La influencia en el surrealismo en el cine actual queda, queda perfectamente representada

además de en películas extrajeras como las que ya hemos presentado, también en

largometrajes creados por directores españoles o en los cuales podemos encontrar
colaboraciones con directores de cine o empresas de la talla de la creada por Walt Disney.
Los dos ejemplos que vamos a poner de esto son el cine de Pedro Almodóvar y el
largometraje que no hace mucho ha sido recuperado titulado Destino, el cual surgió de la
creatividad de las mentes de Dalí y Walt Disney.
En lo que se refiere a las películas de Pedro Almodóvar, este ha creado un estilo personal
y que es claramente reconocible como todos sabemos. En base a eso sus obras
cinematográficas van a presentar una influencia surrealista basada en la pintura
especialmente, por lo que los fotogramas de sus películas van a presentar un acabado más
plástico que los trabajos de Lynch o Finder, en los cuales encontramos un tipo de
surrealismo más violento, y que se ajusta más a cómo se ha ido desarrollando el cine en
los Estados Unidos.
La vinculación entre el cine de Almodóvar y la pintura puede apreciarse en distintos
aspectos, como por ejemplo el uso de carteles publicitarios en sus películas, que nos
remiten a los modelos empleados en las campañas influidas por el surrealismo o que
pueden recordar a los títulos que insertaba Buñuel en sus trabajos, esto también se da en
los títulos de crédito de sus films y sobre todo en la inclusión de obras pictóricas como
un elemento más de la escena o en la propia composición de las escenas con lo que estas
quedan convertidas en cuadros.
Navarrete Galiano resalta especialmente este ultimo aspecto del cine de nuestro conocido
personaje manchego: Almodóvar, crea nuevas pinturas, por un lado, por medio de la
recreación de cuadros conocidos, o por la conceptualización de lo que se conoce como
tableaux vivants y por otra parte, origina nuevas pinturas influidas por los pintores de
movimientos como la abstracción o el realismo, por medio de la técnica o la sintaxis
fílmica.
Aunque Almodóvar, como es usual en estos directores de cine que analizamos, no está
solo influido por el movimiento surrealista, sino que además presenta reminiscencias de
otras vanguardias como la expresionista.
Así, lo podemos ver en trabajos como el realizado en la película Átame de 1990, cuando
en la escena de la bañera podemos ver una clara correspondencia con la pintura Salto
Mortal de Kubin y que este realizó en 1902.
Otro de los ejemplos más evidentes de como Almodóvar usa las formas surrealistas es el
largometraje Los Abrazos rotos del año 2009 y que nos interesa al ser un ejemplo de cómo
el surrealismo y sus postulados siguen vigentes y como aún es capaz de conmocionarnos
si se sabe emplear de la forma correcta. En los abrazos rotos, la obra que vuelve a la vida
en nuestra pantalla es los Amantes de René Magritte óleo de 19281. Esta recuperación la
podemos observar en un plano en el que Penélope Cruz está en la cama con su marido,
un hombre mucho mayor que ella, interpretado por José Luis Gómez. Ambos están

