El origen de los géneros musicales más populares de la actualidad y su

evolución hasta los tiempos modernos.

La música clásica contemporánea es la que se ha creado y ha sido popular a partir de la retirada

del modernismo musical a mediados de los años setenta.1 La música popular comprende un
conjunto de géneros musicales que resultan atractivos para el gran público y que generalmente son
distribuidos a grandes audiencias a través de la industria de la música. 2

Entiéndase la música contemporánea como los géneros musicales que son más relevantes en la
actualidad; para que un género sea relevante, tiene que poseer popularidad, puesto que, de otro
modo, la falta de popularidad de los géneros musicales privaría a los mismos de tener la capacidad
de influir al no tener ubicación en la vida cotidiana de las personas. Aclarado este punto, se es
hábil a proceder a mencionar aquellos géneros musicales que vienen siendo los más populares en
estos momentos y, por consiguiente, los más relevantes, así como el porqué de su relevancia.

Dentro de los parámetros de la música contemporánea popular, un género para considerarse

popular debe cumplir varios requisitos:

 Deben existir artistas vigentes que sigan produciendo canciones del mismo género
 Debe poseer una industria alrededor del género, que promueva su producción y el aumento
de canciones del género
 Debe ser ciertamente escuchado, sin importar el artista, las canciones del género tienen
que tener la competencia para competir con otros géneros por ser los más escuchados

Dichos, son los principales requisitos para que un género musical sea considerado propiamente
“popular”

Los géneros musicales que actualmente más relevancia tienen en la actualidad son:

 Reggaetón
 Rock
 Pop
 Electrónica

1
https://es.wikipedia.org/wiki/Música_clásica_contemporánea
2
https://es.wikipedia.org/wiki/Música_popular
  Clásica3

Estos géneros son actualmente los más populares, cada uno de ellos tiene su origen, su estilo y su
influencia en el mundo moderno; esta misma es tanta que es capaz de generar subculturas devotas
a estos géneros, con sus tradiciones, vestimentas, opiniones y creencias, como muestra de la
influencia que la diversidad géneros musicales tiene en el ser humano.

La música clásica; el primero de ellos y el más antiguo; no puede presumir de ser el más escuchado
actualmente, pero goza de ser considerada como un género de culto, de pensadores y sinónimo de
intelectualidad. La música clásica nace como una forma de ruptura contra las reglas estrictas de la
música barroca que se caracterizaban por su estructura horizontal donde varias melodías se
sobreponían a la vez4.
Dispone de diversas formas de expresión según la velocidad y volumen de la música. Son
famosos los adagios, el staccato, el legato, el allegre, allegre ma non troppo, etc.
Generalmente, sus composiciones se consideran sinfonías, que antaño tenían tres partes, pero que
en tiempos del clasicismo se ampliaron a cuatro. Cada parte se considera un movimiento, que va
variando de velocidad según la interpretación e intención del compositor.
Los conciertos suelen necesitar de una gran orquesta para interpretar toda la creación. Por lo
general, suelen asociarse en grupos, principalmente de cuerda y viento, aunque también puede
incorporarse a un solista, que tendrá un lugar destacado en la obra. 5

La música clásica es la corriente musical que casa principalmente la música producida o basada
en las tradiciones de la música litúrgica y secular de Occidente, principalmente Europa Occidental.
Abarca un periodo de tiempo que va aproximadamente del siglo XI a la actualidad, aunque esta
definición no es aplicable a la música realizada en nuestro siglo a pesar de presentar las mismas
características,6 si bien las principales características del género fueron codificadas principalmente
entre 1550 y 1900, que es habitualmente considerado como el período característico de producción
de la música clásica. En un sentido historiográfico, la música clásica se divide en varios períodos:
música antigua o medieval, que abarca el período comprendido por la Baja Edad Media en Europa

