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Para la comprensión de lo que sigue a continuación, hay algunas figuras que conviene

destacar a parte por sus aportaciones tanto al surrealismo de la época, como al futuro
del arte contemporáneo. Estas serían las figuras de Dalí, Magritte, André Masson y
Remedios Varó.
Salvador Dalí y sus aportaciones dentro del surrealismo y a los planteamientos
estético artísticos contemporáneos.
Salvador Dalí, fue conocido por su arte salvaje y su personalidad publica por igual,
siendo estas os facetas las que lo hicieron sobrepasar al resto de los surrealistas. Su
cita el surrealismo soy yo, manifiesta el tipo de personalidad que tenia el artista.
Dalí destaca así mismo por ser un pionero dentro del movimiento además de por
involucrarse en distintos campos de creación artística como la pintura, la escultura, el
diseño, el dibujo, el cine o la moda. Aplicó el concepto de surrealimos a toso lo que creó,
siendo este el motivo por el cual su huella aparece en toadas las creacuoes de su tiempo
y en las que se van a ir desarrollando a partir de aquí, por ello las alusiones a su figura
y a su obra van a ser una constante.
Su actitud audaz y rebelde, hacia el arte y los políticos lo distanciaton y aislaron de los
demás miembros del grupo, lo que no le impidió crear las obras más famosas y
reconocidas del siglo XX.
Su estilo poco convencional y sus extravagantes idea, fueron una constante en sus
trabajo comerciales, en la moda, la fotografía, la publicidad y el cine, siendo esto lo que
hizo que su estilo y la estética surrealista se hicieran ampliamente populares y
alcanzaran a una audiencia más popular. Digamos que su trabajó logró que el arte se
acercara a la sociedad y penetrara en las diversas capas sociales de modos muy
diversos, lo que ayudó a la propia permanencia del surrealismo en el recuerdo de la
sociedad que se estaba forjando en el siglo XX.
Pero su huella no se reduce solo a la influencia que dejó dentro del surrealismo, sino
que tras su muerte, su obra y recuerdo ha llegado a todas aprtes del mundo. Esta la
vemos en America y Europa por igual, siendo esta difusión de su arte y estilo lo que
lograron hacer de Dalí un icono y una pieza clave para comprende la fuerza que aun
hoy mantiene el movimiento surrealista.
Digamos que Dalí fue el gran mago del movimiento, aunque Bretón fuera el ideólogo,
pues a cualquier persona que se le hable de el conoce su nombre más que el del propio
André Bretón.
En cuanto a las características de su obra, hay que hacer una distinción entre dos
cuestiones, las relativas a la técnica y las que se refieren al desarrollo de su universo
simbolico.
Su plástica y técnica, son una de las caracteriticas fundamentales, esta destaca por la
granminuciosidad en la representación de los detalles para la creación de las formas
simbólicas. Con las que muestra de forma incosciente la realidad del artista, mostrando
siempre con ellas imágenes opuestas que se complementa,. Los ejemplos mas claros
de esto son la conjunción que hace de temas que aluden a la vida y la muerte, lo real y
lo imaginario, dándose una primacía a lo mental sobre lo físico, como hará cuando
desarrolle el método paranoico crítico, cn el cual fue incluso capaz de crear relaciones
en el plano entre lo estatico y el movimiento. 1
En este aspecto, Dalí que hizo con los objeto que representaba era una destrucción de
los mismo como un intento de probrar que existían en la realidad, que aunque se centra
en lo inconsciente, da una alternativa hiper real que es lo que confunde a la mente del
espectador.
Dali produjo alrededor de 1500 obras entre ilustraciones para libros, litografías, diseños
para libros, litogafía o diseños de vestuario.
Siendo su cacartes interdisciplinar, lo que hizo, como se ha dicho que su influencia se
de en campos tan distintos como el diseño de objetos, la moda o la fotografía.
Por otra parte, su obra presenta también influencia diversas que son las que por el modo
en el que las supo relacionar dieron lugar a un tipo de estética marcada por las
contradicciones.
La imaginación de dali, se expresó en tdas las artes, por el motivo de que desde du
infacia manifestó intereses por el cubismo, el futurimo y la pintura metafísica. Siendo en
su etapa madrileda, en la Academia de bellas arte, de la que fue expulsado en 1926. El
lugar donde absorvió las influecias de muchos estilos artísticos que iba a ser dese el
academicismo a las vanguardias romperdoras. De entre las influencias clásicas que
aparecen en su obra, destacan la de Rafael, Broncino, Zrubarán, Vermerr y Velazquez.
Además fue también donde aperendió las técnicas tradicionales de dibujo, composición,
perspectiva y color, que luego combinó con sistemas contemporáneos, siendo todo este
legado el que tan característico hizo su obra futura. Además de presentar las influencias
de otros personajes contemporáneos que conocio como Lorca, Burñuel o Maruja Mallo. 2
Otras de las cuestiones que aparecen reflejadas en su plástica, son los desastres de la
primera guerra mundial, la guerra civil española, la segunda guerra mundial y sus
estancias en Nueva York y Cataluña, asi como la dictadura franquista, la posguerra y el
tema del catolicismo.
El lo referentente a su universo simbolico como ejemplo paradigamtico de lo que Dalí
pretendía y buscaba en sus obras mencionaremos la persistencia de la memoria, una
notable obra donde aparecen numerosos simbolos que van a ser los que caractericen
su producción, además de ser una de las grandes aportaciones para la creación del
lenguaje del universo simbolico del surrealismo.
Estos simbolos son las hormigas y los relojes, simbolos que son familiares, reales, pero
que los coloca de modo extraño y raro, en un entorno desconocido. Dalí lo que buscaba
con esto era retorcer las ideas de asociación habituales, es decir orcer las ideas usuales
sobre lo normal y lo aceptado comúnmente.
De entre los surrealistas, es además el que mayor influencia presenta de los escritos de
Freud. Dalí, como el resto de surrealistas, estuvo interesado en los mensajes
codificados en el subconciente y en lo que podía ser revelado por lo sueños. Si bien lo
hizo de forma personal, ya que Dalí revela que la mayaroria de los elementos
represensentados en sus cuadros se originan en sus memorias de la infancia o en sus

1
http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte_sXX/vanguardias1/surrealismo_dali.html
2
https://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD
fantasías, a las que, como un paciente de psicoanálisis, vielve una y otra vez, siendo
esto lo que amplia de manera constante la mitología alrededor de sus objetos.
Esto lo hizo, en primero lugar, partiendo de una serie de simbolor que aparecen en su
arte y que lo sacaron de la rutina diaria, estrajo cososas aparentemente arbitararias
como valle desiertos, estatuas de mármol, bicicletas o teléfonos y los uso como iconos
que se cnviertieron en simbolos que experaban emociones profundas.
Dalí, destaca en este sentido, por explorar su temores y fantasías a través de imágenes
simbólicas que fueron inmortalizadas en diversidad de formatos.
Los simbolos más conocidos y destacados con lo que logró esto, fieron las hormigas,
los relojes, los huevos, los elefantes, las muletas, los cajones o los caracoles, todos
estos relacionados con algún episodio de su vida personal y su infancia.3
Los Relojes Fundidos de Dalí
Los famosos relojes fundidos representan la omnipresencia del tiempo y identifican su
dominio de la humanidad. La inspiración para este concepto le llegó a partir de un sueño
sobre un queso Camembert que corría una calurosa tarde del mes de agosto. Este
símbolo representa una imagen metafísica del tiempo devorándose a sí mismo y a todo
lo demás.
Dalí y las Hormigas
Cuando Dalí tenía cinco años vió un insecto que había sido devorado por las hormigas
y del que sólo quedaba el caparazón. La multitud de hormigas en las imágenes y
esculturas de Dalí hacen referencia a la muerte y a la descomposición de los cuerpos,
y nos recuerdan la mortalidad de la humanidad. También se dice que representan el
deseo sexual.
Dalí y los Huevos
El huevo es otro de los motivos dalinianos más populares por la dualidad de su exterior
duro y interior blando. Dalí vincula los huevos a las imágenes prenatales y el universo
intrauterino. Es un símbolo de amor y esperanza al mismo tiempo.
Dalí y las muletas.
La muleta es una de las imágenes más importantes de Dalí y está presente en muchas
de sus obras. Es antes que nada un símbolo de realidad y un ancla en el mundo real,
que provee de apoyo espiritual y físico para afrontar la ineptitud vital. La muleta es
también un símbolo de tradición, sostiene los valores humanos esenciales.
Al ver aquel intrumento por primera vez, lo elegí como mascota. Su extraña
funcionalidad me sedujo y los materiales que la componían me atrajeron a ella.
Megustaba mucho el trapo sucios que recubría la horquilla que sirve de soporte para la
axila. Esta muleta encarnó para mí la autoriadad, el misterio y la magia y me confirió
una verdadera voluntad de poder. Me parecía que con ella iba a concer la voluptuosidad
de nuevos caprichos. La muleta ocupa aún hoy en mi obra, en mi mitología un lugar
particular. Todo daliniano debería poseer su muleta persnal como una varita mágica.4

