Cubismo

Pablo Picasso, el iniciador del cubismo,retratado por Juan Gris, 1912, óleo sobre lienzo, 93,3 x
74,4 cm, Instituto de Arte de Chicago.

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado en 1907, nacido enFrancia y

encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger,Albert Gleizes, Robert
Delaunay, Juan Gris, María Blanchard y Guillaume Apollinaire.1Es una tendencia esencial,
pues da pie al resto de lasvanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más,
sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que
había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y
sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura
compuesta por «pequeños cubos» y figuras geométricas . Se originó así el concepto de
«cubismo». El cubismo literario es otra rama que se expresa con poesías cuya estructura
forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la rima es opcional y no tienen una
métrica específica ni se organizan en versos.

Índice

 1Características
 2Historia
o 2.1Cubismo analítico o hermético (1909-1912)
o 2.2Cubismo sintético (1912-1914)
o 2.3El cubismo en otras artes
 3Principales artistas del cubismo
 4Otros pintores del cubismo
 5Véase también
 6Referencias
 7Bibliografía
 8Enlaces externos

Características[editar]
Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de
expresar lo que teníamos dentro.
Pablo Picasso.2
Juan Gris: Guitarra y mandolina, 1919, Galerie Beyeler, Basilea.

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último

estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros
cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de lanaturaleza por medio
de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada
«perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano.
La representación del mundo en donde pasaba a no tener ningún compromiso con la
apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de
ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto:
por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil
y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no
existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se
suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con
los violines, insinuados solo por la presencia de la cola del mismo.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre
ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o elfovismo. En
lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises,verdes y marrones. El
monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió
más la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta
condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra
autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el
tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato,
y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis
por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la
misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de
vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

Historia[editar]
El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, y como jefes y maestros del
movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses Georges
Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro Las
señoritas de Aviñón (Demoiselles d'Avignon) de Pablo Picasso. Como elemento precursor
del cubismo destaca la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones
retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907).

El cubismo surge en la primera década del siglo XX, constituyendo la primera de

las vanguardias artísticas. Entre las circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se
ha señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas,
particularmente la africana. En efecto, Cézanne pretendió representar la realidad
reduciéndola a sus formas esenciales, intentando representar los volúmenes sobre la
superficie plana del lienzo de una manera nueva, tendencia que fue seguida por los
cubistas. Ya antes que él, los neoimpresionistas Seurat y Signac tendieron a estructurar
geométricamente sus cuadros. Lo que Picasso y Braque tomaron de Cézanne fue la
técnica para resolver ese problema de lograr una nueva figuración de las cosas, dando a
los objetos solidez y densidad, apartándose de las tendencias impresionistas que habían
acabado disolviendo las formas en su búsqueda exclusiva de los efectos de la luz.

Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones con un
arte propio y distinto deleuropeo. A través de diversas exposiciones, Picasso conoció
la escultura ibérica y la africana, que simplificaban las formas y, además, ponían en
evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de
representar los objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea.
Lo que parece actualmente excesivo a los historiadores de arte es atribuir una influencia
directa de las máscaras africanas con la obra picassiana.

Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues esta, al representar
la realidad visual de manera más exacta que la pintura, liberó a este último arte de la
obligación de representar las cosas tal como aparecen ante nuestros ojos y forzó a los
artistas a buscarle un sentido diferente a la mera transcripción a las dos dimensiones de la
apariencia externa de las cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con
otros tres hechos acontecidos en esas décadas que revelan que las cosas pueden ser
diferentes a como aparentan ser: el psicoanálisis al evidenciar que pueden existir
motivaciones más profundas para los actos y pensamientos humanos; el interés por
la cuarta dimensión, fruto de la revolución acaecida en la geometría del siglo XIX; y
la teoría de la relatividad, que revela que el mundo no es exactamente, en su estructura
profunda, como lo presentaba la geometría euclidiana.
Cubismo analítico o hermético (1909-1912)[editar]
Georges Braque en 1908.

En 1909 Braque y Picasso estrechan su amistad y consiguen desarrollar la nueva

tendencia. Juntos crearon las dos tendencias del cubismo. La primera es elcubismo
analítico (1909-1912), en donde la pintura es casi monocroma en gris yocre. Los colores
en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la
geometrización, no el cromatismo. Fueron elaborando un «nuevo lenguaje» que analiza la
realidad y la descompone en múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se
multiplicaron, abandonando definitivamente la unidad del punto de vista de
la perspectivarenacentista. Se introducen en la pintura los «pasos», definidos como ligeras
interrupciones de la línea del contorno. Los volúmenes grandes se fragmentan en
volúmenes más pequeños. Entre las obras de esta fase del cubismo se encuentra
elRetrato de Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de Chicago).

A este período también se le llama de cubismo hermético, pues por la cantidad de puntos
de vista representados, algunas obras parecen casi abstractas. Al hermetismo se llega
porque los planos acaban independizándose en relación al volumen de manera que es
difícil decodificar la figuración, reconstruir mentalmente el objeto que esos planos
representan. El color no ayudaba, al ser prácticamente monocromos y muchas veces
convencionales, no relacionados con el auténtico color del objeto. La imagen
representada, en definitiva, era ilegible, casi imposible de ver, a no ser por algunos objetos
como una pipa, o letras de periódico, que permiten distinguir lo que se está representando.

Es en esta fase cuando el cubismo se presenta en público. Pero no por obra de Picasso y
Braque, que exponían privadamente en la galería Kahnweiler, sino por otros pintores que
conocieron la obra de aquellos en sus talleres. Se presentaron al Salón de los
Independientes de 1911. En su sala 41 aparecieron obras de Jean Metzinger, Albert
Gleizes,Henri Le Fauconnier, Fernand Léger y Robert Delaunay. Provocaron el escándalo
y rechazo de público y crítica. Ello llevó a que se construyera ya una obra doctrinal de
primera hora explicando los hallazgos de la nueva tendencia. Así, el primer estudio teórico
del cubismo lo hicieron en 1912 Gleizes y Metzinger: Du "Cubisme" («Sobre el
cubismo»). Apollinaire, por su parte, escribió Les peintres cubistes («Los pintores cubistas.
Meditaciones estéticas») en 1913. Hubo otras adhesiones, como la de la
mecenas Gertrude Stein o los marchantes como Ambroise Vollard y Henry Kahnweiler.
Otros poetas, además de Apollinaire, defendieron el nuevo estilo: Pierre Reverdy y Max
Jacob.

Además del rechazo de los tradicionalistas de la pintura, hubo posteriormente críticos que
venían de la propia vanguardia, centradas en dos problemas que planteaba el cubismo: su
estatismo y su adhesión a lo figurativo. En efecto, sobre todo losfuturistas objetaron al
cubismo que en sus obras el movimiento estuviera ausente, siendo así que el mundo
actual es esencialmente dinámico. Gino Severini, a quien se considera el más cubista
dentro del futurismo, lo criticó en Del Cubismo al Clasicismo (1921), aunque con el tiempo
(1960) reconoció que debía al cubismo gran parte de su técnica. Algunos cubistas fueron
sensibles a esta crítica y crearon obras influidas por el futurismo, como hizo Marcel
Duchamp con su primera versión de Desnudo bajando una escalera (1911, Museo de Arte
de Filadelfia, col. Arensberg). Por otro lado, aunque en su época no resultaba fácil
deslindar el cubismo de la abstracción, hoy resulta evidente que siguen sujetos a una
representación figurativa de las cosas reales. Se seguían representando sillas, botellas o
figuras humanas, aunque las descompusieran en planos y volúmenes geométricos. No se
apartaban de representar la realidad, sino que querían representarla en el cuadro con un
nuevo lenguaje.

El camino trazado por Picasso y Braque pronto fue seguido por los pintores Juan
Gris (José Victoriano González) y Louis Marcoussis, el primero influido por Picasso, el
segundo por Braque. Gris, tercer gran nombre del cubismo. Este madrileñomalvivía
en París dibujando para revistas y periódicos. A partir de 1911 se interesó por el problema
de la luz sobre los objetos, creando cuadros con iluminación naturalista, en los que los
rayos luminosos oblicuos y paralelos entre sí inciden sobre formas rígidas, como puede
verse en su Retrato de Picasso de 1912. Él mismo dijo haber adoptado el cubismo
«analítico», multiplicando los puntos de vista y usando colores vivos. Para el año 1912,
Braque y Picasso ya habían realizado collages, y Gris comenzó a introducir en sus obras
diversos materiales como la madera o la tapicería, bien imitándolos, bien pegándolos (El
lavabo, 1912).

Braque, por su parte, influyó en el polaco Marcoussis (Ludwig Markus). Más ortodoxo y
menos original que Gris, creó una obra con colores intensos y cercana a veces
al futurismo. Comenzó en 1912 a trabajar el cubismo analítico, con obras como Naturaleza
muerta con damero (1912, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou).
Cubismo sintético (1912-1914)[editar]
En El Portugués (1911) de Braque aparecen palabras y números, lo que abrió una nueva
vía que llevó al segundo período del cubismo, el cubismo sintético (1912-1914). Braque,
que había sido el primero en utilizar la caligrafía, y que más de una vez intentó imitar
la madera o el mármol, fue quien inició esta última fase del cubismo al realizar papier
collés, pegando directamente papeles decorados en la
pintura. Picasso y Braque comenzaron a incorporar material gráfico como páginas de
diario y papeles pintados, técnica que se conoce como collage. En 1912 Picasso realizó su
primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), en el que
añade al lienzo pasta de papel y hule. El color es más rico que en la fase anterior, como
puede verse en los rojos y azules de Botella de Suze (1913, Saint Louis, Misuri,
Universidad Washington). Estas obras sintéticas son más simples, más sencillas de
entender en cuanto a que son más figurativas, se ve claramente lo que se pretende
representar. Los objetos ya no se reducen a volúmenes y planos expuestos en diversas
perspectivas hasta ser irreconocibles, sino que se reducen a sus atributos esenciales, a
aquello que los caracteriza de manera inequívoca sin lo cual no serían lo que son. Por ello,
aunque reducido a lo esencial, queda claro en todo momento lo que son. Para representar
los objetos «tipo» de manera objetiva y permanente, y no a través de la subjetividad del
pincel, se recurre a lo que parece un ensamblaje. Los cuadros están formados por
diversos materiales cotidianos que se pegaban o clavaban a la tela, como tiras de papel
de tapicerías, periódico, partituras, naipes, cajetillas de cigarros o cajas de fósforos. El
cuadro se construye con elementos diversos, tanto tradicionales (la pintura al óleo) como
nuevos (como el papel de periódico). Los cafés y la música inspiraron estos bodegones.
Otras obras de Picasso pertenecientes a esta fase del cubismo sintético son El jugador de
cartas (1913-14) o Naturaleza muerta verde (1914). Braque realiza en esta épocaEl
clarinete (1913), el Correo (1913), Aria de Bach (1913-14) o Violeta de Parma (1914).

En este período Juan Gris realiza una pintura más libre y colorista. Emblemática es
su Place Ravignan, naturaleza muerta ante una ventana abierta (1915), donde el exterior
se representa a la manera tradicional, con perspectiva renacentista, mientras que el
interior de formas deconstruidas y compuestas desde diversos puntos de vista con planos
quebrados. Por su parte, Marcoussis llega a la cumbre de su tarea creadora con obras
más poéticas y personales como Músico (1914, Galería Nacional de Washington, col.
Chester Dale)

María Blanchard nunca llegó a la total descomposición de la forma pero dejó su

manufactura en forma de ricos colores. Su famosa "Mujer con abanico" (1916, Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía),"Naturaleza muerta" (1917, Fundación telefónica) o
"Mujer con guitarra" (1917, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) son ejemplos del
intenso estudio que realiza sobre la anatomía de las cosas, como señaló Ramón Gómez
de la Serna y del peso del color en su pintura. Tras esta etapa regresa a las técnicas
figurativas donde queda impresa la influencia de las vanguardias.

La Primera Guerra Mundial puso fin a la fase más creadora del cubismo. Muchos de los
pintores cubistas, al ser franceses, fueron llamados a la lucha (Braque, Léger, Metzinger,
Gleizes, Villon y Lhote). En la posguerra, solo Juan Gris siguió trabajando el cubismo más
o menos ortodoxo, aunque en un estilo más austero y simple, en el que los objetos
quedaron reducidos a su esencia geométrica. Marcoussis creó una obra más poética.
Braque siguió trabajando en la misma línea del cubismo sintético, con papel encolado.
Nuevos pintores adoptaron un lenguaje cubista, como María Blanchard. Pero la mayoría
de los pintores hasta entonces cubistas, empezando por el propio Picasso, fueron
adoptando nuevas tendencias, como ocurre con Duchamp y Picabia, que crearon
el dadaísmo o Mondrian que se adhirió a la abstracción. El cubismo, como movimiento
pictórico, se puede dar por terminado hacia 1919.

Escultura de Picasso Homme aux bras écartés (1961) erigida en la plaza Picasso de Basilea
El cubismo en otras artes[editar]
Fue el francés Apollinaire quien lo adaptó en la literatura. Busca recomponer la realidad
mezclando imágenes y conceptos al azar. Uno de sus aportes fue elcaligrama.

El cubismo repercutió en la escultura, a través de técnicas similares al collage del cubismo

sintético. La escultura empezó a construirse con materiales de desecho, elaborándose con
piezas diversas y no procedentes de un solo bloque de piedra o mármol. Con ello se crea
la llamada estética de «ausencia de masa», al surgir huecos y vacíos entre las superficies.
Como los arquitectos, los escultores no dan forma a un volumen, sino que crean espacios.
Es de especial interés la variante arquitectónica del cubismo que se dio
en Checoslovaquia entre 1910 y 1925, el llamado "Cubismo Checo".

El propio Pablo Picasso realizó esculturas cubistas. Escultores que crearon obras cubistas
fueron Alexander Archipenko, Jacques Lipchitz y Henri Laurens, además de los
españoles Pablo Gargallo y, sobre todo, Julio González, pionero en el uso
delhierro gracias a la soldadura autógena, lo que abrió todo un mundo de posibilidades a la
escultura del siglo XX.

