5 obras de artistas del continente americano:

Pinturas
Fernando Botero (Colombia 1932): Este
pintor figurativo es famoso por distorsionar
las formas hacia una gordura extrema. Sus
pinturas y esculturas son fáciles de
identificar. Es uno de los artistas
latinoamericanos vivos más cotizados hoy en
día

Nombre de la obra: the presidential

Diego Rivera (México 1886-1957): Este famoso muralista mexicano fue rodeado siempre de escándalo:
comunista y ateo, llegó a pintar para el mismo Rockefeller. Triunfó en vida, su obra tiene raíces netamente
latinas.

Nombre de la obra: Gloriosa victoria

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 Frida Kahlo (México 1907-1954): Pasó desapercibida
como artista en vida y fue opacada por la fama de su
marido Diego Rivera. Fue tras su muerte qué se valorizó
su obra y se apreció su pintura naive en las formas pero
terrible en lo emocional. Frida exponía su vida en cada
cuadro.

Nombre de la obra: Abrazo de amor del universo, la

tierra

Roberto Matta (Chile 1911-2002): Se codeo con Bretón y con la cuna del movimiento surrealista. Su vida la
paso entre Europa y Sudamérica. Fue un acérrimo opositor a la dictadura militar de su país natal.

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 Nombre de la obra: A grave situación
Joaquín Torres García (Uruguay 1864 – 1949): Este pintor se consolido como artista en España pero alcanzó
fama en sud América como precursor del constructivismo. Su obra no es fácil de entender pero es primordial
en el arte de Latinoamérica.

Nombre de la obra: Arte

universal

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5 obras de artistas del continente americano:

Pinturas abstractas.

TOMORI DODGE: Obras con

mucho ritmo, formas con fuertes
direcciones, rupturas y
retorcimientos, generan muchas
connotaciones sobre lo que está
ocurriendo en el cuadro

Nombre de la obra: Daisy Cutter

CARRIE MOYER: Un grafismo impresionante,

creado con grandes contrastes de color,
transparencias, color vivo y formas muy
insinuantes.

Nombre de la obra: Quatro Estações

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 KARIN DAVIE: Las formas
redondeadas y retorcidas
de pintura han hecho
famoso a este pintor. Es
espacio que logra generar
con los tremendos
brochazos de materia
pictórica sorprenden a la
vista y configuran unas
formas vivas, que se están
formando y moviendo sobre
un fondo que las empuja
hacia delante. Cuadros muy
efectistas.

Nombre de la obra: reseña

PETER PERI: Artista inglés, pero con

mucha relación con América. Sus
formas en el espacio tienen mucho
juego, con los efectos de perspectiva
y 3 dimensiones. Pinturas sencillas,
pero con buen concepto visual.

Nombre de la obra: campus

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 DANIEL HESIDENCE:
Mucha pintura, empastes,
color y materia que lucha
entre si. Muy caótico y
expresivo, sus obras
desprenden mucha fuerza.

Nombre de la obra: la
perdida

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 5 obras de artistas del continente americano:

Arquitectura

Enrique Norten:
Nació en la Ciudad
de México el 27 de
febrero de 1954.
Estudio arquitectura
en la Universidad
Iberoamericana.
Después de
graduarse hizo un
Master en Cornell
University, en Ithaca,
Nueva York. Se ha
desarrollado como
catedrático en
distintas
universidades de
renombre. También,
fundó la revista
Arquitectura y desde
1986 dirige TEN
Arquitectos.
Nombre del hotel: Hotel Americano en el barrio de Chelsea
ss

Teodoro González de León: Nació en la Ciudad de México el 28 de mayo de 1926 y estudió en la

UNAM. Gracias a una beca
otorgada por el gobierno
mexicano trabajó durante
18 meses en el taller de Le
Corbusier en Francia, a
partir de 1947.

Nombre del museo:

Museo Universitario Arte
Contemporáneo de la
UNAM

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Javier Sordo Madaleno: Nació en la Ciudad de México en 1956 y estudió en la Universidad
Iberoamericana de 1947 a 1979 y desde 1982 funge como director general de Sordo Madaleno
Arquitectos S.C. Él asegura que su pasión por la arquitectura la heredó de su padre, Juan Sordo
Madaleno, así como de Luis Barragán. Con su obra ha revolucionado la arquitectura a nivel mundial.

