BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM.

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SEPTIEMBRE-OCTUBRE 2015
Salvador Niebla
Artista, músico, baterista...
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EDITORIAL SUMARIO

Si hay un baterista en nuestro país con gran versatilidad

para afrontar retos musicales en diferentes estilos y no
1. Entrevista: Salvador Niebla (1ª parte)........................................ 3

2.
solo como intérprete, también como compositor y como
un gran especialista en la docencia no es otro que Salvador Luthier: Cambia el color de tu kit en casa................................ 10
Niebla. El creador de Virtual Drummer School, primera
experiencia a nivel mundial que ofrece lecciones batería
online, atesora más de 40 años de experiencia en el sector. 3. Retrotecnología......................................................................... 14

Como no podía ser de otra manera ya teníamos ganas de

charlar con él sobre su bagaje y experiencias, como no 4. Sentir y tocar............................................................................. 19
queremos perdernos ni un detalle de lo que nos contó lo

5.
.
publicaremos en dos números dada su extensión.
Adagietto 8DIO......................................................................... 21
Incluimos en este número los artículos de Pepe Cantó
como siempre con una interesante reflexión, así como
un artículo más técnico de nuestro luthier donde explica 6. Multimedia............................................................................... 23
paso a paso como mejorar el acabado de los cascos de
nuestro kit. También hablaremos de como sonorizar tu
batería para un rendimiento óptimo.
7. Didáctica. Guía práctica I: Cuerpo y mente.......................... 25

8.
Por último puedes disfrutar de algunas propuestas didác-
ticas, un review sobre software musical para mejorar tus
Didáctica. Conceptos básicos II: Manos y pies...................... 28
maquetas y el resto de secciones ya habituales.

José Manuel López 9. Didáctica: Por bulerías............................................................. 31

10. Sky Saxon.................................................................................. 34

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Asensio Ros “Wally”

José Manuel López

E
l bagaje y currículum artístico de Salvador Niebla
es difícil de mejorar, más de 40 años en todo
tipo de proyectos, escenas y campos creativos
lo confirman. Su aportación a la docencia con enfoques
innovadores es otra de sus facetas muy destacables.
Teníamos ganas de hablar con él y aquí está nuestra
conversación. Como es muy extensa y no queremos que se
pierda nada lo hemos hecho en dos partes, esta es la primera.

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Desde 1970 no has parado de formarte, Empezaste tocando rock en Atila

conservatorio, Taller de Músics, con tu hermano pero ¿Ahora es
Drummers Collective, ahora piano el jazz-fussion tu estilo preferido?
con Nozomi Isobe… Háblanos de tus
inicios en la música y tu formación… Cuando tenía once años paso algo
interesante, descubrí una caja en un
Bien, yo tuve la suerte de empezar muy a l m a c é n q u e estaba donde trabajaba
joven, gracias a mi hermano el guitarrista mi padre con LPs de Ray Charles, me
Eduardo Niebla (5 años mayor que yo) . gusto muchísimo y comencé a escuchar
Con 5 ó 6 años llegaron unas maracas casa músicas diferentes a las que escuchaba
y mi hermano como es lógico necesitaba mi hermano, me dio por un lado más
alguien que le aguantara un poco el ritmo, jazzístico. También en esa época un buen
en esa época no había Loops y me tenía amigo Iñaki González monto una tienda
allí, como un negro, para que él pudiera de discos…el tenia muy buen gusto para
hacer ruedas de acordes (risas)…Ese la música, traía muchas discos de USA.
fue mi inicio al mundo rítmico y a la Él me hizo conocer a baterías como
música. Mi familia pensaba que quizás Tony Williams, imagínate en aquella
iba a ser algo momentáneo, pero después
poca importancia, es crucial. Te puede Eduardo me llevaba a los ensayos de época escuchábamos a grandes baterías
de un par de años con las maracas…..
hacer la vida más fácil o mucho más su banda de baile típico de la época, como Ringo Starr, pero Tony Williams…
dieron un paso más y me regalaron unos
complicada….una mala sujeción puede hablamos de principios de los 70. En el imagínate cuando escuche esa música,
bongós, con estos realice mis primeras
producir tensión en tus muñecas y como ensayo cuando el batería descansaba para para mí era como de otra galaxia ¿De
actuaciones a los 11 años, con la banda
consecuencia lesiones…Este profesor, fumar su cigarrillo, yo me ponía……y dónde salian?. Entonces comencé a
de mis hermanos, Eduardo y Felix…
me enseñó a coger las baquetas de claro, despues no había manera de estudiar más seriamente.
También en el barrio había un baterista
manera tradicional, tal como se enseñaba sacarme de la bateria. Cansé tanto a
muy conocido en Gerona, Jordi Brull Se dio la coincidencia que el batería de
en el Conservatorio. Me fue enseñando este baterista, que un día llego y le dijo
con muy buena técnica de manos y me Atila se iba a la “mili” y entonces mi
lectura, yo me lo tomé en serio, me a mi hermano, mira yo dejo la banda y
dio las primeras clases….. hermano me dio chance y con 15 años me
fabrique un pad, como todos en esa por 2.000 pesetas (12 euros) te vendo la
ficho con esta banda y me vi girando por
Siempre comento de cuán importante época, una madera un trozo de caucho batería… Mi hermano me la compró….
toda España, iba a festivales con Iceberg,
es encaminarse bien y la sujeción de y ahí practicaba ejercicios de rudimentos una mezcla entre Miller-Raf y Premier…..
Bloque, Asfalto, Triana, Gualdalquivir…
las baquetas algo que puede parecer de y cosas así. Esos fueron mis inicios como baterista. conocí a muchísimos bateristas que ya

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destacaban como Pedro Barceló, Paco
García o más tarde a Ángel Celada…
es curioso aun hoy somos muy colegas.
Piensa que en aquella época en España
no había nada….Esto era un desierto. En
el Conservatorio en aquella época solo
había dos libros “La batería” de Enrique
Llacer Regolí del 60 y otro de Errol
Garner del año 20. Cuando estudiabas
estos libros, te dabas cuenta que había
que buscar información donde fuera.
Bueno, el caso es que entrar en Atila para
mí fue un salto brutal, hizo que mucha
gente se fijara en un chico muy joven.
Luego todo un reto con 16 años
sustituir a Santi Arisa en la Mirasol…
Con Atila, coincidimos en un festival
de esos hacían entonces, en Mallorca y
allí estaba la Mirasol, yo iba con Atila,
había 7 u 8 grupos no recuerdo ahora.
[6]
Entonces estaba Santi Arisa a la batería
y Mario Lecaros un pianista chileno que
dirigía la banda, me vio y me dijo hay algo
que me gusta en ti, en como tocas y yo
le dije: yo estaría encantado de tocar en
una banda como la tuya… total que me
dijo…. hagamos una prueba. Y al cabo
de una semana, con 16 años me cogí el
tren desde Gerona hasta Barcelona… fue
una odisea, me cogía el tren a las 5 de la
mañana para llegar a Barcelona a las 11
al ensayo –por cierto era el único puntual
(risas)- y así estuve 15 días, hasta que le
pregunté a Mario, bueno ¿Qué te parece,
me aceptáis en la banda…? Y él me dijo,
si, sí, queremos hacerlo contigo. Este fue
un salto brutal, porque allí me di cuenta
de cuantas carencias tenía como músico.
Necesitaba aprender muchas cosas,
mejorar la cuestión musical, la cuestión
métrica… En la Mirasol los temas eran
complejos, había unísonos, cosas que
debíamos tocar juntos, ambientes…
por eso ensayábamos todos los días, –
Siempre lo comento en las masterclass- se
ha perdido un poco ese romanticismo de
la entrega en la música, lo vocacional…
Es como si te hicieras monje, hay que
rezar todos los días tantas horas… En
esa época todos ensayábamos mucho.
Esa oleada de músicos en Barcelona
formamos parte de lo que se llamó la
Entrevista
“Música Layetana” la exigencia era
muy alta, las bandas tenían una gran
personalidad…. Algo que ahora noto
a faltar muchísimo. Música Urbana, La
Mirasol, Iceberg, Dolores… todas estas
bandas, tenían un lenguaje propio, en
el rock pasaba igual Bloque, Asfalto…
tenían su personalidad.
Me tuve que poner las pilas a tope, Mario
era muy exigente en el lado positivo
porque siempre quería que fuera mejor
músico.
¿Un batería nace o se hace con el
tiempo y el trabajo?
Eso ya lo contesto el gran Beethoven…él
decía que en la música había un 15% de
genio y el 85% de trabajo. Yo creo mucho
en el trabajo…para mi es crucial. Quizás
por ser alguien con unas condiciones
normales para la música..En las bandas
trato de ver la actitud hacia la música, el
esfuerzo que estas dispuesto a hacer. Los
grandes músicos, comentan que debes
buscar pequeños retos como músico…
Por ejemplo…yo aprendo del mejor
músico en mi escalera, en mi bloque, en
mi barrio… es una manera de colocarte
incentivos que ayuden a ir progresando.
Hay alumnos que el primer día de clase
me dicen…Salvador quiero llegar a tocar
como Vinnie Colaiuta…y yo siempre les
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digo…. En primer lugar nunca serás Yo intentaría hablar más de un músico conocer estas áreas. concierto en el Carnegie Hall de NYC
Vinnie…eres otra persona y en segundo ¿Por qué digo esto? Porque la música es Para un baterista algo muy importante y es un show de batería de dos horas
lugar, antes de llegar a un reto de este ritmo, armonía y melodía. Si tu reduces es el tempo, es crucial trabajar con el ¿Está disponible? Si, si, si… Tengo
calibre, hay muchas y muchas otras tu conocimiento solo a la parte… metrónomo, con loops, con cualquier que estudiar muchísimo para el show
metas por el camino. la rítmica....reduces el conocimiento sistema que te ayude a buscar ese tempo esto una barbaridad etc. Al cabo de
al 33% de ese tema. Yo creo en una universal y que te ayude a trabajar más media hora suena el teléfono de nuevo
Uno de los problemas que veo en estos formación musical amplia, creo y le dicen: Mire somos de tal banda el
fácilmente con los demás músicos.
días, es la cantidad de información pero necesario que un músico que estudie baterista se ha puesto enfermo, ¿usted
a la vez la poca formación. Esto produce un instrumento rítmico, debe estudiar Berroa siempre explica en sus masterclass lee partituras verdad? Si, si, podía venir
una gran frustración…hay chicos que también uno armónico y viceversa, a la una historia que me gusta mucho, dice, esta tarde hacemos un ensayo y nos
quieren emular a grandes baterías pero hora de enfrentar cualquier problema, estoy en mi casa y de pronto suena el ayuda a solucionar el problema, claro
sin querer ver todo el trabajo que hay sin duda tienes más visión. Entonces teléfono, cojo el teléfono y dicen: Mr. que sí. Cuelga el teléfono. Entonces
detrás. un baterista, un músico, debe intentar Berroa le llamamos para hacer un gran les pregunta a sus alumnos ¿Cuál es la
En Estados Unidos estudiaba una media llamada más lógica que voy a recibir?
de 10-11 horas diarias, pero eso es lo Los alumnos suelen decir que la
que estudiaban todos. Cuando hablas segunda. Pues para eso es para lo que
con Weckl, Acuña, Erskine, Berroa me tengo que preparar ¿para qué voy
te das cuenta de que hay un esfuerzo a ser necesario yo? Pues mi trabajo se
impresionante detrás de todos ellos, debe de ajustar a ese target...
a parte de las condiciones innatas. Muchas veces vienen alumnos que
Se nace…..Si… pero a la vez uno se me piden que les haga una revisión,
hace…. para mí es importantísimo. yo a este tipo de revisión lo llamo la
También te tengo que decir que he ITV…risas…. A veces viene gente que
tenido alumnos con menos condiciones hace barbaridades, cosas que son muy
pero con gran voluntad de trabajo. Al difíciles y como es lógico yo valoro
cabo del tiempo, se ha comido al de más el trabajo que lleva… pero una vez
talento, porque no se ha columpiado… visto…digo bueno,….. pero ¿a qué te
el maldito ego…esto pasa en cualquier dedicas? ¿en dónde estás tú? En Lugo
profesión. por ejemplo…., bueno y en Lugo ¿Te
servirá todo esto para tu target, para
¿Qué cualidades crees que debe
desarrollar tu trabajo en la zona? Bueno,
de poseer un buen baterista? a veces mis compañeros me dicen que