En el siglo XXI, el actor, director y dramaturgo Rafael Negrete-Portillo (docente en varias

universidades españolas para las titulaciones de Artes Escénicas) regenera este
movimiento artístico, dotándolo de una nueva dimensión: la escénica. Así, el dramaturgo
acuña el término de «teatro cubista» para referirse a la búsqueda de la fragmentación
(deconstrucción + reconstrucción) del nexo comunicativo que une a la puesta en escena y
al espectador. Del mismo modo, el trabajo dramatúrgico, según expone Negrete-Portillo,
se trataría de una "labor investigadora teatral que debería tender, pragmáticamente
hablando, hacia la fragmentación coherente (y posterior selección) de los elementos
básicos y fundamentales para que el texto dramático y, especialmente, su posterior
representación, deje a la mente del espectador/co-autor libertad coherente para que éste
llegue a reconstruir el mensaje pretendido por el dramaturgo".[cita requerida]

Principales artistas del cubismo[editar]

 Alexander Archipenko
 Constantin Brancusi
 María Blanchard
 Georges Braque
 Joseph Csaky
 Robert Delaunay
 Sonia Delaunay
 Marcel Duchamp
 Raymond Duchamp-Villon
 Henri Le Fauconnier
 Roger de La Fresnaye
 Albert Gleizes
 Juan Gris
 Emilio Pettoruti
 Auguste Herbin
 Henri Laurens
 Fernand Léger
 Jacques Lipchitz
 André Lhote
 Louis Marcoussis
 Jean Metzinger
 Julian Arguello
 Piet Mondrian
 Pablo Picasso
 Alfred Reth
 Jacques Villon
 Octavio Rotman
 Francis Picabia
 Rafael Negrete-Portillo (Teatro cubista)3

Otros pintores del cubismo[editar]

Además de Pablo Picasso y Georges Braque, a los que se considera fundadores del
cubismo, y Juan Gris y Marcoussis, sus más directos seguidores, el cubismo fue seguido
por una multitud de artistas entre 1911 y 1914. Algunos de ellos se agruparon bajo la
denominación de Section d'Or o Grupo de Puteaux: Albert Gleizes, Jean Metzinger, Juan
Gris , Fernand Léger y André Lhote. De este colectivo surgió, en 1912 el orfismo, cuyos
máximos representantes son Robert Delaunay yFrantišek Kupka, quienes acabaron
renunciando a la representación figurativa y centrándose en el color se aproximaron a
la abstracción geométrica, como anticipó ya su Villa de París, de Delaunay (1910). El tema
acabó desapareciendo totalmente en obras como Formas circulares (1912-13). Se ha
denominado a este estilo como cubismo abstracto orayonismo. Kupka, próximo al
cubismo, comenzó a estudiar, a partir de 1912, la forma en que el espacio podía
representarse mediante planos de color (Planos verticales Amorpha, 1912) o líneas
sinuosas. También Francis Picabiarecreó los volúmenes de la realidad de manera bastante
abstracta (Procesión en Sevilla, 1912) lo que le llevó, a partir de 1913, a la no-figuración.

Gleizes cultivó un cubismo cezaniano más figurativo que el resto y en el que aparecía la
figura humana esquematizada; no obstante, también tuvo una fase analítica. Obras
destacadas de Gleizes son: Árbol (1910, París, col. part.), Caza (1911, París, col.
comandante Houot), Hombres en el balcón (1912, Museo de Arte de Filadelfia, col.
Arensberg), Desgranado de la cosecha (1912, Museo Guggenheim de Nueva York),
Bañistas (quizá su obra más conocida, de 1912, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de
París), Retrato de Figuière (1913, museo de Lyon) y Mujeres cosiendo (Otterlo, Museo
Kröller-Múller).

Roger de La Fresnaye: Conquista del aire, 1913, óleo sobre lienzo, Museo de Arte Moderno, Nueva
York.

Su amigo Metzinger, con quien escribió Sobre el cubismo tuvo una primera fase analítica
en la que predomina el estudio de la estructura, para pasar luego a una fase cezaniana en
la que predomina el estudio de los volúmenes. De Metzinger destacan sus Desnudos de
1910-1911, la Merienda (1910-11, Museo de Arte de Filadelfia, col. Arensberg), el Pájaro
azul (1913, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París), Bañistas (1913, Museo de Arte
de Filadelfia) y Mujer haciendo calceta (1919, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro
Georges-Pompidou).

Henri Le Fauconnier (1881-1946) realizó estudios de desnudos cuyos volúmenes fue

fragmentando, explorando la incidencia de la luz sobre ellos. Creó «una especie de
Impresionismo cubista bastante personal» que puede verse en obras como Retrato de
Paul Castiaux (1910), Abundancia (1910-11) oCazador (1912).

Más original que todos ellos fue Fernand Léger. Desarrolló un estilo personal que refleja su
atracción por la máquina. Célebre es su obra Figuras desnudas en el bosque [1](1909-
1910, Otterlo, Museo Kröller-Müller), que se puede considerar obra intermedia entre el
cubismo y el futurismo, movimiento este último fascinado con la máquina y el movimiento.
En esta obra se aprecia igualmente su predilección por las formas y los volúmenes, propia
del cubismo cezaniano. Después de experimentar con los volúmenes, comienza a dar
preponderancia al color a partir de 1913, en composiciones llenas de dinamismo.

Por una fase cubista pasó el gran pintor neerlandés Piet Mondrian al instalarse
en París en 1911. Cultivó el cubismo analítico en el período 1911-1914. Sus estudios
sobre el ángulo recto, y las formas planas acabaron llevándole a la abstracción. Al volver
a Ámsterdam fundó, junto a Van Doesburg, el grupo De Stijl (1917). En torno a su revista
se constituyeron artistas directamente influidos por el cubismo.

En México también surgieron obras cubistas por el pintor Diego Rivera en el año de 1913,
recreando escenas de la Revolución Mexicana. Diego influenciado por la obra de Picasso
y Braque acudió a la manipulación geométrica y al punto de vista panorámico elevado para
recrear paisajes, retratos y naturalezas muertas. Sus mejores obras ese año fueron La
Adoración de la virgen, La joven con alcachofas, La mujer del pozo o El joven de la
estilográfica (todas de 1914), y El arquitecto (de 1915).4

Hubo otros que adaptaron el cubismo a su temperamento. Entre ellos cabe citar, en primer
lugar, a Jacques Villon, que conoció el cubismo a través de su hermano Marcel Duchamp.
Estudió los volúmenes, compuso sus cuadros en estructuras piramidales y empleó colores
vivos. Su cubismo fue moderado, como el de Roger de la Fresnaye, que aunque adoptó la
superposición de planos, no llegó a romper de manera clara con la figuración y
la perspectiva. Se vio influido por Delaunay, lo que le llevó a realizar sus mejores obras
construidas sobre todo con el color: Conquista del aire (1913) y muchasNaturalezas
muertas (1913-14). Después de la guerra volvió al clasicismo. Finalmente, André Lhote se
enmarca en una tendencia a adaptar el estilo cubista a las reglas de la composición
clásica.

Además de los ya citados, se puede considerar que hicieron obras cubistas: Marcel
Duchamp, Sonia Delaunay, Emilio Pettoruti, Carlos Sotomayor, María Blanchard y Enrique
Sobisch.

El purismo de Charles Edouart Jeanneret y Amadée Ozenfant surgió en 1918 como una
derivación del cubismo.

Intesos del Ritmo Al Rescate del Folklore

Este espacio esta diseñado para ser utilizado como herramienta, por docentes encargados del
area de danzas con la primera infancia.

viernes, 7 de agosto de 2009

REGION ATLÁNTICA
“Doce sombras, ahora viejas ya no reman,

ya no cruje el maderamen en el agua,

solo quedan los recuerdos en la arena

donde yace dormitando la piragua.”

(José Barros P)

Esta región se encuentra al norte de Colombia, limitando con el océano Atlántico, de ahí su
nombre. A esta región pertenecen los departamentos de:. Guajira, Magdalena, Atlántico,
Bolívar, Sucre, Córdoba y Cesar, como también partes de Antioquia y Chocó (El Darién). Esta
región es sinónimo de alegría, fiesta y jolgorio, los carnavales de Barranquilla son la mejor
muestra de esto. Una zona trietnica, que engalana el folklore de la nación. Entre sus danzas
mas tradicionales tenemos:

CUMBIA
Es la danza nacional de Colombia, por representar la convergencia de las tres etnias que
formaron la cultura del país, tiene como a porte del indígena los vientos, del africano los
tambores y el vestuario del español. La cumbia es una danza de parejas sueltas, de libre
movimiento. Los desplazamientos se efectúan de manera circular en contra de las manecillas
del reloj. Según algunos relatos antiguos, en el siglo XVIII la cumbia se bailaba de noche,
alrededor de una fogata, y los músicos se situaban a un lado de los bailadores. En su paso, la
mujer apoya las plantas de los pies y se desliza con pisadas cortas, marcando con sus caderas
el ritmo cadencioso que repican los tambores. El hombre levanta el talón del pie derecho y
mantiene en tierra la planta del pie izquierdo. En la cumbia la mujer realiza movimientos
diferentes a los del hombre. Éste danza con movimientos libres del cuerpo, baila de frente, a
los lados, por detrás y en rededor de su pareja, gira sobre sus talones, flirtea, efectúa
desplantes y morisquetas, se retira y abanica el sombrero y obsequia velas a la mujer para
halagarla. La mujer tiene desplazamientos más lentos, sensuales y altivos, porta en alto un
racimo de espermas con las que se defiende del constante asedio de su compañero.

La Cumbia es una danza de conquista amorosa, en la cual el hombre representa la raza negra y
la mujer, la indígena. Durante la colonia había pocas mujeres negras y estaban al servicio del
amo, tanto en lo laboral como en lo sexual. Por tanto, la única alternativa que tenía el negro
para satisfacer su deseo sexual era conquistar a la mujer indígena. La única posibilidad que
tenía el negro de acercarse a la india era a través de la danza, ya que el indio era muy celoso
con su mujer. El negro con su habilidad, gracia y simpatía superó los obstáculos y logró vencer
la resistencia de la mujer nativa. Esta historia es la idea básica de la temática de la cumbia.

En este baile, las velas tienen un sentido ritual: origen sagrado, por la relación que guarda con
el fuego; necesidad de la luz, ya que por tradición el baile de cumbia se hacía en la noche. En
un principio se bailaba alrededor de una hoguera, la cual luego fue sustituida por antorchas, y
estas últimas por un manojo de velas.
Mira aquí este baile

BULLERENGUE

Esta es una danza ritual, ejecutada sólo por mujeres. Es quizás uno de los bailes en los cuales
se destaca con mayor fuerza la ascendencia africana. Ésta se pone en evidencia en los
tambores, el palmoteo y el canto coral que acompaña su ejecución. En esencia es una danza
ritual que se realiza de manera especial cuando las jóvenes llegan a la pubertad. El bullerengue
simboliza la fecundidad femenina, aunque no se descarta que también en tiempos coloniales
haya tenido connotaciones fúnebres.

Es danzado por mujeres jóvenes que mantienen su cuerpo en posición erguida y realizan
movimientos pausados, coordinados y simétricos. Los movimientos de la pelvis, la frotación del
bajo vientre, el juego efectuado con las polleras para obtener combinaciones armoniosas y
diversas figuras, como mariposas, remolinos y batir de olas, al igual que el palmoteo de las
manos, asigna a las bailarinas un aire sereno y ceremonial y una actitud de expectativa. El paso
de la danza es menudo y deslizado, apoyando plenamente los pies en el piso. Los
desplazamientos se realizan juntando los pies y flexionando levemente las rodillas,
conservando el donaire y la compostura. La coreografía forma hileras y filas en línea recta y, en
menor medida, círculos. La danza termina en un gran torbellino de cruces de parejas en
cuadrillas.
MAPALE

Baile de marcada ascendencia africana propio del litoral Caribe. Fue introducido en tiempos
pretéritos a lo largo de las orillas del río Magdalena por pescadores de un teleósteo
denominado mapalé. En sus orígenes fue una danza de labor ejecutada en las noches y
amenizada con toques de tambores yamaró y quitambre, las palmas de las manos y el canto.
Con posterioridad se produjo una transformación de su temática, atribuyéndole un énfasis de
regocijo con carácter sexual y asignándole la evolución frenética que hoy presenta.

El mapalé es una danza de pareja suelta. Se baila con pasos cortos, ritmo acelerado y palmoteo
constante de los bailarines... Los movimientos son frenéticos y con un alto contenido de
erotismo. Los de las mujeres son un tanto diferentes y se destacan por ser más excitantes y
eróticos.

PORRO

Antiguamente era una danza suelta, pero ha evolucionado hacia el baile de recreación de
pareja cogida. Se repiten los movimientos circulares de la cumbia con asedio de los hombres a
las mujeres, pero la coreografía no está ligada por secuencias precisas sino por las
oportunidades que cada pareja encuentra. Hay variantes del porro como el "palitia'o",
completamente lento. Otro es el porro "tapa'o"

Se considera en la actualidad como baile de salón más que como una danza folclórica
tradicional. Es una recreación artística de pareja, con simple intención estética.

El porro paletiao su cuna indiscutible es San Pelayo, situado al norte de la capital cordobesa,
en el litoral Atlántico. Para algunos se deriva del porrazo o golpe de porra que se da en la
ejecución musical al tambor llamado Bombo o Tambora. Dentro del baile, ejecutado en pareja
pero sueltos, mantienen en su interpretación dos ritmos tradicionales el Porro de salón y la
Cumbia nacional.

GARABATO

La danza del garabato representa la lucha del bien y el mal, de la vida y la muerte. La muerte,
personaje central, entra en escena y con su guadaña va eliminando uno por uno a los
danzantes, hasta que al final la fuerza del espíritu carnavalero la derrota, pues todos resucitan
y continúan bailando. Tiene posible vestigios agrarios por la utilización del “garabato” que
utilizan los campesinos en el desmonte. Observa casi las mismas características coreográficas y
jerárquicas de las danzas de congo, diferenciándose en el vestuario del hombre que no, lleva
turbante y tampoco lleva la comparsa de animales con sus máscaras.

