Performance Art

¿Qué es?
A lo largo del Siglo XX, el concepto de “Performance Art” fue cambiando.
Actualmente, el término se utiliza para hablar de manifestaciones artísticas en
donde el cuerpo es el mediador entre la audiencia y el performer, estando la
audiencia en comunicación directa con este.
Es importante aclarar que en el cotidiano nos solemos referir al teatro y la danza
como “performances en vivo” por ser los actores/bailarines quienes conforman
(o más bien, son) la obra de arte, pero estrictamente hablando, el término
“performance” deviene del performance art. Una obra de teatro tiene un vínculo
unidireccional con la audiencia (en calidad de espectador). En cambio, en la
performance existe un intercambio entre el público y el artista en simultáneo, es
bidireccional.
Esta diferencia (que consideramos clave para entender lo que es el performance
art), llevo inclusive a considerar al teatro como “la antítesis del Performance Art”,
dado que este último rompe con la barrera tradicional que dividía al público del
artista en cualquier tipo de exhibición. Busca generar consciencia a través del
desafío al público.
En definitiva, el performance art se opone a las formas seculares del arte y las
cuestiona permanentemente (por esto en parte se lo vincula fuertemente con el
arte conceptual).
¿Cómo se origina y a dónde va?
Generalmente se considera que el Performance Art nace a comienzo del Siglo
XX, primeramente llevado a cabo por artistas de los futuros “movimientos de
vanguardia” como son el futurismo y el dadaísmo. El futurismo vio en la
performance un mayor potencial de alcance a la audiencia y se aprovechó de
este para convenir su mensaje: “Llegó el fin del arte sagrado, solemne, serio”.
El dadaísmo a su vez, movimiento asociado al “anti-arte” (a la ruptura de las
convenciones tradicionales artísticas y del concepto del arte en sí mismo), ve
potencial en la performance y procura lugar (por ejemplo el Café Voltaire) para
ser llevadas a cabo.
Gradualmente, el performance art fue cada vez más utilizado por artistas,
teniendo un impulso en la década del 50 y su auge en la década del 60 (en este
momento es cuando el “performance art” es llamado como tal). Fue adoptado
como recurso primario por movimientos artísticos (Fluxus siendo el más notable),
desarrollado por artistas, por ejemplo Allan Kaprow, formulando así los
“Happenings” (eventos o situaciones de todo tipo que debían ser considerados
piezas artísticas).
En la década del 80 se puede decir que el performance art deja de ser
“alternativo”. Los medios de comunicación (televisión) empiezan a acercarse a
los artistas y a sus obras “dejando a un lado” el rechazo que antes tenían por
esta manifestación que no consideraban “arte”.
En los 90, tras la ruptura del bloque soviético (bloque que en su mayoría había
prohibido a los performers), el performance art tendría su espacio en el mundo
oriental (Rusia, China) y adquiriría un poder social importante.
A esta altura, el performance art ya había logrado la “acreditación” de
manifestación artística “absoluta”. Performances eran presentadas en museo
como obras de arte revolucionarias.
Finalmente, desde el comienzo del Siglo XXI hasta el día de hoy, el performance
art está vivo y fuerte: se supo nutrir de los avances tecnológicos durante las
décadas y se abrieron nuevas posibilidades expresivas a explorar.

Características del Performance Art.

Como ya habíamos mencionado antes, la esencia del performance art es el
vínculo entre la audiencia y el performer. Para el performer, el público es “la
gasolina que lo pone en movimiento”: sin audiencia la performance pierde su
valor.
Marina Abramovic en el documental “The Artist is Present” hacía hincapié en que
el artista tiene que tener una resistencia y determinación no para conquistar
objetivos sino para conquistarse a sí mismo (no solamente aludiendo a los
performers sino al artista en general). Esto habla del compromiso y la entrega
del artista necesario para convenir su mensaje: “Jugar con el filo de la cuchilla le
da a las performances esa trascendencia”.
La performance se concibe para transformar al espectador, lo desafía, lo saca
de zona de confort, lo cuestiona, le exige tomar parte de.