3
https://sendasonora.com/los-generos-musicales-mas-populares-del-mundo/
4
https://www.significados.com/musica-clasica/
5
https://okdiario.com/curiosidades/2018/07/11/caracteristicas-musica-clasica-2588274
6
"Classical", The Oxford Concise Dictionary of Music, ed. Michael Kennedy, (Oxford, 2007), Oxford Reference
Online. Retrieved July 23, 2007.
(1000-1400); la música renacentista (1400-1600); la música barroca, que coincide con desarrollo
del arte barroco (1600-1750); el clasicismo (1750-1800), que en la Historia de la música y la
musicología, es a veces llamado «música clásica»; el Romanticismo (1800-1910); y la música
contemporánea, que comprende las distintas corrientes de música clásica del siglo XX, que adopta
la composición atonal y disonante y otras tendencias opuestas a corrientes anteriores.7

La música clásica es aquella proveniente de la corriente musical que se generó en las tradiciones
de la música conocida como litúrgica y secular de Europa Occidental. Su auge abarca desde
aproximadamente el siglo XI hasta nuestros días; aunque cabe mencionar que esta afirmación no
implica que la música producida en la actualidad es música clásica; si no que se conserva la
“cultura” de esta corriente musical. Aunque las principales características de este tipo de música
se desarrollaron entre mediados del siglo XIV y el siglo XX. Durante la predominancia de música
clásica, los historiadores dividen este tipo de música en diversos períodos:

 Música antigua o medieval (1000-1400)

 Música renacentista (1400-1600)
 Música barroca (1600-1750)
 Clasicismo (1750-1800)
 Romanticismo (1800-1910)
 Música contemporánea, que se subclasifica en diversas corrientes de música clásica del
siglo XX.

Debido tanto a sus características técnicas, a la creciente profesionalización de la profesión de

músico y compositor, y al contexto sociocultural en el que se desarrolla (bajo el patronazgo de
aristocracia, iglesia y burguesía), la música clásica es habitualmente definida como la música de
tradición culta.8

La música clásica, suele ser considerada de tradición culta, es decir, que es una tradición musical
que implican consideraciones estructurales y teóricas avanzadas, así como una tradición musical
escrita; esto debido a su larga evolución en características técnicas, la profesionalización de la

7
Kennedy, Michael (2006). The Oxford Dictionary of Music, 985 págs, en inglés, ISBN 0-19-861459-4.
8
«Música clásica», sexta acepción de la palabra «clásico», en el Diccionario de la lengua española de la Real
Academia Española. La define como la ‘música de tradición culta’.
profesión de músico y compositor y al contexto sociocultural en la que ha evolucionado (esto por
distintas clases sociales o políticas como la aristocracia, la iglesia y la burguesía).

La música clásica está hecha exclusivamente para ser oída, a diferencia de otras músicas adjuntas
a otras formas de entretenimiento (la música de cine a veces se ejecuta en salas de concierto). Los
conciertos de música clásica suelen tener una atmósfera solemne, se espera que el público esté en
silencio para evitar distraer al músico y los oyentes. Los intérpretes de ordinario visten de manera
formal, una práctica vista como un gesto de respeto para la música y el público; y tampoco
interactúan directamente o bromean con el público.

La música clásica, de hecho, está hecha nada más para ser oída, a diferencia de otro tipo de música
adjunta a otro tipo de entretenimiento. Los conciertos de música clásica, usualmente tienen
ambiente bastante solemne y respetable, el público debe estar en silencio para que los demás
oyentes y los músicos no se distraiga; los músicos o músico van vestidos de manera formal, ya
que simboliza un gesto de respeto para la música; además de que tampoco tienen una interacción
con el público directa.

