Вы находитесь на странице: 1из 17

 

©2016 Revolution Harmony 


HACK MUSIC THEORY 
foퟆ� songwritinퟃ� an埝� producinퟃ� 
 
 
 
 
How to Make Great Songs 
in Any Genre 
 
 
 

RAY HARMONY 
 
 
this PDF will make way more sense if you first READ our FREE EBOOK. 
click below for your free download. it’ll only take 30 mins to read! 
12 MUSIC THEORY HACKS TO LEARN SCALES & CHORDS 
 
 
 
 

 
©2016 REVOLUTION HARMONY 
VIBES 
seven feelings, one formula 

Scales  are  modes,  and  modes  are  scales.  Same  thing,  diCerent name. A scale/mode is 
a  family  of  notes  that  sound  good  together.  Most  western  music  over  the  last 
thousand  years  has  been  made  using  the  same  set  of  seven  notes,  which  occur  from 
the Pythagorean-based formula of semitones: 2 2 1 2 2 2 1 
 
Start  on  any  note,  then  follow  this  formula  and  you’ll  have  the  mother  of  all  scales, 
Ionian,  the  one  that  nature  gave  us  from  whole-number  ratios  in  sound.  Remember, 
when counting semitones, don’t include the note you’re on. 
 
Then,  to  get  a  diCerent  vibe,  start  somewhere  else  within the above formula, like from 
the  Crst  1  semitone:  1  2  2  2  1  2  2.  If  you  use  this  mode  to  compose  your  chord 
progression and melody, they will convey a dark mood. 
 
Where  you  begin  determines  the  musical home and creates the emotion, so be sure to 
select  the  correct  mode  for  what  you’re  wanting  to  express,  and  then  be  sure  to 
emphasize  its  root  note  and  triad  in  order  to orientate the ear. And yes, if you like, you 
can use a diCerent mode in each section of your song. 
 
Mode  Vibe  Formula  Example 
(in semitones) 
Ionian  Happy  2 2 1 2 2 2 1  C D E F G A B 
AKA “the major scale” 
Dorian  Sad but hopeful  2 1 2 2 2 1 2  D E F G A B C 
 
Phrygian  Dark  1 2 2 2 1 2 2  E F G A B C D 
 
Lydian  Quirkily uplifting  2 2 2 1 2 2 1  F G A B C D E 
 
Mixolydian  Happy but serious  2 2 1 2 2 1 2  G A B C D E F 
 
Aeolian  Sad  2 1 2 2 1 2 2  A B C D E F G 
AKA “the minor scale” 
Locrian  Evil  1 2 2 1 2 2 2  B C D E F G A 
 
 
POWER HACK (BONUS): 
It's  way  easier  and  quicker  to  compose  in  the  “white  note” modes above, and besides, 
then  you  don't  even  need  to  remember  any  formulas  at  all.  So,  pick  your  mode based 
on  the  vibe  you  wanna  create,  then  once  you're  done  making  your  chord  progression 
and  melodies  on  the  white  notes,  just  select  all  the  MIDI  and  drag  it  up  or  down  to 
where ever you want/need it to be.  
HackMusicTheory.com 
 
MODES 
notes & chords that are diCerent between modes 
 

The  modes  are  categorized  into  major  (happy)  or  minor  (sad)  by  their  3rd  note.  If  a 
mode's  3rd  note  is  four  semitones  above  its  root  (interval  of  a  major  3rd),  then  that 
mode  is  a  major  mode.  If  a  mode's  3rd  note  is  three  semitones  above its root (interval 
of  a  minor  3rd),  then  that  mode  is  a  minor  mode.  There  are  three  major  modes,  and 
four minor modes. 
 
MAJORS: 
− Ionian (AKA “the major scale”, this is the parent major mode that our ears are used to hearing) 
− Lydian (this mode is “the major scale” with a ♯4 instead of a 4) 
− Mixolydian (this mode is “the major scale” with a ♭7 instead of a 7) 
 
MINORS: 
− Aeolian (AKA “the minor scale”, this is the parent minor mode that our ears are used to hearing) 
− Dorian (this mode is “the minor scale” with a 6 instead of a ♭6) 
− Phrygian (this mode is “the minor scale” with a ♭2 instead of a 2) 
− Locrian (this mode is “the minor scale” with a ♭2 instead of a 2, and a ♭5 instead of a 5) 
 
 
Mode  Spelling  Example from C  Emphasize 
Ionian  1 2 3 4 5 6 7  C D E F G A B  - 
(major mode) 
Dorian  1 2 ♭3 4 5 6 ♭7  C D E♭ F G A B♭  F maj 
(minor mode)  (ears are used to a Fm) 
Phrygian  1 ♭2 ♭3 4 5 ♭6 ♭7  C D♭ E♭ F G A♭ B♭  B♭m 
(minor mode)  (ears are used to a B♭maj) 
Lydian  1 2 3 ♯4 5 6 7  C D E F♯ G A B  Dmaj 
(major mode)  (ears are used to a Dm) 
Mixolydian  1 2 3 4 5 6 ♭7  C D E F G A B♭  Gm 
(major mode)  (ears are used to a Gmaj) 
Aeolian  1 2 ♭3 4 5 ♭6 ♭7  C D E♭ F G A♭ B♭  - 
(minor mode) 
Locrian  1 ♭2 ♭3 4 ♭5 ♭6 ♭7  C D♭ E♭ F G♭ A♭ B♭  E♭m 
(minor mode)  (ears are used to a E♭maj) 
 

