mitad del siglo xx, Josef Albers escribe La inte-
racción del color, en esta obra recoge las clases
que dictara en sus cursos de la Bauhaus en Ale-
mania, y posteriormente en universidades de Es-
tados Unidos, donde fundamenta su enseñanza.
Las investigaciones de Albers sobre el color y
sobre su enseñanza, han sido las que más in-
fluencia han tenido desde entonces en nuestro
medio. Sus clases, por más que hayan estado
orientadas a estudiantes de arte en un nivel ter-
ciario, se han desarrollado posteriormente en
los niveles de secundaria y primaria.
La postura de Albers reivindica la educación de
la mirada a partir de la enseñanza de un conte-
nido como el color. En la década del sesenta,
cuando el auge en la educación artística era la
corriente de la libre expresión o autoexpresión,
él ya visualiza un problema que no nos es ajeno,
y que sigue estando presente en nuestro escue-
la de hoy, el abuso de actividades autoexpresi-
vas en la educación artística. Dice con respecto
a esto:
Estos ejercicios no pretenden ilustrar, decorar
ni embellecer nada, sino que se orientan al de-
sarrollo de la capacidad de producir los efectos
cromáticos deseados. Con lo que reiteramos
nuestro escepticismo respecto a la autoexpre-
sión en las escuelas, ya se plantee como medio
de estudio o como su objeto.
Al cabo de no enseñar, no aprender y por con-
siguiente no ver, en demasiadas actividades
artísticas, es hora de abogar de nuevo por un
aprendizaje básico y gradual que aprecie el sa-
ber directo procedente de la experiencia y la
evaluación resultante de la comparación. Ello
significa, en suma, apreciar el desarrollo y el
perfeccionamiento, esto es, el crecimiento de
unas facultades. Este crecimiento no es solo
una experiencia apasionante, es también un es-
tímulo y el incentivo más fuerte en orden a una
acción intensificada, a una indagación continua
(búsqueda, search, en lugar de investigación, re-
search), a un aprendizaje a través de la práctica
consciente. (Josef 1982)
Josef
Albers
(1888–1976)

Pintor y profesor de arte nacido en Boltrop,

Alemania. Comenzó su actividad docente
como maestro de primaria y más tarde se
formó como profesor de arte. Estudió en la
Bauhaus y luego dictó clases allí. En 1933
emigra a Estados Unidos donde vivió el res-
to de su vida dictando cursos en diferentes
universidades y escuelas de arte.

Formó parte de la corriente de Abstracción

Geométrica, que se desarrolló dentro del
Arte Moderno, en la que los pintores se pre-
ocuparon por la exploración de los elemen-
tos formales en la pintura, la forma, el color,
la materia, dejando de lado la figuración.

Debido a sus estudios sobre los efectos óp-

ticos del color, se lo considera precursor del
Arte Óptico, vanguardia que surge a mitad
del siglo xx.

›
Casa Blanca B (1954)
Óleo sobre cartón
Bauhaus
Escuela de arte, arquitectura y diseño ale-
mana fundada por Walter Gropius en 1919
en Weimar.

La Bauhaus produjo una reforma pedagógi-

ca en la enseñanza del arte, influenciando a
muchas escuelas de Arte en todo el mundo
durante las siguientes décadas.

Se reconocen dos períodos en la Bauhaus,

el primero en Weimar entre 1919 y 1925, y
la Bauhaus de Dessau desde 1926 a 1933,
cuando se disuelve al instalarse el nacional
socialismo en Berlín.

La mayoría de sus principales profesores

emigran a Estados Unidos donde siguieron
dictando cursos en diferentes universidades
influenciando a las nuevas vanguardias de
pintura, arquitectura y diseño.