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toco demasiado…Aja…está bien que dedicarse a la percusión, practica ¿Diferentes estilos requieren baladas a 40 de metrónomo, tienes que
vayas por delante y tengas ilusión en rudimentos, para tocar en las Marching diferentes cualidades? trabajar a estas velocidades, el volumen,
hacer cosas complicadas, pero no Band, esto es crucial, te da lenguaje, el lenguaje etc.
puedes perder tu visión de cuál es tienes que tocar con 14 tíos más, y si Sí, no es lo mismo tocar thrash metal, Hay una teoría de trabajo que siempre
el objetivo principal…que músico no estás ajustado no funciona. También que tocar baladas en un crucero, o ser explico a mis estudiantes. Le llamo la
necesitan…. Siempre hay que tener esa ocurre en la música latina y el grupo de un músico de jazz fussion o de Pop. técnica de los “Vasos Comunicantes” se
actitud romántica de querer avanzar que percusión. Hay música que requiere un carácter basa en que cuando tu estudias en casa,
me parece genial pero hay que tener los La música tiene mucho que ver con las distinto en cada estilo. los parámetros deben ser parecidos a
pies en el suelo. matemáticas, y nuestro instrumento… cuando tu tocas. Por ejemplo, si estás
Cuando estuve en la Mirasol me di mucho mas…no te puedes escapar. Este es uno de mis hándicaps…me en una banda de thrash metal tocando
cuenta que tenía que reforzar mucho Mas adelante cuando ya dominas el apasionan muchos estilos…no soy un a 180 de metrónomo o 200 con un
mi tempo, tenía problemas con ello, tempo…habrá músicos que te pidan gran especialista en un estilo… pero por volumen brutal, y después en casa
como pasa a muchos bateristas cuando otra parte a la hora de componer me estás con el metrónomo a 40 o 50 con
eres joven, tienes mucha energía y eso a un volumen de baladas… se produce
veces te hace correr….tocar nervioso…. una dicotomía…para nuestra mente
Hay que conocer lo básico del lenguaje tocas dos instrumentos…uno que se
rítmico, como: corcheas, negras, colocar llama la batería y otro que se llama el
acentos…esa es la columna principal, pad…La comunicación entre los vasos
si das muchos golpes y no eres capaz comunicantes está totalmente obstruido
de hacer algo tan sencillo como un y la información no logra pasar de un
Tresillo de Negras,….Caray!..., tienes lado a otro.
un problema estás en el escalón 24 pero Si creo que debe haber especialización,
no controlas el escalon 2…Si quieres tocar música como el heavy metal donde
construir un rascacielos muy alto, el batería hace un esfuerzo importante,
necesitas cimientos súper profundos. te obliga además a cuidar tu físico, tus
Cuando ves a gente como Chambers musculos, tu espalda, tus muñecas.
o Colaiuta, a parte de sus condiciones, Muchos bateristas debido al esfuerzo
han trabajado todo, no tienen lagunas. y la tensión terminan con problemas
de tendinitis. Un baterista español que
Una de las cosas interesantes de la tocar atrás del tiempo, así que deberás da una visión interesante de la jugada.
hacía demos en este estilo, me llamó
educación musical en USA, es que en conocer muy bien dónde está el tempo Pero si,….. la música requiere una un día diciendo que tenía una tendinitis
el instituto, todo el mundo que quiere o pasarán cosas peliagudas. cierta especialización, si quieres tocar brutal. No puedes estar aplicando

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tensión todo el rato sobre la baqueta cumplir la misión que tienes que hacer
porque tus músculos tienen un tiempo en la música.
de vida. Hay que calentar, estirar… En las master class, explico que para un
yo en todo este tiempo no he tenido baterísta hay diferentes status, el primero
lesiones…pero, toco madera ;-). cuando decides ser batería y tocar este
instrumento, aunque estés sentado a
¿Cómo te definirías? ¿Cómo un
la batería estás 2 metros atrás, viendo
batería técnico de feel/grove...? la batería, pensando que instrumento
Es muy difícil definirme, porque he más bonito, estás tan obnubilado por
hecho un poco de todo…. Hacer un el instrumento que no sabes ni dónde
patrón…. a veces me Angel Celada, estás sentado.
me comenta…Salvador yo me tiro 15 Cuando han pasado 2 ó 3 años esto
minutos haciendo un mismo patrón ya depende de cada uno, empiezas a
sin parar...y yo siempre se lo digo, te fijarte en la posición de los platos, en
admiro, yo no puedo hacer algo así. la independencia, en trabajar esto o lo
Sé que es importantísimo, pero por mi otro, estás comenzando a conocer el
carácter me cuesta, soy muy curioso. Me instrumento.
gusta Steve Gadd porque es capaz de Cuando han pasado 3 ó 4 años más
Practico, porque mi pasión es la batería más amplia de la música, mi manera
hacer algo así y después tocar el Three dices: ostras estoy tocando con otros
y cuando no practico no me encuentro de tocar ha cambiado muchísimo,
Quartets de Chick Corea. músicos y no les he hecho ni puñetero
bien, es lo que te decía de la vocación. cuando escucho como tocaba hace 20
Aunque también he hecho giras donde Voy a cumplir 55 este año, llevo 46 años no me gusta nada … Cuando hice caso durante todo este tiempo, al cabo
se toca el mismo patrón y a ser posible años dedicado a esto, para mí es como mi disco en solitario Azul, realice un de unos años mas empiezas a ser capaz
a la misma velocidad en cada show. respirar. A veces hago un break, antes gran esfuerzo como instrumentista, de percibir, ostras mi guitarrista está
Debo reconocer que mi estilo está en iba con las baquetas a todos los lados, compositor y productor. Creo que por haciendo esto pues yo voy a hacer esto
un concepto quizás más movido dentro esto lo he dejado un poco de lado, eso es de los pocos trabajos antiguos y ya tienes una visión más musical sin
del instrumento, me gusta a veces seguir eso no es bueno te puede llevar a una que me gusta. dejar de empujar a la banda.
más al solista o acentuar según qué obsesión, te encierra dentro de ti… La mayoría de las cosas que hice en Y cuando tienes muchos más años
cosas….. y creo que en algunos casos el árbol ese CD, las sopesé muchísimo, con eres capaz de salir de la banda, salir
no te deja ver el bosque. El hecho de una visión musical. Eso es para mí lo del escenario y sentarte con el público
¿Sigues practicando todavía?
componer me ha hecho tener una visión importante…intentar ser un músico y y disfrutar escuchando a la banda.

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Los grandes músicos logran hacer
esto, tocan para el público y lo están
disfrutando con ellos, es el objetivo.
¿Qué baterías te han influenciado a El Negro…….
lo largo de tu carrera?
Hay muchos para mi es difícil hacer la de John Scofield, ese trabajo lo vi
lista porque como he tocado muchos varias veces, uno cuartetos de los más
palos diferentes me gustan tanto
bateristas de rock, como de jazz, de
jazz fussion, de funk… cuando tenía
10 u 11 años descubría a Tony Williams,
Billy Cobham, hay muchos…. Marada
Michael Walden fue un batería que
cuando lo escuché con la Mahavishnu
Orchestra me sorprendió muchísimo,
Alex Acuña o Peter Erskine con la
Weather Report, buf….han habido
muchos.
En los clásicos Max Roach, Art Blakey,
Philly Joe Jones, Joe Morello, Lionel
Hampton etc…no me gusta mucho
Buddy Rich y que no se enfade nadie,
es muy técnico… pero me gusta mucho
más Papa Joe Jones por ejemplo, sé
que Rich es un icono para la mayoría
de bateristas americanos o del mundo
pero ¿sabes? lo veo, me impresiona y…
no me comunica….. Eso que siempre
me ha gustado la técnica de nuestro
instrumento…..pero en cuanto a gustos
no hay nada escrito……
Sin olvidar a Colaiuta, Weckl, Smith,
Donati, Greb, Sanchez, Berroa, Stewart,
Me gusta mucho Dennis Chambers,
sobre todo cuando estaba en el cuarteto
espectaculares de los últimos años y
sin embargo con Santana… pues no
me gusta tanto.
Es lo malo de estar muy especializado,
cuando un baterísta impresionante lo
sacas de su sitio, te puede no gustar,
esto me lo explicaba Alex Acuña, a
veces a él lo llamaban porque como
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puede tocar percusión además de la
batería. En esas grandes producciones
llamaban a bateristas de mucho
prestigio… el productor viendo que no
le funcionaban,…le decían… “Alex no
te vayas cuando termines”… borraban
las pistas del otro batería y él además de
la percusión grababa la batería.
Con tantos años de carrera,
colaborando con tanta gente de
palos bien distintos… ¿Hay algo a
destacar que hayas aprendido? Y de
toda esta gente ¿Hay alguien que te
haya marcado…?
Cuanto más lees sobre los grandes, entre toda esta gente. Destacaria las
te das cuenta que la mayoría de ellos cuatro personas que considero como
Entrevista
siempre dicen…Donde más aprendo es
de los errores….Pues conforme pasan
los años, veo cuánta razón tienen…
donde más he aprendido es cuando me
he dado un batacazo.
De los éxitos se aprende poco, además
son efímeros, un día estás ahí arriba y
al día siguiente no lo estás porque es un
momento puntual.
He tenido la suerte de tocar no solo
estilos muy distintos, sino también en
ámbitos muy distintos, por ejemplo….
de música para ballet a teatro, he hecho
películas, giras, grabaciones…todo este
bagaje te da una visión muy interesante
del show business.
He aprendido muchísimo con todo,
he cometido errores como cualquiera,
muchísimos y me han hecho aprender,
porque cuando tu cometes un error
te tienes que poner las pilas para
subsanarlo, te ayuda a ver tus flaquezas.
Cuando llegué a Estados Unidos la
lectura no la tenía muy fuerte…trabajar
aquí con Joan Albert Amargós me
ayudó mucho… Si tuviera que destacar
algunos músicos que han sido claves
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Entrevista