Nombre de la plaza:
Plazas comerciales
Perisur

Bernardo Gómez
Pimienta: Nació el 18
de agosto de 1961 y
tiene dos
nacionalidades:
francesa y mexicana.
Desde 1987 ha
dedicado su vida a la
arquitectura y al diseño
industrial. Actualmente
es director de la
Escuela de Arquitectura
de la Universidad
Anáhuac del Norte e
integrante de la
Academia Nacional de Arquitectura y del
Sistema Nacional de Creadores del Consejo
Nacional para la Cultura y las Artes
(Conaculta). En 2003 creó Bpg, un despacho
multidisciplinario, establecido en la Ciudad de
México, cuya misión es ofrecer una
arquitectura humana pensada para sus
habitantes como un reflejo de su época.

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Miguel Ángel Aragonés: Nació en la Ciudad de México en 1963 y durante más de dos décadas ha
realizado una basta y original obra, además es expositor y conferencista en múltiples universidades
mexicanas y del extranjero. Entre 2002 y 2003 impartió cursos de posgrado en la Universidad Anáhuac
por el que fue merecedor al Premio a la excelencia Académica. Tiene tres libros monográficos de su
obra, entre los que destaca el de L´Arca Edizioni. Actualmente comanda el Taller Aragonés.

Nombre de la casa: Casa Lago de Guadalupe

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 5 obras de artistas del continente americano:
Pinturas

Roberto Matta, Chile: Fue

un pintor, arquitecto, poeta
y humanista chileno nacido
el 11 de noviembre de
1911; fecha que usó de
forma simbólica en varias
de sus pinturas (11-11-11).
Es considerado el último
de los surrealistas. A
finales de los 30 viajó a
Europa, donde conoció a la
escritora Gabriela Mistral,
quien lo ayudó a
establecerse en el viejo
continente. Tuvo
interacción con André
Breton y Salvador Dalí, lo
cual puede observarse en
su estilo al pintar. De igual
forma de ha identificado
como creador de concepto
“infrarrealismo”, ya que lo acuñó en 1940, después de que Breton lo expulsó del surrealismo. Nombre
de la obra: invasion nocturna

Xul Solar, Argentina: Es

uno de los pintores
argentinos más
excéntricos. Fue escritor,
escultor, pintor e inventor
de idiomas imaginarios. De
igual forma fue un asiduo
lector y practicante de
ciencias ocultas, astrología
y mitologías. Su relación
con Jorge Luis Borges hizo
que su obra fuera más
conocida. Nació en 1887 y
en 1939 se dio a la tarea de
diseñar cartas astrológicas.
Su obra Rua Ruini,
reproducida arriba, da
muestra de sus inquietudes
acerca de las ideologías
por las que el ser humano
ha intentado transitar,

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representándolas como una serie de paredes por las cuales muchos han intentado ver la luz. Nombre
de la obra: vuell villa

Antonio Seguí, Argentina: Pintor

cordobés nacido en 1934, y
conocido como “El Gallego
Seguí”. Suele expresar una crítica
social en sus obras, esto con
tintes de ironía y humorismo. En
ocasiones sus obras remiten al
cómic norteamericano, pero
siempre con personajes grotescos
e irónicos. El tema principal de sus
obras a lo largo de su carrera, gira
en torno al ser humano urbano
buscando su lugar en un mundo
que parece exigir el acoplamiento
del sujeto al contexto, con un lugar
específico y rol en la sociedad.
Nombre de la obra: Man

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José Gurvich, Uruguay: En 1927,
en un pueblo llamado Jiezna,
Lituania, nació en el seno de una
familia judía bajo el nombre de
Zusmanas Gurvicius. En 1932,
emigró a Uruguay donde pudo
acoplarse muy rápido a la vida del
país. Es una figura central en la
estética del Universalismo
constructivo en Uruguay, en el cual
se intenta representar al ser
humano en concordancia con el
cosmos, así como las dimensiones
metafísicas de la existencia
humana. Nombre de la obra :
imágenes de nueva york