Algunos de sus profesores destaca-

dos (de izquierda a derecha) fueron:
Josef Albers, Hinnerk Scheper, Georg Mu-
che, László Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Jo-
ost Schmidt, Walter Gropius, Marcel Breuer,
Wassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feinin-
ger, Gunta Stölzl y Oskar Schlemmer.
¿Qué ¿Qué enseñar del color?
enseñar
El color es y ha sido, uno de los elementos formales que
más preocupación e interés de exploración ha causado en
los artistas a lo largo de la historia.
del color? Acompañando estas exploraciones artísticas, las teorías
sobre color han cambiado y cambian permanentemente al
producirse avances científicos y tecnológicos.
Aquí presentamos algunos conceptos básicos sobre el co-
lor, sus cualidades y variables. Es importante tener en cuen-
ta que los términos que se manejan pueden variar según la
bibliografía, por esto vale la aclaración aquí y siempre que
se trabaje con grupos de estudiantes, ya que se pueden en-
contrar diferentes acepciones para un mismo término.
Primarios Primarios y secundarios
Colores primarios y secundarios.
Los colores primarios son aquellos que a través
de su combinación me permiten obtener el res-
to de los colores, y que no puedo formarlos a
partir de ningún otro color. Una primera combi-
nación entre dos primarios me da un color se-
cundario, y una combinación entre un primario
y un secundario produce un color terciario.
Comúnmente se han identificado como colores
primarios, al rojo, azul y amarillo, en la actua-
lidad se consideran el magenta, azul cyan y el
amarillo. Esto ha sido consecuencia de los avan-
ces tecnológicos y la influencia de la imprenta
en el color pigmento.
Primarios, secundarios y
terciarios
Círculo cromático Cualidades y variables de color

Tradicionalmente se utiliza el círculo cromático Matiz: Llamamos matiz al croma de un color, es lo que lo identifica de otros colores.
como un modelo de ordenamiento del color. También pueden llamarlo tinte.

Éste nos permite observar las relaciones que

existen entre los colores primarios, secunda-
rios y terciarios. También en el círculo pueden Variación de un matiz: Escala cromática
observarse claramente los colores opuestos y
complementarios.
Valor: Es la escala de luminosidad u oscuridad de un color, el grado de luz que posee un color.

Colores complementarios

En el círculo cromático los ubicamos en los ex-

tremos de un diámetro, todo color primario tie-
ne un color secundario opuesto y complemen-
tario. Se comprende la complementariedad,
porque son dos colores cuya suma recompone Tono: Es la resultante de la mezcla de los colores con blanco o con negro.
la luz blanca y entre los dos se completa la tría- Esta vinculado al valor y al matiz. El tono determina si la paleta es alta o es baja.
da primaria. Paleta alta: Los matices se presentan puros sin mezclarse con blanco o negro.
Paleta baja: Los matices están mezclados con blanco, con negro o con grises.

Variación de tono: Escala tonal

Saturación: Se refiere a la carga de pigmento disuelta en el vehículo o disolvente.

