Breve historia del Diseño Gráfico

Para la mayoría de las personas, el término Diseño Gráfico, evoca imágenes que
funcionan como anuncios seductores, a todo color, que comunican distintos mensajes.
Pero no solamente se relacionan con este tipo de informaciones, también forman parte
de este arte publicitario las cosas tan cotidianas como impresos de declaraciones de la
renta, recibos telefónicos, libros, sellos, murales, periódicos, billetes de avión y de
banco, tarjetas de felicitaciones, papeles de cartas y cualquier cosa que esté impresa.
Lo que el diseñador tiene que lograr es que su mensaje sea claro y eficaz.

Podría definirse al diseño gráfico como la transformación de ideas y conceptos en una

forma de orden estructural y visual que tiene la función de comunicar algo. Es,
además, el arte de hacer libros, revistas, folletos, anuncios, envases, entre otros
elementos.

El término diseñador gráfico, fue acuñado por el norteamericano William Addison

Dwiggins; el mismo fue utilizado a partir del año 1922 aunque antiguamente se
encuentran diferentes ejemplos de diseños en culturas tales como los fenicios que
idearon el alfabeto para representar gráficamente el lenguaje hablado. A medida que
se extendía el uso de la palabra escrita aumentó la necesidad de organizar
correctamente el material creado lo que dio surgimiento al diseño tal cual hoy lo
conocemos aunque menos elaborado.

Los primitivos sistemas de escritura en columnas o filas revelan el empleo de una

cuadrícula elemental para organizar la página y facilitar la comunicación.

La invención de la imprenta mecánica en el siglo quince supuso un cambio radical ya

que antes de su invención un libro costaba tanto como media hectárea de tierra, de
esta manera la imprenta mecánica supuso la disponibilidad de libros y folletos en
grandes cantidades.

La aparición de la litografía y la revolución industrial durante el siglo XIX dieron el

punto de partida al diseño moderno.

En 1890, el artista y escritor socialista William Morris, fundó la Kelmscott Press, una
imprenta dedicada a la impresión de libros bellos y bien terminados. Morris creó
diseños naturalistas basados en la ornamentación medieval y en las formas vegetales.
Aubrey Beardsley, contemporáneo de Morris, sintetizó las ideas de la Kelmscott Press
y las combinó con el estilo de las estampas xilográficas japonesas, trabajando para
ello en blanco y negro, para afianzar el contraste entre lo natural y lo geométrico. Este
último dirigió una revista de arte de vanguardia publicada en Londres denominada The
Yellow Book.

Otro importante diseñador fue Charles Riketts que, según su visión, un libro debía
diseñarse como una entidad total dominada por la armonía entre todos sus elementos
internos y externos; de esta manera fundó la Vale Press y produjo algunos volúmenes
muy bellos.

Tanto Beardsley como Ricketts pertenecieron al movimiento modernista de Francia, a

fines del siglo XIX. Sintetizaban el arte europeo y las estampas japonesas conocidas
en occidente a mediados de siglo.

Uno de los primeros seguidores del movimiento fue el pintor francés Henri Toulouse-
Lautrec, famoso por sus carteles sobre la vida nocturna de París. Asimismo, Alphonse
Mucha, un pintor checo que llegó a París para estudiar en 1887, fue conocido por el
arte del cartel modernista, de gran impacto social, tal es así que a veces se hablaba
del "estilo Mucha" como sinónimo de modernismo.

La mayor parte de los movimientos artísticos de principios del siglo veinte rechazaron
el estilo modernista, influenciados por la violencia que asoló Europa durante las dos
primeras décadas del siglo. Las distintas vanguardias artísticas de ese tiempo,
cubismo, dadaísmo, futurismo, surrealismo y el constructivismo ruso, dejaron una
huella profunda en el lenguaje del diseño gráfico.

Próxima a estos estilos de vanguardia, la escuela alemana "Bauhaus", abrió sus

puertas en Weimar el año 1919 con la dirección del arquitecto Walter Gropius. La
Bauhaus se esforzó por unir arte e industria, convencida de que la industrialización
ofrecía excelentes oportunidades al artista y a la vez que sólo las ideas más brillantes
justificaban la producción en masa. Esta escuela introdujo muchas ideas innovadoras
en el diseño gráfico y en otras áreas de la creatividad, y su influencia aún se detecta
en muchas prácticas tipográficas en uso, como la organización del texto en cuerpo y
densidad desde lo más importante hasta los detalles o el empleo de tipos sin pie de
letra. El decorativismo se fue reemplazando por lo puramente funcional como en el
caso del tipógrafo alemán Jan Tschichold.