3
Definición de los símbolos. https://www.thedaliuniverse.com/es/simbolos-de-dali
4
Dalí, 1975/193, p.55.
Los elefantes de Dalí
Los elefantes de Dalí son a menudo representados con piernas largas, con múltiples
articulaciones y muy delgadas, casi invisibles, y siempre aparecen cargando alguna
cosa. Estos elefantes representan el futuro y también son un símbolo de fuerza. Muy a
menudo cargan obeliscos, que a su vez simbolizan el poder y la dominación, siempre
con connotaciones fálicas. El peso cargado por las piernas demuestran ingravidez, que
se hace más evidente con la carga que soportan los elefantes en sus espaldas.
Los cajones de Dalí
Estos cajones surgen de la explicación freudiana como una representación de la
sexualidad femenina oculta. Dalí retrata la mayoría de cajones ligeramente
entreabiertos, indicando que sus secretos están al descubierto y no hay motivo alguno
para tenerles miedo.
Caracoles de Dalí
relacionado con un evento muy significativo de la vida de Dalí: su encuentro con
Sigmund Freud. Dalí creía que nada sucedía por casualidad y quedó cautivado cuando
vio un caracol en una bicicleta en el exterior de la casa de Froud. Conectó el caracol con
una cabeza humana, en particular con la cabeza de Freud. Igual como con el huevo y
la langosta, el caparazón duro y el interior blando también fascinó a Dalí, y la geometría
de sus curvas le hechizó.
Otra de las cuestiones que hicieron de la obra de Dalí algo tan reconocible, fue la
repercusión de su porpia condición mental en ella, esta se adaptaba con facilidad a la
actitud surrealista.
Como escribió en su Vida secreta, el creciente y todo poderoso impulso del ensueñi y el
mito empezó a mezclrse de modo tan continuo e imperioso con la vida de cada instante,
que posteriomente me ha sido con frecuencia imposivke saber como empieza la realidad
y termina lo imaginario. 5
En este sentido vemos la influencia que dejó en el que podríamos definir como el primer
surrealismo que se caracterizó por la continua aspiración al abandono de ls defensas
del yo y a cerder pasivamente a los poderes del inconsciente, en lo que por otra parte
se corria el riesgo de filtrear con la locura, un aspecto que en absoluto asustó ni a Dalí
ni a los surrealistas.
Tras esto, se puede decir que surge un segundo surrealismo, que es el que participa del
método paranoico critico que desarrolló Dali, el cual no escapaba de la realidad exterior,
ino que la desafiaba ofreciéndose así, una alternativa hiper real, por cuya precisión
confundia la mente como ningún otro lo había logrado antes. Es decir desarrolla un estilo
realista con el que innovó en el modo de desmontar con el la realidad. Se sistematizaba
con el método de la paranoia la confusión contribuyéndose así a la creación de una
estética que desacreditaba el mundo real.
Esta técnica la comenzó a desarrollar en su infancia, Salvador Dalí aprendio en su
infancia a ensoñar y jugar a alternar la percepción de modo que era cpaaz de proyectar
imágenes interiores sobre el mundo exterior.6

5
Dalí, 1981/1942, p. 43.
6
Arte, Individuo y Sociedad. 2004, vol 16 19-47. P. 24
Mi entrenamiento era tal que nada resistía a mi voluntad. Bastaba que mi mirada se
apoderara de un objeto, para transformarlo y recrearlo a mi capricho. 7
Esto tenia como fin, materializar el ansia de precisión más imperialista y convertir lo
irracional en lo concreto. Que el mundo imaginativo y la irracionalidad concreta sea la
misma evidencia objetiva, de la misma consistencia, de la misma dureza, del mismo
espesor persuasivo, cognoscitivo y comunicable que el mundo exterior de la realidad
fenoménica. 8
En resumidas cuentas, el método paranoico critico, se basana en un tipo de asociancon
mental que conllevaba la paranoia por la cual el enfermo interpreta lo que que ocurre a
su alrededor en función de sus propias obsesiones. En las obras de Dalí, esto ofrece
una doble lectura de las imágenes, que fue perfeccionando.
La obra más representativa en este sentido, es una inspirada en una fiti en la que se
muestra un poblado africano cuyos habitantes aparecen sentados denlante de una
choza y mediante unas modificaciones minimas y sustituyendo la orientación horizontal
por una vertical de la casa y las figuras, estos se transforman en un rostro de
reminiscensias picassianas. De esta forma nacio el rostro paranoico, en el cual la
realidad se transforma bajo nuestra mirada, la cual está dominada por las directrices de
la psique.
Aunque esto no surgio de la nada, desde 1929, Dalí estuvo dándole vueltas al método,
como se manifiesta en la obra el hombre invisible, en la que trabajó hasta 1932, aunque
finalmente la dejó inacabada.
Teóricamente expuso el método en tratado como la Mujer visible, de 1930, donse lo que
aparece es una recopilación de los escritos anteriores en relación al método, y la
conquista de lo irracional, del año 1935, donde prosigue con las explicaciones. La época
en la que están escritos coincide además con la incroporacion de Dalí a las finals del
surrealis y en estos texto es donde aboga por superar la pasividad del automatismo de
André Bretón, el referido como primer surrealismo que hemos citado antes. Con la
introducción de este método, más actico, pero no por ello controlado ni lógico tenemos
que surge el segundo surrealismo. El mejor ejemplo de esto, lo tenemos en el hombre
invisible que se nos muestra como el paradigma del método paranoico critico.
En la aprte superior, aparecen unas arquitecturas que, en realidad, constituyen la parte
superio del hombre. En la parte inferior encontramos las inacabadas piernas, asi como
elementos y temas recurrente en la obra daliniana, como son la cabeza jarra o la
inciacion sexual de adolescentes.
Otro ejemplo de imagen doble aparece en la conformación del rostro de la actriz Mae
West, Dalí se basó en piezas de mobiliario, que fueron lo que le permitieron mediante la
recreación del rostro contruir el salón.
Por ultimo haremos mención a la construcción de la imagen publica de Dalí, la cual es
una de las mayores aportaciones y contribuciones a la propia fama del artista a nivel
mundial, así como a la difusión del surrealismo, además de otro de los motivos que
hicieron qye su estilo se quisiera imitar en diversos medio y por diversos artistas.
Rosa Armengol, estudia lo que supuso el fenómeno Dalí en los siguientes términos la
pintura, la escritura, el diseño de escenografias, vesturios, perfomrances o payasadas,

7
Dalí, 1930, p.9
8
Dalí, 1930, pp. 20-21.
no dan cuenta del grado en que la obra máxima de Dalí, fue la creación de sí mismo
como personaje. Por lo que se puede ceir, que la propia vida de Dalí se convirtió en una
obra de arte. Siendo los simbolos mas definitorios de esto su bigote y su mirada histérica
de ojos desorbitados y cabeza ligeramente inclinada hacia atrás. En 1942, fue cuando
Dalí publicó su autobiografía, su obra Vida Secreta, en la cual el artista escribió y se
ilustró a sí mismo, siendo esta en gran medida, una libre creación de el mismo por lo
que se puede concluir, que él mismo fue también el artífice de su propio mito.
Como conclusión, podemos comprobar que la figura de Dalí es por decirlo de alguna
forma, una historia de las ideas esteticas y del arte total.
La cuestión estética en Dalí y el porque las obras de Dalí son un ejemplo de
estética surrealista.
Analizada la figura de Dalí y sus aportaciones a la época y el futuro, hemos de abordar
algunas cuestiones esteticas especificas dentro de su obra, esto es lo referente a los
aspectos estéticos porpiamente dichos. Además de eso trataremos de algunas
cuestiones que relacionan su estética con las ideas de platon o aristoteles, por el hecho
de que el debate estético en lo relativo a la belleza y la estética se inica precisamente
ya en Grecia. Otra de las cuestiones que podemos explicar en base a la obra de Dalí
son las distinstas experiencias esteticas y sensaciones que las categoras esteticas que
defininomos en la primera fase del trabajo, generan en la actualidad en cuando a los
nuevos cambios sociales y culturales, que han sido motivados por los distintos cambios
ideológicos a lo alrgo de la historia y que en otro orden de cosas, fueron los
desencadenante de los grandes debates a los que aludimos en la definidion de belleza
clásica que se dio.
Además este debate nos situa ante otro ámbito de reflexión, como es el valor de la obra
de arte en si como objeto artístico o como objeto de uso y de consumo. Siendo estos
factores explicado por los nuevos usos del lenguaje artísticos, en este caso del
surrealismo en el arte contemporáneo al que poco a poco nos vamos acercando a media
que avanzamos en el trabajo.
Las obras de Dalí, pueden ser consideradas estética porque producen placer cuando se
contemplan, es decir, porque valen en sí mismas, aunque para muchos no contengan
las proporciones canonicas estipuladas por las leyes esteticas griegas, pero por lo
efectos que producen en relación a la observación del espectador, esta claro que son
un producto tanto artístico como estético.
Es por ello que su producción es un ejemplo paradigmático para abordar las cuestiones
del debate estético en cuanto a las formas y el contenido de la obra. Ya que hasta la
actualidad el estudio de la estética se trataba solo teniendo en cuenta unas
caracteritiscas definidas de la belleza en cuando a un canon de formas que se
consideraban como agradables y socialmente aceptadas, sin tener en consideración
que lo feo o lo grotesco, son otras categorías que son capaces de producir una
experiencia estica total. En la actualidad es cuando con el desarrollo de la percepción
subjetiva e la obra ha permitido que los estudios de la estética salgan del marco
tradicional, lo que ha logrado que nos liberemos de los antiguos prejuicios y que por
consiente, obras como las de Dalí en las cuales aparecen elementos tan dispares como
lo bello, lo feo o lo grotesco, así como la dualidad espacial o temporal en el mismo plano,
no se vean como algo extraño, sino como otra forma en la que explorarnos a nosotros
mismos y a lo que nos rodea, demostrándose por consiguiente que lo que para unos es
feo, para otros supone la única forma en la cual ahondar en sí mismo, por lo que esa
forma fea puede ser bella para otro por el tipo de sentimiento al que lo induce.
Teniendo en cuenta como Dalí trataba la obra y cómo forjó su estilo, en el que destaca
el uso de lo eceltico, es decir que junta el lenguaje de los diversos peridos ya definido y
con todos su bagaje cultural, representa lo onírico en el arte consiguiendo plasmar los
aspectos más profundos de la psique. Por lo que podríamos decir, que su producción
se puede considerar como platónica porque aparece la plasmación de una idea en si en
el arte, entendiendo a la figura del artista como un demiurgo de las formas orniricas en
este caso.
Basándonos en el mito de la caverna de PLaton por ejemplo, Dalí, por medio del uso
del automatimos y del método paranoico critico, se pude decir, que cogió las sombras y
en logar de representarlas como eso, sombras, lo que hizo fue desvelarlas, las tranformó
de tal manera que el submundo en que habitaban se convirtió en inspriacion para su
obra, es decir sacó a la luz lo oculto de la caverna basándose en los nuevos hallazgos
freudianos en relación al inconsciente.
Otro de los puntos de vista desde los cuales podemos abordar la estética daliniana, es
en base a los conceptos de Aristoteles, en este caso teniendo como ejemplo la mimesis
aristotélica y la belleza, ya que como las conceciones platonias en lo referente al debate
estético se oponen a que este tipo de obra pueda ser bella según lo que se pensó en
Grecia.
Aristoteles afirmo que el arte es la representaacon de las cosas reales por medio de la
mimesis, con lo que cabria rpeguntar como alguien como Dalí puede ser explicado en
relación a esto, ya que se lo considera un pieonero dentro de las nuevas formas
surrealistas. Pero esto puede ser sin embrago respondido porque según Aristoteles, a
mimesis que encontramos en la obra de dali, lo que hace es coger objetos del plano
real, en el lienzo, o en el formato que desee, los retuerce para darle un aspecto subreal,
lo cual entronca con como también entedió el filosofo el concepto de creatividad, con el
cual explico que el artista tenia la capacidad mediante el proceso creativo de mejorar,
igual o degradar el objeto real, es decir de transformarlo.
Por lo que podemos en este punto sacar algunas conclusiones como que por ejemplo
el debate estético en lo referente a la belleza que durante tanto siglos se mantuvo fue
mas una cuestión social por el gusto que se impuso desde los organismos que
controlaban el arte más que por las teorias griegas, es decir, se tenia una concepción
aburguesada de la estética por el motivo de que las clases dominantes hasta el
desarrollo de la vanguardia preferían hacer ojos ciegos de lo que les rodeaba, el regocijo
en la belleza pasada les era más grato que lo siniestro de su tiemo.
A medida que avanza el tiempo es cuando podemos encontrar que lo feo también forma
parte del arte y del hecho estético, porque se decubre el valor de esa categoría al
permitir abordar cuestiones que van más allá de lo concido y esri encamina las obras
hacia la creación de un objeto nuevo en el cual lo grotesco, o lo irónico y demás formas
retorciadas y desagradables se emplean por artistas coo Dalí y lso surrealistas, para
abordar los aspectos suvbersivo y el incosciente huemano desde distintas categorías
esteticas con las que representan la diversidad del mundo real y del que subyace.
La fealdad las desfiguraciones, lo ilógico de los que nos rodea, es defigurado para
conseguir esta estética tan característica y diferente, cuyo mayor vaor es que fue capaz
de salir de lo común mostrando que lo oculto de la realidad y el desorden son
componentes inatos de la imagen, tanto de la que se percibe por lo sentidos como de la
pictórica.
Es por ello por lo que lo deforme está justificado en las obras surrealistas ya que es el
método que se empla para llevar a la mente a otra dimesión. A la dimensión donde
reside lo onírico y lo reprimido, siendo estas las formas que contruyen la idea de lo no
descubierto que se encuentra en un horizonte muy lejano de lo cotidiano.
La influencia de estos planteamiento en la actualidad y en las diversas corrientes
artísticas que se han ido forjando y que han ido creando nuevas formas para representar
estas y otras categorías esteticas que habían sido olvidadas y menospreciadas sobre
todo hasta el siglo XIX, son hechos importantes de señalar ya que son las que han
logrado que lo feo, lo grotesco, lo sinestro, lo abyecto, lo extraño o lo repulsivo también
pasen formar parte integral de la estética y la experiencia estética moderna.
En conclusión, la infuencia que Dalí tuvo y tiene en las generaciones pasadas y
presentes es indicutible y evidente en el mundo artístico.