Esta variable también determina el valor de un color.
Relatividad del color
Los colores no se encuentran aislados en nues-
tro entorno. La proximidad e interacción entre
colores hace que la percepción de estos varíe.
«El color es el más relativo de los medios que
emplea el arte» dice Albers, y explica la relativi-
dad de la siguiente manera:
«Podemos oír un tono aislado, pero casi nunca
(esto es, sin aparatos especiales) vemos un co-
lor aislado, desconectado y desligado de otros.
Los colores se nos presentan dentro de un flujo
continuo, constantemente relacionados con los
contiguos y en condiciones cambiantes.»
Estas son algunas de las láminas de Albers para
sus ejercicios sobre la relatividad del color, en
ellas se puede observar como el mismo matiz
parece que cambiara, según los matices que lo
rodean.
Temperatura del color
Los colores se agrupan en dos grandes conjun-
tos según su temperatura: cálidos y fríos. Se han
agrupado tradicionalmente los rojos, amarillos y
anaranjados como colores cálidos, y los azules,
verde y violetas, como colores fríos.
Pero hay que tener en cuenta que la tempe-
ratura es una cualidad a nivel perceptivo del
color, y esto significa que está ligada a la relati-
vidad. Quiere decir que por más que se consi-
dere el rojo como un color cálido, como Albers
nos enseñó anteriormente, no percibimos un
rojo aislado, sino que lo hacemos interactuando
con otros colores, o sea que podemos llegar a
percibir en algunos contextos, un rojo frío o un
azul cálido.
Esta cualidad es compleja y su comprensión re-
quiere de un largo proceso de ejercitación de
la mirada y la percepción. Es por esto que su
enseñanza en el nivel de primaria no es tan sim-
ple. El abordaje de la temperatura del color no
puede quedar en una simple división descripti-
va y estricta de cuáles son los colores cálidos y
cuáles los fríos, porque estaríamos trabajando
erróneamente este concepto dejando de lado
lo más importante, la relatividad.
Color luz y color pigmento
El uso del color en la producción de
imágenes puede darse a través del
color pigmento o del color luz. En los
lenguajes tradicionales como la pintu-
ra, el dibujo y la escultura, se utiliza el
color pigmento, pero en los lenguajes
contemporáneos los artistas muchas
veces utilizan el color luz para la pro-
ducción de sus imágenes, por ejemplo
en instalaciones, intervenciones o per-
formances.
› Signac realizaron estudios minuciosos sobre este efec-
Paul Signac (1863-1935)
Port St Tropez
Color Pigmento
Mezcla Sustractiva
Es la que se produce entre pigmentos y lleva esta de-
nominación porque resta luz, a través de las sucesivas
mezclas se llega al negro.
Color Luz
Mezcla Aditiva
Es la que se produce entre haces de luz coloreada, de
manera que sumándolas puede llegarse a la luz blan-
ca. Es la que se utiliza en la iluminación de escenarios.
En el color luz los colores primarios no son los mismos
que en el color pigmento, son rojo, verde y azul.
Mezcla Óptica
La mezcla óptica consiste en lograr colores intercalan-
do puntos de color pigmento de diferentes matices en
el plano. La mezcla se produce a nivel de la percep-
ción visual en nuestra retina.
Los impresionistas utilizaron este recurso, algunos
pintores posimpresionistas como George Seurat y Paul
to, esta técnica que desarrollaron se le llamó Puntillis-
mo. La impresión gráfica también utilizó este recurso.

La Pintura
La pintura es el lenguaje artístico que se produ-
ce al aplicar sobre una superficie, un pigmento
diluido en un medio.
Dentro del lenguaje pintura podemos encontrar
diferentes técnicas que se han desarrollado a lo
largo de la historia dependiendo de la composi-
ción de los pigmentos utilizados y los diferentes
soportes en que se han aplicado.
Para comprender a la pintura como un lenguaje
posibilitador de desarrollar capacidades y po-
tenciales en los individuos, es importante com-
prender su naturaleza y esencialidad, que están
vinculadas a su composición.
Esto significa que en la actualidad no puede ser
un objetivo de la enseñanza artística, el uso y
perfeccionamiento de una técnica, o sea lograr
habilidades técnicas en el manejo por ejemplo
del óleo, la acuarela, el lápiz, el pastel. Debería
ser objetivo de enseñanza, la exploración de las
posibilidades expresivas que me permiten las
combinaciones que puedo realizar con la diver-
sidad de materias que estén a mi alcance.
Para esto, lo que si puedo enseñar, es la compo-
sición de la pintura como medio de producción
de imágenes.
‹
George Seurat (1859-1891)
Un domingo de verano en la Grande Jatte
Los componentes de la pintura como materia Acuarela
son, un pigmento, un diluyente y un fijador. Pintura que mezcla pigmentos con goma arábi-
ga, muy diluida en agua. Se conoce desde la an-
Esto, en lugar de limitarme al uso de pinturas tigüedad pero comienza a utilizarse más entre
a las que puedo acceder a través del mercado, los siglos xvii y xviii.
me permite la libertad y riqueza, de explorar y
realizar todas las mezclas que se me ocurran Óleo
con los materiales que disponga, y entender Pintura mezcla de pigmentos y aceite vegetal
que no existen reglas que no me permitan in- generalmente de lino, como aglutinante. Se co-
ventar posibles pinturas. mienza a utilizar a partir del siglo xv en Flandes
y luego se extiende por el resto de Europa. Su
Si logro esto, puedo tener la certeza de que es- secado es muy lento.
toy enseñando la esencia de lo que la pintura
es, una mezcla de materias que me permiten ge- Acrílica
nerar una imagen sobre un soporte, cualquiera Pintura creada en el siglo xx a base de pigmen-
sea, producto de mis necesidades expresivas. tos mezclados con resina de polímeros. Su se-
cado es rápido y al ser diluida en agua su aplica-
Fresco ción y uso es más práctica que el óleo.
Pintura mural que se realiza aplicando pigmen-
tos mezclados con agua sobre la mezcla fresca
de la pared. Esta técnica se utilizó desde la An-
tigüedad. En la Edad Media es la principal técni-
ca de pintura que acompaña la construcción de
catedrales y capillas.
Temple
Pintura compuesta por pigmentos y yema de
huevo como aglutinante. El temple se utilizó en
la Edad Media aplicándolo sobre tabla. Su seca-
do es muy rápido.
Técnica Pigmento Fijador Disolvente
Fresco Orgánicos Mezcla o yeso Agua Giotto di Bidone (1267–1337)
Inorgánicos Fresco sobre la vida de San Francisco de Asís.