LA PUYA

Baile de la zona vallenata, acostumbrado en las fiestas populares desde fines del siglo XIX.
Baile popular, de ritmo alegre y delicado cuya aparición se registra en 1885 en el
departamento del Magdalena. Los pasos y movimientos se ejecutan con mucha libertad y en
ellos se hacen presentes rasgos tomados de la cumbia y el porro. Su ritmo es usado con mucha
frecuencia en diferentes danzas de comparsa como los Diablos Espejos, los Goleros, las
Pilanderas, etc . Esta danza se puede bailar tanto con el vestuario de cumbia como con el del
mapale

LAS PILANDERAS

Danza de comparsa acostumbrada en la Costa Atlántica en época de carnavales, sobre todo en

la zona vallenata, parte del Magdalena, Guajira carnavales de Barranquilla y Mompós. Es una
danza de carácter imitativo, en la que el tema es la acción de pilar arroz o maíz, para lo cual se
lleva un pilón grande de madera, manos también de madera, cedazos, bateas y maíz y arroz,
en algunos casos. Se representan por medio de movimientos corporales todas las facetas que
requiere el tema, siendo el pilón el símbolo más representativo de la danza.
EL CONGO

Danza carnavalesca o cuadrilla de negros disfrazados con trajes multicolores, adornados con
flores de papel, arandelas, cintas, encajes, lentejuelas, espejos y cascabeles. Se dice que fue
fundada en 1870 y desde entonces aparece año tras año en los Carnavales de Barranquilla,
convirtiéndose en la danza más característica de estas fiestas y en la más importante de todas
las danzas y comparsas. Es una danza callejera, especial para desfiles, con pasos menudos y
caprichosos que se ejecutan caminando, saltando, trotando y corriendo. Los desplazamientos
se hacen con base en dos hileras, aparejados de dos en dos y enganchados por los codos o
marchando sueltos unos a otros. Las actitudes corporales de los bailarines son muy libres. En la
época de carnaval son varias las danzas de congos que sales y dependen del número de
participantes: "Congo Grande", "Congo Negro", "Congo Tigre", "Congo Reformado" y "Congo
Moderno"

EL FANDANGO

Es un ritmo o baile de la costa colombiana, cuya descendencia se atribuye al fandanguillo

español. Con la palabra fandango también se denominó el sitio donde se realizaban fiestas y se
bailaba de todo. Como baile es muy movido, de movimientos acelerados. Los bailarines se
instalan en la mitad de la plaza y los bailarines alrededor de ellos, llevando espermas en la
mano. Actualmente en Cartagena se baila alrededor de las carrozas del carnaval, en parejas
sueltas.

FAROTAS

Es una danza satírica de Carnaval de origen colonial, que se conserva en Talaigua y en varios
pueblos de la depresión momposina. Versiones recientes contradicen la versión original que
hacía referencia a la manera como los hombres decidieron protestar, disfrazándose de
mujeres, por la forma como estas se entregaban al amor de los españoles a cambio de regalos.

Otras versiones plantean que, que representa de la venganza indígena frente a la injusticia y la
barbarie cometida en contra de su tribu. Los Hombres se vestían como mujeres, para
confundir y engañar a los conquistadores, y en un descuido acababan con ellos. Aunque su
vestuario es totalmente femenino, sus ademanes y posturas son varoniles y burlescos.

EL SERE SE-SE

Este Baile es típico de mineros afrodescendientes de la región de Zaragoza (Antioquia). Al

parecer fue asimilado de las danzas del litoral Caribe por esclavizados que se extenuaban en
los socavones del oro en el norte de Antioquia durante la época colonial. Su temática describe
el trabajo en las minas de aluvión.

En su interpretación hombres y mujeres utilizan sus trajes tradicionales de laboreo y van

provistos de antorchas encendidas. Los oficiantes se ubican en fila para ilustrar, mediante la
pantomima descriptiva, el final de la jornada de trabajo. En este baile se representan
diferentes escenas entra las cuales se destacan las etapas de búsqueda, zarandeo,
berequeada, lavada y llevada a las bateas del metal precioso. El cuadro de costumbres
concluye con eróticos movimientos y acercamientos del vientre.

TAMBORA

Los bailes de tambora son ritmos que narran el acontecer cotidiano del hombre del río
rodeado por la naturaleza. Este baile “cantao” se convierte en un ritmo que identifica y
aglutina los pueblos, veredas y rancherías de este vasto territorio. La tambora es un baile de
pareja en el cual los pies no se levantan del suelo y las caderas van serenas, sin movimientos
exagerados. La mujer domina y con propiedad ordena los círculos de encuentros y
desencuentros, el hombre se mantiene persiguiéndola y asediándola durante la ejecución del
baile. Otra característica de la tambora radica en el hecho que los participantes ejecutan lo que
la tambora menciona, formando una relación entre los bailarines y el conjunto musical.

REGION INSULAR

MAZURCA

La mazurca presenta una forma similar de ejecución, con la diferencia de que los pasos son
tres hacia un lado, vueltas sobre tres pasos y otros tres pasos hacia el lado opuesto. Las dos
danzas descritas admiten coreografía y los grupos organizados los presentan en diversas
figuras.

SHOTTISCHE Ó "SHATTIS"
Las versiones locales varían en cuanto a interpretación pero todos versan sobre la forma básica
de ejecución: dos pasos a la derecha, de inmediato dos a la izquierda, luego se ejecutan
vueltas, repitiendo estos movimientos a libertad, mientras dure la música y tratándose de baile
libre. La coreografía sujeta la ejecución a ciertos movimientos reglamentarios.

POLKA

También de origen europeo (Bohemia), la versión isleña es de un compás un tanto brincado.

En realidad en las islas la polka existe en dos formas "Jumping Polka" (Polka Brincada) y
sencillamente Polka. Un tercer estilo en cuanto a interpretación que no se popularizó es el
Jinny Polka o Jenny Polka. Solamente los isleños de muy avanzada edad conocen la versión y su
edad no les permite dar con los datos exactos en lo que respeta a la forma de ejecución. La
más bailada fue la "jumping polk", pero la forma que se popularizó fue la polka sencilla y se
presenta así: Se inicia con el pie derecho sobre un conteo de 1, 2, y 3, impulsando el cuerpo
hacia adelante con el mismo pie derecho dando una especie de brinco. Es de baile libre.

WALTZ O VALS

Este se ejecuta en su forma original, iniciando con el pie izquierdo generalmente, llevando el
compás de ¾ con muy poco alteración. El movimiento debe ser tal que el completar los 3
tiempos, esté nuevamente sobre el pie izquierdo y la danza continúa, alterando cada vez el
movimiento. Se baila alegremente, con las vueltas que se quieran, siempre con el cuerpo
erguido y ligeramente extendido los brazos, un tanto separadas las parejas para admitir
libertad de movimiento, la dama con la falda un tanto recogida.

PASILLO

Se baila en forma similar al Waltz, aunque con movimientos más rápidos y las vueltas son
abundantes. Baile libre.
CALYPSO

Procedente también de las islas del Caribe (Trinidad específicamente), este baile evoca la vida
tranquila y descomplicada de las islas caribeñas en sus zonas rurales. Las parejas lo ejecutan
generalmente separadas. Es más movido que los otros bailes y el único que admite
movimientos de cadera.

MENTO

Vino de las islas de las Antillas. Es un baile cadencioso que los danzantes ejecutan con mucho
garbo, las damas sosteniendo sus faldones mientras llevan el ritmo con los pies. En su parte
rítmica, el Mentó conserva mucha similitud con la Rumba. La danza en su ejecución presenta
más suavidad de movimientos que le dan un parecido a la cumbia colombiana. Este
desplazamiento se denomina en el lenguaje caribeño (jamaiquino) "shimmy". Una especie de
deslizamiento, efecto obtenido movimiento los pies por pulgaditas al mismo tiempo
impulsando hacia delante, suavemente, las caderas y los hombros en un solo movimiento.

QUADRILLE

Otro baile que llegó a las islas y que a pesar de su presencia en el medio, no se popularizó
como los otros, es el Quadrille, que hasta donde las investigaciones alcanzaron, tuvo su origen
en el Reino Unido al ser inaugurado el Ballet durante los últimos años del mandato del Rey
enrique VIII. Es un baile de la aristocracia británica, elegante, de movimientos de cuerpo casi
nulos, al llevar perfectamente el ritmo marcado por el fondo musical. Como su nombre lo
indica, consta de cuatro parejas o cuadrillas (ocho personas) en cada cuadrilla), que ejecutan
cinco figuras en diferentes ritmos.

Publicado por Al Rescate del Folklore en 7:09 p. m.

Fovismo

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Paisaje: Provinza por Alfred Henry Maurer, c. 1912.1

Louis Valtat. Bahía de Anthéor. Ca 1906-1907 óleo sobre tela. Dentro del periodo fauvista.

El fovismo,2 también conocido como fauvismo (del francés fauvisme, de fauve ‘fiera’ e -ismo,3
‘movimiento, tendencia, carácter’4), fue un movimiento pictórico originado en Francia,
alrededor de 1904 a 1908. Luego se desarrolló a otros países, en años posteriores.
Generalmente es caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede de la
expresión les fauves ‘las fieras’, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de
obras presentadas en la Sala VII de la tercera exposición del Salón de Otoño, en el Gran Palacio
de París, en 1905. Lo usó por primera vez en su crítica de arte publicada en el periódico Gil
Blas, el 17 de octubre de 1905, en un artículo dedicado al salón artístico.

Fue un movimiento sincrético5 donde se usaban e incluían características de movimientos

artísticos próximos, en su espíritu de transformación de volver a la pureza de los recursos,[cita
requerida] de no ser sumisos ante la herencia pictórica, el grupo quería ir más allá de lo
logrado en la pintura, razón por la cual fueron vanguardistas.[cita requerida]

Con distinción y separación, algunos consideran como el precursor o el líder678 de este

movimiento a Henri Matisse. Por otra parte, Guillaume Apollinaire le atribuye la invención del
fauvismo a Henri Matisse y André Derain.910 Otra posición afirma sobre "un triángulo esencial
del fauvismo"11 con Matisse, Derain y Maurice de Vlaminck, para surgir y desarrollarse, al
debilitarse esa unión, se desvanece el movimiento. Otro enfoque menciona a tres artistas
como creadores12 del fauvismo.

Índice

1 Origen del nombre

2 Contexto
3 Influencias para el fauvismo

4 Características

5 Obras

6 Exposiciones temporales

7 Influencia fauvista

8 Referencias

9 Bibliografía

Origen del nombre[editar]

Aquí se muestran algunos nombres de artistas y sus cuadros,13 que se presentaron en la

exposición del Salón de Otoño de 1905, señalados como "Las Fieras". La publicación es de
L'Ilustration, No. 3271,14 4 de noviembre de 1905.

Hay dos supuestas versiones sobre el origen del calificativo hacia el grupo de artistas y sus
obras:

El primero de estos supuestos proviene de la mención les fauves ‘las fieras’ al conjunto de
obras expuestas en la sala número VII durante la celebración del Salón de Otoño de 1905,
donde se presentaron numerosas obras al concurso y aparecieron problemas a la hora de
clasificar y hacer una correspondencia de algunas de ellas con nociones de arte ya establecidas
o aceptadas. Fue algo parecido a lo que pasó en su momento con los impresionistas cuando
una serie de pinturas fueron calificadas de «incoherentes», y sus autores, excluidos del salón
por expresarse de un modo intenso y diferente. Las palabras les fauves fueron parte de una
crítica de arte publicada en el periódico Gil Blas, el 17 de octubre de 1905, por Louis
Vauxcelles, sobre las obras presentadas en la sala VII:

Au centre de la salle, un torse d’enfant, et un petit buste en marbre, d’Albert Marque, qui
modèle avec un science délicate. La candeur de ces bustes surprend, au milieu del’orgie des
tons purs: Donatello chez les fauves...15 (En el centro de la sala, un torso de niño y un pequeño
busto en mármol de Albert Marque, que modela primorosamente. El candor de esos bustos
sorprende en medio de la orgía de tonos puros: Donatello entre las fieras...).

La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte
renacentista del escultor Albert Marque (no confundir con el pintor Albert Marquet). El artista
había presentado dos esculturas: un torso de un niño en bronce y un retrato de Marthe
Lebasque, un busto de mármol.16 Con una sensibilidad que recuerda el estilo italiano,
menciona Matisse en otro relato,17 sobre el busto infantil. Este cuenta que en el momento de
entrada del crítico de arte Louis Vauxelles a la sala, él exclamó: "iVaya, Donatello entre las
fieras!" ["Donatello au milieu des Fauves"] . Después de esto, los autores de las obras dieron
importancia, a la frase:"Donatello chez les fauves..." (en español, Donatello entre fieras...)
publicada al final del apartado de la crítica, para la Sala VII en el periódico Gil Blas o el relato
mencionado por Matisse sobre lo sucedido. El grupo terminó adoptando el distintivo, como
etiqueta a sus obras y su colectivo. John Elderfield menciona estas dos afirmaciones: la
publicación en el periódico y la anécdota dicha por Matisse sobre la frase.17 Este origen se
toma como cierto desde muchos años en la historia del arte.

El segundo de estos supuestos, el más reciente, es donde Roberta Smith, crítica de arte
contemporáneo, la cual escribe actualmente en The New York Times, hace una relación del
artista Henri Rousseau con su obra León hambriento atacando a un antílope, esta obra fue
expuesta18 en el Salón de Otoño de 1905 con el grupo de artistas que posteriormente fueron
llamados fauvistas. Ella aclara: que Rousseau nunca se le ha considerado como fauvista, ni ella
lo hace. Sin embargo la temática de violencia o la violencia en la selva o la violencia salvaje del
cuadro, pudo haber influido19 en la elección del calificativo para el grupo y las obras de
pintores jóvenes del movimiento. Esta afirmación surge en la exposición Henri Rousseau:
Selvas en París donde también se hace la mismo afirmación. Esta exhibición fue realizada del
16 de julio al 15 de octubre de 2006, en la Galería Nacional de Arte de Washington D.C. (en
colaboración con el Tate Modern o el Museo Nacional Británico de Arte Moderno, la Unión de
Museos Nacionales de Francia o Réunion des Musées Nationaux (RMN) y el Museo de Orsay.
Los curadores de la exposición fueron20 Frances Morris del Tate Modern, Christopher Green
del Courtauld Institute of Art y Claire Frèches-Thory (curador principal del Museo de Orsay).