Como en las bellas artes, la música clásica aspira a comunicar una cualidad trascendental de la
emoción, que expresa algo universal acerca de la condición humana. Si bien la expresión
emocional no es una propiedad exclusiva de la música clásica, esta honda exploración en la
emoción permite que la mejor música clásica alcance lo que ha sido denominado lo «sublime» en
el arte. Muchos ejemplos pueden citarse para demostrar esto. Por ejemplo, la musicalización del
poema de Friedrich Schiller «Oda a la Alegría» en la Novena sinfonía de Beethoven, que suele
interpretarse en actos de independencia nacional o de celebración, como aquella famosa ocasión
en que la dirigió Leonard Bernstein para celebrar la caída del Muro de Berlín, y la tradición
japonesa de tocarla para celebrar el Año Nuevo. Sin embargo, otros compositores, como Iannis
Xenakis, argumentan que el efecto emocional de la música en los oyentes es arbitrario y que, por
lo tanto, la complejidad objetiva o el contenido de información de la pieza es lo supremo.

Este tipo de música, pretende expresar algo más allá de simplemente de la emoción, es decir,
quiere comunicar algo sobre la condición humana que pueda ser atribuido a cualquier persona.
Aunque los sentimientos y lo emocional no es algo que sólo lo tenga la música clásica, esta
característica emocional que posee empuja a las mejores expresiones de la música clásica a lo que
se denominó como “sublime” en estas expresiones artísticas. Ejemplo de ellos es la versión
musical del poema de Friedrich Schiller “Oda a la Alegría” compuesta por Beethoven en su
Novena Sinfonía.

A lo largo de la historia, los padres se aseguraron de que sus hijos fuesen instruidos en la música
culta desde muy temprana edad. Una experiencia musical temprana daba las bases para un estudio
serio posterior. Para aquellos que deseaban ser ejecutantes, cualquier instrumento es prácticamente
imposible de aprender a nivel profesional si, o al menos un instrumento similar, no eran aprendidos
desde la infancia. Algunos padres buscaban la enseñanza musical por razones sociales o en un
esfuerzo por impartirles un útil sentido de la autodisciplina; las lecciones parecen mostrar también
un incremento en el desempeño académico. Se considera además, que el conocimiento de las obras
de la música clásica es parte de una buena cultura general.9

Durante el auge de la música clásica, en las familias de las clases altas, los padres se aseguraban
de que sus hijos fueran instruidos en la música desde una edad sumamente temprana Una
experiencia musical a temprana edad, les daba las bases para una instrucción más avanzada en una
edad más adulta. Cabe decir, que para aquellos que deseaban poder emplear cualquier instrumento
a nivel avanzado o profesional, era imposible si no se tenían las bases de un instrumento similar o
de ese mismo desde la niñez. Los padres solían pensar que la enseñanza musical les daba cierto
estatus social o que esta impartía un sentido de autodisciplina, ya que las lecciones musicales
llegaban a mostrar un incremento en el desempeño académico. Actualmente, se considera que el
saber obras de la música clásica es signo de buenas bases de cultura general.
La música clásica fue marcada por Johann Sebastián Bach (1685-1750) que representaba el
período barroco que comprende los años 1600 a 1750 y a su muerte, representar el cambio de
época. La música clásica contrasta con el período anterior por composiciones menos pesadas por
el hecho de tener solo una melodía principal que era guiaba a todos los instrumentos. Esto hace
que se conserve un mismo ritmo en una sucesión de acordes de estructura vertical llamada
homofonía.
La música clásica fue marcada considerablemente por las obras de Johann Sebastián Bach, el cuál
era un representante del período barroco de la música clásica; la música clásica del período
siguiente se contrasta con la del período anterior ya que estas solían ser composiciones menos
cargadas y más simples compuestas por una sola melodía principal, la cuál guiaba a los demás

9
https://es.wikipedia.org/wiki/Música_clásica#Formalización_y_contenido
instrumentos, lo que hace que se conserve el mismo ritmo durante toda la canción con suceciones
de acordes.
Uno de los primeros compositores de música clásica fue el austriaco Joseph Haydn (1732-1809)
que se destacó especialmente con la Sinfonía No.1 en Re Mayor. Los otros dos grandes
compositores que caracterizan este período son:

 Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791): Las bodas de Fígaro, Serenata No. 13, Flauta
mágica
 Ludwig van Beethoven (1770-1827): Sinfonía No. 5 en Do menor, Para Elisa, Sinfonía
No. 9 en Re menor.