Temple Orgánicos Huevo Agua Anónimo, 

Inorgánicos Cataluña siglo XII. Temple sobre tabla.

Acuarela Orgánicos Goma arábiga Agua Alberto Durero (1471-1528)

Inorgánicos

Óleo Orgánicos Aceite vegetal Aguarrás Jan van Eyck (1390–1441)

Inorgánicos Aceite de lino Retrato del matrimonio Arnolfini, 1434.

Acrílica Orgánicos Resina de Agua Diego Masi (1965 - )

Inorgánicos polímeros Acrílico sobre tela.
2. Eugéne Delacroix
Artistas y André Derain
Mark Rothko
Propuestas María Freire
Eugéne
Delacroix
(1798–1863)

Pintor francés que se ubica dentro del

Romanticismo del siglo XIX.

Se caracterizó por su rechazo a las formas

y preceptos neoclasicistas, que en ese mo-
mento imperaban en la Academia1, como la
búsqueda en la perfección del dibujo y de la
técnica, inspirados en la Antigüedad clásica.

Delacroix encontraba como motivo más

importante en la pintura el color y la imagi-
nación. En su búsqueda sobre el estudio del
color, viaja al norte de África donde desa-
rrolla gran parte de su obra, deslumbrado
por la luz, el color y las imágenes que esas
culturas le aportan como motivo de repre-
sentación.

1. Academia: Institución encargada de la enseñanza,

propagación y validación de las Artes en Europa.
Romanticismo
Corriente ideológica y artística que se desa-
rrolla a fines del siglo XVIII y hasta mediados
del siglo XIX. Su origen se encuentra en
la ruptura de estructuras ideológicas y de
estilo, que imperaban en el siglo XVIII. Los
artistas, tanto músicos, escritores y pinto-
res, sintieron la libertad de elegir temas de
representación diferentes a los tradicional-
mente aceptados.

El espíritu romántico se caracteriza por la

exaltación de los sentimientos y de la imagi-
nación.

El Sultán de Marruecos, 1845.

Flores, 1833.

Joven tigre jugando con su madre, 1830.

