© Julia Bax

© gil tokio
n. 04 | junho | 2018

Dica de Artista
conheça o trabalho
de Laíssa Moreira

que tipo de artista

você quer ser?
mais um textão por
Marcelo Campos

composição
um passo a passo
com Gil Tokio

e muito mais...
boas vindas | artur fujita & olavo costa

C
hegamos à quarta edição da nossa
revista digital! Neste número, a nossa
querida ex-aluna Laíssa Moreira apre-
senta seu trabalho cheio de poesia e
experimentação, e nosso professor
Gil Tokio mostra um passo a passo de uma
ilustração fenomenal, falando bastante
sobre a questão da composição. Além disso,
o diretor da escola Marcelo Campos descre-
ve alguns tipos de artista, pra que a gente
possa questionar que tipo de arte queremos
produzir, que tipo de artista queremos ser.
Três fatos curiosos sobre o Marcelo
Campos: primeiro, que ele adora filmes ruins;
segundo, que ele não tem olfato; e terceiro,
mas não menos importante, que ele odeia
artistas. Talvez “ódio” seja uma palavra um
pouco pesada, escolhida para chocar, num
chega a ser uma contradição, mas pra muita
gente é um bocado estranho.
E por que o Marcelo é assim? Simples: ele
é um artista! Um artista à moda antiga, que
acredita que a arte deva falar pelo artista e
não o contrário. Que fama é consequência,
não objetivo. Que, na verdade, não odeia
artistas, só não concorda com a visão do
ta
2
que ultimamente as pessoas creditam que vo
co
s
© ola
seja um. É bom lembrar que o artista pre-
cisa conhecer o mercado, precisa conhecer
o público a que o seu trabalho se destina QUANTA ACADEMIA DE ARTES
e não conversar só com o próprio umbigo. direção
No entanto, também é bom lembrar que Marcelo Campos
o trabalho do artista não é apenas uma gestão financeira | jurídica
Alexandre Figueiredo
presença passiva nos produtos que existem coordenação administrativa
nesses mercados. Nós, artistas, ilustradores Vanks Estevão | William Estevão
etc., assim como os designers, os editores relacionamento com o cliente

golpe barato pra tentar prender a atenção do
leitor. Mas até aí, a gente tá só escrevendo
um editorial, não tentando revolucionar este
espaço. Mas, voltando ao assunto, como é
e diretores de arte etc., e também o público Daniel Clayton
coordenação didática
consumidor de maneira geral geral, desem- Olavo Costa | Tainan Rocha
penhamos todos um papel importante na Silas Rocha | Helena Nascimento
transformação constante desses mesmos assessoria de imprensa | comunicação

que alguém que tem pouca paciência com
artistas poderia fundar a mais respeitada
escola de artes do país (na nossa humilde
opinião, é claro)?
mercados!
Para nós daqui da Quanta, Marcelo Cam-
pos é, sem sombra de dúvida, um artista
verdadeiro. Que devemos reverenciar, ouvir
Carol Fernandez | Felipe Campos
secretaria | recepção
Vandreia Gonçalves | Stefany Berglin
Thais Rodrigues | Lucy Silva | Sonia Rocha
limpeza | manutenção

Marcelo Campos é um artista autodidata
e criou uma escola. Foi o primeiro brasileiro
a trabalhar para o mercado americano de
quadrinhos e hoje não desenha mais. Não
e, claro, discutir quando discordamos dele. Vania Toledo | Maria de Lurdes
Paulo César Toledo
Porque, embora as pessoas possam ter
esquecido, arte serve para isso também! QUANTA DIGITAL
E você: que tipo de artista você quer ser? editor-chefe
Marcelo Campos
conselho editorial
- Olavo Costa e Artur Fujita Ronaldo Barata
Olavo Costa | Tainan Rocha
projeto gráfico | diagramação
Olavo Costa | Helena Nascimento
colaboradores desta edição
Marcelo Campos | Gil Tokio| Olavo Costa
Laíssa Moreira | Artur Fujita
dica de artista | laíssa moreira