René Magritte. La influencia de su obra y paralelismos con Dalí.


Magritte, es otro de los artistas surrealistas más influyentes del movimiento y es por sus
aportaciones a las distintas formas de arte del futuro y por su forma de concebir el
mensaje de la obra y los aspectos esteticos, por lo que lo analizamos como fuente de
inspiración para el surrealismo del futuro.
Enfoncar la pintura de René Magritte desde la estética del surrealismo, parece obvio
dado que el mismo se consideraba un pintor surrealista. Pero también es verdad que
Magritte fue un surrealista peculai, porque su pintura no se adapta al canon de pintura
surrealista preconizaco por André Breton. Según Breton, la pintura surrealista debía
plasmar, sin el control de la razón, el lenguaje oscuro y desconcertante de nuestra
identidad ocualta, el dinamismo del incoscinete del deseo y del sueñi, las visiones y los
misterios de la suprarrealidad. Ese fue el objetico de una serie de pintores como Max
Ernst, Dalí o André Masson, que se uniron al surrealismo fundado por André Breton y
asumieron la estética del surrealismo buscando una pintura capaz de expresar una
atmosfera inquietante, visionario, onírica, de belleza convulsiva, alucidada o delirante.
Si bien Magritte difirió en ese aspecto, pero sn embargo cultivo también una originalidad
pripia admirable dentro d la estética del surrealismo. 9
Hay que señalar que al mismo tiempo que Magritte es un surrealista diferente, esto se
debe a que su concepción de la pintrua como arte de evocar o de hacer intuir el misterio
de la vida, tiene que ver con la concepción de la poesía qe habían preconizado los
poetas simbolitas como Baudelaire o Rimbaud y lo que sigueron explorando los caminos
que iniciaron. A estos lo que les interesa es el cultivo de la imaginación y de la
sensibilidad interior del alma que goza con la sensación intima de la belleza y desea al
canzar un ideal de armonía plena entre el yo y el mundo. La emoción estética se
descubre por medio de la poesía la música o la pintura, la misteriosa armonía que
envuelve a los seres y las cosas. La revelación de esa armonía secreta depende del
lenguaje sugestico y evocador del arte y la poesía, es decir surge de las analogía y
correspondencia que la intuición y la imaginación del artita entablece entre lo material y
lo espiritual, es decir entre los elementos sensibles y los surpasensible. Estos elementos

9
Bárbara Fernández Taviel de Andrade. Ver y leer a Magritte. P.49
de la poesía son los que explican el novedoso modo en el cual Magritte destaca dentro
del movimiento. la orientación de estos poetas influyó en la pintura y las ideas de
Magritte en relación a lo que conviene pintar, es decir en la misión que asigna a la pintura
como via artística para objetica lo subjeti o para evocar el misterio de lo inefable y lo
invisible a través lo visible.
Por lo que lo que interesa ahora en el modo en que Magritte asume y se distancia del
surrealismo de los anteriores de tal modo que podamos entender distintos puntos de
vista esteticos.