‹
La libertad guiando al pueblo, 1830.
 Propuesta de Contextualización
Delacroix, un artista romántico
¿Qué significa ser romántico? ¿Qué es el ro-
manticismo?
› Observo las pinturas de Eugéne Delacroix.
¿Qué imágenes representa? ¿Qué sucede en
ellas? ¿Pintaba su entorno y realidad cotidi-
ana? ¿Por qué le interesarían esos temas?
› Investigo sobre el siglo xix, época en que
vivió. ¿Qué sucedía en Europa? ¿Estará rela-
cionado lo que aparece en sus pinturas con lo
que le sucedía a la gente en ese momento?
› Averiguo qué otros artistas, escritores, músi-
cos y pintores convivieron con Delacroix. Bus-
co imágenes y producciones que realizaron.
Cristo en el Lago de Genezaret, 1854.
Odalisca, 1857
‹
Colisión de jinetes árabes.
Boda judía en Marruecos, 1839.
Propuesta de Producción
La fotografía como modelo
› Observo la pintura Odalisca de Delacroix y
la fotografía que utilizó como modelo para su
pintura. ¿Hizo una reproducción mimética de la
foto? ¿Qué agregó y qué quitó? ¿Representan
lo mismo la pintura y la foto?
› Busco entre fotos de mis amigos o mi familia
y elijo una. En base a la posición de cómo
aparecen las figuras en la foto, realizo una com-
posición donde aparezcan las mismas figuras
humanas, pero en otro entorno. Imagino otro
lugar donde se encuentren, recreando una
nueva situación para esos personajes.
› Preparo una paleta de colores y pinto mi
composición con ella.
Puedo realizar copias sobre la primera com-
posición a modo de bocetos y pintarlos con
diferentes paletas, una donde entone los mati-
ces con blanco o con negro (paleta baja), otra
con los matices puros (paleta alta) u otra con
una paleta formada por la variación de un matiz.
André
Derain
(1880–1954)

Pintor, escultor, ilustrador y escenógrafo

francés. Su pintura tuvo gran influencia de
Paul Cézanne y de Van Gogh. Formó parte
del grupo de artistas fauves. También se
vinculó con artistas de otras vanguardias
como Picasso y Braque, que desarrollaron el
Cubismo.

Colores, 1905.

›
Pasando la carretera, 1906.

Collioure, 1905.

Retrato de Henri Matisse, 1905.

Fauvismo
El Fauvismo es una de las vanguardias de
comienzos del siglo XX que forman parte
del Arte Moderno. El nombre fauvismo, sur-
ge en el Salón de Otoño de 1905 en París,
cuando un crítico de arte al ver expuestas
las obras de un grupo de jóvenes artistas,
los llama fauves (fieras) descalificativamente.

Algunos de sus representantes fueron Henri

Matisse, André Derain, Maurice de Vla-
minck, Raoul Dufy, Kees Van Dongen y Albert
Marquet.

La pintura fauve se caracteriza por el uso de

una paleta alta, colores puros muy satura-
dos contrapuestos que generan vibraciones
a nivel perceptivo. Utilizan el color arbitra-
riamente sin tener en cuenta la naturaleza
del modelo y sus trazos son enérgicos y
pastosos.

Los temas de representación que eligen

se refieren a la vida en la ciudad, paisajes
urbanos, escenas de la vida en estas y los
personajes que la habitan.
Género
pictórico:
Paisaje
Como género pictórico surgen en Flandes
alrededor del siglo XVII, antes el paisaje
no tenías relevancia en sí mismo, si no que
acompañaba en la pintura al tema central
que podía ser religioso, histórico o mitoló-
gico. Este género toma relevancia con los
pintores románticos a fines del siglo XVIII.
Dos de sus grandes representantes en este
período fueron los ingleses William Turner
(1775-1851) y John Constable (1776-1837).
Siguen desarrollándolo corrientes como el
Realismo, Impresionismo, Postimpresionis-
mo y algunas vanguardias como el Fauvismo
y el Expresionismo.

Dentro de este género podemos encontrar

paisajes urbanos, rurales o marinas.

Puente en Londres, 1906.

›
Montañas de color, 1905.
Propuesta de Apreciación y crítica Propuesta de Producción

Paisajes Colores complementarios

› Observamos las formas y el color de los pai-
sajes de André Derain. De estos dos elemen-
tos, ¿cuál se modificó más comparado con los
paisajes reales? ¿Por qué los habrá representa-
do así? Dentro de la totalidad de cada paisaje,
¿hay algún elemento de este que se destaque
más sobre los otros?
› ¿Qué tienen en común los paisajes como
género pictórico? Escribimos una lista de ele-
mentos que consideramos que debe tener una
pintura para que sea un paisaje.
› Partiendo de los colores primarios, preparo
una paleta que incluya primarios y secundarios.
› Pinto un círculo cromático teniendo en cuen-
ta la ubicación de cada secundario quede en-
tre los dos primarios que lo formaron.
› Uno con una línea cada color primario con su
color opuesto y complementario en el círculo.
› Pinto tres composiciones libres utilizando
solo los colores complementarios en cada una.