Además, en el clasicismo musical se crea además tres tipos de composiciones musicales:

 La sonata: música escrita para varios instrumentos.

 La sinfonía: música para ser interpretada por una orquesta.
 El concierto: composición para orquesta interpretada por varios instrumentos.10

Los compositores clásicos aspiran imbuir a su música de una relación muy profunda entre su
contenido afectivo (emocional), y los medios con los que lo logra. Muchas de las obras clásicas
más elogiadas hacen uso del desarrollo musical, el proceso por el que un germen, idea o motivo
musical es repetido en distintos contextos, o alterados de tal manera que la mente del oyente,
conscientemente o no, compara las diferentes versiones. Los géneros clásicos de la forma sonata
y la fuga emplean rigurosamente formas de desarrollo musical. Generalmente, las obras de música
clásica muestran una gran complejidad musical gracias al uso que hace el compositor del
desarrollo, modulación (cambios de tonalidad), variación antes que la exacta repetición, frases
musicales que no siempre tienen la misma longitud, contrapunto, polifonía y una armonía
sofisticada. Además, muchas obras clásicas bastante largas (de 30 minutos a 3 horas) son
construidas a partir de jerarquías de unidades más pequeñas: las frases, los períodos, las secciones
y los movimientos. El análisis schenkeriano es una rama de la música que intenta distinguir estos
niveles estructurales.

10
https://www.significados.com/musica-clasica/
La música clásica es específicamente compleja, en comparación a otros géneros; estructuralmente
es diferente al resto de los géneros, ya que tiene una compleja organización hecha a base de
diferentes instrumentos musicales; dicha complejidad construida a base de un variado uso de los
instrumentos y una gran complejidad en la composición de sus canciones favorece el desarrollo
general del mismo género y de otros

Su transmisión escrita, junto con la veneración dada a ciertas obras clásicas, ha llevado a la
expectativa de que el ejecutante tocará la obra de tal modo que realizará en detalle las intenciones
originales del compositor. Por lo tanto, las desviaciones de las instrucciones del compositor a
veces son condenadas como fallas completas éticas. Durante el siglo XIX, los detalles que los
compositores colocaban en sus partituras fueron incrementándose. Así vemos un opuesto rechazo-
admiración por los ejecutantes que ofrecen nuevas «interpretaciones» de la obra de un compositor,
y no es desconocido que un compositor le pida al intérprete una mejor realización de sus
intenciones originales que la que él mismo pudo lograr. De este modo, los ejecutantes de música
clásica alcanzan a menudo reputaciones muy altas por su musicalidad, aunque ellos mismos no
compongan. Otra consecuencia de la primacía de la partitura escrita del compositor es que la
improvisación juega una menor presencia, en marcado contraste con otras tradiciones como el
jazz, en donde la improvisación es básica. La improvisación en la música clásica era mucho más
frecuente en el Barroco que en el siglo XIX y siglo XX, y recientemente la interpretación de
aquella música por músicos clásicos modernos ha sido enriquecida por el resurgimiento de
antiguas prácticas improvisatorias. Durante el periodo clásico, Mozart y Beethoven improvisaban
a veces las cadencias de sus conciertos para piano (y animaban a otros a hacer lo mismo), pero
también tendían a dar cadencias escritas para que otros solistas pudiesen usarlas.11