HackMusicTheory.com 
MORE VIBES 
what makes each mode sound and feel unique 
 
It  is essential to emphasize the root triad in order to orientate your listeners' ears to the 
musical  home  that  you  have  chosen.  There  are  a  few  ways  of  doing  this,  like  starting 
your  chord  progression  on  the  root  triad, or spending more time on the root triad than 
the  other  chords.  This  will  establish  the  root  note  and  the  major/minor  quality  of  the 
mode, however, it will not highlight the unique character of your chosen mode. 
 
After  hundreds  of  years  of  music  mostly  being  composed  in  Ionian  (AKA  “the  major 
scale”)  and  Aeolian  (AKA  “the  minor  scale”),  our  western  ears  are  so  accustomed  to 
these  two  scales,  that  it's  actually  really  di韁�cult  to  draw  the ear away from them. This 
is  why  it's  also  essential  to  emphasize  the  main  chord  that  makes  that  mode  di韁�erent 
to  its  “parent”  mode  (i.e.  Ionian  for  major  modes,  and  Aeolian  for  minor  modes).  You 
can  韟�nd  the  main  chord  that  highlights a mode's vibe, by building a chord around that 
mode's  unique  note  (i.e.  6  in  Dorian),  where  that  note  becomes  the  3rd  in  the  chord 
(i.e.  IV  in  Dorian).  This  unique  note  changes  that  chord  to  the  opposite  quality 
(major/minor) of what we're used to hearing, and therefore catches our ears. 
 
For  example,  a  chord  progression  in  Dorian  can  accidentally  sound  like  Aeolian 
instead.  How do you prevent this? You play the main chord that is not found in Aeolian, 
the  IV  major.  In  Aeolian,  the  IV  chord  is  always  a  minor,  so  by  playing  this  as  a  major 
chord,  you  are  韟�rmly  establishing  the  Dorian  atmosphere  through  highlighting  its 
di韁�erence  from  Aeolian.  Do  you  need  to  apply  this  method  to  Ionian  and  Aeolian? 
Nope, as our ears automatically default to these two modes already. 
 
 
Mode  Vibe  Spelling  Emphasize 
(unique notes underlined) 
Ionian  Happy  1 2 3 4 5 6 7  - 
(major mode) 
Dorian  Sad but hopeful  1 2 ♭3 4 5 6 ♭7  IV maj 
(minor mode)  (ears are used to a IV m) 
Phrygian  Dark  1 ♭2 ♭3 4 5 ♭6 ♭7  ♭VII m 
(minor mode)  (ears are used to a ♭VII maj) 
Lydian  Quirkily uplifting  1 2 3 ♯4 5 6 7  II maj 
(major mode)  (ears are used to a II m) 
Mixolydian  Happy but serious  1 2 3 4 5 6 ♭7  V m 
(major mode)  (ears are used to a V maj) 
Aeolian  Sad  1 2 ♭3 4 5 ♭6 ♭7  - 
(minor mode) 
Locrian  Evil  1 ♭2 ♭3 4 ♭5 ♭6 ♭7  ♭III m 
(minor mode)  (ears are used to a ♭III maj) 
 

HackMusicTheory.com 
INTERVALS 
understanding all musical relationships & their emotions 

An  interval  is  the  distance  between  two  notes,  measured  in  semitones,  which  has  a  unique 
emotion  resulting  from  how  the  vibrations  of  those  two  notes  interact.  Intervals  are  therefore 
musical  relationships,  which  makes  intervals  the  most  important  thing  to  master  in  music. 
When  you're  composing  a  melody  (horizontal  music),  you're  working  with  melodic  intervals 
occurring  as  one  note  moves  to  the  next  note.  When  you're  composing  harmony/chords 
(vertical  music),  you're  working  with  harmonic  intervals  occurring  from  all  the  notes  vibrating 
together at the same time. 
 
We  only  have  12  notes  total,  and  if  you  understand  each  note's  purpose  and  hope  for  its  life, 
you  can  use  those  to  manipulate  the  emotions  of  your  listeners. For example, 7 is one of those 
notes  who  really  isn't  satis⁈ed  with  his  life,  and desperately wants to keep up with The Joneses 
(i.e.  the  1  or  8,  AKA  the  root).  So,  every  time  you call on the 7, it's gonna try its best to pull you 
up  to  the  8.  Please  be  aware  that  harmonic  intervals  like  this,  are  heard in relation to whatever 
chord  is  playing  at  the  time.  In  other  words,  a  B  over  a  Cmaj  chord  is  a  7  and  will  desperately 
want  to  go  up  to  the  root  C  (as  mentioned  above),  however,  a  B  over  a Bm is not a 7 anymore, 
it's the root, and will therefore sound totally solid, and won't want to go anywhere. 
 