› Teniendo en cuenta estos elementos, toma- › Observo como André Derain utiliza los colo-
mos fotografías de nuestro entorno de tal for- res complementarios en sus pinturas.
ma que sean encuadres de paisajes.

› Realizamos una muestra debate, exponiendo

las fotos de paisajes que se tomaron para ob-
servar como aparecen en ellas los elementos
que se habían planteado como necesarios para
que la imagen fuese un paisaje.
Mark
Rothko
(1903–1970)
Nació en Rusia, pero emigró de niño con su
familia a Estados Unidos. Estudió en la Uni-
versidad de Yale y a los 20 años se instala
en Nueva York donde reside el resto de su
vida, donde se vincula con otros artistas for-
mando parte de diferentes grupos. Acompa-
ñando su actividad artística, se desenvuelve
como docente en diversas universidades e
instituciones de Arte.
Su obra se ubica dentro del Expresionismo
Abstracto. Al inicio tiene influencia de los
surrealistas Roberto Matta y André Masson,
pero gradualmente va dejando la figuración
para llegar a la abstracción total.
Su pintura tiene connotaciones espiritua-
les, busca manejar emociones profundas a
partir de la contemplación de los grandes
planos de color.
Serie América del Sur Boceto Nº 2, 1989.
Mis murales juntan en una
sola casa unos colores que
no pueden vivir juntos. La
visión de la armonía dura
sólo un instante, el momento
antes de estallar y partirse
en dos… Me doy cuenta de
que, históricamente, pintar
cuadros grandes se ha aso-
ciado a la pompa y a la gran-
diosidad. Yo lo hago para
resultar intimista y humano.
Cuando realizas un cuadro
muy grande, lo pintes como
lo pintes, tú estás dentro del
cuadro.
Mark Rothko
 Expresionismo
Abstracto
Corriente estética surgida a mitad del siglo
xx en los Estados Unidos, lugar donde emi-
gran muchos de los artistas europeos cuan-
do estalla la Segunda Guerra Mundial.

El Expresionismo Abstracto es una de las lla-

madas segundas vanguardias que aparecen
en la posguerra y que tiene su origen en el
Surrealismo. Varios pintores surrealistas se
exiliaron en Estados Unidos durante y luego
de la guerra.

Se pueden observar dos tendencias dentro

de esta corriente, una muy gestual y enérgi-
ca en que podemos ubicar a pintores como
Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Ko-
oning, y otra puramente abstracta que es la
de Mark Rothko.
Gethsemane, 1944.
Una de las características de estos pintores
Ídolo arcaico, 1958. es que utilizan grandes formatos en tela.

Nº 21, 1939.

Sin título (azul verde y marrón), 1952.

Azul y gris, 1964.

Centro blanco, 1959.

Sin título, 1953. Sin título, 1949.
Propuesta de Apreciación
Abstracción
› Observamos una pintura de Mark Rothko, una
de Josef Albers y una de María Freire.
¿Qué tienen en común y en qué se diferen-
cian? ¿Cómo aparece el color azul en las tres
pinturas? ¿Qué habrá utilizado cada artista
para producir su azul?
Mark Rothko Josef Albers María Freire
› Sobre un soporte dividido en sectores, pro-
ducimos azules con diferentes materiales,
papeles de colores, acuarelas, pintura acrílica,
pasteles, marcadores, lápices de colores.
Propuesta de producción
› Observamos estas dos pinturas de Mark
Rothko, ¿qué colores aparecen en ellas? sus inicios hasta sus últimas obras.
¿Qué colores habrá utilizado para preparar
esos matices?
› Probamos preparar las paletas de matices
más acercadas para una y otra pintura.
› Realizamos composiciones nuevas con la pal-
eta de Rothko.
Propuesta de contextualización
Expresionismo abstracto
› Observamos la obra de Mark Rothko desde
¿Siempre pintó lo mismo? ¿En qué modificó su
pintura a lo largo de su vida? ¿Por qué pintaría
grandes planos de color?
¿Con qué otros artistas se vinculó? ¿Qué
tenían en común?
¿Qué sucedía en su país en la época en que
vivió?
María
Freire
(1917)