En los años cincuenta, los diseñadores suizos desarrollaron lo que se llamó Estilo
Tipográfico Internacional, siguiendo el enfoque académico que continuaba las ideas de
Tschichold. Sus aspiraciones eran la legibilidad y el orden. Para crear sus tipos de pie
de letra recurrieron al uso de gráficos matemáticos, reproducciones y fotografías.

Como consecuencia del cierre de la escuela Bauhaus en Alemania, la creación

artística se desplaza de Europa a Nueva York, donde ya empezaban a surgir otros
estilos de diseño.

"La institución más importante para el desarrollo del diseño fue la Bauhaus, creada por
Walter Gropius en 1919, en Weimar, con el nombre de Academia Estatal de
Arquitectura. En 1925 fue trasladada a Dessau y cerrada en 1933, después de la toma
de poder de Hitler. La meta de la Academia era influir en la conformación de la vida de
la moderna sociedad industrial a través del diseño artístico y artesanal"

En Estados Unidos se siguió un tratamiento más intuitivo y pragmático y menos formal

que en Europa. Lo que importaba era la originalidad; los diseñadores trataban de
presentar la información de manera directa y abierta, pero expresando a la vez sus
propias ideas. Los seguidores de lo que acabaría por llamarse escuela norteamericana
de expresionismo gráfico, combinaban collage, fotomontaje, caligrafía, símbolos y
otros elementos.

En la década del los setenta surgió en Suiza un movimiento postmoderno que

incorporó al Estilo Tipográfico parte de la espontaneidad y de los sugestivos efectos
visuales del diseño norteamericano. Además diseñaron nuevos tipos en respuesta a la
nueva tecnología.

Desde la segunda guerra mundial, los límites del diseño gráfico se han ampliado. Las
demandas de las grandes compañías industriales y las agencias de publicidad
requerían cubrir nuevas necesidades además de las tradicionales. Los sistemas de
creación por ordenador y los nuevos medios visuales constituyeron un nuevo lenguaje,
un nuevo desafío para el diseñador actual.
¿Qué es diseño?

En su forma más general, diseño es el arte de lo posible. En términos más técnicos,

diseño es el proceso consciente y deliberado por el cual elementos, componentes,
potenciales, tendencias, etc. se disponen de forma intencionada en el continuo
espacio-tiempo con el fin de lograr un resultado deseado. En su expresión más
potente, diseño es imaginar y alumbrar nuevos mundos. Podríamos decir que el
diseño es una actividad muy humana.

En última instancia, todo diseño se origina en la fuente creadora de todo lo que es.
Sea como consecuencia de la necesidad, la especulación, el deseo o la fantasía,
surge una visión, un impulso creativo que aparece en la mente como un flash intuitivo
de conocimiento, o tal vez como imágenes difusas. Es, con todo, un impulso cargado
de energía, ¡que debe ser perseguido! A través de la contemplación, y de una mayor
definición y familiaridad con los parámetros y el propósito, el impulso creativo se hace
más preciso. A través de varios ensayos de prueba y error –la verificación de hipótesis
y prototipos, los inevitables ajustes que vienen del feedback, las diferentes variaciones
sobre un tema–, finalmente, el impulso creativo toma forma. Si se prosigue en su
conclusión, algún día este impulso creativo aparecerá al mundo como una expresión
tangible de realidad, una realidad que empezó como una luz tenue en la imaginación
de alguien. ¿Se podría llegar a decir que el diseño es la función de la actividad
humana? Obviamente, si el diseño consiste en usar el poder y el ingenio de la mente
humana en una fuente universal de creatividad para alcanzar resultados deseados, es
de suponer que la calidad y el carácter de las mentes individuales que hacen el diseño
tendrán algún efecto en los resultados. ¿Qué influye en las decisiones de diseño de
una persona? Es evidente que la creatividad personal puede ser alimentada y
cultivada, pero en este punto lo que realmente guía y da forma a la articulación y
manifestación del diseño en cada paso del proceso es el conocimiento y experiencia
de cada uno, incluyendo aspectos difíciles de medir como valores, visión del mundo e,
incluso, el sentido que cada persona da a su vida. Confiada y segura en una base
firme de teoría y praxis, la intuición es entonces libre para elevarse a alturas virtuosas.