Harmonic  notes  are  notes  in  the  chord,  and  non-harmonic  notes  are  notes  not  in  the  chord. A 
great  melody  has  a  balance  of  both!  In  the  examples  above,  the  B  is  solid  over  the  Bm  as  it's 
already  in  the chord (harmonic note), but the B over the Cmaj is not in the chord (non-harmonic 
note),  so  it  really  really  wants  to  move  to  the  nearest  harmonic  note,  the  C.  This  is  the musical 
gravity  you  can  control  and  play  around  with  when  you  understand  musical  relationships  (i.e. 
intervals).  You  can  choose  to  build  anticipation  but  then  thrill  your  listeners  by  going 
somewhere  unexpected,  whereas  people  making  music  by  ear  will  tend  to  be  guided  by  this 
musical gravity, resulting in predictable music. What emotion does each interval make you feel? 
Semitones  Name  Spelling  Example from C  Emotion ? 

zero  Perfect Unison  1  C   

one  Minor 2nd  ♭2  D♭   

two  Major 2nd  2  D   

three  Minor 3rd  ♭3  E♭  sad 

four  Major 3rd  3  E  happy 

⁈ve  Perfect 4th  4  F   

six  Augmented 4th / Diminished 5th  ♯4 / ♭5  F♯ / G♭   

seven  Perfect 5th  5  G   

eight  Minor 6th  ♭6  A♭   

nine  Major 6th  6  A   

ten  Minor 7th  ♭7  B♭   

eleven  Major 7th  7  B   

twelve  Perfect 8th / Octave  8  C   


 

HackMusicTheory.com 
CHORDS 
composing a chord progression in 4 steps 

 
1. work out the scale (using its semitone formula), and the spelling: 
1  2  ♭3  4  5  ♭6  ♭7  8 
D  E  F  G  A  B♭  C  D 
 
 
2. write out all the triads in that key, using chord symbols: 
I  II  ♭III  IV  V  ♭VI  ♭VII  - 
Dm  Edim  Fmaj  Gm  Am  B♭maj  Cmaj  - 
 
 
3. decide what you want to say through your musical story (i.e. chord progression), then 
choose the appropriate chords (major=happy, minor=sad, diminished=WTF?!): 
Chord progression (example)  Notes in each chord 
I - Dm  D F A 
V - Am  A C E 
IV - Gm  G B♭ D 
♭VI - B♭maj  B♭ D F 
♭III - Fmaj  F A C 
 
 
4. re-arrange everything around the common notes (using inversions), and where there's no 
common notes between chords, make one (using a sus chord): 
Chord progression (example)  Re-arranged notes in each chord 
I - Dm/A  A D F (common notes are A & F, from last chord: Fmaj/A)* 
V - Am  A C E (common note is A, at bottom) 
IV – Gsus4 (added in, as Am & Gm have no common note)  G C D (common note is C, in middle) 
IV - Gm  G B♭ D (common notes are G & D, at bottom & on top) 

♭VI - B♭maj/F  F B♭ D (common notes are B♭ & D, in middle & on top) 

♭VI - B♭maj  B♭ D F (same chord, di鷊erent position = no chord change) 


♭III - Fmaj/A  A C F (common note is F, on top) 
 
 
*Always check your last chord back to your 掿rst chord within each chord progression (for looping), and make sure 
there is at least one common note, and that it's in the same place (bottom, middle, or top) within those chords  
HackMusicTheory.com 
BASS 
compose a bass/synth line in 2 steps 

 
1. Work out the scale (using the semitone formula) and its spelling: 
1  2  ♭3  4  5  ♭6  ♭7  8 
D  E  F  G  A  B♭  C  D 
 
 
2. Play  around  with  these  notes,  perhaps  beginning  on  the  root  to  help  establish  your key, 
just  for  now.  Be  sure  to  inject  life  and  energy  into  your bass lines by using di韁�erent note 
lengths  (note  values)  on  the  MIDI  grid,  and  placing  some  of  your  notes  on  o韁�-beats 
(syncopation).  Also,  when  you're  playing  around  and  experimenting  with  the  notes  in 
your  scale,  always  be  on  the  look  out  for  a  short  musical  idea  (motif)  emerging,  which 
you  can  repeat  to  give  your  bass  line  structure  and  familiarity.  However,  don't  overuse 
these  -  usually  two repetitions in a row of a motif is great, but three in a row can often be 
too  much  of  a  good  thing.  Lastly,  use  rests/silence  to  frame  sections  of  your  bass  line 
(phrasing),  which  will  break  it  up  into  memorable  chunks  and  give  the  bass  time  to 
“breathe”. 
 