mis maestros… Mi hermano Eduardo que viene a ser lo mismo ponerle música
el primero me acercó al mundo de la una historia visual. En este campo, la
música, el segundo fue Mario Lecaros música tiene que ser descriptiva y me
el pianista de la Mirasol que me ayudo apasiona el hecho que la música este
a ver los pilares flojos del edificio y acorde a lo que se está viendo.
reforzarlos, el tercero fue Max Sunyer La gente me pregunta si no echo de
con Carles Benavent. Este trío me ayudó menos las giras, y siempre digo…pues
a buscar la libertad dentro de todo esto, aunque cueste creerlo, no mucho…pero
a poder improvisar, a escuchar al que para mí siendo genial tocar con Jorge
está al lado, ahora escucho 40 veces más Pardo, Max Sunyer, Jordi Bonell, Kitflus,
que cuando tenía 20 años y por último Carles Benavent y tantos y tantos buenos
Joan Albert Amargós, es un músico músicos, es algo espectacular… etc. Eso
fuera de serie. Trabajar con él un placer sí, siempre que me han llamado intento
constante, llevo colaborando desde el darlo todo siempre, si he cometido un
año 80. error ha sido porque en ese momento
no podía dar más, siempre he intentado
Ahora en las piezas que compongo, dar el 200 %, la actitud es crucial.
siempre le llamo para que colabore, es
Continuaremos con esta interesante
un placer estar al lado de alguien que
entrevista en el próximo número.
siempre te sorprende, cuando pensaba
que no se podía subir más el nivel, pues ¡Hasta entonces!
él lo hace. Siempre me da lecciones
constantemente y eso para un músico
es un lujo.

Han habido muchas historias durante

estos años, las he vivido de todos los
colores, mi curiosidad me ha llevado
a hacer cosas muy diferentes, música
de películas…quiero decir que tal vez
sería lo que me guste hacer el resto de
mi vida, o la música para las ceremonias
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Luthier

primer lugar no es lo mismo hacerlo en una batería acabada con "wrap"(acetato),

como son la mayoría de las vintage, que hacerlo con una acabada con laca sobre
madera tintada, al natural con cera y/o aceite o cualquier otro tipo de pintura
de color sólido. Para todos los acabados que no sean "wraped", a mi juicio, solo
veo dos motivos para dar el paso. O bien es una gama media o baja, o bien esta
totalmente destrozada la laca, con rayas, desconchones, etc... "wrapear" un kit
acabado con aceite y cera me parece poco menos que un crimen y desde luego
ten en cuenta que el sonido va a cambiar inevitablemente perdiendo vibración.

Dicho esto vamos a centrarnos en darle un acabado con wrap ya que para hacerlo
lacado, tintado, etc. y conseguir un resultado digno, la mejor opción es encargarle
Toni Fernández el trabajo a un profesional.

Necesitaremos, a parte del wrap:

A
menudo nos viene a la cabeza a todos al ver el nuevo
kit de algún conocido, lo hartos que estamos del
aspecto del nuestro. Tiene ya más de diez años y
llevas viéndolo día tras día como se ha llenado de
marcas de guerra, como ha perdido el brillo y tu retina está
más que saturada de recibir una y otra vez la misma imagen.

O quizá acabas de adquirir por eBay ese kit vintage que llevas buscando meses
y la verdad, unas buenas fotos hacen milagros para el vendedor y te dejan una
cara de idiota al recibirlo digna de enmarcar...

Pues bien, sea por el motivo que sea, no es tan complicado cambiar el color de
tu kit y volver a enseñarlo con el pecho hinchado de orgullo a tus amigos. En

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BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26
Para calcular la cantidad de wrap que
necesitamos, debemos hacer un esquema
con las medidas de los elementos que
vamos a cubrir basándonos en las
medidas de las láminas de wrap. Las
láminas que fabrica Delmar USA, (el
principal fabricante de este material)
son de forma rectangular y miden 24"
de alto por 54" de largo.
Utiliza la formula (Pi x diámetro)
para calcular el perímetro de la
circunferencia de cada tambor para
saber si necesitarás más de una de
largo para cubrirlo. Por ejemplo,
con este tipo de láminas el máximo
que cubre una son 17", ya que Pi x17 son 53,4.
Juega un poco al tetris para optimizar el espacio en cada lámina y así comprar
la menor cantidad posible, ya que los precios de las de calidad no son baratos
precisamente... Recuerda también incluir en el esquema los inlays de los aros del
bombo, (si tu kit los lleva).
TTTSuelen caber en lo que sobra de las láminas para el bombo, pero no esta
de más comprobarlo. Digo láminas en plural por que para el bombo siempre
tendrás que usar dos. Hay varias maneras de hacerlo, pero para mí la de mejor
resultado visualmente, es una utilizar una entera y un parche para completar en
la parte que apoya en el suelo.
¡Vamos a empezar!
[13]
Luthier
Desmonta la batería por completo, bellotas, patas, rosetas, etc. Si es un kit vintage
el badge estará fijado con un ojal metálico en el agujero de descompresión.
Con una lima redonda, lima el interior del ojal contra el canto del agujero, con
cuidado de no dañar el badge, hasta que se rompa el ojal. Son finos y no te costará
demasiado. Después, con cuidado, desliza un cuchillo fino, cutter, o cualquier
otra cosa entre el badge y el casco hasta que lo despegue.
Con los cascos desnudos por completo, debes retirar el acabado antiguo. En el
caso de ser laca, pintura, aceite, etc. tan solo te queda la lija y paciencia. Puedes
ayudarte con una lijadora eléctrica. Dejan marcas muy difíciles de quitar después,
pero en este caso no nos importa ya que incluso facilitarán la adherencia del wrap.
Líjalo todo con un grano máximo de 180, ya que no queremos que quede suave
y déjalo lo más limpio posible de polvo.
Si lo que tiene es un wrap, evidentemente hay que quitarlo. Aplícale calor con el
secador de pelo, se paciente, posiblemente la cola lleve ahí más de 20 años... a
medida que se reblandezca desliza el cutter por debajo hasta tener suficiente trozo
despegado para estirar de él con la mano y continua aplicando calor y estirando
hasta retirarlo del todo. Las prisas pueden dejarte un buen pedazo de casco con
la última capa de madera arrancada, insisto, ¡sed pacientes!
Una vez retirado todo el wrap viejo hay que preparar el casco. Existen disolventes
para retirar los restos de adhesivo, pero nunca he tenido claro hasta qué punto
puede afectar a la madera y desde luego no me gusta nada el "repelo" que deja
en ella, así que aunque más laborioso, yo prefiero el método tradicional, que no
es otro que lija y paciencia... Exactamente igual que en el caso de los acabados
lacados, pero para retirar el adhesivo.
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Luthier

Vamos a preparar los trozos de wrap. Pon la lámina
boca abajo sobre una mesa, mide la
altura que necesitas aproximadamente
y ponle una tira de cinta de carrocero
hasta el final de la lámina. Marca la
altura exacta sobre la cinta y con una
regla traza la línea por donde vas a cortar.
Utiliza las tijeras intentando ser lo más
exacto posible, es un material bastante
duro, así que tampoco te vuelvas loco si
te vas un poco, después habrá que limar
y la línea no será el filo real del casco. En
la cara que queda a la vista debes marcar
una franja al final para solaparlo de más o
menos 2 pulgadas. Retira el film protector de
esa franja, (no del todo) delimítala con cinta
y líjala para que el adhesivo agarre.
Intenta que queden a la vista los cortes de la
propia lámina que son perfectos y deja los tuyos
para la parte de debajo del solape.
Una vez cortados todos los trozos dadle una pasada superficial con la lija
de grano grueso a la cara interna del wrap para que se adhiera mejor.
Ayudándote de algo, (unas simples pinzas de tender la ropa) coloca el
wrap alrededor del casco y comprueba que todo queda perfecto teniendo
en cuenta donde están los agujeros de las bellotas y donde quieres que
quede la línea de solape.
Después de probar varias formas, para mí, la mejor es justo antes de una línea de
bellotas para que éstas ayuden a mantener el solape con la presión que ejercen.
Sujétalo con las pinzas al casco y coloca en el lado contrario al solape un trozo
de cinta por la cara externa y traza una pequeña línea dentro del casco y sobre la
cinta que luego será nuestra guía para empezar a encolar haciéndolas coincidir.
Para evitar que se pegue en espiral dejando las juntas torcidas, siempre hay
que hacerlo con el casco de pie y apoyando un lado del wrap en la mesa, de
esta manera, si siempre está apoyando sobre la mesa, siempre mantendrás
la perpendicularidad con el casco.
Ya tenemos los cascos preparados y los
trozos de wrap también, así que vamos
a pegarlos.
Voy a basar la explicación en el adhesivo
de 3M 30NF, pero cualquier cola de
contacto con base al agua servirá y en
la etiqueta vendrá la explicación del
fabricante.
Con el pincel de espuma "pinta" de cola
todo el casco, quedara de un color lechoso,
incluso dale dos pasadas, pero seguidas. haz
lo mismo con la cara interna del wrap y la
franja de solape. Retira la cinta para delimitar
el solape justo después de pintarla y espera
a que seque la cola. Cambiará de color y
quedará transparente en aproximadamente
20 minutos. ¡Llega el momento más tenso! Es

