APRECIACIÓN MUSICAL

NRC 2391

“MÚSICA EN EL PERIÓDO CLÁSICO”

RESÚMEN

INTEGRANTES

GANCHALA JOAN
GONZALES DANIEL
MORENO DANIELA
TONGUINO JUAN

ABRIL 2018 - AGOSTO 2018

SANGOLQUÍ - ECUADOR
HISTORIA DE LA MÚSICA CLÁSICA

Los siglos XVII y XVIII fueron el periodo formativo de la música clásica y vieron nacer
la ópera y el oratorio, la sonata, el concierto y la sinfonía. Los italianos fueron los
primeros en desarrollar estos géneros, pero les siguieron pronto los alemanes, austriacos
e ingleses.

Como en los siglos anteriores, muchos músicos dependían de un mecenas: algún príncipe,
algún eclesiástico bien provisto de fondos, o un aristócrata. Los numerosos príncipes,
arzobispos y obispos cada uno con su propia corte, proporcionaron los patrocinios que
hicieron de Italia y Alemania los adelantados musicales de Europa. (HISTORIA Y
BIOGRAFÍAS, 2018)

Muchas técnicas del estilo musical barroco, que dominaron Europa entre 1600 y 1750,
fueron perfeccionadas por dos compositores, Bach y Haendel, quienes brillaron como
genios musicales.

El período clásico comprende desde la muerte de Sebastián Bach (1750) hasta la

primera década del siglo XIX. En él predomina el estilo rococó, delicado, refinado y con
un barniz aristocrático. Durante este período los compositores se esmeraron en procurar
la exactitud de la forma, la claridad de la escritura, la precisión en lo emocional, pues el
orden y la sensatez dominaban todas sus creaciones. (MUSICANDOTE, 2018)

En el período clásico de la música instrumental logró un nuevo sentido. Fue la época de las sonatas, de las
sinfonías, de los conciertos y de los instrumentos de cuerdas.

Joseph Haydn (1732-1809) y Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) fueron los

compositores más sobresalientes de este período, que llegó a su apogeo con Ludwig van
Beethoven ( 1770-1827). (SOCIAL HIZO)
En el marco de la evolución de los conjuntos instrumentales propios del Barroco hacia la orquesta clásica,
la aportación de Johann Stamitz constituye un referente indispensable.

Compuso alrededor de 50 sinfonías, que tuvieron gran importancia en la evolución de esa

forma musical. Joseph Haydn heredó de él el estilo y la forma de la sinfonía, amplió su
estructura, desarrolló la orquestación y cristalizó la llamada forma sonata, base de la
sinfonía clásica, la sonata y el cuarteto de cuerda. La sinfonía adquirió luego su máximo
desarrollo con Mozart y Beethoven. (Usal, 2018)

Los creadores de la sonata son los maestros Kuhnau y Doménico Scarlatti, pero un hijo
de Bach, Karl Philipp Emanuel, contribuyó a su difusión, publicando sus primeras obras
en ese estilo en 1742, y dos años después dio a conocer sus famosas sonatas denominadas
"Wurtemberg". Desarrolló también, un estilo refinado conocido con el nombre de galante,
estilo que se encuentra más adelante en la música de Haydn, quien estudió sus obras y las
utilizó de modelo.

Joseph Haydn fue el primer compositor que advirtió y concretó plenamente las
posibilidades de los cuartetos de cuerda. El logro de la individualidad de los cuatro
instrumentos, dos violines, viola y violoncelo, y la consagración de una forma duradera
para ellos, también se debe a Haydn.

En este período clásico también se desarrollan otras combinaciones musicales de cámara.

Están los tríos, los cuartetos, los quintetos para los diversos instrumentos concertados.

Se le llama Clasicismo ya que intentó volver a las formas clásicas Griegas y Romanas,
como la belleza en la sencillez. O sea, que en lo simple está lo bello y no en perderse en
el laberinto de ornamentos del Barroco.