So obra comparada con la de André Masson por ejemplo, se nos presenta ante el ojo
con una mayro definición en cuanto a los aspectos formales del arte, pues presenta un
mayor academicismo, es decir se apreia un mayor uso de la línea o el trazo y la
perspectiva, si bien la obra de André Masson es mas truculenta y caotica visualmente
hablando y en el contenidp, aunque ambas muestran lo dual y lo subversivo, Mafritte es
más cerebral que Masson.
Siendo esto lo que hizo que dentro del movimiento surrealista se lo conociera como el
saboteador tranquilo, por el modo en que fue capaz de transformar la realidad que
percibimo y mostrar otro modo de entender y describirnos lo que nos rodea.
Es decir, destaca por plantear mediante el método de la duda el modo en que percibimos
la realidad. Ya que tal como dijo el artista la realidad nunca es como se ve, la verdad
está por encima de toda imaginación.
Como en el caso de Dalí, también encontramos en la vida de Magritte hechos
traumáticos que según los críticos marcaron su obra. Estos sucedieron en su infancia y
destacan entre otros, el suicidio de su madre, en el caso de Dalí tenemos la temprana
muerte de su madre también o el hecho de llamarse como su hermano fallecido, por lo
que ambos estuvieron marcados por lo que en otro tiempo se llamó la huella del genio
creativo melancolico, aunque su melancolía no se da en la obra del mismo modo que lo
hiciera en el renacimiento. Es decir, en esta nueva época, esa melancolía no se codigica
dentro de un lenguaje alegórico, sino que se enfoca desde los aspecto psicoanalíticos
que relacionan esto con los traumas inafntiles y colectivos y no de manera individual
como se hizo durante el renacimiento como se puede ver en la obra de Miguel Angel
por ejemplo.
Como en la cuestión estética anterior, en la que definimos a Dalí, en este caso el
psicoanálisis es lo que permitio la evolución estética de este concepto melancolico, ya
que permitio explirar las pesadillas y la realidad tan horrible como eran sin
revestimientos. Asi como los avances esteticos que se dieron con las vanguardias dado
qe fueron estas las que entendieron lo feo y lo grotesco, lo sieniestro y lo maravilloso
como aspectos reales y no como una oposicon a la belleza o como contrarios a la virtud
y la buena forma, en el sentido de proporción y armonía, como sicedia en la edad media
o el renacmiento, siendo estos cambios los que permitieron emplear el sentimiento
melancolico de forma mas visceral y en definitiva de manera mas humana.
Tras este paréntesis, hemos de añadirm que Magritte no afirmó claramente que la
muerte de su madre marcara su obra, esa fue una lectura dada por los críticos, en este
sentido difiere de Dalí que sí hizo gala de estas cuestiones.
Magritte, al igual que Salvador Dalí, presenta influencia de estilos muy diversos, que
son los que por otro lado explican la complicación compositivo lingüística de su obra.
Sus inicios están enmarcados dentro del impresionismo, siendo durante este periodo
formativo, cuando se encontraba en la Academia de Bellas artes de Bruselas, el lugar
dibde ebtró en contacto con los movimientos romperodresde la vanguardia europea,
como el cubismo o el futurismo que influenciaron su priduccion artística. Siendo el
dadaísmo y la pintura metafísica de Chirico, una vez más los que más atrajeron al artista
y los que lo motivaron para unirse al movimiento surrealista de Breton.
La obra canción de amor de Chirico, lo marco profundamente y fue el modedilo que
decidió usar en la pintura para mostrar las ideas y los diferentes modos mediante los
cuales entendemos lo que nos rodea. Digamos que le sirvió de ejemplo por el alto
contenido simbolico linguistico que esta contiene para así crear su propia dialéctica.
Otra cuestión interesante a destacar es el hecho de que como Dalí tuvo a Gala como
anclaje con la realidad, Magritte se unio a la figura de Georgette, que fue su mujer y
modelo de muchas de sus obras. Por lo que encontramos además el uso de la mujer
como fuente de inspiración del artista lo cual es interesante destacar en base a la
fuencion estética que esta representa en el futuro, tanto en los aspectos positivos como
en los negativos, pues el debate en cuanto a esto, si en el pasado presentó controversias
en la actualidad no es que haya dejado de crecer.
Hemos de hacer también hincapié en cómo Magritte se ganó la vida en sus primero
momentos, ua que los campos artisticos en los que trabajó tales como el diseño gráfico
y los carteles de publicidad, así como los tapices y portadas para discos presentan
modelos y mensajes que se han imitado porsteriormente teniendo su reflejo en el pop
art o el surrealismo pop, además de en otras corrientes como la abstracción o el arte
conceptual percisamente por la gran carga dialectico critica que este artista desarrolló a
lo largo de su producción como influencia de los desastres acaecidos en el siglo XX.
Otra de las cuestiones que importan de Magritte es como sus modelos se difundieron a
lo ancho y largo del mundo en distintas exposiones. Algo a lo que quizá no hemos
prestado demasiado atención, a la importancia que las exposiciones desarrolladas por
los surrealistas tuvieron como medio de difusión y propaganda de sus ideales por el
legado que estas dejaron fruto de las criticas, los folletos y demás documentos de ellas
emanados.
Tras este apunte, en la biografía de Magritte, la primera en la que aprticipa, es en el año
1920, siendo esta la que hizo que en 1924 se adentara a explorar las cuestiones del
surrealismo, estando dentro de este periodo de exporacion la obra jinete perdido de
1926, que es la primera que podemos considerar como surrealista dentro de su
producción.
Siguiendo con los paralelismos entre Magritte y Dalí, dos de los grandes titanes
surrealistas, son los distintos viajes que ambos realizaron por europa y america, pero a
diferentcia de Dalí, Magritte, no tuvo un reconocimiento artístico tan favorable por el
grado de complicación de su obra. Precisamente por esto, en 1926, se trasladó a
Francia, por falta de apoyos en Belgica. Tras el periodo francés, vuelve a Bélgica y al
cerrar la galería Catataure, vueleve al diseño grafico. Aunque poco a poco, su suerte
cambia y su carrera se consolida con obtas tan fundamentales como la traición de las
imágenes de 1929, donde aparece escrita la famosa frase, esto no es una pipa, el juego
aparece porque a simple vista la imagene parece una pipa, pero en realidad es una
tubería, por lo que la composición desafía el ojo del espectador y su capacidad para
descifrar los mensajes que subyacen en la imagen.10
Este tipo de obta, es la que lo lleva a exponer en Nueva York y Londres y a recibir un
gran numero de encargos como los del Casino de Knokke le Zoute o palacio de
Congresos de Bruselas.
En la década de los cuarta, encontramos de nuevo similitudes con el español, ya que
su obra y estilo comienzan a cambiar, estando entre otros motico que durante el periodo
nazi, Magritte y Georgette, se tuvieron que trasladar a Francia. Si bien esto no hizo que
el artista dejara de pintar sí que fue consecuencia de que su obra se tornase más irónica
y critica con la sociedad del momento. Trató temas referidos a la guerra y la posguerra,
además de realizar diversas criticas contra la burguesía y la clase dominante que no
supo evitar que sucediese un desastre aún más devastador que el de la primera guerra
mundial. Este periodo, es el denominado como periodo de la vaca y es donde se ubican
las obras de simbología mas complicada y de mayor grado de ironía, pero por su
apariencia ingenua estos mensajes no fueron captados por la critica del momento.
La gran guerra de 1964, cargada de un fuerte componente critico y a la que sigue en el
año 1965, año que va a ser en el que mas reconocimiento logre a nivel internacial, al
producirse la exposición qye definitivamente lanzó sy carrera, siendo esta la que se le
didicó en el mueseo de arte arte mdoerno de nueva york.
La importancia de Magritte dada, radica además en el hecho de cómo se dsitanció del
surrealismo bretoniano podríamos decir, ya que Magritte es ante todo un poeta de la
pintura, cuya búsqueda estética está muy acorde con la de poetas simbolistas como
Marmalle, lo que por otro lado, motivo la incompresion de gran parte de sus
contemporáneo, tanto dentro del grupo como por parte de la critica de arte.
Tenemos también que relacionar esto, con el hecho de Magritte, era surrealista, pero un
surrealista dentro den grupo de los surrealistas belgas por lo que se maniestan unas
sutilezas y un estilo que se aleja del fuerte carácter recolucionario francés.
René Magritte, pese a que podemos parecer repetitivos por hacer tanto hincapié en este
aspecto, es una figura en la que a medida que hemos investigado, hemos encontrado
bastante paralelismo con Dali, ya que como el español, vivió su propio surrealismo, sin
adaptar su estética a los principios rígidos que marcaban los manifiestos franceses.
Hemos de señalar que el surrealiemo fue una de las pocas vanguardias que tuvieron
continuidad y longevidad, de hecho muchos cirticos afirman que sigue vivo.11
Este aspecto, es sin duda un logro de estos artisas que no mantuvieron dentros de lo
rigido, ya que con sus experimentos fueron los que insuflaron los aires renovadores al
movimiento que de ser por Bretón se habría estancado.
Lo que aquí planteamos, es que para entender la estética de estos artistas, en que hay
que enfocarla, no solo desde un punto de vusta artístico, sino que esta engloga muchos
aspectos, sucede con Magritte y con todos lo demás. En este caso su obra no se
comprende solo observando sus piezas o leyendo sus escritos, sino que ha de ser
entendida dentro del contexto más relajado, tranquilo y sosegado del surrealismo belga,

10
Por lo que tenemos que dentro de la estética surrealista, el lenguaje poético y los desafíos
dialectico visuales podrían ser vistos como una categoría aparte.

11
MENSA, M. el surrealismo desde la perspectiva de Magritte. Universidad de Piura. 2011. P.175.
del que Magritte en 1927 se conviertió en su embelca cuando expuso en la galería
Centaure de Bruselas, donde desplegó todo su carácter innovador y donde quedó
constatado el hecho de que si pintura era absolutamente original y de que así lo seguiría
siendo.
Esta originalidad, nos lleva a reseñar el hecho de que fueron tanto las divergencias con
los franceses, a las que se sumaron luego las que tuvo con los belgas, lo que motivaron
que desarrollara un estilo personal al basarse en una exploración y experiencias propias.
O almenos es lo que se dedude por las fuentes tratadas.
Hay quien apunta, que no se puede hblar de una estética dentro del movimiento
surrealista, pero de lo que no podríamos hablar según estamos comprobando es de la
creación de una estética estática o rígida, siguiendo el termino que tanto estamos
empleando en esta sección. El propio carácter del movimiento y las bases teóricas sobre
las que se fundamentó, hablaban de crear un arte que representase lo desconocido y lo
automatico, las sensubilidades del subconsciente individual y colectivo en definitiva, por
lo que no es que no haya una estética surrealista, sino que lo que podemos ver, es que
existen muchas esteticas surreasltas, tantas como surrealistas siendo esto lo que ha
permitido su vigencia y lo que hace necesario trabajos como este.
Esta idea, la podemos en lazar con las represetnaciones que los artistas realizas de las
guerras y los conflictos bélicos y sociales que afectaban a la sociedad de aquel
momento. Es decir, este tipo de traumas no se podían abordar por todos por igual dado
que la huella que estas cuestiones históricas dejan en el suconsciente de cada individuo
son algo instransferibel y personal. Por lo que una estética que trata de mostra en las
obras el lenguaje del inconscicnete no podía expresarse en el campo pictórico de forma
similar por todos los artistas, el trauma no particima de un canon especifico como por
ejemplo el renacentista, tiene una belleza definida como la clásica.
Así lo muestras obras tales como la Gran Guerra de Magritte o la Construccion Blanda
de Judía hervidas de Dalí, en las cuales se ofrecen dos visiones muy diferentes pero
muy criticas de acontencimientos bélicos y que además nos permiten observar como
cada uno los entendio y sintió.
Magritte, siguiendo con las cuestiones que lo relación con Dalí, fue excomulgado
también del movimiento. su trayectoria literaria fue la que en 1946 lo llevó a experimetan
en el arte y a crear una nueva tendencia a la que denominó Plein Soleil. La cual trataba
de pintar cuadros con colores vibrante y exultantes para crear composiones luminosdad
marcadas por una pincelada expresionista.12
Como en el caso de Bretón o Dalí, esto lo recogió en su propio manifiesto, lesurrealisme
en plein soleil con la intención de marcar el surrealismo de posguerra. Esto tenia como
ideal central de su filosofía expresar el optimismo delante de la inquietud de la guerra y
el pesumusmo que imperaba en la sociedad belga tras la misma. Siendo estos
planteamientos lo que motivaron que Breton lo expulsara.
Estos datos extraidos del articulo de Marta Mensa, entre los que hemos inculido además
algunas observaciones personales, nos permiten concluir que el surrealismo como
Vanguardia tuvo un líder, André Breton, que dio al movimiento continuidad y
permanenica. Sin embargo, la odra cara de la moneda es la que nos demuestra que a
nuvel pictórico e inventico, hubo otras figurar que fueron las que sustentaron al
movimiento y lo dotaron de la variedad que lo caracteriza, siendo esto el motivo

