El arte en las edades Moderna y Contemporánea

Arte de la Edad Moderna.

Lo que hoy consideramos arte moderno no es la producción artística de la Edad
Moderna, sino nuestro arte contemporáneo: las vanguardias europeas en torno a
1900, que de hecho significan una reacción contra el arte europeo de la Edad
Moderna, que se consideraba acartonado por el academicismo y limitado por la
sujeción al principio de imitación a la naturaleza;

Los Siglos XV y XVI (características del Renacimiento en el Quattrocento y

el Cinquecento)
 Botticelli "El nacimiento de Venus" 1482

Introducción:
El Renacimiento expresa un movimiento y una época donde se retorna al estudio
e imitación de la literatura, arte y filosofía de la antigüedad clásica griega y
romana En pintura la renovación hacia lo clásico se realiza por medio del estudio
del natural y de la aplicación de las leyes de la perspectiva, únicamente este arte
recibe la influencia greco-romana a través de la arquitectura y la escultura.
Los cimientos de la renovación son varios, el eje más atrayente es el Humanismo
orientado hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre
fue objeto de un minucioso estudio por parte de científicos, que dibujaban
ordenadamente sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del
científico con el del pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos
de teología, historia y mitología para estar autorizado en la representación de la
historia que debería de narrar, el tornar a concentrarse en lo humano no es una
dejadez de lo divino, por el contrario, lo divino es percibido desde la perspectiva
humana para conferirlo de mayor significación: Dios trata de concebirse evidente
a la razón humana, en vez de limitarlo a la impresión de la fe. Para una
conveniente representación de la historia y de los personajes el pintor debería de
laborar terceras ramas del saber: para los seres humanos, se artículo anatomía y
fisiología, también hubieron de estudiar mitología, lenguas clásicas y teología
para representar dignamente, las escenas, los vestidos y los ambientes. La
conquista de la tercera dimensión es fortalecida al colocar las figuras sobre un
paisaje o en un interior, así tanto el propio volumen de la figura establece la
profundidad, como también el hecho de moverse en un espacio aéreo a
su alrededor.La mayor parte de la producción artística siguió consagrada al
tópico religioso, con tres propósitos fundamentales: acrecentar la garantía de la
predicación, lograr la emoción del fiel y conservar el dogma por medio de las
imágenes. No obstante se introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado
germina el retrato representando a los mecenas de los pintores o a efigies
representativas del saber, tanto moderno como antiguo; por otro la invasión del
neoplatonismo florentino con representaciones paganas que se reajustan al
cristianismo. La razón se recupera apoyándose en la reintroducción de la
sabiduría clásica: los textos de la antigüedad que se atesoraban se traducen. Se
inicia con vigor la pompa del retrato, se introducen mitologías, usualmente con
trasfondo religioso e incluso misteriosos, es el caso de la obra de Botticelli, EL
TRIUNFO DE LA PRIMAVERA.

Es esta etapa cuando los artistas principian en firmar sus obras, sus antecedentes
biográficos son recogidos por los entendidos en arte, y sus teorías pictóricas están
impregnadas de gran elaboración intelectual. El renacimiento se organiza en dos
hemisferios, el Quattrocento o siglo XV y el Cinquecento o siglo XVI

En el Renacimiento, sus integrantes se autodenominan como hombres del

Renacimiento, e inauguradores de una nueva Edad, la Edad Moderna, por
oposición a la Edad Media , lazo de transición entre la grandiosidad de la
Antigüedad clásica y su propia época.

Otra característica del Renacimiento en Italia es el surgimiento del

individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio
de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombres del siglo XVI,
toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes , nobles y miembros del
alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los
comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los
artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus
privilegios.
Van Eyck (1434)
Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse
en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideal que corresponde a
algunos elegidos como Brunelleschi, Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco
Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y
otros. En su mayoría también eran arquitectos.