El Clasicismo se nutre de las ideas Renacentistas: se busca el equilibrio entre la estructura

y la melodía, surgen movimientos más sobrios auditivamente, no tan densos como en el
barroco. El bajo continuo se transforma. Los instrumentos y los instrumentistas están más
desarrollados, por lo tanto se pueden hacer obras más complejas de ensamblar.

Surgen en esta epoca dos instrumentos que enamoraron a los compositores: el clarinete y
el Forte piano (que luego evolucionará en el piano). Lo clásico se caracteriza como una
música que a pesar de ser compleja para el intérprete tiene que sonar fácil. En los
conciertos para instrumento y orquesta empieza lo que se llama Cadenza. Que es un
segmento improvisado por los músicos inspirados en la obra.

FORMAS MUSICALES DEL CLASICISMO

Su clasificación es:

Formas instrumentales

Las formas instrumentales del Clasicismo reciben su nombre según el conjunto al que
están destinadas:

 La sonata está escrita para un instrumento solista (generalmente el piano), o bien

para piano y un segundo instrumento (violín, flauta, etc.).
 El trío, el cuarteto, el quinteto... denominan a obras escritas respectivamente
para tres, cuatro, cinco... instrumentos. Entre estas combinaciones quedan fijadas
algunas plantillas fijas, como la del cuarteto de cuerda o el quinteto de viento.

 La serenata, el divertimento y la casación suelen estar escritas para un conjunto

de tamaño medio (pequeña orquesta de cuerdas, banda de viento), para ser
interpretados al aire libre.
  El concierto está escrito para un instrumento solista y orquesta.

 La sinfonía es una obra escrita para orquesta sinfónica.

Todas estas obras son estructuradas de modo similar, tomando como modelo la sonata.
Tiene esta tres o cuatro movimientos:

 En el primero se sigue un esquema con tres partes: primero una exposición en la

que el compositor nos presenta dos temas, uno enérgico, en la tonalidad
 principal, y otro más melódico, en la dominante o el relativo mayor. En segundo
lugar, el desarrollo, en el que se establece un conflicto entre los dos temas, que
son fragmentados, transportados, variados.
 El segundo movimiento, lento, suele ser más melodioso, utilizándose la forma
lied, de estructura ternaria y carácter lírico.
 El tercer movimiento tiene un carácter más desenfadado, generalmente en forma
de minueto, danza de origen francés, o de scherzo (en el caso de Beethoven).
 En el cuarto movimiento se adopta casi siempre la forma rondó, que alterna un
tema principal a modo de estribillo, en la tonalidad principal, con episodios en
otros tonos.

Las formas vocales

La ópera

Ya desde inicios del siglo XVIII se había convertido en un fastuoso espectáculo de

corte, a través del cual los monarcas y aristócratas exhibían su esplendor. Los temas se
referían a la mitología y representaban grandes tragedias lírico-heroicas, montadas con
gran aparato: era la llamada ópera seria, cantada en italiano.

Por el contrario, las clases sociales menos favorecidas contaban con su propio teatro
musical, la ópera buffa, pequeñas actuaciones satírico-burlescas. De breve duración y
argumento simple, recurren a la expresión directa en lenguaje coloquial y se sirven de
dos o tres personajes solamente, reduciendo al máximo los elementos musicales, en los
que desde luego están ausentes los coros y cobra la mayor importancia la melodía
popular de fácil construcción. La ópera buffa ganó importancia y nivel artístico durante
el Clasicismo, y aparecieron además versiones nacionales, escritas en la lengua local y
con diálogos en lugar de recitativos.

La música religiosa

Un gran número de compositores siguió adscrito al servicio de la Iglesia, y continuaron

escribiendo por tanto formas religiosas como la misa y el motete, en general para
orquesta, coro y solistas, y en un estilo deliberadamente arcaico. Un ejemplo muy
conocido de este género es el Réquiem de Mozart.