Saturnino Herrán, México: Estrictamente, este pintor es un puente entre el siglo XIX y el XX; nació
en Aguascalientes, México en 1887, y murió muy joven en 1918, con tan sólo 31 años de edad. Se
denomina que es un puente porque fue precursor del discurso estético e ideológico que permeó el arte
en los años posteriores a la Revolución Mexicana. Se identifica como un pintor indigenista y fue un
pintor de gran talento y técnica para plasmar escenas del México precolombino. Su forma de pintar se
ha asociado varias veces a pintores españoles como Velázquez. Nombre de la obra: TIki-toki

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 Pinturas del continente americano

La Gioconda: l Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo,1

más conocido como La Gioconda (La Joconde en francés), también conocida
como La Mona Lisa, es una obra pictórica del pintor renacentista italiano Leonardo
da Vinci. Fue adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI
y desde entonces es propiedad del Estado Francés. Se exhibe en el Museo del
Louvre de París. Su nombre, La Gioconda (la alegre, en castellano), deriva de la
tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco
Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de donde
viene su otro nombre: Mona (señora, del italiano antiguo) Lisa. Es un óleo sobre
tabla de álamo de 77 × 53 cm, pintado entre 1503 y 1519,2 y retocado varias
veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy
característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos
perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por
múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su
preservación óptima.3 Es revisado constantemente para verificar y prevenir su
deterioro.

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 La maja desnuda: La maja desnuda es
una de las más célebres obras de
Francisco de Goya y Lucientes. El cuadro
es una obra de encargo pintada antes de
1800, en un periodo que estaría entre
1790 y 1800, fecha de la primera
referencia documentada de esta obra.1
Luego formó pareja con La maja vestida,
datada entre 1800 y 1808,2
probablemente a requerimiento de Manuel
Godoy, pues consta que formaron parte
de un gabinete de su casa. En ambas
pinturas se retrata de cuerpo entero a una misma hermosa mujer recostada plácidamente en un lecho
y mirando directamente al observador. Aunque no se trata de un desnudo mitológico, sino de una
mujer real, contemporánea de Goya, e incluso en su época se le llamó La gitana, las primeras
referencias al cuadro refieren a una Venus.

Le Déjeuner sur l'Herbe: Le Déjeuner sur l'Herbe

("Almuerzo sobre la hierba" en francés, a menudo mal
traducido como "Desayuno sobre la hierba") es un
cuadro al óleo de 208 cm de altura y 264,5 de largo,
pintado por Édouard Manet en 1863. Se exhibe en el
Museo de Orsay de París.
Al principio se llamó a este cuadro Le Bain, y luego La
Partie carrée. En español, también se ha traducido
como La merienda campestre1 o Almuerzo
campestre.2 La yuxtaposición de un desnudo femenino
con caballeros completamente vestidos suscitó
controversia cuando la obra se mostró por vez primera
en el Salon des Refusés en 1863, después de ser
rechazado por el Salón oficial.

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Las meninas: Las meninas, como se conoce el cuadro desde
el siglo XIX, o La familia de Felipe IV según se describe en el
inventario de 1734, se considera la obra maestra del pintor del
siglo de oro español Diego Velázquez. Acabado en 1656 según
Antonio Palomino, fecha unánimemente aceptada por la crítica,
corresponde al último periodo estilístico del artista, el de plena
madurez. Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de
grandes dimensiones formado por tres bandas de tela cosidas
verticalmente, donde las figuras situadas en primer plano se
representan a tamaño natural. Es una de las obras pictóricas
más analizadas y comentadas en el mundo del arte.

Aunque fue descrito con cierto detalle por Antonio Palomino2 y

mencionado elogiosamente por algunos artistas y viajeros que
tuvieron la oportunidad de verlo en el palacio, no alcanzó
auténtica reputación internacional hasta 1819, cuando tras la
apertura del Museo del Prado pudo ser copiado y contemplado
por un público más amplio.