[14]
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26
la hora de pegarlo y recuerda que al ser adhesivo de contacto, no hay segunda
oportunidad, ni opción de recolocar...
Con el casco en vertical sobre la mesa coloca el wrap en posición y haz coincidir
las marcas de la cinta y el casco. Empieza a pegar por ahí, primero hacia el lado
que va a quedar debajo en el solape y luego el contrario. Asegúrate de hacer la
máxima presión posible y no dejar burbujas de aire que luego hacen feo el acabado.
Solapa en final y coloca el listón de madera encima de la junta sujetándolo con
las dos mordazas. Debes dejarlo secar antes de manipular nada, al menos 24h,
pero si son 48, mejor.
Pasado el tiempo de secado, retira las mordazas y la madera y ¡ya tienes el wrap
instalado! bueno, casi...
[15]
Luthier
Para eliminar el sobrante utiliza el cutter primero y déjalo más o menos como el
del filo que estaba apoyado en la mesa. Utiliza la lima plana para limar el exceso
que sigue habiendo tomando como referencia la inclinación del bearing edge.
Sé que impone, pero no se le hace absolutamente ningún daño. Verás que va
quedando perfectamente ceñido al principio del bearing edge y con este libre
como debe quedar. Es un poco laborioso, y hay que hacerlo en los dos lados,
pero una vez más la paciencia será tu aliada para un resultadoperfecto.
Ahora ya tienes tu acabado terminado y listo para agujerear y colocar el hardware
de nuevo.
He visto mil métodos para retirar el wrap de los agujeros de las bellotas, muchos
de ellos casi mas propios de una tortura china, bisturí, cutter, taladro manual, pero
para un trabajo sencillo y con los agujeros perfectos, es tan simple como utilizar
un taladro sin cable, (por el peso y el tamaño) ponerle la broca de la medida
exacta del agujero de la bellota y apoyando el casco sobre un mártir de madera,
repasa cada agujero desde la parte interna del casco. Agujeros limpios y exactos...
Ahora retira el film protector del wrap, monta el hardware de nuevo y ¡presume
de batería nueva!
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Sonorización

¿Cómo es posible que en los tiempos que corren

se siga escuchando, “ya no se hacen discos como
los de antes”?. Desgraciadamente esta frase ha
derivado en otra todavía mas extendida que dice
algo así como “la tecnología se ha cargado la
Alberto Tresguerres (RedFamily studios)
música”.
En parte, ambas afirmaciones son ciertas, pero habría que matizarlas un
poco. Los avances técnicos han sido tan rápidos e increíbles en estos últimos
años que han hecho que cualquiera pueda hacer un disco en su casa.

Esto, como es lógico, debería ser bueno; pero la realidad es bien distinta. La
facilidad con la que hoy podemos cambiar sonidos de caja y bombo con un solo
clic, o afinar cada nota de una melodía en poco más de tres, ha traído consigo
una terrible consecuencia. El músico se ha acomodado y el productor se ha
hecho vago.

Hay discos de los años 30, 40 y 50 que suenan increíbles y se grabaron con apenas
dos micrófonos e incluso con uno.

Pero fue la irrupción de la grabación multipista en el '58 (Atlantic Records, cuatro

pistas) y más tarde su expansión al Reino Unido en el '63 (Abbey Road) lo que
terminaría por sentar las bases de la captación multimicrofónica que ha llegado
hasta nuestros días. Aunque en realidad sería más tarde, entre los '70 y '80 con
los primeros veinticuatro pistas, ya empezaban a experimentar con el aislamiento
de secciones.

[16]
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Sonorización

Como anécdota, remarcar que todos los trabajos discográficos ingleses anteriores al '63 Todos nosotros tenemos un ordenador, un buena tarjeta de sonido, un puñado
se grabaron en dos y tres pistas, pero aun así consiguieron estar a la altura de la industria de micrófonos y lo más importante ¡muchas ganas!
americana (incluidos los Beatles), e hicieron pasar a la historia a productores como Phil
Spector y Joe Meek. Esta técnica está diseñada para trabajar en seis pistas, pero es fácilmente adaptable
a cuatro, sacrificamos matices pero obtendremos un buen resultado.
¿Cómo es posible que la mayoría de los discos de
hoy en día no suenen igual de bien?, o mejor ¿si
disponemos de más medios? Pues bien, esto es
“Nos hemos relajado, Necesitaremos un micro de Bombo
(SENNHEISER E 602, AKG D 112 o similar),
debido a que sin duda nos hemos relajado, estamos
descuidando la captación artesana e incluso la
estamos descuidando un micro dinámico cardiode (Shure sm 57 o
similar) y cuatro micros de condensador, para
interpretación del músico. la captación artesana e poder llevar a la practica la técnica completa
dos de ellos han de ser bidireccionales
Para un productor, escuchar al músico ha de ser lo
más importante, y a cada uno lo captará como crea
incluso la interpretación (Behringer B2 o similar).
Primero el bombo, pues será nuestro primer
necesario con el objetivo de extraer ese sonido
que le hace único.
del músico” plano. Dependiendo de que sonido busques
para tu tema utilizaremos tres posiciones
básicas:
Otro dicho popular del sector, “La base rítmica es el disco”, marca el principio La primera nos sumará pegada, por lo que recomiendo no utilizarla en bombos
de nuestra pequeña aventura, empezaremos hablando de captación de baterías. medianos y sí en grandes (20” 22” 24”) o instrumentos que la tengan de por si.
Puesto que es sobre lo que vamos a tocar posteriormente, es importante que Situaremos el micro en un pie bajo frente a la boca del bombo (el famoso agujero)
prestemos especial atención y que mimemos hasta el último detalle. y lo situaremos a unos dos, tres dedos de esta. La distancia es un poco subjetiva
pues creo que es muy aconsejable jugar con ella para conseguir el sonido que
Hay multitud de formas de hacerlo y quizás mas adelante ampliemos materia, buscamos, cuanto más podamos aproximar el sonido deseado en captación, menos
pero me gustaría empezar por la que más me estoy decantando últimamente en procesaremos después esa señal y conseguiremos más naturalidad y fidelidad a
mi estudio. la tocata del músico.

Es verdad, dependiendo del estilo musical y sobre todo del músico podremos Es precisamente la proximidad a la salida directa del aire del bombo y el diafragma
utilizar diferentes técnicas de captación pero la mayoría de ellas no están al alcance ancho del micro lo que hace que se sume pegada.
del usuario medio. La segunda es para aquellos bombos a los que les falte un poco de cuerpo, sobre

[17]
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Sonorización

un pie de jirafa pequeño, colocaremos y la bordonera.

el micro dentro del bombo y orientado De esta manera equilibraremos bastante
hacia el parche de pegada. Yo prefiero parche y bordón, sumando matices de
evitar orientarlo directamente a la maza, madera o metal, según el caso.
pues se capta un sonido un poco tosco,
pero sí la tomaremos de referencia para Es recomendable disponer de varias
apuntar a las intersecciones del parche y cajas para buscar distintos colores en las
la madera en esa altura. canciones, pero si no se dispone de un par
por lo menos os animo a que investiguéis
La tercera y ultima irá destinada a bombos con la afinación del tambor sin forzar
sobrados de pegada en general pequeños demasiado pues se puede deformar el
de 18” ó 16”. sonido. Cada caja tiene un sonido y no
se debe cambiar bruscamente o puede
Para estos no necesitamos ni pie, que la caja nunca vuelva a ser la que era,
situaremos el micro directamente sobre el así que ojo.
material absorbente del bombo, orientado Pasamos a los Over Head, para los que
hacia el parche de pegada. No hace falta que lo orientemos de ninguna manera usaremos dos micros de condensador para hacer la técnica que se conoce como
en concreto, basta con echarlo dentro para sumar cuerpo, pero el productor par estéreo. En sendos pies de jirafa los situaremos a derecha e izquierda del
juega por naturaleza y podréis matizar el sonido jugando con el paneo interno. instrumento. Uno de ellos lo situaremos entre el plato y el charles, dando prioridad
A muchos os resultará obvio, pero la batería tiene que estar bien afinada para en la orientación a este ultimo. Al otro lado haremos lo mismo con el ride y el
la ocasión y sobre todo que suene bien en la captación, pues a veces un sonido otro plato, pero lo orientaremos entre ambos. La distancia debe ser variable, pero
desagradable en el local que estemos utilizando para grabar puede ser un puntazo se ha de saber que cuanto más altos se sitúan, recogen más el sonido de la sala.
en captación, por lo que escuchad siempre las pregrabaciones. Cuanto peor sea el sonido de la sala más próximo tendrá que captarse el sonido
y nos podremos aproximar hasta palmo y medio, incluso más si disponemos de
El segundo plano lo formará la caja. Habitualmente se utilizan dos micrófonos, micrófonos con atenuación (-10)
uno al parche y otro a la bordonera, pero andamos cortos de pistas así que
utilizaremos el recurso milagro. Situaremos nuestro micrófono dinámico en un Por último pasaremos a los micros de sala. Para esta combinación sacaremos el
pié de jirafa (por comodidad mediano, pero valdría cualquiera) y la orientaremos máximo rendimiento posible utilizando los micros de condensador bidireccionales
al ecuador de la caja, no al parche sino al instrumento en si, justo entre el parche montados en X a unos dos metros del instrumento con las membranas a la altura