3. BONUS:  for  maximum  melodic  strength,  avoid  moving  in  perfect  4ths  (i.e.  5  semitones, 
e.g.  E  to  A)  and  perfect  5ths  (i.e.  7  semitones,  e.g.  G to D), as those sound waves vibrate 
too  similarly  and  are  therefore  rather  weak/boring.  If  you  jam  out  a  bass  line  that  you 
really  dig,  but  then  discover  afterward that there's a perfect 5th between a couple notes, 
don't  worry,  this  is  an  awesome  opportunity  to  create  something  even  more  special. 
Break  up  this  perfect  interval  by  adding  an  extra  note  in  between  these  two  notes.  This 
will  actually  make  your  bass  line  even  more  unique  and  unpredictable,  as  you  would 
never  have  thought  to  put  a  note in there if it weren't for that moment of weakness from 
the  perfect  5th.  Finally,  always  check  your  last  note  back  to  your  韟�rst  note  within  each 
bass  line  (for  looping),  and  if  you  韟�nd  that  it's  a perfect 4th/5th, be sure to add in a note 
to break up that perfect interval too.  

HackMusicTheory.com 
 
 
BASS FOR CHORDS 
compose a bass line for a chord progression in 2 steps 

1. Write out the scale you used for your chord progression (see Chords PDF) 
1  2  ♭3  4  5  ♭6  ♭7  8 
D  E  F  G  A  B♭  C  D 
 
2. Write  out  your  chord  progression,  then  begin  playing  around  in  the  low  end, 
remembering  to  center  your  bass  line  around  the  root  note  in  each  chord.  For  an 
awesome  bass  line,  balance  the  stability  created  from  these  root  notes,  with  the 
instability  created  from  the  other six notes in the scale. Too much stability will make your 
bass  line  boring,  but  too  much  instability  will  make  your  musical foundation too weak to 
hold  all  the  chords  and  melodies  above  it.  Lastly,  when  composing  any  melody,  always 
use  the  MELODY  CHECKLIST  (in  Vocals  PDF)  for  an  ultimate  list  of  hacks  to  compose  a 
great melody! 
 
EXAMPLE: Bass line for chord progression example in Chords PDF 

 
Chord progression  Bass melody, with spelling 
example  spelling is heard & written in relation to each chord's root note 
(highlighted in the green MIDI chords above) 

I - Dm/A  D (1) → D (1) → C (♭7) 


V - Am  A (1) → A (1) 
IV - Gsus4 to Gm  G (1) → G (1) → G (1) → F (♭7) → D (5) 
♭VI - B♭maj/F to B♭maj  B♭ (1) → B♭ (1) → D (3) 
only goes to B♭maj Crst time, second time stays on B♭maj/F 

♭III – Fmaj/A  F (1) 


second time plays Fmaj (root position) leading into chorus 
 

HackMusicTheory.com 
MORE BASS 
compose a funky bass/synth line in 4 steps 

 
1. work out a natural minor scale (AKA “the minor scale” or Aeolian mode) and its spelling: 
1  2  ♭3  4  5  ♭6  ♭7  8 
F♯  G♯  A  B  C♯  D  E  F♯ 
 
 
2. now turn this into a pentatonic minor scale by deleting the 2 and ♭6 notes: 
1  -  ♭3  4  5  -  ♭7  8 
F♯  -  A  B  C♯  -  E  F♯ 
 
 
3. Cnally, turn this into a blues scale (i.e. the funky scale) by adding a ♭5 note: 
1  -  ♭3  4  ♭5  5  -  ♭7  8 
F♯  -  A  B  C  C♯  -  E  F♯ 
 
 
4. start  jamming  and  have  fun  with  those  oC-beats  (syncopation),  and,  be  sure  to  include 
the  funky  trio  of  ♭7  to  8  with  some  ♭3  to  avour.  For  an  even  funkier  bass  line,  play 
around  with  octave  jumps,  and  for  ultra  mega  funkiness,  try  throw  in  the  ♭5  too!  And 
remember,  always  be  motif  hunting  for  that  short  musical  idea  you  can  repeat,  to  give 
your  bass  line  structure  and  a  catchy  familiarity.  Lastly,  phrase  your  bass  line  by  using 
rests/silence to give it space to “breathe”. 
 
 
5. BONUS:  for  maximum  melodic  strength,  avoid  moving  in  perfect  4ths  (i.e.  5  semitones, 
e.g.  E  to  A)  and  perfect  5ths  (i.e.  7  semitones,  e.g.  G to D), as those sound waves vibrate 
too  similarly  and  are  therefore  rather  weak/boring.  If  you  jam  out  a  bass  line  that  you 
really  dig,  but  then  discover  afterward that there's a perfect 5th between a couple notes, 
don't  worry,  this  is  an  awesome  opportunity  to  create  something  even  more  unique. 
Break  up  this  perfect  interval  by  adding  an  extra  note  in  between.  Finally,  always  check 
your  last  note  back  to  your  Crst  note  within  each  bass  line  (for  looping),  and  if  you  Cnd 
that it's a perfect 4th/5th, be sure to add in a note to break up that perfect interval too. 
 