12
MENSA, M. el surrealismo desde la perspectiva de Magritte. Universidad de Piura. 2011. P.181.
fundamenta de que el surrealimos aparecezaca en tantos formatos y manifestaciones
contemporáneas.
Es por ello, por lo que estamos analizando con más detenimiento a la figura de Dalí,
Magritte y a las ve van a seguir como Marx Ernst o Masson. Porque se puede considerar
que representan cuatro tipos de surrealismo en la época en la que se desarrolla. Y a
Remedion Varó, porque representaría el surrealismo fuera del surrealismo ya que no
fue aceptada en el movimiento de Breton, por lo que podemos decir que hubo un
surrealimo de exilio fuera de lo que serían los acontecimientos históricos ya conocidos.
Siguendo con Magritte tras esta aclaración, el objetivo de este consistió en hacer sentir
o percibir, por medio de la pintura que sorprende y fascina, el misterio, el misterio de lo
inexplicable de la existencia, de la misteriosa realidad que envuelve a los seres humanos
y las cosas más allá del orden habitual y racional que ocultan las dimesiones profundas
del sinamismo secreto de la vida. 13
Hay otras ideas que nos interesan destacar de esta autora, ya que son las que explican
los planteamientos y la relación que Magritte ve entre la poesía y la pintura, y que con
algunas de esas innovaciones que hemos refereido que realiza con las que se distancia
del surrealismo francés. Estas serían, que según él, la poesía escrtita, la pintura y el
arte en general enfocan el musmo desde la libertad de la imaginación y la inspiración
del artista ofreciendo una visión sugestiva que nos revela o nos evoca el misterios en el
que estamos imnersos.
el arte, tal como yo lo concibo, consiste en reunir las cosas ( gracias a la ispiracion) de
tal forma que puedan evocar con pleno derecho el misterio. Magritte.
Ya que para el belga, el misterio era consustancial a los seres humano y a las cosas.
Pero la poesía, no pretende explicar ese misterio, sino evocarlo mediante analogía e
imágenes que instaura la insporacion y la inturcion del poeta. La poesía se justifica,
según el artista, por medio del arte de la plabra escrita y por medio del arte de la pintura;
cada una con sus posiblidades de expresión y limites esteticos.
El arte de la pintura, concebido como poesióa, no se jsutificaria por si mismo, sino por
los efectos poesticos que prodce como evocación o revelación del misterio al que nos
referimos. El propio Mgritte, explicó qué tipo de efectos poericos buscaba en sus
cuadros. Teniendo en cuenta estos aspectos, apra entender las claves de su pintura
sugestuva, poestica y metafísica hay que atender a las 8 clave que da en Leçon de
choses. Siendo estas las que hacen entender los principios esteticos y los que
contribuyeron a encontrar las soluciones a los problemas que plantea en sus cuadros.
Donde según el, juega principalmente con tres datos:
El objeto, la cosa ligada a el en la oscuridad de su conciencia y la luz a la que esa cosa
debía llegar. Siendo cada cuadro por tanto el resultado ofrecido a la contemplación del
espectador para suscitar una sensación de sorpresa que lo leve a inturi el misterio
evocado y a adivinar la sgnificacion que mejor se adapte a su sensibilidad. Por los
engimas que plantea en los cuadros no se explican por sí mismo, sino que la
interpretación parte del espectador.
Esto es interesante, dado qye muestra como Magritte, es en cierto modo un pintor
filosofo. Esto lo podemos ver en lo que podemos considerar los tres sucedos de la obra

13
FERNANDEZ TAVIEL DE ANDRADE, B. Ver y leer a Magritte. Universidad de Castilla la Mancha. 2000.
Volumen 46, colección de humanidades. P. 56.
de Magritte y que se producen en el contesto del cuadro siendo los que provocan la
sorpresa, la revelación de lo visible escondido; el desdoblamiento, el cambio de la
materia y de función, que afecta a los componentes del cuadro, como en el caso de la
obra de Los casacabeles. Que a pesar de la calma y el aparecente estatimos de los
elemtos estos sucesos se presentan en acto, en suspense, como reversible y no fijo
pero con un resultado definitivo. Produciéndose el misterio cuando lo desvelado no el lo
que esperábamos.

André Masson.
Como en el caso de la controvertiva figura de Dalí, André Masson nos interesa por el
tipo de revisión que se hace en su obra. Es decir por como presenta varios mundos al
mismo tiempo, además de por mostras infulencias de las bases teóricas que hemos
enunciado, como son por ejemplo la influencia de Heráclito o Nietzche.
Por otro lado, en su plástica, también encontramos referenceias a escultores como
Rodin y a obras tenebrosas como los escritos del marqués de Sade, sobretodo en su
primera etapa es cuando mayor incidencia encontramos de estas influencias, cuando
se encuentra experimentanto con acuarlesa y dibujos de tipo erótico.
Caben destacar las aportaciones que en su obra aparece del contacto con Picasso o
Dalí, lo que motivó que desde 1937 representase figuras grotescas y monstruosos,
como el mito del minotauro, que le sirve al artista para simbolizar la fuerza de la
imaginación y lo laberentico de la condición humana.
Otra obra que es interesante analizar de cara a destacar como influyó en el movimiento
surrealista y en el arte posmoderno, es Deditacion sobre una hoja de roble, con la cual
sumerge a quien la contempla en un mundo hipnótico, gracia al uso de odulaciones y
curvas, que por otro lado, recuerdan a la técnica de la hipnosis para sacar a la luz los
recuerdos remprimidos que se encuentra en la teoría freudiana.
Conceptualmente hablando, André Mason, tiene una fuerte base filosófica como se
manifiesta en la dieas heráclitas de la obra, así coomo el eterno retorno que abordó
Nieztche, esta extrapolación de lo teórico en lo estético, aparece por la disposición
concéntrica de los elementos.
En cuanto al tema, se puede definir que lo que se describe es un viaje metabolico, de
furtivos constrastes y constantes cambios, que son acentuados por la presencia del
vacío implícito que crea la sension de ahogarnos en una espiral sempiterna, en lo eterno
y repetitivo de la vida humana, mientras nos guía por un camino misterioro compuesto
de enter por descubrir, este misterio, se logra porque en ellos se hacen alusiones a
elementos tomados de la realidad, aunque en la obra apaecezcan como fantasmas
surgidos del mundo de los sueños.
En cuanto a como se representa el automatismo en esta obra de André Massón, este
se da mediante el encabalgamiento de las escenas. Lo quehace que cuando
observamos la obra sintamos que caemos repentinamente en una dimensión
desconocida.
El lenguake del color, en el caso de Masson, es uno de los aspectos que mas nos
interesa reseñar del artista por su reflejo en el futuro, por la importancia que el color
tendrá en mafiestaciones como el surrealismo pop o en la publicidad. En esta pieza en
concreto el color es usadado en diversos grados de saturación, que son lo que da la
intensidad tan marcada entre los claros y los planos negros. Los planos negros son
resaltado para asi delimitar los caminos laberinticos del mundo caotio al que no condue,
pero en el que apradigamaticamente, todo parece estar en orden. Este orden, nos remite
a los flujos ornircos y estructruas del suelo a las que nos referíamos en las bases
teoricas y la cual ya fue abirdada por Freud. Esto se puede considerar que aparece
ejemplificado en la ordenación de las escenas y desplazamientos de los planos
pictóricos. Por lo que la obra de Masson, se puede considerar la simbiosis perfecta de
teoría y estética del surrealismo.
Max Ernst.
Era alemán, aunque se nacionalizó francs y es otra de las figuras fundamenteales dentro
del dadaísmo y del surrealismo.
Se caracterixo como Dalí o Magritte, por su faceta experimental, se lo puede definir
como un experimentador incansable. También como estos otros miembros del grupo,
empleó una extraordinaria diversidad de técnicas y estilos, además de materiales, lo
que no interesa ya que todos estos aspectos se ejemplificaron en aportaciones para el
grupo surrealista, pero también para el surrealismo más actual y que veremos en
relación al legado del movimiento en la contemporaneidad.
Su innovación se debe a que nunca se hizo lo que se esperaba de él, huyó siempre de
lo que el artista denomínó la ceguera d la razón.
Es interesante añadir qye la naturaleza y su interés en ella influyeron en todos los
aspecto de su obra. En este sentido aparece siempre con gran plasticidad y dominando
grandes espacios lo que confiere un aspecto salvaje a la composición.
La naturaleza mencionada, estará presente en frma de motivos naturales, hasta en los
métodos de trabajo empleado, como fue el caso del frottage, técnica que se le debe, ya
que fue quien lo inventó, así como el grattage o el dripping. Por lo que contribuyó al
movimiento con la creación de nuevas técnicas que potenciaron la sensación y la
creación de la estética surrealista, como hiciera Dalí con el método paranoico critico o
en el caso de Magritte con su enfoque poético o la técnica de su invención el plein soleil.
Este interese, aparece por ejemplo en el frottage, técnica que consistía en frotar con
carboncillo el papael colocado sobre una textura sugerente, a menudo natrula, con hojas
de arboles o madera, quedando todo esto plasmado en su trabajo en el cual se
manifiesta la perocipacion por la conciencia de de una naturaleza amenazada por la
mano del hombre, lo que lo convirtió en uno de los primeros artistas del siglo XX en
reflejar el tema de la conservación del medio ambiente. Sobre estos asuntos disertó
Tanja Wessolowski, que realizó su tesis doctoral sobre la naturaleza en el surrealismo
y tomó como ejemplo la pbra de Max Ernst.
Por lo que podemos ver, que el surrealismo sigue siendo hoy un movimiento que por su
gran variedad en cuato a los intereses de los artistas abre todo tipo de campos de
inventigacion e la actualidad.
Así mismo, el mencionado dripping, fue luego desarrollado por la figura de Pollock, por
lo que hemos de tener en cuenta sus aportaciones al com de la abstracción y que
también tendrán luego su reflejo en el informalismo, movimiento al que se adscribió el
grupo el Paso en España por ejemplo.
También se lo considera como una de los grandes maestros en el collage, en este
sentido destacan si novelas collage, además de sus trabajos en otros campos como la
escultura o el cine.
De su infancia hay varios acontencimientos a tener en cuenta, aunque hay uno en
particular que merece la pena señalar para entender el mundo simbolico natural que
aparece en esu obra y es que a los quince años quedó marcado por la muerte de su
loro, justo cuando nació su hermana, por lo que comenzó a relacionar a las aves con el
alma de las personas, siendo esto algo que aparecerá en sus cuadros a menudo y
relacionado con otros simbolos como las cruces.
Al respecto de como plasmó el mundo de los sueños, se puede decir que siempre buscó
combatir la paralisis ante un lienzo en blau (complejo de Virgen), sacnado el amterial
del subconscinete y buscando en todas sus obras los medios ideales para expresar en
las dos o las tres dimensiones, el mundo tridimensional de los sueños y la imaginación.
Esta postura y si carácter investigador lo llevaron a componer un mundo estético,
caracterizado por el desarrollo de una iconografía compleja, su pensamiento caótico,
representaciones de lo absurdo o lo irracional, lo condujeron a producir obras
enigmásticas que desafiaban la interpretación conviertiendolo en una de los surrealistas
mas conocidos, pero también en uno de los menos comprendidos por el publico fuera
del mundo del arte.
En cuando a la labor de difusión de sus formas y estilo, hay que resaltar que difundio el
surrealismo por todo el mundo ya que logró una reptación brillante y grandes criticas en
tres países simultáneamente, Alemania, Francia y Los Estados Unidos, en vida, aunque
es mas conocido por los histoiradores de arte que por el publico en general.14
Su obra, la vamos a presentar en base a cuatro obras que manifiestan tanto sus
intereses como su estilo.
En dos niñas amenazadas por un ruiseñor de 1936, por ejemplo pordemos ver al
ruiseñor, que es un hombre, y que manifiesta la icnografía del ave que parte de la muerte
de su loro, este hombre, aparece sobre un tejado dispuesto a llevarse a la noña,
mientras que abajo, hay otra que se desmaya, mientras una tercera huye aterrada. En
este sentido vemos como refleja su experiencia vital, ya que el mensaje de la obra nos
puede remitir, o al menos eso podemos interpretar, al viaje que hace el alma cuando
muere.
Otra obra interesante es la Virgen María castigando al niño Jesús, que presenta también
una iconografía poco usual para este caso, además del propio tema. Esta obra se
manteine dentro de los principo de provicacion tanto del autor como del surrealismo.
Destaca por hacer uso de una iconografía cristina pero de manera novedosa, de tal
forma que refleja lo oculto de la relación madre e hijo a modo de blasfemia, apareciendo
esta al encontrarnos ante un tema religioso, esto es una época anterior jamás hubiera
sido llevado al plano.los tres testigos de esta blasfemia son André Bretón, Paul Eluard
y el propio Max Ernst. 15
Hemos de señalar en base a esto la novedad con la cual se enfoca el tema y como trata
de subvertir tanto la realidad como de mostrar aspectos infantiles de Cristo, es decir se

