El poeta mexicano Xavier Villaurrutia, junto con otros intelectuales, formó parte dela

Generaciónde los Poetas Contemporáneos. En sus trabajos, es un poeta que tiende a utilizar
todo lo relacionado con lo sensorial en sus obras- ya sea el léxico, los giros, las
construcciones- para transmitir sensaciones.

En el poema “Nocturno en que nada se oye”, Villaurrutia entra en un estado de sueño

profundo, el cual lo transporta desde un estado vital para acercarse cada vez más a un
estado mortal; el tema primordial del poema es ése: alcanzar el sueño profundo, el cual el
mismo poeta logra confundirlo de alguna manera con la muerte: “sin respirar siquiera para
que nada turbe mi muerte” (línea 2), más allá de que respira por que está vivo, trata de
evitarlo para así lograr el sueño, la muerte. Los límites del sueño y de la muerta se presentan
casi de la mano en un paralelismo desesperante que confunde estados y logra converger en
un estado único de muerte/sueño. Cuando el poeta logra alcanzar el estado profundo de
sueño, signos e imágenes de una muerte paulatina comienzan a aparecer en el desarrollo
del poema hasta el final.

En el poema, se pueden observar varias características atrayentes, propias del estilo de

Villaurrutia, como los juegos de palabras que caracterizan su discurso poético. En las líneas
“y mi voz que madura” (línea 19), “y mi voz quemadura” (línea 20), “y mi bosque madura”
(línea 21) e “y mi voz quema dura” (línea 22) se puede observar el llamativo recurso que
Villaurrutia utiliza al agrupar las sílabas de una o más palabras y obteniendo de esta manera
distintos significados totalmente alterados; este recurso se llama “calambur”.
La poesía de este poeta se caracteriza además por presentar una estructura basada en
paradojas, en las cuales los sentidos sensoriales juegan un papel importante, “como el grito
de hielo” (línea 24). El poeta escapa de la realidad junto con sus sentidos de percepción algo
perturbados, “sin brazos que tender” (línea 8) “sin dedos para alcanzar la escala que cae de
un piano invisible” (línea 9), “siento caer fuera de mí la red de mis nervios” (línea 29), para
entrar al mundo del sueño, donde el sueño y la muerte le dan la bienvenida. Nos hace
cómplices de su estado de inconsciencia, arrastrándonos al mundo de la antítesis
sueño/muerte.

La falta de puntuación en el poema nos permite efectuar una lectura más libre y menos
atada a la voluntad del poeta; cada uno es libre de detenerse o seguir a su antojo; tal vez
porque es así como sucede en lo más profundo de nuestros sueños; aquella realidad sigue
el ritmo que cada uno desea, nadie sigue un orden o ritmo estipulado por alguien en
nuestros sueños, todo parece estar unido pero suelto en palabras e ideas a la vez. La
elección del poeta al describir las acciones en tiempo Infinitivo, y en Presente del indicativo
en otros casos, implica el suceso de repetidas acciones progresivas en el presente, “siento
caer fuera de mí la red de mis nervios” (línea 29).
En cuanto a la voz del poema, estamos en presencia del “yo” lírico, el cual nos incluye y nos
arrastra en ese viaje hacia el sueño mortal del poeta “en la tumba del lecho dejo mi estatua
sin sangre” (línea 5).

En el desarrollo del poema, se puede apreciar el momento en que el poeta ingresa en el

mundo del sueño, “para salir en un momento tan lento, en un interminable descenso” (líneas
6 y 7). Aquí, el poeta describe el lento camino hacia el estado del sueño, casi inadvertido,
cuya dirección advierte hacia abajo, mediante un descenso, dando la idea de un inframundo
del sueño, rozando con la inconsciencia consciente de la muerte. A lo largo de este proceso,
ciertas imágenes sensoriales, nos permiten entender que estamos presos en el mismo sueño
que el poeta, que la realidad de la vida no es la misma que en el sueño: “dentro del agua
que no moja” (línea 14), “dentro del fuego lívido que corta como el grito” (línea 16). Estas
expresiones son reales, suceden en un sueño, donde el agua puede mojar como no, donde
el fuego corta como un grito. Estas personificaciones aportan cualidades humanas a ciertos
elementos vitales como el agua, el fuego; así es como lo ve el poeta desde afuera, donde
todas las cosas a su alrededor parecen tener más vida que él.

Las preguntas directas que surgen en el sueño, dan muestra de una inmensa confusión tan
básica como desconocer el significado de los labios, o las miradas. Dichas preguntas
apuntan al interlocutor, las cuales son interpretadas como fruto de ese desconocimiento
que surge en el sueño. Así, nos sentimos parte de ese sueño embriagado y sentimos como
propias cada vivencia del yo-lírico.

Se puede observar el recurso de la repetición mediante el uso repetido de la palabra “dentro”

(líneas 14, 15 y 16), el cual provoca un estado de ansiedad pero de calma al mismo tiempo.
Inmersos en un sueño profundo donde la repetición de preguntas o conceptos es común y
aceptable, hasta nos podemos imaginar el susurro adormecido del poeta al balbucear las
preguntas.

Al acercarnos al final del poema, el poeta muestra su desesperación por la falta de

conocimiento, propia de un sueño, “en el que no se nada” (línea 27). La realidad está
representada como la orilla donde el soñador olvidó sus pies y manos, sumergiéndose en
un mar y quedando a la deriva en ese mar de inconsciencia. La idea de “aquí en el caracol
de la oreja” (línea 25) nos da la sensación de un laberinto, de algo cíclico y repetitivo como
suceden las cosas en un sueño. Esta sensación de repetición, ciclo y laberinto se repite en
las dos últimas del poema donde el poeta re-expresa su sentimiento de soledad, “muda
telegrafía a la que nadie responde” (línea 32), donde se siente abandonado en ese mar de
inconsciencia, donde la muerte y el sueño se llegaron a aproximar tanto que ambos caminos
deben ser resueltos por diferentes caminos, “porque el sueño y la muerte nada tienen ya
que decirse” (línea 31). Está claro que se resuelve el tema de la superposición de estados,
dejando al lector con una sensación libre y abierta, como el mismo poema, acerca de su
regreso a la orilla.