Arte Barroco
Konrad Rudolf (1703)
El arte más representativo de la Edad Moderna quizá no es tanto el Renacimiento
sino su continuación y antítesis: el Barroco, si consideramos que es el que
alcanzó más extensión en el tiempo (siglos XVII y XVIII, en solapamiento con el
Manierismo previo y el Rococó posterior) y el espacio (puede encontrarse desde
la protestante Europa del Norte hasta la América colonial católica o las
Filipinas). Este estilo se caracterizaba por ser visualmente recargado, y alejado de
la simplicidad y búsqueda de la armonía propias del Renacimiento pleno. Aunque
se discute su etimologías posibles, suele hacérsele sinónimo a “extraño”,
“irregular”. Se postula que el Barroco nació como una reacción a la crisis de la
confianza humanista y renacentista en el ser humano, lo que explica su potente
carácter religioso, así como el abandono de la simplicidad clásica para intentar
expresar la grandeza del infinito, y la predilección por motivos grotescos o
«feos», realistas, que contradice la búsqueda de la belleza ideal renacentista. Se
ha hablado también de una cultura del barroco, del equívoco y lo efímero,
coincidiendo con la llamada crisis del siglo XVII, en la que se valoraba más la
apariencia que la esencia, la escenografía que la solidez.

Manierismo
 Miguel Ángel "El Juicio Final" 1537

El manierismo es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del

Alto Renacimiento (ca. 1530) hasta los comienzos del período Barroco, hacia el
año 1600.

El manierismo se originó en Venecia, gracias a los mercaderes, y en Roma,

gracias a los Papas Julio II y León X, pero finalmente se extendió hasta España,
Europa central y Europa del norte. Se trataba de una reacción anticlásica que
cuestionaba la validez del ideal de belleza defendido en el Alto Renacimiento.
El manierismo se preocupaba por solucionar problemas artísticos intrincados,
como desnudos retratados en posturas complicadas. Las figuras en las obras
manieristas tienen frecuentemente extremidades graciosas pero raramente
alargadas, cabezas pequeñas y semblante estilizado, mientras sus posturas
parecen difíciles o artificiales es decir alla maniera.

Su origen etimológico proviene de la definición que ciertos escritores del siglo

XVI, como Giorgio Vasari, asignaban a aquellos artistas que pintaban “a la
manera de…”, es decir, siguiendo la línea de Miguel Ángel, Leonardo o Rafael,
pero manteniendo, en principio, una clara personalidad artística. El significado
peyorativo del término come

nzó a utilizarse más adelante, cuando esa “maniera” fue entendida como una fría
técnica imitativa de los grandes maestros.

Los colores no remiten a la naturaleza, sino que son extraños, fríos, artificiales,
violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas. El propio
Miguel Ángel o el académico Rafael experimentaron en sus últimas obras el
placer de la transgresión, desdibujando sus figuras o dejando inacabadas sus
obras. Tiziano, Correggio o Giorgione someten algunas de sus pinturas a
complicados simbolismos que aún no han sido descifrados, como intuimos en La
Tempestad, de este último.

La orfebrería fue uno de los ámbitos más beneficiados por este complejo arte,
que afectó tardíamente, pero de forma genial, a El Greco.
Caravaggio "Muerte de la Virgen María" 1606
 El Greco “El entierro del Conde Orgaz” 1587

Como reacción al manierismo, surgió en Italia el caravaggismo. Después de ser

reemplazado por el barroquismo, fue visto decadente y degenerativo. En el siglo
XX fue apreciado nuevamente por su elegancia. Entre los artistas que practicaron
este estilo están Parmigianino, Beccafumi, Benvenuto Cellini, Giambologna,
Giulio Romano, Rosso Fiorentino, Bronzino, Tintoretto, Arcimboldo, Hans von
Aachen, Bartholomeus Spranger, Hendrick Goltzius, Vasari, Veronés, El Greco y
Federico Zuccaro.

Pleno Barroco
 In Ictu Oculi (en un abrir y cerrar de ojos). Valdés Leal

El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno

complejo de índole social, político y religioso.

El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la

primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones
clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica
para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la
tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación.

Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para

reaccionar contra la severidad e iconoclastia del Protestantismo, la Iglesia
Católica alentó la edificación de templos con profusión de escultura.

También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos que tanta
aceptación tuvieron durante el Renacimiento, así como evitar los desnudos y las
escenas escandalosas.

Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre los
artistas iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos
psicológicos.
Estas normas aparentemente conservadoras y austeras derivaron, sin embargo, en
este arte suntuoso y recargado que llamamos Barroco.

El siglo XVII fue una época de guerra y violencia como en pocas fases de la
historia europea. La vida se veía frecuentemente atormentada en dolor y muerte.
Por eso también era más necesaria que nunca la exaltación de la vida agitada e
intensa para el hombre barroco.

En ese contexto, se experimentaba el empuje de amar las pasiones de la vida así

como el movimiento y el color, como si de una magna representación teatral se
tratase. De hecho, se ha indicado con acierto que en las artes plásticas, el barroco
intenta reproducir la agitación y vistosidad de la representación teatral.

Al igual que una representación dramática se apoya en un decorado vistoso y

efímero, la arquitectura barroca se subordina a la decoración, que ha de ser
espectacular.

Otra de las características del barroco que se manifiesta en la arquitectura,

escultura y la pintura es el juego de las sombras. En la estética del barroco, son
muy importantes los contrastes claroscuristas violentos. Esto es apreciable
fácilmente en la pintura (por ejemplo el tenebrismo) pero también en la
arquitectura, donde el arquitecto barroco juega con los volúmenes de manera
abrupta con numerosos salientes para provocar acusados juegos de luces y
sombras.

Los siglos XVI y XVII son considerados los siglos de oro de la literatura
española. Al periodo barroco suelen adscribirse enormes personalidades de las
letras hispanas como Quevedo, Góngora o Miguel de Cervantes.

Neoclasicismo

P. Pinazo, Congreso de los diputados de Madrid (1864)

El término Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar de forma

peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios
intelectuales de la Ilustración que desde mediados del siglo XVIII, se venía
produciendo en la filosofía y que consecuentemente se había transmitido a todos
los ámbitos de la cultura. Sin embargo después de la caída de Napoleón los
artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia el Romanticismo y el
Neoclasicismo fue dejado.

La arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes social y moral;
La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las
costumbres de los hombres. Proliferan así las construcciones que pueden
contribuir a mejorar la vida humana como hospitales, bibliotecas, museos,
teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental. Esta nueva orientación
hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia
el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónico de validez universal.

Arte de la Edad Contemporánea

El Romanticismo

Friedrich "Viajero frente al mar de niebla" (1818) .

Tras Revolución francesa se desencadenan una serie de cambios culturales e

intelectuales, en paralelo con las transformaciones sociales y políticas de la
revolución burguesa y las económicas de la revolución industrial, que se van a
reflejar en los movimientos artísticos siglo XIX.

Los estilos del siglo XVIII, el neoclasicismo y el rococó, simultáneos al

prerromanticismo, dieron paso a partir de 1815 (Congreso de Viena, derrota de
Napoleón en la batalla de Waterloo y Restauración absolutista) al movimiento
romántico, expresado en pintura con el impactante La balsa de la Medusa de
Gericault, que rompe con las convenciones estéticas del buen gusto académico al
presentar en primer plano cadáveres putrefactos de los que se alimentan unos
desesperados náufragos. Delacroix fijará icónicamente el protagonismo de las
masas en la historia con su La Libertad guiando al pueblo donde refleja las
barricadas de las tres gloriosas jornadas de la revolución de 1830 en París. Por su
parte, Turner y William Blake realizan su propia renovación de la tradición
pictórica inglesa, y Caspar David Friedrich de la alemana.
 Théodore Géricault "La Balsa de la Medusa" 1819

Las artes y los artistas se pretenden liberar de las formas y los modelos clásicos
para lograr un arte más espontáneo, vivo y personal. El artista busca su clientela
en un público burgués que sancionará su éxito con la demanda de su obra en un
mercado de arte cada vez más animado; y ya no tanto en los patrones
tradicionales (nobleza, clero, monarquía).

Goya, es un caso excepcional, ya que pese a que en España el Romanticismo

llegó de forma tardía y duró poco, su estilo personal y libre llegará a superar los
cánones románticos y con el tiempo influirá en artistas de todo el mundo siendo
considerado unánimemente como uno de los precursores del Impresionismo.
 Francisco de Goya "Saturno devorando a sus hijos" 1820

Impresionismo

Monet "Impresión" 1817

Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como música y

literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura
impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la
segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia—
caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión»
visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es
decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas
pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El
movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y
escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo
diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el
desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las
vanguardias.