El Performance Art es predecesor de movimientos artísticos tales como el

Fluxus, Video Art,
Marina Abramovic

Arista nacida en Yugoslavia (actual Serbia) en Belgrado en el año 1946.

The Artist in Present (Reflexión)

A través de la vida de Marina Abramovic plasmada en este documental y de sus

propias palabras, discutimos varios puntos que nos resultaron interesantes.
A continuación, los que nos impactaron/atrajeron más:
Marina sobre el concepto de arte:
“Si sos un panadero y hacés pan, sos un panadero. Si sos un panadero y
hacés el mejor pan del mundo, seguís siendo un panadero. Pero, si hacés ese
pan en una galería de arte, sos un artista. El contexto hace la diferencia”
Esta es una reflexión particularmente interesante y acorde con las ideas detrás
del nacimiento de la performance. Recordamos a Marcel Duschamp y sus obras
dadaístas como “La Fuente” o a Piero Manzoni (“Mierda de Artista”). Ellos (entre
muchos otros) probaron un punto: el contexto es determinante para adquirir el
status de obra de arte. Esto creemos que tiene mucho que ver con los prejuicios
que vamos generando desde temprana edad, tendiendo a asociar el concepto
de “arte” con museos, teatros, galerías, escenarios. El concepto de arte sigue
siendo una línea bastante borrosa.
Marina sobre la función del artista:
“La función del artista en una sociedad trastornada es concientizar, hacer las
preguntas correctas, elevar la mente.”
Nuevamente se hace hincapié en la responsabilidad del artista de usar su poder
comunicativo para cuestionar los momentos, los sucesos, la sociedad, todo lo
que pueda ser puesto en duda (y lo que no, también) para poder avanzar como
seres humanos.
Marina sobre la felicidad y la inspiración:
“La felicidad es un gran estado, tanto que no necesita ser creativa. No sos
creativo desde la felicidad, sólo sos feliz. Sos creativo cuando sos miserable o
estás deprimido. Encontrás la clave para transformar las cosas. La felicidad no
necesita transformar cosas.”

Es una observación cautivadora la de ver a la felicidad como un estado total en

el que nada necesita ser transformado. De cualquier manera, creemos que a
través de la felicidad no transformamos pero sí producimos y esos productos
pueden ser fruto de nuestra creatividad. ¿Para qué limitarse a crear desde un
estado cuando nos podemos adueñar de varios para lograr diversos resultados?
De cualquier manera, es muy coherente en su planteo, es una conclusión
racional.

Marina sobre el presente:

“We always project into the future or reflect in the past, but we are so little in the
present.”

Esta es una de muchas frases del documental en que Marina expresa

(acertadamente) como la sociedad tiende a mirar para adelante o para atrás pero
deja de prestar atención al presen. La performance art en sí es una actividad
artística que requiere tu presencia (en el sentido de estar en el presente y vivir el
presente). Es una manifestación que necesariamente se desarrolla en un
instante, que inclusive muchos performers dudaron con la llegada de la
tecnología si registrar o no en vídeo por la pérdida de su esencia. La performance
es un evento irrepetible, su bilateralidad público-performer hacen que no exista
una performance igual que otra. El tiempo como ilusión no existe en el presente
para Marina.

Marina sobre el ego y la fama:

“Your ego can become an obstacle to your work. If you start believing in your
greatness, it is the death of your creativity”
Esta frase expresa concretamente como el ego de un artista se puede llevar lo
mejor de este. Como veníamos reflexionando antes, para Marina el compromiso
del artista con la sociedad es primordial. Si el artista cree en su grandeza, pierde
consciencia del presente y de su contexto.
Tanto hincapié negativo hace en la idea de fama que en su manifiesto
(expresado mientras recibía un reconocimiento) explica que el artista no debe
ser un ídolo a lo “estrella de rock”.
Sobre esto último, vemos como la propia Marina cae en una situación de este
estilo. Durante el desarrollo de “The Artist is Present” el seguimiento de la gente
es de fanáticos, idolatran su obra y su persona. Se aprecia lo incontrolable que
es la fama, que pese a conocer los valores de la artista, hay admiradores que la
colocan en un pedestal que ella no busca.