[18]
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26
de los ojos del baterista y orientada L y R. Es decir, una al hihat y la otra al ride.
Como los tenemos en bidireccional, estamos recogiendo el sonido que reflecta
también por la parte trasera, lo que nos dará más profundidad y podremos sacar
multitud de matices en mezcla.
Lo malo de ésta es que si la sala suena bien, nos sumará reflexiones indeseables.
Para esto hay un pequeño truquillo. En mezcla, pasaremos los dos micrófonos por
una puerta de ruido seleccionando todas aquellas frecuencias que nos queden por
debajo de la caja, consiguiendo así limpiar la señal y estos micros nos colorearán
ésta, sumando pegada y cola.
Como habréis observado la mayoría de vosotros, los toms no van microfonazos,
pero no os alarméis,
si se hace bien no
es necesario. Los
dos pares estéreo
bien combinados
en mezcla nos
darán un sonido
profundo y natural
del instrumento.
Para el acabado final, siento
comunicaros que ninguna de las ciencias escritas
es cien por cien cierta, pues en realidad la mayoría
de los discos que nos gustan están mezclados a
oído, como se ha de hacer siempre.
Pululan por la red cientos de tratados y
tutoriales sobre ecualización, pero no han
de ser más que orientaciones, no todos los
[19]
Sonorización
instrumentos se mueven en los mismos rangos sonoros, por lo que generalizar
en este caso no es bueno.
Una vez más tendremos que tirar de ingenio para conseguir que nuestra grabación
sea lo más natural posible.
Para ello nos armaremos con un compresor y un ecualizador, que insertaremos
en los canales de bombo y de caja.
Primero, comprimiremos la señal al gusto, no a todos nos gusta la comida al
mismo punto, a mí me gusta el solomillo crudo, por lo que comprimo lo justo
para que el bombo no se descontrole en los tiempos más fuertes o las cajas no
se disparen. La mayoría comprime las señales mucho, sobre todo las cajas, pero
esto hace que el instrumento pierda cola y a mi juicio lo difumina, pero para
todo hay un momento.
La ecualización ha de ser sutil pero eficiente y la ecuación a seguir es bien sencilla.
En los bombos, buscaremos reforzar las perdidas que siempre se sufren en la
captación. En cuatro bandas, los graves suman cola en el cuerpo, mientras los
medios-graves sacan rangos de la madera del bombo que en un momento dado
nos pueden interesar. Los Medios ayudaran a la pegada natural del bombo y los
agudos aumentarán pick hasta puntos insospechados.
Si bien la ecuación anterior es aplicable a todo, conviene que matice dos puntos
para la caja. Los agudos en esta forma de captación de caja nos aumentaran el
cerdeo de la bordonera, mientras que los medios sumarán parche. Es por esto que
la considero una técnica milagro, si bien no es lo mismo que tener dos señales,
es sin duda la mejor baza para no perder versatilidad en mezcla.
¿Reverb sí o reverb no? Pues un vez más, depende. George Martin produjo las
baterías del álbum Blow by Blow de Jeff Beck sin usar ni una gota, o por lo
menos eso me parece apreciar pues el resultado es una batería de un presencia
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Sonorización

arrolladora utilizando únicamente la cola de la sala y casi seguro que por lo menos ayuden a llevar vuestra música a otro nivel y podamos demostrar que podemos
una caja por tema. hacer grandes temas utilizando las últimas tecnologías como herramienta, pero
sobretodo con trabajo previo de músicos y productor, pues en realidad es lo que
De todas maneras, esto no siempre funciona, seguramente ni tendremos la hacen únicos los discos que adoramos.
sala, ni tendremos al músico, de manera que en un bus cargaremos una reverb
y como es lógico enviaremos a éste nuestras señales de batería, por si acaso, las
seis. Utilizando siempre la caja como referencia, seleccionaremos la reverb que
más se aproxime a lo que buscamos. Las cortas favorecerán la pegada y las largas
sumaran cola.

Como norma aplicaremos un poco a la caja, para conseguir el matiz que buscamos.
Para encontrarlo tenemos que ecualizar también la reverb, éste es el verdadero
secreto, esta ecualización es lo que marcará el carácter de la caja y con ello nuestra
mezcla de batera. Tanto es así que en ocasiones basta con la ecualización de la
reverb para dar en el clavo.

Para empastar bien nuestra caja, tomaremos como referencia la voz, en el caso de
que la haya. De no ser así nos iremos a la referencia melódica, metales, guitarra,
etc. El objetivo es que se muevan a una. Nuestro bombo pegado al bajo y la
caja sin soltar la melodía principal. Esto nos obliga a conocer la canción antes
de afrontarla y lo que hace de la sección rítmica un eslabón crucial en vuestras
producciones. Por ello nunca debéis descuidarlas, pues unen los dos planos de la
canción. Si la base es buena lo demás es coser y cantar, de lo contrario preparaos
a sudar sangre.

El consejo más practico que podría daros sería “Que no os dé miedo tocar poco
la señal, asustaros solamente si tenéis que hacerlo mucho…”

Con esto doy por concluido el reto de hoy y espero que estas triquiñuelas os

[20]
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26
Pepe Cantó
V iendo el fantástico documental sobre Paco de Lucia, “La búsqueda”,
que su hijo Curro Sánchez ha rodado sobre el gran guitarrista, disfruté
como un enano, no solo por la figura y el arte de Paco, sino también por
la buena factura de la película. De entre todos los comentarios vertidos
sobre Paco, por colaboradores, amigos o gente de su entorno, hay una, en
cuanto a sus cualidades musicales, que me gustó mucho.
[21]
El comentario lo hace el enorme bajista Carles Benavent, cito textualmente: “… el pulso
de Paco es perfecto, pasa de un picao que es como una ametralladora a un trino súper
delicado, sin perder el pulso, a esto yo le llamo: control de las emociones…ésta es la
gran virtud que tiene Paco”.
Es muy común que cuando estamos tocando un tema y llegamos a una sección más
animada, o con más punch, como es el caso de un estribillo, como se suele decir “nos
vayamos para arriba”, o sea, que estiremos el tempo algún que otro beat. Algunos dicen
que es el feeling, otros en cambio dicen que es la falta de control, opiniones enfrentadas
de difícil acuerdo.
Otra cosa que suele suceder es el entusiasmo común, propiciado por una situación de
“buen rollismo” musical en el escenario, y que puede desembocar en una especie de
carrera de cuadrigas desenfrenada, dada por un buen solo, una coda interminable o un
estribillo “molón”. Suelen ser momentos de mucho brillo musical, pero que al margen
de que sucedan en una coda nos dificultarán el volver a esa estrofa o ese puente que nos
haga entrar en razón, pues ya estaremos situados en una velocidad punta, incomoda,
desfasada y de difícil reducción.
Mucho peor es el desfase que provoca el cambiar a frases con más o menos notas. Esa
frase de semicorcheas a la que no se llega bien, por falta de técnica, y en la que sin darnos
cuenta disminuimos la velocidad para acomodar ese grupo de notas a nuestro espacio,
en el que si antes cabían 8 notas, ahora debemos apretar 16, como si fuera el camarote
de los hermanos Marx.
Un movimiento menos típico, lo digo por alguna experiencia, es el del solista que quiere
retener su fraseo, sobre todo en aquella balada “lucidora”, no dándose cuenta de que
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26
“tocar atrás” no significa que los instrumentos rítmicos tengamos que estar peleando
con sus notas, como si mantuviésemos un pulso en un bar de carretera americana, con
algún camionero pendenciero.
Son muchas las posibles causas de estos “movimientos sísmicos”, frase irónica para
definir estás turbiedades rítmicas tan molestas, pero que en esencia son inevitables, pues
es muy difícil abstraerse de la emoción que provocamos y pensar solo en la excelencia
de la interpretación.
Walfredo Reyes Jr., en uno de los mejores clinics que he visto, hablo bastante sobre el
tempo. Entre algunas de sus experiencias, recuerdo que habló sobre cómo en una gira con
Johnny Hallyday, y pese a formar parte de una banda excepcional, inexplicablemente el
tempo se iba para adelante, y él como batería no podía controlarlo, porque el resto de la
banda eran músicos con mucha personalidad, así que la forma de solucionarlo fue ponerse
una claqueta, hasta que pasada parte de la gira, los músicos se habían acostumbrado a
las velocidades reales y pudo liberarse de los auriculares.
Como contradicción a ello, comentó que en otro trabajo en directo, esta vez para el
pianista Joe Sample (Crussaders) se creó una mala atmósfera rítmica entre ellos, ya que
si bien Walfredo intentaba tocar de forma muy recta, Joe cambiaba un poco los tempos
en relación a los cambios de estructura. Hasta que el propio Joe le dijo, si estás tocando
conmigo olvídate del tempo exacto y ves con el mío, es así como quiero que suene. A partir
de ahí, contando claro está, con que Joe Sample tiene un tempo perfecto, todo funcionó,
Joe, según palabras de Walfredo, tan solo quería restarle rigidez a la interpretación.
En cualquier caso, tanto en la experiencia con la banda de Johnny Halliday, como con
Joe Sample, todo obedece a un plan, a una forma de hacer las cosas.
[22]
Casi imposible separar la acción de la emoción, la pregunta puede, aparentemente, carecer
de sentido. Pero visto lo visto, creo que sí lo tiene.
Controlar las emociones no tiene porqué ser sinónimo de falta de estas. Ya que el propio
control no deja de ser, en sí mismo, una emoción. Desde pequeños nos enseñan, o deberían,
a utilizar el autocontrol ante situaciones críticas. Por tanto utilizar estas herramientas
para tocar mejor, solo puede reportarnos beneficios.
En el ambiente musical es muy común escuchar sentencias sobre las excelencias de tocar
con sentimiento, con feeling, con rollo, con actitud. Y por supuesto que es innegable:
James Brown, Camarón o el propio Paco, son pruebas indiscutibles de ello. Aunque
deberíamos preguntarnos si lo verdaderamente importante es emocionarnos o emocionar.
Cualquiera de estos monstruos emociona, eso está claro, pero me pregunto, ¿hasta donde
están controlando sus emociones, para regalarnos interpretaciones tan soberbias? De
forma que éstas suenen perfectas a nuestro oído.
Es por ello que viene a cuento la manida frase de: el fin justifica los medios. Ese control
de emociones de las que habla Carles Benavent, refiriéndose a Paco de Lucia, nos hace
ver que la musicalidad se trabaja no solo con los ejercicios y la técnica, sino con otras
herramientas. Queda claro que el sentido rítmico y del tempo de músicos como Paco de
Lucia, son innatos, ya existe una, digamos, predisposición genética a ello. Pero a pesar
de todo, Paco recomienda en el mismo documental, a uno de sus bailaores, estudiar con
metrónomo, como hizo él.
Controlar las emociones en la ejecución, no debería interpretarse nunca como algo que
indicase frialdad, sino como la búsqueda de emocionar al oyente.
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Software

Marchando una de cuerdas

Agus González-Lancharro

E
n los últimos años, he tenido la oportunidad de hacer
reviews de una amplia gama de librerías como: Cinematic
Strings 2, Hollywood Strings, Symphobia 1 y 2, etc…
de las que podemos sacar diferentes conclusiones, también es
verdad que la tecnología va avanzando en favor del consumidor.
Esta semana he probado la librería de 8DIO, Adagietto, basada
en la serie Adagio, que consta de cuatro secciones separadas
para violines, violas, violoncelos y contrabajos y de las cuales ya
hablamos hace un tiempo. Veamos que nos espera en este pack.