Contexto[editar]

Louis Vauxcelles por Jules Chéret (1836-1932). Carbón sobre papel azul. 35,5 x 22 cm. Fecha:
27.11.1909

El ambiente del París de las vanguardias, donde surgió el fauvismo, lo constituye muchos
elementos, sería una intención inacabable decirlos todos, pero se pueden mencionar algunos,
para ilustrar: la renovación de la ciudad en la segunda mitad del siglo XIX por Georges-Eugène,
el Barón Haussmann y su plan urbanístico, nuevas formas de construcción por ejemplo de
hormigón, el avance de dominio del modernismo es el estilo arquitectónico, la construcción
con hierro, donde la Torre Eiffel como metáfora de construcción moderna. La introducción de
la electricidad a la ciudad permite el tren metropolitano en 1900 y más movibilidad de los
pobladores. Las Exposiciones Universales de inicios y antes del siglo XX. Otros procesos
tecnológicos en la última década del siglo XIX: el automóvil, el motor diesel, cinematógrafo, el
primer cable submarino telefónico entre Francia y Inglaterra, la telegrafía sin cables, el
alumbrado eléctrico. etc. Espectáculos masivos, el Tour de Francia en automovilismo y
ciclismo. Los avances de la ciencia, con la teoría de la relatividad y radioactividad. La influencia
del sicoanálisis con los tres ensayos sobre la sexualidad de Freud. Una relación muy activa, en
varios ámbitos del arte, tanto de artistas franceses y residentes extranjeros. La actividad de
varios marchantes.21

En 1905, el Salón de Otoño, realizó una exposición de pinturas, esculturas, dibujos, grabados,
arquitectura y artes decorativas.22 En el catálogo de la exposición artística, no se indicó el
número de salas en que estaba compuesto el salón, los nombres de los artistas con las obras
expuestas fueron ordenados alfabéticamente,23 en total fueron 163624 obras de 577
artistas.23 La crítica de arte dedicada al salón artístico de ese año, por Louis Vauxcelles
menciona 18 salas,15 Además se debe tomar en cuenta por otra parte que “solo tres de los
seis artistas que agrupaba L'lllustration estaban representados en la famosa Salle VII: Matisse,
Derain y Manguin. Con ellos estaban Marquet, Camoin, Vlaminck y algunos otros; Puy estaba
en la Salle III con los nabis, mayores que él, Vuillard y Bonnard entre ellos; Rouault estaba en la
Salle XVI con algunos realistas de influencia cezaniana, como los clasificó Vauxcelles, que
apuntaba el contraste entre su obra y la de Rouault. Valtat estaba en la Salle XV, con los
entonces desconocidos Jawlensky y Kandinsky".13

Hay que tomar en cuenta que uso colores brillantes, estuvo en muchos artistas fuera del
fauvismo, en el París hacia 1900, el uso del color intenso, lejos de ser un fenómeno exclusivo
de los inicios de este movimiento, fue una de las características principales de la vanguardia en
la pintura, durante esa época. La obra temprana de los fauves debe estudiarse en este
contexto más amplio.25 El uso de colores intensos por sí mismo, no es característica única
para clasificarlo dentro del movimiento fauvista,26 por otra parte.

En 1904 Henri Matisse estaba trabajando27 en la pintura Lujo, calma y voluptuosidad la cual
expuso en el Salón de los Independientes en 1905,28 esta obra es considerada como una
síntesis del posimpresionismo que fue resultado de un esfuerzo de una búsqueda personal y se
convirtió virtualmente en un manifiesto de lo que sería el fauvismo poco después. La
utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo empleados por Matisse
sorprendieron a todos cuando fue expuesto por primera vez, mientras que su desinterés por el
acabado y sus colores chillones le granjearon el desprecio de la crítica cuando expuso sus
paisajes, pintados en Colliure, en el Salón de Otoño de 1905. Allí también se expuso el Retrato
de la Señora Matisse o La Raie Verte (La línea verde) donde se interpretó por críticos como una
caricatura a la feminidad y una excentricidad en la pintura de retrato.

El repudio o la importancia de la crítica convirtió al fovismo en el grupo de vanguardia en París

de ese entonces, poco después Maurice de Vlaminck se unió al fovismo de Henri Matisse y
André Derain. Como movimiento expresionista,[cita requerida] apareció cronológicamente a la
vez que el Expresionismo alemán,[cita requerida] con una propuesta de protesta contraria al
Positivismo, al Naturalismo y al Impresionismo.[cita requerida]
El grupo de artistas de este movimiento no poseían un manifiesto. No se puede hablar de un
estilo fauvista, sino cada artista manifestaba un acercamiento en particular dentro del
fauvismo, de libre expresión, libertad de moralidad y autonomía de enseñanza-aprendizaje29
por ejemplo.

Retrato de Friedrich Nietzsche en 1885 con su firma

Influencias para el fauvismo[editar]

Eugène Carrière. Autorretrato. Pintura al óleo.

Las influencias pueden ser variadas no solo del arte sino de otros campos ya sean en lo
cultural, social, filosófico o literario, ciencia, tecnología, etc.

Con la filosofía y el arte, sus principales influencias vienen de las ideas de Zola, Nietzsche,
Bergson, Croce, Stirner y Huysmans.[cita requerida]

En el grupo de fauvistas "puede observarse la misma obsesión por la inmediación de la

experiencia, el mismo culte de la vie, en el entusiasmo contemporáneo por Friedrich
Nietzsche".29

El fauvismo hace vínculo con la intuición y la inmediatez, fundamentado en Herni Bergson y

Benedetto Croce.30

Una de las salas del Museo Gustave-Moreau, París, Francia

Los maestros Charles Lhuillier, Eugene Carriere y Gustave Moreau, fueron influencia formativa
para algunos del grupo de fauves ya que tuvieron formación en el estudio o la academia con
estos maestros. El grupo principal de fauves, empezó su formación desde antes del 1900 con
tres31 maestros que constituían, en primer lugar, de Henri Matisse y sus condiscípulos de la
época del estudio de Gustave Moreau y de la Academie Carriere: Albert Marquet, Henri
Manguin, Charles Camoin, Jean Puy y, algo distante de estos, Georges Rouault. En segundo
lugar, la denominada «escuela de Chatou», donde André Derain y Maurice Vlaminck
compartían32 un estudio en Chatou desde 1900. Y una tercera agrupación, los últimos en
llegar al grupo, desde El Havre fueron Emile Othon Friesz, Raoul Dufy y Georges Braque, ellos
tuvieron33 en común como profesor a Charles Lhuillier en la Escuela de Bellas Artes de Le
Havre. Luego se une al movimiento otros artistas, el holandés Kees Van Dongen, que conoció a
los demás en los salones y galerías en que todos ellos expusieron.34

Aunque concebían la actividad artística como consecuencia de un impulso vital,[cita requerida]

su punto de partida fue la resolución de problemas puramente plásticos,[cita requerida] como
el empleo del color en una doble función plástica y constructiva al mismo tiempo.[cita
requerida] El maestro del grupo fue Gustave Moreau, en cuya escuela estudiaron Henri
Matisse y Georges Henri Rouault, Henri Manguin, Charles Camoin y Jean Puy. Moureau no
enseñaba ninguna doctrina sino que forzaba a sus alumnos a pintar con independencia y con la
técnica que fuera más adecuada a su temperamento.[cita requerida] De la obra de Gauguin
aprendieron la libertad en el uso del color,[cita requerida] que llevaron al extremo (los colores
como cartuchos de dinamita, que diría Derain), así como la liberación del temperamento y el
instinto personal. También admiraban la capacidad de síntesis y el sentido decorativo de la
obra de Gauguin. Para los fauvistas el cuadro debía ser expresión, no composición y orden.[cita
requerida]

Como artista Paul Cezanne tuvo influencia para varios artistas del fauvismo. Se ha afirmado
que el fin del fauvismo fue por la influencia de Cezanne desde su revalorización a partir de
1907, pero también este artista "fue un componente decisivo del fauvismo desde su principio
mismo".11 Albert E. Elsen realizó un estudio donde relacionó la escultura El siervo de Matisse
con su pintura y la influencia de Cezanne.35 Ver obra de Henri Matisse: El siervo. 1900-1903.
Escultura en bronce. 91,77 x 37,8 x 33.02 cm. Museo de Arte Moderno, San Francisco,
California, Estados Unidos.36 En André Derain.3738 En 1904 Charles Camoin visita al artista, en
ese año realiza un retrato a Albert Marquet que se parecen a un retrato por Cezanne de su
esposa, el cual fue exhibido en el Salón de Otoño de 1904.39 Ver obra de Charles Camoin:
Retrato de Albert Marquet. 1904. Óleo sobre tela. 92 x 72,5 cm. Centro Nacional de Arte y
Cultura Georges Pompidou,40 París, Francia.

Otro artista que pudo haber influido según André Salmon en una crítica que hizo en 1912 "se
preguntaba si el fauvismo habría podido alcanzar la plena manifestación de su color sin la
influencia de Redon".41

Con el artista Paul Gauguin, el color plano característico del fauvismo tuvo su influencia.5 En la
obra de Matisse y Derain, por ejemplo este último sentía que la luz meridional aplasta los
volúmenes.42 "Lo que impide encuadrar a Gauguin entre los fauves es que él no construye
espacio mediante el color, sino que lo usa como expresión del sentimiento" diría Matisse.43 En
el arte decorativo del artista, en el sentido del color exaltado y decorativo.44 Las primeras
noticias de culturas exóticas provinieron de este artista para los fauves, en el primitivismo
evidente en sus pinturas tahitianas con figuras de ídolos y tótems, también las piedras de
indios que tanto impresionaban al artista.45 En el tema de la danza, de Matisse y Derain, hay
una reinterpretación de la obra de este artista con lo primitivo.46 Su interés por la cerámica
también fue influencia para los fauves.47

Salón de Otoño de 1904, Ambroise Vollard, Sala Cézanne.

Los marchantes tienen un papel importante en dar a conocer el movimiento artístico y dar
estímulo a nuevas relaciones entre artistas, exposiciones individuales o colectivas, nuevas
experiencias pictóricas, visitar países, dar apoyo financiero en bonos por ejemplo, etc. El
marchante Ambroise Vollard ayudó y conoció a varios integrantes del grupo, como anécdota,
con André Derain le dio apoyo para que fuera a Londres aprovechando el auge que todavía
tenía el impresionismo en ese lugar y a la vez realizar unos cuadros48 por encargo.49 Por otra
parte cede espacio en su galería para la primera exposición individual a Kees Van Dongen50y
Matisse.50 El marchante Wilhelm Uhde que albergó en su galería obras de este movimiento.
La galerista Berthe Weill (1865 - 1951) fue la que "descubrió a los Fauves antes del Salón de
Otoño de 1905" y ser la primera persona distribuidora de obras arte de los artistas: Derain,
Braque, Matisse, Dufy entre otros.51

Vista del Trocadero durante la Feria Mundial de París 1900. El Palacio del Trocadero
representado en este cuadro había sido construido para la Feria Mundial de 1878 y fue
destruido por un incendio en 1935. Los dos edificios a ambos lados del Trocadero son el
Palacio de Argelia y el pabellón de Argelia.

El arte de África occidental y de la parte septentrional, que llegaron en la década de los

1870s52 a los museos de Francia, Alemania, Londres y a las colecciones de algunos artistas,
incluían máscaras africanas y esculturas negras. De la misma forma máscaras y esculturas de
Oceanía. Producto del proceso colonialismo realizado por varios países europeos. Con el arte,
el colonialismo y el Norte de África francés se puede hacer una relación de esa influencia.53

Máscara africana, máscara de la cultura Sénoufo, Sur de Malí y Norte Costa de Marfil, África
Occidental (Fue territorio colonial de Francia)

El arte de África y el arte de Oceanía fueron influencia para los fauvistas por ejemplo: Henri
Matisse era visitante frecuente del antes llamado Museo Trocadero en París, en algunas visitas
lo acompañaba Maurice de Vlaminck.54 En otros momentos André Derain55 acompañaba a
Vlaminck. Además por distintas situaciones estos artistas tuvieron otros encuentros con el arte
africano.56 Matisse viajó al Norte de África a principios de 1906,57 a Argelia, se trajo varias
cerámicas y tejidos locales58 y a Marruecos (1912-1913).59 Maurice de Vlaminck poseía una
colección de arte de África y Oceanía que tuvo su exhibición en el año 2009. La historiadora de
arte Élie Faure en la introducción para los visitantes del Salón de Otoño de 1905, les
manifestaba ser tolerantes “para ponernos en contacto con la joven generación de artistas,
debemos estar dispuestos a escuchar y a entender un lenguaje absolutamente nuevo.
Prestadles oído a estos primitivos”.60 Con el uso de la palabra primitivo y la historia del arte se
demanda la siguiente aclaración, léase Estudio de la Historia del Arte#El estudio de la historia
del arte no occidental y del arte primitivo.