Funky bass line (example): 
 
F♯ → A → C → E 
E → F♯ → E → F♯ → C → B → A → A → F♯ → E → C → E 
E → F♯ → F♯ → F♯ → A → C → E 
E → F♯ → A → F♯ → A → C♯ → A → B → C → B → C → A → F♯ → E → C → E → E  

HackMusicTheory.com 
 
 
GUITAR 
compose a unique guitar/synth part in 4 steps 

1. Write out the scale you used for your chord progression (example below is in F Lydian) 
1  2  3  ♯4  5  6  7  8 
F  G  A  B  C  D  E  F 
 
2. Write out all the triads in that key, using chord symbols 
I  II  III  ♯IV  V  VI  VII  - 
Fmaj  Gmaj  Am  Bdim  Cmaj  Dm  Em  - 
 
3. Decide  what  you  want  to  say  through  your musical story (i.e. chord progression), then choose the 
appropriate chords: major=happy, minor=sad, diminished=WTF?! 
 
4. Guitars  &  higher-pitched  synths  thrive  on  melody  and  harmony,  so  break  down  your  chords  into 
their  individual  notes,  and  then  approach  them  melodically.  Lastly,  always  use  the  MELODY 
CHECKLIST (in the Vocal PDF) for an ultimate list of hacks to compose a great melody! 

 
Chord progression  Guitar/Synth part (highlighted in MIDI), with spelling 
example  spelling is heard & written in relation to each chord's root note (dark notes at bottom of MIDI) 

F maj  F(1) → E(7) → G(2) 


A m  E(5) → C(♭3) → B(2) → G(♭7) → E(5) → C(♭3) → D(4) → C(♭3) 
C maj  D(2) → E(3) → D(2) → B(7) 
G maj  G(1) → A(2) 
F maj  F(1) → E(7) → G(2) 
A m  E(5) → C(♭3) → B(2) → G(♭7) → E(5) → G(♭7) → A(1) → C(♭3) → A(1) → G(♭7) 
C maj  A(6) → B(7) 
G maj  D(5) 
Please note: repeated parts are in black, variations are in grey 
HackMusicTheory.com 
 
 
MODULATION 
change keys successfully using these 3 methods 

Modulating  is  the fancy word for changing key. For example, if your song's verse is in D Aeolian and the chorus is in F 


Ionian,  the  music  is  said  to  modulate  between  these  two  sections.  You  wouldn't  wanna  spend  four  minutes  saying 
exactly  the  same  thing  to  someone,  as  that's  not  very  interesting  for  them  to  listen  to. It's the same with music. You 
can  express  a  great  deal  in  four  minutes,  and  your  listeners  deserve  that,  so  move  through  a  minimum  of  two 
di�erent  keys  in  every  song.  This  will  express  two  sides  to  your  story,  and  keep  them  captivated  throughout  the 
journey.  And,  what's  better  than  two?  Yep.  Ideally,  songs  should  have at least three di�erent sections (verse, chorus, 
bridge), so why not treat your listeners to a di�erent key for each section. They will thank you with their full attention! 
 
I  like  to  think  of  notes  as  people,  so  imagine  your  music  is  a  room  with  seven  people  in it (i.e. the current mode/key 
you're  using).  It  doesn't  take  long  for  your  listener  to  get  to  know  all  seven  notes,  and  then  the  conversation  gets 
stale.  So,  as  the  host,  you  kick  some  old  notes  out  and  replace  them  with  new  ones,  and  everything's  fresh  again! 
Then  after  a  while,  those  new  notes  aren't  new  any  more  either,  so  you  ditch  'em  for  the  old  ones  again,  who  now 
sound  fresh  as  they've  been  away.  The  amount  of  new  notes  you  introduce  when  you  modulate,  determines  how 
close  or  distant  the  new  key  sounds  to  the  old  one.  Lastly,  always try a direct/abrupt modulation �rst, as sometimes 
going  straight  into  a  new  key  can  create  an  incredibly  interesting  change. But, if your ear tells you that sucked, then 
try one of these three hacks: 
 
METHOD  FOR  EXAMPLE  WHY  HOW 
Root Notes  Di�erent  F Lydian → F Ionian  This method is  Change instantly and 
notes, same  especially useful in  e�ortlessly to 
root  electronic music, when  whatever mode you 
you want to maintain a  want, by simply 
particular low frequency  keeping the same 
throughout a whole  root note. 
song. 
Relative Keys  Same notes,  D Aeolian → F Ionian  When you want a  Start your new 
di�erent root  seamless modulation,  section on the root 
emphasize another note  triad of the mode 
within the current mode  you've modulated to. 
as your new root. Be  Sometimes it helps to 
sure to emphasize it  avoid the root chord 
su�ciently though,  of the mode you just 
otherwise the ear will  came from, 
not be pulled away from  otherwise the ear can 
the old mode.  be tempted back to 
it. 