[23]
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Software

Adagietto nos ofrece una combinación de las bibliotecas Adagio en una sola
librería a modo "ensemble" que proporciona una manera de trabajar rápida
y fácil de usar cuando uno más lo necesita. 8Dio nos ofrece en este producto
tanto la opción de utilizar cuatro cuerdas en un único patch, o cada sección por
separado utilizando patches individuales. La librería pesa poco menos de 13 GB
y se registró con 11 violines, 8 violas, 6 violoncelos y 4 contrabajos. Contiene
dos selecciones de micrófono a elegir – en la distancia y cercano - lo que nos
permite también mezclar ambas selecciones. A diferencia de Adagio, aquí no
encontraremos ni secciones divisi ni micrófono intermedio.
Adagietto, como su hermano mayor Adagio, funciona bajo la premisa de que
la dinámicas se captan mejor durante la interpretación/grabación original y el
crossfading entre las capas dinámicas no tiende a dar buenos resultados. Esto
significa que tiene una gran cantidad de patches que cambian la dinámica dentro
de las propias interpretaciones grabadas.
composiciones, así que te alegrarás al encontrar en este pack una buena variedad
de ellos. Al igual que cada sección instrumento individual, los patches de conjunto
tienen sordino dinámico ejecutados de dos maneras diferentes. Junto con el
sordino también encontraremos sustains. Los sordinos de micrófono lejano
son realmente buenos y cuando se combinan con las diferentes ejecuciones el
resultado puede ser muy emotivo y exuberante.
En cuanto a las otras articulaciones como el pizzicato, no tenemos mucho que
objetar ya que nos ofrecen un sonido muy natural y realista, incluidos los Bartok.
Conclusión 4.75/5
Adagietto es el pan y la mantequilla de Adagio. Simplemente funciona. Sin
complicaciones. Pim, pam, pum. Todo está cuidadosamente diseñado para
que solo te molestes simplemente en comenzar a componer. Totálmente
recomendable.

Hemos de tener en cuenta que una reverb es aún más importante aquí que con
librerías grabadas con colas más obvias tal y como ocurre en Berlin Strings,
Cinematic Strings 2 y las ofertas de Spitfire Audio y que en ese caso la reverb es un
poco más definida para un uso más rápido sin complicaciones. Aquí, deberemos
de emplear algo más de tiempo encontrando el punto a nuestro plug-in de reverb.

El patch de Ensemble sostenidos probablemente sea uno de los más utilizados

para la mayoría de las personas que poseen esta biblioteca ya que nos permite
escribir para conjunto de cuerdas fácilmente y de manera muy rápida. La interfaz
increíblemente simple de 8Dio nos hará disfrutar de estos bellos sonidos sin
demasiados esfuerzos. Por supuesto, tener una interfaz tan sencilla, no significa
que no estés recibiendo la mayor cantidad de opciones modificables como algunas
otras bibliotecas de la competencia, pero para ser honesto, creí que aquí ganan
la partida debido a su sencillez. Los Ensemble Trémolo y Ensemble Trills Patch
suenan increíble también con sonido grande y resonante.

A menudo nos encontramos ante la necesidad de utilizar sordino en nuestras

[24]
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Multimedia

DISRAELI GEARS CREAM

John Platt. Ed. Schirmer Books Chris Welch. Ed. Miller Freeman Books.
Disraeli Gears es el título de un álbum emblemático en la historia del Desde un dietario que refleja día a día la agenda del grupo a los inicios del
rock de los años 60, el grupo que lo creó Cream, fue el primer power-trío blues británico de la mano de Alexis Korner o John Mayall, este volumen
formado por músicos ya legendarios, Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger de Chris Welch, redactor de Melody Maker, da un repaso en seis capítulos
Baker. Canciones como Strange Brew y Sunshine Of Your Love son standars a la evolución de una banda clave en los años 60, Cream.
del rock.
Con una atractiva maquetación, que incluye cantidad de fotos y documentos
Este libro recoge la historia de Cream desde los inicios en clubes de de la época, nos ofrece una completa visión de la banda de Clapton y
jazz o blues hasta su advenimiento a la escena underground británica de compañía.
aquellos días.
Una obra definitiva sobre Cream.
Incluye entrevistas, documentación
e información que refleja fielmente
la escena musical de entonces. Todo
en 158 páginas y por 15 dólares.

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BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26
PSICHEDELIC TRIP
Alan Bisbort & Parke Puterbaugh. Ed. Miller Freeman Books.
Este no es un libro estrictamente musical pero sirve para complementar el retrato
que hemos querido dar en este número de Cutaway de una época muy importante
para la música: los años 60.
En el se puede apreciar de una manera descriptiva y analítica todas las formas y
disciplinas artísticas que interactuaban en aquellos años.
Moda, cine, comic, poster-art, televisión y por supuesto música y todos los
cambios que escenificaron es su momento y que han servido de caldo de cultivo
e influencia para las generaciones posteriores hasta nuestros días.
[26]
Multimedia
Tiny Desk Concerts
NPR Music
Acudimos esta vez a la red para visualizar una propuesta de directo como
es Tiny Desk Music, que usa la plataforma NPR Music para difundirse.
Se trata de pequeñas actuaciones de alrededor de 20 minutos de artistas
que no aparecen en los circuitos convencionales de distribución, pero que
tienen propuestas de mucha calidad que ofrecer. En la oficina de Tiny
Desk, con muy poquito espacio tocan generalmente en acústico y en un
ambiente relajado sus temas.
Han pasado por ahí todo tipo de artistas desde populares como Jackson
Browne, Jakob Dylan o Suzanne Vega a otros que lo son menos o pertenecen
a estilos minoritarios. Lo mejor es que te pases por su web y disfrutes de
su larga lista. http://www.npr.org/series/tiny-desk-concerts/
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26
DIDÁCTICA PARA PRINCIPIANTES
Alberto Felipe
GUÍA PRÁCTICA I:
CUERPO Y MENTE
E n este artículo encontraremos una pequeña
guía escrita de todo lo que hay que hacer antes
de ponerse manos a la obra y las costumbres que
hay que adquirir para no perder el rumbo mientras
estudiamos (o mientras decidimos que estudiar).
Si bien la técnica, el conocimiento de la batería, o el
lugar donde poder practicar, son muy importantes, a
veces descuidamos aspectos como la administración
de nuestro tiempo, o el enfoque delante de tantas
cosas que aprender. Reflexionando alrededor de
estos puntos, encontraremos la clave para ser más
productivos y conseguir nuestros objetivos de la
manera más eficiente.
[27]
Didáctica
Hábitos
Tu cuerpo funciona por costumbres, cuanto mas repitas una acción, mejor te va a
salir. Si lo que quieres es aprender a tocar la batería, la mejor manera de hacerlo
es dedicando un poquito de tu tiempo cada día. Cuanto más, mejor, pero siempre
cada día.
No vale estar toda la tarde de un lunes practicando, y no volver a coger las baque-
tas hasta la semana que viene (desde luego, no es la manera más eficiente de sacar
partido a tu tiempo). Lo mejor es practicar cada día por muy poco tiempo que
tengas (20 min., 30 min...). ¿Lo ideal? 1 hora/día.
La motivación
Practicar cada día no puede depender únicamente de la disciplina, porque si es así,
llegará un momento en el que bajaremos la guardia. El secreto de la constancia,
es descubrir como mantener la motivación. Es tu motor. Aquello que te empuja a
querer ser mejor cada día. Sin ella, acabarás dejándolo
Intenta que las cosas que practiques sean nuevas y excitantes, que sea lo que a ti te
gusta (en mayor o menor grado): Descubre nueva música, nuevos estilos, encuentra
baterías que te inspiren, sueña con subirte encima de un escenario o formar una
banda con tus amigos. Cualquiera de estos ejemplos, los puedes utilizar para seguir
adelante con ilusión y eficiencia.
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26
¿Qué y cómo practicar?
Si tienes una meta, es mucho más fácil conseguir tus objetivos, sentarte sin saber
exactamente a donde vas, lleva directo a la frustración. Clarifica tus ideas.
Al principio, aconsejo aprender cosas que sean prácticas, que se puedan aplicar
de manera clara a las canciones. Sentarse a aprender los rudimentos básicos, o
solfeo, no lo veo apropiado para atraer a nadie al mundo de la batería. La gente
que empieza, lo hace porque quiere tocar canciones, tocar música, así que ese va
a ser nuestro objetivo.
Para mi esta es la manera más amena y musical de aprender a tocar la batería:
Por ejemplo, coge una canción de un grupo que te guste (de tu nivel, muy senci-
lla si estas empezando), e intenta aprenderla. Identifica los patrones que se están
utilizando y practícalos por separado. Ve desbloqueando todas esas dificultades,
hasta llegar a tocarla perfectamente.
A medida que vayas aprendiendo más canciones, verás los patrones que tienen en
Es por esto que, en mi
opinión, hay que trabajar
dos áreas muy diferenciadas:
La técnica y la mentalidad
musical.
[28]
Didáctica
común, y estarás desarrollando también la mentalidad musical, que por el contra-
rio, si solo aprendieras ejercicios, rudimentos o solfeo, no estarías desarrollando.
De esta manera vais aumentando el nivel de las canciones e incluso, con el tiempo,
introduciéndoos en otros estilos (algo que os enriquecerá enormemente como
músicos).
Hora de estudiar
El tiempo que dedicamos a practicar con el instrumento, tiene que enfocarse y
definirse correctamente, como: “Tiempo de práctica, que sirve para desbloquear
las distintas zonas mentales que intervienen a la hora de tocar la batería, así como
para adquirir las capacidades físicas necesarias para realizar esta actividad”.
Es por esto que, en mi opinión, hay que trabajar dos áreas muy diferenciadas: La
técnica y la mentalidad musical.
A veces perdemos mucho tiempo trabajando solo en una parte, la técnica. Cuando
practicamos, nos centramos en hacer las cosas rápido (o de la forma mas compli-
cada posible), sin reparar en que hay otras áreas mucho más interesantes (o lo que
es más importante, más practicas).
Mentalidad musical
Antes de comenzar con ejercicios, es muy importante comprender que la música no
sale de las manos, sale de la mente. Tus manos (o tus pies), son sólo una herramienta.
La coordinación, el saber desenvolverse en un ámbito musical, el expresar lo que
quieres realmente y no lo que “te sale” (control sobre lo que haces), la creatividad,
son algunos de los frutos de desarrollar adecuadamente este aspecto.
La mentalidad musical, es un concepto muy importante que esta relacionado con
otras frases más familiares como: “sentido del ritmo”, “oído musical”… pero no
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Didáctica

es lo mismo.
¿Te has preguntado alguna vez, por qué una persona que sabe tocar un instrumento,
tiene más facilidad en aprender otro diferente? La respuesta es sencilla. Es por que,
en menor o mayor grado, su mentalidad musical esta desarrollada, y no parte de
cero como cualquier otra persona que no tenga experiencia musical.
Técnica
En cuanto a la técnica, hay que decir que es muy amplia, ya que hay muchos movi-
mientos que se tienen que interiorizar y dominar. Genéricamente, lo dividiremos
en: manos, pies y combinaciones entre ambos.
En el próximo artículo, entraremos de lleno en los ejercicios básicos de éste apartado.