La vendedora de camarones (en inglés, The Shrimp Girl), es

uno de los cuadros más conocidos del pintor británico William
Hogarth. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 63,5 cm de
alto y 52,5 cm de ancho. Fue pintado entre 1740 y 1745,
encontrándose actualmente en la National Gallery de Londres,
Reino Unido. A veces es citada como La vendedora de
quisquillas, según la traducción que se dé al término shrimp.
Además de sus ciclos narrativos sobre costumbres de la época,
Hogarth destacó como retratista, como puede verse en este,
uno de sus mejores retratos, realizado en la parte final de su
carrera.
Se trata de una composición improvisada, ágil, en la que con
espontaneidad se refleja lo observado por el pintor.

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 5 obras del continente americano
El grito (en noruego Skrik) es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard
Munch (1863-1944). La versión más famosa se encuentra en la Galería
Nacional de Noruega y fue completada en 1893.1 Otras dos versiones del
cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la
cuarta versión pertenece a una colección particular. En 1895, Munch realizó
también una litografía con el mismo título.1
En los últimos años, la obra, en dos versiones diferentes, ha sido objeto de
robos de gran repercusión mediática. La versión más conocida, la de la Galería
Nacional, fue robada en febrero de 1994, y fue recuperada en una acción
policial doce semanas más tarde. En agosto de 2004 se produjo el robo de una
de las versiones expuestas en el Museo Munch. Dos años después, el 31 de
agosto de 2006 la policía noruega anunció la recuperación de la pintura, en
buen estado.

El arte de la pintura (Alegoría de la pintura), es una famosa obra del

pintor holandés Johannes Vermeer, quien hubo de pintarla hacia 1666.
Está realizada al óleo sobre lienzo y mide 120 cm de alto y 100 cm de
ancho, por lo que es la tercera obra más grande dentro de la producción
conocida de este artista, después de las obras jóvenes "Cristo en la casa
de Marta y María" y "La alcahueta". Se conserva en el Museo de Historia
del Arte de Viena, Austria, donde ha estado expuesta desde que fue
recibida por el gobierno austriaco en 1946. En neerlandés es conocido
como De Schilderkunst o Allegorie op de schilderkunst. Este cuadro
también es conocido con el título de El estudio del artista.1
Muchos expertos de arte creen que la obra es una alegoría de la pintura,
de ahí el título alternativo de este cuadro. Es el más complejo de los
cuadros de Vermeer y según los críticos, una de las obras más logradas
del pintor, si no la mayor composición, trabajando en ella durante varios
años. Se deduce que es un autorretrato de espaldas. La figura femenina,
representando a una musa, se ha propuesto como la hija del pintor, Maria Vermeer.

Juramento de los Horacios (en francés Le

Serment des Horaces) es una obra de
Jacques-Louis David realizada en 1784,
antes de la Revolución francesa. El cuadro
tiene una dimensión de 330 x 425 cm y se
conserva en el Museo del Louvre. Se le
considera el paradigma de la pintura
neoclásica.1
En él se representa el saludo romano, con el
brazo extendido y la palma hacia abajo. En
el año 1774, David consiguió el Premio de
Roma con la obra Érasistrate découvrant la
cause de la maladie d'Antiochius dans son
amour pour Stratonice. Este hecho le
permitió permanecer cinco años (1775-
1780), en Roma como estudiante a cargo
del gobierno francés

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Los felices azares del columpio (en francés, Les hasards heureux de
l’escarpolette), o, simplemente, El columpio (L'Escarpolette), también
conocido en inglés como The Swing, es un cuadro del artista rococó
francés Jean Honoré Fragonard, realizado en 1767. Es una pintura al
óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 81 centímetros de alto por
65 cm. de ancho. Se conserva en la Colección Wallace de Londres
(Reino Unido).
Un rico barón encargó este cuadro a Fragonard, como homenaje a su
amante. Se cuenta que inicialmente el encargo era para François
Boucher, quien lo rechazó por su atrevimiento. Se ha convertido en el
símbolo de toda una época, el Rococó, por su refinamiento y
sensualidad.