Perfect Cadences  Di�erent  E Dorian → F Ionian  There's something  Use Vmaj of the new 
notes,    uniquely refreshing  key you're going to, 
di�erent root  key w/ two ♯ → key w/ one ♭  about changing notes  followed by the root 
  and roots between  chord of that new 
  sections in a song.  key. If possible, 
chord progression example:  However, this type of  precede the Vmaj 
  modulation is potent  with a chord that's in 
Em (old key's root)  and perhaps not for  both old & new keys, 
→ Amaj (pivot on A, old key)  every song. Approach  AKA a pivot chord. 
→ Am (pivot on A, new key)  with caution, but know  If that's not possible, 
→ Cmaj (new key's Vmaj) 
that your boldness will  try �nd a note that's 
→ Fmaj (new key's root) 
 
be rewarded!  the same in both 
keys, AKA a pivot 
note, and play both 
versions of the chord 
from it 
(see example on left). 
 

HackMusicTheory.com 
 
KEYS 
work out any key signature for any mode in seconds 
 

Key = scale/mode 
Key signature = sharps (♯) or ats (♭) in a key 
 
The  Key  Signature  Killing  Machine™  is  one  of  the  most  powerful  hacks.  It’s  based  on 
the  “circle  of  Cfths”  but  goes way beyond the circle’s limitations. In seconds, the Killing 
Machine  will  give  you  the  key signature (and therefore all the notes) of any scale, while 
also showing you which scales don’t exist. Without further ado, here it is: F C G D A E B 
 

 
 
INSTRUCTIONS: 
1. Start  on  the  respective  “white  note”  key  (the  one  with  no  ♯  or  ♭)  for  your 
scale/mode - these are written below the Killing Machine 
2. If  the  root  of  your  scale/mode  is  a  natural  note  (no  ♯  or  ♭):  Locate  the  root  of 
your  key,  then  count  each  note  until  you  reach  that  root  (going  right  means 
you’ll  have  ♯s  in  your  key,  and  going  left  gives  you  ♭s)  - don’t count the starting 
“white note” key, as it has zero ♯ and ♭ 
3. If  the  root  of  your  key  is  a  ♯  or  ♭  note:  Count  right  for  ♯  and  left  for  ♭  until  you 
reach  the end on either side, then loop around and continue, but now each note 
has  an  invisible  ♯  (if  you  were  going  right)  or  ♭  (if  you  were  going  left)  -  stop 
counting once you reach the root of your key 
4. When  you arrive at the root of your key, the amount you counted away from the 
“white  note” key is the number of ♯s or ♭s in your scale/mode - remember, if you 
went right you’ll have ♯s and left you’ll have ♭s 
5. Lastly,  what  are  the  actual  ♯s  or  ♭s  in  your  scale/mode?  For  keys  with  ♯s,  your 
Crst  ♯  is  always  F,  then  go  right  and  add  as  many  as you need. For keys with ♭s, 
your  Crst  ♭  is  always  B,  then  go  left  and  add  as  many  as  you  need  - 
scales/modes  have  7  notes,  so  if  you  count  more  than  7  ♯s  or  ♭s,  that key does 
not  exist  and  you  need  to  use  the  enharmonic  of  its root instead (e.g. G♯ Ionian 
would  have  8  ♯s,  which  means  it  does  not  exist,  the  Ionian  from  that  root  note 
needs to be called A♭ Ionian instead) 

HackMusicTheory.com 
VOCALS 
the ultimate checklist for composing a great melody 

1. Write out the scale you used for your chord progression (see Chords PDF) 
1  2  ♭3  4  5  ♭6  ♭7  8 
D  E  F  G  A  B♭  C  D 
 
2. Write out your chord progression AKA harmonic story, then begin telling your melodic story over it. 
MELODY CHECKLIST - use all these hacks to compose a great melody! (see example below) 
Hack & Denition  Why & How 
harmonic notes (in chord, wanna stay put)  Why: Tension and resolution gives your melody momentum 
non-harmonic notes (not in chord, wanna move)  How: Use a combination of harmonic and non-harmonic notes 
avoid moving in perfect 4ths (ve semitones) and  Why: These intervals vibrate too similarly, so sound weak/boring 
perfect 5ths (seven semitones)  How: Avoid 'em, but if you get one, break it up with another note 
motifs (short musical ideas, melodic or rhythmic)  Why: Repeating them gives your melody structure and familiarity 
How: Look out for anything catchy emerging as you experiment 
large intervals (6ths & 7ths)  Why: Large intervals grab attention and create interest 
How: Use small intervals for ow, and large intervals for drama 
note values (length/duration of each note)  Why: Di훞�erent length notes give your melody life and energy 
How: Play around with di훞�erent note durations on the MIDI grid 
syncopation (accenting an o훞�-beat)  Why: A few unpredictable o훞�-beat notes create excitement 
How: Use on-beat notes for impact, and o훞�-beat notes to thrill 
phrasing (framing a segment with rests/silence)  Why: Breaking up melodies into chunks makes them catchier 
How: Sing your melody and use rests where you want to breathe 

Chord progression  Vocal melody (highlighted in MIDI above), with spelling 


(example)  spelling is heard & written in relation to each chord's root note (highlighted in MIDI chords above) 

I - Dm/A  D (1) → B♭ (♭6) → A (5) → C (♭7) holds over to next chord... 