14
https://historia-arte.com/artistas/max-ernst
15
http://www.pinturayartistas.com/max-ernst/
humaniza el tema al extremo y lo sitúa en un plano más humano y real dentro de la
irrealidad de la que participa el propio tema.
Ahora pasemos a su intrese por la naturaleza, el cual queda reflejado en la serie de
bosuqs que pintó a finales de los años 20. Esta serie, muestra entre otros muchos
aspectos sus recuerdo de la infancia, en la cual el protagonista es el miedo recurrente y
la fascinación por el bosque, siendo este el reflejo de un espacio encantado, mágico,
sombrio y siniestro, al que el consideraba un reino invisible, siendo esto por tanto una
metáfora perfecta del subconsciente, por todo lo que se esconde tras las sombras de
los bosques.
Es ya en su etapa francesa, cuando el surrealismo estaba en auge, cuando aparecen la
mayoría de estas obras. En estos años Ernst, pintó numerosos bosques, como bosque
azul, bosque rojo o bosque gris, el cual usaremos como ejemplo para poder contemplar
estos planteamientos.
En ellos cabe destacar asi mismo, que para crearlos uso el frottage, lo que les confiere
un aspecto mas natural a la vez que escultórico, siendo esto un primer paso hacia su
carrera escultórica que aparece mas adelante. El artista, creo con este método sus
bsoques petrificados con los que nos remite a un mundo apsado y cuyos elementos
componen un mundo plagado de significados ocultos. Con estos elementos es con los
que además logra que aparecezca el elemento alucinatorio y oculto, lo misterioso y los
sorpresivo surrealista, logrando con su conjunción que la naturaleza mineral y vegetal
se fundan siendo solo una.
Otro aspecto a destacar es como el elemto natural parace vetar la presentcia de lo
humano en el paisaje y en el entorno natural, sin embargo los elementos naturales si
aparecen comunicándose entre si, es decir los minerales y vegetales, arboles y
montañas se comunican con el sol, este ceda como un elemento circular en el plano
que parece gobernar todo el espacio por lo que la obra puede interpretarse como que
es el sol el autentico gobernante del entorno un sol que dio vida mucho antes de que el
hombre tratara de aniquilarlo y dominarlo todo.
La belleza alemana es otra de las obras que manifiestan el carácter experimental de
Max Ernst. Es es una escultura basada en la técnica del assamblage, realizada con
madera y alambre. 16Y en la que se ha visto una respuesta a la crisis que los dadaístas
dijeron que esta sufriendo el surrealismo en su forma pictórica.
Interesa destacar como con una serie de esculturas luego implantaría esta técnica
dentro del movimiento surrealista, de hecho, vamos a poder comprobar que Remedios
Varo también hizo uso de ella. Dicha implantación se dio mediante una serie de escayola
fechdas entre 1934 y 1935 que supusieron su apuesta efinitiva por la escultura. La
pretensión de Max Ernst con esto fue dotar a la escultura del mismo carácter fortuito de
la pintura en la elaboración y definicio de personajes hibridos y fantásticos creados con
el frottage y otras técnicas nuevas.
La belleza alemana, se presenta como una forma totémica y semiantropomorfa, que
revela por otra parte, un dialogo con la obra de Giacometti, además de verse la influencia
de la escultura africana. Apuntemos que este elemento de las mascaras y primitivo lo
vamos tener también en las obras de Remedios Varo, por lo que vemos como se
influenciaron entre ellos, siendo este dato importante por dar fuerza a los conceptos
estéticos en su mantención en el tiempo, pero por otro lo lado porque es otro modo de

16
http://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/belle-allemande-bella-alemana
ver como con las mismas iconografía cada cual creó un mundo diferente y abordó temas
del subconciente en relación a su propia experiencia vital. Además usaron estos
elementos desde un punto de vista diferente al abordado por los cubistas.
El titulo de la obra establece una referencia ironica con respecto a la escultura clásica
del renacimiento alemán, siendo esta la obra de Gegor Enhart, que respondia al mismo
nombre. Esta pieza como en otros casos, fue puesta de relevancia en diferentes
exposiciones colectivas en el momento en que la expancuon del grupo era mayor, como
por ejemplo laexposicion surrealista del asño 1936, en la Galeria Charles Rattou de
Paris o las muestras de fantastic Art Dada Surrealism del MoMA de Nueva York.

Remedios Varo.
No nos encontramos aquí sencillamente ante la obra de una pintora, sino ante la
creación de un mundo total, un mundo coherente, un mundo secreto. Viajes
inesperados: el arte y la vida de Remedios Varo. Janet a. Kaplan. Pag. 7.

Esta frase define bien la vida y la obra de la artista a la que ahora vamos a tratar,
pues los viajes, la experimentación y la introspección marcaron la producción de
Remedios Varo.
Kaplan refiere que formó parte de muchos mundos como el de los anticuados
colegios de monjas, el de la academia de arte, de los mundos de la Vanguardia
de Barcelona y del París de los surrealistas. También de los aterradores mundos
de la guerra civil española y de la ocupación nazi de Francia, asi como del
acogedor mundo mexicano.
Dicho esto, pasemos a analizar como sompuso sus mundos artísticos y los
elementos definitorios y caracteristicos de su estética que como en el caso de
Magritte, Dalí o Maz Ernst, su obra también presenta influencias de muy diverso
tipo, si bien es cierto que en su proceso de indagación personal, persenta una
mayor carga esotéroca y mágica que los anterioeses estando en este sentido
mñas en relación con la estética de Leonora Carrngton o Vistor Brauner.

Remedios Varon nació en Gerona en 1908 y murió en Mexico en 1968. Además


de se pintora fie también diseñadora grñafica. Hemos de señalar que fue
además, una de las primeras mujeres que estudió en la Real Academia de San
Fernando. Así como el hecho de que en 1932 se estableciera en Barcelona
donde trabajó también como diseñadora publicitaria estando esta ocupación
relacionada con su ingreso en el grupo surrealista catalán Logicofobista y que
por otro lado no da las claves para comprender algunas de las cuestiones de su
arte por los planteamientos estipulados por dicho grupo, es decir, no da un
contexto en lo que se refiere al desarrollo del surrealismo español, como en el
caso de las cuestiones específicas que referimos del grupo de surrealistas
belgas o el francés, que es el que define el grueso del surrealismo como tal.
La obra de Varon pivota sobre cuatro evocaciones fundamentales como con la
mezcla de la imaginación con lo científico, lo mistico y lo esotérico compaginado
con lo mágico.

Estamos ante una artista la cual presenta una obra marcada por cuestiones
vitales, como viene siendo usual entre los surrealistas. Estas cuestiones vitales
de su infancia se traducen en el odo en el cual compuso su lenguaje artístico. En
este hemos de destacar la figura de su padre, Rodrigo Varo, que fue ingeniero y
libre prensador, estudioso de lenguas como el esperanto y preocupaco por las
cuestiones sociales,además de ser un gran amante de la minerología. Estos
intereses paternos naturales y científicos tendrán su reflejo en la obra de la
artista.

También hemos de señalar que tuvo una infancia enfermiza con problemas
cardiacos, siendo su delicada salud la que la hace interesarse por la pintura de
manera temparna, en este setio manifestó intereés por aprender el dominio de
la perspectiva, la composición y el dibujo. Entre las infuencia mas temparanas
en lo que a la practica artística se refiere, encontramos que aprendio a usar los
utensilios de trabajo de su padre hasta que entró en la Real Academia de San
Fernando. Esta influencia paterna explicaría o en parte lo haría, según las
fuentes que hemos analizado y los resultados pictóricos que ofrece su obra, que
sus lienzos presenten una minuciosidad similar a la del trabajo de la orfebrería o
el interés por lo temas de carácter científico que van a ser recurrentes como
ahora podreos comprobar. 17

Habiendo dado estas pinceladas de la obra de Remedios Varon, dividiremos su


análisis en tres fases, desde sus primeros años en lo que estaría su etapa
formativa hasta llegar a la etapa mexicana que es la más destacada dentro de
su producción al ser allí donde se encuentra la mayor parte de su obra y donde
tuvo una mayor difusión y represcusion.

Con su padre estuvo en Marruecos y en 1917 es cuando se produjo el traslado


a Madrid donde se formó primero en lo colegios católicos hasta que
posteriormente comentara a formarse profesionalmente. Esta formación,
trancurre entre los años 1924 a 1941 y es donde encontramos algunos de los
datos más interesantes que van a marcar entre muchos aspectos el lenguaje de
su obra y algunas de las características más notorias. A los quince años, entró
en la Academia de pintura de San Fernando, periodo en el que se introdujo en
las tertulias de la época además de recibir las influencias de las vivencias de la
residencia de estudiantes donde entabló contacto con Lorca, Dalí o Maruja Mallo.
Por lo que como en el caso de Magritte, estamos ante una artista que hay
también que entender y analizar en relación con la poesía de la época además
de relacionarla con su posterior producción literaria, por lo que es otra de esas

17
El plural.com La tribuna Feminista. Concha Mayordomo artista visual, gestora cultural y comisaria
independiente.
artistas polifacéticas que contribuyeron a esa permanencia del surrealismo en la
actualidad en diferentes campos artísticos y en países lejanos del nucleo
principal francés o el posterior de Nueva York.