A la música clásica además se le han atribuido efectos terapéuticos que influyen en nuestro
cerebro y estado emocional, capaces, por ejemplo, de reducir el estrés o mejorar la concentración.
Estudios científicos afirman que es capaz de modular nuestro estado anímico conduciéndonos a la
alegría, así mismo ha resultado beneficiosa en los postoperatorios que siguen a un trasplante ya
que es capaz de reducir la ansiedad, el dolor y las náuseas, influye incluso positivamente en nuestro
sistema nervioso parasimpático. La música clásica en un buen antídoto contra el estrés y es capaz

11
https://es.wikipedia.org/wiki/Música_clásica#Interpretación
de mejorar nuestro rendimiento. Recientes estudios sobre el conocido “efecto Mozart” atestiguan
que escuchar piezas del célebre compositor mejoraría el razonamiento espacio-temporal y la
memoria a corto plazo, por lo que también se ha empleado para fomentar el desarrollo cerebral de
los niños y de los estudiantes de idiomas, ya que a nivel cognitivo facilita y es muy utilizada en el
aprendizaje de nuevos idiomas. La música clásica parece a su vez ser capaz de bajar la presión
arterial y reducir el estrés y es una herramienta muy útil para combatir el insomnio.12

Es así que gracias a las propiedades que se le atribuyen a este género musical de antaño, éste sigue
siendo bastante popular en la actualidad; además que es igualmente recurrido en los músicos
actuales ya que, en las escuelas de música, la clase de música clásica es impartida de manera
imparcial, para que los jóvenes se puedan familiarizar con el concepto de la música compuesta y
el uso de los instrumentos.

Las propiedades médicas y terapéuticas resultan ser verídicas, ya que los tonos finos, la
composición instrumental y la naturaleza suave de las sinfonías desencadena en una serie de
reacciones cerebrales que relajan al mismo y le permiten liberar estrés, así como la liberación de
endorfinas (hormona cerebral que estimula el placer y la satisfacción), además que aumenta en
gran medida la concentración;

Electrónica

La Música Electrónica es aquel tipo de música que emplea instrumentos musicales electrónicos y
tecnología musical electrónica para su producción e interpretación. En general, se puede distinguir
entre el sonido producido mediante la utilización de medios electromecánicos de aquel producido
mediante tecnología electrónica, la cual también puede ser mezclada. Algunos ejemplos de
dispositivos que producen sonido electro-mecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond
y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante
aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.13

Este es sin duda alguna el género más reciente, puesto que, aunque tuvo sus incursiones a
comienzos del siglo XX, así como fue bautizado así en el mismo, o existiría auge del mismo hasta

12
http://www.musicarelajante.es/musicaclasica.html
13
https://es.wikipedia.org/wiki/Música_electrónica
el inicio de la década de 1960 propiamente dichos. Previamente los sonidos que se incorporaban
a los “animes” japoneses y a las series y caricaturas fueron un prototipo de lo que posteriormente
sería la música electrónica, aunque este último no fuese realmente un género, ya que no contaba
con autores ni industria que se hallaba en su producción.

El género de la música electrónica se caracteriza por ser aquel tipo de música en la que se emplean
instrumentos musicales del tipo electrónico y la diversa tecnología musical electrónica para su
producción e interpretación. Es distinguible de otras ya que esta es producida mediante la
tecnología electrónica por software o directamente un instrumento que funcione por medios
electromecánicos. Ejemplo de ellos es una guitarra eléctrica.

No existe duda que este es el género más reciente instaurándose completamente cerca de 1960.

El verdadero salto de la electrónica se dio a finales de 1963, cuando Robert Moog conoció al
compositor experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos electrónicos nuevos,
inspiró a Robert Moog a crear su primer sintetizador, el Sintetizador Modular Moog.

Aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue presentado a la
sociedad en el otoño de 1964, cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de la
Sociedad de Ingeniería de Audio, celebrada en Los Ángeles. En esta convención, Moog ya recibió
sus primeros pedidos y el negocio despegó.

Fue a partir de este momento que la música electrónica dio un verdadero salto, ya que se había
generado una industria y un negocio que se encargaba de alimentar el género.