El Ángelus es un cuadro del pintor realista francés Jean F. Millet. Data del período 1857-1859 y se
trata de un óleo sobre lienzo que mide 66 cm. de alto
por 55,5 cm. de ancho. Se conserva en el Museo de
Orsay de París, Francia.
Millet representa aquí una escena campestre, que es
la que dominará en principio su obra. Esta posición
atraerá la atención de la burguesía, ya que el mundo
rural simbolizaba «lo bueno» en contraposición de la
postura reaccionaria del sector obrero. En la pintura en
tela, se observa una clara inclinación por motivos
vinculados con la naturaleza y el paisaje, donde los
efectos de contraste lo vinculan con el estilo de Honoré
Daumier, aunque tiende a ser opaca y terrosa. En un
primer momento, Millet había pintado dentro de la
cesta que está en el suelo a una criatura de pocos
meses de edad, pero que había fallecido, y a los dos
personajes de pie como los compungidos padres que
la miraban sin consuelo. Esta situación conmocionó
mucho a los que la vieron por primera vez, y recibió críticas de censura, por lo que este pintor se
decidió a retocarla quedando como la vemos hoy.

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 10 Obras del continente americano

La Libertad guiando al pueblo es un

cuadro pintado por Eugène Delacroix en
1830 y conservado en el Museo del Louvre
de París.
El lienzo representa una escena del 28 de
julio de 1830 en la que el pueblo de París
levantó barricadas. El rey Carlos X de
Francia había suprimido el parlamento por
decreto y tenía la intención de restringir la
libertad de prensa. Los disturbios iniciales
se convirtieron en un levantamiento que
desembocó en una revolución seguida por
ciudadanos enojados de todas las clases
sociales. No existió un único cabecilla. Por
eso Delacroix representa a la Libertad
como guía que conduce al pueblo.
Tampoco está representada de una forma abstracta, sino que es una figura alegórica muy sensual y
real.

Gilles es un cuadro del pintor francés Jean-Antoine

Watteau. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide
184 cm de alto y 149 cm de ancho. El tamaño de esta
obra es excepcional dentro de la producción de
Watteau: 1,85 m de alto y 1,50 m de ancho. Puede
haber sido un cartel para una cafetería propiedad de
Belloni, un antiguo actor.
Fue realizado por Watteau en 1721, año de su
muerte.

La columna rota es una obra de la pintora mexicana

Frida Kahlo. Fue hecha en 1944 en óleo sobre tela
montada en aglomerado de 40 x 30.7 centímetros y se
conserva en el Museo Dolores Olmedo Patiño de la
Ciudad de México. La obra es un autorretrato de la autora
semidesnuda mostrada con una columna jónica
fragmentada representando su columna vertebral, y un
corsé ortopédico rodeándole el cuerpo.

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Las dos Fridas es un cuadro al óleo de Frida Kahlo
pintado en 1939. Esta obra constituye un autorretrato doble
de la artista, en la cual se duplica su imagen a manera de
espejo y tomada de la mano, pero con diferente
vestimenta. Ambas figuras se encuentran sentadas sobre
un banco verde tejido y en el fondo se observa un cielo
grisáceo. Es de acuerdo a Seeman (2004) su cuadro más
famoso.

En 1939, Frida había estado viviendo durante más de seis

meses entre Nueva York y París debido a sus exposiciones
individuales y tras haber alcanzado el reconocimiento de
los artistas más destacados de la época en Europa. A su
regreso a México, la tristeza invadió a la artista debido al
rompimiento de su matrimonio con el también pintor Diego
Rivera, formalizando el divorcio el 6 de noviembre de 1939
en vísperas de la segunda guerra mundial y sumado al
aumento de sus dolores físicos, fueron el motivo para
realizar esta obra.

Las señoritas de Avignon, Las señoritas de Aviñón o, más

correctamente, Las señoritas de la calle de Avinyó,1 es un
cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907 al óleo
sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm. Se conserva
en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo africano o
Protocubismo, es la referencia clave para hablar de cubismo,
del cual el artista español es el máximo exponente. Imprime un
nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime
de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de
profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del
cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos
angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las
formas están
marcadas por
líneas claro-
oscuras.