Modernismo

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación

artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los
distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y
Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en
Alemania y países nórdicos), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernismo (en
España). Si bien existe cierta relación que los hace reconocibles como parte de la
misma corriente, en cada país su desarrollo se expresó con
características distintivas.Se distingue por su creatividad, el gusto por lo refinado,
el deseo de salir de la realidad cotidiana y de conocer otras culturas y
costumbres.
Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación
artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los
distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y
Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en
Alemania y países nórdicos), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernismo (en
España). Si bien existe cierta relación que los hace reconocibles como parte de la
misma corriente, en cada país su desarrollo se expresó con características
distintivas. Se distingue por su creatividad, el gusto por lo refinado, el deseo de
salir de la realidad cotidiana y de conocer otras culturas y costumbres.

Vanguardias
El término vanguardismo procede de la palabra francesa avant-garde, un término
del léxico militar que designa a la parte más adelantada del ejército, la que
confrontaría la «primera línea» de avanzada en exploración y combate. En el
terreno artístico, se ha llamado vanguardias históricas a una serie de movimientos
artísticos de principios del siglo XX. Estos movimientos buscaban innovación en
la producción artística; se destacaban por la renovación radical en la forma y el
contenido; exploraban la relación entre arte y vida; y buscaban reinventar el arte
confrontando movimientos artísticos anteriores.

Características

Una de las características visibles de las vanguardias es la actitud provocadora.

Se publican manifiestos en los que se ataca todo lo producido anteriormente, que
se desecha por desfasado, al mismo tiempo que se reivindica lo original, lo
lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento.

Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo,

ultraísmo, surrealismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes
fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes:
* La lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual
y la innovación.
* Audacia y libertad de la forma.
* El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas unas
tras otras.

En la pintura va a ocurrir una huida del arte figurativo en procura del arte
abstracto, suprimiendo la personificación. Se expresa la agresividad y la
violencia violentando las formas y utilizando colores estridentes. Surgen diseños
geométricos y la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto.

En la literatura, y concretamente en la poesía el texto va a ser realizado a partir

de la simultaneidad y la yuxtaposición de imágenes. Rómpese tanto con la
estrofa, la puntuación, la métrica de los versos como con la sintaxis alterando por
completo con la estructura tradicional de las composiciones (por ejemplo en el
Finnegans Wake o en el final del Ulises de James Joyce). Surge el caligrama o
poema escrito de modo que forme imágenes pretendiendo así acabar con la tóxica
sucesividad del hecho escrito o leído.

* El poeta/artista/arquitecto vanguardista no está conforme. Como el pasado no le

sirve, tiene que buscar un arte que responda a esta novedad interna que el hombre
está viviendo, apoyándose en la novedad original que se lleva dentro.
* Se deben abandonar los temas viejos, ya que carecen de sustancia y no
responden al hombre nuevo.
* En algunos movimientos hay una tendencia a hacer plástica en la coloración de
las palabras.
* En la poesía se juega constantemente con el símbolo.
* Las reglas tradicionales de la versificación necesitan una mayor libertad para
expresar adecuadamente su mundo interior.
* Reacciona contra el modernismo y los imitadores de los maestros de esta
corriente, existe una conciencia social que los lleva a tomar posiciones frente al
hombre y su destino.
* Nuevos temas, lenguaje poético, revolución formal, desaparición de la
anécdota, proposición de temas como el anti-patriotismo.
* El punto de vista del narrador es múltiple.
* Existe un vínculo estrecho entre el ambiente y los gustos del personaje.
* Profundiza en el mundo interior de los personajes, pues se les presenta a través
de sus más escondidos estados del alma.
* El tiempo cronológico no es de suma importancia, sino el tiempo anímico y se
toma en cuenta el aspecto presentacional, pues se limita a sugerir para el lector
complete, el autor exige presencia de un lector atento que vaya desentrañando los
hechos que se presentan y vaya armando inteligentemente las piezas de la novela
de nuestro tiempo.