Otro de los aspectos a destacar es su aprticipacion en 1930 en la exposición de


dibujo organizada por la Union de Dibujantes de Madrid, ya que no fue la única
con la que se relacionó. En Barcelona por ejemplo frecuentó los círculos
libertarios, especialmente los relacionados con el sindicato de dibujantes de la
Confederacion Nacional del Trabajo.

Al finalizar sus estudios, junto con Gerardo Lizarra, una de sus tres parejas, pasó
un año en Par´donde conoció los nuevos ideales Vanguardistas que no le
enseñaron Manuel Benedito o Julio Romero de Torres, los cuales fueron su
maestra en Madrid.

En 1932, regresó a Barcelona, donde vivió intensamente el clima político,


libertario y creativo del momento y donde trabajó, como hemos dicho, como
dibujante publicitaria, siendo este oficio uno de los que la sustentarán a lo largo
de su vida en los distintos países en los que vivió, además de ser estas obras
una de las que más fama le dieron y que potenciaron la difusión de otros trabajos
que no se habrían sacado a la luz.18

A partir de 1935, es fuertemente influenciada por el surrealismo, al conocer y


compartir estudio con Esteban Francés, siendo quien la introdujo en e circulo
surrealista de André Bretón.

También en Barcelona, conoce a Oscar Domínguez y participa en las actividades


del colectivo, como en los uegos de los cadáveres exquisitis en los cuales cada
jugador escribia o dibujaba una parte de un texto o de un dibujo sin tener en
cuenta lo ejecutado por el resto de jugadores manteniéndose el carácter
colectivo y azaroso de la obra.

Ese mismo año , expone en Madrid sus dibujos en lo que mostraba su mundo
onírico, estos son los conocidos como Composicion, en los que se manifiesta la
influncia de lo azaroso de los juegos del cadáver exquisito.

Ya dentro de los planteamientos sorrealista, fue cuando ingresó en el


mencionado grupo catalán lógicofobista que pretendioa representa lo estados
mentares internos del alma utilizando formas sugerentes de tales estados. INka
Marti señala que la herramienta esendia de Remedios Varo en su búsqueda
espiritual o trascendete es la imaginación, entendida como otra forma de
conocimiento. Hecho que pordemos ver en la colabroacion con el grupo catalán,
donde pinto su su obra Agent Double, que anticipaba su estilo al conectar
plásticamente con el surrealismo mágico como se manifiesta en la exposición

18
CALVO LUQUIN. A, Remedios Varo: el espacio y el exilio. Colección Lilith. Instituto universitario de
estudios de género de Cataluña. 2008.
que realizo el grupo en 1936 y en la que poarticipo junto a otros surrealistas
españoles como Maruja Mallo.

Durante el perido de la guerra civil española se posiciono junto al bando


republicano, siendo en 1956 cyanco conoció al poeta Bejamin Perte, con quien
marcho a Francia, para no regresar a España. Siendo este uno de lo motivo que
han hecho que su obra sea tan poco conocida en nuestro pasi.

En el segundo viaje francés, permanece con su nueva pareja hasta la invasión


nazi de 1941. Sobre esto la artista dijo ya en 1960 no fue facul vivi de la pintura
en París. Tuve muchas espcialidades, entre ella fui locutroa traducia conferencia
para latino americanos.

Incluso se ha llegado a decir que realizó falsificaciones de obras de Chirico para


mantenerse en París. En momento es también cuando se relaciona con André
Breton de forma más directa y conocio a Max Enrst, Victor Braume o Leonora
Carrington. Lo que le proporciono la oportunidad de participar en la exposición
internacional surrealista celebrada en Tokio donde expuso su obra Le Desir, que
había aparecido dos años antes en la revista surrealisra minitaure, en el numero
10 de 1935.

La invasión nazi de 1941 es la que nos introduce en su periodo mexicano y donde


aparece la obra a la que nos referíamos como prodcuiion en el exilio. De este
periodo interesan varias cuestiones como su contacto con Leonora Carrognton,
con la cual realizó juegos llenos de humor, como sus recetas y desarrollaron su
estilo donde crearon formas ondulantes de surrealismo esotérico y exploraon el
inconscne entregándose a la experimentación artstica con la cual plamaron sus
experiencia personales.
Durante estos años, Remedio Varo participó en la expossicion surrealista de
Mexico, dirigida por Ines Amor, durante los año 40. Además la década de los
años 40 está caracterizada por la realización ed trabajos artesanales de
decoración y publicidad entre lo que cabe destacar las colabroaciones que hizo
con Marc Chagall en el vestuario de Aleko,un Ballet que se estreno en el palacion
de Bellas Artes.
Ya en 1947, se separó de Benjamin Peret, e inicio un interesante proyecto gracia
a sus contactos y actividades en Mexico, partió a Venezuela como integrante de
una expadicion científica del instituto France de America Latina donde se
encargo de los estudios micorsocopicos de los moquistos, lo que os interesa ya
que formó parte de una campaña que publicitaba las medida con tra el
paludimos, esto nosmuestra como la estética y el arte surrealista, puede
enfocarse y emplearse más allaá de mseo y la exposcion, lo que ha permitido
que también se mantenga en la actualidad. En este sentido también hemos de
destacar los carteles publicitarios que envio para Bayer. Siguió durante 1949
trabajando como ilustradora. Ya en 1955 presentó sus trabajos en una pirma
exosicion colectiva en la Galeria Diana de Mexico, seguida de una individual el
mismo año. Estas exposiciones de finales de los cuarenta y mediados de los
cincuenta como la e 1958 donde Remedio Varo obtuvo el primer premio en el
primer salón de PLastica Femenina de las galería excelsior son de destacar ya
que influyeron en el muralismo mejicano de los 50. Ella no fue muralista, sino
que la infuencia aparece porque muchas de sus obras eran exhibida en diveras
instituciones mejicana, entra las que cabe destacar el instituto de Cardiologia
donde aparece el retrto del Doctor Chavez de 1957 que fue un homnaje al
medico Mexicano Ignacio Chavez que además era el cardiólogo de la pintora.

Analizando la obra de Remedios Varo hemos de señalar que esta influencia en


el juralismo mexicano se llevó a cabo porque se descubrió el gran valor y la
riquza cultural de su obra en un momento en el que el publico comenzaba a
centrar su interés en el naciente arte contemporáneo mexicano que se estaba
imponiendo ante el nacionalismo de la escuela mejicana de muralistas. Es decir,
el gobierno mexicano con el fin de consolidarse como moderno en el plano
nacional rescató el elgado de Remedios Varon con el fin de cimentar una
identidad nacional que se estaba perdiendo. Esto se hizo con diversos
programas de recuperación a través de instituciones culturales del estado como
el INBA que difundieron la obra desde 1990 y durante 15 años se llevó a cabo
una intensa campaña de exhibiciones de sus trabajo. Partiendo esta
reivindicarion de retrospectiva realizadas en 1964, que fue la primera de la
realizadas y en las que se expusieorn 124 obras suyas. En 1971 se organizó la
segunda en el museo de arte moderno con un lleno total, lo que habla del interés
del publico por sus trabajos. Suendo en 1985 cuando su popularidad y gusto se
reafirmó a naivel nacional demostrándose el valor que la obra tenia en los
círculos artísticos nacionales e internacionales.19

En cuanto a lo que seria la obra en si de Remdios Varon aparece rdeaa de


misticismo lleno de temas que van desde la teoría psicoalitica a la alquimia tal
como se expresa en musptiples cuados suyor- en el tranajo de Remedios Varo:
el espacio y el exilio aparecen estas dideas, en las cuales se aprecia como si la
razón cae en una crisis de sentido con ella cae la identidad. Como por ejemplo
se muesta en sus obra como el tripctico que hace en 1961 que se compone de
las obras Hacia la torre, Bordadnodo el manto terrestre y la Huida, que traducen
su vida en clave surrealista.

Este misticsmo estuvo influenciado por el psicoanálisis de Freud, Carl Jung Adler
y resural calaramente apreciable en mujer saliendo del Psicoanalista de 1960.
Otros de los temas frecuentes en la obra de remedios varon es el lugar que
ocupaban las ciencias como se aprecia en el Fenomeno de ingravidez en la que
se muestra según Marce Ibarte que la obra de la pintora es vasta y compleja con

19
Universidad de Guadalajaras, Centro universitaris de Ciencias Sociales y humanidades. Division de
estudios históricos y humanos. Remedios Varo y Leonora Carrigton. Dos visiones del surrealismo en
Méxco 1943-1963. Tesis Carlos Osbert Callegos Hernandez. Guadalajara, Jal. Diciembre de 2010.
un estulo característico y reconocible. Siendo este uno de los ejemplo eb o que
aparecen también sus figuras humanas estilizadasrealizando tareas simbólicas
en las cuales se mezcal elementos oniricios y qrquetipico de su obra. Además
esta condiderada como una artista de la alquimia, esta consideración le viene
dada por su dedicadion a hacer revivir mundos, como ya indicamos en el inicio,
siendo esto el motivo de que en su pintura surjan cuentos de hadas y fantasmas
solo posble en el inconsciente y en el mundo de los sueños.

Su obra se complementa, asi mismo, con una atmosfera teñida de misticismo


plasmado en figuras del mundo secular moderno. En este sentido interesa
destacar su marcado intereses por la iconografía cienticifica como hemos
referido. Estas caracterisicas se resumern en su lienzo de forma monuciosa
refeljando la unidad cósmica y las interconexiones entre los distintos planos de
la realidad y como son la materia y el espíritu, el mundo humano, animal y el
vegetal.