© thomas destro
laíssa moreira 3
Laíssa Moreira é ilustradora e tam-
bém metida a escrever (quem sabe
vocês ainda não vão ver algum roteiro
dela por aí?).
Estudava arquitetura quando decidiu
se dedicar totalmente à ilustração
e veio correndo pra São Paulo pra
aprender mais. Ganhou a bolsa de es-
tudos do curso de ilustração da Quan-
ta em 2016. Hoje, além de estudar,
dedica grande parte do seu tempo a
tudo aquilo que pode lhe acrescentar
como artista.
Na maior parte de seus trabalhos,
procura dar preferência pelas técni-
cas analógicas (como a colagem, os
carimbos etc.) e explorar bastante a
expressividade característica de cada
material.
Para entrar em contato:
https://www.behance.net/la_moreira
@ lamoreira.art
textão | que tipo de artista você quer ser?
QUE TIPO DE artista
VOCÊ QUER SER?
1. DESENHistas, ILUsTRAdOres, ANIMAdores, E POR AÍ VAI
T
oda semana recebemos aqui na
Quanta interessados em ingressar
em nossos cursos de desenho,
ilustração ou história em quadri-
nhos. E uma das maiores dúvidas
apresentadas é sobre como entrar no
mercado. Que editora procurar, com que
editor falar, como falar com um editor, que
tipo de publicação se encaixa com meu
trabalho, como formatar um portfólio,
e por aí vai... Para saber as respostas
a essas perguntas, o interessado deve
na verdade responder a outra pergunta
um pouco mais complicada: que tipo de
artista você quer ser?
Existem, basicamente, três tipos de
artistas (é claro que esta é uma defini-
ção bastante simplista, mas a intenção
deste texto é ajudar os interessados a
criar um mapa sobre como eu vejo, mais
ou menos, o mercado; e saber que tipo
de desenhista, ilustrador, animador, ou
artista gráfico se quer ser é apenas um
dos aspectos da coisa toda):
Existe o artista autoral, com uma
linha “apenas intuitiva”. Estou falando
aqui de um tipo de artista que não
desenvolveu tanto o estudo técnico
dos fundamentos de desenho, pintura,
teoria etc. Seu trabalho é intuitivo ou
“visceral”, como dizem. Por isso, ele só
sabe fazer o que sabe fazer, e assim,
muitas vezes, não se adapta ao mercado
com facilidade. Ou o mercado não se
adapta a ele com facilidade. Esse tipo
de desenhista ou ilustrador possui um
estilo absolutamente pessoal, mas,
algumas vezes, ele pode também ser
influenciado demais por outro artista
de quem gosta. E, dependendo do nível
dessa influência, seu trabalho pode não
ser tão “autoral” assim.
Temos também o artista técnico, que
estudou a fundo todos os fundamentos
do desenho, pintura etc. Por dominarem
essas técnicas, esses se adaptam com
mais facilidade às necessidades do
mercado, podendo trabalhar para um
leque muito mais amplo de editoras e
linhas editoriais. Alguns deles, por terem
sofrido influências demais durante a
etapa de estudos para a estruturação
por
marcelo
4
campos
de seus conhecimentos técnicos,
acabam não desenvolvendo um estilo
pessoal tão forte. Talvez Robert Crumb possa
E existe o artista “completo” que ser considerado um legítimo
conseguiu desenvolver seu talento artista autoral ou visceral.
tanto no sentido autoral, instintivo,
quanto no técnico. Se este artista
conseguir gerenciar legal sua carrei-
© robert crumb
ra, poderá ter sucesso em diversas
áreas do mercado.
Escolher que tipo de artista se
quer ser é algo muito pessoal. E,
no caso de artistas que pretendem
estruturar suas carreiras com base
em um trabalho autoral, instintivo,
esta não é apenas uma “escolha” e
sim uma necessidade de expressão.
Ainda assim, como qualquer artista,
a maioria deseja entrar no “mercado”,
seja ele comercial (também chamado
de “mainstream”) ou autoral, e se dar
muito, muito bem. Todo artista deseja
obter sucesso com sua arte. Só que
esse sucesso geralmente está ligado
à receptividade positiva do público
para o qual seu trabalho é direcionado
textão | que tipo de artista você quer ser?
e ao sucesso “comercial” em termos
de vendagem. O que é mais ou menos
a mesma coisa, já que podemos dizer
que sucesso comercial é justamente o
resultado dessa receptividade positiva.
Boa vendagem significa verba para
produzir uma nova edição de seu ma-
terial (no caso daqueles que financiam
e distribuem seus próprios materiais),
por exemplo, ou interesse editorial em
dar continuidade à publicação de seus
materiais. Boa aceitação por parte dos
editores resulta em você sempre receber