Fue un movimiento sincrético,5 porque usaban e incluían características de los movimientos

artísticos contemporáneos, en su espíritu de transformación de volver a la pureza de los
recursos como diría,5 Matisse, de carácter directo y con valoración de la individualidad, de no
ser sumisos ante la herencia pictórica, el grupo quería ir más allá de lo logrado en la pintura,
razón por la cual fueron vanguardistas.[cita requerida]

En la formación del estilo fauvismo, hubo muchos movimientos artísticos que fueron un
ambiente adecuado para su desarrollo, de aprendizaje, para síntesis o sincretismo o
reinterpretación. Esto se aprecia en la capacidad de síntesis de la tradición de la pintura de
finales siglo XIX. En el caso de Matisse, esa capacidad la madura hasta 1905. Por ejemplo con
respecto a la obra que menciona John Elderfield: La mujer convaleciente (La mujer enferma,
título que da el museo). De 1899. Es un óleo sobre tela. De 41,4 x 38,4 cm. Tienen un número
del objeto: 1950.225. La cual está en el Museo de Arte de Baltimore,61 Baltimore, Estados
Unidos. De esa obra se puede apreciar que: “no solo combina los métodos neoimpresionistas
con los métodos nabis, sino que los injerta en su propio estilo alternativo de 1899, el de El
invalido, a su vez profundamente influido por una tercera gran opción postimpresionista, la de
Cezanne”.11

Con los Nabis

Paul Sérusier. Danza bretona, pintura al óleo. Nótese el uso del color y lo decorativo. Paul
Sérusier, fue el líder del grupo de los Nabis.

"Mientras que las figuras de las obras tempranas de Matisse recuerdan a Cezanne y a la
escultura que el propio Matisse empezaba a hacer por entonces la zonificación del color se
debe en alguna medida al decorativismo plano de los nabís. Tanto el decorativismo nabi como
su color se hacen patentes en las vistas de Notre-Dame y de los puentes del Sena que Matisse
pinto hacia 1900, en sus violetas y serenos verdes, tan dominantes, y en su aliento más
sosegado que el de sus cuadros de figuras".11 Ver obra de Henri Matisse: Notre-Dame. 1900.
Óleo sobre tela. 66,7 x 99,1 cm. Soporte 46 x 37,5 cm con marco 68,9 x 60,8 x 8,1 cm Tate,62
Londres, Inglaterra. Esta influencia se extendía a otros futuros fauvistas:11 Albert Marquet,
Keen Van Dongen, André Derain.63
Los primeros dibujos, con pincel y tinta china, de Albert Marquet con temas callejeros del
ambiente parisino, es donde se puede apreciar "otro aspecto del arte nabi, al estilo caligráfico
«japones» de los dibujos de Bonnard".64 Ver la obra Albert Marquet: Pareja bailando. 1903.
Pincel y tinta china sobre papel. 15,5 x 11cm. Número de inventario: Bx 1960.5.15, Museo de
Bellas Artes de Burdeos,65 Bordeaux, Francia.

Con el impresionismo. Influencias de Paul Gauguin[cita requerida]

Claude Monet. El Parlamento en Londres, 1904. Óleo sobre tela. 80x91 cm. Museo de Krefeld.
Krefeld. Renania del Norte-Westfalia, Alemania. Uno de los principales exponentes del
impresionismo.

André "Derain estuvo haciendo, hacia finales de 1905 o principios de 1906, una reevaluación
deliberada de un proyecto que había ocupado a Monet, a saber, una serie de pinturas del río
Támesis que le habían sido encargado por Vollard. Durante su estancia en Londres, Derain
realizó algunos de los ejemplos más destacados del fauvismo. Reaccionó de manera muy
acentuada a la variedad cambiante de luces y a las distintas gradaciones de la niebla y las
brumas que se cernían sobre el río; sin embargo, no se trata meramente de respuestas
impresionistas reelaboradas sino reinterpretadas de un modo característicamente
subjetivo".66

Con el postimpresionismo[cita requerida]

Con el neoimpresionismo

Matisse tenía67 el libro de Signac, titulado De Delacroix al neoimpresionismo68 el cual leyó69

en el estudio de Gustave Moreau.

"No deja de ser significativo que los primeros experimentos neoimpresionistas de Matisse
estuvieran influidos por la obra de Signac y Cross, que trataron las unidades de color como
adoquines o teselas de un mosaico, dándoles una extensión mucho mayor que la de los
componentes del puro y meticuloso pointillisme de Seurat".70

Con el puntillismo[cita requerida]

Con el divisionismo

Georges Seurat Pierre. "Gravelines: un estudio de la tarde". Pintura al óleo. El Museo de la

Anunciación en Saint Tropez, Francia. Exponente del divisionismo.

En el salón de los Independientes de 1905, Matisse expuso la obra "Lujo, Calma y

Voluptuosidad" en la primavera de ese año. Aparte de la discusión de la crítica por la obra, el
artista promovió a otros fauvistas a acercarse al “divisionismo”, la así llamada evolución del
estilo puntillista de Seurat. De otra manera Signac hacía hincapié que el estilo continuase
guiado por las leyes del contraste en el círculo cromático y los complementarios. En la obra de
“ Lujo, Calma y Voluptuosidad” se aparta de toda guía indicada por Signac: “sus manchas de
color son demasiado grandes para que la mezcla óptica “funcione” a la manera de Seurat. Gran
parte del divisionismo prácticado por Matisse, Derain, George Braque y otros no era más que
una separación de los colores en manchones sin mezcla (taches)”.71

Henri Matisse: Estudio para Lujo, Calma y Voluptuosidad . 1904. Óleo sobre tela, 32,7 x 40,6
cm. Museo de Arte Moderno,27 New York, Estados Unidos.

Características[editar]

Estas son algunas características que se pueden mencionar:

El color aplicado con la pincelada hace que el dibujo y el mimetismo fueran supeditados al
color. Ronald Pickvance menciona: "La identidad de las flores queda subsumida en una
equivalencia de pincelada de un solo color, formando un dibujo rítmico independiente, [...]
niegan cualquier función descriptiva que evoque las flores de forma precisa"72 para la obra de
Maurice de Vlaminck: Jarrón azul con flores, 1906. Óleo sobre tela. 81,5 x 45,7 cm. Museo
Thyssen-Bornemisza, Madrid, España.

El color fue su centro en la creación.[cita requerida] "La lógica de la forma creada mediante el
color - mediante el dibujo del color - que el fauvismo hizo posible no se comprendió del todo
enseguida salvo por quienes estaban tan obsesionados por la pureza pictórica como Matisse.
Este se dio cuenta inmediatamente de que el color por sí solo podía evocar el registro
completo de cualidades pictóricas que los otros componentes de la pintura expresan por
separado: la profundidad y el carácter plano, los contornos y las superficies, lo sustantivo y lo
ilusorio."73

De Albert Marquet la obra El Puente Nuevo (París), un óleo sobre tela, dimensiones sin marco
50,2 x 61,3 cm. Con fecha de 1906. Observe el uso colores oscuros para pintar algunos
contornos de algunas figuras en el cuadro.

Limitar las formas con contornos oscuros.[cita requerida]

Vlaminck manifestaba: usar los «colores puros tal y como salen del tubo»74 en el lienzo.

El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas,[cita requerida] sin embargo Matisse
no se olvidó de su importancia. También se destacaba la función decorativa y se empleaban las
líneas onduladas.[cita requerida]

En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado, el
claroscuro o la perspectiva.[cita requerida]

Dibujo de estilo académico

Hay una transgresión de la forma por buscar más allá de la representación por mímesis
heredada del academicismo, esa búsqueda da una abstracción de la forma centrada en el
color. Esta abstracción de la forma, no llega alejarla del modelo exterior en que se inspira el
artista, la identificación de la obra con el modelo no desaparece.[cita requerida]

La técnica pictórica fauvista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos,
aunque se crea distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad.[cita
requerida] Respecto a esta característica Tomás Llorens Serra, afirma que la "ejecución es muy
somera y directa, anticipándose a lo que será una de las características distintivas del estilo
fauve"75 respecto a la obra de André Derain: Paisaje en los alrededores de Chatou. 1904-1905.
Óleo sobre tela. 54,2 x 65,2 cm. Museo Thyseen - Bornemisza, Mardrid, España. En la misma
página se puede pinchar en la parte "La obra en su contexto" que lo dirige a la exposición
virtual, ahí se puede hacer un zoom a la imagen de esta obra y apreciar el tipo de pincelada
que se hace mención.

El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los
contrastes cromáticos.[cita requerida] Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color
interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son
complementarios.[cita requerida] Mediante este planteamiento consiguieron una
complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor
fuerza cromática.[cita requerida]

Modelo de RYB, la ubicación de los colores primarios, secundarios y terciarios en un círculo

cromático, para las armonías y contrastes.

Este planteamiento, conocido como Modelo de color RYB, clasificaba los colores como:

Colores Primarios: rojo, amarillo, azul

Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo +
amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).

Complementarios: se entiende por color complementario, el color opuesto a otro: para el

verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.

Estos artistas fueron los últimos que hicieron pintura al aire libre, "plein air" como en francés
se hace referencia. Matisse se entusiasmó con la luminosidad de Paul Signac en Saint-Tropez y
compartió con André Derain el verano en Colliure, donde elevaron las tonalidades de sus
paletas. Otros miembros del grupo -Charles Camoin, Henri Manguin y Albert Marquet- también
fueron seducidos por la luz mediterránea,[cita requerida] que queda reflejada sobre todo en
las vibrantes naturalezas, en las vistas marinas y en los cuidados desnudos. Poco después,
George Braque, Raoul Dufy y Othon Friesz pusieron su atención en los pueblos pesqueros y en
el júbilo de las villas engalanadas por las fiestas populares.76

André Derain, barcos en la playa en Colliure (o Colibre), 1905

Esta característica se ejemplifica con la obra de André Derain, barcos en la playa, en Colliure (o
Colibre), 1905.

La luz es un tema tratado en el arte en muchas manifestaciones artísticas. En los fauvistas la

luz se hizo por los contrastes realizados por matiz no por tono.77

Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento, algo que

anteriormente intentaron los pintores Nabis.[cita requerida] Esto hace que percibieran la
naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos. En la idea de que hay una
diferencia entre el color percibido por los ojos y el color procesado por la mente o el
pensamiento.[cita requerida]

Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la
pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ámbito artístico.

Maurice de Vlaminck:"Yo no quería seguir un modo convencional de pintar; yo quería

revolucionar las costumbres y la vida contemporánea".78

Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintaron el mundo rural
y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos, escenas interiores, bodegones,
mientras otros preferían la pintura al aire libre, realizando paisajes, influidos por las
costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de
vivir.[cita requerida]

Dentro de este estilo hay una combinación de métodos llamado "fauvismo de técnica mixta"79
donde había un sincretismo de varios movimientos artísticos. Por anécdota: se "combinó
características derivadas de Seurat y van Gogh, con la pincelada restregada, frotada, y las
divisiones arbitrarias de color que recuerdan a Cezanne".80

Generalmente se conoce que tuvo un gran aporte a través de la pintura al óleo sin embargo los
fauvistas también realizaron obras en otras técnicas artísticas: cerámica, escultura, grabado,
dibujo, etc.[cita requerida]

Obras[editar]

En Wikipedia se puede encontrar obras del fauvismo con historia, contexto, análisis,
apreciaciones y datos de las mismas. Además de esas obras, se presenta a continuación una
breve lista de obras del movimiento, en pintura al óleo:

André Derain: El "Pool" de Londres. 1906. Óleo sobre tela. 66,7 x 99,1 cm. Tate,81 Londres,
Inglaterra.

André Derain: Henri Matisse. 1905. Óleo sobre tela. 46 x 34,9 cm. Tate,82 Londres, Inglaterra.

Charles Camoin. Retrato de Albert Marquet. 1904. Óleo sobre tela, 92 x 72,5 cm. Centro
Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou,40 París, Francia.
George Braque: El puerto de Amberes. 1906. Óleo sobre tela. 49,8 x 61,2 cm. Galería Nacional
de Canadá,83 Otawa, Canadá.

George Braque: Los grandes árboles. El Estanque. 1906-1907. Óleo sobre tela, 80 x70,5 cm.
Museo de Arte Moderno,84 New York, Estados Unidos.

Henri Matisse: André Derain. 1905. Óleo sobre tela, 38,4 x 28,3 cm. Tate,85 Londres,
Inglaterra.

Henri Matisse: Mujer con un sombrero. 1991. Óleo sobre tela, 80,65 x 59,69 cm. Museo de
Arte Moderno de San Francisco,86 San Francisco, California, Estados Unidos.

Henri Matisse: La Gitana. 1905. Óleo sobre tela, 55 x 46 cm, Museo de la Anunciación.87 Saint-
Tropez, Francia.

Maurice de Vlaminck: El Remolcador en el Sena, Chatou. 1906. Óleo sobre tela, 50,2 x 65,1 cm.
Galería Nacional de Washington D. C.,88 Washington D. C. Estados Unidos.

Maurice de Vlaminck: Los árboles rojos. 1906-1907. Óleo sobre tela, 65 x 81 cm. Centro
Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou,89 París, Francia.

Maurice de Vlaminck: Jarrón azul con flores, 1906. Óleo sobre tela. 81,5 x 45,7 cm. Museo
Thyssen-Bornemisza,72 Madrid, España.

Raoul Dufy: Los afiches en Trouville. 1906. Óleo sobre tela, 65 x 81 cm. Centro Nacional de Arte
y Cultura Georges Pompidou,90 París, Francia.

Si bien el fauvismo se conoce en la mayoría de los casos por su gran aporte a través de la
pintura al óleo, este movimiento incursionó en otras técnicas plásticas:

Ambroise Vollard tuvo la idea de estimular a algunos artistas para que realizaran cerámica
fauvista, para hacer más accesible este movimiento al público. Maurice de Vlaminck en 1906,
animado por Vollard, su marchante, inicia una colaboración con el ceramista André Metthey,
con esta técnica, algunas de sus obras, están clasificadas como fauvistas.91 Derain y Matisse
fueron también estimulados por el marchante y el ceramista.47 Sin embargo el proyecto de
cerámica fauvista no triunfó. Algunas obras que se pueden mencionar:

André Derain: Florero. 1907-1908. Cerámica. 53 x 20 x 20 cm. Número de inventario: KMSr135.

Galería Nacional de Dinamarca,92 Copenhague, Dinamarca.

André Metthey9394

André Metthey “Plato - Adán y Eva” (1909-1920). Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la
Ville[1] , París, Francia.

Henri Matisse: Jarrón. Hacia 1907. Cerámica. 23,4 cm. de altura. Colección particular.