Nacida en Montevideo 1917, pintora, escul-

tora y docente, también ejerció la crítica de
Arte. Estudió en el Círculo de Bellas Artes y
en la Universidad del Trabajo y fue profesora
de Dibujo en enseñanza secundaria.

Junto a su esposo el pintor José Pedro

Costigliolo, representan dos de los
principales exponentes del Arte Concreto
en nuestro país, siendo cofundadores del
Grupo de Arte No Figurativo en 1952.

Su pintura es considerada dentro de la

abstracción, como abstracción dura. En sus
composiciones elimina la tridimensionalidad
en el plano, plantea situaciones rítmicas en-
tre formas y color. En algunas de sus series,
las formas aparecen como módulos que se
repiten generando variaciones, utiliza el co-
lor en función de la forma aplanándola.

Serie América del Sur Boceto Nº 2, 1989.

 Arte Concreto
Movimiento en la pintura y la escultura que se desa-
rrolla a mediados del siglo XX. La denominación Arte
Concreto la utiliza Teo Van Doesbourg en 1930 cuan-
do escribe las bases para la pintura concreta.

Desde entonces, el Arte Concreto se identifica por

la abstracción geométrica a través de los elementos
línea, plano y color, y el abandono total de la figura-
‹ ción e imitación de la realidad.
Variante, 1973.
En el Rió de la Plata tiene gran influencia, confor-
mándose varios grupos de artistas que se unen para
establecer bases ideológicas y teóricas a través de
Formas, 1970. manifiestos sobre esta nueva concepción en las artes
plásticas.

En 1945 en Argentina surge la Asociación Arte Con-

creto e Invención con Tomás Maldonado, Hlito, Espi-
nosa, Enzo Iommi y Lozza.

En 1946, el grupo Madí con artistas argentinos y

uruguayos como Carmelo Arden Quin, Gyula Kosice,
Rhod Rothfuss, Martín Blasco, Antonio Llorens y Ro-
dolofo Uricchio.

En 1952 en Montevideo se realiza la primera muestra

de artistas bajo el nombre Arte no figurativo. Algu-
nos de los que exponen son José Pedro Costigliolo,
María Freire, Antonio Llorens, Lincoln Presno, Rhod
Rothfuss, Rodolfo Uricchio.
Vibrante, 1977.

‹
Composición 17 de Julio, 1968.
Propuesta de contextualización Propuesta de producción

Madí – Un movimiento de Arte Concreto Forma y color

› Discuto en grupo a partir de la lectura del
siguiente fragmento del Manifiesto Madí que
escribiera Gyula Kosice en 1947:
«La pintura Madí, color y bidimensionalidad.
Marco recortado e irregular, superficie pla-
na y superficie curva o cóncava.
Planos articulados, con movimiento lineal,
rotativo y de traslación.»
› Se recorta una figura geométrica cualquiera.
› Sobre una hoja se apoya la figura y se dibuja
varias veces su contorno trasladándola y rotán-
dola, de tal manera que se genere un ritmo en
la repetición de la figura.
› Preparar una paleta con por lo menos tres
matices diferentes y pintar los planos que que-
daron dentro de cada figura.

› ¿Qué elementos debe tener una pintura para

ser Madí?

› Buscamos materiales que consideremos que

pueden servirnos e intentamos hacer una pin-
tura Madí teniendo en cuenta la premisa del
manifiesto.

› Buscamos información sobre el Arte Madí,

sus artistas, e imágenes de sus obras. Confron-
tamos y discutimos sobre lo que las pinturas
que hicimos y lo que descubrimos sobre el
Arte Madí.
Bibliografía

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