ofertas de novos trabalhos.
Mas existem diferenças entre es-
ses mercados quando tratamos o que
se considera sucesso. Uma dessas
diferenças é o fato de que o mercado
comercial é voltado a um grande nú-
mero de admiradores e consumidores
potenciais do trabalho apresentado, e
o mercado autoral, nem tanto.
Digo isso porque alguns daqueles que
desejam direcionar seu trabalho para
o público não comercial muitas vezes
se decepcionam com os resultados de
vendagem ou de recepção. Então, uma
das principais tomadas de consciência
que o desenhista ou ilustrador, ou artista
em geral (músico, cineasta, ator, escritor
e por aí vai), deve ter em relação às ex-
pectativas de sucesso da sua carreira,
seria entender o que é e como funciona a
relação que existe entre o que podemos
entender como trabalho apresentado e
o público e o mercado.
Não existe exatamente uma fór-
mula para o sucesso. Por isso, apenas
“talento” não assegura esse resul-
tado. Artistas que trazem um estilo
muito próprio, muito autoral, podem
se tornar (e isso acontece realmente
com muita frequência) extremamente
bem-sucedidos em suas carreiras. Não
só comercialmente (sendo requisitados
o tempo todo para trabalhar nas mais
diversas áreas dentro do mercado), mas
também porque apresentam em seus
trabalhos propostas inovadoras em
termos de estilo gráfico, narrativo e de
composição. Artistas assim influenciam,
criam escola.
É justamente a personalidade gráfica
única desses artistas que irá agregar
©roger cruz
conteúdo e valor aos produtos dos
clientes que os contrataram. Posso
citar exemplos como Ziraldo, Laerte,
Angeli, Adão Iturrusgarai, Orlando,
Caco Galhardo, Fernando Gonsales e
tantos outros. Ilustradores, desenhis-
tas, quadrinhistas com um trabalho
muito pessoal e que são chamados
para lançar linhas de sandálias deco-
radas com seu estilo único, ilustram e
assinam coleções de capas de caderno, 5
justamente porque o cliente quer que
eles imprimam sua personalidade ao
trabalho. Eles aliaram com sucesso
seu trabalho autoral à sua utilização
comercial!
Mas, de novo, só talento não as-
segura sucesso!
Roger Cruz é um grande artista, que consegue
demonstrar bastante versatilidade. Além de
trabalhar para o mercado mainstream de
quadrinhos, consegue imprimir um estilo pes-
soal marcante em seu trabalho autoral.
textão | que tipo de artista você quer ser?
2. COMO É A RELAÇÃO ENTRE o mundo das artes
COM SEU PÚBLICO E O MERCADO DE TRABALHO?
M
uitos artistas que decidem se-
guir essa linha autoral podem
obter pouco “sucesso” comercial
com seus trabalhos porque o
estilo adotado por eles sim-
plesmente não criou empatia com um
número “suficiente” de indivíduos de
um determinado perfil. Obviamente,
o conceito de sucesso está ligado à
expectativa que temos de sucesso, ao
que consideramos sucesso.
A grande maioria dos artistas con-
sidera sucesso alcançar um público
que entenda o que ele quer dizer (e não
necessariamente o sucesso comercial
da sua obra). Mas alguns esperam sim
por esse sucesso comercial! Ele está
ligado a uma grande venda e interesse
de uma parcela bem grande de público.
Quando isso não dá muito certo, o que
muitas vezes acaba acontecendo é que:
ou o autor desiste e parte para outra
atividade, ou fica limitado a um número
de “consumidores” que não é capaz de
lhe dar um sustento financeiro razoável.
Coloquei aspas na palavra consumido-
res porque geralmente pessoas que
compram esse tipo de material não se
consideram um consumidor, já que este
é um tipo de relação artista/público
visto como não comercial. 6
A diferença entre os artistas autorais
que obtêm sucesso comercial e os que
não obtêm é simplesmente a possibili-
dade de seu estilo criar empatia com um
número maior ou menor de indivíduos
© adão iturrusgarai
dentro de um determinado público. Não
há como saber se um estilo vai ou não
cair no gosto das pessoas. Isso não é
uma ciência exata. E também não é só
uma questão de qualidade do trabalho.
Não dá pra falar que alguns trabalhos
autorais sejam ruins e por isso não
vendam bem. Isso é uma visão simplista
demais, na minha opinião.
Estamos falando aqui dos casos
realmente autorais, puros, no sen-
tido de como foram criados. Muitos
se consideram autorais e não são.
Muitos se dizem influenciados por um
tipo de linha autoral e não são. Isso,
para qualquer editor bem formado e