Maurie de Vlaminck, Plato decorado con ave corriendo. 1908. Usualmente André Metthey
realizaba las formas de los platos o jarrones y Vlaminck los decoraba.
En la Embajada de Francia de Tokio (Japón) se realizó una exposición titulada: Los trabajos de
cerámica de Rouault y los fauvistas (2015)[2].

Coppel95 da la idea y sugiere influencias para el desarrollo del grabado en madera o xilografía
en los fauvistas.

Henri Matisse: Grabado en madera grande. 1906. Grabado en madera. Papel 57,4 x 46 cm,
Matriz 46,5 x 39,5 cm. Número del objeto: 1950.12.236. Museo de Arte de Baltimore,96
Baltimore, Estados Unidos.

Henri Matisse: Grabado en madera pequeño negro. 1906. Grabado en madera. Papel 46 x 28,7
cm, Matriz 31 x 22 cm. Número del objeto: 1950.12.235. Museo de Arte de Baltimore,97
Baltimore, Estados Unidos.

Con el grabado a Punta seca

André Derain. Paisaje. 1907. Grabado a punta seca, 28,9 x 35,8 cm. Museo de Arte
Moderno,98 New York, Estados Unidos.

Henry Matisse. Dos desnudos, Dos cabezas, 1900-1903. Grabado a punta seca, tamaño de la
matriz 14,9 x 10 cm y tamaño del papel 32 x 25,5 cm. Museo de Arte Moderno,99 New York,
Estados Unidos. Matisse empezó a trabajar en grabado en cobre alrededor de 1903, con punta
seca.100

Con el grabado en litografía. Matisse después de sus grabados en cobre, alrededor de 1903.
Hace una pausa retomando el grabado en 1906, realizando sus primeras litografías y
linograbados, nuevamente hizo una pausa hasta 1914.101

Henri Matisse: Desnudo inclinándose con la mirada agachada. Litografía a lápiz. 1906. 45,1 x
28,1 cm. Número del objeto: 1950.12.133. Museo de Arte de Baltimore,102 Baltimore, Estados
Unidos.

Henri Matisse: Figura con un collar negro, vista desde de atrás. Litografía a lápiz. 1906. 44,9 x
27,9 cm. Número del objeto: 1958.116. Museo de Arte de Baltimore,103 Baltimore, Estados
Unidos.

Con la técnica de la pintura en acuarela, se han algunos trabajos expuestos.104 Aparte de ellos
se puede mencionar:

André Derain. Danza báquina. 1906. Acuarela y lápiz sobre papel. 49,5 x 64,8 cm. Museo de
Arte Moderno105 New York, Estados.Unidos.

André Derain. Dos bailarinas. 1906 ca. Acuarela sobre papel. 43,8 x 54,6 cm. Número de
inventario: KKSr158. Galería Nacional de Dinamarca,106 Copenhague, Dinamarca.

El dibujo que muchas veces es visto como un paso previo al trabajo en pintura, como bocetos.
Los dibujos sirven como estudio o anotación para el artista. Los que tienen la oportunidad de
observar estos trabajos previos o finalizados, pueden apreciar en el dibujo parte del proceso
de construcción de una obra o ideas para futuras obras o ver soluciones que da el artista a
determinadas respuestas o análisis visuales. También se puede observar tratamientos de
algunos elementos del lenguaje visual o de composición que da el artista. El "aspecto
notacional de la pintura está determinado por el dibujo, que, además de su función técnica de
proyecto, goza, a la hora de presentarse como dibujo "libre" o bosquejo, de una especificidad
artística capaz de atribuir un valor estético autónomo al producto".107 Trabajos en dibujo se
han expuesto108 sobre este movimiento.

Albert Marquet. Coche fúnebre. 1905. Pincel, tinta china sobre papel. 12,7 x 14,2 cm. Número
de inventario Bx 1960.5.8. Museo de Bellas Artes de Burdeos,109 Bordeaux, Francia.

André Derain. La Edad de Oro. 1904-1906. Carboncillo sobre papel. 29,7 x 19,4 cm. Número de
inventario AM 3671 D. Centre Nacional de Artes y de Cultura Georges Pompidou.110 Museo
Nacional de Arte Moderno, París, Francia.

Henri Matisse: El baño. 1905-1906. Pincel y tinta china. Papel 94 x 69 cm, con el borde 95,7 x
71,3 cm. Número del objeto: 2013.4. Museo de Arte de Baltimore,111 Baltimore, Estados
Unidos.

Con la escultura varios artistas del fauvismo se expresaron a través de esta técnica artística,
utilizando por ejemplo la talla de madera, algunas obras que se pueden mencionar:

André Derain: cabecero y pies tallados para una cama. Hacia 1906-1907. Talla en madera.
Paradero desconocido

Henri Matisse: La danza. 1907. Talla en madera, 44 cm. de altura. Museo de Matisse de Niza,
Niza, Francia.

Para consultar más sobre obras y artistas de este movimiento artístico se puede leer el
apartado de exhibiciones temporales, más delante.

Exposiciones temporales[editar]

Museo Thyssen-Bornemisza, España.

una sección del Museo de Arte Moderno de New York

Museo de Arte Moderno de Céret, Francia.

Desde su origen los fauvistas han sido parte importante de la historia del arte, razón por la cual
sus obras forman parte de colecciones privadas y públicas, de importantes museos alrededor
del mundo. El público en general puede apreciar estas obras en la mayoría de los casos a
través de las exposiciones temporales como parte de las actividades de los museos. En la
actualidad, los museos en su papel de divulgar, investigar, educar, preservar su aporte cultural
da a conocer por Internet su importante valor. También hay exhibiciones de destacables
organizaciones diplomáticas y culturales que se pueden mencionar. Por ello esta es una breve
lista de exposiciones temporales sobre fauvistas para consultar:

Dufy (Del 17 de febrero al 17 de mayo del 2015). Museo Thyssen-Bornemisza,112 Madrid,

España. En ella se puede encontrar su producción del periodo fauvista entre otros.

Henri Manguin. Un "salvaje" en el Bonnard". Del 27 de junio al 31 de octubre de 2015. Museo

Bonnard,113 Le Cannet, Francia.

Las obras de cerámica de Rouault y los fauvistas (en inglés The Ceramic Works of Rouault and
the Fauvists) del 11 de abril al 21 de junio de 2015. Museo de Panasonic Shiodome, Tokio,
Japón. La exposición la organizó el Museo de Panasonic Shiodome y otros. La apoyaron la
Embajada de Francia en Japón, Instituto Francés de Japón y otros . Con especial colaboración
de la Fundación Georges Rouault.114 El sitio tiene una versión en inglés.

Los fauves. La pasión por el color (del 22 de octubre de 2016 hasta 29 de enero de 2017).
Fundación MAPFRE,115 Madrid, España. La comisaria de la exposición fue María Teresa
Ocaña.116

Las "bestias salvajes": el fauvismo y sus afinidades (del 26 de marzo al 1 junio de 1976), Museo
de Arte Moderno,117 New York, Estados Unidos. En el mismo sitio está el catálogo razonado
"El fauvismo" de John Elderfield, en español, por Juan Díaz de Atauri, 1983 .

Jean Puy (1876-1960) plenitud de un salvaje. Del 9 de abril al 18 de setiembre de 2016. Museo
de Château de los Duques de Wurtemberg,118119 Riquewihr, Francia.

Maurice de Vlaminck, un instinto fauve. Pinturas de 1900 a 1915. Exposición del 3 de julio al 18
de octubre de 2009.CaixaForum Barcelona,120 España. La comisaria fue Maïthé Vallès-
Bled.121 En el sitio hay fotos y vídeos de la exposición.

Exposición de fauvistas húngaros. Del 21 de junio al 12 de octubre del 2008. Museo de Arte
Moderno de Céret , Céret, Francia. Exposición coproducida con Museo Matisse de Cateau-
Cambrésis y Museo de Bellas Artes de Dijon, en colaboración con la Galería Nacional Húngara
de Budapest.122123

Othon Friesz, un salvaje singular. Del 17 de junio al 17 de octubre de 2016. Museo de la

Anunciación,124 Saint-Tropez, Francia.

Influencia fauvista[editar]

Los aportes del fauvismo en el siglo de las vanguardias, se pueden observar en varias
consecuencias importantes para el desarrollo del arte en la primera mitad del siglo XX. Los
aportes fueron directos o indirectos, más allá de su apogeo en Francia y no se puede
determinar a ese país solamente. Además no fue una causa exclusiva o única para las
siguientes transcendencias:
Otros artistas que no fueron del grupo principal del movimiento pero de fuerte influencia en
Bélgica, España, Hungría y otros:

En Bélgica, los fauvistas de Brabante, es una expresación dada por primera vez en 1941 por el
crítico belga Paul Fierens, para describir un grupo informal en Brueselas (en Brabante) los
fundadores incluyen Fernand Schirren, Louis Thévenet, Willem Paerels (1878-1962), Charles
Dehoy y Auguste Oleffe Y el atista Edgard Tytgat, Jean Brusselmans, Anne-Pierre de Kat (1881-
1968.125 Por otro lado el artista Henri Evenepoel.

En España, los artistas Francisco Iturrino y Juan de Echeverría.[cita requerida]

En Hungría, el artista Béla Czóbel, Róbert Berény, Vilmos Perlrott Csaba, Sándor Ziffer, Lajos
Tihanyi, Géza Bornemisza, el matrimonio Sandor Galimberti y Valéria Dénes.126

Estos grupos de otra manera se conocen como fauvismo belga, fauvismo ibérico127 como lo
llamaría Gaya Nuño y el fauvismo húngaro,[cita requerida] respectivamente.

Hay agrupaciones de artistas que tiene una diversidad[cita requerida] de tipos de arte y donde
generalmente toman en cuenta varios movimientos artísticos [cita requerida]en su manera de
entender el arte por tanto no considera del todo al fauvismo. Estos son algunos colectivos
artísticos o grupos de artistas influenciados:

El grupo Der Blaue Reiter (el Jinete Azul en español) este grupo tuvo muchas influencias y
entre ellas este movimiento artístico.128

El Grupo Montparnasse, en 1922, artistas chilenos de la pintura influenciados por la tendencia

postimpresionista europea y, sobre todo, por el fauvismo

El Puente (Die Brücke) tuvo influencia del fovismo.129 Donde el holandés Kees Van Dongen se
unió al grupo.

Sota de Diamantes fue colectivo ruso cuyo interés fue el desarrollo de nuevos estilos, a partir
de sus interpretaciones de Henri Matisse y su periodo fauvista. Entre otros movimientos y
artistas.[cita requerida]

Hay artistas que han estado influidos por el fauvismo, en su misma época de surgimiento,
desarrollo, apogeo y agotamiento.Y no han estado en el grupo principal ni en las agrupaciones
anteriores. Así ellos después de su paso por el fauvismo siguen su propio camino plástico hacia
otros movimientos o propósitos personales en el arte. Por ejemplo el artista japonés Yoshio
Aoyama que conoció a Matisse, en su estadía en París, específicamente en Niza.[cita
requerida] La artista francesa Émilie Charmy que trabajó estrechamente con Henry
Matisse.[cita requerida]
En el siglo de las vanguardias, como lo fue el siglo XX, surgieron numerosos "-ismos",
movimientos artísticos que surgieron producto de las influencias de unos con otros,[cita
requerida]

Dadaísmo

dadaísmoEl dadaísmo fue un movimiento artístico que surgió en Europa (ciudad suiza de
Zúrich) en el año 1916. También conocido como movimiento Dada, esta vanguardia fue creada
por un grupo de artistas (pintores, escritores y poetas) de la Primera Guerra Mundial
refugiados en 1916 en Zurich, Suiza.

Poseía como característica principal la ruptura con las formas de arte tradicionales.

Por lo tanto, el dadaísmo fue un movimiento con fuerte contenido anárquico.

Significado del Dadaísmo

La elección del nombre “Dada” no tiene un significado específico. Los fundadores del
movimiento eligieron un nombre aleatorio en el diccionario, representando un acto no
racional y casual, que eran algunas de las principales características del movimiento.

El propio nombre del movimiento deriva de un término francés infantil: dadá (juguete, caballo
de madera). De ahí, se observa la falta de sentido y la ruptura con lo tradicional de este
movimiento.
Origen del Movimiento

Tristan Tzara (1896-1963) fue el fundador del movimiento Dadaísta, a mediados de la primera
guerra mundial, junto a los artistas Hugo Ball (1886-1927) y Hans Arp (1886-1966).

Tzara tenía su manifiesto que fue la base del dadaísmo, dice: “Estoy en contra de los sistemas,
los sistemas más aceptable es aquel que no tiene en principio ningún principio.”

Este movimiento surgió en un café en Zúrich, en el año 1916. En este lugar los cantantes se
presentaban y se le permitía recitar poemas. Después de que la Primera Guerra Mundial
comenzara, esa ciudad acabó convirtiéndose en un refugio para personas de toda Europa.

En ella se reunieron personas de varias escuelas como el cubismo francés, el expresionismo

alemán y el futurismoitaliano. De este modo es posible observar que este no fue un
movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino un movimiento que pasó a
cuestionar el concepto de arte antes de la Primera Guerra Mundial.

Este movimiento surgió con la intención de destruir todos los sistemas y códigos establecidos
en el mundo del arte. Es posible afirmar que éste fue un movimiento antipoético, antiartístico
y antillero, ya que cuestionaba las artes. Pocos años después del surgimiento, el movimiento
se expandió, alcanzando las ciudades de Barcelona, Berlín, Colonia, Nueva York y París.

¿Cómo se eligió el Término? Fue así que al azar se eligió el término “dadaísmo”. Los artistas
reunidos resolvieron elegir un término en un diccionario, ¿de qué manera? Los artistas al abrir
aleatoriamente un diccionario apareció la palabra francés dada, que significa “caballo de
madera o Juguete”. Esto de cierta manera, ya indicaba el carácter ilógico del movimiento que
surgía.