¿Cómo desarrollarla? Para cualquier duda o sugerencia podéis escribir a: alb.felip@gmail.com

Podemos hacer varias cosas:

Escuchar música es algo fundamental. Comprender cuando interviene cada ins-

trumento, saber identificar cada sonido de la batería, etc. Tocar música encima de
play alongs (canciones sin batería) o discos. Ver actuaciones en directo, o videos
de gente tocando intentando comprender que es lo que están haciendo (donde se
pueda ver con facilidad lo que hacen), etc.

En YouTube, hay miles de videos que se ven muy bien en este sentido. Aunque no
seas capaz de tocar lo que estas viendo, es muy importante que entiendas lo que
está pasando, e incluso que lo sientas.

No menospreciéis al hecho de sentarse y aprender mirando o escuchando. Es muy

poderoso.

Un ejercicio muy tonto, es cantar lo que estamos tocando en voz alta. Empezamos
por golpes sencillos (por muy tontos que parezcan), y poco a poco intentamos
hacer cosas un poco más creativas. Con este ejercicio, nos iremos asegurando de
que tocamos lo que queremos (y no lo que nuestras manos quieren: vicios), a la
vez, también estaremos desarrollando nuestra creatividad.

Estiramientos

[29]
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26
DIDÁCTICA PARA PRINCIPIANTES
Alberto Felipe
CONCEPTOS BÁSICOS II:
MANOS Y PIES
E
n el artículo anterior, abarcamos conceptos como
la colocación y nombre de los componentes,
posturas, como coger las baquetas, protección
auditiva, y algo que no parece tan inmediato, pero
es fundamental para poder construir correctamente
nuestra personalidad como músico: La filosofía del
instrumento.Siguiendo donde nos quedamos la
última vez, daremos paso a la explicación de como
realizar lo que en inglés se llama “stroke” (golpear
al tambor con la baqueta)
[30]
Didáctica
Técnica de manos
Nuestro anterior artículo finalizaba con la explicación introductoria de cómo coger
las baquetas, y los puntos más importantes a tener en cuenta. Uno de ellos, el
“Fulcrum”: Lugar exacto donde las cogemos, y que sirve como punto de balance
para que se mueva de arriba a abajo.
Aproximadamente estaría donde indica la imagen, pero
hay que recordar que solo hay un lugar exacto (y que en
cada baqueta es único), que ofrece el mejor balanceo,
una vez lo encontremos, tendremos que memorizarlo
o simplemente marcarlo.
Todas las técnicas que iremos desarrollando se sustentarán
en este punto, así que es muy importante interiorizarlo,
una vez hecho, notaremos que es esencial para aprovechar
el rebote de la baqueta, y obtener ventajas como: un
Fulcrum
mejor sonido, mayor velocidad, y menor esfuerzo a
la hora de tocar. La baqueta tiene un rebote natural,
que debemos entender para poder controlarlo, de esta
manera lograremos utilizarlo en nuestro beneficio. La
manera más intuitiva de entender el rebote, es mediante
el ejemplo de una pelota de baloncesto: Si la dejamos
caer contra el suelo, veremos que empieza a botar hasta
que poco a poco la altura del rebote disminuye. En
cambio, si la “empujáramos” hacia el suelo cada vez Fulcrum
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Didáctica

que vuelve hacia arriba, seguiría como el Jazz, por ejemplo, necesitamos mucho control en dinámicas a bajo volumen.
botando continuamente. Nuestra primera opción será idónea para este caso. Por el contrario, si tocamos

La acción de controlar el rebote

consiste precisamente en eso,
como un jugador de baloncesto al
botar una pelota (pero lógicamente
trasladado al mundo de la batería):

Cuando golpeamos el parche, la baqueta rebota igual que la pelota. Si sabemos

aprovecharlo, empujando con una mínima fuerza lograremos que rebote de la
misma manera.

Es aquí donde tenemos que repasar, que mientras el pulgar e índice actúan de
bisagra (fulcrum), el resto traen hacia la palma de la mano la baqueta provocando
Pop, o Rock, nos será mucho más fácil obtener el sonido que queremos tocando
este movimiento.
con el talón levantado, ya que se utilizan un grupo de músculos más grandes, y nos
será más fácil darle con fuerza.
Técnica de pies
La segunda técnica, es la que se presenta como la opción más intuitiva. Iremos paso
A la hora de golpear en el bombo con el pedal, encontramos dos maneras de
a paso describiendo el movimiento. Entre los principiantes, siempre hay confusión
hacerlo: con el talón en el suelo (Heel Down), o levantado (Heel Up).
sobre que músculos actúan:
La primera opción, la utilizaremos cuando necesitemos poco volumen. En estilos
Primeramente, colocaremos el pié a una cierta distancia, ligeramente por encima
de la mitad del pedal ( fig.1).

Con la fuerza de los gemelos, la espinilla, y finalmente la punta de los dedos (nunca
con la parte de los cuádriceps), pondremos el pié de puntillas (fig. 2).

Y por último, a la hora de realizar el golpe, dejamos caer la pierna desde el talón,
volviendo así al punto inicial. Recalcar, que estos tres pasos ocurren en muy poco
tiempo( fig.1).

[31]
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Didáctica

de pago mensual. Esta opción puede resultar muy económica si empiezas a tocar
más a menudo, y además tienes la posibilidad de compartirlo con mucha gente.
Incluso si no tienes batería, y conoces a alguien del local que te la pueda dejar,
puede resultar una muy buena oportunidad. También hay otras alternativas como
la batería electrónica, que si bien no son muy fieles a las acústicas, si pueden servir
para dar los primeros pasos (si somos conscientes de sus limitaciones/desventajas).

Tienen muchas ventajas e inconvenientes. Las ventajas son obvias, no ocupan tanto
Fig. 1 Fig. 2 Fig. 3
espacio, ni son ruidosas, con lo cual podemos tenerlas en casa, empezar a coordinar
debidamente todas nuestras extremidades y desarrollar nuestro sentido del ritmo.
Entre golpe y golpe, reposar la pierna en el pedal como en la imagen del primer
movimiento. Así nos mantenemos en equilibrio, y no malgastamos energía mientras Sin embargo, las desventajas
no utilizamos esa extremidad. sino se manejan con cuidado
pueden ser peligrosas.

Lugar donde practicar La falta de sensibilidad y un

rebote exagerado, hace que
No todo es técnica y música, para muchos de los lectores de esta sección este es
por bien que toques en la
un mundo completamente nuevo. Debido a que nuestro instrumento no se puede
electrónica, tu nivel en una
tocar en cualquier sitio (y no es de los más baratos), es posible que muchas perso-
real no es equiparable. Es
nas no sepan por donde empezar. Muchos de nosotros al principio no podíamos
un buen primer paso y una
costearnos ni una batería acústica, ni una electrónica, y probablemente tampoco
herramienta con muchas
conocíamos a ningún músico que nos aconsejara. Para todo aquel que empieza o
utilidades, pero hay que
quiere empezar, la primera pregunta que surge es donde poder hacerlo para lo cual
tener claro que de momento
se pueden barajar varias opciones.
no puede substituir una acústica. Por fortuna, hoy en día nuestro instrumento ya
Existen locales que se alquilan por horas para tocar con tu banda, alrededor de no es tan inaccesible como lo era hace unos años, y tanto por publicaciones Web
unos 8-10€ la hora. Allí encontraras todo el material necesario tanto si quieres tocar como esta (y otras fuentes de información), como en las alternativas comentadas,
con amigos, como ir a practicar tu solo (algunos, incluso tienen tarifas especiales aprender a tocarlo y probarlo, ya esta al alcance de todo el mundo.
si vas solo). La ventaja de estos sitios es que están totalmente equipados. No
Para cualquier duda o sugerencia podéis escribir a: alb.felip@gmail.com
necesitas material. Por otro lado, si ya tienes batería, puedes alquilar un local vacío