1
Referencia tomada de revistaatticus. es Un beso amargo. http://revistaatticus.es/2010/03/23/los-
amantes-de-rene-magritte-un-amargo-beso 25/02/08
completamente cubiertos por una sabana igual que en la obra de artista belga, pero esto
no los impide besarse. También, encontramos que el uso de la luz en ambas
composiciones es bastante similar, ya que en ambos casos pintor y cineasta resaltan el
blanco de las telas y las sabanas, preocupándose a su vez por resaltar los pliegues de las
mismas, lo que aumenta la sensación de asfixia al tratar de darse un beso con la nariz y la
boca tapadas. Con lo que Almodóvar lo usa para darnos a entender el frenesí del acto
sexual en la película. Además, en ambos casos el color rojo aparece creando un fuerte
contraste en el plano debido al blanco puro de las sabanas que cubre a los dos amantes.
Almodóvar, acercando mucho la cámara a sus personajes en esta escena, logra que se
pierdan las referencias espaciales, al igual que lo hace Magritte, esto lo consigue porque
no da demasiada importancia a la inclusión de elementos arquitectónicos, como tampoco
se da en el óleo y el director de cine lo plasma mediante ese acercamiento del plano.
Esta, no es la única vez que el manchego se deja embelesar e influir por el misterio y la
magia surrealistas que aparecían en las obras René Magritte tal y como podemos
contemplar en la película la Piel que habito, una filmación aún mas reciente que la
anteriormente citada, ya que la piel que habito se rodó en el año 2011, en esta el lienzo
que se recrea es el Hombre del mar de 1927.
En ambos casos, vemos a los personajes vestidos de riguroso negro y con los rostros
tapados y transformados. En los que se refiere a la pieza de Magritte, el rostro es un trozo
de madera con unas curvas negras y en la película de Almodóvar lo que tenemos es un
rostro cubierto por unas vendas a consecuencia de la transformación que Vera ha sufrido
por culpa de la operación y las vejaciones a las que el personaje de es sometido. Con lo
que podemos ver que esta referencia no es en absoluto algo casual ni caprichoso, ya que
los dos ejemplos son una reflexión sobre la pérdida de identidad del ser humano en el
mundo que habita y de lo que esto puede provocar, por el motivo de que esta mujer, Vera,
sufre numerosas metamorfosis y maltratos que la conducen a la locura y a plantearse su
propio suicidio.
Además, también encontramos referencias espaciales que son similares, aunque
Almodóvar imita la línea del horizonte y de la tierra que aparece en la pintura por medio
de dos líneas blancas, al contrario que Magritte, que coloca su típico cielo nuboso que se
funde con un mar embravecido. La necesidad de los personajes por escapar de la realidad
que habitan, es algo que podemos ver plasmado de forma simbólica mediante dos
elementos. En la pintura del surrealista, este hombre, trata de accionar una palanca, la
cual está ubicada en una zona rasgada del cielo y la cual está situada en un espacio mas
luminoso y menos funesto como sinónimo de libertad. En la película, el símbolo que se
emplea para representar esta idea de liberación y la intención de rajar la realidad, es un
cuchillo el cual es portado por Vera.
Pero Almodóvar, no solo está influido por las obras de los autores como Magritte, sino
que hace referencias en sus trabajos a las pinturas de Dalí. En la piel que habito, hay una
curiosa referencia a la pintura Sueño causado por el vuelo de una abeja un segundo antes
de despertar. Aquí lo que se imita es el asalto sexual a la protagonista por parte de un
personaje que aparece vestido de tigre. En esta ocasión vemos a un hombre que se va a
abalanzar sobre la muchacha como los tigres se lanzaban sobre la figura de Gala. Aunque
en la película la violencia de la escena es mucho mayor, ya que Vera a diferencia de Gala,
no está dormida, sino que está consciente y mira a su agresor. Este plano es bastante
significativo, dado que no solo se referencia a la obra daliniana y a su lenguaje pictórico,
sino que al fondo aparece una reproducción de la Venus de Tiziano.
El otro ejemplo de como el surrealismo ha influido en cine, lo tenemos en este caso en un
largometraje de animación, que responde al nombre de Destino, que es una muestra de lo
que se pude conseguir fusionando dos universos por medio del trabajo de dos genios con
un estilo propio como Dalí y Walt Disney, a los cuales hemos de resaltar, ya que juntos
construyeron gran parte de los iconos del imaginario pictóricos y cinematográfico2 que
hoy siguen vigentes.3 Pues tanto el estilo de Walt Disney como el de Dalí siguen siendo
en la actualidad muy imitados en todos los campos artísticos de nuestro siglo.
El proyecto de Destino se emprendió en 1945, que fue cuando ambos firmaron un contrato
para hacer una obra de aminación de 8 minutos que formase parte de un largometraje de
episodios al estilo de otros ya producidos por la compañía, como por ejemplo Make mine
music que se estrenó en 1946. Pero también hemos de añadir que la magia de Destino no
es solo fruto del trabajo de Dalí, sino que es a su vez conseguida por la melodía que
resuena en todo el film y que fue compuesta por Armando Domínguez4 y cuya música de
alguna forma actúa como guion de la película.
La obra, puede ser entendida de varias formas, esto es en base a dos lecturas que son las
que le dieron Walt Disney, la cual encontramos demasiado sencilla y superficial, por el
motivo de que la definió como una historia de amor entre un chico y una chica y luego
está la versión de Dalí, que encaja más con el argumento del corto si atendemos a los
símbolos y a los mensajes que se dan cita en la película y al argumento de la misma, que
se complica por momentos.
La historia, refleja entre otras muchas cuestiones dalinianas la obsesión por el amor y la
figura de la mujer. Además, trata de una mujer anónima que persigue el amor, pero su
hombre ideal no pertenece ni a su mundo ni a su tiempo. Ésta, constantemente trata de
alcanzarlo y lo persigue por un camino que cambia y se transforma, lo que muestra la
imposibilidad de acercarse a él. Lo que se refleja por medio de la creación de un camino
metamórfico al mas puro estilo surrealista.
En el año 2003, Roy Disney, fue quien decidió recuperar esta mágica explosión que es
reflejo de los problemas de la vida en el laberinto del tiempo, siendo así como la entendió
Dalí. Roy Disney promovió acabarla con el material conservado en la compañía y en la
fundación Dalí.