informado, transparece com clareza ao
bater os olhos no trabalho. Discursos
de artistas dizendo que são autorais só
podem ser validados pela qualidade ou
veracidade do próprio trabalho. E isso
se mostra na prática. É muito fácil dizer
textão | que tipo de artista você quer ser?
que tem influências undergrounds, al-
ternativas. Mas basta dar uma olhada
mais atenta (às vezes nem precisa ser
tão atenta assim) para saber quais as
verdadeiras influências desses artistas.
Alguns tentaram ser comerciais e não
conseguiram. Assim, fica fácil fazer o
que se sabe fazer e dizer que sempre
foi underground, alternativo. É óbvio
que estou generalizando. Mas esses
casos existem.
Para esses artistas ditos autorais, o
cuidado não deve ser apenas com o olhar
atento e crítico do editor, mas também
com o do público. Esse tipo de material
é muito carregado de alma, e, se está
© laerte
direcionado para um público alternativo
(de verdade), não vai conseguir alcançá
-lo, já que o público, fatalmente, não vai
se conectar a uma coisa que não cheira
muito a verdade. Ele vai, sim, alcançar
um público ainda em formação, ou que
segue uma “moda” ou algo do tipo, mas,
para os verdadeiros alternativos, seu
material sempre soará estranho.
Mas vamos deixar claro: todo este
raciocínio está ligado ao que se considera
sucesso em termos comerciais. De novo,
cada um tem seu próprio ponto de vista,
sua expectativa do que seja sucesso.
Para alguns é o reconhecimento por um
número enorme de pessoas, revertido
em grandes números de venda e aces-
sibilidade a muitos mercados e perfis
de clientes e públicos. Para outros é
conseguir se expressar exatamente 7
o que se quer e como se quer e só. E
também, é claro, à felicidade de alguém
se conectar a você, como artista, e seu
modo de pensar, de ver o mundo e a vida.
Os artistas técnicos, por sua vez,
conseguem desenvolver uma série de
estilos gráficos em desenho, ilustração e
animação, entre outros. Recebem muitas
vezes um título pejorativo de “peão de
prancheta” (ou de computador). Eles
estão sempre entulhados de trabalho em
épocas específicas do ano, e em outras
se preocupam demais pela falta de um
volume mínimo de trabalho que lhes
possibilitem um equilíbrio financeiro.
Isso acontece porque eles seguem os
ritmos sazonais das editoras. Ou seja,
as épocas de fechamento e produção
de livros dentro de planejamentos
editoriais específicos.
Assim, alguns, por seguirem esse
ritmo, procuram outras áreas de tra-
balho em períodos de baixa. Se você,
durante a maior parte do ano, direciona
sua atividade para livros didáticos, por
exemplo, pode pegar trabalhos em
animação, publicidade, etc. Pensando
assim (e este é um pensamento bastante
 textão | que tipo de artista você quer ser?
prático e que pode ser acusado de não
ser muito artístico), é interessante ao
profissional das artes gráficas que
tenha uma formação técnica para não
correr o risco de passar por dificuldades
financeiras.
Esses artistas, além de serem verda-
deiros camaleões em estilos, também
precisam desenvolver um tino comercial
forte para se tornarem bons vendedores
de seus talentos. Eles devem ser muito
versáteis também, ficando o tempo
todo atentos e se adaptando rápido
a novas tendências, estilos, traços,
© ziraldo
exigências editoriais, evoluções técni-
cas de processos de trabalho. Alguns
desses artistas, sejam eles técnicos
ou autorais, não conseguem pensar
de maneira tão empresarial. Não são
tão bons vendedores de seus talentos.
Estão preocupados na maior parte do
tempo com o aprendizado e a evolução
técnica ou intuitiva de seus trabalhos.
Por esse motivo, alguns deles acabam
© Angeli
em estúdios de arte, agências de pu-
blicidade ou dentro de setores de arte
nas editoras.
Artistas que conseguem administrar
bem suas carreiras trafegando entre seus
trabalhos mais autorais e também os
encomendados, executados de acordo
com exigências editoriais específicas,
acabam sendo muito bem-sucedidos
também em termos de valorização
criativa. Isto é, todos os editores os 8
respeitam porque possuem um traba-
lho gráfico único, uma personalidade
gráfica forte, bem estruturada, aliada à
técnica, e isso confere a eles um status
que acaba extrapolando os parâmetros
normais da profissão.
Cito novamente os mesmos exemplos
de antes: Ziraldo, Laerte, Angeli, entre
tantos outros...