V - Am  …becoming a C (♭3) → A (1) → G (♭7) → B♭ (♭2) 

IV - Gsus4 to Gm  A (2) → B♭ (♭3) 


♭VI - B♭maj/F to B♭maj  C (2) → A (7) → F (5) briey holds over to next chord... 
♭III - Fmaj/A  …becoming a F (1) 
 

HackMusicTheory.com 
 
COUNTERPOINT 
creating depth by adding musical layers of countering melodies  
WTF  is Counterpoint? Let's just say it's one of the best ways to make your music stand out from 
the  crowd,  as there's probably less than 0.01% of all popular music that has any counterpoint in 
it. Counterpoint is the method of adding musical layers by composing melodies with countering 
contours.  A  song  could  have  ten  diCerent  synths  in  it,  but  if  they're  all playing the same thing, 
it'll  sound  thin  with  only  one  musical  layer.  On  the  other  hand,  a  song  could  have  a  mere  two 
synths,  but  if  they're  playing  totally  diCerent  melodies  at  the  same  time,  that  creates  two 
musical  layers  and  therefore  true  musical  depth.  Yes,  two  synths using counterpoint will sound 
bigger  than  ten  synths  not  using  counterpoint.  This  is  because  counterpoint  stimulates  the 
brain  to  listen  both  melodically  (horizontally)  and  harmonically  (vertically).  The  hacks  below 
exist to ensure your multitracks are actually perceived as musical layers. 
 
THREE COUNTERPOINT HACKS 
1. if  the  lead  melody  moves  up,  the  backing  melody  moves  down  (contrary  motion)  -  the 
holy grail! 
2. if the lead melody moves up, the backing melody stays the same 
3. if  both  melodies  move  in  same  direction,  one  moves  by  small  interval,  the  other  by big 
interval 
 
Using  the  above  methods  will  always  ensure  your  melodies  are  heard  as  independent  layers, 
and  not  just  copies  of  each  other.  These  compositional  techniques  can  be  used  for  all  your 
layers,  from  backing  vocals  to  bass,  from  synths  to  guitars.  Anything  and  everything  beneCts 
from counterpoint composition. 
Chorus example 

 
Root notes  Lead vocal melody, with spelling  Vocal counterpoint (highlighted in MIDI above), 
of chord progression  spelling is heard & written in relation to  with spelling 
(dark long notes in MIDI  each chord's root note  spelling is heard & written in relation to each chord's 
above)  root note 

F for Fmaj  G (2) → A (3) → C (5) → E (7)  _* → F (1) harmonizes A(3) → A (3) harmonizes 
C(5) → 
C (5) harmonizes E(7) 
A for Am  F (♭6) → A (1)  A (1) harmonizes F(♭6) → F (♭6) harmonizes A(1) 

D for Dm  -  - 
*The Crst note of the lead vocal melody (G) is not harmonized, as I wanted to create a “springboard” note from 
which we can jump into the counterpoint, which also starts on a strong rhythmic beat for extra impact. 
 
BONUS HACK: It's not always possible, but try to harmonize in 3rds (e.g. A & C), as this is the magic interval we use 
to build chords. 

HackMusicTheory.com 
 
 
LYRIC HACKING 
creating timeless lines & catchy hooks with depth 

Great  lyrics  are  timeless.  They  convey  thoughts  that  are  deeply  human,  providing  a  mirror  for  each  listener  to  re韟�ect  on  their 
own  life.  On  the  opposite  extreme,  rubbish  lyrics  are  disposable.  They  rely  on  tired cliches and shallow hooks, often conveying 
absolutely  no  message/meaning  whatsoever.  Are  lyrics  really  that  important?  In  a  word:  Yes!  In  two  words:  Hells yes! We're all 
hardwired  to  connect  with  the  human  voice,  and  that  fact  makes  vocals  the  most  important  instrument.  On  top  of  this, when 
the  human  voice  and  language  are  fused,  this  uni韟�cation  of  melody  and  words  is  by  far  the  most  powerful  part  of  all  music. 
Nothing else comes even close to this ultimate musical combo! 
 