La familia de Carlos IV es un retrato colectivo pintado

en 1800 por Francisco de Goya. Se conserva en el
Museo del Prado de Madrid.
Goya comenzó a trabajar en los bocetos —de los que
el Prado conserva cinco— en la primavera de 1800.
La versión definitiva la pintó entre julio de 1800 y junio
de 1801, enviando la cuenta en diciembre de 1801.
Perteneció a las colecciones privadas del Palacio Real
de Madrid, donde aparece en el inventario de 1814.
Pasó a formar parte del recién fundado Museo del
Prado en 1824, por orden del rey Fernando VII, quien
aparece retratado en el cuadro.

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La fábula de Aracne, popularmente conocido como
Las hilanderas, es un lienzo de Diego Velázquez,
conservado en el Museo Nacional del Prado. Esta obra
es de los máximos exponentes de la pintura barroca
española y está considerada como unos de los grandes
ejemplos de la maestría de Velázquez. Temáticamente
es una de sus obras más enigmáticas, pues aún no se
conoce el verdadero propósito de esta obra.
Según Javier Portús Pérez, conservador y jefe del
Departamento de Pintura Española (hasta 1700) del
Museo del Prado:
.

La persistencia de la memoria, conocido también como Los

relojes blandos1 o Los relojes derretidos2 es un famoso
cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931.
Realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de
estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. La pintura
fue exhibida en la primera exposición individual de Dalí en la
Galerie Pierre Colle de París,3 del 3 al 15 de junio de 1931, y
en enero de 1932 en una exposición en la Julien Levy Gallery
de Nueva York, Surrealism: Paintings, Drawings and
Photographs.3 Se conserva en el MoMA (Museo de Arte
Moderno) de Nueva York, donde llegó en 1934 como donativo
de Helen Lansdowne Resor, magnate de la publicidad que
posteriormente llegaría a ser patrona del museo; el precio pagado fue de 400 dólares.4 En una revisión
posterior del cuadro, Dalí creó La desintegración de la
persistencia de la memoria.

La fragua de Vulcano es una obra de Diego Velázquez

pintada en Roma en 1630, según informa Antonio Palomino,
durante su primer viaje a Italia y junto a La túnica de José,
opinión compartida por la crítica. Ambos cuadros fueron
pintados sin mediación de encargo, por iniciativa del propio
pintor quien los conservó en su poder hasta 1634,
vendiéndolos a la corona en esta fecha, junto con otras obras
de mano ajena, para la decoración del nuevo Palacio del Buen
Retiro.1 Actualmente se encuentra en el Museo del Prado
donde ingresó el 5 de agosto de 1819.

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 La balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse)
es una pintura al óleo realizada por el pintor y litógrafo francés
del romanticismo Théodore Géricault entre 1818 y 1819. La
obra, que el autor culminó antes de haber cumplido la treintena,
se convirtió en un icono del Romanticismo francés. Es una
pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)1 que representa
una escena del naufragio de la fragata de la marina francesa
Méduse, encallada frente a la costa de Mauritania el 2 de julio
de 1816. Al menos 147 personas quedaron a la deriva en una
balsa construida apresuradamente, y todas ellas, salvo 15,
murieron durante los 13 días que se tardó en rescatarlos.

5 obras de artistas del continente americano

Vista de Delft (en neerlandés, Gezicht op Delft) es una
obra del pintor holandés Johannes Vermeer. Está
realizado en óleo sobre lienzo. Se calcula que fue pintado
hacia 1660-1661.1 Mide 96,5 cm de alto y 115,7 cm de
ancho. Se conserva en el Mauritshuis de La Haya, Países
Bajos.
El género de las vistas o paisajes urbanos fue muy
cultivado durante la época barroca; las holandesas
destacaron especialmente, mediante vedute que
buscaban la imagen más típica de una ciudad, un punto de
vista «pintoresco».2 Por lo tanto, cuando Vermeer pintó
este famoso lienzo, ya era tradicional pintar vistas
topográficas de ciudades.[cita requerida] Hendrick
Cornelisz Vroom fue el autor de dos obras semejantes
describiendo la ciudad de Delft, pero son más arcaicas,
puesto que siguen un enfoque tradicional panorámico que puede verse en los dos paisajes urbanos
de Hercules Seghers en el museo de Berlín. Este último artista fue uno de los primeros en usar el
telescopio de Galileo invertido para transcribir los dibujos preliminares y sus proporciones (más del
doble de alto que de ancho) al formato más convencional de sus pinturas.