As digressões de Marcelo
Campos neste ensaio sobre a
relação entre os tipos de artista
e os diferentes mercados
continuam na próxima edição.
Marcelo Campos é diretor da Quanta
Academia de Artes. Começou como desenhis-
ta fazendo HQs e, apesar de ter feito muito
mais coisas por aí, a grande maioria dos seus
trabalhos são nesse segmento de mercado.
Trabalhou para editoras como DC, Marvel, Dark
Horse, Image e Disney, entre muitas outras. É o
criador do personagem Quebra-Queixo e autor
do álbum “Talvez Isso...”. Em 2004 decidiu parar
de desenhar, arte-finalizar, ilustrar e tudo mais
e foi fazer outras coisas. Em 2006, resolveu
assumir e cuidar só da escola e do estúdio de
artes, o Quanta Estúdio. Onde está até hoje.
Aos ciquenta e poucos anos, com a quilometra-
gem bem alta, sua banda preferida ainda é The
Clash, o que parece ser bom sinal.
passo a passo | composição
passo a
passo:
a composição no
processo de ilustração
O
pa. Oi, pessoal. Aqui começa mais
um tutorial da Quanta. Desta vez,
vamos conversar sobre Ilustração
e, mais especificamente, sobre
composição de cena. Antes de
mais nada, importante lembrar que
ilustração, como o nome nos diz, é um
desenho feito para ilustrar algo, ou
seja, é uma arte aplicada, e assim sen-
do, sempre tem um objetivo. O nosso,
hoje, é fazer uma ilustração para uma
capa de livro.
Vamos trabalhar com um briefing
hipotético, que inventamos só para o
tutorial. Um briefing nada mais é do
que instruções que o cliente nos passa
para fazermos nossa ilustração. Por
exemplo, como no texto fictício abaixo,
que poderia vir em um e-mail:
“Fala, Gil. Beleza?
Estamos precisando de uma ilustra-
ção para a capa de um livro chamado ‘A
por
gil tokio
9
donzela sem mãos’ (Das Mädchen ohne
Hände). É um conto dos irmãos Grimm.
Público alvo é adolescentes e adultos.
Apesar dos contos dos Grimm serem
infantis, esse conto, assim como outros
deles, é bastante sombrio e soturno.
O estilo pode ser um pouco mais
realista, mas você pode “viajar”, colo-
car um pouco de fantasia. Acho legal
representar de alguma forma que a Como vocês viram, o briefing é um
personagem principal, a rainha, perde texto. Cabe a nós, ilustradores,
transformar essa ideia em
as mãos.
imagem. O rascunho é uma etapa
O prazo é 15 dias, você pode man- fundamental para isso, não só para
dar o rascunho daqui a uma semana. o cliente ver como vai ficar, mas
O tamanho é 20,5x27,5cm, preciso da para nós mesmos visualizarmos
o que estamos fazendo. Fiz aqui
ilustra em 300dpi.
várias ideias em rabiscos bem
Se você quiser ler o texto, ele não é pequenos, para pensar algumas
muito grande, vale a pena. Pode tirar opções. Em destaque, com uma
outras ideias de lá também. seta, o rascunho escolhido.
Vai ficar animal, confio em você. Não
nos decepcione pelamordedeus.
Abraço!
Marc Fields - Quanta Editora”
passo a passo | composição
A próxima etapa é fazer um rascunho
mais detalhado, para isso gosto de buscar
referências de fotos. Costumo usar bancos de
fotos em domínio público ou royalty free.
Normalmente envio esse rascunho mais
detalhado para o cliente aprovar, mas... nesse
caso não gostei da composição e do desenho!
Achei que faltou impacto visual e as mãos
de ferro da personagem ficaram sem graça.
Como eu disse, o rascunho serve para nós
mesmos muitas vezes.
Ok, respirei fundo e comecei do zero de novo.
Decidi que a mão decepada da personagem
seria algo mais sutil, tipo uma “mão
fantasma”. Mudei também o enquadramento
e o ângulo entre outras coisas. Aqui, nesta
etapa de rascunho, decidi várias questões de
composição que comentarei mais no final do
tutorial.
© julia bax
10
Uma vez aprovado o rascunho, a gente
começa a finalização. Aqui fiz o traço primeiro,
com um brush do photoshop, que tem um
pouco de textura, mas o mais importante acho
que é a configuração do transfer, como vemos
na imagem. Coloquei a opacidade a mais ou
menos 40%, regulada pela pressão da caneta
da tablet. Assim o traço parece um pouco com
o do lápis, que fica mais escuro conforme a
gente faz um pouco mais de pressão. No estilo
do traço, quis que a hachura fosse sutilmente
ornamental, com grafismos rabiscados e
gestuais.
passo a passo | composição
Quanto à aplicação de cores, nessa ilustração,
eu optei por uma abordagem simples. As
cores são quase todas chapadas, sem muitos