Los dadaístas usaron frecuentemente métodos artísticos y literarios que eran deliberadamente
incomprensibles. Sus actuaciones teatrales y sus manifiestos estaban concebidos para chocar o
desgarrar al público, con el objetivo de sorprender al público.

Para este fin, los dadaístas utilizaron nuevos materiales e incluyeron objetos encontrados en la
basura de las calles, además de nuevas técnicas en sus obras, como si escogieran al azar la
determinación de los elementos que iban a componer sus trabajos. El pintor y escritor alemán
Kurt Schwitters se destacó por sus collages con papel viejo y materiales similares, y el pintor
francés Marcel Duchamp exhibió como obras de arte productos comerciales ordinarios, que él
mismo llamó ready-mades.

Características del Dadaísmo

Rompimiento con los modelos tradicionales y clásicos;

Espíritu vanguardista y de protesta;

Espontaneidad, improvisación e irreverencia artística;

Anarquismo y nihilismo;

Búsqueda del caos y desorden;

Contenido ilógico e irracional;

Carácter irónico, radical, destructivo, agresivo y pesimista;

Aversión a la guerra ya los valores burgueses;

Rechazo al nacionalismo y al materialismo;

Crítica al consumismo y al capitalismo.

Dadaísmo Literario
Note que el movimiento dadaísta se difundió en las artes plásticas y también en la literatura.
Los poetas dadaístas cultivaban la disposición aleatoria de las palabras.

De esa forma, era notoria la falta de lógica e irracionalidad, propias del dadaísmo. Ocurría así,
la banalización de las rimas y de la construcción poética.

Artista del movimiento Dadaista

Marcel Duchamp (1887-1968)

Marcel DuchampPintor y escultor francés, su arte allanó el camino para movimientos como el
Arte Pop y Op Art de los años 1950 y 1960. Reinterpretando el cubismo a su manera,
interesado por el movimiento de modalidades.

El experimentalismo y la provocación lo condujeron a ideas radicales en arte, antes del

surgimiento del grupo Dada (Zúrich, 1916). Creó los ready-mades, objetos escogidos al azar en
la calles, y que después de una intervención leve y recibir un nombre, adquirieron la condición
de objeto de arte.

En 1917, Realizo un urinol de vajilla que llamó “Fuente”, Pero al ser presentado en una
exposición de arte contemporáneo, fue rechazado, lo que de hecho confirma el carácter
estético Dadaísta, explosivo para la sociedad en aquel momento, en que su principal concepto
es la locura y la irracionalidad. Después hizo interferencias (pintó bigotes en la Mona Lisa, para
demostrar su desprecio por el arte tradicional), inventó mecanismos ópticos.

Francis Picabia (1879-1953)

Francis PicabiaPintor y escritor francés. Se involucró sucesivamente con los principales

movimientos estéticos de principios del siglo XX, como Cubismo, Surrealismo y Dadaísmo.
Colaboró con Tristan Tzara en la revista Dada.
Sus primeras pinturas cubistas eran más cercanas a Léger que de Picasso, demuestran
exuberancia en los colores y sugieren formas metálicas que encajan unas en otras. Formas y
colores se volvieron más discretos, hasta que en torno a 1916 el artista se concentró en los
ingenios mecánicos del Dadaísmo, de índole satírica. Después de 1927, abandonó la
abstracción pura que había practicado por años y creó pinturas basadas en la figura humana,
con la superposición de formas lineales y transparentes.

Max Ernst (1891-1976)

Max ErnstPintor y escultor alemán, un adherente de la irracional, el sueño y el inconsciente,

estaba involucrado en otros movimientos artísticos, creando técnicas de pintura y escultura.
En el Dadaísmo contribuyó con collages y fotomontajes.

Nuevas Técnicas

Inventó técnicas para estimular la imaginación creativa como el collage, el fotomontaje, el

ensamblaje (construcción tridimensional a partir de materiales recuperados), el Grattage
(raspado en francés, Técnica de pintura surrealista), la decalcomanía y la flotación (estafa),
esta última consiste en aplicar una hoja de papel sobre una superficie rugosa, como la madera
de vetas salientes, y frotar un lápiz de color o grafito, de modo que el papel adquiere el
aspecto de la superficie puesta debajo de él. Como el artista no tenía control sobre el cuadro
que estaba creando, el frottage también era considerado un método que daba acceso al
inconsciente.

Man Ray (1890-1976)

Man RayMan Ray fue, en realidad, el gran defensor de la fotografía como arte, una especie de
artesano conceptual, siempre jugando con una conciencia detrás de las cosas en busca de la
metáfora.

Con vínculos que pasan por el Cubismo, Dadaísmo y Surrealismo, es el artífice de la foto
creativa, elaborada, construida o improvisada, intentando siempre una aproximación entre
fotografía y pintura y es el pionero de la deconstrucción de la fotografía con la transformación
de fotos tradicionales en creaciones de laboratorio, con distorsiones de cuerpos y formas.
Sistema numérico

Ir a la navegaciónIr a la búsqueda

No debe confundirse con Sistema de numeración.

En aritmética, álgebra y análisis matemático, un sistema numérico es un conjunto provisto de

dos operaciones que verifican ciertas condiciones relacionadas con las propiedades
conmutativa, asociativa y distributiva. El conjunto de los números enteros, los racionales o los
reales son ejemplos de sistemas numéricos, aunque los matemáticos han creado muchos otros
sistemas numéricos más abstractos para diversos fines. Además debe tenerse en cuenta que
dado un sistema numérico existen diversas formas de representarlo, por ejemplo en los
enteros podemos usar la representación decimal, la binaria, la hexadecimal, etc. En los
racionales podemos optar por representarlos de manera decimal o como fracción de enteros,
etc.

Los sistemas numéricos se caracterizan por tener una estructura algebraica (monoide, anillo,
cuerpo, álgebra sobre un cuerpo), satisfacer propiedades de orden (orden total, buen orden) y
propiedades topológicas y analíticas (densidad, metrizabilidad, completitud) adicionales.

Índice

1 Introducción

2 Ejemplos según estructura algebraica

2.1 Sistemas numéricos con estructura de anillo

2.2 Sistemas numéricos con estructura de cuerpo

2.3 Sistemas numéricos con estructura de álgebra

3 Discusión de los ejemplos

3.1 Ejemplos intuitivos

3.2 Los restos de módulo 2

4 Ejemplos según las propiedades de orden

4.1 Sistemas numéricos totalmente ordenados

4.2 Sistemas numéricos bien ordenados

4.3 Sistemas numéricos con orden denso

5 Referencias

5.1 Bibliografía

Introducción[editar]

Convencionalmente diversos conjuntos dotados de "adición" y "multiplicación" se llaman

sistemas numéricos. Entre estos conjuntos están los números naturales, los enteros, los
racionales, los reales y los complejos, aunque existen otros que generalizan a algunos de los
anteriores. Aunque no existe una definición formal de sistema numérico, todos los conjuntos
dotados de operaciones binarias que se cuentan convencionalmente entre los sistemas
numéricos tienen propiedades comunes.

En todos los sistemas numéricos convencionales hay definidas dos operaciones binarias
asociativas denominadas adición y multiplicación, y además se cumple que la multiplicación es
distributiva con respecto a la adición. La adición es siempre conmutativa, aunque en algunos
sistemas numéricos la multiplicación no siempre es conmutativa1): Para a, b y c elementos
cualesquiera de {\displaystyle \mathbb {S} } \mathbb S :

Propiedad conmutativa de la adición: {\displaystyle a+b=b+a} {\displaystyle a+b=b+a}

Propiedad asociativa de la adición: {\displaystyle (a+b)+c=a+(b+c)} {\displaystyle

(a+b)+c=a+(b+c)}

Propiedad asociativa de la multiplicación: {\displaystyle (a\cdot b)\cdot c=a\cdot (b\cdot c)}

{\displaystyle (a\cdot b)\cdot c=a\cdot (b\cdot c)}

Propiedad distributiva de la multiplicación sobre la adición: {\displaystyle a\cdot (b+c)=a\cdot

b+a\cdot c} {\displaystyle a\cdot (b+c)=a\cdot b+a\cdot c}

La adición y la multiplicación no necesariamente deben ser las de la aritmética elemental.

Más formalmente un sistema numérico se caracterizan por una séxtupla {\displaystyle

\scriptstyle (\mathbb {S} ,+,\cdot ,{\mathcal {A}},{\mathcal {O}},{\mathcal {T}})} \scriptstyle
(\mathbb{S},+,\cdot,\mathcal{A},\mathcal{O},\mathcal{T}), donde:

{\displaystyle \scriptstyle {\mathcal {A}}} \scriptstyle \mathcal{A} es un conjunto de axiomas

que definen las propiedades algebraicas de las operaciones y conjeturan la posible existencia
de cierto tipo de elementos (opuestos, inversos, etc.)
{\displaystyle \scriptstyle {\mathcal {O}}} \scriptstyle {\mathcal {O}} es un conjunto de axiomas
referidos a la teoría del orden, que dan cuenta de ciertas propiedades asociadas a las
relaciones existentes entre los elementos.

{\displaystyle \scriptstyle {\mathcal {T}}} \scriptstyle \mathcal{T} es un conjunto de axiomas

topológicos, que posiblemente incluyen la definición de ciertas funciones (distancia) y
propiedades (completitud, densidad, etc.)

Ejemplos según estructura algebraica[editar]

Sistemas numéricos con estructura de anillo[editar]

Los números enteros {\displaystyle \mathbb {Z} } \mathbb{Z} son uno de los ejemplos más
sencillos de anillos.

Los números enteros módulo n (donde {\displaystyle n\neq p^{q}} n \ne p^q, con p un número
entero primo).

Los enteros gaussianos {\displaystyle \mathbb {Z} +i\mathbb {Z} } \mathbb{Z}+i\mathbb{Z}

Sistemas numéricos con estructura de cuerpo[editar]

Los números racionales ( {\displaystyle \mathbb {Q} } \mathbb{Q}), mínimo cuerpo que
contiene al anillo ( {\displaystyle \mathbb {Z} } \mathbb{Z}).

Los números algebraicos ( {\displaystyle \mathbb {A} } \mathbb{A}) son una extensión
algebraica de los número racionales ( {\displaystyle \mathbb {Q} } \mathbb{Q}).

Los números reales ( {\displaystyle \mathbb {R} } \R), mínimo cuerpo completo que contiene a
{\displaystyle \mathbb {Q} } \Q

Los números complejos ( {\displaystyle \mathbb {C} } \mathbb{C}), mínimo cuerpo

algebraicamente cerrado que contiene a {\displaystyle \mathbb {R} } \R

Los números enteros módulo p (con p primo, ( {\displaystyle \mathbb {Z} _{p}} \mathbb{Z}_p)
o aritmética modular de módulo p.

Los números hiperreales ( {\displaystyle {}^{*}\mathbb {R} } {}^*\R)son una extensión de los
números reales ( {\displaystyle \mathbb {R} } \R).

Los números superreales son una generalización de los números hiperreales.

Los números surreales son el cuerpo más grande posible que contiene a los reales y siguen
siendo un cuerpo ordenado.

Sistemas numéricos con estructura de álgebra[editar]

Los números cuaterniónicos

Los números octoniónicos

Los números sedeniónicos

Todos estos conjuntos son ejemplos de números hipercomplejos.

Discusión de los ejemplos[editar]

Ejemplos intuitivos[editar]

La mayor parte de ejemplos de sistemas numéricos sencillos están relacionados con

extensiones de los números naturales:

Los números enteros, {\displaystyle \scriptstyle (\mathbb {Z} ,+,\cdot )} \scriptstyle

(\mathbb{Z},+,\cdot) generalizar la idea de contar y permiten formalizar el concepto de deuda
o defecto de algo, es decir, en ellos se puede formalizar operaciones como "4 - 7", etc. Este
sistema numérico tiene una estructura de anillo conmutativo unitario, una topología discreta
trivial. Las propiedades de orden son relativamente simples ya que cualquier conjunto acotado
es finito tiene un elemento mínimo y un elemento máximo pertenecientes a dicho conjunto.

Los números racionales, {\displaystyle \scriptstyle (\mathbb {Q} ,+,\cdot )} \scriptstyle

(\mathbb{Q},+,\cdot) permiten formalizar además de la idea de deuda o defecto de algo, la
noción de porción de algo, eso implica a su vez propiedades topológicas más complicadas,
como la que entre dos números racionales siempre existe al menos otro número racional. Eso
hace topológicamente complicados a los racionales ya que un conjunto acotado no tiene
porqué tener un máximo o un mínimo (aunque sí una cota superior y una cota inferior).
Algebraicamente los racionales tienen estructura de cuerpo. La principal diferencia con los
reales es que los racionales no son un conjunto topológicamente completo.

Los restos de módulo 2[editar]

Los restos de módulo 2, con las operaciones de suma y multiplicación de restos, forman un
sistema numérico. La congruencia de Gauss es una relación de equivalencia. El cociente del
conjunto {\displaystyle \mathbb {Z} } \mathbb Z por una relación de equivalencia lo divide en
clases disjuntas. En el caso de las congruencias de módulo 2 lo que se hace es dividir a los
enteros en números pares e impares. Las operaciones de suma y multiplicación definidas
permiten responder de qué paridad es el resultado de una suma o multiplicación de números
pares o impares, en cualquier combinación que se utilice. Los símbolos "0" y "1" representan a
los restos posibles de la división entera por 2: 0 para los números pares y 1 para los impares.
La expresión 1 + 1 = 0 es equivalente a: impar + impar = par.

Tabla de sumar

+ 0 1

0 0 1
1 1 0

Tabla de multiplicar

× 0 1

0 0 0

1 0 1

Con las tablas es fácil comprobar que las operaciones son conmutativas, asociativas y que el
producto es distributivo con respecto a la suma. Tenemos, entonces, un sistema numérico de
dos símbolos. Para una comprensión más profunda, ver aritmética modular.

Ejemplos según las propiedades de orden[editar]

Sistemas numéricos totalmente ordenados[editar]

Los naturales {\displaystyle \mathbb {N} } \mathbb{N}, los enteros {\displaystyle \mathbb {Z} }
\mathbb{Z}, los racionales {\displaystyle \mathbb {Q} } \mathbb{Q} y los reales {\displaystyle
\mathbb {R} } \mathbb{R} son ejemplos de conjuntos totalmente ordenados.