CHORUS 
This  is  the  take-home  message  for  your  song.  Short  and  punchy!  What's  the  one  thing  you  want  listeners  to  remember  from 
your  song?  Write  your  chorus  lyrics  around  that  one  theme.  Also,  a  lyrical  motif  (hook)  is  vital  in  creating  coherency  as  your 
song's  story  unfolds.  This  hook  will  be  your  song  title,  too.  In  Create/Generate,  we  wanted  to  open  a  discussion  about  the 
bene韟�ts  of  humans  and  machines  working  harmoniously  together  to  make  art.  The  hook/title  came  from  the  contrasting 
approach of humans creating with feelings, and machines generating with algorithms. Starting the chorus with “We” establishes 
a  strong  and  positive  united  front.  “Arti韟�cial  art” makes use of alliteration, and the “art” in “arti韟�cial” is also emphasized vocally 
with  it  being  sung  twice,  in  a  stutter-style,  韟�rst  by  Kate  and  then  by  Ray  who  韟�nishes  the  word.  The  韟�nal  line  looks  to  an 
optimistic future and concludes with “collaborate”, which also rhymes with the song title in the 韟�rst line. 
 
We create/generate . Heartfelt algorithm . Arti韟�cial art . Evolve, collaborate 
 
VERSES 
These  are  the  sections  of  your  song  in  which  you  can  freely  develop  your  narrative.  Verses  don't  need  hooks,  and  they  don't 
need  to  be  nearly  as  concise  as  choruses.  It's  common  to  have  two  or  three  di韁�erent  verses in a song, forming the bulk of the 
lyrics, and therefore the place in which the story progresses. 
 
OTHER 
A  pre-chorus  (AKA  pre/build)  raises  anticipation  to  the  conclusion  that  is  the  chorus.  A  bridge/breakdown takes a time-out to 
allow  for  a  fresh  perspective.  An  intro  gives  a  little  teaser  preview,  while  an  outro  wraps  up  with  a  韟�nal  thought.  These  extra 
sections provide opportunities for covering your story from di韁�erent perspectives, keeping listeners captivated throughout your 
entire song. 
 
LYRIC HACKS 
• Start  here  #1:  a  favourite  interview  question  is  always:  “What's  this  song  about?”,  so  start  writing  your  lyrics  by 
answering this question. Then zoom into the underlying theme, and write, write, write, and write some more! 
• Start here #2: got nothin' to say? No probs. Write down a bunch of random words that your song makes you feel. 
• Editing:  the  most  vital  stage  of  lyric  writing,  is  editing.  Once  you've  done  #1  or  #2  above  and have a bunch of pages 
韟�lled  with  scribbles,  go  through  them  and  circle  anything  that  stands  out.  Now,  play  around  with  combining  those 
words into tighter ideas and lines, and get rid of any words that aren't really necessary within those lines. 
• Sentences:  avoid  writing  sentences.  While  lyrics  should  make  sense,  words  like  “and”  can  easily  be  replaced  with  a 
comma, resulting in a much tighter vocal part. It's also fun to stitch ideas together into a lyrical collage. 
• Questions: a rhetorical question can engage listeners, subconsciously demanding their attention. 
• Visuals: a picture is worth a thousand words, so always try to write visually, by planting images in listeners minds. 
• Double  meanings:  using  words/phrases  that  can  be  interpreted  in di韁�erent ways, allows for depth and space in which 
listeners can 韟�nd their own relevant meanings. 
• I's  &  You's:  use these pronouns sparingly, and only when you really need to. “I” can close o韁� your lyrics to listeners and 
inhibit their own interpretations, and “you” can come across as forceful and preachy. 
• Cliches:  they  exist  cos  they're  usually  true,  but  no  song  bene韟�ts  from  them.  If  you  韟�nd  yourself  drawn  to  one, 
experiment  with  a  di韁�erent way of saying the same thing. For example, “every cloud has a silver lining” could rather be 
“silver surrounds our grey”. Same meaning, but a fresh angle that's much more interesting. 
• Rhyming: de韟�nitely not necessary in lyrics, and can often sound cheesy and child-like. If in doubt, don't rhyme! 
• Alliteration:  using  the  same  letter/sound  at  the  beginning  of  adjacent  words  can be used as a more subtle alternative 
to rhyming. 
• Dictionary: looking up a word's exact de韟�nition, especially its etymology (origin/development), can spark creative ideas 
and give you a di韁�erent angle to explore. 
• Thesaurus:  amazingly insightful and helpful tool, but use it mindfully, otherwise you could easily end up with lyrics that 
nobody (including yourself) can understand. 
• Synesthesia:  pretend  you  have  this  condition  that  muddles  up  the  senses,  and  you'll  tap  into  some  truly  unique 
expressions. For example, “minutes in mauve”, or “elude the taste of silence”. Meaningful, di韁�erent, and super fun! 

HackMusicTheory.com 
Create/Generate 
 
 
 
Verse 1 
Technology developing 
Identity, intelligence 
Authentic purpose 
The transcendence 
 
 
Pre 
What is progress? 
What is art? 
If not a future we design 
Sign of our time 
Man made machine 
Hybrid mind elevates 
 
 
Chorus 
We create/generate 
Heartfelt algorithm 
ArtiCcial art 
Evolve, collaborate 
 
 
Verse 2 
Systematic discovery 
Through circuitry 
Transformation by 
Hands behind the code 
The transmission 

Lyrics © 2016 Ray Harmony & Kate Harmony 

Вам также может понравиться