efeitos. Coloquei depois só um leve gradiente
no fundo e duas variações de tons na pele
da personagem. A paleta de cores é bem
reduzida, com poucos tons de cinza bem
desaturados variando entre um pouco mais
“quente” e “frio”. Dessa maneira o vermelho
que apliquei depois ganha mais contraste,
sendo a única cor mais saturada. A “mão
fantasma” da personagem ficou sem contorno
para ficar diferente do resto do corpo dela.
No traço e no fundo, apliquei algumas
texturas de manchas de tinta. Eu tenho uma
biblioteca de manchas de tinta nanquim
(espirros, respingos, pinceladas etc.) e de
tinta spray que fiz e escaneei. Apliquei essas
manchas tanto em preto, junto com o traço
do desenho, quanto em branco, no fundo do
desenho. No fundo, coloquei também alguns
círculos brancos desfocados, imitando um
efeito de bokeh da fotografia; e algumas
estrelas de muitas pontas, feitas no Adobe
Illustrator.
Por último, fiz os detalhes em vermelho. Tomei
cuidado para eles ficarem sutis, de modo que
o leitor demore um pouco para perceber que
eles representam sangue. Não me preocupei
em deixar as manchas verossímeis, ou seja,
elas escorrem sem fazer muito sentido
mesmo e, inclusive, aproveitei uma mancha e
coloquei um diabo ali, que é o vilão do conto.
Confesso que gastei um bom tempo pensando
onde colocar a assinatura e, mesmo assim,
nunca fico satisfeito.
11
Terminada a ilustração, vamos falar de
alguns conceitos de composição, pensados
lá no começo, desde o rascunho. Veja como
a personagem é um elemento central, com a
silhueta bem definida e clara (destacada em
preto na imagem). A gente costuma chamar de
“ponto focal” o elemento de mais destaque na
composição. Aqui buscamos chamar a atenção
para ela.
Se pensarmos em uma “hierarquia”, ou seja,
uma ordem importância dos elementos da
composição, depois da personagem temos
alguns elementos secundários, por exemplo
os destacados em branco: a mão fantasma e
a floresta, aqui representada alegoricamente
por uma única árvore.
passo a passo | composição
O nosso olhar está acostumado a seguir um
caminho, o da ordem de leitura de texto. No
ocidente a gente costuma ver qualquer coisa
de cima para baixo e da esquerda para direita
porque fomos educados assim. Com desenhos
não é muito diferente e podemos usar isso
a nosso favor. Na ilustração imaginei o
espaço do topo (onde está a bola vermelha)
reservado para o título ou logotipo do livro,
assim o leitor provavelmente vai ver esse
título primeiro, depois vai ver o rosto da
mulher (seres humanos gostam de ver rostos)
e só depois, surpresa!, a mão fantasma. As
coisas que estão na esquerda e mais abaixo
da capa estarão mais “escondidas” ainda
na composição. Assim sendo, o sangue e
o pequeno diabo (destacados na imagem)
provavelmente serão vistos bem depois.
A ideia aqui foi dar um pouco de surpresa na
ilustração. Ou seja, o leitor vai precisar olhar
com mais calma a imagem para perceber os
elementos secundários.
Comentários finais
Conversamos neste tutorial sobre
questões de composição, que era o
nosso tema. Mas poderíamos falar de
muitas outras coisas com a mesma
ilustração, claro.
Acho importante perceber como
recebemos um briefing em forma texto
do cliente e precisamos “traduzir” isso
para imagens. E para isso é preciso
trabalhar vários conceitos e ideias.
O tamanho de cada elemento na 12
página, o destaque que cada um deles
terá, o tipo de acabamento, a posição,
o enquadramento, o ângulo de visão,
entre tantas outras coisas, são todos
definidos por decisão do ilustrador, ou
seja, nós.
E se o ponto focal nessa ilustração
fosse a floresta? E se o ponto focal
fosse uma mão decepada cheia de
sangue e ossos aparecendo (urgh)? E
se o ponto focal fosse o diabo? E se o
briefing pedisse uma capa com humor?
E se fosse o público alvo fosse crianças
menores de 8 anos? Decidir a melhor
maneira de organizar e produzir a ilus-
tração, a melhor maneira de comunicar
com imagens, é pensar a composição.
E você? Como faria a capa desse livro?
Gil Tokio é quadrinhista, cartunista e
ilustrador, formado em arquitetura pela FAU
e mestrado em desenho – tese com a qual ga-
nhou o troféu HQMix 2007. Ilustra para livros
didáticos, paradidáticos e revistas. Também é
um dos integrantes do estúdio Pingado e pro-
fessor de desenho 2 e ilustração na Quanta
Academia de Artes.
http://giltokio.com/
agenda | junho