Los enteros gaussianos o los complejos no son un conjunto totalmente ordenado, ya que no
puede definirse un orden total compatible con las operaciones aritméticas. Ese hecho se sigue
de que tanto la hipótesis de que i > 0 como i < 0 conducen a una contradicción, si se admite
que el orden propuesto es no-trivial y compatible con la multiplicación.

Tampoco números enteros módulo n no admiten ningún orden total compatible con la suma
ya que al ser grupos cíclicos respecto a la suma. Ya que a > 0 debería implicar dos cosas que su
opuestos aditivo -a < 0 y además que sumar un número finito de veces a consigo mismo
implica n·a > 0, pero dado que (n-1)·a = -a, se llega a una contradicción, al ser el primer
miembro postivo y el segundo negativo.

Sistemas numéricos bien ordenados[editar]

Los números naturales {\displaystyle \mathbb {N} } \mathbb{N} son un ejemplo de sistema
numérico que es además un conjunto bien ordenado.

Los números enteros no son un conjunto bien ordenado, aunque cualquier subconjunto
acotado de los enteros sí es finito y por tanto también es un conjunto bien ordenado.

Los números racionales y reales no son un conjunto bien ordenado. Ni siquiera los de cualquier
subconjunto acotados de números racionales o reales es un conjunto bien ordenado. Por
ejemplo el intervalo abierto (0,1) es un subconjunto acotado tanto en los racionales como en
los reales pero no tiene un elemento mínimo perteneciente al conjunto, ya que 0 no es un
elemento de ese subconjunto.

Sistemas numéricos con orden denso[editar]

Ni los números naturales, ni los enteros tienen un orden denso, ya que pueden seleccionarse
dos números consecutivos tales que entre ellos no exista ningún otro elemento. Por ejemplo,
no existe ningún otro número entero entre 2 y 3.

En cambio los racionales y los reales tienen un orden denso, dados dos números diferentes r1
y r2 siempre existe algún otro número entre ellos por ejemplo (r1+r2)/2 o (2r1+r2)/3

Tipos de sistemas numéricos

Existen dos tipos o dos grandes clasificaciones de los sistemas numéricos:

Posicional: es el tipo de sistema numérico en el cual el valor que tienen una cifra cambia de
acuerdo con la posición en la que se encuentre dentro de la cifra del número. El sistema
posicional a su vez se subdivide en varios tipos, por ejemplo:

Sistema binario: únicamente tiene dos valores numéricos, el 0 y el número 1.

Sistema decimal: es el sistema que tiene una base 10 y diez dígitos que van del número 0 al 9.

Sistema hexadecimal: este sistema requiere de 16 diferentes cifras para expresar o poder
representar un número.

Sistema octal: es el sistema que posee ocho cifras para expresar diferentes cantidades.

No posicional: Este es el sistema numérico en el cual la cifra no depende de la posición dentro

del número. Por ejemplo podemos mencionar, a los números romanos.

Aplicación de los sistemas numéricos

Los sistemas numéricos tienen los siguientes usos:

Para contar y expresar los resultados de una medida y para realizar diferentes cálculos.

Pueden ser usados para hacer codificaciones de información.

Se usan en el sistema métrico.

Son usados en el campo de la física para mostrar magnitudes escalares y derivadas.

El sistema octal es utilizado en computación para agrupar bits.

El sistema binario también es utilizado en computación y aparatos electrónicos.

Operaciones

Con el sistema numérico se pueden realizar operaciones aritméticas, suma, resta,

multiplicación y división. Cada sistema numérico tiene su propia forma de realizar cada una de
estas operaciones.

Importancia

El sistema numérico es de suma importancia para nuestra vida diaria pues por medio de él
podemos representar todos los números y trabajar con ellos para resolver una serie de
problemas matemáticos que se nos puedan presentar día a día. Es importante en el campo de
la computación, eléctrico y métrico, para la realización de medidas.

Ejemplos

Sistema Binario: 0, 1

Sistema Decimal: 0, 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9

Sistema Hexadecimal: 0, 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, A, B, C, D, E, F

De decimal a binario
Procedimiento:
Para hacer la conversión de decimal a binario, - Dividir entre 2 sucesivamente
hay que ir dividiendo el número decimal entre - Apuntar el resultado y el resto
dos y anotar en una columna a la derecha el de cada operación
resto (un 0 si el resultado de la división es par - Apuntar a lista de ceros y
y un 1 si es impar). unos de abajo a arriba

La lista de ceros y unos leídos de abajo a

arriba es el resultado.

Ejemplo: vamos a pasar a binario 7910

79 1 (impar). Dividimos entre dos:

39 1 (impar). Dividimos entre dos:
19 1 (impar). Dividimos entre dos:
9 1 (impar). Dividimos entre dos:
4 0 (par). Dividimos entre dos:
2 0 (par). Dividimos entre dos:
1 1 (impar).

Por tanto, 7910 = 10011112

Que es el sistema Decimal a Octal?

En el sistema decimal podemos escribir números como 48783, 67284, 85130, etc, es
decir, es un sistema de números (con base de diez) teniendo así diez valores posibles (0,
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9) por cada valor posicional. Mientras que en el caso del sistema
octal podemos escribir números como 12457, 7561, 4571, 65742, 16457, es decir, es
un sistema de números (con base de ocho) cuyos posibles valores numéricos pueden
ser (0, 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7) por cada valor posicional.
El sistema decimal a octal es el proceso por el cual convertiremos cualquier numero
decimal en un numero octal.

¿Como se convierte de Decimal a Octal?

En cual es mi ip online te enseñaremos a convertir el numero decimal a octal, el proceso
para saber como convertir el numero decimal a octal es sencillo, dicho proceso de
conversión se basa en dividir entre 8 el numero decimal que queremos convertir en
octal, tratando la división como una división entera sin decimales, anotar el resto y
continuar dividendo el cociente obtenido entre ocho sucesivamente hasta conseguir
un cociente final cuyo valor sea de entre 1 y 7.

En este proceso habremos creado una cadena de números con los restos de las
divisiones y el cociente de la división final, estos valores numéricos serán de entre 7
y 0, los ordenaremos de derecha a izquierda y de esta forma obtendremos el numero octal
correspondiente al numero decimal que hayamos querido convertir.
 1. 1
Usa este método si eres un principiante en la
numeración hexadecimal. De los dos métodos en esta
guía, este es el más sencillo de seguir para la mayoría de
personas. Si ya no tienes problemas con las diferentes
bases, prueba con el método más rápido más abajo.
 Si eres completamente nuevo en la numeración
hexadecimal, quizás debas aprender los conceptos
básicos.
2.
 2
Escribe las potencias del 16. Cada dígito en un número
hexadecimal representa una potencia distinta del 16, así
como cualquier dígito decimal representa una potencia
del 10. Esta lista de potencias del 16 será muy útil
durante la conversión:
 165 = 1 048 576
 164 = 65 536
 163 = 4096
  162 = 256
 161 = 16
 Si el número decimal que vas a convertir es mayor a 1
048 576, calcula las potencias más altas del 16 y
agrégalas a la lista.
3.

3
Encuentra la potencia más alta del 16 que concuerde
con tu número decimal. Escribe el número decimal que
estás a punto de convertir. Remítete a la lista anterior.
 Encuentra la potencia más alta del 16 que sea menor al
número decimal.
 Por ejemplo, si vas a convertir 495 a un número
hexadecimal, podrías escoger el 256 de la lista anterior.
4.

4
Divide el número decimal entre esta potencia del
16. Detente en el número entero, ignora cualquier parte
de la respuesta que esté después de la coma decimal.
  En nuestro ejemplo, 495 ÷ 256 = 1,93..., pero a nosotros
solo nos importa el número entero 1.
 Tu respuesta es el primer dígito del número hexadecimal.
En este caso, dado que dividimos entre 256, el 1 está en
el "256.° lugar".
5.

5
Encuentra el residuo. Este te indica lo que queda del
número decimal que vas a convertir. En este punto se ve
 de qué forma calcularlo, tal como lo harías en
una división larga:
 Multiplica la última respuesta por el divisor. En nuestro
ejemplo, 1 x 256 = 256. (En otras palabras, el 1 en
nuestro número hexadecimal representa al 256 en base
10).
 Resta la respuesta del dividendo. 495 - 256 = 239.
6.

6
 Divide el residuo entre las siguientes potencias más
altas del 16. Remítete otra vez a tu lista de potencias del
16. Desciende a la siguiente potencia más baja de 16.
Divide el residuo entre ese valor para encontrar el
siguiente dígito de tu número hexadecimal. (Si el residuo
es menor que este número, el siguiente dígito es 0).
 239 ÷ 16 = 14. Una vez más, ignoramos aquello que esté
después de la coma decimal.
 Este es el segundo dígito de nuestro número
hexadecimal, en el "16.° lugar". Cualquier número de 0 a
15 se puede representar con un dígito único hexadecimal.
Convertiremos a la correcta notación al final de este
método.
7.
 7
Encuentra el residuo otra vez. Como antes, multiplica tu
respuesta por el divisor, después réstala del dividendo.
Este es el residuo que aún se debe convertir.
 14 x 16 = 224.
 239 - 224 = 15, por lo que el residuo es 15.
8.
 8
Repite hasta obtener un residuo menor a 16. Una vez
que obtengas un residuo de 0 a 15, se puede expresar
con un dígito único hexadecimal. Anótalo como el dígito
final.
 El último "dígito" de nuestro número hexadecimal es 15,
en el "1.° lugar".
9.
 9
Escribe tu respuesta en la notación correcta. Ahora
conoces todos los dígitos de nuestro número
hexadecimal. Pero hasta ahora, solo los hemos anotado
en base 10. Para anotar cada dígito en la notación
hexadecimal correcta, conviértelos con esta guía.
 Los dígitos de 0 a 9 permanecen iguales.
 10 = A; 11 = B; 12 = C; 13 = D; 14 = E; 15 = F
  En nuestro ejemplo, terminamos con dígitos (1)(14)(15).
En la notación correcta, esto se convierte en el número
hexadecimal 1EF.
10.

10
Revisa tu trabajo. Revisar tu respuesta es fácil cuando
comprendes cómo funciona la numeración hexadecimal.
Convierte de nuevo cada dígito a la forma decimal,
después multiplica por la potencia de 16 para esa
 posición. A continuación, el trabajo realizado para nuestro
ejemplo.
 1EF → (1)(14)(15)
 Se trabaja de derecha a izquierda, 15 está en la 160 = 1.°
posición. 15 x 1 = 15.
 El siguiente dígito a la izquierda está en la 161 = 16.°
posición. 14 x 16 = 224.
 El siguiente dígito está en la 162 = 256.° posición. 1 x 256
= 256.
 Se suman todas las cifras, 256 + 224 + 15 = 495, nuestro
número original.

Método 2
Método rápido (residuos)
1.
 1
Divide el número decimal entre 16. Trata la división
como una división entera. En otras palabras, haz un alto
en la respuesta con el número entero en lugar de calcular
los dígitos después de la coma decimal.
 Para este ejemplo, seamos ambiciosos y convirtamos el
número decimal 317,547. Calcula 317,547 ÷ 16 = 19,846,
ignora los dígitos después de la coma decimal.
2.
 2
Escribe el residuo en la notación hexadecimal. Ahora
que dividiste el número entre 16, el residuo es la parte
que no puedes concordar en el 16.° lugar o uno mayor.
Por tanto, el residuo debe estar en el 1° lugar,
el último dígito del número hexadecimal.
 Para encontrar el residuo, multiplica tu respuesta por el
divisor, después resta el resultado del dividendo. En
nuestro ejemplo, 317,547 - (19,846 x 16) = 11.
  Convierte el dígito a la notación hexadecimal con el
cuadro de conversión de números pequeños en la parte
superior de esta página, el 11 se convierte en B en
nuestro ejemplo.
3.

3
Repite el proceso con el cociente. Has convertido el
residuo en un dígito hexadecimal. Ahora continúa al
convertir el cociente, divídelo entre 16 otra vez. El residuo
es el penúltimo dígito del número hexadecimal. Esto
 funciona con la misma lógica mencionada anteriormente:
el número original ahora se ha dividido entre (16 x 16 =)
256, por lo que el residuo es la parte del número que no
puede concordar en el 256.° lugar. En este punto, ya
sabemos el 1.° lugar, así que el residuo debe estar en el
16.° lugar.
 En nuestro ejemplo, 19,846 / 16 = 1240.
 Residuo = 19,846 - (1240 x 16) = 6. Este es el penúltimo
dígito de nuestro número hexadecimal.
4.
 4
Repite la operación hasta obtener un cociente menor
a 16.Recuerda convertir los residuos de 10 a 15 a la
notación hexadecimal. Anota cada residuo a medida que
avances. El cociente final (menor a 16) es el primer dígito
de nuestro número. Aquí la continuación de nuestro
ejemplo:
 Toma el último cociente y divídelo entre 16 otra vez: 1240
/ 16 = 77, residuo 8.
 77 / 16 = 4, residuo 13 = D
 4 < 16, por lo que 4 es el primer dígito.
5.
 5
Completa el número. Como se mencionó anteriormente,
se encuentra cada dígito del número hexadecimal de
derecha a izquierda. Revisa tu trabajo para asegurarte de
escribirlos en el orden correcto.
 Nuestra respuesta final es 4D86B.
 Para revisar tu trabajo, convierte de nuevo cada dígito a
un número decimal, multiplícalos por las potencias de 16
y suma los resultados. (4 x 164) + (13 x 163) + (8 x 162) +
 (6 x 16) + (11 x 1) = 317547, nuestro número decimal
original.

Consejos
 Para evitar alguna confusión mientras uses los diferentes
sistemas numéricos, puedes escribir la base como el
subíndice. Por ejemplo, 51210 significa "512 base 10", un
número decimal común. 51216significa "512 base 16,"
equivalente al número decimal 129810.