Pero el verdadero momento en que se instauró la música electrónica de lleno fue en 1963 cuando
Robert Moog se encontró con Herbert Deutsch, quién inspiró a Moog para crear su Sintetizador
Modular Moog.

Este sintetizador fue presentado públicamente en 1964, cuando su creador hizo una demostración
en vivo durante la Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio, en Los Ángeles, California;
donde consiguió sus primeros inversores. Y fue en ese momento que la música electrónica dio el
salto que necesitaba para generar una industria.

El sintetizador de Moog empezó a ganar fama y para la década de 1970, el sintetizador se había
vuelto un éxito en la industria. Antes de volverse un género musical como tal, varias bandas del
género del rock se habían apoyado en el uso del sintetizador para generar su música; las principales
bandas que se apoyaron de esto fueron: Pink Floyd, Tangerine Dream, Yes y Emerson, Lake &
Palmer. Siendo de esa manera como el sintetizador empieza a sentar las bases en la música, para
después formar su propio género musical.

A lo largo de los años 70, bandas como The Residents y Can abanderaron un movimiento de
música experimental que incorporaba elementos de música electrónica. Can fue uno de los
primeros grupos en utilizar loops de cinta para la sección de ritmo, mientras The Residents crearon
sus propias cajas de ritmos. También en esta época diferentes bandas de rock,
desde Genesis hasta The Cars, comenzaron a incorporar sintetizadores en sus arreglos de rock.

No obstante, con el crecimiento de la industria para The loops, varias empresas lanzaron su modelo
de sintetizador, que incorporaban mayores modificaciones, un uso más sencillo y una interfaz más
sencilla para las productoras; siendo de este modo el nacimiento de la competencia de the loops.

La invención de Moog empezó a ganar fama y en diez años, el invento era un éxito en el mercado
musical. Sin embargo, antes de que la música electrónica se convirtiera en un género como tal,
distintas bandas pertenecientes al género del rock usaron este invento para contribuir a su género
respectivo, haciendo que estas fueran sus bases para el género musical.

En 1980, un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de acuerdo para estandarizar una interfaz
a través de la que diferentes instrumentos pudieran comunicarse entre ellos y el ordenador
principal. El estándar se denominó MIDI (Musical Instrument Digital Interface). En agosto de
1983, la especificación 1.0 de MIDI fue finalizada. La llegada de la tecnología MIDI permitió que,
con el simple acto de presionar una tecla, controlar una rueda, mover un pedal o dar una orden en
un micro ordenador, se pudieran activar todos y cada uno de los dispositivos del estudio
remotamente y de forma sincronizada, respondiendo cada dispositivo de acuerdo a las condiciones
prefijadas por el compositor. Aparato que se convirtió en raíz y madre del desarrollo digital género,
siendo así, el primer gran paso para el género.

Hacia finales de los años 80, los discos de música de baile que utilizaban instrumentación
exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más populares. Esta tendencia ha continuado
hasta el presente, siendo habitual escuchar música electrónica en los clubs de todo el mundo.
Para 1980, diferentes grupos de músicos y fabricantes entablaron conversaciones para crear una
interfaz en la que diferentes instrumentos pudiesen comunicarse entre ellos y una computadora
principal. Este se denominó MIDI, por sus siglas en inglés (Musical Instrument Digital Interface).
Su primera versión salió en 1983, la cuál dio cabida en la industria a que con simples movimientos,
los músicos o ingenieros pudieran dar una orden a la computadora principal, la que permitía activar
todos los dispositivos del estudio y sincronizarlos entre sí al mismo tiempo. Ya para finales de los
80’s, los discos que solían usar las discotecas, es decir, discos de bailes los cuales utilizaban
solamente instrumentos eléctricos, se volvieron más populares; tendencia que ha permanecido
hasta el presente, ya que ahora es habitual escuchar música electrónica en cualquier club del
mundo.