Además de tratar temas mas usuales dentro del surrealismo como el de la mujer
maga que los fascino, aunque este tema se ha relacionado más con el
inconciente masculino ya que eran los hombres, como en otras ocasiones hemos
referido, los que veian la a la mujer como a un ser dotado de poderes superiores.
Su plantica en cambio, se distancia de las plamaciones maculinas, al
representarla en el ámbito domestico tan rechazdo por los hombres.

Hemos también de señalar que Remedios Varo, como Dali, también se sirvió de
elementos simbólicos como las mascaras que se vincularon con el poder
transfromados del yo oculta y que según ella se uso explicaba el enfrentamiento
constante que tenia con ella misma. Esto lo podemos ver en obras como
Encuentro, en la que además de aparecen las estilizadas fuguras plantea el tema
del arqutipo masculino con el que se expeculado que analizaba y proyectaba la
figura de su padre. Lo que podríamos por otro lado, relacionar con las
referencias maternas constantes que aparecen en la obra de Dali también con
una iconografía concreta como el panal.

Si bien hemos de destacar que la obra de Remedio Varo concebía la idividualdad


del ser humano como canon de ss represenaciones artustuas, siendo ese un
aspecto que conjugo en sus obras con el esoterismo constante como aparece
en la Visita inesperada. Mimetismo y la mencionada Visita inesperada, son
ejemplos de como además de los esoterioco y lo individual, manifiesta por otra
parte su pincelada curva para crear los cuerpos. Hemos de hacer mención a
cómo ese carácter individual aparece en las figurar al estar muy detallados los
gestos y las expresiones de los personajes.

Esta estética apareec sobretodo desde 1955 cuando se desarrolla su priduccion


mas interesante y concreta su estilo más personal. Un estilo que la ha hecho
inconfundible con una amplia representación de la mujes desde la perspectiva
de su propia experiencia ya que sus obras siempre tienen un relato femenino
entre lo racional, lo fantástico, la naturaleza y lo sobre natural.
Ascension al monte, preseta estas características figuras estulizadas
influenciadas por la estética medieval en la que como en otros surrealistasm
como ya se dijo al inicio del presente tema en la parte referida a los precedentes
y fuentes de inspiración surrealistas, se advierte la influencia del Bosco o
Brueghel el Viejo, lo cual se explica porque en su infancia contemplo el museo
del Prado.

Como en el caso de los demás surrealistas, en su obra también aparecen


elementos tales como las maquinas y las metamorfosis de la fugura femenina
que se rodean de elementos onírico y que en conjunto siempre transmiten gran
misticismo.

Otro aspecto que no podemos dejar en el tintero en que como por ejemplo
Magritte, también escribó libros como Ho Rodano 1959, Lady Milagro y
Costumbres populares con Cesar Moro.

Su carácter polifacético y experimental no solo se manifestço en obras pictóricas


o escritas, sino que también tuvo una destacada faceta como escultora en la cual
trabajó con diversos materiales como los huesos, las espunas de pescado, los
residuos orgánicos, los alamambres o las cuerdas.

A modo de conlusión de este apartado en el que hemos tratadi sobre Dali,


Magritte, Max Ernst, André Masson y Remedios Varo, podemos asegurar varias
cuestiones.
una de ellas, es que Dalí fue fundamental por sus aportaciones al surralimos y al
arte pictórico en eral, además de ser una de las figuras claves que dio solides y
prestigio al surrealismo en España. Ya que su vida y su obra llegaron a ser la
misma cosa, siendo esto lo que lo convirtió en un showman, pionereo de los
happenigs y el pop art, seindo su carácter provodcado y loco aunque admirado
y frecuentemente imitado por las generaciones de su tiempo y las futuras,
además de ser una gran fuente de inspiración para las propuestas esteticas más
arriesgadas de la actualidad.
En el caso de Magritte, podemos vislumbras que el arte no puede entenderse
fuera de su contexto y desvinculado de las fuentes de inspiración y
manifestaciones artististicas que son propias de una época y una generación
concreta, en este caso su inspiración en fuentes escritas como visuales, dan
clara muestra de como de la combinación del todo es de lo que surge un tipo de
obra total capaz de representar cualquier misterio.
En este sentido podemos decir, que el ámbito materia se pude considerar como
un engaño al no ser la realidad nunca como se ve pues se compone de tantas
capas como un óleo.
Su carácter inventico, retrospectivo y desafiante en clave irónica, son un ejemplo
de humor inteligente que ha tenido por otro parte su reflejo en campañas
publicitarias y en el surrealismo pop de carácter cirtico. La cultura pop fue
precisamente la que redescubrió su figura al ser determinante en el muendo del
arte el cine o la música. 20
Algunos de estos ejemplos aparecen en portadas de disco como la del grupo Jeff
Beck en el álbum Beck Ola, donde aparece la obra denominada la Sala de
Escucha, pintada por Magritte en 1954. Otro ejemplo, aparece en los cómics,
que van a ser una de las fuentes de inspiración de la estética del surrealosmo
pop abordado mas adelante en lo referente a temas que muestran la nueva
sociedad de finales del siglo XX e inicios del siglo XXI. El comic donde aparece
esto es el numero 41 de Dylan Dog, donde aparece la obra Golconda, pintada
en 1953 por Magritte, por lo que también vemos como los medios moderno
difundieron su obra facilitando entre otras cosas que calara en el publico joven
de forma fácil y efectiva.
Podemos concluir en base a las fuentes consultadas mas actuales que por
sulegado, Magritte es una figura primordial para comprender no solo el arte del
siglo XX, ya que vimos que fue el miembro mas destacado del grupo belga, sino
que es fundamental para comprender el arte del siglo XXI y lo que nos rodea,
dado que en su obra aparece una crtica a temas que siguen vigentes.
Por otro lado, André Masson, es una figura que presenta una imaginación
desbordante, que destacó tanto en las composciones figurativas como en las
abstractas, lo que influiría lugi en el codiciado expresionismo abstracto norte
americano y en el posterior. Monocromo y colorista, automatico y reflexivo, André
Masson, supo crear un lenguaje propio lleno de significados en base a color y la
froma que mostró son voz como la existencia humana es un contino fluir, un
prceso de metamorfosis encadenadas, con lo que al contemplar su obra nos
introduce en un mundo que nos hace participes de que morimos y renacemos en
cada uno de los ciclos de nuestra vida, en este sentido podemos establecer
manifiesta un marcado carácter filosófico en su obra, participando de ideas como
las de Heráclito o NIeztche, por lo que nos deja un legado que ha de ser valorado
no solo como obra pictórica sino como estética y plástica filosofía.
Otra cuestión que hemos de explorar, seria en lo relacionado con la experiencia
estética que nos produce la contemplación de su obra. Este artista nos enfrenta
con cada uno de los aspectos que forman parte del alma, la mente y el cuerpo
humano, sirviendo esto como un método de análisis de nuestra personalidad y
entorno en la actualidad que muestra la vigencia del surrealismo por lograr esto
aún tantos años después.
Hemos de decir que tuvo la habilidad de conseguir eso mediante la creación de
una obra arriesgada y compormetida con su tiempo, que puedo por otra aprte,
las bases para que nacieran muchos de los genial del siglo XX, los cuales
representaron como él los traumas de las guerras y la muerte en el campo de
batalla.

20
Muy interesante. Magritte, un genio surrealista. María Fernandez Rei. Edición virtual.
Por tanto, por su sensiblidad y capacidad inventiva y experimental se lo puede
considerar como el gran genio del surrealismo francés. Tenemos para atestiguar
esto sus collages de estilo brillas y marcado automatism, que serán una fuente
viva de inspiración para las generaciones siguientes que han boscado expresar
los mismos temas sociales e introspectivos que Masson en el siglo XXI, como
veremos en las iniciativas puestas en practiva en la actualidad como las llevadas
a cabo por Taller multinacional en el año 2017 con los trabajos de collages
surrealistas.
Hablar de Max Ernst es hablar de su versatilidad manifiesta, ya que sus obras
se transforma constantemente logrando que cuando las confrontamos con los
convecionalismos socialmente establecidos dan lugar a que en nuestra mente
como espectadores veamos las evcocaciones más fantásticas de sueños y
futuros lejanos.21 Su estética y su plasticisdad son hoy fuente de inspiración para
los collages futuristas de los nuevos talentos como Eduardo Martinez o Eugenia
Loli22, cuyas obras aperecen ya difundidas en nuevos formatos digitales y
exposicones de arte contemporáneo que plantean los nuevos lenguajes del
surrealismo.
También sus frottages, novelas collage o esculturas han influido en la concepción
de la fotografía modernas en el modo en que concebumos el objeto como objeto
soñado, algo que también se puede relacionar con los aspectos que se
desarrollan en base al acercamiento y comprensión del objeto en el diseño
mobiliaro actual.
Finalizando con Remedio Varo, por su parte, es como Dalí, primordial para el
surrealismo español, pero también para el desarrollo del surrealismo en Mexico
y por su aportación al muralismo mejicano como referimos, además de por ser
una artista que potenció la practica surrealista dentro de un grupo en el que la
mujer era vista como un objeto de inspiración y mero adorno y complemento del
elemento masculino.
En su caso estamos ante una artista de actitud, también rebelde, como la de
Dalí, pero más combativa y de marcada feminidad, su obra muestra la fuerza de
la magia y de las leyenda en un mundo convulso que no veía a la mujer mas que
como un objeto de uso. Otra de las cosas que supo mostrar en su obra, es que
pese a todo los mierdo acaban conviertiendose en ironias de la vida.
Sin olvidar su destacada exploración del inconsciente que abrió las puertas a la
experimentación artística femenina del futuro, por lo que su figura ha de ser
puesta en valor y tenida en cuenta de cara a dar cabia a más nombres femeninos
en el campo del arte aparte de los típicos como el de Frida Khalo.
También hemos de reseñar su influencia en los jóvenes talentos como Gilbert
Rodriguez, esta influencia es dada gracias a las nuevas labores de investigación

21
http://www.freshlandmag.com/2013/06/06/max-ernst-surrealismo-futuro/
22
Cultura inquieta. Collages surrealistas de Eugenia Loli.
http://culturainquieta.com/es/arte/ilustracion/item/4979-collages-surrealistas-de-eugenia-loli.html
y difusión de su obra llevado a cado por el intiruo de Investigacion de Estudios
de Géero de la universidad de Alicante.