indicação de aluno:

na próxima edição:
em junho e

© malu rigon
marília marz
julho na mostra o seu
quanta*... 16/06 portfólio!
sábado
lançamento, exposição
© lita hay

Textão:
e bate-papo com as a segunda parte das
at

autoras da HQ “melaço”!
a

digressões de 13
marcelo campos
sobre “que tipo de artista
20/06 você quer ser”
quarta
anilha
bate-papo “tungstênio” passo a passo:
u in t
com heitor dhalia q

como organizar seu trabalho

lo

gratuito!
el

digital no Photoshop CC,

rc

a
m
©

com malu rigon!

22/06 e 27/06 e muito mais!
sexta e quarta
© olavo c

jogos do brasil *
Por se tratar de uma ciência
inexata esta arte de previsão do futuro,
na copa do mundo as informações com a programação
os
ta

mensal, contidas nesta página, podem

na quanta! sofrer alterações sem prévio aviso. O
calendário do mês encontra-se dispo-
nível em nosso blog. Além disso, todos

14/07 a 27/07
os eventos são devidamente divulgados
em nossas redes sociais. Acompanhe a
Quanta no facebook, no instagram, no
semanas twitter, onde quer que seja, e fique por
do vieira

dentro das novidades, dos eventos, e

de cursos e oficinas das dicas, que recheiam o nosso úniver-
ua r

de férias aqui na so virtual.

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quanta!!!
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