Definición de diseño gráfico digital

La Real Academia Española da como definición de diseño, entre otras: “concepción

original de un objeto u obra destinados a la producción en serie”; “forma de cada uno
de estos objetos”. De gráfico, entre otras: “perteneciente o relativo a la escritura y a la
imprenta”; “dicho de una descripción, de una operación o de una demostración: que se
representa por medio de figuras o signos”. Y de digital, entre otras: “referente a los
números dígitos y en particular a los instrumentos de medida que la expresan con
ellos. En cuanto a la locución se la puede definir como la disciplina que permite
comunicar de manera visual hechos, ideas, informaciones y valores del hombre a
través de una actividad en la que se condensan factores culturales, sociales, estéticos,
tecnológicos y hasta ambientales para obtener formas visuales que sean realmente
comunicadoras. Se diferencia del diseño gráfico convencional en que además de las
herramientas gráficas como infografías, fotografía, entre otras, se utiliza la
computación y un software específico como Photoshop, Illustrator, InDesign, aplicados
a la publicidad, edición de e-books o páginas web o a la producción de una imagen
corporativa de una empresa destinada a Internet. Es importante también tener en
cuenta que a diferencia de los medios gráficos, sonoros y audiovisuales como la
televisión, que son unidireccionales y dirigidos a un sujeto pasivo; en la web el
lenguaje se convierte en bidireccional, personal y conversacional, el sujeto es actor.
Ya que quien se conecta a la red lo hace de manera voluntaria para informarse, elegir
y/o comprar algo. De allí que, como dice Joan Costa en su libro “Diseñar para los
ojos”: “El lenguaje e-Design tiene la capacidad de transmitir el mayor número de datos
con el menor número de elementos, con el mínimo espacio de tiempo y el mínimo
esfuerzo para el internauta. Y posee también la condición de establecer rutas y guiar
literalmente la navegación.” Para que el diseño sea efectivo se debe manejar un
lenguaje interactivo que diga mucho con pocos elementos visuales, poco tiempo de
ejecución, información insuperable y aplicar además la estética y legibilidad al texto
que se esté realizando. También hay que tener en cuenta un diseño visual que pueda
ser entendido por el mayor número de personas, ya que la red lo permite al llegar a
todo el mundo. Ejemplos de uso y frases “Para su newsletter ha contratado a un
profesional del área de diseño gráfico digital para que tener la seguridad de que será
realmente representativo de su actividad: la confección de ropa para bebés”. En este
ejemplo, se usa con el sentido de una de las ramas en las que se trabaja en esta
actividad. “Por sus ingeniosas y masivas campañas publicitarias la agencia ha recibido
un premio al diseño gráfico digital”. Aquí, se aplica al reconocimiento que se recibe por
la destacada labor en esta área. “Hace tiempo que está trabajando en una agencia de
publicidad y eso la ha decidido a estudiar la carrera de Diseño gráfico digital”. Se
refiere en esta oración, al estudio universitario profesional.

Como diseñadores y personas creativas tenemos que estar actualizados con todo los
cambios tecnológicos que se están presentando en el mundo.

Aprender nuevos programas de edición y creación de diseño cada día es un requisito

que las grandes empresas o agencias solicitan en los diseñadores.

Mejores programas para diseño grafico

El saber manejar los diferentes programas de diseño es indispensable, además de que

a ti como diseñador te ofrece la posibilidad de aumentar tu visión y técnicas de diseño.

Las diferentes herramientas de diseño que ofrecen estos programas permiten

reinventar los diseños, crear desde cero y que de como resultado algo que no
imaginaste o mejor de lo planeado.

La revista digital web designer depot, realizó un estudio a través de twitter, para saber
cuáles eran los programas de diseño más utilizados por el público. Entre los resultados
finales se encuentran programas totalmente gratuitos y otros con precios elevados,
pero fácil de conseguir.

7.- Illustrator.- Con un total de 46.136 usuarios, este programa es uno de los cuales
deben ser base en los conocimientos de un diseñador de logotipos o vectores.

6.- Google Sketshup.- Con 52.534 usuarios, es una plataforma enfocada a la

creación de objetos en 3D. Es gratuita

5.- ACDsee Pro.- Es un programa que cuenta con muchas herramientas de edición de
fotografías y 65.239 usuarios la prefieren.

4.- Gimp.- Con 93.317 votos, esta aplicación es la equivalencia a photoshop pero
gratuita.

3.- CorelDraw.- Es el oponente más fuerte de photoshop, durante sus inicios era la
plataforma más famosa y usada. 168.871 personas la siguen prefiriendo.
2.- Picasa.- Con 424.505 preferencias, esta plataforma para editar fotografías, no es
considera como una de las más profesionales, pero sí de las más efectivas y rápidas.

1.- Photoshop.- Es la herramienta súper estrella de todos los programas de diseño. El

término “Photoshopear”, ya es parte del lenguaje de todos los diseñadores. 495.155 la
prefieren.