[32]
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26
POR BULERIAS
Elías Gargallo Aguilella
Atrévete a probar tu propia versión, interiorízala y déjate
contagiar por el carácter y el buen gusto de un patrón
reconocible en cualquier contexto.
A partir de un complejo patrón como son las Bulerías
podemos desarrollar múltiples variantes. Algunas de
ellas mucho mas sencillas de aplicar fuera del flamenco
más puro.
D espués de pasar semanas escuchando el disco New York Reunion de
Marc Miralta (¡discazo!) me sorprendí a mi mismo calentando antes de
un bolo sobre un patrón de Bulería. Era la primera vez que en cierta
manera lo había interiorizado sin tener que ir pensando en combinaciones de
manos o acentos. Es algo que seguramente todos hemos escuchado y que quizas
hemos intentado tocar en algun momento. Aquella típica explicación rápida y
frustrante del que viene y te dice: “Que sí hombre, que es fácil. Mira tu haces
[1 2,1 2 3,4 5 6,7 8,9 10] y ya lo tienes”… Ja!! Ni de lejos. Una cosa es saber la
“fórmula” que define el patrón y otra muy distinta es ser capaz de darle sentido
y que suene decente sobre el kit. Las variantes son interminables y el viaje desde
el cajón a la bateria es apasionante.
Antes de seguir me gustaría aclarar que para nada intento hablar sobre la Bulería de
forma purista. Nada más lejos. Mi intención es poner sobre el papel la evolución
[33]
Didáctica
que ha tenido este patrón en mí y como ha inspirado algunos grooves que me
encantan. Interiorizar la Bulería puede ser genial tanto para desplazar acentos
como para pensar sobre el kit de una manera muy distinta. Se pueden construir
grooves a partir de un patron “esqueleto” sobre el que apoyarnos, manteniendo
el carácter pero aportando nuestra interpretación personal. Vamos, que las
variantes son infinitas.
El primer paso es plantear el “esqueleto”, que es una variación del patron primario
sobre el que nos basamos. En este caso el patron primario es la Buleria y nuestro
“esqueleto” será:
Como podéis ver el resultado es un compás de 4/4 más uno de 2/4 (derivado de
las 12 pulsaciones de la Bulería) o un 6/4 según se prefiera, lo cual nos permite
crear múltiples desplazamientos dentro del típico 4/4 en el que normalmente
están compuestos los temas.
Para empezar vayamos paso por paso. En mi caso la forma más sencilla para
poder llegar a tocar un ritmo complejo es desmontarlo. Transformarlo en un par
de sencillos pasajes, trabajarlos individualmente y a partir de las partes construir
un todo.
En esta ocasión podríamos deconstruir el esqueleto en dos piezas. Cada una de
ellas por separado, puede que no supongan una gran exigencia y no parezcan
demasiado interesantes, pero es la combinacion adecuada de las dos la que hace
que el resultado final sea tan interesante e inesperado.
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26
La primera sería una sucesión de tresillos con la primera de cada tres acentuada.
Este ejercicio, aparentemente sencillo, puede llegar a adquirir gran complejidad
teniendo en cuenta que lo introduciremos en un contexto de 4/4 y los acentos
ya no caerán en el 1 de cada tiempo si no que irán rotando dentro del compás.
La meta es ser capaces de tocarlo con fluidez a diferentes tempos e intensidades.
Una vez hecho esto nos será mucho más fácil incorporarlo a nuestro repertorio
y contextualizarlo.
Si te es dificil aguantar más de unos minutos con los tresillos a palo seco, no te
sientas mal, ¡nos pasa a todos! Atrévete con algunas variaciones interesantes. Sólo
cambiando los timbres sin cambiar la acentuación ya suena a algo totalmente
diferente y hace la práctica mucho más estimulante. Prueba a introducir un bombo
en la primera nota del primer tiempo y trasladar la mano derecha al Hi-hat o a
la campana de tu ride.
Esto ya es otra cosa…
La segunda pieza del rompecabezas sería acentuar la primera y la cuarta de grupos
de cuatro semicorcheas.
Esta coincide con los 2 últimos tiempos del esqueleto que hemos disenado antes
y es también una parte vital del carácter que queremos imprimir en este groove.
A la hora de incorporarlo en tu propia versión de Bulería ten en cuenta que ésta
es quizás la parte de las doce pulsaciones que se presta a más variaciones. Aquí es
donde te bombardean con sincopas, redobles y todo tipo de parones inesperados
que duran menos que el tiempo que tardas en darte cuenta de que todos han
parado y cuando tu paras el resto ya estan de vuelta en la pulsación 1… no se lo
deseo a nadie ¡es un mal trago de narices!.
Sigue el mismo proceso que con la combinación anterior, empezando con tempos
[34]
Didáctica
muy bajos para adquirir la memoria mecánica que te permita aumentar la velocidad
sin tener que pensarlo demasiado. Mantén las muñecas y la pinza en tus dedos
relajadas ya que, aunque al principio consigas algo mas de velocidad con mayor
tensión, te supondrá una barrera a partir de tempos más altos y te limitará en la
movilidad si quieres desplazarte por otras partes del kit.
Para aquellos con ganas de un poco más de “chicha”, una buena manera de
complicar estos ejercicios es transformar los acentos en flams. También puedes
tocar las dos notas no acentuadas con la misma mano. Si aún quieres más subdivide
las notas no acentuadas siempre intentando mantener una buena diferencia de
intensidad entre los acentos y el resto.
Si ya lo tienes bastante controlado, intenta aplicar todo esto al “esqueleto” al
completo y poco a poco ve introduciendo el pie izquierdo en el 2 y el 4 (y el
6). Puede parecer complicado al principio pero si lo consigues le dará un aire
completamente nuevo al groove en su conjunto y te ayudara a cerrar el ciclo
cuando llegues al último tiempo. Ahí es donde introduciremos la primera parada
y el Hi-hat se cerrara justo en el momento indicado dando un plus de intensidad.
En este punto nos encontramos ante el reto de trasladar todo lo dicho a todo el kit
para conseguir un groove consistente, que respete el carácter original del patrón
pero que nos permita jugar con las diferentes opciones a nuestro alcance. Ya no
estamos frente a un solo elemento, como puede ser el cajón o la caja, sino que
contamos con muchas más voces y timbres. Las variaciones son de nuevo infinitas.
Este sería un ejemplo de como construir un groove a partir del esqueleto inicial.
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Didáctica

Como podéis ver he sustituido el primero de cada dos acentos por un bombo.
Al alternar bombos y cajas nos da la sensacion de 2/4 en la caja sin perder el
aire sincopado. Las notas en la caja que no estan acentuadas apenas deberían
tener intensidad para que se mezclen bien con el Hi-hat (o el ride en caso de
que la mano derecha vaya al plato) dando una bonita continuidad al groove sin
necesariamente quedarnos en el Hi-hat todo el tiempo. Para terminar la parada
es muy característica. Es una opción de las mil que ofrece este groove y del que
por supuesto puedes (y debes) sacar tu propia versión.
Ideal con escobillas si te va jugar con las intensidades y los acentos fuera de la
lógica del 4/4. Ya puestos y con las escobillas en las manos, prueba a Swingarlo
(no sé si la palabra existe pero ya sabéis a que me refiero…). En este caso el pie
izquierdo es imprescindible ya que es el que hace que todo camine. Tú decides
si quieres que se mantenga en el 2 y el 4 (y el 6) o si quieres ir moviendolo según
dispongan los acentos. Esta sería una versión del groove anterior en clave swing.

Sea como fuere, de todos estos ejercicios puedes sacar un mundo de variaciones y
por supuesto cada uno tiramos a lo que más nos gusta, con lo que más disfrutamos
o lo que está a nuestro nivel de cara a poder tocarlo con comodidad. Mi consejo
es que te atrevas con todos ellos y, aunque sin empacharte, intentes poco a poco
digerir esta bonita combinación de acentos que tanto gusto da cuando uno ya la
tiene aprendida. Personalmente, mi preferido es el swingado ya que con acentos
y subdivisiones me lo paso pipa.
El tuyo puede ser otro. Otro en el que quizás yo ni siquiera haya pensado y que
salga de tu imaginación, de tus intentos de sacar algo que acaba derivando en
otra cosa totalmente diferente y que a lo mejor te acaba gustando aún más que
el “original”. Mi consejo sería: ¡Disfruta y no te limites!
 Cartas de plástico

N acido en Salt Lake City ( Utah ) como Richard Marsh, Sky saxon se
convirtió en uno de los mesías y santones de la California psicodélica
junto a Jim Morrison, Jerry Garcia, Gram Parsons, Arthur Lee, Roky
Erickson o Doug Ingle, representando con todos ellos un crisol de sonidos
mágicos y cósmicos bajo los efectos de la lisergia.

Desde el single seminal de 1965, Can´t seen to make you mine, los Seeds se
convirtieron al advenimiento del garaje desde el blues, planteando la psicodélica
como modo de enlace.
Sky Saxon junto a Jan Savage, Rick Andridge y Daryl Hooper desarrollaron toda
esa parafernalia a modo de una película animada.

Es muy posible que el disco más representativo sea; A web of Sound ( 1967 ),
grabado en los estudios RCA y Columbia de Hollywood y convertido en una
deslumbrante obra pictórica en uno de los momentos cumbre de la psicodélica
californiana con trallazos de pop en espiral como Mr. farmer, Pictures and designs
o Rollin´ Machine.

Con anterioridad editaron su disco homónimo The Seeds en 1966 y el posterior;

“Una Future en 1967, obra más flower power y progresiva de la banda de LA con
puntazos de rock sintético como; March of the flower o Six Dreams.. Además,
leyenda el mismo Sky se preocupaba del envoltorio de sus discos realizando los dibujos

viviente
y confeccionando toda la imaginería psicodélica de las carpetas.

de la cultura Sky Saxon Blues Band, fue un experimento que realizaron los Seeds en 1967 con
resultados de blues psicodélico y compartiendo por aquellos años escena mediática
pop de los con Love, Doors, Lyrics, Byrds y demás héroes de la psicodélica y garage.

sesenta’’ En 1970 grabaron su clásico, The bad part of town uno de sus singles de más
éxito.
Durante los años 70, Sky, forma parte de la secta-comuna vegetariana, The Source
Family, en la que colabora como músico en la banda de psicodelia experimental,

[36]
BATERÍA&PERCUSIÓN NÚM. 26 Cartas de plástico

Ya Ho Wa 13 aunque sería preciso matizar que utilizaron más nombres como Transparency ( 2005 ) es un intenso viaje de garaje psicodélico a cargo de un Sky
Father Yod and The Spirit. Tras la muerte del Padre Yod, líder de la comuna, Saxon regresando del país de las luces más envolventes.
siguieron grabando discos con la colaboración de los Seeds.
Increíble es su disco de versiones, The King of garage Rock ( 2008 ) con
En 2008 el mismo Sky con otros miembros el I wanna be your dog, Gloria o Wild Thing.
originales de la formación ha reactivado la banda.
Paralelamente Sky Saxon y Billy Corgan llevan a Hasta la fecha de su muerte en 2008 Sky Saxon siguió produciendo y
cabo otro nuevo proyecto de colaboración. grabando discos convertiéndose en una leyenda viva de la cultura pop
de los sesenta, siendo una influencia para las nuevas generaciones.
En 1977 y en pleno subidón new wave, llegaría,
Fallin off the edge, siendo el regreso de los Seeds
en una etapa en la que recogen nuevos fans,
posteriormente en los 80 y 90 serían reivindicados
por muchas bandas garajeras post punk y por otros
veteranos como Johnny Thunders o Alex Chilton.
El recopilatrio de 1983 The bad part of down fue
una revelación para los fans de los 80.

En 1988 bajo el seudónimo de Sky Sunligth, Saxon

graba un disco con una serie de bandas y artistas
admiradores del pope lisérgico que por aquella época tiene su
residencia en Hawai. El disco se titula World Fantastic y colaboran entre otros
muchos, Rudi Protrudi, Carla Olson, Steve Kilvey o Dave Provost convirtiendose
en una obra interesante por su rareza para cualquier fan.

En 1976 ya grabó un disco bajo el mismo seudónimo en su, Lovers Cosmic Voyage
y junto con su amigo Rainbow Neal, protagonizó unos shows en el Orpheum
Theatre de Los Angeles en 1977.
Con el mismo Rainbow grabó el disco, Heavenly Earth, reactivó los New Seeds
en 1972 y montó la World Peace Band.
Muy completo es el recopilatorio de los Seeds, Travel with your mind, editado en
1993 y donde se puede ver la interesante evolución de la banda durante los 60 y 70.

[37]
COLABORADORES MAQUETACIÓN
Agus Gónzalez-Lancharro Isabel Terranegra Fons

Alberto Felipe

Alberto Tresguerres

Asensio Ros “Wally”

Elías Gargallo Aguilella

Pepe Cantó

Toni Fernández

Toni Garrido

Nota Legal: La empresa editora de Batería & Percusión

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