2
Aclaración. Este trabajo de Dalí en el cine con Walt Disney, no va a ser la primera dado que en 1945, ya
había participado en Recuerda con Hitchcock y donde corrió una suerte similar a la que tuvo Dalí con el
trabajo con la compañía Disney dado que aunque Recuerda sí que se llegó a estrenar, parte de lo que
había hecho Dalí fue omitido. Dalí en este caso recibió el encargo de dar vida al sueño interpretado por
Gregori Perck. Esta secuencia en un primer momento, iba a durar 20 minutos, pero al final se redujo a
dos por motivos comerciales.
3
Aclaración La relación entre ambos, aparecen cuando Walt Disney lee la obra la vida secreta de Salvador
Dalí de 1942. Ya que Walt Disney le envió una carta para que este le formara un ejemplar

4
Para Saber más de Armando Domínguez visitar http://www.sacm.org.mx/biografias/biografias-
interior.asp?txtSocio=08361 20/02/2018
Esto fue encargado a Dominique Monfrey y el a su vez trabajó asesorado por John Hench.
La colaboración tuvo resultado la mezcla de técnicas de animación tradicional con otras
de animación digital. En este corto, por tanto, es fácil ver el universo de Salvador Dalí en
las constantes referencias mitológicas que aparecen, igual que en sus pinturas, además
uno de los personajes principales es el dios Cronos.
En los diferentes planos, también podemos ver los paisajes áridos tan típicos de Dalí,
donde el tiempo parece haberse detenido y haber quedado congelado por el uso de los
colores fríos y los tonos mate. En ellos aparecen al mismo tiempo gran cantidad de formas
sinuosas en compañía de extraños personajes, como por ejemplo los ciclistas que
aparecieron ya en la película Un Perro Andaluz y que luego a su vez Dalí retomó en obras
como los Placeres inanimados, Coloquio sentimental y Góndola surrealista.
Otro tema muy típico que se tratan es la obsesión por el tiempo y los elementos
metamorfoseados de todo tipo, sin faltar iconos tan famosos como los teléfonos o las
hormigas que solían aparecen para completar los mensajes simbólicos que caracterizaron
los trabajos del pintor de Figueras. Siendo así como cada fotograma queda como si se
tratara de un sueño.
En la primera parte del corto es donde se visualiza el primer encuentro entre los amantes,
y es donde ya se preludia de forma metafórica su funesto destino. Esto aparece aún más
marcado, en la tercera parte del film donde vemos los relojes, los cuales presentan formas
biomorficas que conecta con los creados en la obra la persistencia de la memoria.
A lo que se suman otros elementos como el abundante uso de imágenes dobles en las
distintas secuencias, siendo un ejemplo destacado el que podemos ver en la cuarta parte
titulada el laberinto de las reliquias y el destino mostrando su camino, donde aparece el
rostro de Cronos recreado fantásticamente en el arco de un muro.
La huella del pintor de Figueras se mantiene por todo el corto, esto se explica porque
incluso se retrata en el mismo, este retrato tenemos la oportunidad de observarlo en una
escena en la cual aparece una barretina, que queda como un homenaje a las costas
catalanas, y en el cual una de las monstruosas figuras que se aprecian, sabemos que es
Dalí porque se puede identificar al artista por su bigote, también en esta secuencia aparece
un homenaje a Velázquez. Todo esto se escenifica por medio de la creación de dos
extraños seres que sobre caparazones avanzan uno hacia el otro siendo testigo de todo el
hecho el jugador de beisbol, personaje que se supone que encarnaría al alter ego de Walt
Disney.
Pero lo mas importante de esta obra es que pese a las trabas, se ha conseguido mantener
lo que buscaba Salvador Dalí con ella, que era que el espectador participara del método
paranoico critico de tal forma que se dejara llevar en el visionado por su particular
interpretación del subconsciente. Es decir, que lo que vemos en las cosas no está en las
cosas, sino en el fondo de nuestra alma como dijo el propio Dalí.5

5
Cita tomada de atmosfera cine. Joyas del Surrealismo. Destino.
https://atmosferacine.com/2016/11/14/joyas-en-corto-destino/ 20/02/2019