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 Los embajadores —el cuadro se llama en realidad Jean de Dinteville
y Georges de Selve— es una pintura de Hans Holbein el Joven,
actualmente en la National Gallery de Londres. Es una de las obras
maestras del pintor y de la pintura en general.
Triplemente importante por sus resonancias históricas, por su riqueza
simbólica y por su excelencia plástica, incluye un raro objeto en
primer plano que fue algo misterioso durante mucho tiempo.
Fue en el siglo XX cuando un historiador del arte, Jurgis Baltrusaitis,
descubrió que esta forma que ocupa el primer plano de la pintura es
lo que se llama frecuentemente hueso de sepia, siendo de hecho una
anamorfosis de un cráneo humano: esta pintura es una vanidad.

Nighthawks (1942) (literalmente Halcones de la

noche, aunque se le ha dado el nombre de
Noctámbulos en español) es un cuadro del pintor
estadounidense Edward Hopper en el cual se ve a
cuatro personas sentadas en un diner urbano por la
noche. No sólo es el cuadro más famoso hecho por
Hopper, sino también uno de los más reconocibles del
arte estadounidense. Actualmente se encuentra en la
colección del Instituto de Arte de Chicago."Nighthawk"
puede referirse al término "night owl" (búho de la
noche), usado para describir a alguien que trasnocha.
La escena se inspiró en un diner (ya derribado) en el
Greenwich Village, el barrio natal de Hopper en Manhattan. Hopper empezó a pintarlo justo después del ataque
en Pearl Harbor, cuando se sentía gran desánimo y preocupación en todo el país, lo cual se refleja en el cuadro.

Autorretrato: No es este el único autorretrato que Tiziano realizara,

pero sí el más famoso. Giorgio Vasari consignó otro (hoy perdido),
realizado en 1550. Así mismo consta documentalmente un autorretrato
en el que el artista estaba representado sujetando un retrato de Felipe
II. Por desgracia este cuadro desapareció en el incendio del Palacio del
Pardo. En la actualidad sólo se conservan dos: uno en Berlín y el del
Prado que nos ocupa.
Uno de los aspectos que más llama la atención de este autorretrato es
la opción de representarse de perfil, lo que hacía necesario para su
realización la utilización de varios espejos. A buen seguro que la pose
elegida fue deliberada, probablemente en aras de asociar la figura a
tipología de la numismática romana clásica. Es como si el artista,
consciente de encontrarse en sus últimos años de vida, quisiera haber
dejado una imagen suya para la posteridad. El pintor se representa con
un pincel en la mano, y con una doble cadena de oro, que lo acredita
como caballero de la Orden de la Espuela de Oro. El traje elegido, de
color negro, establece un interesante contraste cromático con el blanco
del cuello.

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 Lamentación sobre Cristo muerto es una de las más
célebres obras de Andrea Mantegna. Es una témpera
sobre tela de 68 centímetros de alto por 81 de ancho,
conservado en la Pinacoteca de Brera de Milán, cuya
fecha de realización no se ha establecido con certeza,
proponiéndose fechas que oscilan entre 1457 y 1501,
aunque lo más probable es que sea de la etapa de
madurez del artista, en torno a los años 1480 y 1490.1
2
La escena muestra a Cristo muerto, tendido sobre una
losa de mármol de forma casi perpendicular al
espectador, en uno de los escorzos más violentos de
la historia de la pintura. En un fuerte contraste de luces
y sombras, la escena transmite un profundo
sufrimiento y desolación. La tragedia se potencia
dramatizando la figura de Cristo por su violenta
perspectiva y la distorsión de sus detalles anatómicos,
en especial el tórax. Los estigmas de las manos y los pies están representados sin idealismo ni retórica. La
sábana que cubre parcialmente el cadáver, pintada en los mismos tonos que el cuerpo, contribuye al efecto
sobrecogedor del conjunto que concluye en los rasgos de la cabeza, inclinada e inmóvil.

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